Franz Ferdinand son una de las bandas confirmadas recientemente en Vida Festival. Presentarán su nuevo disco, ‘Always Ascending’, que se publica el 9 de febrero y que el grupo ha avanzado con el single del mismo título, un tema marcadamente electrónico que vincula su sonido al de gente como LCD Soundsystem o los últimos Arcade Fire, y también a otras canciones electrónicas de su carrera como la gran ‘Lucid Dreams’.
Los de Alex Kapranos presentan ahora videoclip para esta canción, que por supuesto desarrolla en línea ascendente, mostrando primero a los integrantes del grupo flotando en el espacio, tras lo cual se van sucediendo en vertical varios planos del grupo tocando. Han dirigido la pieza los directores franceses AB/CD/CD, quienes Kapranos asegura han “capturado” la esencia de la canción y de la banda. “Esto es un típico domingo por la tarde en el piso de Franz Ferdinand”.
Sobre el álbum, Franz Ferdinand han dicho que es “una mezcla homogénea de futurismo y naturalidad”, indicando que han querido hacer un trabajo que suene a futuro pero que a su vez suene “hecho por humanos”. “No hemos querido aplicar Photoshop a la música”, han apuntado. Además, el grupo asegura que ‘Always Ascending’ será un nuevo comienzo para su carrera.
Charli XCX ha medio confirmado en Twitter que tiene una nueva “mixtape” lista para publicar y para la que ha trabajado con varias estrellas del pop actual. La británica cita (y de hecho etiqueta en su mensaje) a Carly Rae Jepsen, Tove Lo, MØ, ALMA, Brooke Candy, Tommy Cash, CupCakke, Mykki Blanco, Caroline Polachek, Dorian Electra, Pablo Vittar, Jay Bum Park, Kim Petras y A.G. Cook. Polachek ha retuiteado el mensaje y Mykki Blanco ha confirmado la colaboración en Instagram.
Una página de fans de PC Music ha compartido en Instagram los títulos de las canciones, así como productores involucrados y duraciones. Dado que Charli ha confirmado indirectamente la existencia de esta “mixtape”, hay razones para creer que este tracklist es verdadero. Incluiría a SOPHIE, EASYFUN, LifeSim, Lil Data y al mismo A.G. Cook (todos vinculados a PC Music) en su plantel de productores, además de títulos como ‘Femmebot’, ‘Lucky’, ‘Porsche’ o ‘Tears’. Curiosamente la última pista, la 10, está sin título.
Según esta misma página, la nueva “mixtape” de Charli saldría “en algún momento de este mes”. De ser así, sería el segundo disco de este tipo que publica la artista en 2017, tras la salida de ‘Number 1 Angel‘ en marzo. En aquella “mixtape” ya colaboraba con CupCakke y MØ además con A.G. Cook o SOPHIE. Al rapero estonio Tommy Cash le pudimos ver en el vídeo de ‘Boys’.
El pianista y escritor James Rhodes, autor de ‘Instrumental‘, se ha declarado fan de ‘Paquita Salas’, la serie creada y dirigida por Los Javis, quienes últimamente han recaudado 2,7 millones de euros en cines gracias a su película ‘La llamada’. De hecho, Rhodes ha decidido tomar Twitter para pedir a Javier Ambrossi y Javier Calvo que estrenen ya la segunda temporada de la serie.
«¿Puedes darte prisa y hacer más Paquita Salas? Joder. Rápido. Porfi…», escribía anoche en castellano citando a ambos en Twitter en tono jocoso, encontrándose con la respuesta inmediata de Javier Calvo, que reconocía estar «bajo presión». A continuación Rhodes no se rendía: «Deja de tuitear y comienza a escribir 😖». Desde Gestmusic decidían no perder el viaje y pedían a Rhodes ir a la Academia de Operación Triunfo, programa con el que hoy por hoy colaboran Los Javis. Sin embargo, él lo rechazaba escuetamente alegando: «No tengo nada que enseñar».
‘Paquita Salas’ ha sido uno de los éxitos virales de los tiempos recientes, reflexionando sobre lo que hay detrás de la vida de los actores y sus agencias de representación. Este verano en entrevista con Los Javis, cuando les preguntábamos por el contenido feminista de la serie, Javier Calvo contestaba: “Es una serie sobre mujeres que no necesitan ningún hombre, que se mueven ellas solas, que trabajan, que sufren, que lloran, que ríen, que follan, que luchan… sí, ‘Paquita’ es una serie feminista y llena de discursos políticos, como el que hace Mariona cuando se desnuda en mitad de un teatro. O el que hace Claudia decidiendo que no quiere seguir la corriente de una industria que no le hace feliz, que prefiere quedarse en el pueblo. Es el momento en que Paquita decide follarse a su ex y aprovecharse de él para conseguir un papel, o en el que Lidia decide que el fracaso que todos creen no es un fracaso, es un triunfo porque ella es feliz. Es una serie sobre mujeres que descubren su sitio».
Netflix acaba de pegar otro pelotazo con ‘Dark’, una serie alemana de producción propia que se acaba de subir a la plataforma, se promociona como una mezcla entre ‘Stranger Things‘ y ‘Twin Peaks‘… ¡¡y sí, lo es!! Además, podríamos añadir a la ecuación un poquito de ‘Lost’ y ‘True Detective’ y unas gotitas de ‘Fargo’. En breve analizaremos esta serie subida a la plataforma hace un par de días, pero hoy es momento de hablar de su banda sonora.
La banda sonora de ‘Dark’, en España llamada muy tontamente ‘Oscuridad y secretos’ (y digo tontamente porque este nombre no puede sonar más a culebrón tipo ‘Gossip Girl’ o ‘Pretty Little Liars’, cuando nada que ver; claro que el nombre original tampoco es que fuera muy bueno), es de Ben Frost. Sí, el de ‘Aurora‘. Pero la canción que está llamando la atención del público es la de la cabecera, ‘Goodbye’, y se trata de una vieja composición de Apparat.
‘Goodbye’ pertenece al que es el último disco de estudio de Apparat hasta ahora, el editado en 2011 ‘The Devil’s Walk‘. Desde entonces, Apparat ha publicado una adaptación de ‘Guerra y paz’ (localizable como ‘Krieg und Frieden’) y sobre todo ha arrasado junto a Moderat, su proyecto junto a Modeselektor, de momento en «stand by». ‘The Devil’s Walk’ era un disco excelente, del que se extrajeron varios singles, ‘Ash/Black Veil’, ‘Black Water’, ‘Song of Los’ y ‘Candil de la Calle’, pero jamás este ‘Goodbye’ que en 2011 destacábamos como favorita del álbum y ahora, a falta de comprobar si su alcance se hace tan popular como la sintonía de ‘True Detective’ de Handsome Family, ya es lo más oído ahora mismo de Apparat en Spotify.
Se trataba de una composición en la que se hacía acompañar por Soap & Skin, la de ‘Lovetune for Vacuum‘, en la que esta solicitaba: «recuéstame en la cama y apaga la luz», probablemente para evitar «tus mentiras» y dejar que «las sábanas absorban las lágrimas». «No me digas por qué. Dame un beso de despedida. Ni nunca ni jamás. Adiós», concluía esta fantasmagórica composición que se ha decidido adoptar ahora para esta serie que habla de niños desaparecidos en un pueblo alemán a través de varias generaciones. Una buena ocasión, otra más, de sumergirnos en la obra de uno de los autores de música electrónica más importantes de los últimos tiempos. Se acerca su regreso en solitario, suponemos…
Izal, uno de los grupos más exitosos del país, como mostraron las listas de lo más vendido en España en 2015y 2016, volverán a principios de 2018 -en una fecha por concretar- con un nuevo disco llamado ‘Autoterapia’. De momento no se conocen más detalles sobre el largo, más que el grupo ha trabajado en él durante su año de retiro en los estudios de La Casa Murada (Tarragona), que se han convertido «en su segundo hogar estos últimos meses y en el espacio perfecto para dar forma a su cuarto trabajo de estudio».
