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La canción del día: Buzzy Lee, más Lynch que Spielberg en el clip de ‘Coolhand’

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Semanas atrás hablábamos sobre Buzzy Lee, proyecto personal de Sasha Spielberg, que ha gestado su EP debut junto a su “mejor amigo” Nicolas Jaar. Su single, que se presentaba en los mismos días en que el artista de origen chileno lanzaba su sobresaliente disco como Against All Logic, ‘2012-2017’, se llama ‘Coolhand’ y ha ido calándonos lentamente hasta convertirse en una canción difícil de sacar de nuestra cabeza.

Un tema repleto de sutileza pero con una rítmica uptempo, un ambiente misterioso aportado por sintetizadores de querencia retro que recuerdan a proyectos como Au Revoir Simone o Ariel Pink, aunque la bonita voz de Sasha remite, más bien, a la de Feist (en algunos momentos su timbre es prácticamente idéntico). Una canción que embruja con cierto misterio, pero que no es en ningún momento esquiva (‘No Her’, presentada hace pocos días, resulta más oscura, por ejemplo). La producción de Jaar es magnífica, manejando los sintetizadores con sutileza y haciendo de la percusión una auténtica montaña rusa.

Este fin de semana, además, se ha presentado un vídeo oficial para la canción que aumenta su poder. Curiosamente, siendo hija de Steven Spielberg, el clip tiene más que ver con el universo estético de David Lynch que con el de su padre. Saltando del sueño a la realidad, la Sasha más mundana e insegura sueña con un yo que, aún mostrándose estelar en un viejo escenario, está rodeada de sombras. Incluye, para redondear la semejanza, un personaje estrafalario/turbador, personificado en una anciana bailarina. “El mensaje es: ayúdame, me siento insegura y me siento así mucha veces”, revela abiertamente Sasha en una entrevista. Tanto ‘Coolhand’ como ‘No Her’ forman parte de ‘Facepaint’, ese disco breve hecho junto a Jaar que se publica el próximo 27 de abril y que parece que va a despegar a Sasha la etiqueta de “hija de”.

El «drama» de Mariah Carey en un hostel de Barcelona

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Justo en los días en que se cumplen 10 años de que llegara al número 1 en Estados Unidos por última vez con la contagiosa ‘Touch My Body’, Mariah Carey es noticia por ser la gran protagonista del último spot de HostelWorld. El anuncio está rodado en Barcelona, aunque su vocación claramente sea internacional. En él, el personal del hostel se revoluciona cuando descubre que hay una reserva a nombre de M. Carey.

Mariah Carey -ojo, hay broma sobre la pronunciación correcta del nombre de la diva- por poco se desmaya cuando descubre que está en un hostel en lugar de en un hotel, si bien al final decide “integrarse” realizando una actuación “improvisada” en el bar de este local.

La cantante era vista en Barcelona hace casi un año. En junio del año pasado El Periódico publicaba unas imágenes suyas en el Paseo de Gracia, como también lo hacía ABC. Suponemos que fue entonces cuando se rodó este spot si bien no ha sido hasta este fin de semana cuando finalmente ha visto la luz. Ella misma lo ha promocionado en Instagram bromeando sobre «el drama» de hospedarse en un lugar así.

Mariah Carey está grabando su nuevo disco como también ha dejado ver en las redes sociales.

Bad Gyal agota entradas en Madrid y anuncia 2º concierto vespertino

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Bad Gyal ha agotado con un mes de antelación las entradas para la presentación en el OchoyMedio de Madrid el próximo sábado 5 de mayo de su excelente segunda mixtape, la ultra adictiva ‘Worldwide Angel‘. Sin embargo, acaba de anunciar una segunda fecha el día siguiente, 6 de mayo. Eso sí, será por la tarde, con las puertas abriendo a las 16.00. Un curioso plan para la tarde de dicho domingo para la que se acaban de poner a la venta las entradas en Ticketea desde 10 euros. La cantante también ha agotado los pases para el concierto de Apolo en Barcelona el 13 de mayo.

Por otro lado, Bad Gyal es protagonista de un pequeño microdocumental producido para RTVE en el que la cantante habla de cómo compone a partir de la improvisación, recuerda que ha trabajado de «panadera, teleoperadora, camarera, canguro, profesora, monitora y limpiadora» y habla con entusiasmo de su descubrimiento del dancehall. Aunque el titular seguramente lo deje cuando habla de feminismo.

Esta es su declaración sobre su derecho a vestir o enseñar cuanto quiere: «Una chavala que va en chandal o no se quiere maquillar me parece estupendo, pero eso no significa que ella sea más auténtica o que tenga más carácter o que sea menos sumisa. Yo enseño el culo y bailo así porque quiero y me hace sentir bien. No pienso que eso sea malo ni que proyecte una imagen de sumisión, ni de que consigo las cosas con eso porque no. Lo hago porque me gusta. Espero que se pueda entender la idea de que puede existir una chavala que le guste hacer eso, porque le gusta a ella misma. No quiero que nadie piense que lo estoy pasando mal (risas) por hacer ciertas cosas. Si alguien piensa que eso es malo para mí, que se esté tranquilo, que yo estoy de puta madre y contenta con lo que hago”.

La Pegatina tampoco quieren ser perroflautas

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La Pegatina han publicado esta semana un disco nuevo llamado ‘Ahora o nunca’ cuyo single principal es la colaboración con Eva Amaral que os presentamos hace un par de meses, ‘La tempestad‘. El álbum incluye también colaboraciones con Rozalén y Macaco, entre otros muchos artistas, lo cual garantizará buenas entradas en las listas que conozcamos la próxima semana.

Hoy el grupo concede una entrevista a 20 Minutos que deja un titular simpático cuando este medio les pregunta cómo se toman que les llamen «perroflautas». Y se oyen risas, pero lo tienen claro: no se ven a sí mismos como tal. Adrià indica: «Nunca hemos tenido ni perro, ni flauta (…) Calificarnos así es muy simplista. Si no te gusta la música alegre, ya sabemos todos lo que eres». Y Rubén añade simplemente: «Quien nos escucha ve que somos diversos».

Las declaraciones «no tengo ni perro ni flauta» recuerdan mucho a las realizadas por Bebe a lo largo de los años, indicando que hacía tiempo que no tenía perro y que no tocaba la flauta desde la E.G.B. Teniendo en cuenta que cuando entrevistábamos a Fernando León de Aranoa respondía a una pregunta con la etiqueta de «director perroflauta» esquivando el término… ¿existirá algún artista dispuesto a enarbolar la bandera del orgullo perroflauta?

Arcade Fire hacen un pequeño mash-up de ‘Everything Now’ y ‘Linger’ de Cranberries

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Arcade Fire continúan con la gira de presentación mundial de ‘Everything Now‘, que pasará el 21 de este mes por el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 24 de abril por el WiZink Center de Madrid. En ambos casos aún quedan entradas a la venta en Ticketmaster, aunque no de pista.

El grupo ha estado este fin de semana en Dublín, y a su paso por Irlanda han querido rendir homenaje a una de las personalidades desaparecidas este año de este país, Dolores O’Riordan, que fallecía el pasado mes de enero a los 46 años por causas no reveladas. Los resultados de su autopsia estaban previstos para principios de este mes, pero se han retrasado y lo único que se ha hecho público es su último mensaje de voz, dejado horas antes de morir, en el buzón de voz de un responsable de su sello.

Arcade Fire han entonado unas frases de ‘Linger’, uno de los grandes hits de Cranberries, integrándolas con ‘Everything Now’. La idea ha sido sustituir las cuerdas del éxito ajeno por el tarareo del propio, haciendo que ambas canciones converjan inesperadamente.

Curiosamente, Dolores O’Riordan estuvo 20 años casada con un canadiense, su mánager Don Burton, fijando su residencia en este país, en concreto en Toronto (Arcade Fire son de Montreal).

Drake se impide a sí mismo ser top 1 global con ‘Nice for What’

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La Canción del Día del pasado sábado fue, inequívocamente, ‘Nice for What’, la nueva de Drake. Sin embargo, el tema no ha podido ser número 1 directo del global de Spotify como ha conseguido el artista en otras ocasiones. ¿La razón? Él mismo con su single anterior, ‘God’s Plan‘, que sigue ocupando la posición de honor con unos 5 millones de streaming diarios en todo el mundo. ‘God’s Plan’ ha sido número 1 global en Spotify 74 días desde que se editara hace 79 días y es ya uno de los mayores éxitos de la gran historia de éxitos de Drake, con más de 500 millones de reproducciones solo en la plataforma sueca.

En este Drake contra Drake, ‘Nice for What’ logra ser el número 2 global de Spotify tras sí haber logrado alzarse con el número 1 de streaming en esta plataforma en mercados estratégicos como Estados Unidos, Reino Unido y Canadá. Otros como el nuestro aún tienen que verla asomarse por las posiciones importantes, pero en cualquier caso, ya van 8 millones de reproducciones en algo menos de 2 días.

Además, en este caso y a diferencia de lo que suele ser habitual últimamente para Drake, el vídeo se ha lanzado al mismo tiempo que la canción. Ya lleva casi 9 millones de visualizaciones, muchos de los cuales -los locales, lógicamente- contarán para el Billboard Hot 100. ¿Logrará ‘Nice for What’ desbancar a ‘God’s Plan’ en tan influyente lista?

Clairo, la youtuber adolescente que telonea a Dua Lipa y cautiva a Pitchfork

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Caído Myspace –los lectores más jóvenes ni sabrán de qué narices hablo– Youtube ha pasado a alojar la mayor cantera mundial de artistas musicales. Una de las youtubers musicales que ha emergido de manera más potente en los últimos meses ha sido la adolescente Claire Cottrill, una chica de 19 años residente en Boston que tiene varios vídeos, extremadamente caseros, pero que suman varios millones de reproducciones.

