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Anne-Marie / Speak Your Mind

Quien crea que ‘Speak Your Mind’ podría ser un ejercicio de oportunismo a rebufo del exitazo –nada predecible a priori– de Dua Lipa, yerra. Anne-Marie no es una recién llegada precisamente, aunque su nombre haya subido de división el año pasado: en 2012 trabajaba en directo con el supergrupo dubstep Magnetic Man, antes de cantar algún que otro single de Gorgon City y formar parte –su espaldarazo definitivo– de la cohorte de vocalistas de Rudimental, en cuyo ‘We The Generation’ interpretaba hasta 3 temas, incluido el fantástico ‘Rumour Mill’. Para entonces ya trabajaba en sus primeros temas en solitario –su EP debut, ‘Karate’, se publicaba en 2015–, logrando su primer hit, ‘Alarm’ en 2016. Pero poco después llegaría su eclosión definitiva, con el megahit de Clean Bandit ‘Rockabye’, encadenaría una serie de éxitos –sobre todo en los mercados británico y australiano– como ‘Ciao Adios’ y ‘FRIENDS’, producido por Marshmello que han marcado el timing adecuado para la publicación de su debut en solitario.

Por otra parte, Anne-Marie ni siquiera se parece mucho a Lipa, porque la Nicholson se mueve –sobre todo vocalmente– en un estilo de influencia jamaicana, post-Rihanna y post-Diplo, más próxima a MØ o Elliphant. ‘Speak Your Mind’ sin duda le sirve para marcar ese territorio, incluso aunque el resultado global sea algo disperso. Debido, primero, a la tirando a absurda nómina de co-autores y co-productores en la sombra (Ed Sheeran, Fred Falke, MNEK, DJ White Shadow, Ina Wroldsen y Steve Mac –el más empleado– están entre los más conocidos) que hace que no repita equipo en una sola de las 12 canciones de la edición normal (en la prescindible –salvo por ‘Rockabye’– edición deluxe sí hay alguna coincidencia); y segundo, a la tendencia a lo melifluo, a lo blandengue de algunas de estas canciones, más por culpa de una producción demasiado rea de la radiofórmula que por las composiciones.

Pero es difícil hacer un disco malo con canciones pop tan atractivas como las citadas en el párrafo anterior que aquí se incluyen junto a alguna nueva que engancha tanto como ellas. Hablo de la majorlazeresca ‘Trigger’, el medio tiempo jazzy ‘Perfect’, la magnética ‘Bad Girlfriend’ o la bonita ‘Heavy’. El resto va de lo resultón –‘Machine’, ‘Then’– a lo inocuo –‘Cry’, ‘Can I Get Your Number’–, con mención especial –para mal– al tema co-escrito por Sheeran, ‘2002’. Y eso que la letra tiene gracia: Anne-Marie evoca el verano de su primer beso, con 11 años, recordando las canciones que sonaban en la época de Britney Spears, ‘NSYNC o Jay-Z: “Ooops, I got 99 problems singing bye bye bye / Hold up, if you wanna go and take a ride with me / Better hit me, baby, one more time, uh”. Todo bien… si no fuera porque ’99 Problems’ se lanzó en 2003.

El caso es que, aparte de su considerable solvencia vocal –no es una cantante muy singular, pero sí lo bastante reconocible–, el estilo lírico es una de las bazas a favor de Anne-Marie Nicholson. Además de que no sufre por incluir alguna que otra palabrota por aquí y por allá, precisamente por el hecho de que es una cantante pop de éxito, es importante que una chica joven en la que muchas otras pueden encontrar un modelo de conducta cante, además de sobre desamor, sobre que restar importancia al físico (“I’m not a supermodel from a magazine / I’m okay with not being perfect / ‘Cause that’s perfect to me” –‘Perfect’–), sobre el #noesno (“Don’t mess it up, talking that shit / Only gonna push me away, that’s it! / Have you got no shame? You looking insane” –‘FRIENDS’–) o sobre las mujeres tomando la iniciativa en el amor y el sexo, en lugar de actuar como corderitas sumisas (“Don’t take it slow, come give me what I want / And all I want to is to get you all alone” –‘Can I Get Your Number’–).

Aunque en cómputo general ‘Speak Your Mind’ es demasiado blando y conformista, reúne un considerable número de canciones disfrutables (y disfrutonas) como para despreciarlo sin más, y muestra que Anne-Marie tiene más carácter y personalidad de la que se le suponía, como una gris vocalista para productores. Quizá en el futuro una dirección artística más valiente o más desatada –eso depende de hacia dónde quiera dirigirse– la ayude a hacer un álbum aún mejor.

Bea Pelea, la nueva promesa del reggaetón en España, coloca 3 temas en los virales de Spotify

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Bea Pelea es la nueva promesa del reggaetón en España. La granadina, que ha vivido en Málaga, México y Guatemala, donde descubrió el reggaetón, “cuando en España no había llegado todavía”, como ha explicado a VICE, y donde se empapó de la cultura indígena, acaba de publicar su primera “mixtape”, ‘Reggaetón romántico vol. 1’, y su tirón empieza a hacerse notar en streaming.

Hasta tres canciones del disco, ‘Gasolina’ con La Favi, ‘A los dos’ con Kaydy Cain y El Mini y ‘Si no te vuelvo a ver’, se encuentran actualmente entre las tres canciones más virales en España, la primera de las cuales, de hecho, está a punto de alcanzar las 20.000 reproducciones. Madrid, Barcelona, Sevilla, Valencia y Málaga son las ciudades que más están escuchando a Bea Pelea, quien por cierto ha colaborado anteriormente con Ms. Nina y La Zowi en un tema conjunto, ‘Oye papi’, y acaba de estrenar nuevo single con La Favi, ‘Sirena’.

En su “mixtape”, Pelea aúna ritmos de reggaetón y cumbia (‘Sé que me buscas’) con sonoridades de cold trap y letras descaradas sobre amor, sexo y perreo. La cuidada producción del álbum, con un marcado carácter electrónico, halla en los créditos a F1LTHY, Los Del Control, Pipo Beatz y Deltatron. ¿La Bad Gyal del reggaetón? Todo apunta a que sí, y el éxito, como a la catalana, parece estarle esperando a la vuelta de la esquina.

Rihanna, Nicki Minaj, Lana Del Rey, Madonna, Ariana, Troye, Cardi B, Grimes… asombran en la MET 2018

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Esta noche se ha celebrado en Nueva York una nueva edición de la MET Gala, la fiesta de la moda temática que organiza anualmente Anna Wintour (no, Azealia Banks no ha estado) y que incita a las celebridades a pasear por la alfombra roja algunos de sus looks más atrevidos, asombrosos… u horripilantes. El tema de este año ha sido moda y religión.

Al margen de que Sarah Jessica Parker fue, literalmente, con un belén en la cabeza, nosotros nos queremos centrar en los looks mostrados por los artistas musicales, con especial mención a Madonna, que ofreció una actuación y estrenó nuevo tema, y Grimes, que está siendo la comidilla de los blogs por haber asistido a la fiesta junto a su improbable “cita”, el polémico físico y empresario Elon Musk. Además, Nicki Minaj aprovechó para anunciar que su nuevo álbum, ‘Queen’, sale el 15 de junio.

Destacaron también el atuendo de inspiración papal de Rihanna; Lana Del Rey, que iba de Virgen de los Dolores acompañada junto a Jared Leto y Alessandro Michele; Ariana Grande y su vestido estampado con un detalle de la Capilla Sixtina; Cardi B con diseño de Jeremy Scott, o Solange y su precioso atavío negro. Janelle Monáe, Nick Jonas, Troye Sivan, Selena Gomez y Shawn Mendes son otras de las personas que acudieron a la MET dejando looks que comentar.

#MetGala with @lallo25 + @lanadelrey 👑💙🙏🏼 @gucci #MetHeavenlyBodies

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Katy in MetGala💘😇 She so fkin gorg.. 😭 #MetGala2018 #MetGala #KatyPerrymetgala

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First Monday in May. #metgala

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Madonna actúa en la Gala Met, incluyendo un fragmento de un tema nuevo

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Madonna ha sido una de las invitadas de la Gala Met, a la que han acudido diferentes artistas como Lana del Rey, Rihanna o Katy Perry. No podía faltar, pues la temática de este año era la imaginería católica que tanto ha utilizado desde sus inicios cargados de crucifijos hasta los últimos tiempos de su carrera (su última gira recreaba la Última Cena a modo de comida de coño), y acudía con un vestido negro de Gaultier y unas trenzas que había adelantado en Instagram.

Pero también había insinuado en la cuenta de Diplo que el 8 de mayo habría nueva música, y algo de eso estamos teniendo aunque de momento sea en una calidad ínfima. Madonna ha actuado en la gala utilizando unas escaleras como atrezzo (sí, más escaleras después de lo de los Brits), y ha interpretado, según las primeras filtraciones, un medley de tres canciones: ‘Like a Prayer’, un tema nuevo aparentemente llamado ‘Beautiful Game’, y una versión de ‘Hallelujah’ de Leonard Cohen. Fragmentos de la canción nueva han aparecido en la red a través del Stories de Donatella Versace, entre otros.

En cuanto al tema nuevo, no parece un single sino el tema inédito que mejor le encajaba en esta temática, con una melodía un tanto inasible y llena de enfado a lo ‘American Life’ -se supone que este disco ha sido co-producido por Mirwais y será político– y cuenta con un coro monacal como el utilizado en la intro de ‘MDNA Tour’. Se desconoce si la autora de ‘Beautiful Stranger’, ‘Beautiful Killer’ y ‘Beautiful Scars’ planea subir una versión de estudio de ‘Beautiful Game’ en las próximas horas o si este tema ha sido simplemente un modo de hilvanar ‘Like a Prayer’ y ‘Hallelujah’ en la Gala Met, pero sí se sabe que Vogue ha realizado una grabación bastante profesional de la actuación.

@madonna performing hallelujah #Metgala2018 ( @guyoseary 😂) #madonna 😇

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Escuchando el primer disco de… Christina Aguilera

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La historia no ha dejado en muy buen lugar al debut de Christina Aguilera, publicado el 24 de agosto de 1999. Tiene sus fans, pero hay que esforzarse mucho para encontrar a alguien que lo defienda ante los dos discos posteriores de Aguilera, los colosales ‘Stripped’ y ‘Back to Basics’, y en las 63 páginas que tiene el hilo antiguo de la cantante en nuestros foros, relacionada con el disco como mucho hay alguna mención a ‘Genie in a Bottle’ y poco más. De la misma manera que el debut de Britney ha seguido produciendo cierta fascinación por suponer el nacimiento de un icono y por su ristra de buenos singles, el de Aguilera simplemente ha dado pereza. ¿Por qué está ‘Christina Aguilera’ tan olvidado?

En junio de 1998, Christina Aguilera estrena ‘Reflection’, su canción para ‘Mulán’, y poco después se sumerge en la grabación de su álbum debut. En aquel momento, los productores decían que Aguilera se pasaba el día en las sesiones imitando a Mariah Carey y Brandy y, aunque la artista lamentaría en las entrevistas que su sello, RCA, no le había dejado hacer el disco de R&B que había querido hacer, precisamente a Mariah, a Brandy y también a TLC, Toni Braxton, Tiffany y todo ese ejército de chicas del R&B de los 90 sonaba este disco que podía haber grabado cualquiera de estas personas. Algo que ya se subrayaba en las críticas de la época, que resaltaban el carácter anónimo de unas composiciones en las que la estrella siempre era la voz de Aguilera, un instrumento que, en su debut, no era sino el germen de la bestia en que se convertiría años después.