La noticia se conoce al tiempo que Izal han sido confirmados en Sonorama Ribera, en el Mallorca Live Festival, en el Festival de Los Sentidos, en No Sin Música, o en el Cooltural Fest, todos ellos en 2018.
Por otro lado, se anuncia que el concierto de fin de gira de ‘Copacabana’ verá la luz en vídeo. El documental grabado por AfterliVe Films durante el pasado 25 de febrero en el Palacio de Deportes de Madrid (Wizink Center) ante cerca de 17.000 personas se estrenará en exclusiva en Movistar+ el jueves 7 de diciembre a partir de las 22,30h en Movistar Estrenos (Dial 31) y en su versión bajo demanda. Se hará también una tirada limitada del concierto en formato DVD, que estará disponible a partir del viernes 8 de diciembre en las principales tiendas físicas. Se podrá adquirir en formato en digital en las plataformas de iTunes y Filmin.
Angel Olsen anuncia hoy una gira por nuestro país en la que nos visitará únicamente acompañada de su guitarra. La nota de prensa especifica que este tour será en solitario. Las ciudades que recorrerá son Madrid (el 8 de mayo, Teatro Calderón), Barcelona (el 9 en Barts, dentro del Guitar BCN) y San Sebastián (el 10, Teatro Principal). Las entradas para los conciertos de Madrid y Barcelona se pondrán a la venta mañana martes 5 de diciembre a las 9 de la mañana. Por su parte, las de San Sebastián lo harán el miércoles 14 de diciembre.
Olsen, una cantautora muy querida gracias a la edición de discos como ‘Burn Your Fire for No Witness‘ o ‘My Woman‘, ha publicado este año un disco de rarezas llamado ‘Phases’. La nota de prensa de la promotora especifica que Angel interpretará, en parte, temas de esta colección de rarezas, maquetas y caras B, si bien también habrá hueco para otras canciones de su repertorio habitual.
Os dejamos con ‘Phases’, un álbum del que han gustado especialmente sus interpretaciones de ‘Sweet Dreams’ y ‘May As Well’. Incluso hay vídeo para ‘Special’. La cantante también ha sido noticia recientemente por haber versionado ‘Five Years’ de David Bowie, como podéis ver en Youtube.
Jorja Smith, una joven de 20 años que se ha popularizado sobre todo por aparecer en el multimillonario ‘More Life‘ que este año ha editado Drake, es la ganadora del Brit revelación que concede la crítica, el Critics Choice en el que el público no puede votar y que se anuncia 2 meses antes de la ceremonia. La cantante era una de las tres nominadas junto a Mabel y Stefflon Don, pero finalmente ha sido ella quien se ha hecho con este galardón que cuando eran desconocidos ganaron Adele, Emeli Sandé, Sam Smith y Rag’n’Bone Man. Sus declaraciones han sido: «No me lo puedo creer. Ha sido un 2017 inolvidable, en el que he cumplido muchos de mis sueños y esta es una manera muy especial de finalizar el año. Y ser parte de una lista de nominados en la que solo hay mujeres, junto a Mabel y Stefflon Don, lo hace todavía mejor. Hay mucho por venir en 2018 y haré todo lo que pueda para que también sea un año memorable».
Jorja Smith publicaba su primer EP ‘Project 11’ en noviembre del año pasado. Allí incluía canciones como ‘Carry Me Home’, si bien ha sido este 2017 cuando ha despuntado de veras con la edición de ‘On My Mind’, un tema que ha logrado escalar el top 75 de las listas británicas, dejando atrás hits primigenios como ‘Where Did I Go’ o ‘Blue Lights’.
El sonido de Jorja Smith se sitúa entre el revival del drum&bass noventero, tan popular en Reino Unido durante los 90, el R&B, la música urbana y un puntito jazzy. Fans tanto de Amy Winehouse como de Rudimental pueden encontrar algo que les guste entre sus temas editados hasta la fecha. Su nombre ya sonó cuando fue nominada al BBC Sound of 2017.
Esteban Navarro y Xavier Daura son Venga Monjas, dos comediantes que han encontrado en Youtube el soporte perfecto para albergar sus idas de olla, en una escuela post-Faemino Cansado after-Muchachada Nui pero aún más absurda. Arrastran a miles de seguidores en nuestro país, entre los que se cuentan insignes del actual humor español como Miguel Noguera, Raúl Cimas, Ignatius Farray o Ernesto Sevilla, habituales de sus vídeos. Una de sus «series», ‘Da Suisa’ –una especie de (per)versión sui generis de Los Simpson–, tiene tal éxito que se permiten hacer giras por todo el país realizando espectáculos en vivo con sus personajes.
También han realizado algunos videoclips musicales para artistas como Joe Crepúsculo, Mendetz o Ed Wood Lovers. Pero su relación con la música no acaba ahí, porque en ocasiones desarrollan su faceta como DJs en fiestas en las que combinan performance con hitazos pop de la vida y las «canciones» (a veces son casi jingles de un minuto, pero se convierten en hits) que ellos mismos crean para algunas de sus piezas. Con motivo de una de esas fiestas, la que ofrecen en la noche de mañana martes, 5 de diciembre, en la sala Razzmatazz de Barcelona, hablamos con ellos vía mail sobre todo esto y más.
Aunque partís de vuestros vídeos de Youtube, vuestra actividad también llega a la performance, el teatro… ¿Cómo definiríais lo que hacéis? ¿Quiénes son vuestros referentes?
En pocas palabras, hacemos el mamarracho allá donde vamos. En lo que se refiere a pinchar y armar fiestas un buen referente serían Ojete Calor o Las Bistecs, que además de ofrecer su música siempre aportan un poco de show y cachondeo.
¿No flipáis con el éxito de ‘Da Suisa’? ¿Cómo surgió la idea de trasladarlo a un teatro?
Sí, con ‘Da Suisa‘ flipamos bastante en general. La peña lo abraza a lo loco, y para nosotros es tan divertido que a veces nos da miedo y todo. La idea de trasladarlo a teatros salió de manera natural ya que con la segunda temporada organizamos estrenos en salas de cine tanto en Barcelona como en Madrid, y para el cachondeo con los fans salíamos nosotros haciendo nuestros personajes para presentarlo. Y con el tiempo fuimos viendo que esa parte «en vivo» molaba incluso más, así que la hicimos crecer.
“Tener una serie en Netflix sería un sueño hecho realidad”
¿Os imagináis haciendo televisión, un poco como hicieron los chicos de Muchachada Nui, o creéis que es un medio que no se adapta a vuestro estilo? ¿Qué pasaría si una plataforma televisiva tipo Netflix llamara a vuestra puerta?
Bueno, tener una serie en Netflix sería un sueño hecho realidad. Ofrece un margen creativo muy amplio y la segmentación de su público es tan fina que creemos que sería el lugar más lógico en el que desarrollar un programa en condiciones.
Hemos trabajado en televisión en distintas ocasiones, y aunque han sido experiencias muy interesantes te das cuenta de que tienes que adaptarte a factores y condiciones mucho más grandes que tú, y eso lo hace todo más pesado y complejo. Aun así nosotros nos adaptamos allá donde vamos, esa es la parte con la que más se aprende.
