C. Tangana estrena nuevo posible hit caribeño, ‘De pie’

-

29 septiembre, 2017

17

Chenoa ha publicado esta semana un libro llamado ‘Defectos perfectos’ cuya descripción oficial en Amazon dice así: «En plena madurez artística y personal, Chenoa pasa revista a su vida a través de las páginas de un libro sincero, donde repasa su trayectoria profesional y vital hasta llegar al presente, en el que se siente plena y feliz. El libro contiene testimonios reales, algunos verdaderamente desgarradores, junto con episodios desenfadados y anécdotas divertidas; a lo largo de sus capítulos desfilan amores, amigos, compañeros de profesión, familiares… Chenoa nos presenta a Laura, despojada de su nombre artístico y de esa máscara del triunfo que, con frecuencia, oculta otras visiones más auténticas. Glamur, emoción, penas y alegrías se dan la mano en estas páginas que nos acercan a la personalidad de una gran artista y de una persona extraordinaria».

¿Testimonios reales y desgarradores? Los usuarios de la red han ido corriendo a ver qué decía sobre su relación con David Bisbal, en torno a la página 70 del libro, han subido fotos a las redes sociales y la cantante se ha transformado en «trending topic» rápidamente. Rara vez se habló en su momento de cómo fue aquella ruptura, y ahora Chenoa la afronta, de la misma manera que habla también sobre la supuesta cobra que David le hizo frente a los espectadores durante ‘OT, el Reencuentro’.

Si este último paso es un final feliz, pues Chenoa dice que Bisbal le dijo algo al oído que jamás revelará, más angustioso fue el modo de romper con ella, pues asegura que David se fue de casa de manera repentina, que se terminó de enterar de que la ruptura no era temporal por televisión y que además cuando le llamó para hablar las cosas resultó que había cambiado de número de teléfono. Y nadie le dio el nuevo. Por si fuera poco, ella y su madre tuvieron que meter en cajas las cosas de él.

El mundo descubre así que el final de la relación entre dos de las estrellas más conocidas de nuestro país acabó peor de lo que parecía, con media red apoyando a Chenoa y la otra planteando por qué cuenta todo esto ahora. Os dejamos con unos tuits y con su hitazo de la época, ‘Atrévete’, al que solo faltó una producción más moderneta para terminar de ser un clásico del pop.

Actualización 29-9: Bisbal ha comentado respecto a la publicación de este libro, según recoge El Mundo, que el texto le ha «sorprendido», pues pensaba que gracias a El Reencuentro, Chenoa ya tenía este tema «superado».

Muy fuerte la ruptura de Chenoa y Bisbal. Cambió el móvil, la anunció sin avisar y le puso los cuernos. Cabrón. #ChenoaDefectosPerfectos pic.twitter.com/60cF1byZz8

— Emilio Martínez (@em_martinez7) September 26, 2017

La lectura que mucha gente se hará es, Chenoa hija que necesidad de contarlo ahora.
La mia: hija que agusto te habrás quedao. Me alegro.

— Ojo Crítico (@CriticaGH) September 27, 2017

A mí lo que me flipa del drama de chenoa-Bisbal es que le guardase ella las cosas en cajas.
Le iba a guardar yo una mierda bien gorda.

— Bristol (@Brighton_cor) September 27, 2017

Bastantes vaciles y gilipolleces ha tenido que aguantar Chenoa con el tema Bisbal para que ahora no pueda contar SU vida. Ea. pic.twitter.com/CuqTVKtNW4

— Ri Melocotón (@blumettrera) September 27, 2017

Wolf Alice / Visions Of A Life

Por

Raúl Guillén

-

29 septiembre, 2017

6

¿Cuántas veces habremos oído aquello del “difícil segundo disco”? Sin negar que no debe ser sencillo superar un debut que ha tenido una repercusión notable y que casi siempre es básico en la carrera de cualquier artista, es un mito que no necesariamente aplica cuando hablamos de grupos/artistas de gran talento. Ese, al menos eso deducimos tras analizar ‘Visions Of A Life’, parece ser el caso de Wolf Alice, un grupo cuyo debut ‘My Love Is Cool’ logró calar profundamente entre el público y la crítica (especialmente los británicos) pese a que en un principio no parecía para tanto.

Ahora llega su segundo álbum que, de manera clara, supera al primero en prácticamente todos los aspectos: cohesión, sonido, personalidad, canciones… Grabado en Los Ángeles con el productor Justin Meldal-Johnsen (Paramore, Beck, M83), Wolf Alice llevan un decidido paso más allá todo lo mostrado en su debut. Sobre todo, a nivel de diversidad sonora, con una variedad que sobre el papel parece difícil de encajar: si el cambio del punk-pop iracundo de ‘Yuk Foo’ (un himno angst que encuentra una nueva réplica en la eficaz ‘Space & Time’) a los atinados y poperos singles ‘Don’t Delete The Kisses’ (quizá la canción más memorable del disco, con esa excitante subida de intensidad final) y ‘Beatifully Unconventional’ (un coqueteo con el rock de Arctic Monkeys) te sonaron inconexos, es solo la punta del iceberg.

Porque en ‘Visions Of A Life’ hay rock de todo pelaje: guiños a My Bloody Valentine (‘Heavenward’), los Radiohead de ‘The Bends’ (‘Planet Hunter’), Cocteau Twins (‘Sky Musings’), Muse (‘Formidable Cool’), Smashing Pumpkins (‘Sadboy’), folk pastoral (‘After The Zero Hour’, uno de los temas más sorprendentes y bonitos del disco, con una Ellie Goswell emocionante). Y lo mejor es que todo es bueno o, como poco, distintivo. Y en esa mezcolanza a priori imposible emerge la personalidad del grupo y la voz de Ellie para darle un hilván a todo, consolidando una propuesta que cristaliza del todo en las canciones menos inmediatas pero más elaboradas e interesantes del conjunto, esas que cada vez que escuchas te sorprenden con nuevos puntos de vista y detalles. Con un sonido realmente espectacular y Black Sabbath y los Led Zeppelin de influjo asiático emergiendo como probables referentes, la fantasía post-metalera de ’St. Purple & Green’ y el tema titular (pasa tanto en sus 8 minutos que se hacen hasta cortos) se antojan como un pirotécnico final hacia el que confluyen las distintas facetas presentadas en las otras nueve canciones del disco.

