Los daneses WhoMadeWho se han convertido en uno de los grupos de electrónica más queridos en nuestro país gracias a sus grandes directos en salas tipo Razzmatazz y a su presencia en festivales. Jeppe Kjellberg (voz cantante, guitarra), Tomas Høffding (voz cantante, bajo) y Tomas Barfod (batería) acaban de publicar su sexto disco ‘Through the Walls’ con la co-producción del dúo de Copenhague Kenton Slash Demon, y bajo la premisa de explorar nuevos territorios, más «viajeros y fantasiosos». El grupo indica que suele trabajar en el estudio de 8 a 16 horas durante un mes, después vuelve a reunirse para seguir trabajando, repitiendo el ciclo hasta dar con un álbum de su gusto.
El álbum de su gusto esta vez es un disco variado, que sí es cierto que expande su sonido hacia diferentes vías. El single ‘Dynasty’ es puro chillwave con más de un guiño a Cut Copy y New Order. WhoMadeWho aseguran en las entrevistas que este disco habla de «funerales, divorcios y sobre la importancia del sexo con tu pareja», y en la nota de prensa insisten en que el álbum habla sobre cómo es posible que «la generación Tinder sea de las que menos sexo tenga». «‘Dynasty’ urge al mundo a tener más sexo», algo que se ve muy claramente en frases como «salva mi sexualidad» o «maté mi sexualidad / ponme (caliente) otra vez / antes estábamos enamorados».
Otros puntos del álbum son más oscuros. ‘I Don’t Know’ es una canción casi étnica que bebe tanto de la estética de Woodkid como de alt-J, mientras que ‘Surfing on a Stone’, influida por Vangelis y con un «drop» un tanto Nick Drake, muestra a unos WhoMadeWho más introspectivos. En general, el pelotazo dado por Moderat hace un par de años parece haber empapado el fondo de canciones como ‘Neighbourhood’, ‘Goodbye to All I Know’ (de arranque muy Fever Ray) o ‘If This Is Your Love’, si bien curiosamente el tema llamado ‘Funeral Show’ presenta un aire mucho más cósmico, luminoso.
Y es que hay una vertiente en ‘Through the Walls’ que sigue dándonos luz: en absoluto estamos ante un disco pesimista. El corte titular, junto a la colaboradora habitual Nina Kinert, suena tanto a los Junior Boys más bailables y sofisticados como a los HAERTS más ochenteros, suponiendo una de las pistas clave del largo. Además, por algo el grupo ha decidido cerrar con una especie de mantra reconfortante y burbujeante llamado ‘Keep On’.
Dicen WhoMadeWho que el hecho de estar triunfando «sin un hit blockbuster» les inspira para seguir creciendo en busca de nuevos territorios. Sin embargo, añadiendo los toques orientales de ‘Crystal’ y sus voces tratadas a lo Bon Iver, lo inane del ambient italo de ‘Belong’ y lo evidente de las influencias en general, ‘Through the Walls’ resulta un disco entretenido, pero que no es que les muestre especialmente centrados en algo.
Calificación: 6,2/10 Lo mejor: ‘Through the Walls’, ‘Keep On’, ‘Dynasty’ Te gustará si te gustan: Junior Boys, Cut Copy, Moderat Escúchalo:Spotify
España se divide desde el lunes entre los que aman ‘Tu canción’ de Almaia, elegida por el público para que participe en Eurovisión 2018, los que bailan ‘Lo malo’, los que hacen ambas cosas y, una pequeña parte de la población, que pasa de esto. Alguien habrá, suponemos. El caso es que en el mundo de la musica y la televisión no se habla (mucho) de otra cosa, y eso que quedan aún cuatro meses para que se celebre el certamen de la canción.
Eso hace que incluso otras cadenas dediquen espacios a hablar de ‘Tu canción’, como ocurría ayer en el programa de Buenafuente en #0, Late Motiv. El presentador invitó al programa a Rodolfo Chikilicuatre, personaje interpretado por el actor David Fernández que la productora El Terrat logró colar como representante de España en Eurovisión en 2008 con ‘Chiki Chiki’, a modo de “experto” en el concurso europeo.
Tras una serie de gags bastante meh, ofreció a Alfred y Amaia unos consejos para su participación, entre los que destacó aprovechar el cátering, porque “no sabemos dónde vamos a estar mañana”. Buen punto. Aunque el “punto culminante”, por calificarlo de alguna manera, de su aparición fue su propia versión de ‘Tu canción’, para que “los chavales aprendan” o “por si Amaia se pone mala”. Un bochornete sin demasiada gracia –si aún así quieres verlo y no tragarte la extensa entrevista, pasa al minuto 11:24 de este vídeo– en el que él mismo hizo las voces de chico y chica y, también, se besaba a sí mismo. Incluso el propio Buenafuente reconoció que aquello había sido «de lo peor que hemos vivido en este programa». Los haters estarán de enhorabuena porque vista así, la canción no es tan buena.
A falta de un imposible nuevo disco de ABBA o una reunión –apenas para inaugurar museos, restaurantes o cantar algún tema suelto– donde verles interpretar sus grandiosos éxitos, buenas serán las adaptaciones del musical ‘Mamma Mia!’ llevadas al cine, ¿no? No, la verdad es que no pero, en cualquier caso, es innegable que algo hay en obra y películas que atraen al público masivamente y lo han convertido en una de las obras musicales más rentables de la historia.
Con ese antecedente, Hollywood no podía dejar pasar la ocasión de filmar y rentabilizar una secuela, por más agotado que pareciera su hilo argumental. ‘Mamma Mia! Una y otra vez’, dirigida por Oliver Parker (autor de obras como ‘El encantador Hotel Marigold’ I y II), se estrena el 18 de julio y vuelve a contar con la participación de las protagonistas del filme anterior, Meryl Streep y Amanda Seyfred, secundadas por Pierce Brosnan, Colin Firth, Julie Walker y demás. En la secuela, la acción se desplazará del “presente” a la juventud de Donna (Streep), cuando se quedó embarazada de Sophie (Seyfred).
Y en ese punto entra Cher, que interpreta a la madre de Donna, abuela de Sophie, nada menos. Por rocambolesco que parezca todo, basta ver el nuevo trailer de la película –estrenado durante la publicidad de los Grammy– para darse cuenta de que Cher no solo es necesaria sino también contingente: apenas unos compases interpretando ‘Fernando’ y un gag ya hacen sombra a todo el elenco de la película.
Parte de la redacción evalúa el single de regreso de La Casa Azul.
«Más de un año después de ‘Podría ser peor’, llega por fin el nuevo adelanto del próximo disco de La Casa Azul. Y la espera (aunque ojalá hubiese sido menor) ha merecido la pena: ‘El Momento’ es otro temazo nostálgico-bailable de los que a Guille MIlkyway le salen tan bien (y éste le toca bastante en lo personal, según ha comentado). Su cuidadísima producción recuerda, efectivamente, al italodisco y a los Daft Punk de ‘Instant Crush’, pero guarda también signos fácilmente identificables del catalán. Ojalá no tener que esperar otro año y pico para el siguiente tema… pero, si así fuese, con canciones tan estupendas como ésta, se lo perdonamos. ¿Podemos soñar con una presentación en vivo en la Gala Final de OT, donde Guille está ejerciendo de profesor?» Pablo N Tocino.
«‘El momento’ me pone triste pero… ¿me gusta? Pues no sabría decir. Tiene una letra amarga y magnífica, que ilustra el derrumbe de una relación carcomida por la rutina y los reproches. El ambiente de italo disco satinado, el ritmo suave y ajustado, la melancolía que desprende, están muy logrados. Sin embargo, me falta algo. ¿Un estribillo? ¿Algún otro tipo de gancho? No acertaría a decir, pero no me encandila como ‘Podría ser peor’, que a cada escucha me parece más y más maravillosa». Mireia Pería.