Aunque parece improbable que pudierais trabajar con la libertad que lo hacéis en Youtube, ¿no? ¿Creéis que la ola de puritanismo/corrección política extrema/pielfinismo terminará algún día y el humor irreverente podrá volver a la tele?
Creemos que sí, somos optimistas. Gracias a programas como ‘La Vida Moderna’ en Cadena Ser o Ilustres Ignorantes en Movistar Plus podemos ver que se puede hacer humor incorrectísimo y que no pase nada, que no sea el fin del mundo.
“Intentamos ser muy conscientes de la posible repercusión de cada broma, tenemos algo de autocensura”
Vosotros no os cortáis un pelo. ¿Os ha tocado ya eliminar algún vídeo o creéis que Youtube es una plataforma bastante laxa en ese sentido?
Bueno, nosotros damos la imagen de que no nos cortamos pero en realidad un poco sí. En el proceso de hacer vídeos intentamos ser muy conscientes de la posible repercusión de cada broma, tenemos algo de autocensura. No consideramos ofensivo nada de lo que hacemos, ni siquiera ‘Da Suisa’, ya que todo sucede ahí se ve en un universo tan desquiciado que el comportamiento de los personajes resulta incluso naïf.
Durante un tiempo, cuando no erais tan conocidos, hicisteis videoclips muy locos para Joe Crepúsculo, Mendetz y Ed Wood Lovers. ¿Os trajeron más disgustos que alegrías? ¿No hacéis más porque no os llegan más peticiones o porque ya no tenéis tiempo?
Videoclips hacemos si alguien nos lo pide y nos apetece, claro. Pero por lo general consideramos que no es nuestro trabajo, que hay una cantidad brutal de realizadores mil veces mejores que nosotros para ello. Si hoy en día hacemos algún videoclip es porque lo vemos muy claro y sabemos que lo pasaremos bien con él.
Parte de vuestra producción son vídeos musicales para vuestras propias “canciones”, por llamarlas así. ¿Cómo surgen? ¿Quién escribe, compone y graba esos temas?
Normalmente surgen de ideas tontas, como todo lo que hacemos. Luego ponemos ideas en común, por lo general escribimos la letra entre los dos, y finalmente Esteban es quien lo compone y lo graba. Es habitual también tener ya medio definido cómo imaginamos que será el vídeo, lo cual es muy buena referencia.
Un poco como en los recopilatorios que hacéis anualmente, ¿os han llegado propuestas “serias” para darles forma y reunirlas en un disco físico o algo así?
No, lo hemos hecho directamente nosotros. Tenemos editados los CD’s recopilatorios de los HITS anuales y otros temas del universo Venga Monjas, y los vendemos como merchandising en los espectáculos.
¿Cuál es el hitazo de este año? Apuesto por ‘Padres en redes’, le veo unas posibilidades brutales a ese “Likeazo de tu madre”…
¡‘Padres en redes’ funcionó guay, sí! Pero el hitazo de este año sin duda es ‘Almendrero de Doraemon’, que se nos ocurrió en un viaje largo en coche en el que vimos árboles rosas como los que salen en Doraemon. Esa fue nuestra forma de dar la bienvenida a la primavera, una de nuestras cuatro estaciones favoritas del año.
Y en vuestras fiestas, como la que haréis en Razzmatazz… ¿Ponéis estas canciones? ¿Os las pide el público?
¡Claro! Nos gusta poner temazos de los que nosotros escuchamos, actuales y clásicos, pero si han venido fans de Venga Monjas siempre reclaman nuestros propios hits, y siempre generan mucho subidón. ‘Almendrero de Doraemon’, por ejemplo, es un éxito asegurado. O la aparición en vivo de Briel, el miembro oculto de M83 que toca ‘Midnight City’ con un globo.
¿El cartel de vuestra fiesta del martes podría ser la versión quijotesca del Studio 54 del caballo blanco de Truman Capote o no era la intención?
Jajajaja… pues es obra de Marc Torices, un dibujante del que somos grandes admiradores, así que habría que preguntarle a él. Es un artista.
“[En nuestras fiestas] El criterio es poner lo que escucharíamos en un viaje en coche, temazos que dan subidón, temazos inmortales”
¿Cómo fue lo de pinchar en el WAM de Murcia, donde sonaron ‘Halo’, ‘Firework’, ‘HDA’, ‘Hooked On a Feeling’ o ‘Wannabe’? ¿Cuál es vuestro criterio a la hora de seleccionar las canciones?
Estos son precisamente temas muy recurrentes en nuestras sesiones en general. El criterio es poner lo que escucharíamos en un viaje en coche, temazos que dan subidón, temazos inmortales.
¿Cuáles son vuestros discos del año?
‘American Dream’ de LCD Soundsytem; ‘Volcano’ de Temples; ‘Guardians of the Galaxy, Awesome Mix Vol. 2’; ‘Drunk’ de Thundercat.
Nos encantó vuestra putadita a Miguel Ángel Blanca, ¿a qué famoso internacional os hubiera gustado gastársela y, por ende, tocar el culo?
A Vladimir Putin, obviamente.
Una publicación compartida de Venga Monjas (@vengamonjas) el <<<<<<<<∓mp;mp;mp;mp;t;>¿Y cómo conseguís embaucar a gente tan prestigiosa como Miguel Noguera –que ya es como el tercer Venga Monja– o Raúl Cimas en vuestras flipadas? ¿Qué creéis que ven en vosotros? Creemos que simplemente son buena gente, con una gran paciencia. El tema cameos y colaboraciones no tiene mucho misterio, la razón normalmente es que nos llevamos muy bien también detrás de las cámaras. Son gente con la que nos podemos echar unas cervezas, y habitualmente es en este contexto donde surgen las ideas para luego grabar.¿A quién os gustaría poder incluir en vuestros vídeos que no ha podido por cuestiones de agenda –o eso os ha dicho a vosotros para librarse–? Un montón de gente. Estábamos preparando, por ejemplo, un vídeo con Cecilio G, que se tuvo que aplazar por su reciente desaparición. Por suerte ahora ha vuelto, quizás algún día terminamos haciéndolo. Pero vamos, que en última instancia siempre es preferible echarse unas risas sin más historias. Si al final acaba saliendo un vídeo todo eso que ganamos, pero no es la prioridad.
“Lo de Chiquito (…) nos anima a ser libres, a darnos cuenta que algo tan raro y único también puede triunfar a una escala enorme ”
Habéis lamentado mucho la muerte de Chiquito, y recuperado aquel vídeo fantástico de Miguel Noguera aprendiendo sus tics. ¿Habéis pasado estos días viendo recopilación de vídeos suyos favorita en youtube, recordáis chiste favorito o de qué manera os ha influido? Claro, la muerte de Chiquito fue algo muy triste para el planeta Tierra en general. Incluso para gente de, por ejemplo, Nepal, que quizás no lo conocían pero aun así pudieron notar que algo importante, una energía, se había apagado ese día. A nosotros nos pilló en Canarias, donde íbamos a actuar con Da Suisa, y obviamente le dedicamos el espectáculo de esa noche.
Lo de Chiquito no es tanto influencia sino más bien una alegría transmitida, una energía positiva que nos anima a ser libres, a darnos cuenta que algo tan raro y único también puede triunfar a una escala enorme. No rescataríamos ningún chiste de Chiquito sino más bien todo el barniz que le daba a todo lo que contaba. Cada comentario que hacía estaba lleno de sabiduría y quizás no tenía nada que ver con el chiste en sí. Como por ejemplo decir «allá por el siglo XV, en la época en la que no había niños en el mundo»… ¿qué significa eso? Es poesía.