Clairo, como se hace llamar, es capaz de emocionar tanto con una sencilla versión a la guitarra de ‘He Can Only Hold Her’ de Amy Winehouse como con sus propias composiciones que, si bien a veces tienen bases más elaboradas (‘Get With U’) y contemporáneas, a menudo están hechas con un teclado doméstico y sus bases pre-programadas. Es el caso de ‘2 Hold U’ o ‘Pretty Girl’, el que se ha convertido en su gran éxito, con más de 12 millones de reproducciones del vídeo y más de 10 streamings en Spotify.

Se trata de una canción que, en contraposición a su lo-fi extremo, ofrece una melodía preciosa, interpretada por Clairo con una mezcla de candidez y rotundidad bastante sorprendente. La naturalidad que desprende su imagen en el vídeo tiene una razón y da una medida de por qué tanta gente la admira: explica que grabó el vídeo nada más levantarse, con el pelo y la cara sucios, porque la canción precisamente habla sobre una relación en la que se obligaba a sí misma a ser perfecta para complacer a su pareja. “La única forma en que podía hacer este vídeo era divertirme mucho mostrándome desagradable y que no me importara en absoluto”, dice su descripción.

Recientemente, Clairo lanzaba su vídeo más profesional hasta la fecha para su single ‘Flaming Hot Cheetos’, en el que comienza paseando entre un grupo de los aperitivos picantes que protagonizan este tema que alterna una base hip hop, teclados ensoñadores y una línea vocal de soul blanco a lo Lily Allen. Lo cierto es que sus canciones y su personalidad son cada vez más conocidas –a principios de año, Pitchfork le dedicaba un extenso reportaje y entrevista– y uno de los artistas que se ha rendido a su encanto es Danny L Harle, de PC Music, que hace unos meses publicó ‘Blue Angel’, un fantástico single de pop electrónico contemporáneo que contaba con la voz de Cottrill como protagonista, demostrando cuánto puede llegar a brillar fuera del ámbito Youtube. Su último salto, y probablemente el definitivo para trascenderlo, es el de ejercer de telonera para Dua Lipa en la gira que la norteamericana realizará el próximo verano.

Lucy Dacus / Historian

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Conocimos a la joven Lucy Dacus en el Primavera Club de 2016, cuando Matador Records acababa de ficharla reeditando ‘No Burden’, su álbum de debut, lanzado anteriormente a través de EggHunt Records, un modesto sello de su Richmond natal. Dos años después, el salto cualitativo de la compositora y guitarrista virginiana se ha certificado claramente en ‘Historian’, un trabajo completo y sólido con el que, además, se aleja de la Americana genérica para autodefinirse en base a sus propias particularidades. Tampoco es que su ópera prima oliese a folk-rock-country de manera exagerada, pero a nivel compositivo presentaba más dependencia con respecto a patrones clásicos que este nuevo disco.

‘Historian’ es un álbum que, ante todo, pone en evidencia la fortaleza interna de su autora, respondiendo ante todo tipo de situaciones sentimentales que la vida le brinda siempre con la misma positividad y entereza, sacándole a todo el lado bueno. Resaltando la dignidad con la que falleció su abuela en la escalofriante y grandiosa ‘Pillar of Truth’, por ejemplo; normalizando y aceptando la sensación de agotamiento creativo en ‘The Shell’, que paradójicamente tiene una de las líneas melódicas vocales más bonitas y voladoras del disco; o remangándose las manos para implicarse en la reconstrucción político-social de su país en ‘Yours & Mine’, al dejar de reconocerlo como su hogar tras los disturbios raciales de Baltimore de la primavera de 2015. Da igual el tema del que hable: familia, amor, política, arte, fe o amistad: siempre lo hace dominando el sentimiento y construyendo en positivo.

A nivel estilístico, Lucy Dacus guarda cierto paralelismo con su muy buena amiga (¡tienen hasta un choque de manos personalizado!) y compañera de sello Julien Baker. Si desnudáramos los temas de Dacus hasta dejar solo la guitarra y esa voz elegante y gruesa, observaríamos que ambas se sirven de melodías similares, honestas y serenas, aunque en el caso que nos ocupa aquí estén revestidas con una instrumentación mucho más vigorosa, en la línea de Waxahatchee, Courtney Barnett o Sharon van Etten. La diferencia fundamental entre las dos artistas sureñas radica en el control que Dacus ejerce sobre las emociones que expone. En el planteamiento común de casi todas las canciones de ‘Historian’ hay un punto culminante de inflexión que hace que, de algún modo, las heridas de las que habla cicatricen. Heridas que son producto del aprendizaje más que del dolor en sí; pero de ese modo consigue extraer lo positivo de cada una de ellas y cerrarlas.

El particularismo estilístico de Lucy Dacus en este disco, por tanto, consiste en eso: además de en la fortaleza y en la positividad, en la acertadísima administración de la épica culminante, plasmada en saltos de voz, estallidos de guitarra y cambios de ritmo en momentos clave, siempre cerca del final. Todo ello se manifiesta de forma especialmente atractiva en la inaugural y creciente ‘Night Shift’, donde Dacus soluciona de manera práctica el dolor de una ruptura optando por cambiar de turno laboral y confiando en el paso del tiempo; en la redonda, carismática e imparable ‘Nonbeliever’; en la ya mencionada ‘Pillar of Truth’; y, desde la morfología de un blues oscuro que rompe tormentoso, en ‘Timefighter’, un precioso llamamiento irracional y derrotista a la lucha contra el paso del tiempo.

Otras piezas destacadas del álbum son la ya citada ‘The Shell’, cuya preciosa línea melódica navega por las aguas tranquilas de la aceptación, y una ‘Addictions’ a través de la cual reflexiona, ella que no toma ni café por no viciarse a nada, sobre la peor de las dependencias: a una persona concreta. Ambas muestran claramente la gran capacidad de aprendizaje de Dacus: el aplomo que da saber que hay errores que no se repetirán nunca más. Lo más interesante del álbum, en relación a su trayectoria en ciernes, es apreciar cómo la artista está construyendo sólidamente su personalidad musical, al tiempo que lo hace también como ser humano. Porque no hay éxito mayor en esto que empezar a triunfar sonando a una misma, y Lucy Dacus lo ha hecho. Simplemente alejándose de todo aquello de lo que no puede extraer aprendizaje alguno, y abrazando todo lo bueno y lo malo que le pasa con optimismo y fortaleza interior.

Calificación: 7,7/10
Te gustará si te gustan: Julien Baker, Courtney Barnett, Waxahatchee, Sharon van Etten o Laura Marling.
Lo mejor: la épica y los saltos de voz de ‘Night Shift’, ‘Nonbeliever’, ‘Pillar of Truth’ y ‘Timefighter’, y la preciosa línea melódica vocal de ‘The Shell’.
Escúchalo: Spotify

Laura Pausini empuja fuera del armario a la presentadora Toñi Moreno

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Ayer Laura Pausini fue trending topic durante la tarde, pero no fue exactamente por su nuevo álbum, ‘Hazte sentir’, ni por su inminente aparición como jurado en una nueva edición de Factor X, con el que Telecinco claramente pretende aprovechar la ola generada por Operación Triunfo 2017. Con motivo del estreno de este programa, la artista italiana visitó ayer por la tarde el magacín televisivo presentado por Toñi Moreno, ‘Viva la vida’.

En un momento de la entrevista, Moreno le dijo a Laura que deseaba ser como ella: «Me encantaría cantar, pero tengo una oreja aquí y la otra aquí. Me encantaría ser madre y no lo soy. Tú tienes todo lo que yo quiero. El marido te lo puedes quedar…” Entre risas, ante esta última frase, Pausini espetó a la presentadora: “¿Te gustan las mujeres?”

Visiblemengte incómoda, la espontánea pregunta dejó a la conductora de ‘Viva la vida’ bastante descolocada y reaccionó primero con cara de póker y luego, intentando bromear, dijo para salir “del entuerto” (sic): “no me gustan las mujeres, me gustas tú”. Una respuesta que, aunque hay que considerar que fue igualmente improvisada, no ha hecho gracia a todo el mundo. Brays Efe, actor que interpreta a Paquita Salas, ha afeado su falta de concreción en un tuit: “¿Sabes lo que sería un entuerto para las lesbianas que te ven? Que fueras lesbiana y dijeras que no porque te da vergüenza serlo. Entonces el nombre de tu programa sería una ironía”.

En Factor X, Pausini compartirá mesa de jurado con Risto Mejide, el locutor de Los 40 Xavi Martínez y el productor musical Fernando Montesinos. El habitual Jesús Vázquez conducirá el programa.

My Bloody Valentine, gran nombre de la nueva tanda de confirmaciones de Bilbao BBK Live 2018

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De manera sorprendente, pues ya se había dado por cerrado el listado de nombres de esta edición, Bilbao BBK Live 2018 acaba de anunciar una nueva tanda de confirmaciones en su cartel en la que, sin duda, destaca un nombre no ya por encima de estos sino sobre gran parte del resto del cartel. Se trata de My Bloody Valentine, uno de los grupos más influyentes de las últimas décadas, que ya había anticipado su regreso a los escenarios este año. Esta actuación coincide con la próxima publicación de al menos dos EPs con nueva música del grupo británico comandado por Kevin Shields, que sucederían al sobresaliente ‘m b v‘ con el que regresaron, por sorpresa y tras años de silencio, el pasado 2013.

