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La canción del día: ‘Liability’. La fama es el «lastre» de Lorde, ¿cuál es el tuyo?

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lorde-liabilityConfieso que no entendí ‘Melodrama’ hasta que no leí las letras. Desde el punto de vista melódico y de la producción, no me parecía un segundo álbum para Lorde tan destacado como a algunos de mis compañeros y a la crítica en general. Sin embargo, el disco está lleno de ráfagas de honestidad brutal que no solo hablan de desamor post-adolescente como cabía prever sino también de uno mismo. Entre los textos imperdibles, «somos el rey y la reina del fin de semana / no hay droga que pueda parecerse a nuestra urgencia / ¿pero qué vamos a hacer cuando estemos sobrios?» o «por la mañana bailarás solo con tu corazón roto» de ‘Sober’; como apuntaba mi compañero Pablo N. Tocino en la crítica del disco «sobreanalizo tus signos de puntuación» de ‘The Louvre’ y ese polémico «te voy a querer hasta que me mandes a la policía» de ‘Writer in the Dark’; o, en resumen, el definitivo «We’re L.O.V.E.L.E.S.S. Generation», entre muchas otras.

Entre las canciones que hablan de uno mismo, una de las joyas perdidas del álbum, el segundo adelanto que conocimos pero finalmente no un single oficial, es ‘Liability’. Se trata de una balada a piano en la línea de ‘Let It Be’ de los Beatles, que abiertamente inspiró también ‘Never Went to Church’ de los Streets, en la que Lorde habla de un tema poco tratado en el mundo del pop: la dificultad de encontrar pareja si eres famoso. «La verdad es que soy un juguete que la gente disfruta / hasta que (…) se cansan de mí», canta en la segunda estrofa de esta canción, cuyo estribillo no puede ser más tristón: todo el mundo asume en una relación con ella que la fama es «un poco demasiado», una «carga», un «lastre», algo «tóxico», demasiada «responsabilidad» que su pareja no puede soportar… luego dan un paso atrás y «hacen otros planes» con los que seguir con su vida. Sin ella.

El inicio del tema es una frase muy visual, Lorde «llorando en un taxi», fruto nada menos que de un buen día en que la cantante se encontró «sola en un taxi escuchando ‘Higher’ de Rihanna». El segundo tema más corto del formidable ‘ANTI’ fue suficiente para noquear a Lorde, pero también sirvió para que esta canción le sirviera de «talismán». En su mezcla de desamor y alcohol, temas recurrentes en la discografía de la artista, como muestra la misma ‘Sober’, no es de extrañar que ‘Higher’ le sirviera de inspiración. Pero es que a su vez, ‘Liability’ es todo un talismán e inspiración para terceras personas, gracias a su universalidad. Porque habla de la fama, sí («Odio oír mi nombre en los labios de la multitud», dice ‘Writer in the Dark’), pero de un modo en que cualquiera se puede identificar. La fama es el «lastre» que arrastra Lorde para poder ser feliz junto a alguien, ¿pero quién no arrastra uno que no tiene nada que ver pero pesa igual?

‘Liability’ es un videoclip por la imagen del taxi, pero también por esa en la que Lorde habla de «irse a casa a refugiarse en los brazos de la chica que quiere, la única a la que no ha jodido la vida» y que no, no es una novia ni su madre, sino ella misma. Lorde habla de bailar con ella en el salón, pero como Robyn, como Marta y Marilia, está bailando sola: «bailamos algo lento en el salón, pero todo lo que un extraño vería sería una chica balanceándose sola, acariciando sus propias mejillas».

La sobriedad de la producción de la canción, que cuenta con un piano y poco más, acentúa el drama, pero Lorde se lo ha quitado de encima durante las entrevistas promocionales. Desde luego, hay un humor a lo «drama de primer mundo» en haber titulado el disco ‘Melodrama’, como se extrae de sus declaraciones: «Todo el mundo que me habla sobre ‘Liability’ me mira como si me estuviera muriendo de una enfermedad terminal, pero creo que es la naturaleza de haber escrito un disco llamado ‘Melodrama'». «All the glamour and the trauma and the fuckin’ Melodrama» es una frase de ‘Sober II’, el «reprise» de ‘Liability’ habla sobre no ser uno mismo tan malo como se creía («no eres lo que creías que eras, un lastre») y el disco acaba un segundo después con la aceptación, la paz, la calma (el optimismo) total que aporta ‘Perfect Places’. Lo mismito de ‘Let It Be’.

Y ese final de disco, ese desenlace, inclina la balanza hacia el lado de lo positivo en el final de ‘Liability’, que si nos ceñimos a la canción en sí, era bastante abierto. «Me veréis todos desaparecer en el sol» puede implicar un desvanecimiento similar a un suicidio, pero también la comunión más absoluta con una energía superior… aunque también perecedera. Un final ambiguo que tiene el mérito de reforzar a la canción per se y a su vez al álbum como conjunto.

Lorde actúa este lunes 9 de octubre en Barcelona. Las entradas están a la venta aquí.

The Weeknd será un superhéroe de Marvel: 5 artistas (reales o no) que fueron estrellas del cómic

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the-weeknd-starboy-comic_Este fin de semana se celebra la Comic-Con de Nueva York y Marvel ha anunciado una sorprendente novedad para el año que viene: publicarán un volumen o una serie (aún no está claro) llamada ‘Starboy’ en la que The Weeknd será un superhéroe. Evidentemente, se inspira en la historia que contenían las canciones del notable disco de mismo título que Abel Tesfaye publicaba el pasado año. Él mismo se ha mostrado encantado de revelar sus primeras imágenes en sus redes sociales.

Sin embargo, The Weeknd no es el primer artista de pop o rock en protagonizar un cómic. Obviando la serie ‘Rock ’N’ Roll Comics‘ que entre los años 1989 y 1993 dedicaba volúmenes a grupos como Guns ’N Roses, Bon Jovi o New Kids On The Block (?) y los geniales retratos de ButcherB (con Morrissey como Superman, Siouxsie como la Bruja Escarlata o Mark Mothersbaugh de Devo como Flash) que pululan por la red, estos son los 5 artistas que saltaron de la realidad al cómic… o al revés.

The Archies

Los grupos ficticios, que ponían imagen a las canciones que otros escribían (e interpretaban), fueron una constante en el bubblegum-pop de los 60. Tras The Monkees, The Archies fueron la gran revolución y, pese a ser unos personajes de historieta, canciones como ‘Sugar Sugar’ o ‘Bang-Shang-a-Lang’ son Historia del Pop con mayúsculas.

The Beatles

No es el único, pero posiblemente el mejor cómic dedicado a los Fab-Four que se haya hecho no está directamente dedicado a ellos, aunque sí son protagonistas. ‘El Quinto Beatle’ de Vivek J. Tiwary, Alex Robinson y Kyle Baker (publicado en 2013 por Dark Horse –en España, Panini–) habla de Brian Epstein, aquel primer mánager del grupo que les llevó al estrellato pero falleció trágicamente con solo 32 años.

Kiss

Stephen Tyler de Aerosmith dijo una vez despectivamente que Kiss no era un grupo de rock sino personajes de cómic. Pero, en términos estrictos, es una verdad como una montaña: el grupo de Gene Simmons, Paul Stanley, Ace Frehley y Peter Criss eran personajes de cómic andantes en su legendaria primera encarnación, la del maquillaje glam extremo de finales de los 70. Pero es que también lo fue literal: desde 1977, tienen su propia serie de cómics que ha sido editada por Marvel, Dark Horse, Image y otras editoriales en distintas épocas. Incluso hubo una maravillosa leyenda urbana que decía que se había empleado la sangre real de los músicos en la impresión de sus páginas. Hemos encontrado unas viñetas en las que Paul Stanley vence al Doctor Muerte, tal cual.