< strong>También habéis bromeado sobre dar las Campanadas, ¿qué sería lo último que diríais a los espectadores este año y lo primero del que viene? Lo último, «¡hasta el año que viene!». Lo primero, «¡bienvenidos a un nuevo marrón!».
Ojete Calor bromean sobre «El Guapo» de Venga Monjas en ‘Musicote’ pero cada vez tenemos menos claro quién es. ¿Quién va a envejecer mejor?Marga, sin duda.<<<<<<<<
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El Suite Festival inaugurará su cuarta edición el 23 de enero con Els Amics de les Arts y se prolongará hasta el 9 de junio con el cierre de Love of Lesbian. Los conciertos se celebrarán en «el marco incomparable» del Gran Teatre del Liceu. Roger Guasch, director general del Gran Teatre del Liceu, ha declarado que se trata de “un festival plural para una institución plural. El Liceu, cada día más cerca de la gente, se implica en iniciativas que permitan desarrollar nuevos públicos e incentiva nuevos caminos que acerquen el Gran Teatre a la gente».
Entre los artistas confirmados están Norah Jones, Gregory Porter presentando su disco ‘Nat King Cole & Me’, Love of Lesbian y Luz, además de Tony Hadley, ex miembro de Spandau Ballet (hubo divorcio hace poco). También estará Pablo López ahora que está cambiando de target.
Las entradas para algunos de estos conciertos ya están a la venta a través de www.suitefestival.com, www.clipperslive.org , www.ticketmaster.com y las taquillas del Gran Teatro del Liceu. Otras saldrán en breve. Así quedará el calendario de la programación:
• 23 ENERO – ELS AMICS DE LES ARTS ( 21 Horas)
• 16 MARZO – GREGORY PORTER ( 21 Horas)
• 23 MARZO – TONY HADLEY, SPANDAU BALLET (21 Horas)
• 5 ABRIL – NORAH JONES ( 21 Horas)
• 7 ABRIL – LUZ CASAL (21 Horas)
• 27 ABRIL – PABLO LÓPEZ ( 21 Horas)
• 30 ABRIL – ANTONIO JOSÉ ( 21 Horas)
• 9 JUNIO – LOVE OF LESBIAN ( 21 Horas)
Modelo de Respuesta Polar estrenan el vídeo para ‘Sábados’, una de las canciones más rockeras de su último disco ‘Más movimientos’, publicado recientemente tras la buena aceptación de ‘Dos amigos‘ o ‘El cariño‘. El vídeo refleja oficialmente «una extraña historia de ruptura y venganza», y en lo de extraña tiene algo que ver un personaje furry, si bien lo que parece claro es que pasamos de ver a una novia aparentemente plantada en el altar a un secuestro con negras intenciones del que suponemos el novio, Borja Mompó, líder del grupo.
El director Alberto Van Stokkum retrata «una historia con tintes de road movie inspirada en la estética norteamericana de los setenta en la que los motivos sureños y los espacios desoladores sirven de escenario». Las protagonistas son Gema Galán y Amaia Lillo.
Os dejamos con las fechas de la gira ‘Más movimientos’, 6 de las cuales forman parte de la iniciativa Girando Por Salas, que permite a grupos con hasta 3 discos realizar giras fuera de su provincia.
Sábado, 20 enero VALENCIA Ram Club de La Rambleta + Joana Serrat
Viernes, 26 enero LEÓN El Gran Café León
Sábado, 27 enero OVIEDO La Salvaje
Domingo, 28 enero * MIRANDA DE EBRO (Burgos) Espacio Bocca (Girando Por Salas)
Viernes, 16 febrero * CÓRDOBA Hangar (Girando Por Salas)
Sábado, 17 febrero * SEVILLA Sala X
Viernes, 23 febrero * MÁLAGA Velvet Málaga
Sábado, 24 febrero * GRANADA BoogaClub
Viernes, 2 marzo * A CORUÑA Mardi Gras
Sábado, 3 marzo * SANTIAGO DE COMPOSTELA Moon Music Club (Girando Por Salas)
Jueves, 8 marzo * MADRID Teatro Lara
Viernes, 9 marzo * DONOSTI Dabadaba
Sábado, 10 marzo * HUESCA El Veintiuno
Viernes, 16 marzo * CÁDIZ El Pelícano MúsiCafé
Sábado, 17 marzo * BADAJOZ Sala Aftasi
Sábado, 24 marzo * MALLORCA Sala Red
Sia tenía que hacer a finales de la semana pasada dos conciertos sueltos en su país, Australia. La situación meteorológica se complicó y no pudo volar para ir desde Melbourne, donde había actuado, hasta Sidney, donde tenía que tener lugar el concierto del pasado sábado 2 de diciembre.
Ni corta ni perezosa, decidió no cancelar el show sino realizar un viaje de 13 horas en coche para poder actuar. ¿Pidió que alguien la llevara? No está muy claro si condujo ella o alguien de su equipo, pues omite el sujeto en «drove», pero según ha indicado en Twitter, les ha pasado de todo: «Puede que llegue 5 minutos tarde. No hemos podido coger el avión debido al mal tiempo, así que hicimos un viaje de 13 horas, y luego reventó una rueda, lo cual me ha dado una diarrea horrible. Sed pacientes conmigo, chicos. Os quiero». Después, indicaba: «Estoy a 4 minutos del recinto. Totalmente vestida. Lista para salir. Sed pacientes. Lo siento muchísimo». Su sentido del humor ha llegado hasta el punto de retuitear un mensaje en el que la llamaban «reina de la diarrea».
La cantante realizó su concierto habitual de 16 canciones como puede verse en Setlist.fm. Sia ha publicado recientemente un disco navideño llamado ‘Everyday Is Christmas‘, si bien decidió centrarse en sus grandes éxitos.
I may be five minutes late. We couldn't catch a plane due to weather, so drove thirteen hours then blew a tire which has given me crazy diarrhea. Bear with me guys. I love you.
Qué gran año, 1997. Mi primer FIB (el de la tormenta infernal), algunos de mis discos favoritos, como el ‘Homogenic’ de Björk, el ‘The Boatman’s Call’ de Nick Cave… Sin embargo, 1997 pasará a la historia del pop por ser el año en que Radiohead parieron ‘OK Computer’, su obra magna; aquella que les catapultó del pelotón del brit-pop (a pesar de poseer un hitazo como ‘Creep’) a la primera línea del rock mundial, los consagró y los convirtió en artistas masivos y de culto (no, no son categorías excluyentes). Pero en 1997 pasé completamente de ‘OK Computer’. A día de hoy, sigo pasando. Del disco en particular y de la banda en general. No me gustan Radiohead. Bueno, “no me gusta” es una expresión poco adecuada, porque implica disgusto. Los de Oxford no me disgustan. Simplemente, no me dicen nada. Pero… ¿por qué un disco y un grupo cargado de argumentos para encantarme me genera tal indiferencia? ¿Por qué una banda que, por edad –‘Creep’ arrasó cuando yo tenía 16 años, ‘OK Computer’ me pilló con 20-, debería apelarme, no lo hace? Generacionalmente hablando, me los comí de pleno. Y sin embargo…
Sin embargo, no hay manera. Para escribir este artículo he escuchado por enésima vez ‘Ok Computer’, tratando de que me subyugue. Y nanay. En ‘Airbag’ ya obtengo la clave de mi resistencia; es la voz de Thom Yorke. Esa voz… Sus gorgoritos, ese cantar atormentado que, imagino, conmoverá a muchos, a mí me repele y me aleja del grupo. Las letras sobre alienación urbana serán excelentes, pero soy incapaz de prestarles la atención que requieren. A la voz de Yorke hay que sumarle el trauma que me suponía ver y escuchar constantemente el vídeo de ‘Paranoid Android’ en el Sputnik de la televisión catalana (¡hace 20 años ya!). Odiaba el clip, me agobiaba la canción. Y encima tan larga… ’Exit Music’ me aburre soberanamente. ‘Exit Music’ y casi todas las demás. Hasta la belleza de ‘Let Down’ que, de verdad, por estructura, melodía, melancolía, lo tiene TODO para arrebatarme, se me resiste. Hay otro elemento que me repele, no sólo la interpretación de Yorke; la ausencia de sentido del humor (aunque en esto haya discrepancias). No puedo con tanta existencia torturada. Joy Division o The Cure tampoco es que sean la alegría de la huerta precisamente (por comentar dos de mis grupos favoritos), pero la amargura vital de Robert Smith o Ian Curtis sí que me hiere directamente. La de Yorke, no. El agujero negro emocional de Radiohead no me genera catarsis alguna. Conozco a gente a la que ‘OK Computer’ le toca la fibra tan profundamente que no lo puede escuchar sin hundirse en el abismo. Yo el abismo ni lo huelo. Es todo tan triste, tan trascendente, tan falto de esperanza, que soy incapaz de creérmelo. Los demonios de Yorke no me estremecen. Peor, es que ni me los creo. Siempre he visto algo postizo a su sufrimiento.
