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A Perfect Circle aúnan Depeche Mode y metal en su nueva canción, ’TalkTalk’

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Los fans del metal están de enhorabuena hoy. Y no, no me refiero solo a que Metallica esté de gira por nuestro país (que también). A Perfect Circle, grupo formado a finales de los 90 por los también miembros de Tool James Keenan y Billy Howerdell junto con Paz Lenchantin, actual miembro de Pixies, y a los que más tarde se sumó James Iha, de Smashing Pumpkins –que sigue en la actual formación– están de vuelta. Acaban de anunciar la próxima publicación de un nuevo álbum titulado ‘Eat The Elephant’ y será su primera obra desde que publicaran ‘eMOTIVe’ en 2004, nada menos que 14 años atrás.

El lanzamiento será el primer álbum que A Perfect Circle publican con su nuevo sello, BMG, y verá la luz el 20 de abril. En él se engloban dos canciones que habían estrenado en las últimas semanas, ‘The Doomed’ y ‘Disillusioned’, y también la que avanzan con este anuncio, lo bastante sorprendente como para prestarle atención. Se trata de ‘TalkTalk’ que, como las precedentes, se aleja, al menos en buena parte de su duración, del arquetípico metal-pesado-pero-melódico de sus primeros discos. Con gran peso de un piano que puede rememorar al penúltimo Nick Cave o incluso a los Depeche Mode más orgánicos y reposados, lo cierto es que la canción –que también podría ser un homenaje al grupo de David Sylvian, por qué no– resulta bastante interesante e incluso pop.

A Perfect Circle presentarán estas nuevas canciones en el próximo Download Festival Madrid, del 28 al 30 de junio, junto a Marilyn Manson, Ozzy Osbourne o Judas Priest.

Tracklist de ‘Eat the Elephant’:

1. «Eat the Elephant»
2. «Disillusioned»
3. «The Contrarian»
4. «The Doomed»
5. «So Long, and Thanks for All the Fish»
6. «TalkTalk»
7. «By and Down the River»
8. «Delicious»
9. «DLB»
10. «Hourglass»
11. «Feathers»
12. «Get the Lead Out»

Ernesto Sevilla sobre los Goya: “Me ha hecho ilusión que digan que hemos hecho la peor gala de la historia”

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Por más que a muchos no nos convenciera la gala de los premios Goya 2018 como espectáculo televisivo, al final el indicativo que suele mandar en ese ámbito es la audiencia. Y efectivamente parece que los datos tampoco han sido nada buenos: con una cuota de pantalla del 19,9% y 3 millones de espectadores de media, ha resultado ser la segunda gala menos vista en la última década, sólo por delante de la emitida en 2008, la segunda que presentó José Corbacho, según 20 minutos.

Ernesto Sevilla y Joaquín Reyes están siendo señalados como responsables de la baja audiencia, pero ellos están respondiendo de la mejor manera posible: con humor. Tras colgar una imagen en Instagram en la que aseguraba “nunca podréis conmigo porque soy idiota”, esta tarde Mamen Mendizábal, en Más vale tarde de La Sexta, ha interpelado a Sevilla por el asunto. Fiel a sí mismo, en la entrevista –cuyo vídeo podéis ver más abajo– se ha tomado las críticas muy bien –al contrario que su predecesor, Dani Rovira– y ha dicho que Joaquín y él están tranquilos porque “cuando la crítica es un clamor, llega un momento que no te afecta”.

Asegura que ellos, en sus intervenciones, tenían la sensación de que sus gags estaban funcionando, porque veían que «la gente se reía». A la vez, ha señalado que era un trabajo que les habían encargado, en el que intervienen muchas entidades y que no pueden decir todo lo que quieran porque tiene mucha repercusión. Pero, se felicita por que se haya dicho que hicieron “la peor gala de la historia” porque no lo puede decir todo el mundo, y no le preocupa que afecte a su reputación como actor, “porque tiene muy poca”. Y aún más, “repetiría como presentador porque te regalan dos esmoquin”. ¿Veis? Así sí.

El caso es que, aunque incluso los que somos o hemos sido muy fans de programas como ‘Muchachada Nui’ o ‘Museo Coconut’ fuéramos capaces de ver el desacierto, es justo señalar, igual que en los éxitos, que detrás de ellos hay un equipo –parte de él, el recurrente de RTVE– que tampoco puede escurrir el bulto del fracaso. Era evidente que estaban encorsetados por la mimética puesta en escena de cada año –la novedad de la actuación de Marlango fue de lo poco que sí, hay que decirlo– y un guión en el que no encajaban. En su favor hay que decir que uno de los momentos más celebrados de la noche, la famosa frase del “campo de nabos feminista”, fue pactada previamente entre Leticia Dolera y Reyes, según ha explicado ella misma.

#goya2018

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La electrónica rugosa de Agost y el rock de No Crafts y Sid’s Seed, en la 2ª cita con Bala Perduda

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Este martes 6 de febrero se celebra la segunda cita con el concurso maquetero de la Sala Apolo, Bala Perduda. Son en total 6 semifinales, culminando el próximo 6 de marzo, pasando cada semana 3 artistas por la sala barcelonesa. De ellos, el artista o artistas ganadores lograrán actuar en el Primavera Sound y grabar un álbum. Esta vez la cita será con artistas, de nuevo, de lo más variado, como siempre con entrada a 4 euros con consumición. Detalles, aquí.

Agost es un trío de Barcelona de sonoridades entre el shoegaze, la electrónica más rugosa y el dream rock. ‘Kim’s Voice’ les muestra por ejemplo como una mezcla entre Cocteau Twins y The Jesus & Mary Chain del siglo XXI, mientras ‘August’ es algo así como Siouxsie and the Banshees mezclado con Plastic d’Amour. También hay que destacar las texturas siniestras, casi witch-house, de su versión de Kraftwerk, ‘The Model’. Han ganado premios Fàbrica Embassa’t y Movistar Artsy y ahora tienen su disco de 10 temas preparado, hablando del «concepto de dualidad, una búsqueda reflexiva sobre la vida y la muerte, la tierra y el universo, la luz y la oscuridad».

No Crafts es la banda formada por Carlos Núñez (voz y guitarra), Ángel Hontecillas (bajo y sintetizador) y Celia Juárez (batería), presentando una mezcla de garage, rock y surf que podríamos emparentar con White Stripes y Moldy Peaches, a quienes recuerdan especialmente por melodía y modo de unir voces chico-chica, por ejemplo en una de las canciones de ‘No Arts No Crafts’, el EP que han editado en Clifford Records, ‘R.A.D.’.

La última de las 3 bandas que actúan este martes 6 de febrero en Bala Perduda son los barceloneses Sid’s Seed, la banda de Marcel Puig (bajo y voz), Chino Cob (batería y voz) y Dani Station (guitarra y voz principal), amiga de las texturas sinuosas del post-rock, el punk y el rock’n’roll. Su disco de 10 cortes lo han culminado con la ayuda de Chris Harrison, quien ha trabajado con The Kooks, Primal Scream u Oasis. Una de sus canciones más contagiosas es ‘Hunting Season’.