Red Rocket 7

Mike Allred es hoy uno de los guionistas y creadores de cómics más respetados y seguidos. Tras su icónico y oscuro ‘Madman’, uno de sus trabajos primigenios más singulares fue ‘Red Rocket 7’, una miniserie publicada entre los años 1997 y 1998 que contaba la historia del séptimo clon de un robot, que fue dotado con sensibilidad artística. Esto sirvió a Allred para narrar una especie de historia del rock desde la perspectiva de una fantasía científica, algo muy loco. Pero lo cierto es que, aunque no podemos escuchar las canciones que tocaba Red Rocket 7 en sus shows, sí hay una banda sonora perfecta para el cómic: se trata de las canciones de The Gear, el grupo del propio Allred. Tienen dos discos en Spotify, ‘Son of Red Rock 7’ (1998) y ‘Left of Center of The Universe’ (2009), ambos con portadas dibujadas por él mismo.

Sex Bob-Omb

Hablamos del grupo en el que el famoso antihéroe Scott Pilgrim, de la serie ‘Scott Pilgrim contra el mundo’ de Bryan Lee O’Malley, ejerce de bajista. La banda y sus canciones no se quedaron en las páginas de celulosa: cuando Edgar Wright realizó la versión cinematográfica del cómic, en la que Michael Cera daba vida a Scott, el grupo se hizo carne y nada menos que Beck escribió varias canciones grunge y punk para su banda sonora.

Liam Gallagher, muy crecidito en El País: “Bono será mi telonero, tío”

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liam-gallagherHoy el diario El País ofrece una entretenida entrevista realizada por el periodista musical Fernando Navarro con Liam Gallagher, momentos antes de que este saliera a actuar semanas atrás en el festival DCode 2017, en Madrid. En ella, por supuesto hace gala de su divertida fama de bocachancla y entrega algunos titulares sonoros, como el que se refiere a su animadversión por U2, con los que recientemente actuó su hermano Noel como telonero: “¿Yo de telonero de U2? Nooooo… ¡Ni de coña! U2 serán mis teloneros. Bono será mi telonero, tío”.

Y es que otra de las poses que muestra Liam en esta entrevista es la de andar sobradísimo, como la que ocupa el titular que ha elegido el grupo Prisa: “Soy el músico más importante de Inglaterra”. Casi . Claro que tampoco es mucho decir, a tenor de lo que él mismo dice antes: “La música inglesa hoy en día es jodidamente aburrida. A todas esas bandas les falta pasión. Sex Pistols. Ellos tenían pasión”, sentencia.

Sin embargo, Navarro también desmonta algún mito sobre el que fuera vocalista de Oasis: le presenta como un tipo cercano y natural, educado y atento. Incluso se ofrece a prepararle un café al periodista. Tampoco logra sacarle ninguna declaración altisonante –quizá está escarmentado por conseguir un efecto contrario al que busca– sobre su hermano Noel. “No pienso en mi hermano. No voy a hablar de él ni de sus discos. Nada. Esta entrevista la estoy haciendo yo”.

Esta entrevista coincide con la publicación, el pasado viernes 6 de octubre, de ‘As You Were’, el primer disco firmado en solitario por Liam Gallagher como tal. Ya se han publicado las primeras críticas y el primer palo, que quizá era de esperar, le llega de Pitchfork, que ha puntuado el disco con un 4,9 y dice de él que “nunca te convence de su razón para existir”. En las próximas horas, publicaremos nuestra crítica del álbum.

Thirty Seconds To Mars agotan nuestras reservas de vergüenza ajena con esta actuación

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thirty-seconds-to-mars-ellenThirty Seconds To Mars son uno de los grupos de rock más exitosos de esta década, pero es innegable que en gran medida lo son por Jared Leto –supongo que de esto no el cabe duda a nadie–. Y eso sucede para bien pero también para mal. Por si este fin de semana no tuviéramos suficientes razones para coger más tirria al actor y cantante con el estreno de ‘Blade Runner 2049’, en la que es el único punto negro destacable, nos encontramos con este vídeo de una actuación de su grupo en televisión.

Ocurrió un par de días atrás en el popular programa de Ellen Degeneres. La famosa actriz y presentadora invitó a Leto y su grupo a interpretar en el plató su nuevo single, ‘Walk On Water’. Si pensabais que nada podía ser peor que aquella actuación en los MTV VMAs con cámaras termográficas o este bochornoso medley dedicado al alimón a Bowie, Bennington y Cornell que se marcaban hace poco, os equivocabais.

Con una puesta en escena digna del más casposo matinal de la televisión autonómica más modesta, el trío comenzaba interpretando el tema con semblante serio y sentado entre el público del programa –numerosas mujeres de todas las edades que no sabían ni qué cara poner–. La pinta de Jared con ese poncho poniendo caras de intenso al cantar esos lemas supuestamente concienciados ya es como para echarle de comer aparte. Pero lo “mejor” viene después, cuando aparece un coro de gospel –ante el cual también se sentaba gente de forma totalmente random– que no podemos jurar que no esté haciendo lypsinc, y el grupo intenta una coreografía “improvisada” con la interacción del respetable, que es un auténtico desastre que ni siquiera da risa. La cara de Ellen de “tierra, trágame” al final de la actuación lo dice todo. Hemos visto shows de Los Supersingles de María Teresa Campos con más punch y audacia que esto.

A todo esto, ‘Walk On Water’ es el primer avance de un nuevo álbum del grupo –el primero desde que publicaran ‘Love Lust Faith + Dreams’ en 2013. En promoción del mismo, Thirty Seconds To Mars realizarán una gira mundial que, según se anunció ayer, tendrá tres paradas en nuestro país: el 12 de abril estarán en el WiZink Center de Madrid; el 13, en el Sant Jordi Club de Barcelona; y el día 14, en CUBEC! de Bilbao. Las entradas se ponen a la venta el próximo viernes, 13 de octubre, con una preventa especial el día 11 en Live Nation.

4 razones para amar ‘Blade Runner 2049’ y una para odiar a Jared Leto

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blade-runner-2046_Ocurre pocas veces. Las “películas más esperadas del año” suelen decepcionar. Sobre todo si son secuelas, reboots o remakes de títulos clásicos. No hace falta irse muy atrás en el tiempo para encontrar grandes decepciones, chascos míticos como ‘Star Wars: La amenaza fantasma’, ‘El planeta de los simios’, ‘Matrix Reloaded’ o ‘TRON: Legacy’, por poner cuatro ejemplos afines al género de ciencia ficción. El año pasado los hubo de todos los colores: ‘Escuadrón suicida‘, ‘Independence Day: Contraataque’, ‘Zoolander 2‘, ‘Cazafantasmas‘, ‘El hogar de Miss Peregrine para niños peculiares’… Por eso, cuando “la película más esperada del año” no solo está a la altura de la expectativas sino que las supera –como ocurrió hace dos años con ‘Mad Max: Furia en la carretera’–, es como para aplaudir, hacer reverencias y gritar “gracias, gracias, gracias” todo a la vez.

Te damos cuatro razones para amar ‘Blade Runner 2049’ y una para odiar a su villano:

1. Denis Villeneuve. Desde que se dio a conocer en el festival de Berlín con ‘Maelström’ (2000) la carrera del director quebequés no ha parado de crecer. ‘Incendies’ (2010) le abrió las puertas de Hollywood, ‘La llegada’ las de los Oscar, y ‘Blade Runner 2049’ presumiblemente todas: premios, taquilla y despachos de altos ejecutivos. Como Nolan o Iñárritu, los dos autores foráneos más personales y poderosos del Hollywood actual, Villeneuve va a poder hacer lo que quiera. De momento ha superado un reto mayúsculo: dirigir una secuela casi perfecta de un filme perfecto. ‘Blade Runner 2049’ es a la vez un sentido homenaje sin excesivos codazos cómplices a la obra maestra de Ridley Scott (aquí en funciones de productor), una personalísima relectura del original llena de inventiva visual y fuerza narrativa, y una fascinante continuación de una historia que parecía no tener mucho más recorrido. 160 minutos que se pasan en un elegante, sobrecogedor y lloroso parpadeo.