Con la ayuda de productores como David Frank, Steve Kipner, Guy Roche o el tándem de Carl Sturken y Evan Rogers, que 6 años después se desquitarían de su mediocre trabajo en este álbum descubriendo a Rihanna, el debut de Aguilera es perfecto para nostálgicos del R&B-pop blandito de los 90 y deja varias curiosidades como un par de composiciones de Diane Warren (‘I Turn to You’, ‘Somebody’s Somebody’), una de Robin Thicke (!) que coqueteaba con el autotune a lo ‘Believe’ de Cher (‘When You Put Your Hands on Me’); ‘Reflection’, que por su asociación a ‘Mulán’ y, por ende, a la infancia la de millones de personas, siempre tendrá lugar en nuestros cursis corazones, y ‘So Emotional’. En algunos sectores de internet se ha creído durante años que esta canción se escribió para Selena Quintanilla, pero sus autores, Franne Gold y Tom Snow, desmienten este dato a JENESAISPOP. Gold asegura que la canción “se escribió para Christina”, pero Snow afirma que “no se escribió para ningún artista en concreto” y recuerda: “’So Emotional’ iba a ser el segundo single tras ‘Genie in a Bottle’, pero Christina declinó la idea “porque creía que tenía un sabor demasiado R&B”.

‘Genie in a Bottle’ es el gran clásico del debut de Aguilera, además de una de las canciones pop clave de los 90. Escuchada hoy en día, de hecho, da la sensación que no ha envejecido nada mal, ya que el tratamiento de la base rítmica, que suena ultra nítida y afilada (como también en ‘What a Girl Wants’ y ‘Come On Over’), la emparenta más con el sonido medio avanzado de Destiny’s Child que con el blandito de Backstreet Boys. Además, su melodía, especialmente en el enorme estribillo “if you wanna be with me”, sigue resultando tan misteriosa como el primer día. Hubo versión en español, ‘Genio atrapado’, pero no superó la original, aunque el mercado latino la pedía y, de todas formas, con esa melodía la canción habría sido buena en cualquier idioma. Camila Cabello la sampleó en su single de debut en solitario, ‘Crying in the Club’.

Era, claro, la mejor canción de un disco que, si de algo iba sobrado, era de medios tiempos y baladas. Muy pocos temas, incluida, por supuesto, la horterada de ‘Come On Over (All I Want is You’), que si por algo molaba es por haber inspirado ‘Vas a volverme loca’ de Natalia, se acercaban aunque fuera un poco a la pista de baile. ‘What a Girl Wants’ por lo menos era sexy y sigo pensando que es uno de los singles de Christina Aguilera más infravalorados, y ‘I Turn to You’ era una emotiva y tierna balada compuesta por Diane Warren que sigue conservando su elegancia. Sin embargo, en su segunda mitad el álbum se entregaba al R&B más insípido imaginable en canciones como ‘Somebody’s Somebody’, ‘Blessed’, ‘Love for All Seasons’ o la hiperglucémica ‘Obvious’ que dejaban una muy débil impresión en la memoria. Se salvaría, quizás, ‘Love Will Find a Way’, una pista alegre y mona cuya única pega era parecerse demasiado a ‘Always Be My Baby’ de Mariah Carey.

Por desgracia para Aguilera, ‘Genie in a Bottle’, ‘What a Girl Wants’ y ‘Come On Over’ fueron número uno en Estados Unidos, y tanto estas canciones como el éxito de Aguilera en los Grammy, donde se hizo con el premio a Artista revelación, convencieron al público de que había llegado una Britney con voz de Mariah cuando en realidad el disco, que se perdía en canciones anónimas y letras genéricas sobre amor adolescente, comunicaba muy poco sobre la verdadera Aguilera. Con razón hoy ‘Stripped’ solo puede considerarse una de las reinvenciones más chocantes de la historia del pop, y también una de las más exitosas. En aquel álbum histórico, Aguilera, que por fin se encontraba al control de su carrera, antepuso la artista al producto, y aunque sus “reinvenciones” posteriores han sido mucho más irregulares, por lo menos siempre han resultado más interesantes que este disco. ¿Será la de ‘Liberation‘ la que ponga fin a esta racha?

Las mejores canciones del momento: mayo 2018

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Como cada mes, renovamos nuestra playlist mensual de «Las mejores canciones del momento», que ya cuenta con más de 2.000 seguidores en Spotify.
Christina Aguilera / Accelerate: En la redacción no nos importa que lo nuevo de Christina Aguilera sea un flop, un buzz single o whatever. Sin duda el regreso más sorprendente y excitante del mes ha sido el de ‘Accelerate’. ¿Se atreverá a sonar así todo el disco?
Ariana Grande / No Tears Left to Cry: Ariana Grande encuentra un buen punto intermedio entre el homenaje a las víctimas fallecidas a la salida de su concierto de Mánchester y el himno bailable en el primer sencillo de su cuarto disco.
Janelle Monáe, Grimes / PYNK: Entre nuestros Discos Recomendados recientemente destaca por nota ‘Dirty Computer‘ y uno de sus singles más poderosos es este homenaje al coño que ha contado con la colaboración de Grimes.
Kanye West / Lift Yourself: Nuevo tema de 2 minutos de Kanye West que nadie sabe si es un adelanto de su nuevo álbum, magistral en su mezcla de pop vocal, R&B, soul de los 60 y su identidad desde ‘Yeezus’… o un timo.
Rolling Blackouts Coastal Fever / Talking Straight: Aún queda espacio para el rock&roll en medio del huracán de música urbana y nuevas formas de pop, y para muestra, el gran single de este grupo revelación.
Let’s Eat Grandma / It’s Not Just Me: ¿Decepción tras los últimos pasos de Chvrches? No dejes de prestar atención a lo nuevo de la revelación Let’s Eat Grandma tras habernos conquistado anteriormente con ‘Hot Pink‘.
PUTOCHINOMARICÓN / No tengo wifi: La llegada de PUTOCHINOMARICÓN a Elefant con los 500 vinilos agotados el mismo fin de semana de salida ha supuesto también la llegada a Spotify de sus hits de Youtube, entre ellos este ‘No tengo wifi’ que suena irresistiblemente acelerado.
Axolotes Mexicanos / Doble check: Otros que ahora están influidos por el J-pop y los sonidos de PC Music son Axolotes Mexicanos, aquí en una de sus canciones más contagiosas. Hace poco estrenamos su vídeo.
Soledad Vélez, El último vecino / Cromo y platino: Entre los temazos del notable nuevo disco de Soledad Vélez está esta colaboración con El último vecino, toda una delicia italo.
Hatchie / Sleep: Otra buenísima revelación está siendo la de Hatchie: atentos fans de los primeros Hooverphonic.

Beach House / Black Car: Sorprendente single del disco que Beach House sacan esta semana y que por supuesto se les ha filtrado para seguir con su tradición.
Rufus T. Firefly / Demogorgon: Gran avance, con guiño a ‘Stranger Things’, de una de las más claras revelaciones de la música madrileña durante los últimos años, Rufus T. Firefly.
Dirty Projectors / Break-Thru: Mejor aún suena el regreso de Dirty Projectors, con una guitarra que se retuerce y que nos hace poner los dientes largos respecto al que será su próximo disco.
Florence + the Machine / Hunger: Buen single de pop de Florence, aunque algunos esperáramos más de la autora de ‘What the Water Gave Me’ y ‘What Kind of Man’.
Natalie Prass / Sisters: Nuevo delicioso single de inspiración setentera en la carrera de la gran Natalie Prass, muy apto para seguidores de la primera Feist.
Parcels / Tieduprightnow: El sencillo de Parcels nos mantiene en los 70 pero en un sentido muy diferente al de la canción anterior. Las guitarras de esta no pueden ser más disco en el sentido Nile Rodgers de la palabra…
Madame Monsieur / Mercy: Entre las canciones que nos gustaría ver triunfar en Eurovisión, aparte de la de Amaia y Alfred, la de los franceses Madame Monsieur que, desgraciadamente, ha perdido algo en las casas de apuestas, donde incluso se les ha llegado a ver por el número 2.
Nimmo / Too Late: Ahora que Tracey Thorn ha vuelto… perdón, ahora que Dua Lipa y Calvin Harris arrasan con una canción noventera, es el momento de celebrar la llegada de Nimmo.
Jon Hopkins / Emerald Rush: Entre las grandes canciones contenidas en el disco de Jon Hopkins que sale esta semana no podemos dejar de hablar de esta que, entrecortada, tiene «radio edit» como muestra de su accesibilidad.
Le Parody / Dime: Nuevo tema de la siempre interesante y ambiciosa Sole Parody, ahora en un split para un sello inglés, y con ecos de Animal Collective.
Betacam / Ave rapaz: Una de las canciones contenidas en el Disco Recomendado de Betacam, ‘Mítico’, nos devuelve a los sonidos synth-pop. Este tema es tan Pet Shop Boys y Kraftwerk como Carlos Berlanga circa ‘Vía Satélite Alrededor de…’.

Troye Sivan / Bloom: También en los 80, aunque en un sentido muy diferente, se sitúa el segundo single del que ha de ser el próximo álbum del joven Troye Sivan.
Clairo / 4EVER: De Youtube al mundo, la joven Clairo vuelve a conquistarnos con un tema nuevo, el medio tiempo ‘4EVER’.
Rush Week / Be Like Mike: Otra revelación desde Estados Unidos, aunque en este caso editada por Elefant en España, es este versátil dúo, cuyo vídeo para ‘Be Like Me’ hemos estrenado, situado en una pista de baile.
Carmen Boza / Gran Hermano: Temazo de rock con reflexión sobre el «gran hermano» que a la propia Carmen Boza le sorprendió para bien ver reseñado en nuestras páginas, como comentó en Twitter.
Nacho Vegas / Ser árbol: Tras una serie de teasers en las redes sociales, al fin ha llegado a las plataformas de streaming el bonito single de lo nuevo de Nacho Vegas, con coros de Maria Rodés.
Los Hermanos Cubero / Tenerte a mi lado: En breve recomendaremos el próximo disco de Los Hermanos Cubero, dedicado a la muerte de la esposa de Enrique, cuyo adelanto era este desasosegante ‘Tenerte a mi lado’.
Lykke Li / deep end: La cantante sueca muta hacia los ritmos hip-hop y ligeramente «trap» en sus dos nuevos singles, aquí con «swimming-pool» como extraño estribillo.
Cardi B, Bad Bunny, J Balvin / I Like It: El éxito espontáneo del estupendo disco de Cardi B está siendo este latino ‘I Like It’, con colaboradores de sobra conocidos por todo el mundo en nuestro país.
Kylie Minogue, Gente de Zona / Stop Me From Falling: Cerramos con más ritmos latinos, esta vez gracias al «featuring» que ha reavivado ligeramente el disco country de Kylie, sobre todo gracias a su divertido vídeo.

La legión de Izal, la fantasía de alt-J y la autenticidad de Mueveloreina, protagonistas del cierre de Warm Up

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El Warm Up 2018 (antes WAM, una especie de sustituto del SOS 4.8) que se ha celebrado este fin de semana en Murcia cerró el sábado su segunda edición con sold-out y, según datos de la organización, cerca de 70.000 asistentes en las jornadas sumando los 26.000 de cada día a las actividades paralelas de la ciudad. No es extraño, pues, que este mismo miércoles salgan ya a la venta las primeras entradas para la edición del año que viene. Ni tampoco que dos gigantes nacionales como Izal y Dorian decidieran iniciar su gira aquí. Fotos: Javier Rosa.

Y lo de Izal es increíble. Ni Kasabian ni alt-J: el mayor llenazo que se vio durante el fin de semana fue en el concierto de los madrileños, convertidos ya en un fenómeno de masas que va a más con cada disco (su top de Spotify está copado por temas del último), y para los que las etiquetas “indie” o “alternativo” quedan ya absolutamente risibles. Cuando reseñamos el single ‘El Pozo’, su lead-single de esta era, destaqué el potencial que tenía su subidón final para funcionar en festivales… y este sábado pude comprobarlo. Se despidieron a lo grande con ella, pero durante todo el concierto -en el que presentaron ‘Autoterapia’, con huecos para imprescindibles de su discografía como ‘Asuntos delicados’ o ‘Copacabana’- tuvieron a miles de personas bailando y coreando las canciones, sobre todo público joven (imposible contar la de gente grabando stories para Instagram en TODAS las canciones).