Como mayor pero a ‘Visions Of A Life’ podemos señalar unas letras que, al igual que en ‘My Love Is Cool’ pecan de cierto tono naíf que ni engancha (a excepción de ese “you bore me to death / I don’t give a shit” de ‘Yuk Foo’ –simplón juego de palabras con “fuck you”, por si alguien no lo había notado–) ni emociona especialmente. Pero eso no enturbia demasiado un disco con un encanto especial, de esos que te engatusan con 3 o 4 cortes de manera inmediata y que poco a poco te van dando más hasta que prácticamente todo el álbum se antoja imprescindible. ‘Visions Of A Life’ va directo a la selecta lista (precisamente junto a ‘The Bends’, ‘Loveless’, ‘Siamese Dream’, ‘Origin of Symmetry’…) de segundos discos que superaron en alcance comercial y calidad a sus debuts.

Calificación: 8/10 
Lo mejor: ‘Don’t Delete The Kisses’, ‘Heavenward’, ‘Yuk Foo’, ‘After The Zero Hour’, ‘Visions Of A Life’  
Te gustará si te gustan: –o te gustaron en algún momento– Muse, Smashing Pumpkins, los Radiohead de ‘The Bends’
Escúchalo: Spotify

Tommy Genesis ya tiene **** para llamar su hit ‘Tommy’

Por

-

28 septiembre, 2017

Tommy Genesis es una rapera de Vancouver (aunque sus orígenes se dividen entre Suecia y Tamil Nadu) que ha dado que hablar desde que en 2015 publicara su primera mixtape. En este tiempo gracias a canciones como ‘Execute’ de aquella ‘World Vision’ ha ido engrosando un ego que le ha dado para construir una canción en la que se reivindica a sí misma, algo muy común en el género, por otro lado.

El single que publicaba hace unos días, llamado como ella, ’Tommy’, tiene un gancho que llega mucho más lejos que su portadón. Un hipnótico ritmo se repite hasta la saciedad taladrándote el cerebro (parece que ha aprendido un truco o dos de su colega M.I.A., con la que ha colaborado en un anuncio de Mercedes), llevando hasta un desenlace asfixiante más propio de los tiempos en que Alice Glass era la líder de Crystal Castles.

La cantante explica que ‘Tommy’ es una canción en la que habla sobre sus dos personalidades. “Es tal y como soy en sociedad. Es solo una canción de rap, pero también una representación de lo que es Tommy sin Genesis, a la que conoceréis más adelante”. Esta idea en la línea de Beyoncé/Sasha Fierce se perfecciona bajo la producción del productor de G.O.O.D. Music Charlie Heat, mientras ella da vueltas sobre su nombre: “Nobody fuck with Tommy / Nobody’s high like Tommy / Nobody rock like Tommy / All these bitches get off me”. El tema aparece ya entre los mayores virales de Estados Unidos.

Hugh Hefner como anfitrión musical: lo mejor de ‘Playboy After Dark’

Por

Raúl Guillén

-

28 septiembre, 2017

4

Esta mañana conocíamos el fallecimiento a la edad de 91 años de Hugh Hefner, conocido por ser el creador de la cabecera ‘Playboy’ y todo el emporio que se originó después en torno a esa revista de corte erótico principalmente orientada al hombre heterosexual cisgénero, lo cual hoy, aparte de obituarios, le ha valido también algunas críticas por su contribución a la cosificación de la mujer.

Recordemos que entre las llamadas “conejitas” que aparecieron en su famosa portada se cuentan iconos femeninos de distintas generaciones como Marylin Monroe, Madonna, Kate Moss, Pamela Anderson, Paris Hilton o Kim Kardashian. Recientemente, hemos visto como artistas habituales de esta página como Azealia Banks, Sky Ferreira o Halsey, se desnudaban para esta revista.

Hefner, además de un excéntrico millonario y alimentar el deseo y las fantasías sexuales de muchos, fue todo un icono del sueño americano durante décadas, y como tal apareció en numerosas películas y series haciendo de sí mismo. Incluso U2 dedicaron una canción a la famosa Mansión Playboy en su álbum ‘POP’. Hoy numerosos famosos, de Nancy Sinatra a Mark Hammill, pasando por Rob Lowe o Gene Simmons (Kiss) entre otros muchos, han lamentado su muerte públicamente.

Una de las más curiosas diversificaciones de su marca incluyó una especie de late night que se emitió entre 1969 y 1970, llamado ‘Playboy After Dark’. Lo más curioso de aquel programa televisivo que él mismo presentaba desde un plató instalado en un salón de su mansión-picadero fue que, durante su existencia, invitó a algunas de las figuras musicales más relevantes del momento –hoy Historia de la música, la lista es para caerse de culo– mientras un público de lo más sofisticado y desprejuiciado bailaba y aplaudía. Vamos a repasar algunos de esos momentos, los mejores que hemos encontrado:

B.B. King

El maestro del blues también pasó con su banda por el programa de Hefner para interpretar su clásico ‘The Thrill Is Gone’ en plenitud de forma.

The Byrds

Resulta curiosísimo ver a Roger McGuinn con evidente nerviosismo, admitiendo la influencia de The Beatles antes de unirse al grupo para interpretar ‘You Ain’t Going Nowhere’, de Bob Dylan, y su ‘This Wheel’s On Fire’, co-escrita con Rick Danko de The Band.

Deep Purple

Después de que Jon Lord le asegure a Hefner que ellos también vivieron en una mansión pero que tuvieron que dejarla porque estaba encantada, el grupo británico que entonces estaba comenzando a despuntar interpretó ‘Hush’, el single escrito por Joe South que ellos popularizaron y que en los 90 fue revitalizado por Kula Shaker. Los looks pre-glam son una auténtica pasada.

Fleetwood Mac

Tras un numerito de “humor”, nos encontramos con estos clásicos del rock pero antes de etapa más memorable, previa a la entrada en el grupo de Lindsay Buckingham y Stevie Nicks, interpretando el blues ‘Rattlesnake Shake’, frecuente también en la carrera en solitario de Mick Fleetwood.

Grateful Dead

Nada menos que Jerry Garcia con un poncho charlaba con Hefner sobre una controvertida marcha anti-hippie que tuvo lugar en San Francisco un par de años atrás, antes de interpretar ‘Mountains Of The Moon’ y ‘St. Stephen’, del disco que los Dead editaban aquel año ‘Axomoxoa’. Un documento fantástico.

Harry Nilsson

Tras “padecer” un truco de magia en presencia de Otto Preminger (en aquellos momentos presentaba la película ‘Skidoo’, que incluía algunas canciones de Nilsson), el cantautor de Brooklyn interpretó, de manera un tanto extraña, sentado sobre el brazo de un sillón ‘Good Old Desk’ y ‘Together’ mientras sonaban pregrabados de su disco de 1968 ‘Aerial Ballett’.