2. El diseño visual y sonoro. Quien tenga la tentación de dejar ‘Blade Runner 2049’ para más adelante, para verla cómodamente-en-el-salón-de-su-casa, que no lo haga, que se levante y vaya corriendo como si le persiguiera Deckard a la mejor sala de cine que encuentre. La experiencia sensorial que ofrece la película es extraordinaria, difícilmente replicable en casa. La variedad de escenarios (a cual más expresivo y sugerente), imaginería ciberpunk, efectos visuales y texturas sonoras (incluyendo una muy eficaz banda sonora vangelisiana de Hans Zimmer) consiguen crear un ambiente único, irrepetible. Quizá no sea tan poético como el logrado por Ridley Scott en su ‘Blade Runner’, pero sí igual de hipnótico, melancólico y desasosegante. El impresionante trabajo fotográfico del veterano Roger Deakins, trece veces nominado al Oscar (la mayoría por las películas de los Coen), es como para darle el premio ya, sin esperar a las nominaciones.

3. Los personajes. Salvo una única excepción (ver punto 5), todos los personajes de ‘Blade Runner 2049’ son magníficos. Desde el protagonista, un nuevo y muy atractivo blade runner, hasta los nuevos replicantes, la carismática teniente Joshi y la fascinante Joi. Una de las mejores ideas de la película es que el blade runner no tenga nombre. K (perfecto Ryan Gosling) se convierte así en un antihéroe kafkiano, un solitario y taciturno “asesino a sueldo” que se cuestiona su lugar en el mundo y busca la manera de dotar de sentido a su existencia. El segundo gran hallazgo es Joi (cautivadora Ana de Armas), una ingeniosa relectura de la inolvidable Rachael que le sirve al director para reflexionar sobre la inteligencia artificial, inyectar emotividad a la historia y experimentar visualmente hasta dejarnos con la boca abierta.

4. El guión. Hampton Fancher, guionista de la primera, y Michael Green, creador de la serie ‘American Gods’ y autor de los libretos de las recientes ‘Logan’ y ‘Alien: Covenant’, han conseguido que ‘Blade Runner 2049’ no acabe transformada en un nostálgico remake encubierto (como ocurrió con el ‘Star Wars’ de J. J. Abrams). Existen rimas, ecos y alguna servidumbre argumental con la primera, pero esta continuación se defiende por si misma. Sobre una estimulante base de cine negro, ‘Blade Runner 2049’ se abre hacia otros territorios: políticos, económicos, ecológicos, filosóficos… No voy a contar mucho más (es mejor saber lo menos posible). Solo dejar constancia del inmenso placer que supone para el espectador que jueguen con sus expectativas sin que se de cuenta.

5. Jared Leto entró con mal pie en ‘Blade Runner 2049’. Su papel de Niander Wallace lo iba a interpretar David Bowie, pero la muerte del cantante le abrió el camino a un personaje que le queda más grande que su “método” de interpretación (por lo visto, para a encarnar al ciego Wallace actuó con unas lentillas para estar “ciego” de verdad). Su interpretación no llega a ser chanante, como la del Joker en ‘Escuadrón suicida’, pero no está a la altura de los demás actores de la película. Es un error de casting, pero también de escritura. Ni su pintoresca apariencia –a medio camino entre un hipster de Wall Street y un caballero Jedi– ni su engolado discurso –esa falsa transcendencia mesiánica que recuerda a la de Anthony Hopkins es ‘Westworld’– ni su presencia en la película –mucho menos significativa de lo que cabría esperar–, consiguen su objetivo: ser un villano tan magnético y genial como el doctor Eldon Tyrell que interpretaba Joe Turkel en el primer ‘Blade Runner’. 9.

Moses Sumney / Aromanticism

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mosesEl californiano Moses Sumney se define como “a-romántico” porque asegura ser “absolutamente incapaz de devolver amor” a pesar de “sentir desesperadamente la necesidad de recibir afecto”. Aunque su debut, ‘Aromanticism’, que llega tras varios EPs y el beneplácito de Sufjan Stevens, James Blake o Solange, ha inspirado varios hilos en foros de la comunidad asexual, ‘Aromanticism’ no es –en principio– un disco sobre asexualidad, pues del mismo modo que la palabra “amor” no aparece en la página sobre asexualidad de Wikipedia (y todavía hay mucho debate sobre si la asexualidad anula de las relaciones también el amor romántico, no solo el sexo), en ‘Aromanticism’ las referencias al sexo son escasas ya desde el mismo sonido de sus canciones, que miran al cosmos en lugar de buscar el tacto a través de composiciones plácidas, minimalistas y taciturnas, nada explosivas o sensuales. Solo ‘Make Out in My Car’, una composición escalofriante en su juego de coros, cuerdas y clarinetes, nos habla de sexo para contarnos: “no quiero acostarme contigo, solo quiero liarme contigo en el coche”.

En ‘Aromanticism’ los ritmos ceden su protagonismo, además de al falsete de Sumney –probablemente el mejor que ha dado la música desde D’Angelo– a las guitarras, los pianos, los coros celestiales (espectacular ‘Don’t Bother Calling’ en ese sentido), los arreglos orquestales y las atmósferas electrónicas, como demuestran por ejemplo las preciosas ‘Plastic’, que incluye cuerdas un poco Disney hacia el final, y la jazzy ‘Quarrel‘, que despega hacia la galaxia a través de una emocionante coda. El álbum se desarrolla a través de varios interludios y se hace corto -dura 36 minutos- pero a pesar del minimalismo con el que se ha abordado la composición, ‘Aromanticism’ está cargado de intensidad.

‘Aromanticism’ es un disco sobre la belleza de la soledad y sobre la posibilidad de amarla, de amar el no-amor, y aunque los títulos de algunas canciones como ‘Doomed‘ o ‘Lonely World‘ denotan cierto pesimismo -y ambas son canciones dramáticas-, su sonido inspira una paz interior absoluta, especialmente esa ‘Indulge Me‘ en la que Sumney se muestra “complacido” con que sus anteriores amantes hayan encontrado el amor y él no. Y esa paz interior, no exenta de tristeza, sin embargo, es el espíritu que mueve todo el disco, un disco de una belleza enorme, compuesto para escuchar en soledad y con el que disfrutar de tu propia compañía.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Quarrel’, ‘Indulge Me’, ‘Doomed’, ‘Make Out in My Car’
Te gustará si te gusta: Solange, D’Angelo, Corinne Bailey Rae,
Escúchalo: Spotify

Charlie Puth lleva camino de comerle la merienda a Justin Timberlake: atención a ‘How Long’

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charlie-puthAunque Justin Timberlake es posiblemente la voz blanca del soul y el R&B por antonomasia en nuestros días, y aunque su tema para la BSO de ‘Trolls’ fuera la más escuchada en todo el mundo en 2016, no debería bajar la guardia. Ahora que parece centrado en su su faceta como actor (próximamente le veremos en lo nuevo de Woody Allen) y productor cinematográfico, y que su último disco, ‘The 20/20 Experience’, tiene ya más de 4 años, podría venir otro jovenzuelo blanco y, sin que él se dé cuenta, le coma la merienda.

Hablamos de Charlie Puth, un youtuber de 25 años que dio el salto a primera fila del mainstream con su debut del año pasado, ‘Nine Track Mind’, cuya irregularidad no ha evitado que dos de sus canciones estuvieran entre las más escuchadas del año pasado (su dueto con Selena Gomez ‘We Don’t Talk Anymore’ y su balada ‘One Call Away’). Por no hablar de que su vídeo junto a Wiz Khalifa para el tema ‘See You Again’ –de la BSO de ‘Fast & Furious 7’– es el más visto en la historia de Youtube en estos momentos. Y no es flor de un día: su irrupción tuvo lugar en 2015, con aquella ‘Marvin Gaye’ junto a Meghan Trainor que sonó hasta en la sopa.

Además, Puth tiene ya listo su segundo disco de estudio. Se titula ‘Voicenotes’ –dice que cada canción del disco se gestó usando esa aplicación del móvil– y se publicará en los albores de 2018, el día 19 de enero. Lo cierto es que, si atendemos a sus dos primeros singles, no tiene ninguna pinta de que su ascensión vaya a truncarse, más bien lo contrario. Tras presentar en primavera ‘Attention’ –en tan solo unos meses ya se ha convertido en su segunda canción más escuchada en Spotify y su vídeo acumula más de medio millón de visitas–, este viernes ha estrenado ‘How Long’.