Han pasado veinte años y mi mejor amigo de vez en cuando me sigue insistiendo en que ‘OK Computer’ “es-un-discazo”. Mi hermano, que se reía de ellos (aunque era muy fan de ‘Pablo’s Honey’ y ‘The Bends’), acabó rindiéndose al álbum. ¡Hasta la Rockdelux, que en su momento lo cuestionó (no aparece en su lista de mejores discos de los 90), le acabó cediendo un puesto de honor entre los discos más importantes del período 1984-2014! ¡Todo el mundo ama ‘OK Computer’! Todo el mundo… menos yo. Pero como en todo, siempre hay excepciones. En mi caso son ‘Karma Police’ y ‘No Surprises’. ‘Karma Police’ es tan buena que logra superar ese piano tan solemne y la voz arrastrada de Yorke. Cuando la tocaron en el FIB 2002 fue impresionante. Sin duda, el arranque de canción más coreado y emocionado del que he sido testigo en mi vida. Ese recuerdo fue el que me empujó a asistir a su concierto en el Primavera Sound de 2016; quería volver a ver vivir esa emoción colectiva, aunque fuera desde muy lejos. Lamentablemente, el sonido escaso me lo impidió. Y me largué a los diez minutos. De lo único que me arrepiento es de no haberme quedado en Dinosaur Jr en el Ray Ban, pero al menos fui al chiringuito techno y me encontré cinco euros.
U2 publicaron ‘No Line On the Horizon’ en 2009, pero podemos decir que llevan mareando la perdiz con sus dos siguientes lanzamientos seis años. Desde 2011, hemos asistido a un infinito ir y venir de sesiones aceptadas y descartadas con RedOne, Danger Mouse, Paul Epworth, Jacknife Lee, Steve Lillywhite, Andy Barlow, largo etcétera, todo ello para dar lugar al que tenía que ser uno de sus proyectos más ambiciosos, una especie de disco en dos partes que han resultado ser ‘Songs of Innocence‘, un álbum bastante mono y aceptable muy perjudicado por su desacertada e intrusiva promoción en nuestras carpetas de iTunes; y el actual ‘Songs of Experience’ que acaban de lanzar, cuyo retraso se asocia, además de a la deriva creativa de la banda, al accidente de bici de Bono y a la llegada al poder de Trump y el Brexit.
Tantas vueltas sobre un disco de U2 solo podía darnos un álbum ambicioso, trabajado, diferente, con sus mejores canciones desde ‘All That You Can’t Leave Behind’ (2000)… pero no. A pesar de que un co-autor del álbum, el exitoso Ryan Tedder, hablaba de «nuevo sonido de U2», lo que encontramos en ‘Songs of Experience’ es más bien la repetición de trucos y melodías ya vistas multitud de ocasiones en su carrera, solo que aquí en composiciones mucho menos inspiradas.
El inicio del álbum promete, intriga. ‘Love Is All We Have Left’ es la única producción de Andy Barlow, sí, el muchacho de Lamb (!!!!) y parece que va a introducirnos en un álbum introspectivo, con voces tratadas con Autotune o similar en su justa medida, para hablarnos de la importancia del amor, la amistad, la familia, los refugiados… los temas que interesan al grupo. Pero no. Enseguida irrumpe ‘Lights of Home’, un tema co-escrito con Haim que contiene una de las frases más llamativas del disco («no debería estar aquí porque debería estar muerto»), pero también un feo pseudo góspel final rollo «free yourself» que no tiene ni una décima parte de icónico de lo que sus autores creen. Los singles a continuación lo confirman: el único «nuevo sonido» al que se refería Tedder era el del remix con Kygo del single. Apaga y vámonos.
‘You’re the Best Thing About Me’ es además una canción demasiado deudora de ‘Even Better Than the Real Thing’. ‘Get Out Of Your Own Way’ suena algo mejor, pero duele ver la desgana con la que la defienden en directo. ‘American Soul’ es machacona, obvia, una canción funcional para los estadios que parece una mezcla entre dos temas que ya eran serie Z (‘Get On Your Boots’ y ‘Vertigo’), pero vistos los resultados de los dos primeros sencillos, quizá habría sido buena opción como single oficial. Lo seguro es que a lo largo de este metraje se percibe a U2 desesperados por un gancho al que asirse, como sucede en ‘Summer of Love’, una de las canciones sobre los refugiados («he estado pensando en la costa oeste, pero no en la que todo el mundo conoce / estoy harto de vivir entre sombras»), a la que por alguna razón han decidido dotar de una guitarrica «de moda» que parece aportada por el Avicii de 2014.
A veces el disco parece que va a despegar y cuenta con sus pequeños aciertos, como el crescendo de ‘The Little Things That Give You Away’ o las bienaventuranzas de Kendrick Lamar que cierran ‘Get Out Of Your Own Way’ (“bienaventurados los obscenamente ricos / porque solo puedes poseer de verdad lo que ofreces a los demás, como tu tristeza”) y abren ‘American Soul’ («bienaventurados los que hacen bullying / porque algún día tendrán que hacer frente… a sí mismos»). Es conmovedor ver que Lamar les devuelve el favor (U2 aparecen en ‘DAMN‘, en una ‘XXX’ aquí referenciada), como ensalzando el valor de todas las veces que Bono ha ondeado la bandera blanca mientras todo el mundo le acusaba de ser un plomo. La pena es que Lamar no se haya quedado por el estudio para indicarles que ‘The Showman (Little More Better)’ no puede tener más vocación de cara B, que a ‘Love Is Bigger Than Anything in Its Way’ el título le queda muy grande y que ‘The Blackout’ quiere ser un guiño a ‘Achtung Baby’ o ‘The Fly’ pero no llega ni a ‘Change of Heart’ de Cyndi Lauper.
En toda una vida siguiendo los pasos de U2, nunca se les ha visto tan desorientados e indecisos, tratando de alcanzar al público de Coldplay pero solo con una remezcla, e incapaces de satisfacer a su público de siempre con un clásico a la altura. Si al menos ‘Songs of Innocence’ contenía canciones tan inmediatas como ‘Volcano’ y tan emocionantes como ‘Iris’, ‘Songs of Experience’ nunca consigue averiguar la forma de hacer honor a su nombre.