El resto de nombres de estas confirmaciones post-cierre de cartel son la superprolífica banda australiana de psico-rock King Gizzard & The Lizard Wizard, los prometedores Bad Sounds y el grupo local eMe. Estos 4 nuevos grupos se unen a un cartel que ya de por sí resultaba muy interesantes, encabezado por Gorillaz, The xx y Florence + the Machine, más unas segunda y tercera líneas espectaculares, con The Chemical Brothers, Noel Gallagher, alt-J, David Byrne, Childish Gambino, Jungle, Fischerspooner, Benjamin Clementine, Cigarettes After Sex, Bomba Estéreo, Triángulo de Amor Bizarro o Parquet Courts. Tanto My Bloody Valentine como King Gizzard & The Lizard Wizard pasan a engrosar el cartel del viernes, 13 de julio, junto a The xx y The Chemical Brothers, entre otros.

Bilbao BBK Live 2018 se celebrará entre los días 12 y14 de julio en Kobetamendi (Bilbao). El bono de 3 días para Bilbao BBK Live está a la venta a un precio de 155 euros + gastos (que se puede abonar en 2 o 3 plazos). También disponen de entradas de día a un precio de 60 euros más gastos y el cámping está disponible a un precio de 10 euros + gastos. Toda la información sobre entradas y la distribución por días, en su web.

Hoy en «Yo he venido de mi casa»… Horteras en el pop

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Mira todos los «Yo he venido de mi casa».
Oli + Glu son la ilustradora Oli, líder de Axolotes Mexicanos, y el músico Gonzalo R. Checa.

Samantha Fox vuelve a hacer lo que mejor se le da en ‘Hot Boy’

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Tres décadas después de sus momentos de mayor gloria, Samantha Fox vive una segunda juventud artística a sus más que bien llevados 52 años. Lo cual no es poco, si tenemos en cuenta que su mito como estrella del pop de los 80 se cimentó en sus muy sonados éxitos, extraídos de sus primeros discos de estudio. Canciones de tecnopop post-italodisco ultracomercial como ‘Touch Me (I Wanna Feel Your Body)’, el megahit ‘Nothing’s Gonna Stop Me Now’ –compuesto y producido por Stock, Aitken & Waterman, poca broma– o ‘I Surrender (To the Spirit of the Night)’ son epítome del sonido de la época y marcaron a aquella generación, por increíble que parezca, más que Talk Talk o The Cure.

Por supuesto, parte de ese éxito también se basaba en la exuberancia física de la artista británica, que la convirtió en icono de un prototipo de estrella del pop que, en versión algo más trash, perpetuaron la italiana Sabrina y la polaca Danuta Lato. Fox se esforzó por adaptarse a los tiempos en un par de discos lanzados en los 00s, pero la realidad se impuso y tanto ella como Sabrina han terminado sobreviviendo gracias a la burbuja nostálgica de los 80, participando en festivales remember o lanzando conjuntamente un single con una versión que nadie pidió de ‘Call Me’ de Blondie.

Pero ahora Samantha reaparece con ‘Hot Boy’, su primer single original en años y vuelve a lo que mejor sabe hacer: no, no me refiero a explotar su sensualidad –que también–, sino al mismo pop irresistible de influencia italo que la encumbró 30 años atrás. La canción tiene su guasa: se trata de un encargo para una película sueca llamada ‘Videoman’, una tragicomedia mezcla de costumbrismo y thriller que cuenta las penurias económicas que vive en la actualidad un hombre que fue dueño de un importante videoclub, eje del ocio cinematográfico en los 80 y 90.

La película, dirigida por Kristian A. Söderström, cuenta con un reparto lleno de caras conocidas como Stefan Sauk (‘La chica con el tatuaje de dragón’, de la saga ‘Millennium’), Martin Wallström (‘Mr. Robot’), Amanda Ooms (‘Los mercenarios 2’) o la estrella televisiva de los 80 en Suecia Lena Nilsson. ‘Hot Boy’ ha sido objeto de un clip, con “chico caliente” incluido y con Sam haciendo sus coreos mohínes y demás, aunque con una simpática pátina chanante general. ‘Muchachada Nui‘ ya lo predijo.

La canción del día: ‘Over Rainbows and Rainier’ de Damien Jurado, perfecta para mirar la lluvia desde la ventana

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Tras tener que lamentar el pasado año la cancelación de su gira europea (España incluida), felizmente Damien Jurado anunciaba, días atrás, la próxima publicación de su 13º disco de estudio. Se titula ‘The Horizon Just Laughed’ y, tras discos de sonido expansivo como ‘Visions of Us on the Land‘, ‘Brothers and Sisters of the Eternal Son‘ y ‘Maraqopa’, el cantautor de Seattle se ha propuesta hacer una obra diferente en varios aspectos. Para empezar, por primera vez en mucho tiempo, se ha sentado él solo a los mandos de la grabación –que mantuvo prácticamente en secreto–, descartando esta vez contar con su amigo y más fiel colaborador reciente, Richard Swift.

Además, Jurado pretende dar a este disco un valor extra: en un tiempo en que “tenemos todo a un click de distancia”, él ha decidido premiar la paciencia y la expectación, como ha explicado en un extenso (e interesante) texto en Facebook. Por eso, cuando se publique el 4 de mayo, la única manera legal de oírlo será a la antigua, comprando el disco: retrasando la llegada de ‘The Horizon Just Laughed’ hasta el mes de julio, Damien no quiere “cerrar la puerta a los servicios de streaming”, a los que reconoce un papel importante para la música en general y su carrera en particular, sino “honrar a los fans que hacen el esfuerzo de comprar música física”.

En el escrito, el músico alude con nostalgia los tiempos en que uno sentía excitación por escuchar un disco y dedicada mucho tiempo a hacerlo. Una nostalgia que inunda los textos de presentación de disco y artista, ambos de su amiga la escritora Claire Carey Deering, y también ‘Over Rainbows and Rainier’, el primer adelanto del álbum. Una canción tan austera como emotiva en su ejecución, con un esqueleto apenas integrado por la guitarra acústica y la voz en un primer plano –a los que un delicado coro femenino se suma posteriormente, antes de un emotivo pero discreto arreglo de cuerdas y metales final–, para hacer brillar una melodía preciosa, perfecta para escuchar en bucle un lluvioso domingo como este (al menos en la mayor parte de España), mirando el aguacero desde la ventana.

Su vídeo, como la canción, muestra con un paseo en un viejo coche los majestuosos paisajes alrededor de Seattle, tras la que se eleva el monte Rainier al que alude la canción. Entre dylanianas referencias religiosas –comienza situando al Ángel Moroni, un símbolo importante en para la iglesia mormona, “dormido en el garaje, con un periódico bajo el brazo”–, Jurado poetiza la visión de la muerte futura y pide ser “llevado sobre arcoiris y el Rainier” para observar la belleza del mundo.

Cardi B revela su embarazo actuando en Saturday Night Live

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Este viernes se publicaba ‘Invasion of Privacy’, el primer disco oficial de Cardi B, rapera que marcó un hito el pasado año al ser la primera rapera, desde Lauryn Hill, en ser número 1 de Billboard Hot 100 en 20 años con su single ‘Bodak Yellow’. Su popularidad ha ido en aumento desde entonces, gracias a sus diversas colaboraciones y su carisma, por eso no sorprendía en absoluto que este sábado fuera la artista invitada en el show televisivo Saturday Night Live.

Su actuación está dando muchísimo que hablar, y no solo por razones meramente artísticas. Tras aparecer en primera instancia para interpretar un medley de sus primeros singles, la citada ‘Bodak Yellow’ culminada con ‘Bartier Cardi’, la rapera del Bronx regresó a escena para interpretar ‘Be Careful’, otro de los singles destacados de su álbum. La sorpresa llegó cuando, al abrir el plano de cintura para abajo, la cámara mostró cómo, con un vestido más ceñido, lucía un embarazo ya difícil de ocultar.

‘Invasion of Privacy’ está causando muy buenas sensaciones en las primeras horas desde que ha sido revelado, y personalidades y artistas como Oprah Winfrey, Erykah Badu o el rapero Logic ya han alabado el álbum públicamente. Aunque se conocía su tracklist, no se había desvelado quiénes serían los ya imprescindibles colaboradores estrella en el disco y, a decir verdad, las sorpresas han sido muy gratas. Además de Migos –el grupo de su pareja Offset– en ‘Drip’, Chance The Rapper, SZA, Savage 21, YG y Kehlani intervienen en sus temas, aunque sin duda la más inesperada (y feliz, por lo escuchado) es la intervención de Bad Bunny y J Balvin en ‘I Like It’, un tema que desde ya apunta a hitazo en los mercados latinos.

Triángulo de Amor Bizarro / El gatopardo

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Triángulo de Amor Bizarro han acertado con ‘El gatopardo’ entregándose al formato EP como la muchachada. Por un lado, quitan hierro al marrón de tener que dar sucesión a ‘Salve Discordia‘, su cuarto largo, con el que ganaron tanto el Premio Ruido como el Premio MIN a Álbum del Año. Y a menos que alguien esperara que ganaran un premio Ondas (?), de Los 40 Principales (??) o un Grammy latino (???), en cuanto a reconocimiento no es que se pueda aspirar a mucho más. Por otro, en un momento de decepción política en el país -otro más-, entregan cuatro canciones muy de su tiempo que además presentan variantes estilísticas con respecto a lo que suelen hacer.