De nuevo, estamos ante una canción magnética desde la primera escucha, siguiendo los preceptos del pop-soul más elegante y cuya base sin duda remite a las producciones de Timbaland para Timberlake. En su estribillo, en cambio, remite a los mejores Maroon 5, por lo que parece casi una obviedad asegurar que, salvo catástrofe, estamos ante un hit global que no pararemos de oír los próximos meses.

La canción del día: en ‘La llamada’, Leiva se sitúa a nivel Calamaro

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leiva la llamadaComo explicaba muy bien mi compañero Pablo N. Tocino en su crítica de ‘La llamada’, adaptación a la gran pantalla del musical del mismo título creado por los propios Javier Ambrossi y Javier Calvo, la canción del mismo nombre que Leiva ha prestado para la película tiene un papel muy singular en la película. Cierto es que, desde un punto de vista cinematográfico, es un momento como facilón, propio de un capítulo de ‘Anatomía de Grey’.

Sin embargo, cumple a la perfección el efecto que probablemente buscan Los Javis: ofrecer un punto de inflexión en la película, poner sintonía al nudo (tanto hipotético como «real» –me refiero al que tienen en el estómago–) que viven las protagonistas, previo al desenlace. Quizá por eso, desde que vi la película no dejo de pensar en ese momento y revivirlo escuchando de nuevo ‘La llamada’.

Y es que Leiva es un artista que, tras el fin del fenómeno Pereza, no ha parado de crecer comercialmente –discos como ‘Pólvora’ y ‘Monstruos’ han sido número 1 en nuestro país– pero también artísticamente. Si el hecho de que la mejor canción del último disco de Sabina –que, por cierto, también producía– fuera su dueto ‘Por delicadeza’ no era ya suficiente pista de su crecimiento, esta canción es un innegable y emocionado golpe en la mesa: sutil en sus preciosos arreglos de piano y esas cuerdas y flautas que remiten a ‘She’s Leaving Home’ y ’Strawberry Fields Forever’, la melodía de sus estrofas es un milagroso hallazgo digno del mejor Andrés Calamaro.

Su estribillo, aún contenido en las percusiones, resulta tan explosivo como fugaz, como si nos atravesara a nosotros ese rayo de pasión–llámalo lujuria, llámalo fe– que evoca la transformación de María, la protagonista del film. Como único pero, diríamos que su final instrumental extendido de más, repercute en el efecto emocional del tema, pues su letra, poética y cercana, es una de sus grandes bazas.

El ganador de un Goya Julio de la Rosa se lanza al spoken-word en ‘El desvarío de un superviviente’

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julio-de-la-rosaSi una actriz/actor y una directora/director presumen en sus presentaciones de la coletilla “ganador de un Oscar” o “Goya”, según el caso, ¿por qué no iban a hacerlo los músicos. El gaditano Julio de la Rosa, de hecho, se ha prodigado más últimamente en su faceta de compositor de bandas sonoras para cine y televisión que como escritor de canciones pop o rock.

Y es que, desde que publicara en 2013 el notable ‘Pequeños trastornos sin importancia’ –en el que contó con colaboracions de Bunbury, Anni B Sweet, Tulsa y Xoel López–, le hemos escuchado sobre todo en películas como ‘La isla mínima’ (la que le llevó a ganar su cabezón), ‘Cien años de perdón’ o ‘El hombre de las mil caras’, y series como ‘La embajada’, ‘Mar de plástico’, ‘El incidente’ o ‘La peste’ (pendiente de estreno). Pero nunca ha dejado esa faceta rockera que iniciara años atrás desde el grupo El hombre burbuja.

Al fin esta semana ha anunciado la continuación de ‘Pequeños trastornos…’ y es un lanzamiento muy especial. Porque ‘Hoy se celebra todo’ será algo así como el complemento musical para su nueva novela, ‘Wendy y la bañera de los agujeros negros’. De hecho, el primer avance de ese álbum, que se publica a través de Ernie Records el día 17 de noviembre, ejerce de prólogo del libro. Hablamos de ‘El desvarío de un superviviente’, en la que de la Rosa muestra cuánto ha influido la composición de scores en su manera de enfocar el rock: sobre la sinuosa canción, Julio recita a modo de spoken-word líneas inquietantes como “Llevaba puesta esa camisa mía, blanca y gigante con la que se paseaba por casa (…), pero la cuestión es que había muerto hacía más de 10 años. Ella insistía en que no era un fantasma, yo le decía que explicara eso”.

Britney Spears no teme a volver a actuar en Las Vegas: “superaremos esto juntos”

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britney-las-vegasLa tragedia del pasado domingo en Las Vegas, en la que un hombre llamado Stephen Paddock asesinó indiscriminadamente con armas automáticas a 58 personas e hirió a más de 500 durante un festival de música country, ha sido un duro golpe para la sociedad norteamericana y podría marcar drásticamente la actividad cultural de la capital del estado de Nevada. Jennifer Lopez, que debía actuar durante tres noches en un hotel de la ciudad esta semana, canceló esas actuaciones.

Sin embargo, otra cantante pop que se ha convertido en una institución de la ciudad de los casinos, Britney Spears, ha reaccionado de manera totalmente opuesta. En un post de Instagram ha mostrado su total disposición a continuar con su residencia en el hotel Planet Hollywood –que, por otra parte, ha dado momentos de lo más varipinto– desde el próximo miércoles y hasta diciembre, según tenía previsto, y ha animado a sus ciudadanos a mantenerse unidos para superar el horror.

Spears ya mostró su consternación días atrás. Tras este ataque, se supo también que Paddock podría haber atentado días antes en otro festival de la ciudad, Life Is Beautiful Festival, en el que habían actuado artistas como Lorde, Chance The Rapper, Gorillaz, The xx o Muse.

We’ll get through this together ❤️ See you Wednesday #VegasStrong

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Jennifer Lopez, Gloria Estefan, Luis Fonsi, Camila Cabello… cantan con Lin-Manuel Miranda por Puerto Rico

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almost-like-praying-jennifer-lopezHace unas horas se ha estrenado la canción benéfica ‘Almost Like Praying’. Se trata de una iniciativa del actor, escritor y compositor Lin-Manuel Miranda –archiconocido en Estados Unidos como el creador, director y protagonista del exitoso musical ‘Hamilton’– para recaudar fondos que ayuden a reparar los terribles daños causados en la isla de Puerto Rico por el huracán María. El 100% de sus beneficios irán directos a la organización no gubernamental Hispanic Federation que opera en estos momentos allí para ayudar sobre el terreno.

Precisamente ‘Maria’, una canción del musical ‘West Side Story’ (de ella procede la frase que da título de la canción), sirve a Miranda y el productor Trooko –colaborador habitual del ex-Calle 13 Residente– para crear la base de esta canción en la que se han involucrado los artistas de origen latinoamericano más importantes del mundo en estos momentos: desde estrellas como Jennifer Lopez y su ex-marido Marc Anthony, pasando por veteranos como Gloria Estefan, Rubén Blades y Juan Luis Guerra, pasando por nuevos ídolos como Luis Fonsi o Camila Cabello y actores como John Leguizamo recitan los 78 municipios o ciudades de la isla caribeña.

Recordemos que Puerto Rico forma parte de Estados Unidos como Estado Libre Asociado y, por eso, se ha criticado fuertemente a Donald Trump por ignorar esta catástrofe natural en sus primeras horas, por lo cual el propio Lin-Manuel Miranda profirió a Trump su desprecio en un tuit en el que le decía que tendría el camino despejado hacia el infierno. No menos polémica ha sido su visita posterior al estado, cuando menospreció ante autoridades locales los «pocos» muertos (16 confirmados) que se habían producido allí en comparación con los del huracán Katrina, o se divirtió lanzando rollos de papel higiénico como si fueran pelotas de baloncesto a ciudadanos que requerían bienes de primeras necesidad.