La última gira de Paul Simon no visitará España

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Paul Simon anunciaba hace unos días el que supondrá su concierto de despedida. Será, eso sí, a lo grande, el próximo 15 de julio en Hyde Park de Londres, y acompañándose de James Taylor y Bonnie Raitt, entre otros artistas que se conocerán próximamente. Antes de esto habrá una gira mundial que recorrerá Europa y América, pero sin parada en España. Comenzará el 16 de mayo en Vancouver y la totalidad de las fechas puede ser consultada en su web oficial, en la que tiene unas palabras de agradecimiento por lo que ha llegado con su música «a los corazones» de la gente.

El artista, de 76 años, fue conocido por ser mitad de Simon & Garfunkel, con los que editó discos absolutamente seminales y superventas como ‘Sounds of Silence’ y ‘Bridge over Troubled Water’; y después también con una estupenda carrera en solitario que sigue siendo referencial para los artistas de hoy. En concreto ‘Graceland’ de 1986, grabado junto a artistas africanos, ha inspirado profundamente a artistas como Fever Ray o Vampire Weekend.

Paul Simon ya había avanzado en The New York Times hace un par de años que puede que se retirara, pues «el negocio de la música no tenía ningún interés» para él. «Ninguno», recalcaba. “Dejarlo es un acto de coraje”, indicaba ya en aquella entrevista de 2016. “Voy a ver qué sucede si lo dejo, entonces voy a ver quién soy. ¿Solo soy esta persona que fue definida por lo que hizo?”, se preguntaba. En la carta en la que explica ahora por qué lo deja, cita la muerte de su guitarrista desde hace 30 años, Vincent N’guini, aunque reconoce que no es la única razón.

El artista indica que no descarta hacer actuaciones acústicas y benéficas, sobre todo en favor de asociaciones que cuiden el medio ambiente.

Su último álbum hasta ahora se editaba en 2016 bajo el nombre de ‘Stranger to Stranger’ y recibía críticas excelentes, terminando entre los mejores discos del año para Mojo, Billboard o Rolling Stone. Además, lograba ser número 1 en Reino Unido y top 3 en Estados Unidos.

Yung Beef critica la escena underground de Barcelona y responde de muy mala manera a Andrea Levy cuando esta le apoya

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Yung Beef, que acaba de publicar interesante mixtape, ‘ADROMICFMS 4‘, concedía un poco antes de su lanzamiento una también interesante entrevista a Javier Blánquez para El Mundo en la que ha hablado, por ejemplo, de lo poco que le gusta el formato disco: «El formato no me dice nada. Otros grupos igual sí lo necesitan, pero para mí la música es otra cosa. Grabé un disco con Sony y sólo me trajo problemas».

Habla de cómo se ha asentado un poco gracias a su hijo, explica por qué ha colaborado con Calvin Klein pero nunca lo haría con Zara y, hablando de compromiso social, indica que «algunos no hemos tenido más opción que delinquir para actuar contra el sistema». Uno de los puntos más llamativos sucede cuando le toca explicar por qué se ha mudado de Barcelona a Madrid: «En Barcelona están matando la escena underground. Intenté montar fiestas y movidas, y me sentí más rechazado que apoyado. Los que mueven el dinero quieren una escena sin riesgo, pensada para los guiris. En Madrid hay más cultura de club y tengo 20 salas donde puedo hacer cosas».

A Andrea Levy, la política indie del PP, le ha gustado esta declaración tanto o más que la controvertida de C. Tangana sobre apropiacionismo cultural, y la ha recalcado en Twitter, añadiendo sobre Barcelona: «No sólo esto: está perdiendo la vanguardia, la frescura y el atraer talento cultural. Cerrándose al adentro, expulsa al afuera. Justo lo contrario de la visión cosmopolita que fue y que debería seguir siendo».

Entre la retahíla de respuestas que ha recibido su comentario, con algunos usuarios pidiendo que destaque otras partes de la entrevista, como aquella en la que habla de por qué ha tenido que delinquir, destaca la del propio Yung Beef, que no parece nada contento con el apoyo recibido por la política del PP, y ha respondido de manera violenta: «Pues yo creo que yung beef te vaciaria un cargador en la pierna si pudiera».

C. Tangana dice que se pasa el apropiacionismo «por el forro de los cojones», y Andrea Levy le defiende

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C. Tangana ha concedido una entrevista a El País que este medio ha situado en su portada este fin de semana y no ha dejado indiferente a nadie. En ella habla sobre apropiacionismo, no a raíz de la polémica con Rosalía, con quien cantó ‘Antes de morirme’, sino a colación de ‘Mala mujer’ como bolero. Pregunta el entrevistador si a causa de que esta canción es un bolero actualizado y en el vídeo aparece con «bigotito caribeño y camisa hawaiana», no teme las críticas por apropiacionismo cultural. Y C. Tangana no se corta un pelo al respecto: «Está muy feo decirlo pero tenía que llegar en algún momento: me paso el apropiacionismo cultural por el forro de los cojones. Porque yo no soy heredero de mi cultura, lo que hizo mi padre me suda los huevos. Yo soy yo, yo no quería nacer en España y no tengo por qué reivindicar España. Todo es de todos y si hay alguien que está haciendo dinero usando lo que otros hacen, brother, eso es el capitalismo».

Sin embargo, solo tiene palabras de elogio al hablar sobre la calidad de la música española, cuando le preguntan por las diferencias entre la escena nacional y la americana: «España es increíble por calidad, variedad y originalidad. En todo el mundo, no hay nadie que en español esté haciendo lo que está haciendo Bad Gyal, Yvng Beef, Dellafuente o yo. Es así. Yo me voy a Miami y me dicen: «tú suenas distinto». A lo mejor hay que salir de las fronteras para darse cuenta, pero tú ves a Bad Bunny, Arcangel, J Balvin, Ozuna y todo es más o menos uniforme. En España ves a los chavales como locos por hacer algo nuevo y estar al día».

La entrevista, titulada nada menos que «Yo no quería nacer en España», ha gustado a Andrea Levy, la política del PP conocida por su apego al underground. Además de meterse en una polémica con Yung Beef que ha terminado muy mal, ha elogiado la sinceridad de C. Tangana en esta entrevista: «Tangana es honesto. Sabe lo que quiere y sabe lo que hace. Y habla con gran generosidad sobre sus compañeros artistas. Interesante entrevista».

Sr. Chinarro anuncia ‘Asunción’ en su vuelta a Mushroom Pillow

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Sr. Chinarro ha anunciado nuevo álbum, ‘Asunción’. Sale el 6 de abril a través de Mushroom Pillow, sello en el que Antonio Luque ha publicado la mayoría de sus discos a excepción de los últimos dos, con el objeto de experimentar con la auto-edición y con otras discográficas, en su caso con El Segell del Primavera.

Luque explica así su vuelta a Mushroom Pillow: “Esto no lo había hecho nadie, salir y entrar. Solo por eso merecía la pena. Ser pionero en algo. En serio, la autoedición de «Perspectiva caballera» fue todo lo bien que podía esperarse, y la experiencia de la licencia con El Segell del disco anterior, «El progreso«, aún mejor. Eran maniobras que quería probar. Ahora toca volver donde están todos los discos de Sr.Chinarro, entre los que ya no veo tan claras las fronteras que antes ponía en «El fuego amigo» o en «La primera ópera envasada al vacío». Me apetece reivindicarlos todos, y en ningún sitio mejor que donde pueden volver a trabajar esas grabaciones, además de esta nueva, «Asunción». Nos conocemos y sabemos cómo podemos hacerlo: BIEN”.