La desventaja del exitazo de Izal fue para quienes coincidían con ellos, como el madrileño Edu Ostos, que compartía los temas de ‘Your Last 48 Hours‘ y del resto de álbumes de su proyecto Ed Is Dead en otro de los escenarios. Nos acercamos un rato y la conclusión que sacamos del show es que pide a gritos un escenario más grande y poder llegar a más gente, porque es un show de electrónica que puede gustar a quienes no les gustan los shows de electrónica (y a los que sí también, claro), gracias a la sutileza de su sonido y sus voces, y a la interacción de Edu con su equipo -especialmente su compañera Lucía- y con el público, que daría mucho más juego en otro tipo de escenario. El otro gran momento de electrónica del día fue para el francés Vitalic, ya en el escenario Estrella de Levante. Como era de esperar, no abrió con ‘Tú Conmigo’, la canción junto a La Bien Querida: a las dos de la mañana era mejor despertar a lo grande al público con una combinación de temas atronadores de ‘Voyager’ y del resto de su repertorio, apoyados en una escenografía llena de LEDs que subían y bajaban, aumentando la magnitud del momento.

alt-J se han hecho con un sonido propio con el que consiguen llevarte a un mundo alternativo de fantasía, y eso sucedió, en parte, durante su concierto (“en parte” porque quizás para ese propósito hubiese servido más un escenario más íntimo, pero se entiende que unos cabezas de cartel tenían que estar ahí). Joe Newman, Thom Green y Gus Unger-Hamilton presentaron ‘Relaxer’ y repasaron ‘An Awesome Wave’ y ‘This Is All Yours’, siendo especialmente destacables el éxito a la hora de transmitir la sexualidad de ‘Every Other Freckle’ y ‘Left Hand Free’, la nostalgia contenida-y-luego-no de ‘Pleader’ o el cierre con gran entrega del público en ‘Breezeblocks’ -probablemente el tema estrella de los ingleses. Es cierto que, si bien muchos no fans descubrirían a alt-J antes de ayer, muchos otros que no estaban acostumbrados a alt-J se quejaban de que el concierto había sido “un coñazo”. Estos últimos tendrían como compensación el terremoto que ofreció un par de horas después Joe Crepúsculo, que presentó el reciente ‘Disco duro’ con canciones como ‘Pisciburguer’, ‘Te voy a pinchar’ o ‘Música para adultos’, sin olvidarse de otros temas de su repertorio como ‘Ritmo Mágico’, ‘La canción de tu vida’ o ‘Tus cosas buenas’. Cerca de las cuatro de la mañana, Crepus se las arregló para que su público se negase a sus propuestas, entre canción y canción, de irse ya a dormir, dándolo todo especialmente en el explosivo cierre con ‘Mi fábrica de baile’.

Y aunque Izal fueron indiscutiblemente los reyes del día en cuanto a bandas españolas, Dorian y Viva Suecia se encargaron también de demostrar por qué estaban ahí. Viva Suecia, que en pocos años puede que tengan la fanbase de unos Lori Meyers, interpretaron en un vibrante directo temas de sus dos discos, ‘La Fuerza Mayor’ y ‘Otros Principios Fundamentales’ cerrando, cómo no, con su himno generacional ‘Hemos ganado tiempo’, y con otro himno: el ‘Canto a Murcia’ de la zarzuela ‘La Parranda’, que para eso estaban en su tierra. Por su parte, Dorian iniciaban la gira de su inminente ‘Justicia Universal’ (“la justicia está un poco rara en este país últimamente”, comentaron), del que cayeron temas como ‘Noches Blancas’ o la ya conocida ‘Hasta Que Caiga El Sol’, aunque lo más celebrado fue una traca final de vértigo: ‘Cualquier otra parte’, ‘Tormenta de arena’ (lanzamiento de serpentinas en el momento cumbre incluido y, en consecuencia, locura del público incluida) y ‘Los amigos que perdí’. En ese mismo escenario veríamos más tarde a Yelle: Julie apareció cual diva enfundada en un mono de lentejuelas, haciendo bailar a los más aficionados al electropop. Pudimos ver a la francesa interpretar su primera parte del setlist, entre ellos ‘Je Veux Te Voir’, antes de acercarnos al escenario en el que el concierto de Mueveloreina estaba a punto de comenzar.

Porque, tras verlos en el Monkey Week, intuía que lo de Mueveloreina iba a ser especialmente interesante. Y no me equivocaba. Empezaron fuerte con ‘Cheapqueen’, hicieron moverse -y mucho- al público (con el que no paraban de interactuar) a través de ‘Voy’ o ‘I Want it All’ y hasta estrenaron un tema (¿’Postureo’ es el título?) que describieron como “muy dance, muy 90, muy mamarracho”. Para el final se reservaron un par de momentos reivindicativos: primero con ‘Shoot my Head’, cuyo videoclip sacaron en apoyo a la libertad de expresión en medio de las detenciones y condenas por robar, perdón, rapear. “A pesar de que no lo parezca, el mundo nos quiere vivas”, comenzó a decir Karma, haciendo luego una referencia a la sentencia de La Manada, mientras Joako se mantenía atrás cediéndole todo el protagonismo, probablemente consciente de la importancia de esta actuación. Y es que, si ambos estaban ya entregadísimos todo el concierto, ‘Vivas’ fue un cierre en lo más alto. Karma derrochó garra en la interpretación del tema, y al llegar el “y siendo alarmista por ver un pezón” se abrió la camisa (no llevaba sujetador), arrancando un aplauso del público que fue contestado por ella con un simple y certero “¡Gracias! Solo son un par de tetas eh, no muerden ni nada”, tras lo que siguió tal cual hasta acabar la canción. Reivindicaciones sin dejar de bailar y pasarlo bien, tanto el público como ellos mismos, a los que se les veía disfrutando y rebosando verdad por los cuatro costados ante quienes se iban congregando (cada vez más) frente al escenario. Nada más acabar el concierto, una chica de unos 16 que estaba a mi lado le soltó a sus amigos: “¿Pero y esta puta genia de dónde ha salido? ¡Me encantan!”, ejemplificando bastante bien lo que, para muchos que no los conocían, pudo suponer el que fue, sin duda, uno de los mejores conciertos del festival. ¡Al escenario grande la próxima vez, por favor!

Los artistas que actúan en más festivales en España

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Wegow ha elaborado un informe sobre festivales que deja más de una curiosidad. La plataforma para los amantes de la música en vivo dispone de un buscador de festivales en el que puedes filtrar por fecha, ciudad, género (hasta 18 de ellos más allá de indie, blues, electrónica o folk) y artistas que te puedan interesar, y así escoger el festival que más te pega, además de descubrir el que te faltaba por conocer. Tienes cientos de festivales en los que navegar, chatear para montar el plan con tus amigos o incluso encontrar con quien asistir.

Arrancada la temporada festivalera, Wegow ha extraído una serie de datos, como qué artistas actúan en más festivales este año, cuáles de los que tienen más seguidores en la plataforma actuarán próximamente, o en qué fechas se celebran más festivales en nuestro país. La lista de artistas con más festivales en España este año está encabezada por La M.O.D.A., La Maravillosa Orquesta del Alcohol, con hasta 24 bolos en festivales incluyendo Cruïlla, Conexión Valladolid, Mad Cool, IslaGo, Cooltural, etcétera. En segundo lugar, encontramos a Izal, que han sido número 1 de streaming en España con ‘Autoterapia’ durante mes y medio, por lo que no es de extrañar que tengan hasta 17 conciertos registrados en festivales esta temporada. De hecho, acaban de despachar el primero de ellos, en Warm Up Murcia, arrasando como os contábamos en la crónica. En la tercera plaza, en el último lugar del podio, sorprende encontrar a una banda mucho menos vendedora o popular, Rufus T. Firefly, que se ha hecho un camino con ‘Magnolia’ y acaba de sacar un single notable, ‘Demogorgon‘.

Completan el curioso top 15, artistas indies como Carlos Sadness, Dorian, La Casa Azul, Sexy Zebras, Iseo & Dodosound y bandas de otros géneros como La Raíz o Kase.O. Si a alguien le extraña la ausencia de Vetusta Morla o Love of Lesbian, hay que recordar que los primeros están concentrados en su propia gira y los segundos sacaron su último disco hace ya dos años.

En cuanto a la lista de artistas más populares que tocan en España (entendiendo «popularidad» como una combinación de interacción entre la gente que sigue a estos artistas en la plataforma e info de terceros), el primer puesto lo ocupan The Chainsmokers, que visitan el Barcelona Beach Festival. Daddy Yankee y Dua Lipa completan el top 3 (ella viene a Mad Cool), mientras que en el top 15 encontramos a grupos como Arctic Monkeys (también en Mad Cool y Primavera) o Gorillaz, que vienen al Bilbao BBK Live.

Ciñéndonos a artistas con más seguidores en Wegow que actúan en España, el número 1 es David Guetta (que actuará repetidamente en Ibiza), pero la lista es mucho más alternativa que la anterior, con The Killers (que van al FIB) en el puesto 2 o Franz Ferdinand en el puesto 10 (van al Festival O Son Do Camiño o el Vida Festival, entre otros).

En cuanto a las provincias en las que más se buscan festivales, Madrid y Barcelona lógicamente encabezan la lista, pero por densidad de población, destacan los casos de Palma y Granada, la cual es solo la 17ª provincia más poblada del país pero aparece la 9ª en este top. Seguro que el gran número de artistas salidos de la ciudad, desde Los Planetas a Soleá Morente pasando por Lagartija Nick o Lori Meyers, tiene muchísimo que ver.

Finalmente, el estudio de Wegow nos deja otro dato interesante: las semanas favoritas para celebrar festivales. Y no, no gana la semana que coincide BBK Live y Mad Cool, sino la segunda semana de agosto, la del Dreambeach, Sonorama, Rototom, Medusa Sunbeach, y un largo etcétera. Eso sí, tras el 12 de agosto aún encontraremos algún festival (Dcode, BIME, Gigante, Parallel, etcétera), pero la cosa decae bastante. Parece que, con gran parte del público en el extranjero, es arriesgado hacer un festival en España un 25 de agosto.

Os dejamos con los datos a partir de mayo de 2018.