Calificación: 4,4/10 Lo mejor: ‘Get Out Of Your Own Way’, lo que promete ‘Love Is All We Have Left’, el crescendo de ‘The Little Things That Give You Away’, las preciosas bienaventuranzas de Kendrick Lamar Te gustará si: crees que ‘Song for Someone’ era tan buena como para ser referenciada tal que ya Escúchalo:Spotify
“El ‘perfecto desconocido’ de esta película es Álex de la Iglesia”. Algo así pensaba escribir en esta crítica mientras veía el último e impersonal trabajo del director de ‘El bar’. Pero luego me di cuenta de que no, de que de la Iglesia ha estado “desconocido” ya otras veces, en otros encargos como ‘Los crímenes de Oxford’ (2008) o ‘La chispa de la vida’ (2011), posiblemente sus dos peores películas. ‘Perfectos desconocidos’ es un remake de ‘Perfetti sconosciuti’ (2016), un taquillazo en Italia que aquí ni siquiera se estrenó. Se lo encargó Paolo Vasile, el jefazo de Telecinco. Y de la Iglesia, que siempre ha renegado de su condición de autor, aceptó. He aquí la gran paradoja: un director que no quiere ser autor pero cuyas mejores películas son las más personales.
‘Perfectos desconocidos’ parte de una atractiva premisa argumental: ¿qué pasaría si un grupo de viejos amigos, tres matrimonios y un soltero, compartieran durante una cena todo lo que les llega al móvil? A priori, las posibilidades tragicómicas y metafóricas de esta idea son enormes. Lo que los móviles esconden puede dar lugar a situaciones hilarantes y dramáticas, a la vez que generar estimulantes reflexiones sobre la pérdida de la intimidad y la hipervisibilidad de la sociedad contemporánea (algo que ha expuesto con brillantez Ray Loriga en ‘Rendición’).
El problema es que esta premisa está desarrollada de forma muy poco ingeniosa. Cuando el personaje de Belén Rueda comenta al principio de la reunión que espera que en la cena “pasen cosas” y Ernesto Alterio replica que “a ver si van a ser cosas malas”, las expectativas del espectador crecen como la luna sangrante de la película. Sin embargo, a pesar de una media hora esperanzadora (por divertida), estas se verán defraudadas. Casi todas las “cosas que pasan” están relacionadas con la infidelidad conyugal. Y la manera de resolverlas es más rancia que ponerse a discutir de vinos en Nochebuena. Las situaciones y los diálogos entre las parejas, con frases del tipo “los hombres sois todos unos cerdos”, están más cerca de ‘Matrimoniadas’ que de, no sé, Cesc Gay, quien borda este tipo de relatos.
‘Perfectos desconocidos’ está bien dirigida e interpretada. El director demuestra su habilidad en la puesta en escena consiguiendo que en ningún momento tengamos la sensación de estar viendo teatro filmando (casi toda la película transcurre en el interior de una casa). Y los actores están más o menos bien. Destacando la vis cómica de Ernesto Alterio o el oficio de Eduard Fernández, quien salva una secuencia dramática (la de la hija) que está al borde del precipicio sentimental. Sin embargo, la historia no funciona. Dejando a un lado sus “licencias dramáticas” (hay que ver la cantidad de llamadas y mensajes comprometidos que les llegan a los personajes en tan poco tiempo), la película se mantiene todo el rato en un tono demasiado convencional. Es como el redondo que sirven en la cena: le falta sal. Locura cómica, giros ingeniosos, esgrima verbal, riqueza metafórica… Algo que la aleje de ‘Cena de amigos’ (2009) y la acerque más a Buñuel, ‘Coherence’ (2014), ‘Cena a las ocho’ (1933), ‘El guateque’ (1968), ‘Krisha’ (2015)… 5’5
Miguel ha publicado esta semana nuevo disco, ‘War & Leisure’, que como indica su título contiene canciones políticas y otras más distendidas sobre placer y amor, además de colaboraciones con Rick Ross o Kali Uchis. A los singles ‘Sky Walker’ y ‘Told You So’ se ha sumado ahora ‘Now’, la bonita balada de soul electrónico que cierra el álbum.
‘Now’ habla de la inmigración y no tarda en dirigirse directamente a Donald Trump en la primera frase, “jefe del mundo libre”, y a su famoso muro: “construye tus muros altos y amplios, haz todo lo que puedas para echarlos, pero eso no cambiará lo que son en su interior”. Más adelante, Miguel plantea al presidente de Estados Unidos una pregunta que no por simple es menos profunda: “¿deberíamos enseñar odio a nuestros hijos, perseguir a los inocentes y matarles de un tiro?”
Para ‘Now’, Miguel ha presentado un videoclip que documenta su visita al centro de detención migratoria High Desert, la mayor de California y que mantiene presos sobre todo a inmigrantes de Centroamérica, México y Haití. El vídeo incluye declaraciones de personas que han sido detenidas y una de ellas apunta: “¿cómo puede una persona estar detenida durante nueve años y cuatro meses? Eso no es una detención”.
Este viernes ha llegado a la taquilla ‘Perfectos desconocidos‘, la nueva película de Álex de la Iglesia. El director ha concedido una entrevista a El País para promocionarla y ha hablado sobre su deseo de realizar películas al margen de las salas de cine tradicionales, expresando: “No se me caen los anillos porque mis películas se vean en un móvil. El talibanismo ese de que el cine es una cosa proyectada se lo dejo a señoras mayores y gente muy seria”.
La frase sobre las señoras mayores de Álex de la Iglesia, que a priori parece expresada sin malicia, no ha gustado a la escritora y periodista Elvira Lindo, quien en un opinativo para El País ha expresado su desacuerdo con que el director represente a las señoras mayores como personas anticuadas y “fuera de onda”. De la frase se desprende que las señoras mayores, al decantarse por la tradición, carecen de credibilidad cultural frente al público joven, y Lindo argumenta que “resulta cansino ese referirse a las señoras mayores con tan tradicional condescendencia”. La periodista recalca el valor de que este colectivo asista a las salas de cine, manteniéndolas abiertas, e insiste en que las señoras mayores mantienen una vida cultural muy activa, pues además de ir al cine van a museos o llenan los clubs de lectura.
Álex de la Iglesia suscribe las palabras de Lindo y ha pedido disculpas en Twitter por su expresión, puntualizando que él mismo se llama señora mayor de vez en cuando. Finalmente ha escrito un artículo-respuesta a Lindo para El País llamado “confesiones de una señora mayor”. Dice que ha metido la pata y ha explicado lo que quería decir, que es que “hay una corriente de opinión que rechaza las nuevas ventanas de exhibición frente a lo que supone la clásica proyección en una pantalla, y eso me parece un paso atrás”. “Creo que todos los formatos, salas, televisión y plataformas digitales pueden convivir en paz sin entorpecerse unos a otros”, ha apuntado.
Las películas tienen hoy una vida más larga gracias a su exhibición en la tele. Pero estoy segura de que todos los trabajadores del cine se alegran cuando consiguen llenar las salas, incluso aunque sea de señoras mayores. Como seremos todas. @el_paishttps://t.co/FIeuv3vibB
Vaya por Dios. Lo siento, @ElviraLindo de corazón. Yo me llamo a mi mismo a menudo “señora mayor”. Tienes toda la razón del mundo. https://t.co/rkuOb1C4js
Siento muchísimo que lo hayas interpretado así. Jamás despreciaría a las “señoras mayores”, mi madre, Terele Pavez, a la que amaba con toda mi alma… Nos encontramos en un momento difícil en el que todo se saca de quicio. Seguro que soy estúpido, pero no machista.