‘Ciudadanos’, con un teclado prestado de Serge Gainsbourg, es de todo menos sexy. Melódicamente es la canción menos inspirada del conjunto, pero su letra no puede llegar en mejor tiempo, con C’s tomando la delantera al PP en todas las encuestas para las elecciones generales tras su ascenso en las catalanas. «Pobre hombre afortunado, siempre podrás comprar coca / mientras proclaman que no existe izquierda ni derecha», termina diciendo, haciendo que merezca la pena que Triángulo de Amor Bizarro hayan publicado más una letra que una firme composición. Mucho mejor es la canción titular situada al final. Agitada y rabiosa pero contenida, medio sincopada, ‘El gatopardo’ vuelve a poner el dedo en la llaga: «O Isa, el gatopardo quiere cambiar todo / para que todo siga como está / O Isa, el gatopardo querría mudar su piel para que no cambie nada». ¿Nueva referencia al partido que puede gobernar para que «todo siga igual» y que en las entrevistas consideran de «extrema derecha»? Lo seguro es que aquí hay una parodia de aquel que proclama amar a nuestra patria, banderita en el balcón mediante, pero no lo ama en su diversidad: «amaba tanto a la patria que convirtió el país en un campo de fútbol», canta irónicamente Rodrigo Caamaño.

No se pueden pasar por alto las autorreferencias del EP, que hacen que ‘El gatopardo’ forme un gran conjunto. Esta última pista, además de una cita a la vieja canción ‘La malicia de las especies protegidas’ (la del «último lince»), lleva como veíamos una referencia a ‘O Isa’, la canción con la que se abre este EP. Y no es Isa Cea, co-líder del grupo, sino «nuestra fundacional Reina Malvada por excelencia, Isabel», en una canción que habla de «su estirpe, sus actos, figurados o no, su larga figura, su mano negra llegando hasta nuestro días». Retrata, pues, lo poco que han cambiado las cosas a lo largo de los siglos llevando a la «decadencia imperial de la actualidad», al «colapso de la civilización», a «una fiesta del fin del mundo» como indican en la nota de prensa; y lo hace en ese caso a través de sonoridades que juegan con el rock and roll, pero también con los bajos funk y con un «drop» algo ambient que nos lleva a los Radiohead de ‘Paranoid Android’, algo bastante inédito para el cuarteto gallego.

Canciones políticas con tantas lecturas (incluso ‘Ciudadanos’, que podría ser la más obvia, admite diversas interpretaciones en la mayoría de sus frases) no podían esperar en un cajón a que el grupo formara un disco completo. No es nada fácil hacer canción política sin caer en lugares comunes o hacer el ridículo y ellos lo evitan también en el single ‘Les llevaré mi cruz’, el más certero esta vez. El grupo expone aquí su típico pelotazo entonado por Cea, de lectura feminista y anti-paternalista, con el típico ritmo trepidante que Triángulo saben manejar con la gorra. Ya tiene vídeo con Luis Cerveró y seguro que acaba siendo una favorita de su repertorio junto a ‘Barca quemada’ o ‘El fantasma de la transición’. Hay buen pop, y en su caso siempre con fondo.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Les llevaré mi cruz’, ‘El gatopardo’
Te gustará si: piensas que vivimos en tiempos propicios para protestar y maldecir, para canciones de escarnio, como dicen ellos
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10 años de… ‘Just Dance’, 10 años sin quitar ojo a Lady Gaga

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Hoy se cumplen 10 años del lanzamiento de ‘Just Dance’, el single de debut de Lady Gaga, que os presentábamos en un «Revelación o Timo» de la cantante (atentos a los comentarios) en julio de 2008, entraba en listas estadounidenses en agosto y alcanzaba el número 1 en medio mundo ya a principios de 2009, pero por lo visto se editaba realmente, de manera modesta, un 8 de abril. En cualquier caso todo ello sucedía un año antes de la llegada del videojuego que de hecho incluiría la canción de Gaga en su 5ª edición de 2014.

Lady Gaga emprendía con esta canción un viaje a la fama sin retorno que en este caso iría más allá de lo metafórico. Harta de su vida en bares perdidos de Nueva York, cogería un vuelo a Los Ángeles para grabar música y, tras escribir ‘Just Dance’ en 10 minutos, decidiría dejar a su novio y no volver nunca a su viejo piso de Nueva York. Así lo contaba en The Guardian en 2009: «Todavía no he vuelto». Su siempre devota madre tuvo que desocupar su apartamento en su lugar.

‘Just Dance’ tiene, efectivamente, la inmediatez de las canciones de un artista novel de 21 o 22 años, escritas en 10 minutos. Como ‘I Get Around’ de Dragonette, un año anterior, presentaba sin remordimientos una fiesta etílica de las de perder el móvil, y como aquella, atrapaba desde los primeros segundos por el riff de sintetizador y ese aire a «keytar» que solo podía situar la producción en la década de los 80. Acompañaban sin molestar una serie de featurings e invitados que merece la pena mencionar sólo porque ya se nos habían olvidado: me pasé meses pensando que Gaga cantaba al «vino tinto» en lugar de al a la postre productor de himnos para el Real Madrid y Álvaro Soler RedOne; Akon… OK; ¿pero quién demonios era -corto y pego- Colby O’Donis?

Estaba claro que esta era una canción de Lady Gaga, nadie escuchó jamás aquí a nadie más. A fortalecer esa idea contribuyó una icónica presentación de la canción en Miss Universo, integrada dentro del desfile, que hoy puede resultarnos viejuna (sí, las haría mejores, desde ‘Paparazzi’ a la Super Bowl), pero que en los albores de Youtube era arrebatadora: en ese escenario la única que conquistó el universo fue Lady Gaga. La canción no era la más imaginativa ni moderna, y por tanto, podía haberse quedado en «one hit wonder», pero pronto se pondría sobre la mesa que su sentido de la performance no iba a consentir que la atención del público decayese. No había más que ver el guiño a David Bowie de su maquillaje, bastante insólito en unos tiempos en que el pop se lo repartían Aguilera cantando a grito pelado, Britney con la cabeza como una pelota de tenis y Nelly Furtado disfrazada de moderna. La Gaga que conocemos vivía ya «para el aplauso» y, pese a la deriva agridulce de su carrera vista en su documental reciente, o pese a que su gran disco no haya llegado aún (¿o fue ‘The Fame Monster’?), lo cierto es que supo capturar la atención del público con este primer single, sin llegar a perderla hasta hoy pese a los baches que ha conocido por el camino.

‘Just Dance’ fue elegida por nuestra web como una de las mejores canciones de 2008 con 32 puntos míos, 12 de Lolo/Farala y 5 de Raúl Guillén -qué maravilla conservar estos documentos de lustros pasados, saludos a Cristina Cifuentes-, pero ni siquiera resultaría la mejor canción de Germanotta: ‘Poker Face’ y ‘Bad Romance’ la terminarían superando poco a poco en popularidad, ‘Telephone’ en modernidad, ‘Venus’ en diversión, ‘Perfect Illusion’ en locura ya total. Y aun así, 10 años después, continúa siendo una canción que llena una pista en cuanto entran sus primeras e identificativas notas. Porque siempre será una buena canción a la que volver.

Si bien sus seguidores parecen algo cansados de que aparezca de manera recurrente en el repertorio de sus giras, es referencial del sonido Gaga. Aunque hoy nos cueste creerlo, en su momento se decía que ‘Bad Romance’ era demasiado ‘Poker Face’, que a su vez era demasiado ‘Just Dance’. Hoy en día, perfectamente distinguibles todas ellas, podemos afirmar que con este primer single Lady Gaga asentó las bases de un estilo que siempre será bienvenido de vuelta: por muchos viajes que dé hacia el folk, hacia el jazz o hacia el jevi, siempre habría de ser, como mínimo, una posibilidad.

Ångie se defiende de las acusaciones de apología del suicidio por su álbum debut

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Entre las novedades de este viernes, 6 de abril, que desgranábamos en nuestro artículo y playlist Ready for the Weekend, estaba el primer miniálbum de la artista sueca Ångie. Pese a su nombre poco carismático y, quizá, no muy fácil de recordar, seguro que muchos la recordaréis bien por aquella fantasía de canción y vídeo llamados ‘Smoke Weed Eat Pussy’ con el que nos conquistó tiempo atrás. En esta etapa, como han mostrado los singles ‘Dope’ y ‘Here For My Habits’, ha dejado atrás los colores pastel de su pelo y vídeos –empleados con ironía, sin duda– para apostar por una imagen más oscura.

Pero no hasta el punto que ha mostrado con la portada del disco y su mismo título, revelados ayer y que le han valido numerosas críticas. El disco se llama ‘Suicidal Since 1995’ –su año de nacimiento– y su cubierta muestra un retrato de la artista vestida de negro y con una soga al cuello. Al parecer, numerosas voces la han acusado de enviar a sus seguidores un mensaje que puede entenderse como una apología del suicidio, dotándolo de romanticismo.

Ångie ha salido al paso de las críticas subiendo un breve comunicado a sus redes sociales: “Asumo que el título del disco y la portada son un poco provocativos, pero no intento parecer guay o “glamourizar” el suicidio. Para mí la imagen es preciosa porque es sobre el hecho de que me he sentido una mierda durante toda mi vida pero aún estoy aquí. ¡Aún no he muerto y voy a seguir haciendo arte!”, decía en Instagram y Facebook. Según Wikipedia, Angelina Dehn –ese es su nombre real– tuvo que lidiar en su adolescencia con un TDAH (Trastorno por Déficit de Atención e Hiperactividad) que derivó en depresión y un intento de suicidio. El cannabis, dice la misma página, fue su salvación. Anedcóticamente, ‘Suicidal Since 1995’ se cierra con una versión del célebre ‘Venus In Furs’ de Velvet Underground, en la que Lou Reed hablaba de prácticas BDSM.