Ike & Tina Turner

Antes de su controvertido y traumático divorcio por el maltrato del músico hacia la diva soul, trasladaron un torbellino de soul al picadero de Hugh, con interpretaciones apabullantes de ‘I Want to Take You Higher’ de Sly & The Family Stone, ‘Come Together’ de The Beatles, ‘Proud Mary’ de Creedence Clearwater Revival y ‘Brown Sugar’ de The Rolling Stones. Una barbaridad.

James Brown

Antes de la imagen icónica con el traje de solapones, pelucón y sudor que ofreció con la explosión funk de los 70, Brown pasó por la mansión Playboy en una faceta más comedida y soulera. Casi irreconocible con el pelo corto, interpretó maravillosamente la balada ‘If I Ruled The World’ y su clásico ‘Say It Loud – I’m Black And I’m Proud’.

Linda Rondstadt

Hoy en un injustísimo semi-olvido debido al Alzheimer que la atenaza, la maravillosa cantante de Tucson estaba en lo más alto en 1970. Así lo mostró en las dos ocasiones en que apareció en este show, como podemos ver en la interpretación del tema bluegrass ‘Living Like A Fool’ de Jimmy Martin. Majestuosa.

The Rolling Stones son mucho más que “Sus Robóticas y Ancianas Majestades”

Por

Raúl Guillén

-

28 septiembre, 2017

28

Como recordó el propio Jagger gracias a un ingenioso teleprompter que le marcaba qué debía decir al público (en un potable mix de castellano y catalán que le llevó a contar que había comido butifarra y trinxat) para metérselo en el bolsillo de su ajustado pantalón (el tipín que gasta este hombre no es normal), este ‘No Filter Tour‘ de anoche era ya la octava vez que Rolling Stones visitaban Barcelona, la última de ellas en 2007. Así que las sorpresas que pudiera deparar el concierto eran más bien pocas. Apenas el espectacular escenario de esta gira, con unas pantallas abrumadoramente altas que mezclaban imágenes de la banda en directo con efectos visuales –por momentos dignos de Power Point–, y certificar que el grupo estaba en una relativamente buena forma anímica y física.

Así como a Charlie Watts y Keith Richards se les vio notablemente cascados –lo cual no afecta a su pericia instrumental, cuidado–, Mick Jagger se mostró a sus envidiables 74 palos tan inquieto como siempre durante las más de 2 horas de concierto, bailando, caminando y hasta haciendo un par de sprints que a mí me dejarían echando el bofe. Aun así, se notaba que medía mucho sus esfuerzos, que era algo que tenía perfectamente controlado, de manera tan mecánica como el propio show, tan poco dado a la improvisación como casi cualquier otro concierto de estadio. Pero es evidente que su papel en escena es fundamental: cuando Keith tomó las riendas vocales durante un par de temas (‘Happy’ y ‘Slipping Away’), el bajón de energía fue palpable. Por otra parte, con Watts impasible en su escueto set de batería, Richards ensimismado en el mástil de su guitarra y moviéndose de manera algo pesada y Jagger a la suya (mi impresión es que los dos últimos ni se hablaron, miraron o tocaron en todo el concierto), el único que parecía salirse ocasionalmente por la tangente era Ronnie Wood, que bailó y sonrió de manera casi permanente. Sabiendo que acaba de superar un cáncer de pulmón, debe estar disfrutando cada segundo al máximo y su entusiasmo era visible y genuino.

Tampoco cupieron demasiadas sorpresas en su setlist –evidentemente, nadie querría que prescindieran de sus mayores clásicos– pero sí algunas bastantes jugosas. Destacó la inclusión de ‘Rocks Off’ –a petición del público– y una ‘Under My Thumb’ que hasta hace poco no tocaban desde más de una década atrás. Y algo más (un par de concesiones de rigor a su reciente disco de clásicos del blues, ‘Blue & Lonesome’). Pero poco más, gracias. Porque en un concierto así, no nos engañemos, uno quiere ver exactamente lo que espera y en ese sentido las expectativas se superaron con creces. Cuando, tras cierta demora sobre la hora prevista –quizá debido al caótico y lento acceso del público al Estadio Olímpico–, comenzaron a sonar las percusiones introductorias de ‘Sympathy For The Devil’ se instaló en el repleto Lluís Companys algo que solo puede definirse como magia. Rolling Stones abrieron la puerta de su Museo del Rock y se fueron sucediendo de forma apabullante –al cuarteto le respalda una amplia banda con notables coristas, teclistas y vientos, pero ellos y el bajista Darryl Jones llevan el peso en buena medida– clasicazos como ‘It’s Only Rock ’N’ Roll’, ‘Tumbling Dice’, ‘Paint It Black’, ‘You Can’t Always Get What You Want’, ‘Street Fighting Man’, ‘Midnight Rambler’ (con un espectacular solo de Ronnie), ’Miss You’ (fantástico solo de bajo de Jones)… que derivaban hacia una irresistible traca final (literalmente) con ‘Start Me Up’, ‘Brown Sugar’, ‘Jumpin’ Jack Flash’ y el éxtasis ante ‘(I Can’t Get No) Satisfaction’.

Podemos tirar de cinismo, aludir a lo previsible del show –lo más inesperado fue el solo vocal más dueto con Mick que se marcó durante ‘Gimme Shelter’ la corista Sasha Allen en la plataforma central– y quedarnos con que son ricos empresarios ordeñando su vieja vaca (el merchandising inundaba todos los pasillos del estadio y diría que había más gente con camiseta del grupo que sin ella). Pero lo cierto es que lo que vimos anoche fue el espectáculo de rock ’n’ roll genuino que cualquiera querría ver, con un ambiente muy especial y una química evidente con un público animado y bailón (una encantadora mezcla de personas maduras y jóvenes, en el que se veía a padres bailar con hijos e hijas e incluso nietos). Una, como he dicho antes, magia ante la que habría que ser muy necio para no derretirse. 8.

Fotografía de Jesús A. MArtínez cedida por Doctor Music.

El nuevo vídeo de Ezra Furman predijo el pandemonio de Charlottesville

Por

-

28 septiembre, 2017

Ezra Furman ha sacado una canción nueva, ‘Driving Down to L.A.’, que ya puede escucharse en las plataformas de streaming y es su primer single desde que su anterior disco, ‘Perpetual Motion People‘, se publicara en 2015. Es una canción de glam-rock desgarrada y dramática de la que destaca la suciedad de su arreglo electrónico.