Artistas que actúan en más festivales de España

1.-La M.O.D.A. (La Maravillosa Orquesta Del Alcohol) 24
2.-Izal 17
3.-Rufus T. Firefly 15
4.-La Raíz 14
5.-Ángel Stanich 14
5.-Carlos Sadness 14
7.-Juanito Makandé 13
8.-Dorian 11
8.-La Casa Azul 11
10.-Sidecars 10
10.-Viva Suecia 10
10.-KASE.O 10
10.-Sexy Zebras 10
10.-Iseo & Dodosound 10
15.-Lori Meyers 9

Artistas más populares que tocan en festivales en España

1. The Chainsmokers
2. Daddy Yankee
3. Dua Lipa
4. Kygo
5. Imagine Dragons
6. Martin Garrix
7. Major Lazer
8. David Guetta
9. Lorde
10. Gorillaz
11. A$AP ROCKY
12. Arctic Monkeys
13. Childish Gambino
14. Steve Aoki
15. Guns N’ Roses

Seguidores de artistas en Wegow que tocan en festivales de España

1. David Guetta
2. The Killers
3. Arctic Monkeys
4. Daddy Yankee
5. Imagine Dragons
6. Guns N’ Roses
7. Love Of Lesbian
8. La M.O.D.A. (La Maravillosa Orquesta Del Alcohol)
9. Lori Meyers
10. Franz Ferdinand
11. Maldita Nerea
12. Leiva
13. Sidonie
14. Pearl Jam
15. The Chainsmokers

Ciudades en las que más se buscan festivales en Wegow

1. Madrid
2. Barcelona
3. Valencia
4. Sevilla
5. Málaga
6. Palma
7. Alicante
8. Valladolid
9. Granada
10. Bilbao

En qué semanas tienen lugar más festivales en España

Aug 06 – Aug 12
Jun 25 – Jul 01
Jun 04 – Jun 10
Jul 02 – Jul 08
May 07 – May 13
Jul 09 – Jul 15
May 21 – May 27
Jul 16 – Jul 22
Jul 30 – Aug 05
Jul 23 – Jul 29

‘Tu canción’ de Amaia y Alfred es una “locura a nivel musical” según Jaime Altozano

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El Youtuber Jaime Altozano ha realizado uno de sus interesantísimos vídeos analizando ‘Tu canción’ de Amaia y Alfred y argumentando que es una “locura” de composición a “nivel musical”. Junto a su colega Pablo Albacar, Altozano analiza la melodía de ‘Tu canción’, la armonía del estribillo y la armonía de las estrofas y arguye que el tema esconde pequeñas sutilezas armónicas que no suelen ser demasiado habituales en el pop, por ejemplo que su estribillo contenga “5 acordes en lugar de 3”. “Tiene muchas más relaciones y disonancias internas, es un acorde más complejo e interesante, afirma Abarca”, a lo que Altozano añade que el acorde de dicho estribillo sería, de hecho, más propio de una “banda sonora”.

El “punto clave” de ‘Tu canción’, según Altozano y Abarca, es que “las dos estrofas comparten menos del 50% de los acordes”, lo cual, indica Altozano, es “muy brutal y muy raro”. “Lo normal en el pop es que las estrofas siempre tengan los mismos acordes, no es habitual que la segunda estrofa sea una re-armonización de la primera”, añade el Youtuber. “Es como un juego de perspectivas ver la misma melodía desde dos enfoques distintos”.

Altozano y Abarca no dejan de comentar las acusaciones de plagio a ‘Tu canción’, que muchos fans han acusado se parece sospechosamente a una composición de 2011 de Ludovico Enaudi, ‘Nuvole bianche’. Sin embargo, y reconociendo el parecido entre ambas canciones, concretamente en el “descenso en la melodía” que utilizan tanto ‘Tu canción’ como ‘Nuvole bianche’, Altozano defiende que el limitado número de acordes en la música hace imposible que no vaya a haber al menos dos canciones muy parecidas. “Si acusamos a todas las canciones pop de plagio, nos quedamos sin canciones pop”, esgrime.

Nacho Casado: «Este disco me hizo ver que yo hago música porque me hace la vida más bonita»

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Nacho Casado publicaba un par de meses atrás ‘Verão‘, su primer disco en solitario tras dos discos como parte del proyecto La familia del árbol. En él, este músico ilicitano se ciñe a una estética espartana, con su guitarra acústica y su bonita voz apenas matizada por un contrabajo, dando todo el protagonismo a composiciones de pop folk con querencia por sonidos brasileños y jazzies, aderezando sus referentes habituales –George Harrison, The Band, Nilsson– con otros nuevos –Chet Baker, Joao Gilberto–.

Uno de los temas más inmediatos y cálidos de ‘Verão’ es ‘Edén’, cuyo vídeo oficial estrenamos hoy en JENESAISPOP. Un encantador clip filmado (con un teléfono móvil, nos revela) por la otra integrante fija de La familia del árbol (que además es su pareja), Pilar Guillén, y que refleja el espíritu cálido de la canción entre los colores brillantes de un día soleado en un precioso jardín, con Nacho tocando y cantando por sus rincones. Con motivo del estreno, además, hemos podido charlar con el músico sobre la gestación del disco, la influencia brasileña en el pop de nuestro país a lo largo de décadas y el futuro de La Familia del Árbol.

«Hacer canciones sólo con guitarra y voz fue una prueba para ver si tenía algo que decir de la forma más pura».

¿Qué te lleva del sonido expansivo, incluso rockero, de ‘Odisea’ a la delicadeza de ‘Verão’?
Bueno, cada disco ha sido fruto de un momento concreto de mi vida, he intentando siempre guiarme por el instinto y lo que pensaba que debía hacer, alejado de modas o lo que me convenía supuestamente, profesionalmente hablando, sólo hacer el mejor esfuerzo y utilizar la música como vehículo emocional y a modo terapéutico, sin reprimir todas esas emociones que quizás en la vida diaria sí contengo.
Quiero decir que no sé qué camino voy a tomar ni cómo serán mis circunstancias profesionales de disco a disco. Sí que he llegado a ese punto en el que me planteo por qué tengo que hacer discos y si debo mostrarlos de la forma convencional. Hacer canciones sólo con guitarra y voz fue una prueba para ver si tenía algo que decir de la forma más pura.

La bossa nova es un género que ha calado particularmente en artistas muy variopintos y de distintas generaciones de nuestro país: pienso en Ana Belén o Presuntos Implicados hasta Carlos Berlanga, pasando por Fernando Alfaro o Le Mans. ¿Cuál crees que es esa conexión especial entre nuestras culturas?
No sabría decirte, en mi caso no es tanto el estilo sino más bien la luz o guía que me ha dado ese sentimiento, creo que es muy cercano a la forma en la que quería cantar y tocar. Astros como Joao Gilberto dan esas texturas de delicadeza, nostalgia y elegancia que es lo que de manera muy básica acabé haciendo en la cocina de mi casa, donde compuse la mayoría del disco.

En todo caso, ’Verão’ suena a más estilos y, sobre todo, profundamente local, mediterráneo. ¿Cuál era tu premisa estética al escribir estas canciones? ¿Fue decisivo grabarlo en un estudio del Maresme, lejos de tu casa?
La premisa era capturar justo lo que hacía cuando las cantaba, no ha habido como en los discos anteriores una idea de producción o de sonido, sino más bien que la interpretación fuera lo bastante real y emotiva.
Grabarlo en Arenys de Mar fue la guinda y fue gracias a Ramón Rodríguez [The New Raemon] que me ayudó económicamente y personalmente con el disco. Él me puso en contacto con Lluis Cots y estuve unos días por allí, justo hospedado en un hostal que se llama Portofino como una de las canciones del disco. Casualidades mágicas.

En todo caso, aunque se asocie la música brasileña a alegría, fiesta y verano, también está ahí esa saudade que, en el caso de tu disco, ocupa buena parte del álbum. Las lágrimas también son para el verano, ¿no?
Exacto, para mí es justo eso, saudade, la influencia de discos clásicos y de esos maestros de la bossa, en ellos no encuentro ese tipo de festividad sino más bien algo más profundo y esa nostalgia.

En todo caso, parece que las canciones que más están funcionado son ‘Chet Baker’ y ‘Edén’ y son las más inmediatas. ¿Coinciden con las que te han hecho sentir más satisfecho / orgulloso?
Esas son muy bonitas y tienen un carácter muy pop, pero viendo un poco como lo escucha la gente veo en el streaming de plataformas que lo escuchan entero y lo guardan entre sus favoritos. Quizás esas son más fáciles para las radios y medios de pinchar. Estoy orgulloso de todo el disco, creo que es en conjunto la mejor colección de canciones que hasta hoy he publicado y eso que ya tenía, según mi propio criterio, algunas bastante decentes..

En el vídeo para ‘Edén’, que estrenamos hoy, apareces tú con tu familia, con Pilar, con vuestro hijo… es como si la canción fuera una extensión de tu vida, ¿no es así?
Sí, intento ser consecuente, el video lo ha hecho Pilar con un móvil, tiene una visión estética de las cosas que me encanta. Es una forma de capturar ese momento y eso me fascina.

«Si puedo, me paso horas tocando y cantando como si estuviera meditando e intento entrar en trance».

¿Recuerdas qué sentiste cuando terminaste de componerla, con sus referencias a Beach Boys, a la cultura francesa…? ¿Supiste que tenías algo bueno entre manos?
Cuando la canción salió la cantaba mucho porque me hacía sentir bien, a veces, si puedo, me paso horas tocando y cantando como si estuviera meditando e intento entrar en trance. Toco los acordes y canto una melodía hasta que siento que llego a algo. Luego la toco delante de Pilar y me fijo en su cara… Alguna vez llego emocionado de la cocina al salón y me dice «si llevo horas escuchándote…» [Risas]

A menudo leo en tus redes sociales que te resulta frustrante lo difícil que resulta hacerse un hueco en la escena independiente sin seguir unos patrones estéticos ajustados a “lo que se lleva”, por decirlo de una manera. ¿Has llegado a alguna conclusión al respecto?
[Risas] Lo siento… Pido disculpas, siempre pienso que no me lee nadie, que plasta soy. [Risas]
Eso ocurrió en una época en la que las cosas profesionalmente con La familia del árbol no salieron como parecía que iban a ser, por falta de experiencia, ingenuidad y medios. Que, por otro lado, eso me hizo mejorar como artista en muchos sentidos. Hay momentos que uno se frustra, o simplemente que en ese momento me equivocaba, pero intento aprender de mis errores.

«Parte del éxito se mide en un algoritmo del que prefiero apartarme, porque el poder del anillo pesa demasiado».

Mi conclusión es que lo que tenga que ser será, pienso, que hacer este disco me hizo ver que yo hago música porque me hace la vida más bonita y porque necesito hacerla, eso no significa que tenga que interesar al negocio o incluso a la gente. Que si es así, mejor que mejor, pero no es el final de esto. Además, parte del éxito se mide en un algoritmo del que prefiero apartarme, porque el poder del anillo pesa demasiado. Tengo mucha suerte en la vida así que no quiero perder más tiempo en esto. Lo digo honestamente, estoy abierto y contento con que las cosas son como son. Desde que empecé hasta ahora mis prioridades personales han cambiado y quiero encontrar un equilibrio entre lo que quiero hacer y lo que debo hacer en este “mundillo”.

¿Debemos entender este álbum como un lapso temporal de La familia del árbol? ¿Estáis trabajando en nuevas canciones ya?
Si, ya tengo nueva música que me encantaría grabar. Eso me entusiasma mucho, que todavía salgan canciones que te hagan un nudo en el estómago y te pongas como un niño pensando en grabarlas y tocarlas. Mi idea es ver dónde me lleva ‘Verão’ y si puedo hacer que los dos proyectos convivan y se alimenten el uno del otro. Con mi faceta en solitario me gustaría salir un poco del entorno indie y explorar nuevos territorios, si se da la oportunidad. Después de quitarme las cadenas de lo que supuestamente tengo que hacer como músico puedo hacer lo que quiera, mientras disfrute y sienta que tengo algo todavía que mostrar. El tiempo dirá, como siempre.

España baja un par de peldaños en las apuestas de Eurovisión 2018

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A un día de que empiece Eurovisión (el 8 de mayo es la primera semifinal, el 10 la segunda, y el 12 es la gran final), los países participantes van reforzando sus propuestas o perdiendo fuelle en las casas de apuestas a medida que realizan los ensayos de sus actuaciones en Lisboa. Y para España las noticias no son malas, aunque tampoco espectacularmente buenas, al menos en las semifinales. Según las apuestas, ‘Tu canción’ de Amaia y Alfred baja, situándose en el 14, tras haber fluctuado en los últimos días el puesto 11 y el 13, y haber realizado un segundo ensayo con ligeros cambios de vestuario e iluminación. Podéis verlo bajo estas líneas. Tras el sorteo pertinente, se ha sabido que España actuará en la primera mitad de la final del sábado, lo cual no se considera bueno tradicionalmente en las casas de apuestas.