Vetusta Morla aluden al “mastergate” de Cifuentes en una versión alternativa de ‘Golpe Maestro’

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Como explica El Diario, el mismo medio que ha destapado el “mastergate” de Cristina Cifuentes, Vetusta Morla lanzaron una puya musical a la Presidenta de la Comunidad de Madrid, protagonista del escándalo, durante un concierto ofrecido el pasado jueves por la noche. Era un recital en el que, junto a otros grupos y artistas como Amaral, Zahara, Lori Meyers o La M.O.D.A., rindieron homenaje al cámara de televisión José Couso con motivo del 15º aniversario de su muerte mientras cubría la guerra de Irak, víctima del ataque de un tanque estadounidense a su hotel. Su familia y amigos reclama aún justicia para él, tras el archivo de la causa en 2015 por parte de la Audiencia Nacional, basado en la reforma de la ley de justicia universal aplicada por el Gobierno del PP .

Durante su actuación acústica junto a tres de sus compañeros de grupo, Pucho cambió la letra del single de su anterior disco, ‘La deriva’, para atizar a Cifuentes. Ya de por sí muy política, la versión de estudio de ‘Golpe maestro’ dice al final del primer verso “Llevaron los finales / A tierra de neutrales / No nos dejaron líneas ni para empezar”. Como puede verse en un vídeo subido por una tuitera, esa última línea es sustituida por “no nos dejaron másters sin falsificar”, provocando los vítores del público. El caso de la supuesta manipulación del expediente de Cifuentes para la obtención de este máster está causando una tormenta política, pero también está dejando momentos memorables, como el ya famoso consejo de Paquita Salas a la líder del PP madrileño o el hit musical “Yo realicé mi máster”.

Vetusta Morla publicaron el pasado año ‘Mismo sitio, distinto lugar’, uno de los álbumes más vendidos en 2017 en España, consolidando su posición como el gran grupo de rock –como mínimo, a nivel comercial– de su generación. A finales de abril el grupo madrileño comenzará una extensa gira por nuestro país presentando ese disco. Puedes encontrar las entradas para sus conciertos en Ticketea.

Sia y David Guetta (¿o es Antonio de la Torre?) se montan una de kung-fu para ‘Flames’

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La pasada semana el francés David Guetta y la australiana Sia presentaban un nuevo paso en su alianza artística, esa que tantas alegrías les dio en el pasado con ‘Titanium’. Sin embargo, quizá solo por esta vez, ‘Flames’ no persigue ser una reedición de ese tema y se aleja bastante de un EDM efectista que ya apenas entre un público que está a otras cosas. En este caso, han recurrido a un electropop con trasfondo ochentero en el que, de nuevo, la particular voz de Sia –para bien y para mal– gobierna sobre todo.

El caso es que el tema termina siendo más grower de lo que parecía y su estribillo, especialmente, acaba por incrustarse en la cabeza casi inevitablemente, con esa letra sobre superación personal que anima a luchar para salir adelante. Hoy esas ideas se trasladan de manera casi literal a un videoclip, aunque tiene un trasfondo más cómico del que parece. Lior Molcho, realizador de los últimos vídeos de Sia como ‘Move Your Body’, ‘Never Give Up’ y ‘Cheap Thrills’, se lo ha tomado al pie de la letra e imita el estilo de las películas de kung fu de serie B tan populares en los años 70 y 80.

David Guetta, que con ese pelo corto parece un doppelgänger de nuestro Antonio de la Torre, es un malvado emperador que oprime al pueblo y solo un viejo maestro de artes marciales (interpretado, muy atinadamente, por el actor Danny Trejo) y sus tres discípulas, pueden impedir su tiranía. La escena de la lucha final tiene un final-que-te-sorprenderá, propio de una película de Bud Spencer y Terence Hill.

Adiós a Isao Takahata: una despedida al genio en la sombra de Studio Ghibli

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Hace apenas unas horas se anunciaba la triste noticia del fallecimiento a los 82 años de Isao Takahata, uno de los directores de cine más importantes para la animación mundial. Fundó el Studio Ghibli junto a Hayao Miyazaki, aunque siempre parece haber quedado injustamente eclipsado por su compañero.

Takahata nació en 1935 en Ise, y se graduó en la universidad de Tokio en literatura francesa. Sin embargo, su fascinación por el cine de animación le haría trabajar en la famosa Toei Animation, donde conoció a Miyazaki –en 1963- y se hicieron grandes amigos. Cinco años más tarde, la compañía le dio la oportunidad de dirigir su primer largometraje, ‘Las aventuras de Horus, el príncipe del sol’, un ambicioso proyecto que, aunque fue un fracaso comercial, marcó un antes y un después en la animación japonesa, abriendo camino a lo que vendría con Ghibli. La productora no le dio la oportunidad de dirigir más dado los malos resultados económicos, pero tanto él como Miyazaki comenzaron a trabajar en diferentes productoras.

La primera de ellas fue Toho, donde Takahata dirigió ‘Las aventuras de Panda y sus amigos’, una película muy infantil –y menor- con guion de Miyazaki. La otra fue Nippon Animation, donde comienza una nueva etapa en su carrera en la que se dedicó principalmente a las series. Durante este periodo, los años 70, se encargó de la dirección de animes tan míticos como ‘Heidi’, ‘Marco’ o la infravalorada y algo más desconocida ‘Ana de las Tejas Verdes’. En los 80, antes de la fundación del prestigioso Studio Ghibli, fue el responsable de ‘Chie the Brat’, una adaptación de un manga muy exitoso en su época de Etsushi Haruki; y de la más aclamada ‘Goshu, el violoncelista’.

En 1984 nace Ghibli, un proyecto que junto con Miyazaki y el productor Toshio Suzuki consiguen sacar adelante y que se convertirá en el mejor estudio de animación del mundo. Los primeros años, Takahata se dedicó más a labores de producción y de gestión. No fue hasta 1988 cuando tuvo la oportunidad de dirigir una película: ‘La tumba de las luciérnagas’. Ese mismo año Miyazaki estrenó ‘Mi vecino Totoro’. El estudio trabajó en ambas películas a la vez gracias al apoyo de Tokuma, un productor que confió en ellas pese al riesgo que suponían dado el aparentemente poco tirón comercial que tenían.

La tumba de las luciérnagas’ es la película más celebrada de Isao Takahata. Está basada en la novela de Akiyuki Nosaka, pero es una historia que a él le resultaba muy cercana, ya que cuando tenía 10 años, su ciudad quedó devastada por la Segunda Guerra Mundial, y murieron muchos de sus familiares y vecinos. Evidentemente, este hecho le marcó de por vida y le inspiró para dirigir la película. En ella, dos niños huérfanos sobreviven como pueden durante el conflicto bélico. Probablemente se trate de una de las películas más tristes y desgarradoras jamás hechas. Es imposible no conmoverse gracias a una narración desbordante de sensibilidad. El resultado es una experiencia durísima, brutal e inolvidable que nos deja un manifiesto antibelicista tan sincero como perturbador. Takahata casi siempre fue más realista que Miyazaki, y en sus películas intentó innovar y encontrar nuevas formas de contar. Su cine es, quizá, menos accesible que el de su colega, pero no por ello merece menos reconocimiento. ‘La tumba de las luciérnagas’ está considerada como una de las mejores películas de animación de la historia.

En 1991 dirigió ‘Recuerdos del ayer’, que nada tenía que ver con lo que Ghibli había hecho hasta el momento. Inspirada por el cine de Ozu y libremente basada en el manga de Hotaru Okamoto, es una película en la que todo sucede desde la calma. Taeko, una mujer de unos treinta años, vive en Tokio y pide vacaciones para ir a su pueblo natal en el campo. A partir de flashbacks de su infancia, la película reflexiona sobre la vida moderna y el futuro incierto de la protagonista. Como siempre, Takahata, aporta algo nuevo, por pequeño que sea, a la animación. En esta ocasión decide marcar los músculos de la cara de los personajes adultos. Algo que según cuenta él, fue una labor difícil ya que bastaba con alargar ligeramente las líneas para que la edad de los personajes se disparara.

Su siguiente proyecto fue ‘Pompoko’ en 1994, vinculada directamente con el folklore japonés. Es su película más alocada, y a simple vista, puede parecer hasta infantil. Pero nada más lejos de la realidad. El filme esconde una visión pesimista de la deforestación, de cómo los humanos vamos poco a poco destruyendo la naturaleza sin tomar conciencia de lo que eso conlleva. En ‘Pompoko’ un grupo de tanukis (una especie de mapaches) son quienes intentan poner fin al destrozo que están haciendo los humanos. Y lo hacen utilizando la técnica milenaria de la metamorfosis. Takahata recurre a multitud de leyendas japonesas, como la procesión de los Yokai (espíritus con forma de monstruo procedentes de bosques y montañas) para realizar esta divertidísima pero reflexiva fábula ecologista.

Siguiendo con la comedia en 1999 estrenó el trabajo que más se aleja de lo que el estudio suele hacer. ‘Mis vecinos los Yamada’ está basada en las tiras cómicas de Hisaichi Ishii y retrata diferentes episodios de una familia de clase media en Tokio. Takahata quiso adaptarla como si fuera el propio cómic, por lo que los planos no están cargados de detalles. Los personajes son “garabatos” y los fondos a menudo están vacíos. Es la única película del estudio realizada por ordenador. Una “rara avis” que tiene el valor de romper con la tradición, y un experimento con nuevas técnicas que le servirán para desarrollar la que fue su última película.

Hasta 2013 no volvió a dirigir para Ghibli (en 2010 readaptó ‘Ana de las tejas verdes’ en formato largometraje’) y resultó ser la última vez que lo hiciera. ‘El cuento de la princesa Kaguya’ es su proyecto más ambicioso y le llevó casi 8 años sacarlo adelante. La producción contó con 49 millones de dólares, pero desgraciadamente el fracaso en taquilla fue estrepitoso, recaudando en Japón solamente 22 de ellos. Sin embargo, gracias a ella, al año siguiente consiguió su primera nominación al Oscar. Para adaptar el famoso cuento japonés utilizó acuarelas y técnicas como la rotoscopia. Una de las secuencias más bellas que nos ha dado el cine reciente aparece en esta película: Kaguya huyendo mientras el trazo del dibujo se va volviendo cada vez más libre. Con esta cinta, logró uno de sus mejores trabajos en lo que se convertiría en su testamento fílmico.