El vídeo de ‘Driving Down to L.A.’, dirigido por Joseph Brett, se ha rodado en Virginia y cuenta la historia de dos amigos “queer” que escapan de un grupo de supremacistas blancos, sin embargo Furman insiste en que el parecido del vídeo con la tragedia acontecida en Charlottesville hace unos meses es una coincidencia. Furman escribe: “habíamos planeado grabar el vídeo en Virginia mucho antes de que supiéramos que se celebraba una marcha derechista en Charlottesville, así que tuvimos la extraña experiencia de hacer un vídeo sobre escapar de los supremacistas blancos al tiempo que todo el país hablaba de ellos y el presidente se negaba a condenar inequívocamente la supremacía blanca”.

Furman sigue: “es terrible ver florecer de nuevo las raíces de la América supremacista, por no hablar de la misoginia, la fobia al colectivo queer y el anti-semitismo que suelen ocurrir al mismo tiempo. Pretendo que esta canción, el vídeo y mi carrera entera sean una protesta contra esas actitudes. Este vídeo va sobre cómo el miedo se convierte en violencia. No hace falta decir que no defiendo disparar a un coche lleno de gente, sean supremacistas furiosos o no. El vídeo es una fantasía y una pesadilla. Creo que encaja con la pesadilla cultural que vivimos ahora mismo y de la que espero nos levantemos pronto”.

P!nk acierta colaborando con Jack Antonoff (Lorde, Taylor) en su nuevo tema, ‘Beautiful Trauma’

Por

-

28 septiembre, 2017

9

P!nk está triunfando con su single ‘What About Us’, también en España, pero para mantener el interés en su nuevo disco, ‘Beautiful Trauma’, que sale el 13 de octubre, ha compartido un nuevo single promocional, el que lo titula.

En cuanto entra la base de ‘Beautiful Trauma’, marcadamente electrónica, queda claro que estamos ante una producción de Jack Antonoff, líder de Bleachers y uno de los productores más solicitados del momento: él ha producido ‘Look What You Made Me Do’ de Taylor Swift, los dos nuevos singles de St. Vincent y por supuesto es productor principal del último trabajo de Lorde y de ‘I Don’t Wanna Live Forever’, el éxito de Zayn y la misma Swift.

Acorde a la paradoja que presenta su título, ‘Beautiful Trauma’ se sirve de un sonido electro un poco sucio, oscuro y con garra para contarnos una dulce historia de amor: P!nk está “colgada” por su amante en esta canción en la que canta que “no hay nada más que tú” y en la que le describe como una droga y como su medicina. Por cierto, la conexión de P!nk con Antonoff no acaba aquí: en su anterior disco había una colaboración con Nate Ruess de fun., la otra banda de Antonoff.

Grizzly Bear coronan jueves de vídeos raros acompañándose de una actriz de ‘Dawson crece’

Por

-

28 septiembre, 2017

1

Si Maroon 5 y SZA han hecho el vídeo más absurdo del día (o del año) y Ariel Pink el más inquietante, Grizzly Bear han hecho el más surrealista de todos para su canción ‘Losing All Senses’. El vídeo está protagonizado por la actriz Busy Phillips, a quien recordarás por ‘Freaks and Geeks’ y ‘Dawson crece’, y parece contarnos la historia de una mujer que pierde completamente la noción de la realidad.

Para entender un poco más el vídeo de ‘Losing All Senses’, Ed Droste de Grizzly Bear ha hablado sobre él en DAZED, donde ha dicho que es “surrealista” (el vídeo incluye por ejemplo una escena donde Phillips entra en las profundidades del mar a través de un plato). Según Droste, el vídeo es “una mezcla entre David Lynch y ‘Mujeres desesperadas’ o entre ‘Beverly Hills’ y ‘Heathers’ o algo parecido” y de su reparto destaca no solo la presencia de Phillips sino también la de la actriz Freckle, amiga suya y una “importante figura genderfluid”.

El vídeo, de impecable factura, como acostumbra Grizzly Bear actualmente, y que sirve para promocionar el último álbum del grupo, ‘Painted Ruins‘, ha sido dirigido por Cody Critcheloe, más conocido como SSION, muy conocido de hecho por sus propios vídeos y autor últimamente por ejemplo de la fiesta de los pijamas de Robyn y Maluca para ‘Love is Free’.

El nuevo vídeo de Ariel Pink es como un viaje a las cloacas de Youtube

Por

-

28 septiembre, 2017

3

Ariel Pink estrena vídeo para una de las canciones más experimentales de su nuevo disco, ‘Time to Live’. El colectivo ucraniano Gorsad se ha encargado de poner imágenes a esta canción trasladándose a un cementerio, donde vemos vagar a una siniestra niña, que también se entretiene practicando rituales satánicos o disfrazándose de demonio.

Por su realización totalmente lo-fi y casera, y por lo inquietante de su contenido, el vídeo de ‘Time to Live’ parece uno de esos vídeos raros escondidos en las profundidades de Youtube que reflejan el lado más oscuro y extraño de la naturaleza humana. Un vídeo muy “dark side of Youtube” que pide a gritos una sección de comentarios llena de mensajes tipo “yo estaba viendo vídeos de gatos, ¿cómo he llegado hasta aquí?”

‘Time to Live’ ya se había presentado antes de la publicación del notable ‘Dedicated to Bobby Jameson’ junto a otros singles como ‘Feels Like Heaven’ y ‘Another Weekend’ y por su extraña estructura puede decirse que daba pie a un vídeo incluso más raro todavía. La canción combina una parte post-punk con la melodía de ‘Video Killed the Radio Star’ y además incluye un intermedio que parece replicar una interferencia de radio.

¿Han hecho Maroon 5 y SZA el videoclip más absurdo del año?

Por

-

28 septiembre, 2017

9

Después de dirigir el que es probablemente el vídeo pop del año para ‘Look What You Made Me Do’ de Taylor Swift, Joseph Khan ha prestado ahora sus servicios a Maroon 5 y SZA para dirigir el videoclip de su single conjunto, ‘What Lovers Do’. Y se ha vuelto a superar porque ha hecho el vídeo más absurdo que podría haber hecho para esta canción o para cualquiera.

El vídeo es un festín de efectos especiales más propio de una película de animación que de un single más o menos sensual como el que nos ocupa, y su “argumento” es un “mindfuck” tras otro. Quizá jugando con una doble interpretación del título de esta canción que habla sobre “lo que hacen los amantes”, Khan ha puesto a Adam Levine y SZA a hacer cosas de pareja como surcar los mares en moto acuática, jugar en el casino, correr por un bosque o surfear.

Aunque parece que todas estas cosas son más o menos normales, Khan las hilvana en el vídeo de manera que den pie a situaciones tan surrealistas como que, al caer al mar, SZA se convierta en sirena, o que Levine corra en una carrera junto a un dinosaurio. También hay animales que cantan la canción y el vídeo se remata con un homenaje a King Kong completamente random.