«Con el programa de OT para Eurovision y los Grammys 2018 aún calentitos, llega ‘El Momento’ de La Casa Azul para añadir más leña al fuego. Con todo este panorama, es inevitable recordar aquella estrofa de Chico y Chica que decía: «lo que tenemos que hacer, es tener estilo propio». Hemos vivido una larga espera para ‘La Gran Esfera’, disco nuevo del que ya se empieza a perder la cuenta del retraso, pero todo este tiempo ha sido solo para que Guille nos deleite con un homenaje a destiempo a Daft Punk, como lo es también su loa al italo disco. ¿De verdad a estas alturas no ha perdido exotismo un género que se ha tenido en cuenta hasta en bandas sonoras e incluso anuncios? ¡Si lo han practicado hasta Phoenix en su último trabajo, y con cuestionables resultados! ¿Y la letra de ‘El Momento’? ¿Es una clase de decoración de interiores? ¿De jardinería básica? ¿De biología embrionaria? ¿O me perdí y trata del desamor futurista de un capítulo de ‘Black Mirror’? Esto por no meter el dedo en la conexión directa con Fangoria por frases como «hipersueño emocional» y «morfogénesis mental». Una dispersión antológica que le resta pegada a la base de Daft Punk. Me quedo con el Guille que hace una rumba sin parecer un sucedáneo, el que resucita muy dignamente a Nino Bravo, o el que muestra estilo propio a la hora de combinar tormento con un haz luminoso, no con el poco ambicioso que toca demasiados palos al unísono». Sr. John.
«En la segunda mitad de los 70, la música electrónica se llenaba de alma: Jean Michel Jarre había editado ‘Oxygène’ (1976); Kraftwerk, ‘Das Model’ (1978); Yellow Magic Orchestra, su espléndido segundo álbum ‘Solid State Survivor’ (1979), conteniendo maravillas como ‘Behind the Mask’. ‘El momento’ contiene un par de notas tristonas en sus estrofas que parecen remitirnos a aquellos años, mientras su melodía continúa siendo muy españoleta o latina, como propia de nuevo de Juan Carlos Calderón o Manuel Alejandro. La suma de elementos da lugar a una nueva gran canción de La Casa Azul, que por supuesto puede seguir permitiéndose sonar a sí mismo porque nadie más suena a La Casa Azul, en la que vuelve a hablarnos por segunda vez consecutiva de la muerte del amor. Curiosamente, y como ya comprobamos en directo, aquí destaca la fuerza del pre-estribillo y de la coda final por encima del propio estribillo». Sebas E. Alonso.
Una de las canciones que inmediatamente encandilan de ‘Marble Skies’, el tercer álbum de estudio de los británicos Django Django, es ‘Surface to Air’, que además es la primera colaboración del grupo con Rebecca Taylor, mitad del grupo Slow Club que en esta ocasión emplea su alter ego en solitario, Self Esteem.
Como parecía lógico, tras ‘Tic Tac Toe’ e ‘In Your Beat’, el tema ha sido ahora destacado como single y por eso es objeto de un estupendo vídeo protagonizado por la propia Rebecca. Un vídeo que, de manera curiosa, ha sido filmado en nuestro país, pero no en un lugar paradisíaco y/o turístico de los muchos que suelen atraer a los grupos internacionales. Al contrario, Dir Lx, responsable del vídeo, ha encontrado en una ciudad fantasma en las afueras de Guadalajara el escenario perfecto para esta pieza inspirada en los trabajos de Hype Williams.
“Queríamos hacer un vídeo de hip-hop, pero con un giro estético más en línea con Django Django. Encontramos para ello la localización perfecta: una localidad a las afueras de Gualadajara, cuya construcción fue dejada a medias por la crisis financiera. Así que ahora hay una pequeña comunidad de gente viviendo en medio de una ciudad inacabada, hay puentes que no llevan a ningún sitio, estanques vacíos, pistas de tenis y baloncesto sin estrenar…”, dice Dir Lx. Y ahí es donde vemos a Taylor desplegar todo su repertorio de poses, entre sensuales y amenazantes, y con Django Django haciendo un cameo a través de una pantalla de televisión. Una pieza magnífica que refuerza el poder seductor de la canción.
‘Tu canción’ de Amaia y Alfred -ya conocidos como «Almaia»- será la canción que representará a España en Eurovisión el 12 de mayo. Ya es un hit en España, situada en el número 1 directo de iTunes y en el número 2 directo de Spotify España (ojo, por detrás de ‘Lo malo‘, top 1 directo), ¿pero gustará en Europa? ¿Acude a Lisboa con verdaderas posibilidades de ganar Eurovisión? El «hype» es indudable: el programa ha sido un éxito de audiencia, los streamings que es capaz de generar especialmente Amaia Romero son monstruosos, cualquier noticia u opinión de ambos se viraliza fácilmente… ¿pero corremos el peligro de volver a quedar en las últimas posiciones y de quedarnos con la misma cara de tolais que cuando perdieron Beth, Rosa o Barei?
Es pronto para decirlo, sobre todo porque RTVE este año se ha adelantado sobremanera y únicamente se han escuchado 4 de las 43 canciones aspirantes a ganar Eurovisión. En muchos casos se conoce el intérprete que va a representar al país, pero no la composición, pues los plazos acaban en marzo. Esto significa que no sabemos cuántas baladas acudirán al festival, y de ellas cuántas llegarán a la final a la que va automáticamente España al ser «big five», de manera que es imposible adivinar si la propuesta de Amaia y Alfred destacará o pasará desapercibida. Únicamente podemos decir que, de momento, la canción no se parece en nada al medio tiempo francés ni al tema jazzy y un tanto Bruno Mars de la República Checa… pero quedan 39 canciones por desvelarse. Aun así, nos aventuramos a tratar de adivinar sus posibilidades, en base a sus precedentes.
Pros de ‘Tu canción’
‘Tu canción’ es una bonita composición, de intro un tanto ‘Stay’ de Rihanna, fácil de recordar desde la primera escucha, en la que los dos intérpretes cuentan su historia de amor. En contra de lo que se está diciendo, no es necesario haber visto Operación Triunfo para comprenderla: personalmente solo he seguido el formato de manera muy puntual y con muy poca emoción, y desde luego no se me ha escapado el magnetismo que desprenden ambos sobre el escenario. Alfred y Amaia supieron anoche narrar desde el punto de vista escenográfico su historia de amor, dejando un momento mágico que diría que funciona y se comprende perfectamente aunque no se hable castellano, de la misma manera que entendimos las historias detrás de las canciones serbia (2007) y ucrania (2016) cuando ganaron.
El estribillo «siento que bailo por primera vez» es bastante contagioso, y son acertadas las caídas en «yo no puedo… inventarlo». También voy a romper una lanza a favor del aspecto de freak de Alfred a través de su desconcertante expresión, y del vestuario de Amaia, que acaba de defender en rueda de prensa: sería muy decepcionante que los disfrazaran de príncipe y princesa Disney, cuando la magia de su interpretación es la naturalidad.
Finalmente, y ante la avalancha de opiniones sobre dónde quedará la magia de esta pareja de 19 años dentro de 3 meses, seré breve: si para mayo ya no están enamorados, si para entonces les es completamente imposible tener un recuerdo bonito de su relación y de todo lo que les ha pasado y les va a pasar, que lo finjan. Será, dada la naturaleza de la canción que han accedido a cantar, parte de su trabajo. Y después del 12-M… que se vayan a hacer lo que vamos a hacer el resto: bailar ‘Lo malo’.
Contras de ‘Tu canción’
La composición llega demasiado pronto tras la victoria de Salvador Sobral el año pasado. Esta canción es menos jazz, está más estructurada, es más amable, y definitivamente su referencia parece la banda sonora de ‘La La Land’, lo cual habría estado muy bien… para el año pasado. Este, es una verdadera incógnita cómo puede caer, cuántas canciones «auténticas» y «desnudas» vamos a ver, pero atendiendo a los 250 comentarios del blog de moda sobre Eurovisión a nivel internacional, WiwiBloggs, no parece haber entusiasmado especialmente. Hay comentarios muy positivos y emocionados, pero también otros que acusan cierto parecido -sobre todo en intenciones- respecto a ‘Amar pelos Dois’, y otros sobre el exceso de azúcar o lo olvidable de la propuesta.
Eso sí, no me resisto a recordar este dato: Portugal no fue, durante los meses precedentes al festival de 2017, el país favorito. Lo era Italia, a la postre 6ª. A veces es mejor no ser el favorito ni estar en el foco durante tantos meses… España ronda ahora mismo el puesto 5 en las apuestas, aunque aún no es significativo.
Precedentes
Aparte de ‘Amar pelos Dois’, el precedente claro de esta propuesta es el caso de The Common Linnets. Rumanía llevó en 2010 a una pareja al piano, el uno enfrente del otro, enseguida abandonando el piano para pasar a otra cosa (la música en el festival es siempre en playback desde hace unos años), pero la canción no tenía nada que ver.