Escapando de la realidad con Nick Cave

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nick-cave-o2-london-2017Soy muy fan de Nick Cave. Pero no soy una buena fan. El primer disco suyo que escuché completo fue ‘Murder Ballads’ (1996). No me gustó demasiado. Pocos años después, un amigo me pasó toda su obra y ahí fue cuando empecé a amarlo, amor que llegó a su punto culminante con ‘No More Shall We Part’ (2001), uno de mis diez discos favoritos-de-la-vida. Sé que para los seguidores “auténticos”, esos que veneran la etapa Berlín y el rollo punk-blues yonki, el Nick crooner y melancólico es una abominación. Pero es ese, el que emergió en ‘The Boatman’s Call’ mi preferido. Y ese Nick es tan Nick como el que ulula en ‘From Her to Eternity’, al que también adoro, pero un pelín menos. El australiano tiene una obra prácticamente inmaculada (salvo quizás ‘Nocturama’ y ‘Dig, Lazarus, Dig!!!’). ‘Push the Sky Away’ (2013) fue un álbum de hermoso y recio clasicismo. Después llegó el horror. Y el horror trajo ‘Skeleton Tree’.

No he tenido estómago para ver ‘One More Time With Feeling’. Me siento incapaz, lo reconozco. Pero sí deseaba ver a Nick Cave and the Bad Seeds en esta gira. Una gira europea amplísima, que pasa por todos los lados… menos por España. Con la mosca tras la oreja sobre si tendría la exclusiva algún festival, un amigo me propuso este verano ir a verle a Londres. ¡Por supuesto! Lo jodido es que acabara coincidiendo con el fin de semana más convulso que hemos vivido en Catalunya. Así que, con el ánimo intranquilo, me dirijo a verle por séptima vez (si contamos los dos conciertos de Grinderman). Y eso que me perdí, por motivos económicos, la gira de ‘No More Shall We Part’ (snif), que sólo pasó por Madrid y la de ‘Abattoir Blues’ (snif, snif) en el FIB del 2005. A causa de mi estupidez, tampoco asistí a la presentación de ‘La muerte de Bunny Munro’ en el Casino de l’Aliança (corramos un tupido velo sobre esto; a día de hoy aún me pego cabezazos contra la pared). De todas las veces que lo he visto, la primera en el Doctor Music Festival del 98, fue la mejor. En estas aún no era fan, pero dio el mejor concierto de todo el festival (en un cartel que incluía a los Beastie Boys con la gira de ‘Hello Nasty’, Pulp con ‘This is Hardcore’ o Portishead con su álbum homónimo). Y Nick y los Bad Seeds presentando el ‘Greatest Hits’ nos liquidaron. Nick aullaba “Look at the mooon!” y señalaba a la luna llena que brillaba en Escalarre. También me regaló uno de los momentos más inmensos que he visto nunca encima de un escenario, cuando Blixa hizo de Kylie en ‘Where the Wild Groses Grow’. Apabullante. Después de eso, ¿cómo no iba a amarlo?

Volvamos al presente. Como he dicho, me fui de Barcelona con mucha preocupación. El domingo será un día peor. Pero el sábado estoy en el O2 para ver a Nick. Un recinto inmenso (mucho más grande que un Palau Sant Jordi), con un sonido increíble. Tras casi media hora de retraso sobre el horario previsto, aparecen Martyn Casey, Thomas Wydler, Jim Sclavunos, Conway Savage, George Vjestica, Larry Mullins, el inefable Warren Ellis… y el maestro de ceremonias. Consigo situarme relativamente cerca del escenario. Y más que estaré porque, no sé cómo, a lo largo del concierto, hay sucesivas riadas de aproximación que cada vez nos dejan más a punto de tocar del escenario. Una de dos: o los de la primera fila acabaron aplastados o hubo alguien que fue retirando la valla de protección. El setlist está centrado en ‘Skeleton Tree’. Excepto ‘Rings of Saturn’ caen todos sus temas, empezando por ‘Anthrocene’ y continuando con ‘Jesus Alone’. Conmovedoras y escalofriantes; los versos “love love Love” o “With my voice/I’m calling you” hieren. Nick es en apariencia tan chulo como siempre, para nada abatido. Pero sí se muestra vulnerable. Su voz se quiebra en varios momentos. Aun así, su nervio, su pasión, su brío, todo eso sigue intacto. En ‘Magneto’ se deja querer. Pide ternura, a la vez que nos demanda sumisión. Oh, pero cómo no sucumbir, especialmente cuando la emoción se dispara en un ‘Higgs Boson Blues’ acojonante y acongojante. Nick susurra “Can you hear my heartbeat?” y los “Boom, boom” que entona se clavan en el alma. Ah, en el concierto también hay proyecciones. Pero, pudiendo ver a Nick, ¿quién quiere imágenes?

El inicio del show es tan arrebatador, me deja tan sin aliento, que el resto en comparación decae. Llegan los hits y, a partir de aquí, Nick recupera su traje de puto amo perdonavidas. Los Bad Seeds, en segundo plano porque el jefe acapara toda la atención, reparten estopa de la buena. Caen ‘From Her to Eternity’, ‘Tupelo’, ‘Red Right Hand’… ‘The Mercy Seat’ es tan luciferina como debe; ‘The Ship Song’ conmovedora; en ‘Into My Arms’ emociona escuchar a absolutamente todo el O2 cantando su estribillo. Pero es que la primera parte ha sonado sentida de verdad y ahora, pese a su enérgica ejecución, le falta algo de sentimiento. Y teniendo en cuenta que desgranan prácticamente los mismos “grandes éxitos” que lleva interpretado en sus giras desde 2013, se añora alguna que otra novedad. Además, hay un momento cuanto menos, raro. En ‘Distant Sky’, la parte de Else Torp se reproduce mediante un vídeo, en vez de ser interpretada por alguna otra cantante en directo.

La avalancha cada vez me empuja más cerca del escenario, pero no resulta angustioso, probablemente por la misma adrenalina. Casi puedo oler el sudor de los músicos. Nick juega con nosotros, nos reclama cercanía y exige pleitesía. No quiere sólo tu atención, exige tu devoción. En ‘The Weeping Song’ nos conmina a interpretar palmas (y quedan muy bien) y se zambulle en medio de la audiencia, un número ya familiar en él. Pero el máximo enloquecimiento llega con los bises y ‘Stagger Lee’, en que un Nick ya completamente desatado lleva al máximo su pulsión de acercarse al público, haciendo que las primeras filas se suban al escenario. Fans arrebatados cantan y bailan, Nick se comporta como un profesor severo (“Sit down!” manda en algún momento; cualquiera le desobedece), corta los intentos de confraternizar en exceso de algún seguidor emocionado (para algo, él es el jefe), se lleva con él a cantar a un mazas que parece una mezcla de super héroe y heavy de los ochenta, se pierde por las gradas y, justo en mi lateral, se encuentra con nada más y nada menos que ¡Bobby Gillespie! Las cámaras lo muestran con cara de susto mientras Nick le hace cantar el estribillo [Nde: ver vídeo más abajo] de ‘Push the Sky Away’ (por cierto, no se la sabe demasiado). Tras más de dos horas de concierto, los 20.000 asistentes abandonamos el O2. Algunos en éxtasis. Otros algo decepcionados (a mi amigo no le ha gustado ni el recinto ni el ambiente). Y yo con la sensación de que, al menos, Nick ha logrado borrar mis preocupaciones, en un concierto muy bueno en su segunda mitad, colosal en la primera. Gracias.

Verdades, imprecisiones y dudas sobre las cancelaciones de ‘Stranger Things’ y OT en Cataluña

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stranger-thingsMientras CaixaBank anuncia que cambia su sede de Barcelona a Valencia y Gas Natural aprueba trasladarse a Madrid, dos noticias relacionadas con el mundo de la televisión afectan también a Cataluña. En primer lugar, según varios medios y medio Twitter, se ha producido la cancelación de la première oficial de la segunda temporada de ‘Stranger Things’ en el Festival de Sitges este fin de semana, debido a «la situación que vive Cataluña».