El primer avance de ‘Asunción’ es una canción luminosa y pop en la línea de unos Real Estate más rockeros. La canción menciona tsunamis y catástrofes y habla de “meteoritos [que] no son siempre bonitos” para realizar lo que parece una autorreflexión sobre la necesidad de superación: “no me quejo, no sé, no veo solución, ¿cuál será mi misión?, no es por viejo, comprendo que no basta el confort, quiero hacerlo mejor”.

‘Asunción’:

1. Supersticiones
2. Las pruebas
3. Quiero hacerlo mejor
4. Hasta la saciedad
5. Angel azul
6. De piedra
7. Las trompetas del apocalipsis
8. No soy para ti
9. Mi utopía
10. Por vanidad

Yung Beef / ADROMICFMS 4

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“Cada vez que saco mi mixtape / tol mundo se pone triste”. En una interesante entrevista con Ernesto Castro, Yung Beef contaba cómo de pequeño le decían que no tenía voz, ni físico ni, en definitiva, capacidad para hacer música. A pesar de todos los temas que lleva publicados, muchos probablemente sigan pensando que no hace música y, en general, que el trap no es música. Les preguntaría que, si él no tiene capacidad para hacer música, cómo es posible que haya gente que con algunas de sus canciones llega a llorar o, al menos, a recibir un mazazo emocional curioso, como él mismo referencia en esa frase de ‘Rosas Azules‘– incluida junto a otras ¡16! canciones en este ‘ADROMICFMS 4‘, de cuya producción se encargan Steve Lean y Lowlight, pero también Los del control, Kiid Favelas, 808 Mafia o PD Beats.

Reproducían mis compañeros el otro día unas palabras de Iñaki Domínguez donde decía que el trap tiene éxito entre los chicos de clase media-alta por su “deseo de sentir el guetto por las venas sin mancharse las manos de sangre”. En otras palabras, que disponen del capital para irse a Las Vegas (USA) si quisieran, y hacen como que están luchando por sobrevivir en Las Vegas de Las 3000. Hay también muchos análisis sesudos sobre lo que significa Yung Beef y lo que significa nacer en ciertos barrios escritos por gente que jamás ha pisado uno. Pero, aunque todo ese sector de público existe, se queda pequeño para explicar el éxito de Fernando Gálvez o el éxito de su último trabajo (porque lo va a tener). Y es que hay en él temas 100% lo-que-entendemos-por-trap, donde el granadino demuestra su dominio en la construcción de ambientes opresivos, como ’33’, ‘Shooting X Provation’ (“what you know about, tú no has traficao / tú no tienes clout, tú eres un rapper de Soundcloud”) o ‘CBR’, pero, sobre todo, lo que hay en él son vísceras.

Desde la ‘Intro’ con ese fantástico instrumental, ese espacio para su madre y ese “me da igual que robes / me da igual que vendas / pero por tu mama el alma no la vendas”, a la mencionada ‘Rosas Azules’, donde el trabajo de Lean en la producción potencia su mezcla de nostalgia y desengaño (“tu culo con él / tu mente con quién (…) ¿to esto de qué ha servío? / damn no tendríamos que habernos conocío”), pasando por ‘Cold Turkey X Te Dejé Caer’. Effy Stonem (sí) es la encargada de presentar este último, un estupendo corte doble con versos como “cuanto más te odio más te necesito / yo al menos admito que soy un adicto” y cuyo minuto final te transmite sensaciones parecidas a las que comenté que transmitía el minuto final de –no me matéis– ‘The Louvre’.

PXXR GVNG fueron el primer guantazo del trap a la escena española, y hay quien dice que el mérito de Yung Beef está en haber abierto el camino para gente como Kinder Malo, Cecilio G, Pimp Flaco, MON DVY o Hwoarang, pero que él ya quedó atrás, que ahora la escena la dominan otros.

Ya solo con las canciones mencionadas antes, ‘ADROMICFMS 4’ responde a eso “no tienes tú fe ni na”, y además nos ofrece curiosidades como ‘Rosalía‘, un homenaje a la catalana, guitarra eléctrica distorsionada mediante. Si te paras a pensar, este tema no es tan ida de olla como parece: con sus muchísimas diferencias, no veo tan lejanas la oscuridad de la que nos hablaba Rosalía y la oscuridad de muchas letras de Yung Beef (“lo que siento con tus curvas / es demasiado intenso / solo veo gente muriendo” dice en ‘Brazy’, por citar otro ejemplo)… o la oscuridad de otra chica que también habla con la muerte como Rosalía. No es ‘Rosalía’ la única curiosidad, por ejemplo tenemos un sample de ‘I’m in here’ de Sia mientras canta “cuando pienso en ti se muere un ángel en el cielo” en la preciosa ‘EFFY’, que si queda como bonus track desde luego no es por su calidad. Más samples: el ritmo de ‘I won’t hold you back’ de Toto, que sienta genial a la letra de ‘Lonely’. Otra curiosidad es la sensual ‘Infierno’, una incursión en el reggaeton de la que el autor de ‘Kowloon Mixtape‘ sale también victorioso.

Personalmente me interesa más cuando Fernando se abre en canal que en los momentos de vacile –cuestión de gustos, porque me consta que hay muchos a los que le pasa lo contrario–. Pero, sin duda, es una suerte que él no se ciña a una de esas facetas para contentar al público, sino que siga expresando lo que va sintiendo, a veces un lado, a veces el otro, a veces los dos. Porque su verdad es su punto fuerte: cualquiera puede soltar cuatro frases sobre meterse de todo y sobre metérsela a todos, cualquiera puede escribir tres versos ñoños; en cambio, lo que sale de su boca sigue sonando real. ‘ADROMICFMS 4’ solo confirma que Yung Beef es un artista. Una frase ésta que, no me cabe duda, provocará la risa en más de uno… pero me da que, dentro de unos años, las risas se volverán en su contra por no haber pensado que lo era.

Yung Beef presenta ‘ADROMICFMS 4’ el próximo 10 de febrero en Caprichos de Apolo, en Barcelona.