Tras la modesta puesta en escena vista anoche, y la paupérrima edición durante el baile de Amaia y Alfred, RTVE tiene que mirar con lupa el espectacular y precioso montaje de Holanda en 2014 (2º puesto), cómo Estonia se trató de copiar en 2015 (quedaron 7º)… y sobre todo tratar de averiguar qué puede aportar escenográficamente 3 años después.
En España rara vez hemos llevado una canción parecida. Lo más próximo que me viene a la cabeza es ‘Algo pequeñito’, ahora ridiculizada por la invasión del escenario de Jimmy Jump y la puesta en escena tan kitsch, pero en su momento un vals muy mono, tradicional, aparentemente comprensible fuera… que topó con una mala posición: puesto 15 (12º para el televoto, 20º para el jurado).
Aunque ese sea el destino de Amaia y Alfred, hay que elogiar a RTVE por haber devuelto la ilusión eurofán al público tras el fiasco del año pasado. Como fue el caso del Año Barei, España quedará fatal, pero al menos el camino hacia la gala va a ser de lo más entretenido…
Mark Salling, popularizado por haber aparecido en 6 temporadas de ‘Glee’, una de las series más conocidas y exitosas de Ryan Murphy, ha muerto a los 35 años. En la serie interpretaba a Noah “Puck” Puckerman, un colega del protagonista Finn, que terminaba dejando embarazada a la novia de este. De manera trágica, el actor que daba vida a Finn, Cory Monteith, también fallecía hace ya 5 años, como consecuencia de una sobredosis de alcohol y heroína (en varias ocasiones se sometió a tratamiento de rehabilitación).
Mark Salling, que apareció en ‘Glee’ de manera fija durante los 4 primeros años y de manera recurrente en los otros 2, había sido acusado de posesión de pornografía infantil, se declaró culpable de poseer más de 50.000 fotos de contenido sexual de menores, y se enfrentaba por ello a entre 4 y 7 años de cárcel. Su cadáver ha sido encontrado en las inmediaciones de Sunland, California. Las causas de la muerte no se han dado a conocer, si bien según TMZ, se habría ahorcado.
Mark Salling también había hecho carrera en el mundo de la música, y además de las versiones correspondientes de ‘Glee’, en su momento muy exitosas, grabó dos discos, uno bajo el alias de Jericho y otro llamado ‘Pipe Dreams’ que llegó a colarse en el Billboard 200 en el año 2010.
Esta semana comienza la batalla de bandas «Bala Perduda» de Sala Apolo, en lo que supone su 5ª edición. El concurso tiene como objetivo «dinamizar la escena musical de bandas emergentes no profesionales (…) Ante la dificultad que comporta para los grupos noveles introducirse en los circuitos musicales, Sala Apolo quiere funcionar como un escaparate que facilite este proceso». La convocatoria anunciada en otoño con 300 solicitantes ha dado lugar a que se nombren 18 bandas semifinalistas que actuarán en Apolo durante las próximas 6 semanas en grupos de 3. El sistema de votación obedece al voto del público (50%) y el voto del jurado (50%). El ganador actúa en Primavera Sound, en el programa Feeel de betevé y graba un LP en los estudios ACLAM de Barcelona, con masterización a cargo de Hitmakers Mastering y distribución digital a cargo de La Cúpula Music.
Merece la pena atender a los primeros artistas que competirán en Bala Perduda este jueves 1 de febrero. Se trata de Bruises, un cuarteto de Barcelona en la onda de The Drums, The Cure y Pegamoides; el pop electrónico «queer y sintetizado» de Monsieur Cactus cercano a Miss Caffeina, Mecano y Lorena C; y Honolulu, entre los Stereolab más lo-fi, Beach House y Atlas Sound. Más diferentes no pueden ser. Las entradas son 4 euros con cerveza. Detalles, aquí.
Os dejamos con el calendario general de Bala Perduda para las próximas 6 semanas.
Febrero
01 | Bruises, Monsieur Cactus, Honolulu
06 | Sids Seed, No Crafts, Agost
13 | Carolina Wallace, Pivot, Old Tucson
19 | Vetviolet, Panellet, Fuerte Bandido
26 | Vancouver Undercover, 0’o, Underwaters
Marzo
06 | Look Momnohands, North State, Demmy Sober
Un día y medio después de que hayan terminado los Grammys, hay artistas que claramente se han beneficiado de aparecer en la ceremonia, pero hay otros que no tanto.
El gran ganador sin duda ha sido Bruno Mars. Ya no es que se hiciera con todos los galardones principales para disgusto de Bon Iver o Fleet Foxes, quienes no han mirado con buenos ojos que se llevara los premios a mejor disco, mejor canción y mejor grabación; sino que su actuación de ‘Finesse’ junto a Cardi B a estas horas sigue siendo lo más visto de Youtube Estados Unidos y uno de los vídeos más vistos del mundo en general. La nueva versión de esta canción de 2016 ha subido en iTunes USA hasta el puesto 5 y más aún en Spotify USA hasta el top 3. Mientras, el disco ganador sigue en el top 2 de iTunes en este país solo por detrás de la banda sonora de ‘The Greatest Showman’: no se puede pedir mucho más.
También han ido bien las cosas para Kesha. ‘Praying’ ya había terminado su recorrido, pero convertida en la gala en un himno por el movimiento #MeToo con ayuda de Cyndi Lauper o Camila Cabello, es también uno de los vídeos más vistos en la red, subido de manera ilegal a Youtube, y la canción ha vuelto al top 10 en iTunes (número 7) y también al top 100 de Spotify USA.
El puesto 70 logrado por Kesha en la competitiva lista de Spotify no es moco de pavo: la mayoría de las canciones interpretadas en la ceremonia no han llegado al top 200 tras la gala. Mientras el efecto Grammy en Kendrick Lamar puede considerarse bueno (varias de sus pistas suben) y el de P!nk, que ha estrenado vídeo ad hoc, podríamos llamarlo moderado (‘Wild Hearts Can’t Be Broken’ ha sido top 20 en iTunes, pero ni rastro en Spotify); el efecto por actuar en U2 o Sam Smith ha sido prácticamente inexistente.
No pasó nada con ‘Get Out of Your Own Way’ cuando se interpretó en los premios MTV y nada ha pasado esta vez tampoco con single ni disco de U2.
Más sorprendente, por su edad, es el caso de Sam Smith, que optó por interpretar ‘Pray’. La canción ha desaparecido rápidamente del top 100 de iTunes USA tras un brevísimo paso y ni está ni se la espera en Spotify. Bastante extraño, pues su segundo disco se ha vendido bastante bien.
En cuanto a Youtube USA, las actuaciones más vistas aparte de las de Bruno Mars y Kesha, han sido las de Childish Gambino y Lady Gaga, si bien no hay gran efecto en listas para ‘Terrified’ (sí para ‘Redbone’) y Gaga decidió centrarse en una canción ya muy conocida por el público estadounidense tras haber sonado en la Super Bowl.
Este fin de semana, el programa ‘Salvados’ ha dedicado su espacio a la depresión, que en España sufre 1 de cada 5 personas, y su presentador Jordi Évole se ha acompañado de varios pacientes que la padecen o la han padecido para hablar de ella, entre ellas el cantante Iván Ferreiro, conocido por su trabajo en Los Piratas y también por una carrera en solitario que se extiende hasta nuestros días, con la publicación en 2016 de ‘Casa‘.
Ferreiro ha hablado sobre el peor momento de su depresión, que además coincidió con su divorcio, explicando “cuando me fui a divorciar, en unas Navidades, no había nadie dentro de mí, no podía mirar a nadie a los ojos, no podía hablar con nadie”. El artista continúa: “Te das cuenta que lo mejor que puedes hacer es no ir a ningún sitio para que no noten cómo estás, porque estás siendo muy evidente y te da pudor. Te sientes desnudo y frágil, estás en la comida de Navidad, todo el mundo bebiendo y comiendo y tú piensas, quiero morirme y explotar». Ferreiro recuerda que su estado físico empeoró severamente durante su depresión, recordando “mis hijos creían que yo era más viejo que su abuelo, me levantaba con cara de hecho polvo todos los días».
El músico gallego razona que existe un componente social que impide a las personas mostrar sus momentos emocionalmente más débiles: «Es flipante, todos escondemos nuestras debilidades todo el rato, vivimos en un juego de aparentar una cierta fuerza para parecer socialmente responsables”. Sin embargo, cuenta que tras años de esconder su verdadero estado, en parte por no reconocer sus síntomas, lloró de felicidad cuando el médico le diagnosticó TDA: “me definió un montón de cosas que nunca había contado a nadie y lloré de emoción al ver que sabía de lo que hablaba».