En primer lugar, en ningún momento estuvo planeada la emisión del primer episodio inédito de ‘Stranger Things’ en el festival de cine fantástico y terror catalán. Lo que prometía su web como podemos ver en la caché de Google era «una presentación de la segunda temporada con proyección de material inédito», no un episodio completo casi un mes antes de su estreno mundial, lo cual habría sido todo un hito, desde luego. Lo que sí se ha cancelado es ese acto de presentación al que iban a asistir los niños de ‘Stranger Things’, que serán entrevistados la semana que viene en El Hormiguero.

Según informaba Catalunya Radio esta mañana, la visita promocional a Sitges se cancelaba porque los padres de los niños se oponían. La declaración de Ángel Sala, director del festival, era: «Netflix ha enviado una nota amable diciendo que los padres de los jóvenes actores, que son menores de edad, han considerado que la situación era peligrosa para ellos y han decidido suspender la visita».

Sin embargo, la nota oficial final emitida luego es bien distinta, omite la palabra Cataluña, y alega problemas de agenda: «¡Atención! Queda suspendido el evento de presentación de la segunda temporada de STRANGER THINGS. Un cambio de última hora en la agenda del tour europeo de la segunda temporada de la serie impedirá a los actores acudir a Sitges. El Festival i Netflix lamentamos las molestias».

Por otro lado, 20 Minutos también ha informado de la cancelación de una rueda de prensa de Operación Triunfo en Barcelona el 10 de septiembre por «esperar a ver cómo se desarrollan los acontecimientos en Cataluña», donde una declaración unilateral de independencia podría tener lugar un día antes, el día 9. Se iba a desplazar a varios periodistas desde Madrid para este acto de OT, pero alguien habría considerado que no era una buena idea. Sin embargo, RTVE, ente público, ha indicado -como recoge Vertele– que el aplazamiento del acto se debe a la realización de «unas obras», recalcando que no está previsto que OT deje de grabarse en Barcelona.

‘the gate’, nuevo top 1 en JNSP; entran Banks, The Killers, The Sound of Arrows, “The Pains”, Alexanderplatz y C. Tangana

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bjorkBjörk alcanza el número 1 de nuestro site votada por el público con su nuevo single ‘the gate’, adelanto del nuevo álbum que está a punto de lanzar. En la primera mitad de la tabla destacan los nuevos máximos de St Vincent, The Horrors y Goldfrapp; mientras que hay que destacar las entradas de lo nuevo de Banks, The Killers, The Sound of Arrows, “The Pains”, Alexanderplatz y C. Tangana. Podéis escuchar la lista de candidatos bajo estas líneas y volver a votar por vuestras 20 canciones favoritas aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 7 1 2 the gate Björk Vota
2 4 1 24 Lust for Life Lana del Rey ft The Weeknd Vota
3 5 3 14 I Dare You The xx Vota
4 11 1 32 Love Lana del Rey Vota
5 1 1 18 Perfect Places Lorde Vota
6 8 1 47 On Hold The xx Vota
7 2 1 32 Green Light Lorde Vota
8 3 3 4 Disco Tits Tove Lo Vota
9 9 1 18 Everything Now Arcade Fire Vota
10 20 1 21 Malibu Miley Cyrus Vota
11 12 7 13 Praying Kesha Vota
12 16 12 14 New York St Vincent Vota
13 13 1 13 Swish Swish Katy Perry ft Nicki Minaj Vota
14 10 1 10 Boys Charli XCX Vota
15 18 15 8 Something to Remember Me By The Horrors Vota
16 24 16 9 Systemagic Goldfrapp Vota
17 15 7 14 Feels Calvin Harris ft. Pharrell Williams, Katy Perry, Big Sean Vota
18 18 1 Underdog Banks Vota
19 14 12 7 Younger Now Miley Cyrus Vota
20 23 3 6 Look What You Made Me Do Taylor Swift Vota
21 21 20 9 Guilty Party The National Vota
22 31 22 7 tonite LCD Soundsystem Vota
23 23 1 Run for Cover The Killers Vota
24 17 17 2 Romeo Yelle Vota
25 25 1 Don’t Worry The Sound of Arrows Vota
26 19 19 2 Spent the Day In Bed Morrissey Vota
27 22 22 4 Up All Night Beck Vota
28 24 17 6 Escapades Azealia Banks Vota
29 32 21 5 Selfish Love Jessie Ware Vota
30 30 1 So True The Pains of Being Pure At Heart Vota
31 26 26 4 Pain The War on Drugs Vota
32 29 29 2 Me voy Ibeyi, Mala Rodríguez Vota
33 28 26 4 Recompensarte La Bien Querida ft J & Muchachito Vota
34 30 19 7 Without Love Alice Glass Vota
35 35 1 Podrías haberte quedado quieto Alexanderplatz Vota
36 36 1 De pie C. Tangana Vota
37 33 33 2 Te lo digo a ti Vetusta Morla Vota
38 36 24 9 Secrets The Weeknd Vota
39 39 21 9 Loyalty Kendrick Lamar ft Rihanna Vota
40 40 22 5 Crybaby Paloma Faith Vota
Candidatos Canción Artista
Fuerzas absurdas Puzzles y dragones Vota
Waitin Kelela Vota
Mistakes Tove Styrke Vota
Voy Mueveloreina Vota
Greedy Soul Liam Gallagher Vota
Dispatch From Mar-A-Lago L7 Vota
Siempre Modelo de Respuesta Polar Vota
Los Ageless St Vincent Vota
Deep Dream Lali Puna Vota
La noche de los muertos vivientes Carolina Durante Vota

Shania Twain gana a Wolf Alice la controvertida batalla por el nuevo top 1 en Reino Unido

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shaniatwainShania Twain, con su primer disco en 15 años, llamado muy ingeniosamente ‘Now’, es el nuevo número 1 de las islas británicas. Deja, por tanto, a Wolf Alice sin número 1 en Reino Unido, quedando su notable segundo disco ‘Visions of a Life’ en el puesto 2, como ya sucediera con su debut.

Wolf Alice eran número 1 en las «midweeks» anunciadas el lunes. Después, pasaban al puesto 2 adelantados por Shania Twain. Y finalmente ha sido esta quien se ha alzado con el número 1 por 764 copias de diferencia. La carrera de grupo y artista por el nuevo top 1 en las islas británicas ha sido algo amarga. Pese al tono de broma que tenía el llamamiento de Wolf Alice (y The 1975) a sus fans para que compraran su álbum y dejar a Shania Twain sin el puesto de honor, lo cierto es que sus palabras contenían algo de “ageism” como bien apuntaba mi compañero Jordi Bardají.

Shania Twain vuelve así con éxito tras haber arrasado a finales de los 90 y principios de los 2000, aunque las cifras de ventas, 20.097 copias en Reino Unido -y estarán muy poco por encima de las 100.000 en Estados Unidos- quedarán muy lejos de sus años dorados de decenas y decenas de millones de álbumes despachados. Aun así, un éxito que la gente no se haya olvidado del todo de ella en este largo lapso.

Roger Waters anuncia 2 conciertos en Barcelona y 2 conciertos en Madrid

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usthemRoger Waters anuncia hoy que su gira ‘Us + Them’ pasará tanto por Madrid como por Barcelona, en cada caso con dos fechas que además estarán bastante distanciadas entre sí, en contra de lo que suele ser habitual. El carismático ex líder de Pink Floyd estará los días 13 y 14 de abril de 2018 en el Palau Sant Jordi, Barcelona; y los días 24 y 25 de mayo de 2018 en el WiZink Center de Madrid. Las entradas salen en preventa del 9 de octubre a las 10am al 11 de octubre a las 9am solamente a través de livenation.es, mientras que la entrada general podrá encontrarse el 11 de octubre en Ticketmaster.