50 Cent dice que rechazó medio millón de dólares por aparecer en un acto de Donald Trump

Por

-

28 septiembre, 2017

Donald Trump consiguió convertirse en presidente de Estados Unidos, pero desde luego no fue por el apoyo de los músicos. El líder de los republicanos encontró serias dificultades para poder contar con artistas de música pop en sus mítines. Uno de aquellos a los que se lo ofreció -con sobre incluido- fue 50 Cent, o al menos eso es lo que este cuenta en una entrevista con Hot 97 que puede verse online, en el minuto 37.50 del vídeo bajo estas líneas.

Sus palabras son: “quisieron pagarme 500.000 dólares por ser parte de la campaña, solo por aparecer”, añadiendo que por supuesto lo rechazó y que Trump es presidente por accidente. “No creo que nada haya dividido a la gente tan rápido como lo ha conseguido Trump”.

En la larga entrevista que lleva ya medio millón de visualizaciones, también habla de si es necesario gustar y conquistar a las nuevas generaciones, de Jay Z o de su carrera pasada. Recuerda de hecho cómo lo vendió todo en Estados Unidos con ‘Get Rich or Die Tryin» (2003). Sin embargo, su quinto disco, varias veces retrasado, continúa sin fecha de edición pese a barajar el nombre de ‘Street King Immortal’ desde que se habló por primera vez de él en 2011. ‘Animal Ambition’, de 2014, fue una compilación de singles sueltos que no tuvo demasiado éxito ni de crítica ni entre el público.

Fermín Muguruza y The Suicide of Western Culture se unen para reivindicar «la Barcelona antifascista»

Por

-

28 septiembre, 2017

9

Fermín Muguruza y uno de los grupos de electrónica más destacados del país, The Suicide of Western Culture, autores de discos como ‘Long. Live. Death! Down With Inteligence’, se han unido para construir un tema llamado ‘Barcelona / Sant Andreu’. En él protestan por las detenciones a varios altos cargos de la Generalitat con el objeto de impedir el referéndum del 1 de octubre. El tema comienza con las voces de Marala (Paula Giberga, Selma Coll y Clara Fiol), entonando ‘Txoria Txori’ de Joxean Artze y Mikel Laboa: “Si le hubiera cortado las alas / habría sido mío / pero así / habría dejado de ser pájaro / Y yo lo que amaba era el pájaro”.

Por si fuera poco ilustrativa esta intro, el tema contiene después frases como “Solo el pueblo salva al pueblo” y “El cinturón rojo comienza en Sant Andreu”. El estribillo repite “Barcelona antifascista”. Todo ello se puede entender aún mejor a través del “lyric video” con subtítulos en inglés y castellano que se ha subido a Youtube. Fermín Muguruza explica en Facebook cómo le acogió el barrio de Sant Andreu tras asistir al evento de Voces Contra el Machismo, cómo ha decidido escribir su primera canción en catalán y menciona también las referencias a Lluís Llach, Inadaptats y KOP.

Meghan Trainor será productora y compositora en la serie ‘Broken Record’, sobre un girl group

Por

-

28 septiembre, 2017

Meghan Trainor arrasó con su primer disco gracias al gancho de singles como ‘All About That Bass’ o ‘Lips Are Moving’. Con el segundo se la pegó aunque varios de sus sencillos fueron muy acertados y de hecho tampoco funcionaron tan mal (‘Me Too’ y ‘NO’ pueden ser considerados éxitos menores gracias a su número de streamings). Pero el caso es que ahora la autora se ha embarcado en otro proyecto, com apunta The Hollywood Reporter, medio que informa en exclusiva de que Trainor será productora de una serie nueva de la ABC.

Será un drama sobre un «girl group» llamado ‘Broken Record’ (sí, como tantas canciones a lo largo de la historia) y además sabemos que Meghan será encargada de componer música para la serie. El grupo protagonista recibe el nombre de The Candies quienes, según la trama principal, 9 años después de su separación, se ven obligadas a reunirse tras un acontecimiento trágico. Siempre según este medio, la serie recorre «el viaje de cuatro mujeres de cierta edad enfrentándose a los cambios en la industria musical, intentando encontrar una segunda oportunidad tanto para su vida como para su amistad». La idea original es de Danny Rose, con otros nombres de la industria involucrados como Justin Sylvester, Jenni Ross, y Rose y Drew Comins.

The Horrors / V

Por

Sergio del Amo

-

28 septiembre, 2017

12

Hace diez años, justo cuando publicaron su debut ‘Strange House’, pocos apostaron por la valía de The Horrors. Como tantos otros podrían haber sido una nueva víctima del hype, pero los británicos a lo largo de esta década en numerosas ocasiones han demostrado que son muchísimo más que esa banda garagera que se dio a conocer por entonces. Su anterior ‘Luminous’, pese a ser un buen disco, ciertamente pecó de falta de ambición y sorpresas mayúsculas en comparación con el manto shoegaze que explotaron en ‘Primary Colours’ o las influencias post-punk ochenteras que vertebraban ‘Skying’, hasta ahora sus dos álbumes más demoledores. Y digo lo de hasta ahora porque ‘V’, meritoriamente, se postula si no como el mejor, como uno de los mejores discos que el grupo jamás nos ha presentado.

‘V’ es uno de esos trabajos en los que prácticamente nada sobra y en el que el quinteto, sin renunciar a sus señas de identidad, dispara hacia otras sonoridades que sorprendentemente les van como anillo al dedo. Sin ir más lejos, ahí está esa nueva puerta que abren hacia el rock industrial. Aunque hayan teloneado a Depeche Mode este verano, al escuchar apisonadoras sonoras como ‘Hologram’, ‘Machine’ (una de las indiscutibles canciones del año) o ‘World Below’ parece que hayan girado en realidad con Nine Inch Nails o hayan participado en una hipotética gira de aniversario del siempre a reivindicar ‘Mechanical Animals’ de Marilyn Manson.