A Takahata nunca le preocuparon demasiado los resultados en taquilla. De hecho, todas sus películas fueron fracasos comerciales, porque nunca puso las cosas fáciles al espectador. Siempre intentó ir más allá de lo que ya había hecho, llegar cada vez más lejos artísticamente y aportar una nueva perspectiva al cine de animación, revolucionándolo con cada película. Ghibli no sería nada sin él, y puede que ni siquiera Miyazaki hubiese llegado a donde está ahora mismo sin su ayuda, ya que siempre le apoyó en la sombra en todos sus proyectos. Con su muerte se nos va un enorme cineasta, que nos ha dejado un legado impagable al que siempre podremos volver y disfrutar. Solo podemos dar las gracias.

‘Wild Wild Country’, la nueva docuserie de Netflix que te engancha como una secta

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Netflix estrenó hace unas semanas ‘Wild Wild Country’ casi de tapadillo, semioculta entre pesos pesados de su catálogo como ‘Aniquilación’, la segunda de ‘Jessica Jones’ o ‘American Crime Story: El asesinato de Gianni Versace’. ¿No confiaban en ella? Al contrario. Sabían que el boca-oreja iba a funcionar más eficazmente que cualquier campaña. La serie documental dirigida por los hermanos Chapman y Maclain Way (sobrinos de Kurt Russell) y producida por los “reyes del mumblecore”, los hermanos Mark y Jay Duplass (‘Cyrus’, ‘Togetherness’), sigue la línea de true crimes de éxito de la plataforma como ‘Making a Murderer’ o ‘The Keepers’. Una historia “increíble pero cierta” capaz de atornillarte al sofá como Cifuentes a su sillón.

‘Wild Wild Country’ es una serie que describe unos sucesos ocurridos en los ochenta en un pueblo perdido del estado de Oregón. Toda la información se puede encontrar fácilmente en Internet. Sin embargo, si como la mayoría, no tienes ni idea de lo que ocurrió cuando –copio la sinopsis de Netflix– “un controvertido líder de una secta construye una ciudad utópica en el desierto de Oregón, y los conflictos con los lugareños traspasarán las fronteras del estado”, mejor no mires nada. Uno de los grandes placeres de esta serie es ir descubriendo, capítulo a capítulo, los hechos cada vez más sorprendentes que irán sucediéndose.

Comparada con la exhaustiva ‘Making a Murderer’, una de las cimas indiscutibles de este subgénero, ‘Wild Wild Country’ se pasa un poco de efectista y vaga. A la serie le sobran subrayados visuales (las recreaciones animadas, esos montajes de imágenes sacadas de contexto que no van a ningún lado), y le falta profundidad y amplitud de discurso. El documental deja fuera demasiadas cuestiones relevantes, sobre todo legales, culturales y biográficas, y algunos cabos sueltos (¿qué pasó con esos documentos “tan importantes” que encontró el vaquero en el vertedero?). Se podría argüir en su defensa que, al no utilizar el recurso del narrador omnisciente, su capacidad narrativa está limitada. Sin embargo, sí que usan las entrevistas. Por lo tanto, quizás esa falta de respuestas sea consecuencia de una escasez de preguntas.

En ese sentido, parece claro que ‘Wild Wild Country’ no nos va a proporcionar la más completa información sobre este tema. Pero sí la más entretenida. Gracias a una muy medida dosificación de la información y a una fabulosa labor de montaje, combinando con mucha habilidad los testimonios de los implicados y las imágenes documentales (que, por cierto, son en si mismas un “documental” sobre los estilismos hippies y hillbillies de los ochenta), los directores consiguen captar la atención del espectador como si fueran un gurú hipnotizador. Zarandean nuestras convicciones, llevándonos de un lado a otro -¿quién tiene razón?-, y nos sorprenden con giros imprevistos cuando parece que ya no puede pasar nada más. Mención aparte para una banda sonora estupenda, que está dando también mucho que hablar y que incluye nombres tan notorios como Damien Jurado, Bill Callahan, Timber Timbre, Bill Fay, Marlon Williams y Kevin Morby, entre otros.

Choques culturales y generacionales, intrigas “palaciegas”, combates legales, conspiraciones estrambóticas… ‘Wild Wild Country’ es la historia de una gran paradoja, de cómo en nombre del amor (a la tierra, a las tradiciones, a la libertad, a la constitución, al líder, a la utopía…) se puede llegar a actuar con el más intenso y encarnizado de los odios. Una guerra civil televisada (la labor de documentación es ingente) en la que sobresale una mujer fascinante: Ma Anand Sheela. Sin duda, uno de los grandes personajes del año. 7’9.

La canción del día: Drake se rodea de mujeres empoderadas en la brutal ‘Nice For What’

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Días atrás, una filtración desataba numerosos rumores en torno a un nuevo single de Drake en el que, aparentemente, colaboraba de alguna manera la esquiva Lauryn Hill. Los rumores se han hecho realidad durante la pasada madrugada (europea). ‘Nice For What’ es ese single –la filtración aseguraba que se llamaba ‘Showin’ Off’, si es que hablamos de la misma canción– y la colaboración con Hill consiste en un sample de ‘Ex Factor’, una de las grandes canciones de su único disco de estudio en solitario, el ya icónico ‘The Miseducation of Lauryn Hill’.

Alejada de las tendencias recientes del rap, tan marcadas por el trap, ‘Nice For What’ es un tema de construcción tirando a clásica, en el estilo más reconocible del propio Drake de ‘Take Care’ que el de ‘No More Life’, por ejemplo. Producida por, entre otros, sus habituales Noah “40” Shebib y Murda Beatz, toma la base de la citada ‘Ex-Factor’ y acelera sus BPMs, algo que ya hace volar sola la canción, un trasfondo perfecto para que Aubrey Graham construya unos versos muy necesarios sobre cómo muchas mujeres contemporáneas luchan por obtener relevancia en sus carreras profesionales y en sus vidas a pesar de sus dificultades añadidas y del juicio constante del resto de la sociedad. Tras dos minutos de lucimiento ascendente, el minuto final del tema se convierte en un intercambio brutal de versos y giros en la base verdaderamente espectacular.

Además, el tema ha sido presentado esta madrugada con un vídeo que traslada esa lucha de la canción a imágenes. En lugar de rodearse de mujeres objeto anónimas que bailan a su alrededor, esta vez las protagonistas son actrices, escritoras, guionistas, músicos, directoras, ejecutivas que ejemplifican esa lucha que expone la letra: Olivia Wilde, Rashida Jones, Zoe Saldana, Emma Roberts, Syd, Michelle Rodriguez, Issa Rae, Jourdan Dunn o Tracee Ellis Ross, entre otras, figuran en el clip. Para no perder coherencia, está igualmente dirigido por la joven canadiense Karena Evans, autora también del polémico clip para el hitGod’s Plan’, y muestra a esas mujeres en actitudes confiadas y poderosas. No cabe duda de que Drake tiene entre manos otro posible exitazo y, en esta ocasión, sería más que merecido.

Espanto / Tres canciones nuevas

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‘Tres canciones nuevas’ es uno de los lanzamientos más interesantes de la colección de singles en 7″ de Austrohúngaro, Golden Greats. Todos lo han sido -ahí está el ‘Nada’ de Doble Pletina vs Hidrogenesse-, pero este contiene tres canciones totalmente nuevas y no reediciones ni regrabaciones ni remezclas ni recuerdos: tiene bastante gracia por tanto el nombre del EP. Claro que también podría haberse llamado «Tres canciones nuevas de Espanto» en alusión al personalísimo mundo del dúo riojano que aquí evita los lugares comunes de la música pop para ofrecer tres particulares historias. ‘El jersey’, que comienza en plan country para después entregarse a un synth-pop cabaretero 100% Austrohúngaro, es la versión monstruosa de ‘Juntos’ de Paloma San Basilio, incluyendo una protesta «todo es plástico» que podemos vincular a la reivindicación ecologista de ‘Plastic Beach’ de Gorillaz. ‘Los esqueletos’, para la que han realizado un videoclip, es una reflexión entre surrealista («esqueletos bebiendo Coca-Cola») e hiperrealista («las cremas anti-edad no los rejuvenecen», «no tienen nada dentro, no tienen vísceras, no tienen corazón», «no fueron buenos, tampoco fueron buenos» o «los esqueletos se creen muy especiales, pero en el pueblo no los reconoce nadie») sobre la muerte y lo poco que queda de nosotros cuando nos vamos. Como fondo, una base rítmica latina, a la que contribuye su sección de metales, y un tremebundo teclado. Finalmente, ‘La corriente’ narra el absurdo de dos personas que acuden al mismo puente para suicidarse. Puede sonar algo a Nick Hornby, y su batería se acerca a Phil Spector sin arrimarse del todo, pero el desarrollo de la canción es completamente personal: solo ellos podían pasar de ese inicio tan Disney a las sonoridades de Moldy Peaches para terminar con una bellísima sección sintética. Espanto siguen hablándonos de monstruos y muerte, pero no como lo haría cualquiera, sino desenterrando el humor de debajo de las piedras, de donde casi nadie más lo habría encontrado.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Los esqueletos’, ‘El jersey’
Te gustará si te gustan: lo mismo Edgar Allan Poe que Las Bistecs, ‘Canciones profanas’ de «Dinarama + Alaska», Hidrogenesse
Escúchalo: Spotify

«La intención de LaFonoteca es ser como una Wikipedia, la base de datos más grande de internet sobre música española»

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LaFonoteca, el archivo web por excelencia de la música española, cumple ya diez años. Lo que empezó siendo un proyecto ideado por un grupo de internautas -principalmente miembros del foropop de la extinta Supernovapop- hartos de la falta de información en internet de sus bandas y artistas preferidos, ha evolucionado hasta convertirse en una “plataforma de apoyo a la música española” con un sinfín de ramificaciones más allá de la base de datos. Conciertos, discos, libros y un sinfín de proyectos que han servido para auspiciar a multitud de grupos o sacar del cementerio del olvido a cantantes que podrían haber desaparecido. Para celebrar la efemérides, este fin de semana se celebra un festival de dos días en la sala Moby Dick de Madrid, con Neleonard, Hidrogenesse, Doble Pletina o Betacam, entre otros. Charlamos con Diana Cortecero y Raúl Alonso, responsables de LaFonoteca, sobre el pasado y presente de la web y su inminente fiesta de décimo aniversario.