Taylor Swift era cabeza de cartel de KIIS Jingle Ball, el festival que organiza cada año la mencionada emisora de radio estadounidense. Había mucha curiosidad por atender a su set ya que era la primera vez que la cantante interpretaba en directo algunos temas de su nuevo disco, ‘reputation‘, entre ellos el sencillo principal ‘Look What You Made Me Do’.
Sonó la mencionada producción de Jack Antonoff y también el nuevo single, ‘End Game’, también por primera vez en directo y para la que Swift invitó al escenario a Ed Sheeran, uno de los colaboradores en la canción (el otro, Future, no apareció). Swift cantó además ‘…Ready for It?’ (estrenada recientemente en Saturday Night Live), ‘I Don’t Wanna Live Forever’ (sin Zayn) y un par de singles de su disco anterior, ‘Shake it Off’ y ‘Blank Space’.
Este viernes, ‘reputation’ ha llegado finalmente a Spotify tras publicarse el pasado 10 de noviembre.
Es fácil subestimar a Sia: su estilo es tan personal que cualquier canción que escribe para otros puede parecer compuesta en piloto automático. ¿Cómo enfrentarse entonces a un disco de villancicos originales de Sia, con el sopor que supone en principio volver a escuchar otra vez, una y otra vez, canciones sobre árboles de navidad, hogueras, regalos colocados “bajo el muérdago” y “jingle bells”? Con la misma actitud con la que uno se enfrenta a la realidad que Sia es capaz de convertir un descarte en la canción del verano: sin prejuicios.
Así, ‘Everyday is Christmas’ revela ante el oyente un disco muy divertido y ligero para la #Navidad2017, que pese a ciertas frases y melodías escritas con el piloto puesto (“trae una botella de ron, licor de crema y whisky borbón”, canta Sia en ‘Ho Ho Ho’ mientras mira la lista de la compra) contiene buenas melodías y sobre todo sentido del humor. Porque el sencillo principal ‘Santa’s Coming for Us’ es tontorrón, pero como composición llena de vientos y campanillas inspirada en Phil Spector también es una gozada, y más interpretada por una Sia que no podría cantar mejor; y en los villancicos Motown de los 60 se inspiran también claramente la jocosa ‘Candy Cane Lane’ y ‘Puppies Are Forever’, que lejos de resultar infantil emociona gracias a su sincero -e importante- mensaje en defensa de la adopción de canes (“encontré a mi amigo en la vieja perrera”).
Sia también tiene una balada conmovedora bajo el brazo, una ‘Snowman’ en la que se imagina con su amado “viviendo felizmente en el Polo Norte”, y aunque la solemne balada final ’Underneath the Christmas Lights’ parece subdesarrollada, a estas alturas de ‘Everyday is Christmas’ las buenas canciones del disco -junto a otras como ‘Sunshine’ o ‘Underneath the Mistletoe’- ya han sido muchas más de las que esperábamos. De nuevo, Sia vuelve a sorprendernos, ahora haciendo un disco de villancicos del cual posiblemente vayamos a rescatar algún tema que otro para la futura playlist navideña de 2018.
Calificación: 7,1/10 Lo mejor: ‘Santa’s Coming for Us’, ‘Candy Cane Lane’, ‘Snowman’, ‘Puppies are Forever’ Te gustará si te gusta: ‘All I Want for Christmas is You’ Escúchalo:Spotify
‘Last Christmas’ de Wham! es una de las dos canciones navideñas contemporáneas que vuelve cada año por Navidad -la otra evidentemente es la de Mariah Carey-. Coincide además que George Michael, su autor e intérprete, fallecía el año pasado en el día de Navidad, por lo que el mensaje de “la última Navidad” de esta canción tomaba entonces un nuevo y triste significado.
Pero aunque Michael ya no está, ‘Last Christmas’ seguirá alegrándonos las Navidades y una persona ha tenido la idea de hacer una versión de 25 minutos de la canción. Sí, lo habéis adivinado, tras la tontería está la misma persona que hizo una versión de media hora de ‘Fastlove’ el pasado mes de abril. Dave Fawbert, el autor, ha usado la versión extendida de ‘Last Christmas’ para crear esta nueva pieza que realza la enorme melancolía de esta canción sobre un amor extinguido en Navidad.
‘Last Christmas’, que se publicó el 3 de diciembre de 1984 junto a la cara B ‘Everything She Wants’, ha vuelto ya a las listas de éxito de Reino Unido, subiendo esta semana del 81 al 29. Curiosamente el tema jamás fue número uno en la época y es una de las canciones que nunca fueron número uno más vendidas en Reino Unido.
Benjamin Clementine es uno de los talentos más singulares de Reino Unido. Su dramática y excéntrica forma de cantar y sus canciones con estructuras extrañas pueden desconcertar al principio, pero los Mercury Prize vieron en él un talento importante cuando le entregaron su premio en 2015 por su notable debut y ‘I Tell a Fly’ viene a confirmarlo en forma de disco conceptual, en el que el inglés vuelve a hacer gala de su composición teatral y libre para contarnos la historia de un alien que visita la Tierra y bueno, con nuestro planeta tiene sus más y sus menos.
‘I Tell a Fly’ nace de una extraña frase que Clementine advirtió en su VISA americana. A un operario se le ocurrió escribir encima que es un “alien con habilidades extraordinarias” y Clementine cuenta que se quedó “diez minutos asombrado” cuando leyó esta frase, pero que luego la entendió. “Es verdad, soy un alien, soy un vagabundo”, explica. “En muchos lugares en los que he estado, he sido diferente”. Y lo ha sido sobre todo en Estados Unidos, donde compuso buena parte de este disco en medio de una turbulenta crisis social y política representada por la victoria de Donald Trump y el auge del racismo, donde se ha sentido efectivamente como un “alien que está de paso”, un observador en la sombra.
La estructura narrativa de ‘I Tell a Fly’ parece contarnos precisamente la visita de un alien de “Júpiter” a la Tierra desde que aterriza hasta que regresa a su planeta. A lo largo del disco un efecto de ondas electromagnéticas une una canción con otra, como si desde otro planeta alguien estuviese intentando comunicarse con Benjamin para oír su historia. En cuanto Clementine se despide de su planeta con la primera canción del disco, ‘Farewell Sonata’, se nos da la “bienvenida a la jungla” que es la Tierra, “donde las tensiones se amontonan, y los niños deben crecer lo más rápido posible”. La conclusión al principio del disco es clara: “un sitio menos seguro no es un sitio seguro en absoluto”, así que Clementine parte de nuevo, “a algún lugar de Inglaterra”.
Es esa sensación de alienación, de soledad -elegida- en el mundo la que mueve parte de la obra maestra de ‘I Tell a Fly’, ‘Phantom of Aleppoville’. Presentada con un videoclip impresionante, una obra de arte, “Aleppoville” es una composición épica, divida en varias secciones, que nos habla del bullying para relacionarlo con el sufrimiento de los niños durante la guerra (Clementine explica que es un sufrimiento incomprensible, imposible de “ver”, de ahí lo de “fantasma”). Al final de la canción, la víctima de la historia es perdonada por Clementine y, en un claro ejemplo de su lirismo excéntrico, el artista canta: “as the growing grows, let’s hope we’ll be able to handle”, no sin antes comparar la diferencia del amor y el odio con la del risotto y el pudín de arroz.
Como el disco anterior, ‘I Tell a Fly’ se sitúa en algún punto entre el glam-rock, el pop de cámara y la música neoclásica, aunque ahora sumando algún que otro guiño hip hop (la menor ‘Ode from Joyce’) y sobre todo el peso de un instrumento medieval como el clavicémbalo. Clementine maneja estas estructuras a su antojo, cambiando tempos y arreglos y añadiendo otros cuando le apetece, cuando no directamente apropiándose del “claro de luna” de Claude Debussy, que sirve de coda en la simpática ‘Paris con Blimey’, de manera muy poco aleatoria. Con él y con Satie se ha comparado a Clementine frecuentemente, a pesar de que él podría ser más bien un cruce entre Nina Simone y David Bowie, a quien recuerda en el cante dramático de ‘God Save the Jungle’ y la majestuosa ‘Better Sorry than Asafe’.