Calificación: 8,1/10
Lo mejor: ‘Rosas Azules’, ‘Cold Turkey X Te Dejé Caer’, ‘Me perdí en Madrid’, ‘Intro’, ‘Brazy’, ‘EFFY’, ‘Infierno’
Te gustará: si alguna vez volviendo a casa has tenido tu mente como ‘Me perdí en Madrid’, pero también si alguna vez te han dolido hasta las tripas de la tristeza y rabia como ‘Rosas Azules’; si puedes escuchar el ‘Monster’ de Kanye e inmediatamente después el ‘Ultraviolence’ de Lana; y si piensas que ser valiente no es abrir cabezas, sino abrirte en dos a ti mismo.
Escúchalo en: Spotify

Porches contesta a las críticas por su imagen queer “impostada”

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Porches es protagonista de una entrevista en OUT Magazine en la que habla sobre su arte y su nuevo disco, ‘The House‘. La entrevista, sin embargo, está siendo criticada en redes sociales por haber encuadrado a Aaron Maine dentro de la comunidad “queer”, con la excusa de que tiene fans en esta comunidad y que suele pintarse las uñas y llevar ropa de mujer, cuando él es heterosexual. Principalmente, se critica que el artículo haya reducido la identidad “queer” a unas meras decisiones estéticas como las mencionadas, y varias personas han asumido tras la lectura del artículo que Maine concuerda con esa descripción (presente en el mismo titular), tachando su imagen “queer” de “impostada” y al cantante de usarla como “anzuelo” (se usa el término “queer baiting”) para ganar fans dentro de esta comunidad y obtener beneficio económico.

Maine ha explicado su posición al respecto en los “stories” de Instagram, apuntando que en ningún momento de su charla con OUT Magazine se habló de su relación con la comunidad “queer”, y mostrando su sorpresa ante un titular que le ha planteado como posible icono “queer” sin que él conociera esta intención por parte de la revista. Maine ha explicado que le interesa la identidad “queer” pero “sobre todo, la performance, y Porches para mí ha sido una plataforma con la que explorar quién soy”. Continúa: “Duele que se diga que me hago el “queer” para ganar dinero. ¿Tener relaciones exclusivamente con mujeres me hace no “queer”? ¿Significa esto que cuando me pinto las uñas o me pongo sombra de ojos me estoy apropiando de la cultura “queer”? Hago estas cosas porque me hacen sentir hermoso, y lo he hecho desde que era un niño por la misma razón”.

Por su parte, OUT Magazine ha actualizado su artículo añadiendo un prefacio en el que pide disculpas por el modo en que ha planteado la imagen de Porches ante sus lectores,“editorializando sus palabras y adjudicándole una identidad queer tanto en el texto como en el titular de la entrevista, sin dejar que él hable por sí mismo. El artículo ha insinuado de manera errónea que la identidad queer puede ser reducida a un “disfraz”, y esto ha dado lugar a un editorial sesgado, problemático y dañino que ha tergiversado la historia de la entrevista y ha hecho flaco favor al sujeto entrevistado y a nuestros lectores”.

La canción del día: Natalia Lafourcade visibiliza la soledad en la tercera edad con ‘Alma mía’

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Esta semana la mexicana Natalia Lafourcade edita ‘Musas, Un Homenaje Al Folclore Latinoamericano En Manos De Los Macorinos, Vol. 2’, la segunda parte del disco que el año pasado publicó y que reúne, como este, composiciones propias inspiradas en clásicos de la canción latinoamericana y algunas versiones de esos mismos clásicos. La acompañan en ese viaje Los Macorinos, dúo de guitarristas y cantantes que fueron los últimos músicos de acompañamiento de la gran Chavela Vargas antes de su retirada de los escenarios.

Hace unas semanas destacábamos ‘Danza de gardenias’, una de esas canciones escritas por ella que nos maravilló. Y hoy volvemos a caer en el hechizo de otro de los temas de este nuevo álbum, si bien en esta ocasión se trata de una versión. Hablamos de ‘Alma mía’, una composición original de María Grever, una autora mexicana de principios del siglo XX que logró hacerse un hueco como escritora de boleros en un mundo hasta entonces dominado por hombres. Vivió la mitad de su vida en Nueva York y compuso bandas sonoras y canciones para Hollywood, por eso muchas de sus canciones fueron adaptadas al inglés e interpretadas por Dean Martin, Barry Manilow, Ray Conniff, Enrico Caruso, Aretha Franklin o Dinah Washington (su versionadísima ‘What a Difference a Day Made’, adaptación de ‘Cuando vuelva a tu lado’).

Este ‘Alma mía’ de Lafourcade es una interpretación sencilla y sentida, apenas con las guitarras de Los Macorinos y sus voces como susurradas al oído, sin adornos excesivos, ofreciendo cercanía y calidez. Consiguen así que la composición brille por encima de todo, música que aún consigue emocionar aunque pertenezca a un tiempo muy distinto a este. Precisamente el vídeo oficial de esta canción parece un homenaje a las personas que vivieron aquellos tiempos y, pese a las vicisitudes, logran despertar recuerdos con esta música. Natalia y Los Macorinos acudieron a una residencia de ancianos e interpretaron el tema ante sus habitantes: su manera de unirse al canto, sus expresiones de emoción y nostalgia al escucharlo son una auténtica joya, tanto como el testimonio sobre la soledad que una de esas mujeres ofrece al inicio del clip.

Y ahora viene la gran sorpresa que JENESAISPOP, Live Nation y CDMX, patrocinador de la gira europea de Natalia Lafourcade, os ofrecemos: regalamos 2 entradas dobles, incluido un meet & greet con la artista, para los conciertos que ofrece la próxima semana en Barcelona (día 15, sala Apolo) y Madrid (día 16, sala La Riviera) –que, ojo, están sold out desde hace días–. Todo lo que tenéis que hacer es responder de la manera más original posible a la pregunta “¿Por qué quieres conocer a Natalia Lafourcade?” y enviárnoslo a la dirección jenesaispop@gmail.com indicando datos personales y la ciudad en la que prefieres acudir. No serán válidos otras formas de participación.

David Bowie sabía que iba a morir en enero de 2016 desde los 70

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David Bowie falleció en enero de 2016 a causa del cáncer, una noticia que conmocionó al mundo, ya que era desconocido que Bowie sufriera tal enfermedad. Pero parece que no fue una sorpresa del todo para el propio Bowie, quien ya sabía que iba a morir en enero de 2016. Al menos, según su tecladista Mike Garson.

Garson publica en mayo una versión actualizada de su biografía de 2015 ‘Piano Man: The Life Of Mike Garson’, en la que revela historias antes inéditas de Bowie, entre ellas que el músico visitó a un vidente en los 70 que le reveló cuándo moriría. Ha contado a Billboard: “El vidente le dijo que iba a morir exactamente cuando murió. Hay muchos videntes que están zumbados, pero este era real. David lo sabía y no lo dudó ni un segundo. Me contó lo que el vidente le había transmitido con certeza, lo aceptó y planeó su futuro en base a eso. Tenía 30 o 40 años para planear su vida”.

Esto “explicaría” en parte por qué Bowie dedicó su último disco a su propia muerte, llegando a realizar un videoclip para ‘Lazarus’ en el que aparecía en el lecho. La canción contenía una frase que a la postre resultaba premonitoria: “Look up here, I’m in heaven / I’ve got scars that can’t be seen”.

Shirley Manson de Garbage y Fiona Apple cantan juntas contra el presidente de los Grammys

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Shirley Manson, cantante de Garbage, ha actuado este fin de semana en el festival Girlschool de Los Ángeles, dedicado a las mujeres, personas que se identifican con el sexo femenino y también a personas no-binarias. Manson ha formado parte de un cartel que también ha contado con la presencia de Carrie Brownstein (Sleater-Kinney), Amber Coffman, Kristin Kontrol, Jay Som y Desi Mo, entre otras.