Israel sigue siendo el país favorito, pero hay que destacar en las apuestas, como apuntan desde Eurovision-Spain, las espectaculares subidas este fin de semana de Moldavia (+16), Chipre (+15), Hungría (+12) y Suiza (+10), además de las de Croacia (+6) y Noruega (+5). El top 2 y el top 3 se lo disputan ahora mismo Estonia y Noruega, mientras Chipre les sigue de cerca en el top 4 y Francia en el top 5 tras haber descendido desde el 2. El resto del top 10 lo completarían Bulgaria, Suecia, Italia y Moldavia.

Entre las bajadas más importantes en las apuestas se encuentran las de Australia, que era una de las canciones favoritas y, tras los ensayos, no ha dejado de bajar posiciones, saludando ahora desde el top 12; Austria (top 19), Países Bajos (24), ARY Macedonia (38) y Georgia (top 39).

John Maus, traumatizado con su concierto de Madrid de hace 7 años

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John Maus, que está de gira por Europa presentando su nuevo disco, ‘Addendum’, ha concedido una interesante entrevista a MondoSonoro en la que ha hablado largo y tendido sobre su polémico concierto en el Primavera Club de Madrid en 2011, en el que Maus se puso a gritar sobre su playback y que motivó a varios asistentes a tirarle objetos e incluso un vaso de agua. La organización Primavera publicó una carta poco después defendiendo la actuación del músico.

Maus actúa ahora sin playback y con banda, y en MondoSonoro afirma que esta decisión ha estado en parte motivada por su actuación en Madrid en 2011, la cual le hizo replantearse “lo que es o debe de ser un concierto”. Explica: “Puedo intentar justificar intelectualmente lo que ocurrió aquella noche como que estuvo bien provocar un acto de pasión o sinceridad por parte de mi público. Pero visto con perspectiva lo que ocurrió fue muy ridículo, porque recuerdo aquella gran sala donde nos encontrábamos con gente que en el contexto de un festival, y a diferencia de lo que ocurre en mis conciertos, tal vez no venía a verme a mí [y] no sabía lo que se iba a encontrar”.

“Me disgusté mucho con lo que ocurrió aquel día al darme cuenta de que había decepcionado a la gente que había ido a verme”, añade Maus, apuntando que “en realidad no debería sentirme culpable, porque aquella noche no hice nada diferente de lo que venía haciendo en directo”, pero que aunque hasta entonces había sabido asumir la “hostilidad” del público durante sus provocativos directos, esa noche “no me sentía entusiasmado sobre el escenario, la reacción de la gente me hizo sentir culpable por haber fallado”. Por eso, dice que aquella actuación “tiene mucho que ver con la decisión de por qué tengo ahora mismo a tres tíos tocando conmigo”.

Adele cumple 30 años y lo celebra disfrazándose de Kate Winslet en ‘Titanic’

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Este domingo 5 de mayo, Adele ha cumplido 30 años, y lo ha celebrado la pasada noche llevando a cabo, con sus familia y amigos, una fiesta temática inspirada en ‘Titanic’ de James Cameron (Adele iba disfrazada de Kate Winslet (Rose), aunque casi parece Edith Piaf). En Instagram, Atkins ha escrito: “¡Sucios 30! No estoy segura de lo que voy a hacer en los siguientes 30 años, ya que hasta ahora en mi vida he sido bendecida más de lo que yo misma pueda describir. Gracias a todo el mundo por acompañarme en este viaje en los últimos 11 años. [Gracias también] a mi familia y amigos por saciar mi fascinación por la película ‘Titanic’. La noche de ayer fue la mejor de mi vida. Estoy la hostia de destruida, ¡no creo que vuelva a salir de casa!”.

En el mismo texto, Adele también ha tenido palabras para Childish Gambino por su último single y vídeo, ‘This is America’, que también ha recibido halagos, en las redes sociales, de Trent Reznor y Bruno Mars. “¿Cómo tienes tiempo para ofrecernos tanta genialidad desde tantas plataformas? Te adoro”, ha escrito.

A sus 30 años, Adele es la única artista actual que ha vendido más de 30 millones de copias de un disco en el siglo XXI (empata en cifras a los Beatles), con ‘21‘, publicado en 2011, y además su tercer disco, ‘25‘, es uno de los pocos que han vendido más de 20 millones de copias en la mencionada centuria. En tiempos de crisis para la industria, Adele es el vivo ejemplo de que todavía se puede mover a gente en masa a comprar discos, y aunque su música es más bien conservadora, los temazos de Adele ya no nos caben en los dedos de la mano, sus discos suelen estar muy cuidados y ella es un personaje moderno y divertidísimo (su paso por Carpool Karaoke sigue siendo el mejor de todos), por el que, francamente, solo podemos estar agradecidos.

‘Sexo’ de Residente, Dillon Francis e iLe se convierte en un éxito red social-oreja

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Residente es el alias de René Pérez Joglar, artista puertorriqueño que se dio a conocer como mitad del dúo Calle 13. Tras publicar el pasado año su álbum de debut en solitario con bastante carga política y social, y canciones bastante exitosas como ‘Somos anormales’, ‘Guerra’ y ‘Desencuentro’ –con la francesa Soko–, este 2018 regresa con un tema mucho más hedonista que los contenidos en aquella obra. Se trata de ‘Sexo’, canción producida por Dillon Francis, uno de los cómplices habituales de Diplo en su sello Mad Decent, y cuyo estribillo, compuesto por evocadoras onomatopeyas, está interpretado por iLe, vocalista que también colaboró en Calle 13 y que es hermana de su otro fundador, Visitante.

El caso es que ‘Sexo’, como dejan claro su título y su introducción –“esto es dedicado para Sigmund Freud y Judith Butler, pa’ que la meneen”–, habla sobre follar como eje primordial de la vida humana. Así, enumerando todas las cosas que hacemos cada día por tener sexo (desde peinarnos a buscar trabajo y ganar dinero) aunque no lo digamos, construye un tema festivo y divertido, cuya frescura está popularizándose rápidamente y sin grandes promociones.

De hecho, esta semana ha entrado directa al top 1 de la lista de canciones virales de Spotify en España –esto es, la más compartida en redes sociales– y, con 5 millones de streamings, se aproxima en poco tiempo a muchas de las canciones más populares de Residente en la plataforma. Aún más allá va su vídeo oficial, que en menos de un mes acumula cifras de superéxitos internacionales, más de 45 millones de reproducciones. No es para menos, porque el clip es tan divertido como la canción, trasladando la letra de la canción de manera simpática y conduciendo a una coreografía grupal enorme, con una enorme cantidad de participantes, de diversa condición sexual y morfología física.

Residente actuará a finales del próximo mes de junio en el festival O Son Do Camiño 2018, junto a Lenny Kravitz, The Killers o Jamiroquai.

Los Javis verbalizan en prime-time el bullying que sufrieron de niños por su homosexualidad

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Triunfadores por su obra de teatro musical ‘La llamada’, convertida recientemente con idéntico éxito en película, por la web-serie –luego fichada por Netflix– ‘Paquita Salas’ y por su paso como profesores de interpretación en Operación Triunfo 2017, Los Javis se han convertido en personalidades influyentes por algo más que por su trabajo. Y es que, además, Javier Calvo y Javier Ambrossi, pareja también en sus vidas personales, se han erigido en portavoces de una generación que se esfuerza por normalizar las diferentes maneras de entender la sexualidad. Muchos tardaremos en olvidar el emotivo discurso de Calvo en la entrega de los Premios Feroz 2018.

Durante su paso por el Chester de Risto Mejide emitido anoche en Cuatro y que se centraba en el talento, pronto surgió en la charla que su discurso artístico es una suerte de “venganza” por todo el daño que sufrieron cuando eran niños por la no aceptación de su homosexualidad por parte de su entorno. Especialmente emocionante fue la parte en la que Ambrossi recordó lo mal que lo pasó en su paso por un colegio del Opus Dei, donde sufrió bullying y agresiones físicas constantes: “yo iba con miedo a clase. A mí de repente me han tirado un diccionario en mitad de clase, o toda la clase se ha puesto de acuerdo para pegarme cuando salía por una puerta. No tenía ganas de ir al cole porque sabes que te van hacer daño”. Unas agresiones que le han marcado y aún, dice, no ha superado –“con 33 años, no estoy liberado”–, y que le llevaron a reflexionar: “la humanidad puede hacer un cohete, ir a la Luna, hacer mil movidas científicas y no puedan conseguir que un profesor controle que veinte alumnos no le hagan bullying a uno. O que unos padres no puedan darse cuenta [de] que su hijo llega raro a casa”. 

Calvo, en cambio, decía no haber sufrido tanto acoso y que su lucha había sido más “consigo mismo”, hasta que recordó que un chico le decía a diario “¡maricón!”. “Eso es bullying”, le recordó Mejide. La sinceridad que mostraron en la entrevista está siendo muy elogiada en redes sociales, pidiendo que esta charla –que puedes ver íntegramente aquí– sea difundida como ejemplo en colegios. Javier Calvo y Javier Ambrossi están a punto de presentar la segunda temporada de ‘Paquita Salas’, que estrenará Netflix este verano.

Hayley Kiyoko / Expectations

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«El que no ama siempre tiene razón: es lo único que tiene» dijo Antonio Gala. Si no habéis escuchado la preciosa versión que hizo Antonio Vega de uno de sus poemas, hacedlo. Pero no es es esa la razón por la que mencionamos al genio de Ciudad Real en una reseña musical, sino por lo que esconde esa frase. Porque hay gente que siente con demasiada intensidad, y hay que amar con la intensidad justita. Hay que emocionarse pero sin fliparse. Hay que ocultar los sentimientos bajo una máscara de sarcasmo si no quieres hacerte daño, como Brenda Chenowith. Y hay que fingir desinterés para ganar interés. Y hay que ser auténtica pero sin pasarse, que incomodas. ¿Hay que hacer todo eso? Puede que sí.

O puede que todo esto sea pura mierda de la que gente como Hayley Kiyoko está un poco harta. ‘Feelings‘, el tema que sucede a una magnética intro, sirve también como presentación de ella misma: la «Lesbian Jesus» -como la llaman sus fans– se prepara/nos prepara, porque a lo largo del álbum va a abrirse y a dejar claro que, cuando siente, siente mucho (y es, sí, muy intensa: «why can’t I relax?») y que no piensa que deba avergonzarse por ello: «quería escribir un himno celebrando estos sentimientos, en oposición a suprimirlos, como ocurre cuando la sociedad presiona para que ocultes tus sentimientos cuando estás soltera y empiezas a quedar con alguien», contó a Flaunt. Por tanto, los «sorry that I care, care, care» suenan como un lamento pero también como un cierto desafío, como una postura irónica a esa convención social. Y también funcionan estupendamente como ganchos.

No es por hacer el chiste fácil, pero está claro que las expectativas estaban altas en cuanto al debut en un largo -tras varios EPs- de Hayley Kiyoko, como os comentamos cuando os hablamos de ella. Cada vez menos en el underground y más en el estrellato, en el disco también se deja ver este camino entre ambos lugares: hay ambiciones en cuanto a conseguir nuevo público, pero también en cuanto a concepto y sonidos (‘Mercy/Gatekeeper’ y sus pausas nada radiofriendly son solo una muestra), y es que los productores de los que se ha rodeado también entran dentro de este doble objetivo: Jack & Coke han trabajado con Tove Lo y 4e con The Neighbourhood, pero The Futuristics con Camila Cabello o Selena Gómez.