El papel del productor Paul Epworth resulta, asimismo, esencial en estas nuevas canciones. Gracias a él Faris Badwan se ha crecido como nunca como líder y vocalista y, además, la banda se ha atrevido a coquetear con las pistas de baile creyéndose New Order (‘Something to Remember Me By’) con una naturalidad que para nada rechina. ‘V’, pese a su compleja producción y depender de las guirnaldas electrónicas prácticamente en su totalidad (ahí está ese precioso remolino de sintetizadores al final de ‘Ghost’, por citar un ejemplo), acaba realmente siendo un LP de lo más accesible gracias a piezas como esa ‘Press Enter to Exit’ en la que se dejan abrazar por la psicodelia apta para todos los oídos; o medios tiempos como la bonita ‘Gathering’ (que no hubiera desentonado en ‘Luminous’) o esa ‘It’s a Good Life’ que pide a gritos un dueto con Brett Anderson de Suede. Si con estos temas no encandilan al público que hasta ahora no les había prestado la atención que se merecían, la verdad es que no sabemos con qué podrían conseguirlo.

The Horrors, al igual que Foals o Liars (dos bandas que también han luchado disco tras disco por desquitarse del hype de sus inicios), progresan mucho más que adecuadamente. Aunque todas las canciones, a excepción de ‘World Below’, superan los cinco minutos de duración, ‘V’ es una gozada de casi una hora en total que se escucha del tirón en un suspiro. ¿Estamos ante uno de los discos del año? La duda ofende.

Calificación: 8,2/10 
Lo mejor: ‘Hologram’, ‘Machine’, ‘World Below’, ‘Something to Remember Me By’ 
Te gustará si: ya te gustaban los The Horrors post-‘Strange House’ pero echabas en falta en ellos un accesible toque industrial 
Escúchalo: Spotify

Tronco, Nathy Peluso y King Jedet, entre los invitados del festival Puwerty, «por y para adolescentes»

Por

-

28 septiembre, 2017

Este fin de semana se celebra en Madrid la primera edición del festival Puwerty, dirigido por y para adolescentes. Son los comisarios del festival María del Río y Ángel Aranda, ambos nacidos en 1996. Será en La Casa Encendida y las entradas cuestan solo 3 euros a través de Ticketea, divididas en dos tandas, de día, cuando podrás ver a gente como Sant Miquel y los geniales Tronco (entre 17.00 y 20.00, el concierto de ambos será de 18.30 a 19.45); y de noche, cuando podrás ver a Nathy Peluso, argentina residente en la ciudad (actividades de 20.00 a 23.00, con su show desarrollándose de 21.45 a 22.30). Según la nota de prensa, los jóvenes de entre 12 y 25 años son los protagonistas tanto de día como de noche.

Otras actividades incluirán al colectivo Suave pinchando música para millennials, mientras también habrá talleres de Celia Dosal y Rocío Torres explorando «la identidad en formación y transformación de la adolescencia». Le seguirán King Jedet y Kevin Qué Bien con el debate “Fans vs Haters” sobre los orígenes del cotilleo. Puwerty también cuenta con el espacio “Bandeja de entrada” en el que los jóvenes creadores podrán remitir proyectos vinculados con música, spoken word, poesía, talleres, sesiones audiovisuales, performance, danza, etc. Posteriormente una de las propuestas podrá ser seleccionada para formar parte de la próxima edición de Puwerty.

FAVX: «Se habla mucho del machismo en el trap / rap / reggaetón y el rock rezuma tanta misoginia y más»

Por

-

28 septiembre, 2017

4

FAVX se embarcan hoy en el Jägermusic Tour, una gira de 6 fechas repartidas por todo el país junto a los recomendables La Plata y las emergentes Goat Girl. El grupo, que actúa también en sitios tan selectos como el Primavera Club y Monkey Week, ha publicado 2 singles de 2 canciones cada uno que pueden remover cosas a seguidores de gente como Thurston Moore de Sonic Youth o Yo La Tengo. La banda, atenta al presente, matiza esas influencias y habla de sus planes futuros en una deslenguada entrevista. FAVX actúan en Madrid hoy 28 de septiembre, en Oviedo el 29, en Donosti el 30, en Valencia el 5 de octubre, en Barcelona el 6 de octubre y en Zaragoza el día 7. Entradas, aquí. Foto: Daniel Jordan Pompa.

Podemos encontrar 2 singles vuestros en streaming, ¿pero qué podemos esperar de los próximos pasos de FAVX? ¿Podéis adelantarnos algo del material nuevo que tenéis maquetado a nivel lírico o estilo?
Esos dos singles salieron de unas grabaciones que hicimos el verano de 2016 con Ojo en ZTA. En aquel momento FAVX no llevábamos ni un año tocando juntos y nuestra idea era grabar un LP que finalmente nunca salió a la luz. Las cosas han cambiado mucho desde entonces y ahora estamos a una semana de entrar a grabar en Hans Kruger el que va a ser nuestro primer EP: ‘Welfare’, que saldrá editado por un sello nacional. Además Marcos dejó la banda y de momento Elena está tocando con nosotros estos bolos que tenemos por delante.

«Nos espanta lo revivalista, aunque pensamos que es fundamental conocer lo que se ha hecho antes así como escuchar música de ahora»

Hace unos años hubo una oleada de grupos noveles que emulaban el sonido 90s de Sonic Youth y Yo La Tengo. Gente como Yuck o gente como Noise Nebula. Teniendo en cuenta que tenéis un tema llamado ‘Born in the 90s’, ¿os veis un poco en esa onda o vais por libre?
Nos gusta mucho el sonido 90s pero nuestras influencias directas son también bastante actuales. Nos espanta lo revivalista, aunque pensamos que es fundamental conocer lo que se ha hecho antes así como escuchar música de ahora. Somos muy fans de bandas como Slint, My Bloody Valentine, Sonic Youth o Fugazi; pero pensamos que se nos ha linkado al sonido de esa década por el título de ‘Born in the 90s’, que es un tema que simplemente habla del hecho de haber nacido en los 90. Nos gusta pensar que nuestro sonido mama también de cosas como Protomartyr, Dope Body, Car Seat Headrest, Parquet Courts o Show Me The Body.

Pensáis que este estilo define a FAVX u os veis en el futuro haciendo cosas realmente diferentes a lo que ya habéis presentado?
Creemos que con ‘Welfare’ abrimos una puerta a un sonido que nos gustaría seguir explorando en el futuro. A pesar de ser una banda de guitarras, nos gusta pensar que somos versátiles. No nos sentimos cómodos dentro de ningún género musical, ni trabajamos sobre un sonido fijo, aunque sabemos que lo que hacemos suena a punk, grunge o post-hardcore. Nosotros siempre hemos querido tener un grupo de pop, pero eso es algo que no vamos a conseguir jamás.