Parece que nos hemos acordado todos de repente de vosotros ahora que cumplís los 10 años. ¿LaFonoteca cómo surgió? ¿Cómo y cuándo os disteis cuenta de la carencia de información sobre bandas y artistas españoles?
Raúl: «En el foropop convergimos un montón de apasionados por la música española. Dentro del foro había distintas secciones y una estaba bastante especializada en música española. Entre amigos que estábamos allí dedicando tardes vimos la necesidad de recopilar información de las bandas que más nos gustaban, no solamente actuales, sino de cualquier época, ya que no había mucha información en internet. En aquel momento, un referente al que acudías para conocer la discografía de diferentes grupos, era allmusic.com».
Diana: «Y la idea era hacer algo similar en España».

«De muchos grupos, especialmente de los reseñados por Julián Molero, la única información que hay en internet es, precisamente, la biografía de LaFonoteca»

Ahora mismo hay 1525 grupos y artistas reseñados. Y los que os deben quedar todavía, ¿no?
Diana: «La verdad es que es interminable, porque entre los nuevos lanzamientos, que son muchos cada semana y seguir completando la parte histórica, la tarea es inacabable, la verdad. Pero hacemos lo que podemos.
Navegando, hay gente que sorprende que aún no tenga entrada, como Pau Riba (actualmente en proceso). Pero después, sin embargo, hay una cantidad ingente de artistas reseñados, sobre todo en la época ye-ye (gracias a Julián Molero, principalmente) de la que, de otra manera, se habría borrado prácticamente todo rastro».

¿Sentís que también servís para reivindicar a figuras que, de otra manera, pasarían desapercibidas?
Diana: «Eso es. De muchos grupos, especialmente como dices, de los reseñados por Julián Molero, la única información que hay en internet es, precisamente, la biografía de LaFonoteca. Esa también es la intención; dejar constancia de grupos que nos parecen muy interesantes, dejar constancia de que han existido y de lo que han hecho».

«Hay perfiles de bandas tan respetadas que imponen un poco. Por ejemplo, Aviador Dro a día de hoy no están»

¿Hay algún grupo que os haya reclamado estar dentro de la base?
Diana: «¡Muchos! Para empezar, los grupos más pequeños, o los que empiezan. Recibes muchas maquetas pidiendo que las reseñes en la base de datos. Pero claro, depende de las prioridades del equipo de redactores. Ellos van abordando las biografías en función de sus gustos personales, para empezar. Y también según su tiempo. Si tuviésemos que reseñar todas las maquetas de todos los grupos que salen sería imposible prestar también atención a la parte histórica».
Raúl: «La web a día de hoy sigue teniendo un espíritu colaborador. Por ejemplo, has aludido al perfil de Pau Riba. Su ausencia no responde a ninguna otra cosa más que a que no ha surgido. En el momento en que cualquiera de nuestros colaboradores diga “ostras, toca Pau Riba, que es fundamental y no lo tenemos”, pues lo abordaremos».
Diana: «Hemos tenido algunas ausencias históricas de grupos que nos encantan pero que nadie se atrevía a abordar. Bien por lo extenso de la discografía, bien por falta de tiempo, bien por muchas razones. Pero vamos cubriéndolo. Nos pasó, por ejemplo, el año pasado con Vainica Doble, que es un grupo que nos encanta a todos los que formamos parte de LaFonoteca y, sin embargo, no tenían presencia en la web. Era una cosa que era un poco como… inaceptable».
Raúl: «Suele imponer más. Nos hemos encontrado, a lo largo de estos años, que perfiles de esa envergadura (por ejemplo, Aviador Dro a día de hoy no están) son de bandas tan respetadas que imponen un poco.
También puede ser que no urgen tanto porque son grupos más conocidos y de las que es más fácil encontrar información en internet, ¿no?»
Diana: «Claro, hay más información sobre ellos en otras fuentes. En cambio, de otras bandas somos la única referencia. Entonces también se va priorizando. De todas formas, la intención es dar cabida a cuanta más información mejor. Lo que ocurre es que de momento somos los que somos y los medios son limitados. Hacemos lo que podemos, pero la intención es ser como una wikipedia. La base de datos más grande que exista en internet sobre música española y que se pueda encontrar prácticamente de todo. Somos conscientes de que tenemos algunas carencias, hay géneros que están muy poco peinados, pero estamos trabajando en ello. Por ejemplo, estamos organizando ahora mismo un ciclo de música clásica en el Café Comercial de Madrid y, en cambio, no tenemos apenas información sobre música clásica en la web. Esa es una carencia que hay que arreglar y en eso estamos. Esa es la idea; ir mejorando, ir ampliando información, ir creciendo poco a poco como hasta ahora y apoyándonos en el resto de las áreas del proyecto; en el área discográfica, la de libros, los conciertos y demás».

¿Habíais pensado en ampliar la base de datos a personalidades que no sean artistas, pero que hayan tenido especial relevancia, como ejecutivos, productores, arreglistas, etc… ¿o ya sería excesivo?
Raúl: «Quizás en el blog. Sí que sería interesante. ¡Joer! Ese conocimiento es igual de importante. Pero en principio nos hemos centrado en bandas y solistas. De hecho, ha habido debates internos en su día sobre si debíamos incluir a bandas que no editaron nada, por ejemplo. Ahora la barrera es más difusa, pero en los 80 hubo bandas que no tuvieron nada físico editado y no están en LaFonoteca. Siempre puedes ver hasta dónde quieres llegar… que puede ser interminable».
Diana: «Lo que ocurre es que hay que acotar. En el blog tenemos más libertad para dar cabida a otros temas que no están puramente relacionados con la base de datos, con esta labor de documentación. Hemos hecho reseñas de libros de música, por ejemplo, damos cabida a información de actualidad, cosas que no son puramente biografías y discografías. Pero claro, como dice Raúl, abrir también la puerta al personal técnico sería… Si ya de por sí la tarea es ingente, ¡imagínate!».

“La tarea de LaFonoteca es inacabable, la verdad, pero hacemos lo que podemos”

Sí, es lo que he pensado. Si no sería pedir demasiado (risas).
Diana: «¡Claro! ¿Por qué no incluir salas de conciertos, por ejemplo? Cuándo empezaron, trayectoria, documentación gráfica… Claro, por hacer, se podrían hacer muchísimas cosas, pero por el momento preferimos acotar en discos y grupos españoles, que ya es mucho».

¿Cuántas personas formáis parte ahora de LaFonoteca? Porque tengo el recuerdo de que, en 2008, todo el mundo que conocía en Madrid estaba más o menos metido en el proyecto. No sé si al principio hubo avalancha de colaboradores y ahora sois menos pero más constantes…
Diana: «Sí. Digamos que la estructura, los colaboradores, han ido y han venido, por decirlo así, aunque ahora tenemos un equipo más o menos fijo. La estructura es Raúl Alonso y yo a la cabeza del proyecto y en todas las áreas que no son la web: la discográfica, la editorial, la promotora de conciertos… Miguel Atienza en Barcelona, organizando los conciertos y editando los materiales de allí, consensuados con nosotros, pero tiene bastante autonomía. Luego en la web hay colaboradores puntuales y un equipo más o menos fijo que, en principio, serían Tomás González Lezana, que está especializado en punk; Fernando Fernández Rego, especializado en la escena gallega; Julián Molero, que es experto en los grupos de los 60 y los albores del rock en Madrid, Roberto Macho en Barcelona…»
Raúl: «Curiosamente él es burgalés, pero se ha centrado mucho en la Nova Cançó. Andrés Arévalo, que actualmente está algo desconectado pero que en su momento trabajaba en el rock progresivo andaluz…»
Diana: «También Rafael García-Purriños … ese sería un plantel fijo de colaboradores. Después hay un grupo de gente que va y viene, que aborda biografías concretas de grupos que conocen mucho y están muy documentados, pero que no colaboran habitualmente».

Con los años habéis pasado de ser un “allmusic hispano” (que ya de por sí es un proyecto muy ambicioso y necesario) a una plataforma de apoyo a la música española: promotores de conciertos, discográfica, editorial… ¿Cómo ocurrió esta evolución? ¿O simplemente os pareció que era lo natural?
Diana: «Ha sido lo natural. Hemos ido empezando a hacer cosas nuevas a medida que nos ha apetecido y nos hemos sentido preparados para hacerlo. La diversificación nos ha ayudado a crecer, también. Porque unas áreas soportan económicamente a las otras. Los ingresos que se sacan de un concierto se invierten en un libro; los que se sacan de un libro, se invierten en un disco, los del disco en la web… unas patas del proyecto van alimentando a otras. Y así nos ha sido más fácil crecer de una forma más sólida».

Os autofinanciáis por lo que comentas…
Diana: «Sí».