Lo que es seguro es que Kiyoko demuestra muchas habilidades como artista pop, como cuando transforma una situación trágica en ‘Molecules’ -canción con los dejes épicos de unos Bastille/Imagine Dragons o una Ellie Goulding-. Algo que hará también en el tema que cierra el disco, el post-ruptura ‘Let it Be’ que se centra en lo aprendido tras esa experiencia, y en las oportunidades que pueden venir de ahora en adelante. Del toque funky en la disfrutona ‘Palm Dreams’ a lo asfixiante de ‘Wanna Be Missed’ («want you tired every day / cause I run through your brain»), pasando por la cuidada ‘Under the Blue / Take Me‘ (cuya segunda parte recuerda en su inicio al ‘All Around The World’ de Lisa Stansfield), Hayley va mostrando propuestas distintas, de forma que, al final, casi no nos acordamos del que fue el primer single, el más simple ‘Sleepover’ (que también tiene sus momentos inspirados en la letra, sobre un crush hetero: «always there to brush your hair / help you pick what to wear / I just feel alone, feel alone»).

Pero si ‘Sleepover’ peca de ser un poco obvio, Kiyoko te coloca después dos temas dobles (casi seis minutos cada uno) seguidos, para que tengas que pensártelo antes de decir que está haciendo pop facilón. Y, después de esos temas, llega, con un aire a ‘Hands to Myself’ (curiosamente no es una de las producidas por The Futuristics) ‘Curious‘, cuya inmediatez e ironía le hacen ser otro de los puntos fuertes del disco. Esta última forma, junto a ‘He’ll Never Love You (HNLY)’ y ‘What I Need’, un tríptico sobre la misma situación, con algunas variantes: una chica con la que estaba Hayley no terminaba de aceptar que le gustaban las tías y ahora sale con un chico. Así, en esta última, que supone un ligero acercamiento al bubblegum bass de PC Music y Charli XCX, Hayley se lamenta junto a Kehlani de ese armario («when we’re all alone, girl, you wanna own it / when we’re with your fam, you don’t wanna show it»), pero a la vez se muestra decidida a no querer pasar por todo lo que una relación así supone («I only want a girl who ain’t afraid to love me / not a metaphor of what we really could be»… como el «fearless love» que cantaba Melissa Etheridge).

El contenido lésbico y bi está, por tanto, muy presente tanto en su música como en sus vídeos, en tanto que su propia sexualidad y sentimientos lo están, y eso es algo que en la industria le ha supuesto algún que otro escollo, como comentaba hace poco en una entrevista: «No estoy hipersexualizando mi música: me lío con mujeres porque me gustan las mujeres, no para ser sexy. No es que sea para provocar, es que es mi vida.» En esa misma entrevista se preguntó si los «¿otra vez una canción sobre una chica?» los recibía Taylor Swift cuando escribía sobre chicos y, lejos de iniciar cualquier beef, la propia Taylor la apoyó, recordando lo que ella misma decía cuando se comparaba con Bruno Mars o Ed Sheeran. Todo esto contribuye a crear una conversación necesaria en la industria musical sobre la presión para mantener a cantantes en el armario, y la falta de referentes no heteros… no heteros abiertamente, claro. Lo cierto es que la Lesbian Jesus tiene merecido el estatus que está adquiriendo, y no solo por lo importantísimo de su visibilidad para las chicas de su generación (y de no-tanto-su-generación), sino por la mezcla de sus habilidades, ideas e inteligencia, que pueden dar muchas alegrías en el mundo del pop. Este notable debut es solo la primera de ellas.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Feelings’, ‘What I Need’, ‘Under the Blue / Take Me In’, ‘Curious’, ‘Let it be’
Te gustará si te gusta: Halsey, Carly Rae Jepsen, Tegan and Sara, Melanie Martínez, Troye Sivan, Selena Gomez, Billie Eilish, Ellie Goulding
Escúchalo: Spotify

La canción del día: la inquietante reflexión de Jorja Smith en ‘Blue Lights’ sobre crecer en un barrio

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Una de las artistas británicas más prometedoras, no ya de este año sino de los últimos dos o tres, es Jorja Smith. Smith fue elegida como premio de la crítica 2018 por los Brits, pero lleva ya tiempo despuntando con su carrera como cantante con diversos singles como ‘Where Did I Go?’, ’Teenage Fantasy’ y, sobre todo, ‘On My Mind’ –un club banger producido por Preditah–. Aunque sin duda su gran espaldarazo llegaría cuando el pasado año nada menos que Drake la eligiera para colaborar en su mixtape ‘More Life’, en el tema ‘Get It Together’ y, claro, en ‘Jorja Interlude’.

Educada entre música soul (su padre era músico en un grupo neo-soul que no fue popular) y jamaicana –las comparaciones con Amy Winehouse son frecuentes e ineludibles– en un barrio modesto de Walsall –localidad de las Midlands próxima a Birmingham–, esa aparición de la joven cantante propulsó radicalmente su popularidad. Pronto llegaron nuevas colaboraciones sonadas en temas de Kali Uchis (‘Tyrant’), Stormzy (‘Let Me Down’) o, más recientemente, la BSO de Kendrick Lamar para ‘Black Panther’. Por eso su álbum de debut es uno de los lanzamientos más esperados de este año para muchos.

Un disco, ‘Lost & Found’, del que recientemente se revelaba su fecha de edición –el 8 de junio– y su tracklist, que alterna nuevos temas junto con algunos de los más antiguos antes citados, incluido el que hoy nos ocupa, ‘Blue Lights’. Porque esta canción destacada recientemente como single y que acaba de ser objeto de un vídeo oficial es, curiosamente, el primer single en solitario que lanzó, allá por el mes de febrero de 2016. Un tema basado en un sampler de un tema de música lounge de la serie ‘April Orchestra’ –concretamente, ‘Amour, emoi et vous’, de G. Bonnet y R. Romanelli– que sirve a Smith –y a los productores Joice y Engine Earz– para construir un cautivador medio tiempo de hip hop soul a lo Lauryn Hill que, además, tiene una potente historia detrás.

‘Blue Lights’ se inspira, además del sampleado ‘Sirens’ de Dizzie Rascal, en una experiencia personal: cuando iba al instituto Jorja encontró en su casa una mochila aparentemente vacía de uno de los dos amigos que acababan de visitarla allí; al abrirla, encontró un cuchillo, y no dejaba de preguntarse de quién sería –si del portador de la mochila o de su compañero, como encubridor–, ni si lo habrían usado para cometer algún delito o era solo un juego. Eso la llevó a construir una reflexión sobre cómo pende sobre los chicos de clase baja y trabajadora de su barrio, especialmente las minorías raciales, un permanente recelo y temor hacia la policía, alimentado por el sentimiento de ser siempre sospechosos de algo en un entorno en el que el crimen se convierte en cotidiano (“Asesinato por arma en tu oído derecho / drogas y violencia en el izquierdo”).

Por eso en su estribillo Jorja querría convertir esas luces azules en luces estroboscópicas –de discoteca– o en “el destello de un hada” y pregunta a esos chicos “¿Qué has hecho? No hay por qué correr / Si no has hecho nada malo, las luces azules pasarán de largo”. Sin embargo, resulta un bucle difícil de abandonar y, en su tercer verso, Smith asume lo casi inevitable del destino de chicos como aquellos amigos suyos: “Mejor echa a correr cuando escuches las sirenas, porque vienen a por ti”. En todo caso, esta amargo final busca una redención con su fantástico vídeo, filmado por Olivia Rose en blanco y negro su barrio natal que, alternado con alegóricas imágenes de un hombre bailando esposado, muestra el tranquilo día a día de niños y adultos que viven en él. Lo cual incluye aquellos dos chicos que inspiraron su historia y a su propio padre, junto con artistas de la zona como el poeta Benjamin Zephaniah, el productor Preditah o Mike Skinner de The Streets, nada menos.

Jorja Smith es una de las artistas confirmadas en DCODE 2018, que se celebra en Madrid el día 8 de septiembre.

Tracklist de ‘Lost & Found’:
1. Lost & Found
2. Teenage Fantasy
3. Where Did I Go?
4. February 3rd
5. On Your Own
6. The One
7. Wandering Romance
8. Blue Lights
9. Lifeboats (Freestyle)
10. Goodbyes
11. Tomorrow
12. Don’t Watch Me Cry

El punk espacial de The Scaners, hoy gratis en Madrid

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Los franceses The Scaners, desde Lyon, llegan hoy a nuestro país para presentarnos su primer disco, homónimo, un álbum de 12 canciones y 24 minutos en el que pese a su brevedad caben recuerdos a The Ramones y a los tiempos en que proliferaban grupos como The Vines y The Hives. Aunque lo suyo es por tanto un punk garajero que les hace entregar hits de 2 minutos (‘Abduction’, ‘We Want to Talk to Your Leader’) o incluso solo 1 (‘Spacecraft’), también tienen importancia en su música los teclados, como podemos observar en ‘Checkpoint Planet’. Atención al sonido de ambulancia con el que arranca ‘The Dries’, incorporándose como sample a distintas partes de la canción, truco parecido al que encandila al final de ‘Video Tape’, al inicio de ‘Flying Fuck’ o durante ‘Modern Fissure’.

La nota de prensa destaca por supuesto sus guitarras afiladas y la urgencia de las baterías, pero también su interés por la vida extraterrestre, que dicen tener en común tanto con Frank Sinatra como con David Bowie: «Para The Scaners, la cuestión extraterrestre no es una pregunta sino un hecho: algo con lo que no solo se sienten cómodos sino con lo que, después de escuchar su álbum, pueden haber colaborado siendo hombrecillos verdes ellos mismos». Sin duda, el texto se refiere al ambiente generado con canciones como ‘No Place In Space’, y a una constante admiración del punk-pop por el espacio. ‘Saturno es aburrido’, que cantaban Los Nikis. ‘Usted morirá en el espacio’, respondían sus colegas Airbag.

Tras su paso este fin de semana por lugares como Sopelana, Soria o Logroño, The Scaners actúan hoy 7 de mayo de manera gratuita en la Sala Wurlitzer de Madrid como parte del ciclo Escenarios Mahou. Después les esperan León (8 de mayo), Valladolid (9 de mayo), Bilbao (10 de mayo) y Barcelona (12 de mayo).

Maluma llora amargamente en ‘Marinero’, el vídeo más visto en España

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El colombiano Maluma publicaba el pasado viernes un nuevo single en una faceta en la que no estamos tan acostumbrado a verle. Se trata de ‘Marinero’, una balada de poso soul en la que la voz de Juan Luis Londoño –que así se llama en la vida real– apenas se hace acompañar por una guitarra eléctrica, demostrando su estilo como cantante melódico. No perreo… no labio. En ella Maluma se lamenta por los “dolores en el alma” de un amor perdido, porque lo descuidó (“hablabas, no te escuchaba, sólo era desnuda que me gustabas”). Por si fuera poco, mientras ella le daba su corazón, él iba como “un marinero buscando amor, por cada puerto como si nada”.

Desde su estreno el viernes, su vídeo oficial acumula nada menos que 15 millones de visualizaciones y se ha instalado como el vídeo más visto del momento en España. Imaginamos porque, además de la canción, a su público le gusta su interpretación de hombre atormentado y borracho en batín, cantando su decadencia botella en mano hasta acabar llorando amargamente durante el último minuto del clip.

‘Marinero’ podría ser el último avance del nuevo disco de Maluma antes de su publicación. ‘F.A.M.E.’ verá la luz el día 18 de mayo y supone su primer álbum con una fama ya internacional, convertido en una estrella incluso en Estados Unidos: hace unos días le veíamos ocupando la portada de la revista Billboard junto a Shakira. Incluirá sus recientes singles, como ‘El préstamo’ o ‘Colors’, junto a Jason Derulo, además de temas junto a Timbaland y Prince Royce. El hit ‘Felices los 4’ será parte de su edición Deluxe.