Como puede suceder tanto con Simone como con Bowie, el estilo de Clementine es difícil de descodificar (para que luego digan de Björk), pero las canciones revelan con las escuchas una poesía tan singular como emocionante. Es difícil no maravillarse ante el “welcome to the jungle, jungle, jungle!” final de ‘God Save the Jungle’, ante la trova bohemia de ‘Jupiter’ o con una balada tan pura como ‘Quintessence’, en la que Clementine reflexiona sobre las diferencias de privilegio en el mundo: “yo nací con una cuchara en la boca, pero otros crecen con una bala en las manos”. El músico lamenta entonces que “amor es todo lo que necesito dar, aunque él no haya sido bueno conmigo”.
‘I Tell a Fly’ cierra no con abatimiento sino con esperanza: en ‘Ave Dreamer’, Clementine revierte la mirada al oyente, al “soñador” y a quien expresa: “disculpa que interfiera con tu presencia, pero nos informan que existimos”. Clementine lo tiene claro: existir es un marrón, pero espera que los soñadores se “mantengan fuertes” ante los bárbaros que llegan. Así, el disco termina y abre otra puerta hacia el futuro. No será un futuro seguro ni mucho menos, pero cual alien que visita otro planeta, nunca se sabe lo que hay ahí fuera si uno no se arriesga. “Bon voyage”.
Calificación: 8,2/10 Lo mejor: ‘God Save the Jungle’, ‘Phantom of Aleppoville’, ‘Quintessence’, ‘Jupiter’ Te gustará si te gusta: el pop que no se ciñe a estructuras convencionales Escúchalo:Spotify
La escena nacional de la novela gráfica sigue en buena racha. El panorama se consolida, fundamentalmente, porque hay autores consagrados que publican trabajos con regularidad, como es el caso de Paco Roca, Max, Alfonso Zapico o David Sánchez. Pero también por una nueva generación de autores que deja de ser revelación para subir un peldaño, como es el caso de Alfonso Casas, que pasa ahora a engrosar la lista de imprescindibles y hacerse un hueco tan personal e inconfundible como ya lo son sus ilustraciones.
Desde el debut de Casas solo como dibujante en ‘Marica tú’, hasta este último ‘El final de todos los agostos’, encontramos en su obra un sello propio que nos enlaza con su creador. Son figuras estilizadas como los protagonistas de los trabajos del noruego Jason, orejas desproporcionadas tan entrañables como el movimiento de cejas de Paul en la obra de Michel Rabagliati, o los momentos de soledad reflexiva como en las atmósferas de Adrian Tomine. Con la variante en esta ocasión de abandonar el blanco y negro o el negro y rojo de sus archiconocidos antecesores: ‘No sin mi barba’ y ‘Se(nti)mental’.
En ámbitos como el de la política o la música, cuando un dirigente político o un artista pega un giro de 180 grados, suelen levantarse voces en contra al grito de traición. Bien es cierto que hay casos en que las maniobras pueden ser interesadas, dirigidas a conseguir mayores beneficios, pero en otros, debería considerarse parte de una evolución. Así es en esta nueva entrega de Alfonso Casas. El salto a otro nivel es considerable, no solo por el paso a la rotulación en color, sino también a la hora de vertebrar el guión que reluce en ‘El final de todos los agostos’. Aquí abandona su característica “doble página” que tantos lectores le han ovacionado, los corazones rojos palpitantes camino de convertirse en una marca del calibre de Ágatha Ruiz de la Prada, y se despoja del lenguaje directo y breve de tipo publicitario. No hay nada malo en ese patrón de comunicación, pero encaja que ahora el relato sea íntimo: el mensaje cala igualmente pero priman los vericuetos del camino por encima de los atajos y las autopistas.
Precisamente ese es el proyecto de Casas en ‘El final de todos los agostos’: los caminos que recorremos o no en nuestra vida. En concreto los que deambulan entre la infancia y la adolescencia, sacando a relucir la amistad más pura y los primeros amores bajo una aparente nostalgia. Un viaje que Dani, el protagonista que está punto de casarse, inicia al pueblo costero donde pasaba las vacaciones de pequeño en verano. El retorno al pasado pretende encontrar respuestas para una serie de preguntas, pero el logro de semejante objetivo es un relato que no está sujeto a una sola interpretación: salvo una deducción básica, la puerta queda abierta para interpretación del lector. Ese abanico de posibilidades, junto a la innovadora idea de jugar con páginas transparentes, obliga a no dejar el libro hasta el final. Un giro radical en absoluto impostado y que deja con ganas de disfrutar futuros trabajos. 8.
Poco hemos visto venir la re-invención musical de Sen Senra. El músico de Vigo se daba a conocer en 2015 con un apañado disco de garage-surf, ‘Permanent Vacation’, que contenía entre otras buenas canciones el exitoso tema titular y cuyo sonido empapaba también el segundo trabajo del gallego, ‘The Art of Self-Pressure’.
Aquel trabajo contenía sin embargo un tema abiertamente trap, ‘Pretty Empty’, dándonos una pista de lo que estaba por venir en ‘Por ti’. Y en su nuevo tema ‘Toca morder’, el músico se despoja de “fuegos artificiales” y presenta una canción “desnuda”, atemporal y de nuevo interpretada en español, confirmando que la re-invención de Sen Senra va por buen camino.
‘Toca morder’ es una balada acústica y solitaria, en la que Senra se sitúa “lejos de casa” y en una ciudad distinta donde no se siente bienvenido. La preciosa melodía principal (“es lo que toca, me toca morder”) revela una sensibilidad especial y por estilo es imposible no vincular ‘Toca morder’ a algunas de las canciones más taciturnas de ‘blonde‘ de Frank Ocean (pienso en ‘Skyline To’). ‘Toca morder’ es la canción que un hombre escribe para acompañarse a sí mismo, y es tan cálida como suena.
‘Who Built the Moon?‘ de Noel Gallagher’s High Flying Bird es el nuevo número 1 de las listas británicas con unas 78.000 copias vendidas. De ellas 5.000 son puntos de streaming y 13.000 copias en vinilo. Las cifras son estupendas de no ser por dos cosas: 1) pese a salir con motivo del Black Friday, este es el disco «en solitario» de Noel que menos vende en su primera semana frente a las 122.500 unidades del debut y a las 89.000 copias del segundo, y 2) Liam Gallagher vendía mucho más de su disco ‘As You Were’ pese a haber sido editado en octubre y no en Black Friday.
Exactamente ‘As You Were‘ superaba las 103.000 unidades en sus primeros siete días, y además, casi dos meses después el disco de Liam resiste en el top 20. Sin duda el platino se acerca para el menor de los Gallagher, todo ello a pesar de que Noel ha tenido críticas mucho mejores, y muy merecidamente. Suponemos que el cariz tibiamente experimental de ‘Who Built the Moon?’ ha echado para atrás al público, que hasta ahora había preferido los discos de Noel frente a los de Beady Eye (el anterior grupo de Liam), por goleada.
En streaming, de momento también Liam gana. Sí, sus singles salieron mucho antes, pero parece poco probable que ‘Holy Mountain’ (4 millones) llegue a alcanzar las cifras de ‘Wall of Glass’ (18 millones) y ‘For What Is Worth’ (11 millones).