«Aunque entendemos que en los festivales llegas a mucha gente que no te escucharía de ninguna otra forma, somos muy fans de las salas»

Aparte del Jägermusic Tour estáis nada menos que en el cartel de Primavera Club y Monkey Week, los 3 caracterizados por su buen gusto seleccionando artistas noveles, ¿significa algo especial para vosotros tocar en estos eventos o disfrutáis por igual de todo festival y todo concierto viviente?
Jägermusic nos ha ayudado a llegar a sitios que tardaríamos años en alcanzar y nos ha servido para estar en algunos festivales este verano. Estamos muy contentos de repetir en el Monkey Week y con muchas ganas de tocar en el Primavera Club, además de otros festivales que nos quedan por anunciar.

Toda oportunidad para tocar es buena porque no hay nada que disfrutemos más que enchufarnos y tocar nuestra música. Aunque entendemos que en los festivales llegas a mucha gente que no te escucharía de ninguna otra forma, somos muy fans de las salas, donde tienes a la gente a tu nivel y la sensación caótica de la música es mucho más envolvente.

«El Chico de los Recados vienen del mundo de la música urbana, donde pensamos que ahora mismo hay un contenido audiovisual bastante más interesante que en el rock»

El vídeo de ‘Flowers of the West’ está bastante bien para un grupo novel, ¿qué podéis contarnos sobre él? De quién fue la idea, si disfrutasteis haciéndolo, etcétera.
Quisimos trabajar con El Chico de los Recados porque ellos nunca habían hecho nada para una banda de guitarras, y nosotros queríamos hacer algo distinto. Nos gustaban mucho sus trabajos y además vienen del mundo de la música urbana, donde pensamos que ahora mismo hay un contenido audiovisual bastante más interesante que en el rock. Las ideas que pusimos en común entre todos fueron desde The Blaze, a Cherry Glazerr, pasando por Lorde o Yung Thug.

Hay un momento en el que aparecen globos de colores en el vídeo. ¿Los habéis usado como contraste o en plan irónico? ¿Tiene alguna relación con la letra de la canción?
Contratamos a Canada para que colaborase en el vídeo pero sólo teníamos presupuesto para 2 segundos.

Tengo la sensación de que la gente está asumiendo que la gente joven solo escucha trap y youtubers, ¿cómo lo percibís vosotros? ¿Qué tipo de público tenéis y qué música escuchan vuestros amigos?
Una de las cosas buenas que ha hecho el trap es devolver el lenguaje joven a la música, que creemos que es un terreno en el que el rock está un poco perdido. No es que pensemos que todas las bandas deberían de hablar de lo frustrante que es tener discusiones por whatsapp, pero no entendemos por qué si es algo que forma ya parte de nuestras vidas hemos tenido que esperar a que llegue el trap para hablar de cosas que nos pasan a todos como puede ser eso o estar tirado un domingo por la noche en el sofá viendo shitposting en Youtube. Creemos que el lenguaje altivo y poco realista del rock puede tener parte de la culpa. Y luego se habla mucho del machismo en el trap / rap / reggaetón y el rock rezuma tanta misoginia y más.

Nosotros sabemos que hacemos música de guitarras, pero hablamos de las cosas que nos pasan al bajar a la calle, o las cosas que sentimos todos los días. Para la ciencia ficción, me pongo un disco de Loquillo o me voy al cine.

«El rock simplemente se ha convertido en una mascota de parque de atracciones, algo completamente inofensivo»

¿Creéis que hay una escena lo suficientemente consistente de gente joven interesada por la vieja música alternativa?
Continuando con la respuesta anterior, no pensamos que el rock sea viejo. Shame tienen 19 años, Mourn tienen 20 y Please Wait tanto de lo mismo. El rock simplemente se ha convertido en una mascota de parque de atracciones, algo completamente inofensivo. Parece que tener un grupo de punk consiste en vestir de negro, escribir canciones sobre ciertos temas y tocar de una forma concreta. ¿Cómo va a ser punk algo con reglas? También pensamos que parte grande del problema está en la industria española en general. Si hubiera el mismo interés por la escena emergente como la hay en Inglaterra, otro gallo cantaría.

Habéis dicho en una entrevista que Tinder os salvó de dormir en la calle al tocar en Burdeos, ¿podéis contarnos más? ¿Tan mal se os dio ligar en persona en el recinto después del bolo?
Sólo podemos aclarar que fue un bolo muy surrealista y que al final nadie pilló cacho esa noche. Pero gracias, Tinder.

Regalamos 7″ de las emergentes Goat Girl, esta semana de gira en 6 ciudades españolas

Por

-

28 septiembre, 2017

En los últimos días hemos regalado entradas para el nuevo Jägermusic Tour que llevará a 6 ciudades del país los conciertos de La Plata, FAVX y las británicas Goat Girl. La gira comienza hoy en Moby Dick en Madrid (jueves, 28 de septiembre), para seguir por Lata de Zinc en Oviedo (viernes 29 de septiembre), Dabadaba en Donosti (sábado 30 de septiembre), 16 Toneladas en Valencia (jueves 5 de octubre), Sidecar en Barcelona (viernes 6 de octubre) y Sala López en Zaragoza (sábado 7 de octubre). Todos los ganadores de Madrid han sido ya avisados (¡revisad vuestros mails!), pero aún no los de Barcelona al celebrarse el show la semana que viene.

Ahora queremos premiar a los usuarios que han comprado entradas para esta gira. JENESAISPOP regala vinilos de 7″ de Goat Girl (aún no tienen disco largo) a los primeros que escriban a jenesaispop@gmail.com incluyendo una foto o pantallazo de su entrada para esta gira. Aún podéis comprarlas en la web de Cooncert. Vuelve a ser necesario incluir nombre, apellidos y ciudad a la que asistirás. El 7″ que regalamos corresponde a la canción ‘Crow Cries’, que salía a la venta a finales del mes pasado a través del prestigioso sello Rough Trade.

Goat Girl son uno de los grupos emergentes que han querido alzar su voz contra el Brexit, haciendo referencias a la “corrupción” o al desencanto generalizado de la sociedad británica a día de hoy. Más sobre ellas, aquí.

Spotify vuelve a hacer público el origen de sus escuchas

Por

-

28 septiembre, 2017

19

Spotify ha vuelto a hacer público el origen de sus escuchas, por lo que después de un par de meses de oscuridad, los datos vuelven a estar disponibles cara al público. Como sucedía hace unos meses, ahora si buscas a un artista y clicas en «información», podrás volver a ver en qué ciudades del mundo se escucha más a ese artista y qué playlists están aportando más escuchas a ese artista. El dato no es solo útil para los artistas, porque de esta manera saben dónde se les escucha más, sino también desde el punto de vista periodístico, pues así sabemos qué playlists pueden estar hinchando las escuchas de un artista de manera artificial. Toda una victoria para la claridad y la transparencia ahora que las playlists de Spotify dominan el mundo como en décadas pasadas lo hacía la radio y la polémica de la «payola», prohibida en Estados Unidos de manera expresa, aunque existan acuerdos que se parezcan bastante.