Maluma presentará ‘F.A.M.E.’ en arenas de nuestro país –Madrid, Valencia, Sevilla, Barcelona y Málaga– durante el mes de septiembre. Recientemente suscitaba polémica la inclusión de una fecha en Palencia, localidad en la que el concierto iba a ser financiado en un 10% por el Ayuntamiento de la ciudad castellana. Sin embargo, una mujer lanzó una iniciativa en change.org para impedirlo, debido al carácter machista de parte de sus letras. Por el momento, la fecha del show –que además marca el inicio de su gira europea– sigue en pie y sus entradas a la venta junto con las del resto del tour español.

Tracklist de ‘F.A.M.E.’:
Intro
Corazón (ft. Nego Do Borel)
El Préstamo
Cuenta A Saldo
Hangover (ft. Prince Royce)
Mi Declaración (ft. Timbaland & Sid)
How I Like It
Marinero
Delincuente
Condena
Ojos Que No Ven
La Ex (ft. Jason Derulo)
Unfollow

«La actuación de Michael Jackson en el 25 aniversario de la Motown es algo histórico, de poner en los colegios, obligado, Historia del Arte, selectividad»

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Si hace unos días gracias a Yago de Perapertú, Arthur Russell era el gran protagonista de nuestra sección «Meister of the Week» auspiciada por Jägermusic, en la que un músico habla de una de sus pasiones, en esta ocasión hablamos con Laura de Melenas sobre el que fue el ídolo de su adolescencia. Aunque Melenas son uno de los grupos clave del rock underground actual con gusto por el reverb, gracias a su disco homónimo, con temazos como ‘Volaremos’ o ‘Mentiras’, la baterista nos sorprende escogiendo hablar de algo que nada que ver: Michael Jackson. Foto: Shelly Simon.

¿Por qué has escogido hablar de Michael Jackson en esta sección? 
A lo largo mi vida he tenido cierta tendencia a tener ídolos y obsesionarme un poco con ellos. Esto fue así sobre todo en mi infancia y adolescencia; era muy apasionada con lo que me gustaba, y acumulaba información en torno a ello. Pero lo de Michael Jackson fue (y es) otro nivel. Aunque, obviamente, conocí a Michael antes, empezó a gustarme de verdad cuando tenía 11 años, y muy rápidamente se convirtió en un fanatismo que fue muy intenso, al menos hasta los 16. Durante 5 o 6 años, Michael fue verdaderamente central en mi vida, y lo que más quería era conseguir toda su discografía, llegar a ver todos sus vídeos y películas, leer todo lo posible acerca de él, reunir todos los datos posibles de su biografía (hablo de la era pre-internet, no era tan fácil). Bueno, y bailar como él. Y defenderle, siempre. Se puede decir que, bueno, realmente le quería. Soñaba con él habitualmente, y sufría un montón por él. Es que… me empezó a gustar en la época chunga, la verdad. Justo después de las primeras acusaciones. Muy mal timing.

¿Alguna vez ha tenido algo que ver con tu trabajo, tus estudios o la música que haces? En cuanto a Melenas, parece difícil adivinar algún tipo de influencia…
(risas) Qué va, qué va, nada de influencias. Soy historiadora y trabajo en un museo así que… Bueno, lo de recopilar información del pasado y conservar objetos, se ve que ha estado siempre ahí, pero creo que forma parte de mí, al margen de Michael. Mi relación con la música (desde dentro) empezó mucho más tarde de mi época más fan, y en proyectos que… no tienen mucho que ver. Comencé a tocar la batería con Panty Pantera, luego vinieron Río Arga y Melenas. Bueno, espérate, porque si lo piensas todo esto es pop, y MJ es el rey del pop, ¿sí o no? Pues ahí lo llevas.

¿Cómo conociste la música de Michael Jackson o cuál es tu primer recuerdo de él?
Mi primer recuerdo de él… imagino que se parece al de muchos de los nacidos en los ochenta (yo soy del 83). Y es el de verle transformarse en hombre lobo y en zombie en el vídeo de Thriller. Durante mi primera infancia asistí a su progresivo cambio de color, y, bueno, entre una cosa y otra, lo que me daba, básicamente, era bastante miedo. Todo cambió -Dios, qué vergüenza esto- cuando una profesora de inglés nos puso en clase ‘Heal The World’, y ahí, ya, esa cosa tan cursi y Disney-humanitaria; tan Michael, joder, me llegó al corazón y caí totalmente en el hoyo. Llegué a casa de mi tío, le pillé el ‘Dangerous’, luego el ‘Bad’, luego el ‘Thriller’, y bueno, pues, se lió. Obsesión.

«Intenté comprarme ‘Moonwalker’, pero estaba descatalogada, así que la alquilaba continuamente; en plan, casi cada finde, los del videoclub flipaban. Terminaron regalándomela. Ya la había pagado x100 veces…»

Nos decías que te habías gastado muchas pesetas en alquilar ‘Moonwalker’ y que te costó hacerte con ‘Off the Wall’, ¿nos puedes contar algo más al respecto?
Sí, así es! Como decía, en la era pre-internet, y en una ciudad de provincias como la mía, costaba encontrar material. No sé, no había ni Corte Inglés, solo comercios pequeños, maravilla, pero costaba encontrar las cosas… al menos a mí, que era una cría y quizás no sabía bien dónde buscar. Un día, paseando por el videoclub de debajo de mi casa, encontré ‘Moonwalker’, una peli que ya tenía algunos años y que estaba totalmente marginada. Intenté comprarla, pero estaba descatalogada. Así que la alquilaba continuamente; en plan, casi cada finde, los del videoclub flipaban. Terminaron regalándomela. (Ya la había pagado x100 veces, todo hay que decirlo).

Respecto al ‘Off the Wall’, había leído mil veces lo que había supuesto para la carrera de Michael, su primer disco en solitario como artista independiente, adulto, digamos, en Epic Records, la primera colaboración con Quincy Jones; y pude escuchar los singles en el recopilatorio del HIStory… ¡Pero en ninguna tienda lo tenían! Descatalogado. Lo encontré, ya con 15 años o así, en otra ciudad, y me pareció tan… ¡música Disco! Difícil para una adolescente de finales de los noventa. Me costó que me gustase, bastante además, pero me empeñé y lo conseguí, ya lo creo que lo conseguí. Ahora está en mi top, claro.

¿Cuál es tu canción favorita de Michael y cuántas veces estimas que la hayas podido escuchar?
Jo, qué difícil. Mi canción / vídeo favorito (lo de los vídeos cuenta mucho en este caso) han ido cambiando con el paso del tiempo. Aunque ahora no diría que es mi favorita, la que más veces he escuchado, tanto en mi casa, como fuera de ella, es ‘Billie Jean’. Y la actuación de Michael en el 25 aniversario de la Motown, donde la interpreta por primera vez en directo, me sigue pareciendo algo histórico, de poner en los colegios, obligado, Historia del Arte, selectividad.

¿Cuál es tu disco favorito? ‘Thriller’ siempre sale en lo mejor de la historia, a veces ‘Off the Wall’ también, pero también está ‘Bad’… 
Yo soy del ‘Bad’. Quiero decir, no soy crítica musical, y puede que sean mejores o más significativos ‘Thriller’, u ‘Off the Wall’, pero “mi casa” es el ‘Bad’.

A partir de ‘Dangerous’, la cosa se empieza a complicar, algunas canciones están mejor que otras, ‘History’ es mitad greatest hits mitad no, ‘Invincible’ tuvo muy malas críticas y luego está lo de sus 2 discos póstumos, el segundo con mejor recepción del primero, ¿rescatarías alguna joya de estos últimos álbumes?
Yo soy defensora acérrima del ‘Dangerous’. Un poco chiflado, y un poco bastante despistado andaba Michael tras romper con Quincy, y plantarse en los 90, pero la mayoría de las canciones son buenísimas, de verdad. Al margen de la joya indiscutible que es ‘Remember the Time’, están esos coqueteos con el rap en ‘Jam’ (ojo que igual es mi favorita, con vídeo con Kriss Kross y Michael Jordan); ese rollo ¿sexy? de ‘In the Closet’… Joder, ¡si me gusta hasta el ¿rock? de ‘Give it To Me ‘(sale Slash)!

El ‘HIStory’ no está mal, pero bueno, ahí sí que es cierto que la cosa se complica. De los singles, valoro mucho la que fue más hit, ‘They Don’t Care About Us’, con esos dos vídeos con mensaje “político”, cosa bastante extraña en la carrera de Michael. Y me siguen encantando los pasteles de ‘Earth Song’ y ‘You Are Not Alone’, no puedo evitarlo. Como cosa algo menos conocida, te diré que me encanta la versión que hizo de Chaplin, ‘Smile’. Pero me lío, me has pedido que rescate joyas de los últimos. Para resumir, te diré que no he prestado ninguna atención a nada de lo póstumo, soy incapaz, nunca me ha apetecido. Tras el ‘HIStory’, vino el ‘Blood on the Dance Floor’: me gusta la que le da título al disco, si es que puede llamarse así, a pesar del terrorífico vídeo. De ‘Invincible’ (menudo DRAMA de título), me gustó mucho el primer single, Unbreakable (otro drama), en el que -ATENCIÓN- Michael re-su-cita a Notorious BIG. Creo que ya solo por eso vale la pena, ¿no?

Luego hay una serie de discos de sus inicios que eran más difíciles de conseguir, al menos hasta que llegó Spotify, ¿qué opinas de ellos?
El primer disco de los J5 es del 69, así que hablaré de los 70. ¡Lo que me costó conseguirlos! Iba alimentándome de regalos que me hacían amigos de mis padres, y profes míos y así, que tenían discos de los Jackson 5 de cuando eran pequeños. Luego, llegó un momento que reeditaron varios en CD, no sé si por algún aniversario de la Motown o qué… Y ahí ya fui feliz, me fui comprando todos poco a poco. Y la verdad es que hay mucho, y de muy variada calidad. De los primeros años el ‘ABC’ es maravilloso entero, y el siguiente, el ‘Third Album’, es mi favorito de todos. De la carrera en solitario de Michael en Motown me quedo con sus primeros LP, ‘Got to Be There’ y ‘Ben’. De la etapa de los Jacksons en Epic, aunque de la alianza con Gamble y Huff salió algún hit que me gusta, como ‘Let Me Show You the Way to Go’… Como álbum me quedo totalmente con el ‘Destiny’, el primero en que pudieron aportar, por fin, sus propias canciones, y tomar decisiones sobre su música.

Para los fans de Michael era un verdadero calvario defender su vitiligo, ¿recuerdas alguna anécdota o alguna conversación absurda al respecto de cuando eras pequeña en el cole o en la calle?
Recuerdo que me enfadaba un montón cuando me llevaban la contraria con eso. Solía hacer como que no, pero alguna vez estallaba y pegaba un empujón a mi interlocutor; rompía algo o me iba corriendo súper airada o llorando. No lo podía evitar.

«Ver a Michael en directo fue una de las experiencias más abrumadoras de mi vida, lo recuerdo como vivir un sueño durante unas horas»

Él vino varias veces a actuar, supongo que eras muy pequeña para ir, ¿alguien de tu entorno pudo ir? ¿Pensabas ir a su gira de despedida?
¡No tan pequeña! Vi a Michael en directo en Zaragoza, el 24 de septiembre de 1996. Yo tenía 13 años, me llevó mi padre. Una de las experiencias más abrumadoras de mi vida, lo recuerdo como vivir un sueño durante unas horas. Respecto a la gira de despedida, nunca me lo planteé. Llevaba ya años algo “desenganchada”. Pero sobre todo, me pareció una cosa muy loca desde el principio, y me daba como miedo verlo. Miedo de que Michael no estuviera en forma o a la altura, miedo de que cancelase todo, miedo de que algo saliese mal. Era como que no quería saber nada del tema.