Peores palabras ha tenido Ferreiro para la Seguridad Social, ya que aunque el músico reconoce ser afortunado de poder pagarse “médicos privados”, opina que la salud española no trata debidamente la depresión, y relata una experiencia personal que vivió. “Mi médico me decía que si venía por mi seguro privado me atendía en 15 minutos, pero si lo hacía por la Seguridad Social, me atendía seis». Por suerte, reconoce el ser un privilegiado por poder pagarse «médicos privados»
Gracias a @salvadostv y a @jordievole por el programa de hoy. Gracias por hacerlo tan bonito y por cuidarnos tanto. #1deCada5
Parte de la redacción evalúa el enésimo hit de Drake, que aparentemente forma parte de una mixtape de próxima aparición llamada ‘Scary Hours‘.
«Casi 80 millones de reproducciones en Spotify lleva ya ‘God’s Plan’ en solo una semana. Está claro que Drake tiene ya nuevo éxito en este tema que, de hecho, recuerda a ‘Hotline Bling’ y, como le pasaba a ella, desprende sensualidad. En ‘God’s Plan’ resulta curiosa además la mezcla de versos recitados con la calma que le caracteriza (a veces parece que va a soltar “just chill”), con la entrada de vez en cuando de la base urban, haciendo que el tema sea también apto para moverse con él. En definitiva, otro acierto del canadiense; y es que, aunque a veces parece que chasqueando los dedos ya tiene un single con millones de streamings, en casos como éste se entiende su número de reproducciones». Pablo N Tocino.
«Drake se ha especializado en un soul urbano, sensual y cadencioso, que entra suave, como seda, al que su voz deliciosamente monocorde se ajusta como un guante. Pero creo que esta vez en ‘God’s plan’ se le ha ido la mano con la espuma y la crema y parece que vaya con el piloto automático. No es una mala canción, se escucha la mar de a gusto, pero palidece si la comparamos con ‘Passionfruit’, por ejemplo. En mi caso, me empieza a planear la duda sobre si no se le estará agotando la fórmula». Mireia Pería.
«Nuevo single de Drake, nuevo hit. Parece casi automático, una inercia que también alcanza a este ‘God’s Plan’ que, la verdad, es difícilmente explicable. Ni posee el atractivo pop de ‘One Dance’, ‘passionfruit’ y otros éxitos recientes del canadiense –aunque su base, de nuevo en manos de los habituales 40 y Boi-1da, persigue esa línea– ni tampoco parece especialmente inspirada en lo lírico –»no voy a fallar aunque lo estéis esperando, haters», et al–. ¿Será Aubrey Graham el nuevo Eminem, haciendo oro cualquier cosa que lleve su firma… hasta que el mojo se acabe? Curiosamente, la supuesta cara B, una ‘Diplomatic Immunity’ magnífica en su clasicismo, dice lo contrario, pero ‘God’s Plan’ levanta sospechas». Raúl Guillén.
Odio París se separan. El grupo de Barcelona ha anunciado su disolución en un bonito -y poético- texto colgado en redes sociales en el que parece dirigirse a un ente abstracto, posiblemente la música o la inspiración, escribiendo “Nos hemos distanciado, y no te culpo, hace mucho que me apagué, cuánto te echaré de menos…” pero “ha llegado el momento de decirte adiós”.
Víctor Riba, guitarra y voz del grupo, confirma la separación a JENESAISPOP: “Es una separación amistosa. Un parón indefinido para volver a encontrar la motivación, que se puede transformar en otros proyectos. Eso esperamos”. Ribas confirma a este medio que Odio París se disolvió el pasado mes de noviembre, como de hecho está indicado en la carta que comparte en redes sociales, pero que tras tomarse un tiempo para meditar la decisión finalmente ha decidido anunciarla en el día de hoy.
Odio París deja dos notables discos a sus espaldas, su debut homónimo (2011) y ‘Ceniza y flores‘ (2016), y con ellos varias canciones de pop guitarrero absolutamente deslumbrantes, como ‘El último deshielo’ o ‘Arder y adiós’, que te invitamos a recordar en el foro de Odio París.
Ha llegado el momento de decirte adiós…
Un adiós que resuena como un trueno en el alma desde hace tiempo… que duele y a la vez alivia.
Nos hemos distanciado, y no te culpo, hace mucho que me apagué. Cuanto te echaré de menos… Tu calor, tus ganas, tu sudor, tu lágrimas, tus risas, tu voz cantándome al oído…. Pero hoy ya no tengo esta magia que nos hacia ensordecer el silencio, que me hacia gritar entre el humo y las luces todo lo que siento.
Ha llegado el momento de decirte adiós… 7 años después de que te saludara por primera vez, cuando nos enamoramos. Y la verdad que nunca habría pensado que esto nos llevaría tan lejos, muy lejos. Y es desde esta lejanía que ahora miro atrás y veo que estoy donde quiero estar, que es el momento.
Pero no sufras, porque yo no lo hago. Estos años han sido los mejores de mi vida, y ahora queda mucho en el recuerdo. Mi rabia, mis ganas de quererte, de odiarte, de tenerte cerca… Todo esto sigue retumbando entre las paredes de tu cuarto, para que cuando me eches de menos lo escuches y entiendas todo mi lamento.
Como se venía anunciando a lo largo de toda esta temporada de ‘Chester’, el programa de entrevistas que conduce Risto Mejide en Cuatro, uno de sus invitados sería el rapero C. Tangana. En los avances ofrecidos se dejaba entrever que entre ambos habría cierta tensión a lo largo de su entrevista emitida el pasado domingo por la noche. Pero lo cierto es que, incluso aunque algunos titulares así lo indican, la aparición del autor de ‘Mala mujer’ en el access-prime time fue bastante tranquila.
El programa giraba en torno a la mujer, y por eso –imaginamos que buscando cierta polémica con la letra de su mayor éxito hasta hoy– parecía que la aparición de Antón Álvarez daría cierto juego. Lo cierto es que fue bastante relajada, pese a que Mejide le pinchó un poco acusándole de ser demasiado serio y no estar relajado (“Somos dos tíos serios, esto va a ser un festival…”), y el artista madrileño habló sin muchas trabas sobre las mujeres de su familia –su madre y su hermana, principalmente– o su idea de C. Tangana como una performance total y ajena a su yo y sobre su alter ego como un producto de márketing –algo sobre lo que ya ha hablado en otras entrevistas, pero seguro que sin tanta difusión–.
Cuando surgió el tema del machismo en sus letras, Mejide recordó aquella cacareada entrevista que podría haber sido parte de una performance que derivó en la presentación del tema pro-queer ‘Pop Ur Pussy’, dando paso al instagrammer y youtuberOto Vans, nuevo icono del colectivo LGTBI+. En este caso, tampoco hubo lugar a la polémica, ya que uno y otro se declararon la admiración mutua. Oto le dio las gracias por esa postura precisamente porque veía a Tangana como un “superheterazo”.
Risto pinchó por ahí, pero Tangana toreó el asunto con clase: “es completamente cierto”, dijo. “Un hombre blanco, de éxito, heterosexual está condenado a ser un producto de la sociedad patriarcal. Es así. Soy un ‘machirulo’ aunque no quiera». «Seguramente yo también lo soy», respondió Risto con ironía. “Seguro que sí”, espetó Antón, dándole bien en los morros. Al final a Risto no le quedó más remedio que recurrir a la supuesta frialdad inicial del artista para salir del atolladero, pero Antón ya le tenía tomada la medida y hasta le vaciló: «Lo has exagerado tú. Aprenderé para la próxima. ¿Te ha gustado o no te ha gustado? ¿Has estado a gusto?», le soltó al presentador, dejándole sin respuesta.
Risto: Por qué soy heterazo y no hetero? C. Tangana: Porque además de ser hetero porque te gustan las mujeres te comportas como un hombre hetero en otros ámbitos.
"¿Quién se sienta en la parte delantera del coche? ¿Y quién conduce? El heterazo". Nunca pense que @c_tangana ('Mala Mujer') fuera capaz de dejar en evidencia a @ristomejide. ¡Chapó! #ChesterWoman
Risto Mejide sintiéndose súper ofendido porque le hayan llamado 'heterazo' y pidiendo explicaciones JAJAJAJAJAJAJA su masculinidad frágil no, lo siguiente #ChesterWoman
Adele ha colgado una imagen de ella en Twitter disfrazada de Dolly Parton, uno de sus mayores ídolos, durante un evento celebrado esta noche. Ha escrito: “¡La reina más grácil de la canción, Dolly Parton! ¡Te amamos! Desearíamos poseer un ápice de tu talento. Tú fuiste la heroína de nuestra noche. La heroína de mi vida. Siempre te querré”.