Será la primera vez que Roger Water nos visite desde su exitosa gira «The Wall Live», que arrasara ya hace más de 6 años, en 2011. La nota de prensa oficial recalca que ‘Us + Them’ destaca «los aspectos más relevantes del innovador trabajo de Waters y presenta canciones de los mejores álbumes de Pink Floyd -‘The Dark Side of The Moon’, ‘The Wall’, ‘Animals’, ‘Wish You Were Here’- además de nuevas canciones del álbum de Roger Waters ‘Is This the Life We Really Want?’, este último editado recientemente.

¿Qué hará Roger Waters durante este mes y medio de diferencia? Según podemos comprobar en su web, visitar Milán, Bolonia hasta 4 días, Praga, Budapest, Sofía, Zagreb, Amberes, Hamburgo, Viena y Lisboa. Tras Madrid, la gira europea continuará por ciudades alemanas, holandesas, suizas y británicas, entre muchísimas otras.

‘La forma del agua’: el bonito nuevo cuento de Guillermo del Toro ama la música

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shape-of-water¿Qué es mejor, un triunfador guapo y elegante que puede mear con los brazos en jarra pero que no la sabe usar o una fea criatura totalmente plana con sorpresa? ¿Una mujer casada y con hijos a la que no dejan ni hablar en la cama o una limpiadora solterona y muda que se masturba cada día en su bañera?

Guillermo del Toro sitúa su nueva película ‘La forma del agua’, estrenada este jueves entre aplausos en el Festival de Sitges, en un gélido centro de investigación de Baltimore a principios de los años 60, como fondo idóneo para una película que habla sobre machismo, racismo y homofobia. Tan claramente ha querido presentar un paralelismo entre aquel Estados Unidos que parece tan lejano y conocemos por el cine negro y la Guerra Fría y el Estados Unidos que conocemos hoy -asegura que como mexicano sí se ha sentido marginado en el país del sueño americano- que la película contiene incluso un exceso de subrayados en ese sentido.

Sin embargo, en ese maniqueísmo no se puede entender ‘La forma del agua’ más que como un bonito cuento de hadas por mucha violencia que contenga. Desde el principio las referencias estéticas al Jean-Pierre Jeunet de ‘Amelie’ y al Tim Burton de ‘Charlie y la fábrica de chocolate’ son muy evidentes -si hasta arde una fábrica de chocolate-, y Guillermo del Toro presenta abiertamente la película como un homenaje al cine como escapismo. Pero no solo es un homenaje al cine de Shirley Temple, como dice, o también a ‘La mujer y el monstruo’, ‘King Kong’ y ‘La bella y la bestia’ -como sugiere el precioso cartel de la cinta- o incluso ‘Posesión’; también lo es a la música de la época, anterior (esos vinilos de Benny Goodman y Glenn Miller) y algo posterior (‘La javanaise’ de Gainsbourg cantada por Madeleine Peyroux). La música es el canal para que los protagonistas se conozcan y se enamoren, dejando en un gran homenaje a los viejos musicales uno de los puntos álgidos del metraje.

‘La forma del agua’ no es finalmente sólo un homenaje al cine y a la música de otros. También es una cinta muy personal en la carrera del director de ‘El laberinto del fauno’, llena de adorables criaturas, fondo social e inolvidables secundarios. Aunque el magnetismo de Sally Hawkins es evidente, su colega Octavia Spencer pone un contrapunto cómico muy agradecido («para hacer un matrimonio feliz hay que mentir») y el personaje de Richard Jenkins esconde sus aristas. Todos están al servicio de una película que ante todo habla de amor y de cuántas formas es este capaz de adoptar. Cuánta falta nos venía haciendo. 8.

Modelo de Respuesta Polar se “reinventa” y “apuesta por el futuro” en ‘Siempre’

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Es momento de que Modelo de Respuesta Polar recojan los frutos de su exitosa gira con Izal, de la que nos hablaban con cariño el año pasado. El grupo publicará nuevo disco, ‘Más movimientos’, en algún momento de los próximos meses -sucede a ‘Dos amigos‘- y hoy 6 de octubre ha estrenado su primer adelanto, ‘Siempre’.

‘Siempre’ es un robusto número de rock noventero que, según el grupo ha explicado en Facebook, es también una “apuesta por el futuro y una reafirmación de los principios de cada persona”. Este continúa: “Habla de confianza y de recorrer un camino juntos. Habla de planes y de la capacidad de reinventarse mientras tu entorno va cambiando. Habla de una vida y de seguir aprendiendo”.

Acorde a la descripción del grupo, ‘Siempre’ contiene frases como “cógeme de la mano y apriétame fuerte, que a menudo me cuesta seguir tus pasos” o “que si rompes la calma, yo nunca te explico las cosas que te quiero contar, que, si pierdo las ganas con tanto concierto, te juro que saldrás adelante, si apareces de golpe y me cambias la vida te juro que sabré reinventarme siempre”.

En la misma nota de Facebook, Modelo de Respuesta Polar escribe: “Hoy es un gran día para nosotros y nos emociona enseñaros el adelanto de nuestro nuevo disco. Esta canción nos llega muy adentro y deseamos que la sintáis y la disfrutéis tanto como nosotros lo hicimos al grabarla”.

Lorde versiona en directo a The 1975, quienes estrenan tema guitarrero, ‘Milk’

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lorde-tour-2017Lorde prosigue con su gira mundial de presentación de ‘Melodrama’, que llega a Barcelona el próximo 9 de octubre, y su última parada ha sido en París. En la capital francesa, la autora de ‘Homemade Dynamite’ ha omitido su reciente versión de ‘In the Air Tonight’ de Phil Collins para interpretar otra canción más contemporánea, ‘Somebody Else’ de The 1975. La neozelandesa ha dicho que esta canción ha inspirado la música de su último disco.

‘Somebody Else’ es uno de los mayores éxitos comerciales de The 1975, uno de los grupos de moda, sobre todo tras la edición de su último disco, ‘I Love It When You Sleep, for You Are So Beautiful Yet So Unaware of It’, que ha sido número uno tanto en Reino Unido como en Estados Unidos. Además, sus singles acumulan cientos y cientos de millones de reproducciones en las plataformas de streaming.

The 1975 ha sido noticia esta semana por apoyar a Wolf Alice en su carrera al número uno de bastante mala manera en lo que concierne a Shania Twain (no en vano pertenecen al mismo sello, Dirty Hit), y hoy lo es también, pues ha publicado un single nuevo, ‘Milk’, de 2 minutos y medio y muy guitarrero, con el que os dejamos.

Client Liaison, el grupo que desearía haber nacido 30 años antes

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client-liaison_Hace unos meses dedicábamos una playlist a canciones pop hechas en la actualidad pero que por su estética podían haber sonado, al menos hipotéticamente, en los años 80. Se llamaba “Como en los 80, pero ahora”, parafraseando un episodio de 4 en Alicante. Sin embargo, esa descripción se queda incluso corta para definir lo de Client Liaison. Este dúo australiano formado hace un lustro por Harvey Miller y Monte Morgan no se conforma con sonar a BSO de John Hughes y new jack swing, sino que se diría incluso que viven en 1986. Más que alinearse con The 1975 o Kristin Kontrol, lo hacen directamente con INXS o Kim Wilde.

Al menos, es lo que desprenden todos y cada uno de sus (por otra parte excelentes e ingeniosos) videoclips. Americanas con hombreras, neón, espejo, palmeras, ciclismo, Egipto, ordenadores vintage, pelos cardados, cocodrilos, perlas, oficinas a lo ‘Armas de mujer’ y limusinas blancas (flipad: entre su “merchandising” se encuentra la posibilidad de alquilar una de aquellas –aunque solo si estás en Victoria, su territorio) conforman la parafernalia que emplean en sus elaborados y divertidos clips como los de ‘Free of Fear’, ’Wild Life’, ‘Off White Limousine’ o ‘A Foreign Affair’. Incluso su web simula haber sido programada en MS-Dos. Han nacido 30 años tarde y no tienen ningún problema en reconocerlo.