Pero Manson no actuó sola: durante un punto de su concierto, invitó al escenario a nada menos que Fiona Apple. Ambas interpretaron ‘You Don’t Own Me’, el himno feminista de Lesley Gore, y se lo dedicaron a Neil Portnow, presidente de los Grammys, muy criticado en los últimos días por sus palabras sobre la ausencia de mujeres entre las nominaciones de los premios (según él, no trabajan lo suficiente y necesitan “currárselo más” para aspirar a ganar más estatuillas).

Es más, para su actuación, Apple vistió una camiseta blanca con el texto escrito encima “Kneel, Portnow”, un juego de palabras con el nombre de Neil Portnow y el verbo “kneel” (arrodillarse). Ante dos grandes talentos como los de Manson y Apple, ante los que se “arrodillaría” cualquiera, para tomarse en serio al presidente de los Grammys…

Justin Timberlake sí homenajea a Prince en su entretenido intermedio de la Super Bowl

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Justin Timberlake ha iniciado la campaña promocional de ‘Man of the Woods’, su nuevo disco, a lo grande, actuando en el intermedio de la Super Bowl (antes, P!nk ha cantado el himno nacional). Es la tercera vez que Timberlake actúa en el “halftime show”: la primera fue con *N SYNC y de la segunda nos acordamos todos.

Timberlake, como Gaga el año pasado, ha actuado solo, sin colaboradores invitados, y ha realizado un homenaje a Prince aprovechando que el evento deportivo se ha celebrado en Minnesota. No, no ha habido holograma de Prince, pero sí una proyección de él cantado ‘I Would Die 4 U’ expuesta en una enorme tela. Timberlake ha cantado la canción junto a él, al piano.

El resto del “show”, claro, ha sido más animado. Ha primado el baile en un intermedio muy entretenido en el que han sonado ‘Filthy’, ‘Rock Your Body’, ‘Señorita’, ‘Sexyback’, ‘My Love’, ‘Cry Me a River’, ‘Suit & Tie’, ‘Mirrors’, ‘Until the End of Time’, la mencionada ‘I Would Die 4 U’ y finalmente ‘CAN’T STOP THE FEELING!’, alternando escenario con coreografías realizadas en césped y alternando también “playback” con voz en directo. También ha habido espacio para un intrincado “dance break” entre canción y canción, en el que Timberlake ha demostrado de nuevo su gran fluidez.

P!nk canta el himno nacional en la Super Bowl

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Antes de que Justin Timberlake despliegue su arsenal de éxitos en el intermedio de la Super Bowl, P!nk ha sido la encargada de cantar el himno nacional de Estados Unidos en el inicio del evento deportivo, que, como la actuación de Lady Gaga en 2016 -al contrario que, por ejemplo, la de Whitney Houston-, ha sido completamente en directo.

La actuación de P!nk, que como requería la canción, ha sido en suelo, no desde un rascacielos como su interpretación de ‘Beautiful Trauma’ en los American Music Awards, ha generado algún que otro titular debido a un curioso gesto de la cantante previo al inicio de la canción. Las cámaras han pillado a P!nk mascando lo que parecía chicle (la artista ha explicado que era una “pastilla para la garganta”) y sacándoselo de su boca para lanzarlo al césped. Después, P!nk ha realizado una asombrosa interpretación del llamado ‘The Star Spangled Banner’, si bien vocalmente se la ha notado forzada en algunos momentos.

P!nk se suma a una larga lista de artistas destacados que han cantado el himno nacional en la Super Bowl, sucediendo a Luke Bryan, y además añade un nuevo hito a su carrera profesional, en plenísima forma tras el lanzamiento de su último disco, ‘Beautiful Trauma‘, que pese a salir en el último cuatrimestre de 2017, se convertía en uno de los discos más vendidos del año.

“Yo he venido de mi casa”… Almaia a Eurovisión

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Todos los «Yo he venido de mi casa», aquí.
Oli + Glu son la ilustradora Oli, líder de Axolotes Mexicanos, y el músico Gonzalo R. Checa.

Kiesza baila en torno a un descomunal culturista en el clip de la sorprendente ‘Mother’

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Desde que en 2014 publicara su debut ‘Sound of a Woman’, impulsado por el hitazo ‘Hideaway’, Kiesza reactivó su carrera en 2017 con pasos poco firmes, publicando singles en solitario como la funky ‘Dearly Beloved’ o con distintos productores de desigual renombre como Bakermat (‘Don’t Want You Back’ es de las pocas canciones suyas que han despuntado desde aquella) o SKYGGE (‘Hello Shadow’), sin conseguir destacar especialmente con ninguno de ellos. Este fin de semana ha reaparecido con otro que, al menos, sí resulta llamativo en varios aspectos.

Se trata de ‘Mother’, un tema junto al productor neoyorquino Chris Malinchak, del que hablábamos años atrás por su trabajo junto a MNEK. Y es que, aunque podría ubicarse por su producción eurobeat en los ecos noventeros que tanto éxito le dieron con su megaéxito, estamos ante una canción que, aunque parece que es una composición original, parece uno de aquellos himnos con aspiración escapista que los esclavos afroamericanos cantaban en los latifundios del hombre blanco, origen del blues, el jazz y casi toda la música negra contemporánea.

El caso es que la canción es bastante curiosa y adictiva, y su lanzamiento ha sido reforzado por un vídeo oficial a la altura. Cuenta Kiesza a la revista Paper que en él quisieron unir dos pasiones de ambos artistas: la suya por la danza y la de el DJ por el culturismo. Así que contaron con Kai Green, uno de los profesionales de ese deporte más conocidos gracias a sus vídeos motivacionales. Sin apenas iluminación, la pieza muestra el insólito baile de ambos, con el fuerte contraste de la piel lechosa y el menudo cuerpo de la cantante, con la piel negra de la descomunal, casi monstruosa, figura de él. Quizá no sea un éxito, pero al menos en esta ocasión Kiesza ha sabido llamar la atención, no cabe duda.

La canción del día: King Tuff estremece con ‘The Other’, una canción sobre tocar fondo

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Quizá nadie lo había advertido como algo anómalo, pero King Tuff, llevaba desde el año 2014 alejado de la música. Desde 2006, Kyle Thomas, –que es su nombre real– compaginaba ese proyecto de glam rock garajero underground onda Black Lips con otros –como el grupo de noise pop Happy Birthday– hasta que, tras un par de discos en pequeños sellos, Sub Pop le fichó en 2012. Con ellos publicó ‘King Tuff’ (2012) y ‘Black Moon Spell’ (2014), logrando buenas críticas y una buena base de fans. Sin embargo, desde entonces no había vuelto a publicar absolutamente nada, hasta que esta semana ha lanzado una nueva canción, ‘The Other’, muy alejada del estilo que le caracterizaba.

‘The Other’ es una canción sorprendentemente reposada, construida sobre teclados ensoñadores y melancólicos, con algunos arpegios de guitarra que nos hacen recordar la pequeña grandeza del maldito FM Cornog y su proyecto East River Pipe –quizá la “culpa” es de su deleite por la baja fidelidad–. Un tema que evita la típica estructura estrofa-estribillo, haciendo una estructura cerrada de cada verso, que termina con el gancho “looking for The Other” y con un riff de teclado más guitarra haciendo las veces de gancho.