¿Y de qué “Dolly Parton” va Adele? La ubicamos en una actuación en directo de ‘Jolene’, de 1973. Aunque Adele lleva más escote.
Curiosamente, Dolly Parton ha hablado sobre su admiración por Adele en el pasado (ha dicho que la “adora”), e incluso ha llegado a mencionarla en una canción reciente incluida en su último disco, ‘Head Over High Heels’, que dice: “me pongo mi vestido ajustado, me fijo el pelo con laca, y me pinto los labios y los ojos de rojo como Adele”.
La autora de ‘25‘ no se prodiga demasiado por las redes sociales, si bien siempre re-aparece por alguna ocasión especial, recientemente para agradecer a Céline Dion un reciente concierto en Las Vegas, para pedir ayuda para las víctimas del incendio en Grenfell Tower o para recordar a Dolores O’Riordan.
The effortless queen of song, Dolly Parton! We love you! We wish We could possess an ounce of your ability. You were the hero of our night! A hero of my life. I'll always love you x pic.twitter.com/4B7GsNffOf
Tras un disco como ‘Erlo’, en el que Grises aderezaban su pop de rasgos tropicales –en el mismo sentido que algún punto del cancionero de Vampire Weekend, Two Door Cinema Club o Friendly Fires– con una electrónica poco conformista o previsible, los donostiarras cierran –al menos de momento– su etapa multinacional y regresan al ámbito independiente, con Hook Ediciones Musicales. De manera análoga, su nuevo álbum ‘De peces y árboles’ es también un regreso a sus orígenes en un plano puramente artístico: las guitarras vuelven a ser las principales protagonistas de su sonido –de nuevo autoproducido y masterizado por el reputado John Davis (The Killers, Foals, U2, Led Zeppelin)–, rugiendo monumentales, dando una inapelable solidez a estas once nuevas canciones.
A la vez, los guipuzcoanos hacen una clara apuesta por el estribillo, buscando incesantemente el gancho que convierta cada canción en necesaria para el oyente. Y la verdad es que, si bien su capacidad en ese sentido es holgadamente probada a lo largo de su carrera, ‘De peces y colores’ reúne quizá el mayor abanico de posibles hits de su carrera. Un ímpetu que se traslada también a sus cuidadas letras que, aunque no siempre eviten lugares comunes, llegan hondo: su manera de equilibrar dificultades personales y decepción ante la pobreza moral generalizada con mensajes positivos también buscan –y logran– insuflar optimismo.
Puede que en cierta medida ese “ir al grano” haya supuesto perder parte de la originalidad que venían demostrando en sus dos últimos discos para diluirse un poco en esa amalgama de grupos españoles que facturan pop-rock de guitarras ruidosas –casi una tradición que cultivan desde Dorian a Niños Mutantes pasando por Mucho, Hola a todo el mundo o Second–. Pero a la vez también parece haberles inspirado en lo melódico, con canciones enormemente luminosas como los adelantos ‘El impacto’, ‘Mi mejor fracaso’ y ‘Comida para insectos’, a los que secundan sin peros ‘Papel quemado’, ‘Intrépido estúpido’, ‘Extraña paradoja’, ’Señora Leño’ o ‘El sueño de A.’.
En esa persecución frenética del hit en la que se convierte ‘De peces y árboles’ y en la que encontramos conviviendo sin problema reflejos de Foals con una querencia a lo Nacha Pop en las melodías vocales, apenas se toman un leve respiro en la britpopera ‘Gato por liebre’ y la muy Carlos Sadness ‘Algo inmenso’. Un levantar el pie del acelerador del que, personalmente –aunque sean lo más próximo a su lado experimental–, no me importaría prescindir. Y es que sacrificando signos identitarios a cambio de canciones aptas para un estadio, no cabe duda de que los que van a salir ganando con este álbum son los conciertos de Grises y el público que a ellos asista.
El día 1 de marzo Grises comienzan su gira de presentación de ‘De peces y árboles’ en la sala El Sol de Madrid. Encuentra toda la info sobre fechas y ciudades en su web.
Calificación: 7,1/10 Lo mejor: ‘Mi mejor fracaso’, ‘Comida para insectos’, ‘Intrépido estúpido’, ‘Papel quemado’, ‘El impacto’. Te gustará si te gustan: los Foals más luminosos y directos, Dorian, Mucho. Escúchalo:Spotify
Cada año nos mojamos y señalamos a artistas y bandas noveles o aún poco conocidos que en los próximos 12 meses podrían eclosionar y ser nuevas estrellas del pop. Aunque, como siempre, nos conformaríamos con que el crecimiento de sus carreras prosiga en la línea ascendente que apuntan y entreguen nuevas obras de calidad. Estas, junto a nombres en los que hemos profundizado en los últimos meses como Sigrid, Lo Moon, Pale Waves, Billie Eilish, Angèle, Rina Sawayama, Dream Wife, Ms. Banks o Superorganism, son nuestras 12 propuestas internacionales para el año 2018. Además, completamos el artículo con una playlist de Spotify que recoge una selección de temas de estos artistas y grupos. Imagen interior: Jessie Reyez; imagen de portada: HMLTD.
Aunque Blondie siguen felizmente en activo, no faltan candidatos entre las nuevas generaciones que deseen tomar su relevo, revisitando la energía y la pegada de la nueva ola. Los mejor colocados son los británicos Anteros a los que, tras un par de temporadas lanzando singles certeros como ‘Anteros’, ‘Breakfast’ o ‘Ring Ring’ en sus dos EPs, parece que se les acerca la hora de ir un paso más allá. ‘Bonnie’ y ‘Love’, con cierto regusto a Pretenders y la energía de los No Doubt más rockeros, son la antesala perfecta para un debut que puede confirmar a su frontwoman, Laura Hayden, como un nuevo ídolo.
Este dúo de Brooklyn formado por las hermanas Asy y Chloe Saavedra –cuando eran solo adolescentes se llamaban Smoosh y ejercieron de teloneras para Death Cab for Cutie, Pearl Jam y Sleater-Kinney, nada menos– dio un pequeño pelotazo cuando su canción ‘Do You Feel It?’ sonó en un episodio de la genial serie de animación ‘Rick y Morty’. Tras el pelotazo, las Saavedra se han tomado su tiempo para madurar su propuesta y a finales de 2017 lanzaron dos singles muy distintos: la sinuosa ‘Dripping with Fire’ –entre Ibeyi y Austra– y la melancólica balada al piano –aunque se torna densa en su recta final– ‘On Turning 23’. Suficientes buenas señales para seguir esperando más de ellas.
En su Londres natal, Cosmo Sheldrake se educó en música clásica y domina una gran variedad de instrumentos, lo cual incluye el clarinete-bajo o el banjo. Y él no duda en emplearlos en sus composiciones, fantásticos collages que alternan sonidos orgánicos y electrónicos, con ascendentes de gospel, jazz, psicodelia y música clásica, sin perder nunca de vista el pop. Tras su primer Ep ‘Pelican’ (2015), ya está a punto de publicar su álbum de debut, ‘The Much Much How How and I’, con nada menos que Matthew Herbert en las mezclas. Adelantos como ‘Come Along’, ‘Mind of Rocks’ y ‘Eggs and Soldiers’ ya pintan a antesala de un gran disco.
¡Por fin! Por fin una banda británica excesiva y provocadora que abandona la sobriedad y se anima a transgredir con la imagen –glam-queer, en este caso– y la pose tanto o más que con sus propias canciones. En la escuela de Bauhaus –el grupo–, Adam Ant o Sigue Sigue Sputnik, HMLTD (una perversión de Happy Meal Ltd, que evidentemente tuvieron que abandonar por presiones de McDonald’s) envuelven en teatralidad y un aire melodramático –¿alguien sigue recordando a Jack?– unas canciones que coquetean con el honky tonk, el punk y el blues, aunque la producción contemporánea las sitúa no muy lejanas a The 1975. Tras singles como ‘Stained!’, ‘To The Door’ o ‘Satan, Luella & I’, su debut en la multinacional Sony debe estar a punto de anunciarse.