¿Dónde estabas cuando murió Michael y cómo te enteraste?
Buff, qué mal. Pues hacía muy buena noche, había salido a dar una vuelta y estaba volviendo a casa, iba con mi novio. Me llamó mi mejor amiga por teléfono, cogí. Ella estaba medio pedo pero se notaba que estaba haciendo un esfuerzo por ponerse muy seria para decirme algo importante. “¿Te has enterado?”, me dijo. Y yo “¿de qué?”. “Ha muerto Michael Jackson”. Me quedé en shock total, no me salía llorar ni nada, me costó días. Me sentía fatal por no haberle hecho caso en los últimos años.

Se te ha visto hacer el moonwalking en las redes sociales, me dicen, ¿muchas horas de práctica?
(risas) ¡Muchas! Soy hija única y de pequeña me pasaba así las horas. Viendo los vídeos, parándolos, volviendo a empezar… y frente al espejo. Por supuesto, como no podía parar de hacerlo todo el rato, actué bailando como Michael varias veces en fiestas del colegio; y en el teatro de mi ciudad, en la actuación de fin de curso de la academia de danza a la que iba… Y estoy MUY CONTENTA de que aparentemente no se haya conservado ningún vídeo, ninguno. Solo tengo fotos y están muy muy escondidicas, bajo llave, casi. Lo único que, bueno, de vez en cuando (bastante a menudo) vuelvo a hacerlo y me hacen un robado (posado).

¿Te planteaste participar en aquel vídeo póstumo que se hizo con fans bailando?
No, nada póstumo me ha interesado nunca.

¿Alguna declaración favorita de Michael o alguna faceta de su vida de la que no se haya hablado lo suficiente?
Bufff, no sé ni que decir, tengo la sensación de que se han dicho tantas cosas ya sobre él… Más que facetas o declaraciones, me gusta quedarme con una etapa de su vida, en lo personal y artístico, que es desde un poco antes del ‘Off The Wall’ hasta el momento de sacar ‘Thriller’. Ahí está lo más grande de Michael, la magia, la lucidez, su capacidad inmensa de trabajo, de aprender de los demás, está como en estado de gracia total. Físicamente, incluso. Me gusta recordarlo de esa manera. Recomiendo mucho el docu que hizo Spike Lee sobre el ‘Off The Wall’, creo que ahí se entiende muy bien lo que digo. Es como la actuación del 25 aniversario de Motown que decía antes, debería verlo todo el mundo.

Si Melenas versionaran una canción suya, ¿cuál sería?
Mmmm… Propongo desde aquí a mis compañeras una versión encubierta y no acreditada de ‘Will You Be There’, aquella por la que Al Bano acusó a MJ de plagio. A ver qué pasa, ¿no?

‘Hunger’ de Florence + The Machine: ¿un gran regreso o una decepción?

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Parte de la redacción evalúa ‘Hunger’, el nuevo single de Florence + the Machine.

«Una de las muchas virtudes que tiene ‘Hunger’ es que se hace corta: termina justo cuando parece empezar un segundo puente, lo cual es uno de las motivos de que la tenga en bucle. Por fin llega el lead-single de ‘High As Hope’ y, aunque ‘Sky Full of Song’ era una preciosa composición que ya nos puso los dientes largos, se entiende que Flo haya reservado este tema para presentar oficialmente su nuevo disco. ‘Hunger’ es puro Florence And The Machine: es el baile que simboliza libertad y búsqueda de ti misma mientras ríes y lloras, es la catarsis de nostalgia y épica, es la sexualidad elegante y a la vez animal, es el barroquismo de ‘Ceremonials’ con la energía de ‘HBHBHT’. Y es también lo que pasaría si Fleetwood Mac tuviesen un hijo con ninfas del bosque puestas de setas. Aplausos por mi parte, porque así se hace un comeback, Florence». Pablo N. Tocino.

«El hecho de que ‘Hunger’ no me haya abrumado como lo hiciera, ya de entrada, ‘What Kind of Man’, ha hecho que sea una pequeña decepción para mí. No encuentro en ella la pasión desbordante de canciones como aquella, o ‘Ship To Wreck’ o, remontándonos más, ‘Dog Days Are Over’. La veo un poco fría y algo predecible en cuanto a su planteamiento sonoro –más allá de algún retoque técnico superfluo–, y dudo que se convierta desde ya en uno de mis singles favoritos de Florence + The Machine, la verdad. Sin embargo, como ya me ha sucedido en otras ocasiones en el caso de Welch, las escuchas van logrando que la canción, su gancho, permanezca. Y al final, esa es la gran baza de Florence, por lo que cabe seguir esperando mucho de ‘High As Hope'». Raúl Guillén.

“Esperaba que ‘Hunger’ ganara con las escuchas, pero cuanto más me familiarizo con ella, más me doy cuenta que no hay en ella mucho más misterio del que muestra a simple vista. Es, ni más ni menos, una buena canción de Florence + the Machine pero, al margen que no añade nada nuevo o especialmente interesante al repertorio de Florence (que no tendría por qué), como canción no es demasiado magnética. Eso sí, gana con el vídeo. Me quedo con la preciosa, contenida y poética ‘A Sky Full of Song’”. Jordi Bardají

Betacam / Mítico

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Es tremendo, un terrible síntoma de cómo funciona la precaria industria musical (independiente o no) de nuestro país, pensar que nos acercamos a los 10 años de la primera ocasión en que hablamos en nuestra web de Betacam y que estoy haciendo una review de su álbum de debut. Vale, ha estado involucrado en numerosos proyectos, como Templeton, Rusos Blancos, Cosmen Adelaida, Tulsa… y no puede vivir de la música (¿llegará el día? ¿querrá?), pero es una pena que sólo podamos disfrutar de un talento compositivo como el suyo de manera excepcional. No nos importa tanto, eso sí, si es para presentar trabajos tan redondos como aquella magnífica selección de demos ‘Saca pecho’ o este ‘Mítico’.

En cierto modo, casi podemos observarlo como una metáfora de su música: es como si lleváramos toda la vida con él, igual que el sonido de sus canciones. Porque estas evocan a épocas pretéritas, a nuestra infancia, a nuestra adolescencia, a nuestra juventud, a italodisco, a synthpop, a tecno, a electropop. A épocas en las que, como él, una sola persona con un sintetizador y una caja de ritmos eran capaces de emocionarnos, haciéndonos indistintamente bailar o llorar (“una noche más, llorando en la discoteca”, canta en ‘Cospedal’), y sentir que estaban hablándonos de nosotros. Él mismo cita a Jean-Michel Jarre (que emerge en los sintes de ‘Rey Sol’, antes de su giro eurodisco), Franco Battiato, Parade (una referencia muy clara en ‘Extraterrestre’, y en varios sentidos) y Javiera Mena (‘Cospedal’), y podríamos añadir a Mecano (‘Canoe’), Iván/Miguel Bosé (‘Ave rapaz’), Wham! (‘Otras chavalas’)… Artistas variopintos en origen y épocas, pero unidos por una sensibilidad próxima.

Eso no debe confundirse con mera nostalgia, primero porque no podemos hablar de esos estilos en pasado en una línea temporal artística fluida: ocurrió y sigue ocurriendo; y segundo, porque Javier Carrasco consigue que todo ‘Mítico’ suene vigente, contemporáneo y cercano (ha sido grabado, en distintas épocas entre 2014 y 2017, con Hans Kruger –Delorean, El Columpio Asesino, Perro…– en Subiza), por su impecable tratamiento sonoro: ’La discusión’, por ejemplo, tiene un toque a lo Passion Pit, mientras que las subidas y bajadas de ‘Reliquias’ podrían remitir a otro solitario, Francis and the Lights. El equilibrio entre ambas facetas (aunque la retro, no hay duda, tiene más peso) brilla –también se aplica a su magnífico acabado técnico– en todo ‘Mítico’, conjugándolas a menudo, y apenas dando respiro de principio a fin, aunque la caída de ritmo entre su abrumador arranque y los últimos cortes es palpable. Una tacha menor.

Donde no puede, ni quiere (“estoy cansado de pedir perdón, de estar al día, de la ley del pop”, canta en ‘Reliquias’) evitar el clasicismo (ahí parece entrar su alegórico portadón, obra de su amigo y compañero en Templeton, Álvaro Martínez) es en su manera de entender las canciones: las protagonistas necesarias son siempre sus melodías y estructuras, muy trabajadas, con sus precoros, sus crescendos, sus puentes, sus subidas de tono y sus estribillos, que se esmeran en tocar fibra sensible, agradar más que sorprender porque sí. Si ya nos había encandilado con adelantos como ‘La discusión’, ‘Otras chavalas’ o ‘Chacal’, aquí refrenda su gran capacidad en temas igualmente irresistibles como ‘Ave rapaz’, ‘Rey Sol’ o ‘Reliquias’, mi debilidad personal de este disco: en una línea de escritura similar a la de los propios Templeton, pocas canciones me han emocionado últimamente como este honesto retrato de la edad adulta, la certeza de que el ansia por esa pirueta de la vida que transforme toda la mierda en purpurina no va a ser saciada nunca.

Y es que la otra gran mano de Carrasco está en sus preciosas letras, la encantadora combinación de intelectualidad y cotidianidad de estas historias de peleas y tensiones de pareja con final agridulce (pero en la cama, preferiblemente: esos eufemísticos “ratos a oscuras”), reencuentros con amores de juventud que desmoronan su mitología, relaciones fugaces al calor de un bingo entre una persona madura y un toy boy (¿o girl toy?), irrealizables propósitos de Año Nuevo para un freelance o fantasías sobre quedarse sólo en el mundo. Que, en el fondo, no son sino perfectos retratos del individuo urbanita contemporáneo, joven y culto, y su constante «azogue», esbozados con un reparador sentido del humor (toda ‘Cospedal’ lo resume de forma exquisita, mucho mejor que yo). Pese que este, repito, sea su debut, no cabe duda que Betacam es uno de los cronistas musicales destacados de nuestros días, en el que vernos reflejados como un espejo. Solo que él tiene el talento creativo para contarlo así de bien.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Reliquias’, ‘La discusión’, ‘Ave Rapaz’, ‘Otras chavalas’, ‘Rey Sol’, ‘Cospedal’.
Te gustará si te gusta: Javiera Mena, Templeton, Parade, los primeros Mecano.
Escúchalo: Spotify

La canción del día: Childish Gambino ofrece un crudo retrato de brutalidad policial en ‘This is America’

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Tras publicar el aclamado disco de rap ‘because the internet’, Childish Gambino sorprendió a propios y extraños en 2016 con un personal disco de funk y neo-soul, ‘“Awaken My Love!”‘, que le valió al también guionista Donald Glover (él es autor de la premiada serie ‘Atlanta’) una sorprendente nominación a la categoría de Disco del año en los Grammys.

Dos años después de aquel disco, Childish Gambino está a punto de publicar un nuevo trabajo y de hecho acaba de actuar en Saturday Night Live, donde ha parodiado la vorágine de tweets de Kanye West y ha presentado un par de temas nuevos, ‘Saturday’ (muy disco) y ‘This is America’, cuyo vídeo se estrenaba durante el programa y ya puede verse en Youtube. Durante el vídeo, un Glover descamisado interrumpe la interpretación de la canción para asesinar a varias personas, en un turbio retrato de la brutalidad policial en Estados Unidos. Hacia al final, aparece SZA sentada en una silla.

‘This is America’ es una canción de hip-hop con partes góspel y percusiones tribales, y en ella colaboran hasta siete raperos, estos son, Chance the Rapper, Offset, Problem, Blocboy JB, Young Thug, 21 Savage y Big Sean. Young Thug canta al final la frase “you just a Black man in this world” y si esta remite a Michael Kiwanuka y su canción ‘Black Man in a White World’, no te sorprenderá descubrir el director de aquel video, Hiro Murai, está también detrás de este.

This is America .

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