Músicalmente supone un viraje drástico en la carrera de King Tuff, pero donde más impacta ‘The Other’ es en el plano lírico. Nada más comenzar, Thomas canta líneas tan duras como “sin agenda, sin plan maestro, sin fechas importantes / sin razones por las que estar vivo que pueda destacar / excepto por un pequeño detalle, como una campana lejana / que me sigue llamando, como un olvidado y perdido amante / así que despego mis hombros hacia abajo para ir a buscar Lo Otro” o «pensé que era el final, pero entonces volví a pensar / y entonces fue cuando tomé la mano de Lo Otro». Pero… ¿Qué es «Lo Otro»?

Y es que Kyle Thomas, en un ejercicio de honestidad poco común en la cultura, revela que este lapso de cuatro años no se ha debido a otra cosa que un bache creativo que, para un músico, lo es también personal. En un sentido escrito en su Facebook, King Tuff se sincera: “es una canción sobre tocar fondo. Nunca supe lo que quería hacer en adelante, pero seguía teniendo esta desazón –este sentimiento– de que podría estar haciendo algo distinto… y simplemente perseguí esa posibilidad. Para mí, de eso va la composición y el arte, en general. Persigues algo, hay algo que te llama y tú intentas alcanzarlo. ‘The Other’ (“Lo Otro”) es básicamente el lugar de donde vienen las canciones, es la palabra oculta, es el misterio. Es la mano invisible que te guía cuando estás creando algo. Es lo que tuve que redescubrir (…) para volver a hacer música de una forma que sintiera honesta y buena”.

Un acosador de Lana del Rey es detenido por planear su secuestro durante un concierto

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Según informan hoy diversos medios, un hombre fue detenido el viernes por la noche en la ciudad de Orlando, Florida, cuando se disponía a acceder a un concierto de Lana del Rey en esta ciudad. La policía de dicha capital del sureste norteamericano ha comunicado en Twitter que el sujeto ha sido arrestado “tras recibir indicios sobre un posible intento de secuestro” por su parte hacia la artista.

La Policía de Orlando dio por creíbles los indicios que apuntaban a que un individuo llamado Michael Hunt, de 43 años, era una amenaza para la cantante. Cuando fue detenido, llevaba entradas para acceder al evento y un cuchillo de unos 8 centímetros, si bien en ningún momento llegó a tener contacto alguno con Elizabeth Grant.

Según Pitchfork, el individuo detenido llevaba algunos días enviando mensajes confusos pero amenazantes hacia Lana del Rey en Facebook, con vídeos en los que –según el Orlando Sentinel– decía “quiero ver a mi reina el viernes y, desde ese momento en adelante, nuestras decisiones serán una sola”. En otros estados decía que Grant conocía su cara a través de sus sueños y que planeaba terminar el tour con ella. Delirante y espeluznante.

No es la primera vez que la autora de ‘Born to Die’ tiene que enfrentarse a amenazas de este tipo: hace un par de años logró una orden de alejamiento contra dos fans que la acosaban y amenazaban, además de sufrir el asalto de su casa por parte de un hombre de 19 años.

Tune-Yards / I can feel you creep into my private life

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Tune-Yards investigan en su cuarto álbum ‘I can feel you creep into my private life’ la problemática del privilegio blanco en Estados Unidos desde un punto de vista personal, indagando en verdades sobre su propio racismo aprendido y tratando de reconciliarse con su privilegio y su pasado “colonizador” (Merill Garbus ha utilizado elementos de la música de Haití o ritmos africanos en su música).

Durante la composición del disco, Garbus atendió un curso sobre racismo en Oakland con el objetivo de “aprender sobre mi experiencia como persona blanca en el ámbito de la justicia racial”, y esa etapa ha inspirado un largo tan incómodo de escuchar como ha sido para Garbus asumir su parte de culpa en la protección de ese privilegio. El conjunto del álbum, que incorpora influencias del art punk, el lo-fi o la música dub, presenta una atmósfera gris, sucia e incómoda para hablar de temas como la vergüenza blanca (‘Look at Your Hands’), el auto-engaño (‘Honesty’) o el patriarcado (‘Hammer’), y el grupo es capaz de dar con canciones tan decididas como ‘Heart Attack’ y ‘ABC 123’, la sugerente ‘Coast to Coast’ o la pegadiza ‘Private Life’.

Aunque el objetivo de Tune-Yards con este nuevo trabajo ha sido incomodar ante todo, el ahora dúo no se quita de entregar una serie de canciones tan monótonas y desenfocadas como ‘Home’, ‘Who Are You’ o ‘Free’, de las cuales abundan en un disco en el que ni siquiera el single principal, ‘Look at Your Hands’, una aproximación bastante mediocre al sonido de los 80, destaca demasiado ni es representativo del resto del largo. En “creep”, el electro-punk con un elemento tribal de ‘Colonizer’ campa a sus anchas… o más bien divaga, porque el disco pierde el norte en torno a esa pista, hacia la mitad.

Calificación: 6,9/10
Lo mejor: ‘Heart Attack’, ‘ABC 123’, ‘Coast to Coast’, ‘Private Life’
Te gustará si te gusta: Psapp, Yeasayer, Chairlift, Django Django, Animal Collective, Dirty Projectors…
Escúchalo: Spotify

Justin Timberlake asegura que no habrá holograma de Prince en su show de la Superbowl

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Esta noche se celebran la final de la Superbowl, uno de los eventos deportivos más seguidos en todo el mundo… por la fiesta y mercadotecnia que se genera alrededor. Su intermedio, por cuyos anuncios se pagan cantidades astronómicas y los creativos publicitarios pugnan por llamar la atención, es también uno de los eventos musicales más importantes del año en Estados Unidos. Tras ver en pasadas ediciones a Lady Gaga, Katy Perry o Madonna, en esta ocasión será Justin Timberlake el artista que amenizará la espera entre el fin de la primera parte del partido de fútbol americano y la segunda.

Mucho se ha especulado sobre el contenido de esa actuación que, evidentemente, servirá al músico y actor para promocionar su recién estrenado nuevo álbum ‘Man of the Woods’. Muchos deseaban que saldara una deuda moral con Janet Jackson, tras haber sido él el que descubrió uno de sus pechos en la actuación de la cantante en este evento en 2004 –lo cual supuso muchas críticas para ella, pocas o ninguna para él–. Parece que no será así. También se había rumoreado con que congregara a sus compañeros de la boyband *NSYNC, pero parece que tampoco irán por ahí los tiros. Lo que parece seguro, si se concretan los últimos rumores, es que dará mucho que hablar.