De esta lista, este músico de Birmingham es de los que posee una carrera más dilatada y contrastada. Sin embargo, aún no ha publicado su álbum de debut que confirme todo lo bueno que apuntan los tres EPs que ha publicado desde el año 2013 hasta ahora. Con su portentosa voz perfecta para el soul y el blues clásicos contrapuesta con producciones de R&B y hip hop contemporáneo, no es difícil ver en él a la facción británica de una propuesta como la de Algiers. Máxime cuando su discurso está íntimamente comprometido con la lucha racial y de clases, como muestra específicamente el vídeo de ‘Chainsmoking’, su mayor éxito reciente. Recientemente presentaba ‘Unknown (To You)’ –ha contado con un remix de Timbaland–, que podría ser el primer adelanto de ese álbum que se espera de él.
A estas alturas, la británica Jorja Smith goza de un estatus de estrella, habiendo comenzado a publicar sus primeros singles en 2016. Sin embargo, su talento, presencia escénica y potencial comercial y artístico son tan palpables que tampoco sorprenda verla recoger premios como el Brits Critic Choice, que la prensa especializada británica entrega a la mayor promesa de su escena nacional. Y es que el soul y R&B equilibra perfectamente clasicismo –para encandilar a la crítica más conservadora– y contemporaneidad –para resultar atractivo para el público más joven–, a veces en los extremos (‘Teenage Fantasy’ vs ‘On My Mind’), la mayor parte en un punto medio (‘Where Did I Go’, ‘Blue Lights’). Las etiquetas “promesa” y “revelación” se le quedan, en realidad, muy cortas.
En varias de sus fotos promocionales, la canadiense hija de migrantes colombianos tiene todo el aspecto de una Amy Winehouse de origen latinoamericano. Que, de hecho, sirve bastante bien para alcanzar a etiquetar su música que, como la de la británica, suena a soul libre y desgarrado, capaz de matar con el único acompañamiento de una guitarra eléctrica, como en las estupendas ‘Cotton Candy’ o ’Figures’, su mayor éxito –llegó al Billboard Hot 100 de Canadá, desde el sello independiente, aunque asociado a Universal, FMLY Records–. Lo cierto es que también es capaz de facturar un R&B moderno a lo SZA, como demuestra en la gran ‘Phone Calls’ o ‘Shutter Island’, e incluso adentrarse en terrenos de electrónica más audaz, como en ‘Blue Ribbon’. Lo único que permanece inalterable es su singular flow vocal y sus letras: “me gusta cantar sobre la mierda de la que no me gusta hablar” es un lema muy prometedor.
No parece en absoluto casual que esta joven modelo, compositora y cantante alemana haya aparecido como una estrella invitada en el reciente ‘Pop 2’ de Charli XCX. De hecho, la similitud con la británica va más allá de su concepto del pop como algo abierto y fluido: su estética e incluso su físico son muy similares. Aunque también se da un aire a Paris Hilton, que ha sabido explotar a la perfección en uno de los vídeos más divertidos del año pasado: en ‘I Don’t Want It At All’ personifica a una millonaria wannabe que quiere parecerse a Paris… tanto que la propia heredera del imperio hotelero acaba haciendo un cameo en él. Capaz de condensar en una sola propuesta influencia ochentera, noventera –su referente primordial es la primera Britney Spears– y millenial –la reciente ‘Faded’ es otra muestra perfecta–, Kim Petras promete darnos algunos de los momentos más divertidos del pop bubblegum del futuro.
Tildar de “revelación” a dos tipos con dilatada experiencia y éxito en la industria musical es algo tramposo. Pero, al fin y al cabo, hablamos de un proyecto nuevo y que, por primera vez, les sitúa a los dos en primer plano de un proyecto. Y es que Somewhere Else es un grupo, de reciente formación, eso sí, compuesto por Illangelo –productor de cabecera de The Weeknd, que también ha trabajado para Drake, Tinashe o Post Malone– y Billy Walsh, compositor que también ha trabajado en ‘Starboy’ y con Alicia Keys, en cuyo último álbum ‘Here’ coincidía precisamente con Carlo Montagnese, nombre real de Illangelo. A partir de ahí ambos extendieron su colaboración como Somewhere Else, con el que se han dedicado los últimos meses a lanzar bangers de pop urbano tan bailables como coreables, modernos pero accesibles. ‘Move Together’, con Majid Jordan, ’Glue’, con RAYE, o ‘Uh Huh’ son de esas canciones capaces de levantar en volandas tanto una macrodiscoteca en Ibiza o un club underground. Veremos si siguen manteniendo este nivelazo.
En la casi irrompible prevalencia de artistas británicos y norteamericanos, con alguna salvedad de los países escandinavos, Bélgica podría convertirse en una nueva referencia este año. Tras Angèle, nos fijamos también en un chico de Amberes llamado Tamino, un cantautor de raíces norteafricanas –su abuelo era el actor y cantante egipcio Moharam Fouad, muy popular en el mundo árabe– que afloran ocasionalmente en sus canciones de folk-rock expansivo –entre sus influencias cita a James Blake, Mazzy Star, Townes Van Zandt o Leonard Cohen–. Canciones como ‘Habibi’, ‘Cigar’ o ‘Indigo Night’, a menudo desarrolladas solo con una guitarra eléctrica y en las que brilla sobre todo por su voz expresiva y de amplios registros, lo cual hace emerger inevitablemente el nombre de Jeff Buckley al escucharle. Tras su primer EP homónimo, confiamos que no se demore un álbum que impulse su prometedora carrera.
The Blaze son Jonathan y Guillaume Alric, dos primos franceses que comenzaron a hacer música juntos casi por azar, cuando el primero pidió ayuda al segundo –que tenía un proyecto de reggae y dub– para poner banda sonora a un proyecto para sus estudios de cinematografía. De ahí que los vídeos que han realizado ellos mismos para dos de las canciones de su EP debut, ‘Territory’ y ‘Virile’, se hayan convertido en un fenómeno viral que acumulan millones de visualizaciones. Clips sencillos pero de enorme fuerza visual, que se sincronizan cuidadosamente con un house vocal –cantan ambos, pero sus voces están totalmente distorsionadas– con gran componente pop. El álbum de debut en el que ya trabajan The Blaze tiene una fecha marcada en el calendario: su actuación en el Coachella 2018.
Desde Brooklyn –aunque es de origen coreano, nacida en Seúl–, Kathy Yaeji Lee se ha convertido en una de las sensaciones de la electrónica underground reciente en la ciudad. Si no es frecuente ver a mujeres productoras en la escena de clubs –por fortuna, cada vez menos–, aún lo es más ver a una mujer oriental. Pero eso es una anécdota –deja de serlo un poco cuando canta en coreano, como en ‘Drink I’m Sipping On’– que queda atrás ante temazos de house brumoso –su voz susurrada es una de sus grandes bazas– como ‘Raingurl’, ‘Feel It Out’ o ‘passionfruit’ –efectivamente, una apropiación del hit de Drake–, que a buen seguro fascinarán a fans de Junior Boys. Tras los dos EPs publicados el pasado 2017, su explosión definitiva podría estar próxima.
Sansan Festival 2018 presenta nuevas incorporaciones en el cartel de su 5ª edición. Casi a punto de cumplir un año desde que se publicara su último disco, ‘En la espiral‘, Lori Meyers se presentan como uno de los platos fuertes de una nueva edición de SanSan, que se celebra los días 29, 30 y 31 de marzo en Castellón. De manera destacada, se suma también a la programación del festival el grupo escandinavo de rock alternativo, The Royal Concept, que trabajan ya en nuevo material tras la edición de su último disco, ‘Smile’ en 2015.
Además de estas confirmaciones, Sansan Festival 2018 presenta tres incorporaciones más. Dinero, que celebran 10 años de carrera con una gira especial y la publicación del recopilatorio ‘A 10 años luz’; Full, grupo de pop-rock autor de canciones como ‘Tercera guerra mundial’, ‘Distintos’ u ‘Otra vez’ (en la onda de Vetusta Morla) y EME Dj, que ofrecerá una de sus divertidas sesiones.
Estos nombres se suman a los ya confirmados Sidonie, L.A.M.O.D.A., Juanito Makandé, Iván Ferreiro, Rufus T. FireFly, Muerdo, Txarango, Ñekü, Elefantes, Viva Suecia, Varry Brava, Arco, La Sra. Tomasa, Nixon, Meridian, Space Elephants, Sexy Cebras, Rulo y La Contrabanda, Celtas Cortos, Despistaos, Bombai, Los Tikiphantoms y Nunatak. Pronto, más confirmaciones.