Mañana sábado, día 7 de octubre, Client Liaison presentarán su álbum de debut ‘A Foreign Affair’ (publicado el pasado año, pero exclusivamente en Australia y Nueva Zelanda –en Spotify solo hay disponibles 3 de sus canciones–) en el Pop Bar de la sala Razzmatazz de Barcelona. Una cita imperdible no ya para los enamorados de los 80 sino, como ellos, los que desearían seguir viviendo (o haber vivido, ojo) en aquella década.

Thurston Moore presentará su nuevo disco en España en noviembre

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thurston-mooreEste año, Thurston Moore de Sonic Youth ha publicado un nuevo disco, ‘Rock N’ Roll Consciousness’, sobre el cual teníamos la oportunidad de hablar con su autor recientemente en Madrid, donde nos dejó titulares como “la cultura punk fue también una cultura gay” o “destruir culturas con muros no es lo que tenemos que hacer ahora mismo”.

El músico presentará este disco, que por cierto ha producido Paul Epworth (Adele, U2, Coldplay), en España el próximo mes de noviembre junto a su colega Steve Shelley de Sonic Youth, Debbie Googe de My Bloody Valentine y el conocido guitarrista James Sedwards. Será el 21 de noviembre en La [2] de Apolo en Barcelona y el 22 de noviembre en la sala Copérnico de Madrid. Las entradas ya están a la venta a un precio de 26 euros en los puntos de venta habituales.

Moore ha sido noticia recientemente por revelar haber compuesto un disco de tecno a pesar de odiar este género o, mejor dicho, de odiar su cultura plagada de “tontainas que escuchan esta música para meterse coca y follar”. Ojo, Moore no descarta publicar este álbum de tecno, pero dice que no lo firmará con su nombre. “No quiero que nadie lo escuche con ideas preconcebidas, en plan, ¿este idiota insufrible ha dicho un disco de tecno?”

Hurts / Desire

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hurts-desireHay artistas que no deberían cambiar. Cuando un grupo sabe cambiarse de traje y ofrecer una faz de sí mismo diferente e interesante, el resultado puede engrandecer a ese o esos artistas, de Radiohead a Arcade Fire pasando por Goldfrapp. Pero hay otros casos en que la ambición se convierte más bien en vulgaridad. A cada disco que publican Hurts se hace más evidente que nunca deberían haber abandonado el sonido de su debut que tanto les identificó. Una mezcla de synth-pop a lo Depeche Mode con la oscuridad pop de Black y a su vez una dignificación de la balada cinética, mucho antes de que se popularizara Lana del Rey.

En su nuevo disco, ‘Desire’, como en los dos anteriores, vuelven a mezclar estilos. Y en su caso, más que una reivindicación muy siglo XXI de no tener que apegarse a ningún género, lo que les sale es un conjunto de canciones que suenan desesperadas por dar un campanazo. De canciones que si se pegan es por los ganchos que aparecen encajados de manera aleatoria por aquí y por allá, como es el caso de los «ooh ooh ooh» de ‘Ready to Go‘, los forzados «wherever, wherever you go» del corte -claro- así llamado, o los «ooh ooh ooh» de ‘Thinking of You’, que en un disco deliberadamente más chicle tendrían más sentido.

Pero las nuevas canciones de Hurts no se caracterizan por su carácter deliberadamente kitsch, ni por nada en particular. En ‘Beautiful Ones’ han encajado unas espantosas guitarras eléctricas, que más que ser un (muy pobre) homenaje a Prince como pretenden las de la reduccionista ‘Boyfriend’, son muestra de hasta dónde continúa llevando el dúo su barroquismo post-‘Happiness‘. Y ‘People Like Us’, con su pseudo sample de ‘They Don’t Care About Us’ pero también con esos coros africanistas, da lugar a un pastiche sin pies ni cabeza que nunca debió salir de Soundcloud.

Frente a lo inane que también resulta ‘Walk Away’, el medio tiempo ‘Spotlights’ emerge con bastante naturalidad. Y es que, de nuevo y misteriosamente, han vuelto a dejar lo mejor para el final, lo cual -cómo no- implica también baladas. Si ‘Something I Need to Know’ estaba bien, pero pareciéndose demasiado a su mejor tema, su clásico ‘Stay’; ‘Hold On To Me’ no está nada mal y ‘Magnificent’, de hecho, bastante bien. Atendiendo en ella a la bonita voz de Theo Hutchcraft es imposible no pensar que debería dejar de intentar ser George Michael, Prince, Michael Jackson, Robbie Williams y Calvin Harris a la vez y concentrarse más en desarrollarse como nuevo Gary Barlow.

Calificación: 4,5/10
Lo mejor: ‘Magnificent’, ‘Hold On To Me’, ‘Spotlights’
Te gustará si te gustan: los mezcladitos, los popurrís, las playlists de hits sin ningún concepto artístico
Escúchalo: Spotify

Ready for the Weekend: La Bien Querida, Liam Gallagher, Marylin Manson, Kelela, The 1975…

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liamNo es por tirarnos el moco ni nada (al fin y al cabo, nuestro mérito como selectores apenas debe andar por el 0,1%), pero la playlist Ready for the Weekend de esta semana ha quedado de lujo: mucha crema, poca paja y algunos temazos muy importantes. Pero claro, hay mimbres: en cuanto a álbumes –agarraos– destacan los discos de La Bien Querida, Liam Gallagher, Kelela, C. Tangana, Marylin Manson, Carla Bruni y Daphni (proyecto instrumental de Dan Snaith de Caribou) destacan, pero es solo una parte de la lista.

Desde hoy también podemos disfrutar de los nuevos álbumes de Gata Cattana (disco póstumo de la rapera Ana Isabel García, fallecida meses atrás –en homenaje, le hemos otorgado una posición privilegiada en la playlist–), Wolf Parade, Tigres Leones, Cults, Ricardo Lezón (la voz de McEnroe en solitario), Frida Sundemo, PARTYNEXTDOOR, Mi Capitán, Yumi Zouma, Poppy, Los Bengala, Kele Okereke, Ángel Stanich, Mark Kozelek, Andrew Hung (mitad de Fuck Buttons), Giggs (destacada figura del grime británico), los chilenos Protistas, Weaves, Carlos Cros y Blue Hawaii. También tenemos EPs del dúo islandés Kiasmos, Cuckoolander y la promesa LÉON.

Además, la semana es fuerte también en cuanto a singles. En el plano más comercial, destaca el nuevo tema de Charlie Puth que presenta maneras de hit global, entre nuevos temas de P!nk, The 1975 (shoegaze, anyone?), Maroon 5 (con Julia Michaels), J Balvin (con un nuevo tema que se incluye en una reedición de su último disco, ‘Energía’), Weezer, el de-repente-interesante Craig David y Jessie J. Con ellos, temas que hemos conocido esta semana –como los de King Krule, Sam Smith, The Breeders (¡The Breeders!), U.S. Girls, The Sound of Arrows, Puzzles y Dragones– y otros que han sido novedad hoy: Floating Points, Modelo de respuesta polar, el ganador de un Goya Julio de la Rosa, ionnalee (mitad femenina de iamamiwhoami), Ty Dolla $ign, Kllo, dvsn, la potente colabo de Sandro Jeeawock con el MC Joseph, Alien Tango, Damed Squad, Bearoid o la inesperada transformación al pop contemporáneo de la otrora retro Miss Li.

En cuanto a las curiosidades de la semana, nos quedamos con dos discos y dos colaboraciones. Los primeros son uno instrumental de Andrew Bird inspirado en la naturaleza (de hecho, se ha grabado al aire libre), y otro de versiones de artistas tan diversos como ABBA, Nick Cave o Radiohead a cargo de la noruega Ane Brun; los segundos, una canción brillante entre dos jóvenes joyas del pop post-C-86 como son Hazel English y Day Wave, y el encuentro entre el joven dúo de productores de electrónica Klangkarussell con el desgarro de los rockeros Mando Diao.

Hoy en “Yo he venido de mi casa”… El secreto de Taylor Swift

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Todos los «Yo he venido de mi casa», aquí.
Oli + Glu son la ilustradora Oli, líder de Axolotes Mexicanos, y el músico Gonzalo R.Flu.