Segun el tabloide TMZ, la actuación de Justin Timberlake podría incluir la aparición de Prince a través de un holograma, algo que se ha venido haciendo con otros artistas como Michael Jackson o 2Pac en alguna ocasión y que en este caso ya había insinuado anteriormente por la hermana del artista de Minneapolis. Paradójicamente, como señala the FADER, Prince se mostró totalmente contrario a este tipo de prácticas en una entrevista con Guitar World años atrás, porque lo consideraba “demoníaco”. “Las cosas son como son, y así deberían ser. (…) Si quisiera haber tocado con Duke Ellington, tendría que haber vivido en su misma época”, decía en 1998, criticando también el uso que se hizo de la voz de John Lennon para grabar ‘Free As a Bird’ de los Beatles. Algo que es refrendado hoy por su amiga y socia artística Sheila E. “Prince me dijo que no dejara que nadie hiciera un holograma de él. ¡No molaría nada que esto ocurriera!”, ha dicho en un tuit citando la noticia. En unas horas, saldremos de dudas sobre si Justin Timberlake se atreverá a vampirizar a uno de sus ídolos.

Actualización: en un tuit más reciente, la propia Sheila E. niega que finalmente vaya a aparecer Prince vía holograma en la actuación de Timberlake en la Superbowl. Y la fuente parece ser fiel, puesto que es el propio artista quien se lo ha confirmado: «Familia, he hablado con Justin esta noche y ha tenido sentidas palabras de respeto hacia Prince y los fans Púrpuras. Estoy deseando lo que estoy segura que será un espectacular show de intermedio. No hay holograma«.

El discurso de La Terremoto de Alcorcón contra el machismo y otros momentos virales de los Goya 2018

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Como es ya tradición, la gala de los premios Goya se vive tanto en el auditorio de un hotel madrileño como en las redes sociales, especialmente en Twitter. En esta plataforma uno de los momentos más recurrentes de la gala de anoche fue el discurso que, en la recta final, ofreció Pepa Charro, la actriz también conocida por su faceta musical como La Terremoto de Alcorcón. Un discurso que ponía ese punto feminista que, aseguraba la Academia, tendría esta entrega de premios pese a que estaba gestada en un altísimo porcentaje por hombres.

Charro puso el dedo en la llaga al preguntar a Leiva si pensaba formar una familia, “que se te pasa el arroz”, o a Bardem “si planeaba quedarse embarazado” –cuestiones comunmente hechas a mujeres– y señalar que «de 135 nominados, 30 son mujeres. De esas 30, casi la mitad están nominadas como actrices. No hay mujeres en música, arte, animación, efectos, sonido,… Por el mero hecho de ser mujeres, no están ahí”. Más tarde, Isabel Coixet y su película, ‘La librería’, obtendrían los dos premios más codiciados de la noche, uno de ellos a manos de Carlos Saura que, ajeno a la reivindicación de la gala, celebró entregar el galardón al lado de Penélope Cruz, “esta chica tan guapa”. Qué significativo.

Otro de los momentos más comentados de la noche fue las varias veces que la voz en off que anunciaba los nominados balbuceaba unos sonidos que pretendían –o quizá no– decir ‘Estiu 1993’, una de las películas más nominadas de la noche –Carla Simón, su directora, obtuvo el premio a Mejor dirección novel. Aunque apenas se oyó hablar catalán en toda la noche, sí se habló, y mucho, euskera: ‘Handia’ ganó 10 meritorios Goyas y el equipo dio las gracias a sus amigos y allegados en su lengua natal, para probable estupor de algún político presente en la sala.

Obviamente, otro tema recurrente fue el muermazo de gala que presentaron con escaso éxito Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla, como señalaron muchos tuiteros. Ellos seguro que lo preveían y por eso llamaron al crítico más duro del país, Carlos Boyero para consultarle: “Es como el parto de un caballo, es bonito pero da mucho asco”, dijo. Qué fino estuvo, por esta vez. Quizá por eso fue tan celebrada celebrada la intervención de Paquita Salas, que muy apropiadamente entregó el Goya a actriz revelación, su terreno. Su descacharrante intervención culminó saliendo de escena y entregando una tarjeta a Bruna Cusí, la ganadora. Esa mujer ha devorado a Brays Efe.

‘Handia’ arrasa con 10 premios, pero ‘La librería’ e Isabel Coixet ganan en los Goya 2018

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Handia’ y ‘La librería’ encabezaban las nominaciones de este año a los premios Goya 2018 con 13 y 12 nominaciones y fueron estas las grandes vencedoras de la noche. La estupenda película de Aitor Arregi y Jon Garaño arrasó con 10 premios (guión original, maquillaje, efectos especiales, dirección artística, dirección de producción, banda sonora, fotografía…), igualando a ‘La isla mínima’ y ‘Blancanieves’ en la tercera posición del ránking de películas con más galardones en la historia de los premios. Sin embargo fue el film de Isabel Coixet la que obtuvo los premios principales en los que se medía con esa película y ‘El autor’ de Manuel Martín Cuenca. ‘La librería’ fue elegida Mejor película e Isabel Coixet ganó tanto el premio a la mejor dirección como el de mejor guión adaptado.

El resto de premios fue mucho más repartido: Nathalie Poza alzó el Goya a Mejor actriz protagonista por ‘No sé decir adiós’; Javier Gutiérrez el de Mejor actor protagonista por ‘El autor’; los premios a la actriz y actor de reparto fueron respectivamente para Adelfa Calvo (‘El autor’) y David Verdaguer (‘Estiu 1993’), mientras que los premios revelación de interpretación fueron para Bruna Cusí (‘Verano 1993’) y Eneko Sagardoy (‘Handia’). El premio a la Mejor dirección novel fue para Carla Simón por ‘Verano 1993’ y ‘La llamada’, que optaba a 5 premios, solo obtuvo el Goya a la Mejor canción original por el tema principal de esta película, a cargo de Leiva. ‘Verónica‘ de Paco Plaza, otra de las grandes nominadas, no se fue de vacío por poco (Mejor sonido). La genial ‘Muchos hijos, un mono y un castillo‘ de Gustavo Salmerón se llevó el Goya a Mejor largometraje documental.

Los que confiábamos en que la elección como presentadores de la gala de los Goya 2018 a Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla implicaría que tendríamos una gala divertida, no podríamos haber estado más equivocados. Más bien al contrario, fue una gala torpe, aburrida y forzada, especialmente cuando –y nunca pensé escribir esto– Sevilla y Reyes aparecían en pantalla. Sí, lograron lo imposible: que echáramos de menos a Dani Rovira.

Finalmente, no ofrecieron un discurso tan subido de mala leche como el que Julián López dio en los Feroz, pero es que además sus bromas fueron previsibles y demasiado naíf, salpicadas con algún momento desconcertante (la vomitona sobre El Langui, algo sobre Maribel Verdú tomando Soberano, ambos sobándose la cara…) que no ayudó en nada. Menos mal que, en el delirio de tratar de hacer ver que no pasaba nada porque la gala –de teórica reivindicación feminista– estuviera creada casi en su totalidad por un equipo de hombres, Leticia Dolera respondió a Reyes con una buena colleja dialéctica: “os está quedando un campo de nabos feminista precioso”. Bravo.