Las entradas ya están a la venta. Más información, en la web de SanSan.
ABONO GENERAL
40,00 € +GG
ABONO VIP
75,00 +GG
ABONO KIDS (De 0 a 10 años incluidos)
10,00 € +GG
ABONO KIDS (De 11 a 15 años incluidos)
30,00 € +GG
La victoria de Bruno Mars en la categoría de Álbum del año en los Grammys ha levantado cejas en la industria por considerarse un premio a la tradición y el enésimo ninguneo de los premios más importantes de la música popular al hip-hop, ya que especialmente ‘DAMN.’ de Kendrick Lamar fue el disco mejor valorado de 2017 y el segundo más vendido (por detrás de ‘Divide ‘ de Ed Sheeran, que no estaba nominado en esa categoría).
Entre las personas destacadas que han compartido su opinión sobre Bruno Mars y su victoria en los Grammys, está Bon Iver, quien no se ha cortado la lengua asegurando que la victoria de Mars en los Grammys “ha de ser una puta broma”, indicando que aunque no tiene problema alguno con el artista, Mars simplemente ha creado “hits basados en éxitos del pasado”, y que es por tanto “momento de olvidarse de los Grammys”.
De la misma opinión es el colega de profesión de Justin Vernon, Robin Pecknold de Fleet Foxes, quien en su stories de Instagram ha dicho, como informa Pitchfork: “aparte de Kendrick, SZA o Jay-Z nada de lo nominado en los Grammys era demasiado bueno en mi opinión, pero dárselo todo a la Gap Band de Toys ‘R Us es bastante ridículo”. Contestando a los fans que le preguntaban qué discos de los nominados en los Grammys había escuchado, Pecknold reconoce que “ninguno”, pero que es fan del nuevo disco de No Age.
The Gap Band fue una banda de R&B y funk que alcanzó fama durante los 70 y 80 con canciones como ‘Outstanding’, ‘You Dropped a Bomb on Me’, ‘Oops, Up Side Your Head’ o ‘Burn Rubber on Me’, similares por sonido al estilo de ‘24K Magic‘.
La Casa Azul sigue sin anunciar la fecha de lanzamiento de ‘La gran esfera’, su nuevo disco, que esperamos desde que en 2016 publicara el single ‘Podría ser peor’. De momento, esta semana ha llegado a Youtube y desde hoy está disponible en Spotify el segundo avance de este nuevo álbum, ‘El momento’.
Elefant describe que ‘El momento’ “suena más contemporánea que cualquier otra canción del grupo”, ya que “reinventa el “synthwave” y lo acerca al “future disco”, agita el hechizo de Kavinsky y embellece la melancolía disco de Luke Million o Fred Falke en una mezcla entre el desazón de lo costumbrista y la fantasía futurista. Esta es la doctrina de LA CASA AZUL, este es el sonido del 2018, DAFT PUNK haciendo Italo Disco futurista”.
‘El momento’ tiene un sonido post-disco similar a ‘Chained to the Rhtyhm’ de Katy Perry, pero su letra no aspira a realizar un mensaje social, pues es un retrato amargo sobre la intimidad familiar, que emociona ya desde una de sus primeras frases: “pensamos que es urgente reformar el salón, los niños cada vez son más mayores, quizás irían algunas flores sí, y no otra discusión”. ‘El momento’ parece contarnos, de hecho, la historia de una crisis, en frases como “nunca tuvimos demasiado valor, estábamos cansados y con mucha presión, dejamos de reírnos de la vida, y fuimos poco a poco a la deriva”, hasta el punto que hay una posible alusión a la depresión en una de sus líneas: “Por cada día entero de alegría y color, semanas y semanas de letargo feroz”.
Milkyway encuentra la paz, tras mucho esfuerzo, en ‘El momento’, como sugiere su estribillo: “Era el momento de empezar a latir, y de volver a crear, el momento de tener otra vida, morfogénesis mental, el momento de llegar a ti, y fundirme en tu cuerpo y tu mente, y poder revivir”. Curiosamente, la palabra “morfogénesis” no está contenida en RAE.es, si bien su significado es fácilmente localizable en internet. Tiene dos acepciones, 1) Parte de la geomorfología que estudia el origen y la evolución de la forma del relieve. 2. En genética, producción y evolución de los caracteres morfológicos. Milkyway, por tanto, nos cuenta que es “el momento” de realizar cambios en su perspectiva ante la realidad y evolucionar hacia una nueva vida, dejando atrás las actitudes del pasado.
Alessia Cara, conocida por éxitos como ‘Scars to Your Beautiful’ o ‘Stay’ con Zedd, se ha alzado este domingo con el premio a Artista revelación en los Grammy. El premio a Cara ha sorprendido por una razón: la artista canadiense no es exactamente una artista “revelación” si se tiene en cuenta que es conocida en todo el mundo desde 2015 y que competía contra artistas que sí se han dado a conocer en 2017, estos son Khalid, Julia Michaels, Lil Uzi Vert y SZA.
Cara ha recibido críticas por hacerse con este Grammy que en anteriores ocasiones han ganado los Beatles, Carpenters, Mariah Carey o Amy Winehouse, y ha decidido contestar a ellas en un largo post en Instagram, explicando que ella no se presentó voluntariamente a esta categoría, y que no va a molestarse por “algo que he querido desde que era niña, y por lo que tanto he trabajado”. “Lo que dije de que el resto de artistas merecían la misma suerte lo dije totalmente en serio. En la industria se cree que el talento y el trabajo duro de un artista deberían ir después de la popularidad y los números, y soy consciente de que mi música no salió ayer. Soy consciente de que mi música ha ganado popularidad en el último año. Pero me estoy esforzando para usar la plataforma que se me ha concedido para hablar de estos asuntos y arrojar luz en cosas que no son justas, a la vez que intento asimilar este increíble y extraño éxito que he sido tan afortunada de conseguir. No voy a dejar que gente a la que le ofenden mis éxitos y siente que necesita decirme lo mala que soy desprecie todo por lo que he trabajado. Algo divertido: llevo toda mi vida pensando que soy lo peor, incluso desde antes de saber lo que era serlo. Os gano en eso. Y por eso este premio significa tanto para mí. A pesar de mis 183625 inseguridades, he visto que lo que he creado vale algo y que a la gente le importa de verdad. Todos los años en los que he sentido que no valía o que era ingenua soñando con algo improbable han dado sus frutos de un modo que todavía estoy procesando”.
Los Grammys explican que para ser Artista revelación, el artista o grupo nominado ha de “haber editado en el año elegible la canción o disco que establezca su identidad pública como artista o grupo”.
adidas Originals presenta su nueva campaña ‘Original is Never Finished‘ (“la originalidad no se acaba”). Se trata de una pequeña película protagonizada por una de las cantantes de mayor éxito ahora mismo, Dua Lipa, el skater Miles Silvas, el rapero Playboi Carti, el artista Lu Han, el rapero A$AP Ferg, el jugador de baloncesto Nick Young, el prestigioso productor KAYTRANADA, la futbolista y DJ Florencia Galarza, el futbolista Marcelo Vieira y la modelo Adrianne Ho.
A través de todos ellos, adidas Originals busca en su nueva campaña redefinir el concepto de originalidad, expresando que la “repetición es una expresión de la creatividad” para reafirmar que “cualquier momento en la cultura se encuentra en un estado beta constante”. En el vídeo bajo estas líneas, que nos sitúa en un “loop metafórico”, cada protagonista se pasa el testigo el uno al otro y “desarrolla algo a partir lo que ha venido antes, para crear lo que vendrá después”. La originalidad es por tanto lo que sucede entre el “antes” y el “después”.
Dice adidas Originals que la inspiración original de ‘Original is Never Finished‘ ha sido el concepto de conformismo, y que desafiando ese mismo concepto es cuando se logra la verdadera creatividad. Por tanto, la rutina es un componente esencial de la evolución, ya que solo rompiéndola podremos innovar. Acorde a esta idea, al final del vídeo vemos al grupo escalando en su “propósito común e implacable de evolución”, todo siempre al ritmo del hitazo de los 90 ‘Keep Pushin’ de Inaya Day.
Esta noche se ha celebrado la gala en la que se decidía qué canción y qué intérprete/es representarán a España en Eurovisión el próximo mes de mayo cuando se celebre la nueva edición en Lisboa. La canción ganadora se ha proclamado ‘Tu canción’ y con ella acudirán a la capital portuguesa Amaia y Alfred. Ha obtenido el 43% de los votos en la ronda final.