«Es paradójico que las instituciones no hayan sido las que hayan impulsado una iniciativa de este tipo y hayan tenido que ser unos particulares»

¿Es difícil mantener la web? Tengo entendido que, institucionalmente, tampoco es que hayáis recibido mucho apoyo. Y estáis asumiendo unas funciones que quizás tendrían que asumir las propias instituciones culturales públicas.
Diana: «Por un lado es paradójico que las instituciones no hayan sido las que hayan impulsado una iniciativa de este tipo y hayan tenido que ser unos particulares. Pero, por otro lado, la verdad es que tampoco hemos pedido nunca esa ayuda, así que no podemos culpar tampoco a las instituciones. La única vez que tuvimos una reunión con el Ministerio de Cultura fue precisamente para la remodelación de la web hace tres años y, en ese momento, sí que nos dieron una ayuda puntual. Tampoco nos podemos quejar. Sí que nos vendría muy bien tener mayor capacidad económica, pero tampoco hemos pedido este soporte. Tampoco podemos reclamarle nada a nadie».

¿Ha corrido alguna vez peligro el proyecto, por falta de tiempo o por causas económicas?
Diana: «No. Podemos decir que ha tenidos distintos ritmos».
Raúl: «Tuvimos épocas muy frenéticas. En 2013, creo recordar, decidimos rebajar el ritmo de conciertos, porque nos quitaba mucho tiempo y no nos permitía hacer otras cosas que lo requerían, como sacar libros».
Diana: «Estábamos haciendo una media de tres conciertos y era agotador. Y, efectivamente, nos quitaba tiempo para hacer otras actividades que nos apetecía impulsar desde LaFonoteca. Se puede decir que hemos tenido distintos ritmos en función a las distintas etapas, pero nunca hemos parado. La web siempre ha estado activa, en actualización constante, hemos tenido siempre proyectos entre manos y, la verdad, hasta ahora –tocamos madera- ha ido todo bien».

Siempre habéis tenido mucha complicidad con sellos pequeños, pero que realizan tareas titánicas, como Discos de Kirlian, Discos Walden, Austrohúngaro… ¿consideráis que hay afinidad espiritual con estos sellos?
Diana: «Sí».
Raúl: «Por supuesto (risas)».

¿No os da miedo que se os identifique demasiado con el indie pop? No me refiero al masivo tipo Vetusta Morla, sino a ese más pequeñito en público (que no en resultados artísticos).
Diana: «No. Porque, por un lado tenemos mucha afinidad con estos sellos…»
Raúl: «O con sellos más grandes, como Subterfuge. Nosotros nos llevamos bien con mucha gente que se esfuerza en sacar cosas chulas adelante. Nos guiamos por gustos. Y también hay muchos sellos que admiramos. Por ejemplo, Austrohúngaro, que es un sello que admirábamos antes de que hubiéramos nacido».
Diana: «Luego nuestra actividad es muy diversa. Tampoco nos cerramos a nada. Hacemos conciertos de todo tipo, de todo tamaño, de todo género, porque hemos programado mucho pop, pero también punk o clásica ahora. No nos cerramos a ningún género y tenemos muchas afinidades con gente que está haciendo muchas cosas interesantes, pero tampoco creo que nos marque de ninguna manera. Es más, es un placer que se te relacione con la editorial La Felguera, con Subterfuge, con Discos Walden, etc, que hacen cosas estupendas. Nos encanta que nos asocien con ellos. ¿Por qué no?

¿Y podéis concretar proyectos futuros?
Raúl: «Nos gustaría sacar nuevo material discográfico, rescatar algunas maquetas o darle continuidad a los recopilatorios de grupos emergentes. Estamos ideando. Con el aniversario, gran parte de nuestro esfuerzo se ha ido a la organización de este festival de dos días. Pero a partir de ahí nos reuniremos y veremos qué otras cosas podemos sacar adelante».
Diana: «El mayor proyecto es poder continuar con nuestra actividad. Luego algún próximo lanzamiento de un doce pulgadas, continuar con Puente Aéreo [Ndr. La serie de singles compartidos entre bandas de Madrid y Barcelona que vienen editando desde 2014], hacer una segunda edición del ciclo de música clásica y continuar con lo que hemos venido haciendo hasta ahora: ampliar la base de datos, ampliar el número de colaboradores y seguir creciendo poco a poco».

Sobre la fiesta de aniversario de este fin de semana, ¿por qué habéis escogido a estos grupos? ¿Es porque os parecen los más significativos de los últimos diez años?
Raúl: «No, hemos hecho un recorrido histórico a lo largo de nuestra propia trayectoria. Son grupos que nos han significado hitos importantes y, al mismo tiempo, pensamos que hemos aportado un granito de arena a su trayectoria. Todo tiene su porqué. Espiritusanto, porque les organizamos su primer concierto y abrían nuestro recopilatorio ‘Madrid está helado’, que es un recopilatorio al que tenemos muchísimo cariño porque salió súper bien. Estamos muy orgullosos; de nuestros productos discográficos, del que más. Neleonard, lo mismo. En Barcelona Miguel Atienza organizó algunos de sus primeros conciertos, nosotros a su vez los incluimos en un recopilatorio, en un ‘Puente Aéreo’, versionando a Los Lagos de Hinault. Del segundo día, Doble Pletina, organizamos su primer concierto en Madrid, el segundo en Barcelona y les rendimos un pequeño tributo en nuestro tercer ‘Puente Aéreo’, porque había dos grupos de Madrid que los versionaban, que eran Betacam (que también toca el segundo día) y…»
Diana: (interrumpe) «¡Y al que también organizamos su primer concierto en Madrid y Barcelona!».
Raúl: «Luego Hidrogenesse, que los llevamos a Londres. Por último nos queda Caliza. Pero es que Caliza nos ha gustado desde el comienzo, desde Cosmen Adelaida. Le hemos editado unas canciones en el ‘Puente Aéreo IV’, hemos hecho un par de conciertos con ella en Barcelona y Madrid…»
Diana: «Sí, han sido grupos con los que hemos tenido mucha relación. Ha sido difícil elegir, porque han sido tantos grupos con los que hemos tenido trato estos años, hay tantas bandas que nos gustan, que imagínate. Llevamos creo que catorce discos editados, más de 150 conciertos… Pues claro, es interminable la lista. Pero hemos intentado elegir bandas que fueran importantes para nosotros, a las que creemos que aportamos algo y que fuesen afines musicalmente para poder programar un cartel con sentido y un poco consistente estilísticamente».
Raúl: «También teníamos presente, a la hora de confeccionar el cartel, que queríamos que la ilusión fuera compartida. Y está resultando. Notamos que los grupos están muy emocionados, están preparando sorpresas entre ellos… Queríamos esa complicidad. Sabemos que entre ellos están tramando colaboraciones y demás, así que va a estar chulo».
Diana: «Va a haber sorpresas. Queríamos que no fuese un concierto más, sino que, realmente, fuera una gran fiesta de reunión, con toda la gente con la que hemos trabajado y colaborado estos años, que nos ha seguido. Y creemos que estos grupos reflejan muy bien ese espíritu».

Va a ser un auténtico puente aéreo. Me consta que va a venir mucho público que de Barcelona…
Diana: «De hecho, ¡la mitad de las bandas del aniversario vienen de Barcelona!».

«Notamos que los grupos están muy emocionados, están preparando sorpresas entre ellos»

El público ha respondido muy bien. Las entradas del sábado están agotadas y esta mañana [Ndr: la entrevista se celebra el miércoles 4 de abril por la tarde] he leído que sólo quedaban diez abonos. No sé si a estas horas habrán volado ya…
Raúl: «Igual queda uno o dos. Del primer día también quedan pocas. Sí, va a ir súper bien».
Diana: «¡Huele a sold out! (risas)».

¿Habrá fiestas en otras ciudades?
Raúl: «De momento nos quedamos en Madrid en el décimo aniversario, pero Miguel [Atienza] cumplirá diez años de aquí a poco. Si no me equivoco, LaFonoteca Barcelona hará ocho años, ¿no?».
Diana: «En 2012 empezaron».
Raúl: «En Barcelona en poquito tiempo también habrá un buen festival. Allí hay mucha actividad de conciertos. LaFonoteca también está implicada en el Bis Festival».

Los conciertos tendrán horarios europeos, por lo que he visto anunciado. Imagino que será muy puntual todo.
Raúl: «Sí, porque no queríamos que una banda tocase veinte minutillos y la siguiente fuera apresurada, queríamos que tocaran a gusto. Entonces sí que va a ser bastante puntual. Estamos insistiendo en ello porque, yo no sé si en Barcelona hay más puntualidad, pero en Madrid no. Comienza a las 20.30h el primer concierto. Puntual».

En Barcelona hemos mejorado en los últimos tiempos. Lo de anunciar conciertos a las 21h y que comiencen pasadas las 22.30h parece que, afortunadamente, ha pasado a mejor vida…
Diana: «Aquí sigue siendo asignatura pendiente y estamos insistiendo mucho porque no queremos que la gente se pierda nada. Insistimos en que empezará puntual».
Raúl: «Como anécdota, nos hemos encontrado con que el concierto ya está empezado y la gente está en el bar de al lado tranquilamente… ¡y luego se cabrean! En plan “¡Ya ha comenzado!”. ¡Pero si llegáis media hora tarde sobre lo previsto!».
Diana: «Hemos tenido algún concierto que, más tarde de la hora de apertura de puertas, el grupo que tocaba estaba aún en el bar. Tenemos muchas anécdotas de este tipo en estos años».

¿Y alguna chafardería o anécdota jugosa para cerrar?
Raúl: «Poca cosa. No somos muy polémicos. Somos un poco sosos…»
Diana: «Somos muy sosos en ese sentido. Estamos a tantas cosas, con tanto trabajo, tanto jaleo… que estos “chafardeos” nos pasan un poco por delante y no los pillamos».