Entre tanto dislate, hubo buenos momentos: especialmente, la entrega del premio a mejor actriz revelación a cargo de Paquita Salas (el actor Brays Efe), que además de repartir tarjetas de PS Management en las primeras filas (“las que interesan”), ofreció un consejo maravilloso a esas actrices: “el objetivo de esta profesión no es ganar premios, el objetivo es ganar dinero: haced pasapalabras”. También, la entrega del Goya de Honor a Marisa Paredes, espontánea y diva emocionada y emocionante. Y, por último, el discurso de Nora Navas, vicepresidenta de la Academia, lleno de pasión y que, además de atizar un buen bofetón -dialéctico, obviamente– al Ministro de Cultura por incumplir su palabra sobre la reduccción del IVA cultural, dio una lección demoledora con una sola frase: «Solo derrotando a la superioridad de género derrotaremos el monstruo de la violencia contra las mujeres».

Este es el palmarés completo:

MEJOR PELÍCULA
– La librería

MEJOR DIRECCIÓN
– Isabel Coixet, por La librería

Mejor dirección novel
– Carla Simón, por Verano 1993

Mejor actriz
– Nathalie Poza, por No sé decir adiós

Mejor actor
– Javier Gutiérrez, por El autor

Mejor actriz de reparto
– Adelfa Calvo, por El autor

Mejor actor de reparto
– David Verdaguer, por Verano 1993

Mejor actriz revelación
– Bruna Cusí, por Verano 1993

Mejor actor revelación
– Eneko Sagardoy, por Handia

Mejor guion original
– Aitor Arregi, Jon Garaño, Andoi De Carlos y Jose Mari Goenaga, por Handia

Mejor guión adaptado
– Isabel Coixet, por La librería

Mejor música original
– Pascal Gaigne, por Handía

Mejor canción original
– ‘La llamada’, de Leiva, por La llamada

Mejor dirección de producción
– Ander Sistiaga, por Handia

Mejor montaje
– Laurent Dufreche y Rául López, por Handía

Mejor dirección de fotografía
– Javier Agirre Erauso, por Handia

Mejor sonido
– Aitor Berenguer, Gabriel Gutiérrez y Nicolás de Poulpiquet, por Verónica

Mejor dirección artística
– Mikel Serrano, por Handia

Mejor diseño de vestuario
– Saioa Kara, por Handia

Mejor maquillaje y peluquería
– Ainhoa Eskisabel, Olga Cruz y Gorka Aguirre, por Handia

Mejores efectos especiales
– Jon Serrano y David Heras, por Handia

Mejor película europea
– The Square, de Ruben Östlund

Mejor película iberoamericana
– Una mujer fantástica, de Sebastián Leilo (Chile)

Mejor documental
– Muchos hijos, un mono y un castillo, de Gustavo Salmerón

Mejor película de animación
– Tadeo Jones 2: El secreto del rey Midas, de Enrique Gato y David Alonso

Mejor cortometraje de ficción
– Madre, de Rodrigo Sorogoyen

Mejor cortometraje documental
– Los desheredados, de Laura Ferrés

Mejor cortometraje de animación
– Woody & Woody, De Jaume Carrió

Leiva gana el Goya a la Mejor Canción Original por ‘La llamada’

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Se había anunciado que durante la gala de los premios Goya 2018 habría una actuación del grupo Marlango. Lo que no imaginábamos es que esa “actuación”, en realidad, sería una entrega de un premio “musicada”. Es decir, en lugar de anunciar las nominaciones, Leonor Watling, cantando, y Alejandro Pelayo, al piano, fueron enlazando fragmentos de cada una de las canciones nominadas. Eran ‘Rap zona hostil’, de Enrique Baños y Fenyxxx para la película ‘Zona hostil’, ‘Algunas veces’ de José Luis Perales para ‘El autor’, ‘Feeling lonely on a Sunday afternoon’, de Alfonso de Vilallonga para ‘La librería’ y ‘La llamada’ de Leiva para ‘La llamada’.

Una auténtica sorpresa, bastante audaz, que, según explicó Watling al comenzar el número, fue una idea de la presidenta de la Academia Yvonne Blake, que no acudió a la gala por enfermedad. Tras el buen número musical –que, sí, incluyó parte del rap con bastante solvencia–, Watling anunció que el premio era para Leiva por ‘La llamada’. El ex-Pereza subió al escenario y agradeció el premio a Los Javis y a las 4 actrices protagonistas de la película, especialmente a Macarena García, que es su pareja. Este fue el único premio de la noche, de los 5 a los que optaba, que obtuvo esta película musical.

‘La llamada’ es el tema principal de ‘La llamada’, el debut cinematográfico de Javier Calvo y Javier Ambrossi, adaptación de una obra de teatro musical escrita por ellos mismos. Una canción que en su momento elegimos como nuestra Canción del día por la fuerza emotiva que tenía dentro del film, pero también porque es una composición redonda, de preciosos arreglos muy The Beatles, que sitúa a Leiva al nivel de un Andrés Calamaro.

¿Se atreverán los Goya con un discurso tan ácido como el de Julián López en los Feroz?

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La reciente gala de los Premios Feroz 2018 llenó titulares, sobre todo, por el inspirador y sentido discurso de Javier Calvo, de Los Javis, al recoger el galardón que se entregó a ‘La llamada’ como mejor comedia. Y también por el incisivo discurso feminista de Leticia Dolera. Pasó algo más inadvertido el del presentador de la gala, Julián López (‘Fe de etarras’), un monólogo particularmente ácido –un poco a lo Ricky Gervais en los Globos de Oro– en el que el actor manchego –verbalizando un texto de sus guionistas, José A. Pérez Ledo y Diego San José– tocó el asunto de los abusos sexuales en la industria del cine (provocando un silencio visiblemente incómodo en las gradas), arremetió contra los productores españoles (“Esta noche tenemos a 21 productores que juntos suman 78 películas y 3 graduados escolares”), además de tocar la cuestión catalana, lanzar cruentas puyas a películas como ‘Verano 1993’, compañeros como Paz Vega y Maribel Verdú, además de a Borja Cobeaga y José Luis Perales.

Esta noche se celebra la gala de los premios Goya 2018 y la pregunta es inevitable: ¿se atreverá la Academia con un discurso así? La pregunta no es baladí, teniendo en cuenta que los presentadores de la gala son, precisamente, dos amigos del propio Julián López, compañeros de cientos de batallas creativas desde la era de ‘La Hora Chanante’: Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla. Sí, hay esperanza de, al menos, que sea una gala divertida… pero que ya está despertando también polémica.

Y es que la Academia de Cine ha anunciado a bombo y platillo que, sumándose a iniciativas como la campaña #metoo, este será “el año de las mujeres”. Desde algunos medios se ha apuntado la ironía de que se anuncie tal cosa cuando la gala la presentan dos hombres, que han escrito el guión con otros tres (Miguel Esteban –‘Museo Coconut’, ‘El Club de la Comedia’–, David Galán –‘Al final todos mueren’– y Raúl Díaz Rivas), produce un cuarto, Yousaf Bokhari y realiza un quinto, Luis Campoy. Algo que, con toda la razón, muchas mujeres han denunciado en Twitter, aunque también se ha matizado que la información no es completa: Cristina López (‘El Club de la Comedia’) es responsable de contenidos de la gala y, también, guionista. La gala, además, contará con una actuación especial de Marlango, proyecto musical en el que canta la actriz Leonor Watling. En todo caso, parece evidente que estaremos ante una entrega de premios que comienza en pocas horas y, de nuevo, dará mucho que hablar por algo más que de cine.