En directo habían brillado muy especialmente esta interpretación, que se ha dejado para el final, retratando la magia que Alfred y Amaia han transmitido desde que cantaron juntos ‘City of Stars’ en el concurso; y el número urban de ‘Lo malo’ de «Aitana War», muy elogiado por su carácter moderno y feminista, aunque algo perjudicado por un confuso juego de iluminación y por una puesta en escena que no terminaba de retratar la letra de la canción. A ellas se unía como tercera y última finalista ‘Arde’ de Aitana, que a la postre ha quedado en 2º lugar con el 31% de los votos, un puesto por encima de ‘Lo malo’ (26%).
En la primera criba se habían eliminado el resto de las canciones, pese al llamativo número latino de Ana Guerra con ‘El remedio’, algo viejuno quizá.
4.-Lejos de tu piel (Miriam) 8%
5.-Magia (Miriam, Agoney) 7%
6.-El remedio (Ana Guerra) 5%
7.-Al cantar (Amaia) 4%
8.-Que nos sigan las luces (Alfred) 3%
9.-Camina 1%
Aunque la cantante favorita de la audiencia a tenor de lo observado en Spotify y en la lista oficial española claramente ha sido durante estos meses Amaia Romero, y en concreto su dueto con su pareja, a la que ha conocido en el concurso, Alfred, ‘Tu canción’, partía entre las favoritas; dos eran las canciones que se posicionaban en los últimos días. En primer lugar, ‘Lo malo’ con Aitana y Ana Guerra, una composición de la revelación Brisa Fenoy que podría tener sus posibilidades bien producida gracias a sus ritmos reggaetón y tropical house a la moda y a la letra de carácter feminista; y en segundo, la mencionada ‘Arde’ de Aitana, como inspirada por Ana Belén y Sole Giménez, con una letra velada sobre igualdad y refugiados. No había sorpresa y estas tres canciones se posicionaban enseguida claramente.
El resto de aspirantes eran, como decíamos, ‘Al cantar’ de Amaia en solitario (Rozalén ha agradecido esta oportunidad para los autores), la latina y muy Gloria Estefan ‘El remedio’ de Ana Guerra, la rockera ‘Que nos sigan las luces’ de Alfred, ‘Lejos de tu piel’ de Miriam, ‘Magia’ de Miriam y Agoney y ‘Camina’ de los 5 finalistas de Operación Triunfo.
En la ceremonia han actuado también en vivo Luísa Sobral, autora de la canción ganadora de Eurovisión el año pasado, interpretando ‘Cupido’; J Balvin interpretando ‘Mi gente’ y su nuevo single; y Conchita Wurst con ‘Rise Like a Phoenix’. Los concursantes eliminados de OT han cantado clásicos de Eurovisión como ‘La la la’ o ‘Vivo cantando’.
Bruno Mars ha arrasado en los Grammys, y hay quien no está de acuerdo con su victoria. Es el caso de Justin Vernon, líder de Bon Iver, quien desde su cuenta de Twitter personal ha expresado su opinión sobre los Grammys en general y su desacuerdo con el triunfo de Mars, con quien, eso sí, apunta no tener “ningún problema”.
Vernon escribe: “Después de tocar en México, estoy leyendo titulares y parece que los Grammys todavía son algo que los artistas serios no deberían tomarse en serio. No tengo ningún problema con [Bruno] Mars, pero [su victoria en Álbum del año] ha de ser una puta broma”. El músico reconoce que “algunos músicos increíbles sí ganan”, pero tiene dudas sobre lo que está ganando a lo grande (como el disco de Mars).
El autor de ’22, A Million’, quien por cierto ganó dos Grammys en 2012, afirma que Mars se ha hecho un nombre en la industria “creando hits basados en éxitos del pasado”, y enlaza un artículo de la revista satírica The Onion cuyo titular lee: “la nación reafirma su compromiso con las cosas que reconoce”, dando a entender que la organización de los Grammys está anticuada y que premia lo que le resulta familiar.
Al final, la opinión de Vernon se resume con una reflexión inicial: “los Grammys son para la industria de la música. La música, en sí misma, es para todo el mundo y para todas las partes del mundo. Está bien recordarlo”.
The Grammies are for the music Industry. Music, itself, is for everywhere else and everyone else. Good to remember.
scanning headlines after playing Mexico City last night (holy shit did we feel at home… Unbeelievable city) Looks like Grammies are still something serious musicians should not take seriously !
Absolutely NO offense to Mr Mars, but you absolutely have to be shitting me. 1/2
Bruno Mars ha arrasado en los Grammy al llevarse los 6 premios a los que aspiraba, entre ellos el de Álbum del año por ‘24K Magic’ y el de Canción del año por ‘That’s What I Like’. No hay que subestimar el éxito de Mars en 2017: su disco ha vendido de manera consistente a lo largo del año, cuenta con varios hits globales y además la gira mundial del álbum ha sido un gran éxito. Mars es un talento espectacular y merece todos los reconocimientos que consiga. Sin embargo, su éxito en los Grammy vuelve a ser reflejo de una realidad innegable, que los premios son ante todo un reconocimiento de lo clásico.
La victoria de Mars es cuestionable en muchos sentidos. En primer lugar, es absurdo que ‘That’s What I Like’ haya ganado en la categoría de Canción del año frente a ‘Despacito’. Aunque ‘That’s What I Like’ es una gran canción, y además una producción excelente que sí merece su reconocimiento a Grabación del año, nadie en su sano juicio defendería que ‘That’s What I Like’ ha sido la canción del año frente a ‘Despacito’. ¿En qué mundo vive la junta de los Grammy para haber tomado tal decisión? Parece que los Grammy han preferido premiar la canción de R&B clásico que la canción de reggaetón a pesar de que la segunda ha sido mucho más exitosa. Un triunfo del localismo, pero cero representativo de lo que ha sido 2017 también en Estados Unidos.
Por otro lado, la victoria de ‘24K Magic’ en la categoría de Álbum del año es igual de absurda. Ha sido el peor valorado por la crítica entre los nominados y no tiene ese halo de clásico que por ejemplo sí tienen ‘DAMN.’ o ‘Melodrama’, pero sobre todo no podría ser un álbum más conservador, un disco que no es sino una réplica artificial de los sonidos con los que Mars creció en los 90. Cada una de sus canciones recuerda al sonido de un artista específico. Puede que ‘DAMN.’ o ‘Melodrama’ no sean innovadores, pero la personalidad de sus autores está impresa en cada una de sus canciones. ‘24K Magic’ es un festival de la imitación.
Sobre todo, el hip-hop parece el gran perjudicado en este caso, y ya desde hace años, teniendo en cuenta que solo se reconoce de manera importante en categorías específicas, y que la última vez que un grupo de hip-hop ganó Álbum del año fue Outkast en 2004. En todo este tiempo, y desde antes, el hip-hop se ha convertido en el género musical más popular en todo el mundo, y sin embargo los Grammy parecen vivir al margen de esta realidad. Las veces que Lamar ha estado nominado a Álbum del año en los Grammy son 3/3 y nunca ha ganado. ¿A qué nivel ha de operar el rapero para que los Grammy reconozcan que un disco de hip-hop puede ser Álbum del año? ¿Al de Outkast o al de… Bruno Mars?
El problema no es la ausencia de representación no blanca. Aunque Mars es la segunda persona no blanca que gana Álbum del año en 10 años (la última fue Herbie Hancock en 2008), lo cierto es que Lamar ha arrasado en esta última edición de los Grammy y que entre varias personas en la redacción nos faltarían dedos para contar la cantidad de gramófonos que tienen Beyoncé o Kanye West. Pero tampoco hay que olvidar que, desde la victoria de Hancock, hemos visto a Kendrick perder contra Daft Punk, a Frank Ocean contra Mumford & Sons y, de manera más surrealista todavía, a Beyoncé contra Beck. Por supuesto, Adele y Taylor Swift también han ganado contra varios discos de hip-hop y R&B hechos por artistas negros, discos que además de haber vendido millones contaban con el aliciente de haber recibido grandes críticas y de haberse considerado socialmente relevantes. Que obras tan conservadoras, tan aburridamente blancas, como ‘Random Access Memories’ o ’25’ arrasaran frente a discos como ‘channel ORANGE’ o ‘Lemonade’ dice mucho del interés por los Grammy de premiar obras con algo nuevo que decir. La victoria de ‘24K Magic’ es por tanto una nueva y aburrida victoria del conservadurismo, de lo mismo de siempre.