El pasado verano, cuando la información sobre el origen de cada escucha pasó a ser privado, JENESAISPOP llegó a contactar con la agencia de comunicación de Spotify en España, obteniendo esta respuesta el 4 de agosto (las negritas son nuestras): «Desde Spotify siempre estamos buscando optimizar la experiencia Spotify para fans y artistas. Nuestro objetivo final es dar a los artistas más control sobre sus propias páginas e identidades en la plataforma».

Esperemos que la información siga siendo pública, para que así podamos atender a verdaderas curiosidades como el hecho de que la mayoría inmensa de las escuchas del último single de Abraham Mateo proceda de fuera de España gracias a las playlists de reggaetón; lo equiparable de los datos de Hinds en Madrid, Nueva York, Brooklyn, Los Ángeles y México; o lo importante que es Madrid para The Pains of Being Pure at Heart y Hercules & Love Affair.

«Hay amigos que reciben con más extrañeza que me guste una canción de Jorge Drexler, Iván Ferreiro o Quique González que una de OBK»

Por

-

28 septiembre, 2017

Rusos Blancos publicaban en 2016 un disco con el que daban un paso al frente en su carrera tras haber estado a punto de separarse, ‘Museo del Romanticismo‘. ‘Insuficiente’ ya ha superado el número de escuchas de su momento ‘Física o química’ (‘Supermodelo’) y la gran ’Una excusa diferente’ va camino también de las 100.000 escuchas en Spotify. El grupo ha estrenado recientemente otras dos canciones tan interesantes como la ultra playera ‘Amor, ¿que si tengo o que si quiero?’ y el viernes pasado la popera ‘Tampoco nos hemos querido tanto’, más cercana a The Divine Comedy. Este viernes 29 de septiembre actúan en el Ochoymedio de Madrid junto a Francisco Nixon y Ricardo Vicente (entradas a la venta en Ticketea), momento que aprovechamos para hablar con su líder, Manu Rodríguez, sobre sus discos favoritos.

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos?
Tendría que ser alguna de los Smiths, y por no caer en el cliché de «There’s a Light…» diría que ‘The Boy With the Thorn in His Side’, que me obsesionó muchísimo en su momento y la escuché hasta la saciedad.

¿Qué canción ajena ensayaste por primera vez en tu vida?
Debió de ser o ‘Jesus, etc.’ de Wilco o ‘Winter in the Hamptons’, de Josh Rouse.

¿Alguna canción que asocies a un recuerdo infantil?
La primera canción que recuerdo que me flipase fue ‘Back for Good’, de Take That.

¿Qué canción desearías haber escrito?
‘Small Plane’ de Bill Callahan me parece una canción preciosa. Increíblemente sencilla y a la vez personal y profunda.

¿Qué canción odias con toda tu alma?
‘Bohemian Rhapsody’, de Queen. No la soporto.

Actuación vocal que adores.
‘Let’s Get it On’, de Marvin Gaye. El «there’s nothing wrong with me loving you» me mata de placer.

Momento musical exacto de una canción que adores.
Me vuelve loco la coda instrumental de ‘Kanske ar jag kar i dig’, de Jens Lekman. A partir del minuto 2:50 entra un riff de guitarra que él va manipulando poco a poco, luego entran unos vientos, los coros… Es curioso que lo que te diga de Jens sea algo puramente musical, cuando él es mi cantante y letrista favorito. Cualquiera que me conoce sabe que estoy bastante obsesionado con él, pero es que es un momento que me fascina desde la primera vez que escuché la canción. La pongo solo para llegar a él.

¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
Claro que existen los «guilty-pleasures», lo que pasa es que el concepto muta en función de con quién lo trates: hay amigos que reciben con más extrañeza que diga que me gusta una canción de Jorge Drexler, Iván Ferreiro o Quique González que una de OBK. En cualquier caso, y por decir un placer culpable convencional que me gusta mucho te diré ‘Otro día más sin verte’, de Jon Secada.

¿Mejor secuencia de canciones en un disco que hayas oído?
No sabría decirte un disco en el que me flipe su secuencia, imagino que porque es algo en lo que me fijo más cuando esta no funciona. Si la secuencia es buena, ha de ser invisible. Pero sí puedo decirte una que me sorprende porque funciona súper bien a pesar de que incumple una máxima: ‘Rosi’, de Templeton, que tiene sus mayores hits al final del disco y sin embargo funciona superbien como un todo.

¿Algún disco que te encante pero cuya secuencia te parezca un desastre?
Tampoco es que me encante, pero ‘The Whole Love’ de Wilco me parece un disco bastante resultón y si se mete en el saco de la decadencia del grupo creo que es porque tiene un orden que es un disparate.

¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Para mí lo fundamental es llegar al oyente. Conseguir establecer un vínculo emocional de alguna manera. Hay canciones que, analizadas racionalmente, me parecen increíbles, y sin embargo me gustan menos que otras que analizadas con detenimiento me parecen peores, pero sí me provocan una reacción emocional.

Un remix que te haya vuelto loco/a.
El ‘Always on my Mind’ de Pet Shop Boys siempre.

¿De qué canción de tu propio repertorio te enorgulleces más o crees que está más infravalorada?
No sé si infravalorada, pero ‘Se me enamoran’ a mí me gusta mucho y Javi Betacam no me deja tocarla ya. Él la odia y yo estoy muy orgulloso de ella.

¿Qué canción vuestra te imaginas cantando a otro artista? ¿A quién?
‘Nostalgia del cuerpo a cuerpo’ (igual el peor título que hemos puesto nunca) le iría muy bien a Soleá Morente. Tiene un punto como de copla pero pop muy para ella. Y luego me fliparía mucho que La Bien Querida cantase alguna canción nuestra en algún momento. Creo que tenemos mucho en común a la hora de escribir canciones: el acercamiento al amor desde casi todas las ópticas posibles, el uso de recursos populares… Me encanta lo que hace.

¿Quién actuará en la Super Bowl? La que nos debe Justin Timberlake

Por

-

27 septiembre, 2017

77

¿Qué gran artista americano quiere comerse el marrón de actuar en la Super Bowl de 2018, con el listón tan alto que dejó Lady Gaga el pasado mes de febrero? Según informa en “exclusiva” US Weekly, el papel se lo estaría a punto de quedar Justin Timberlake, quien estaría “ultimando” un acuerdo con el gigante deportivo, en principio para actuar sin invitados (como Gaga).

Como muchos de nuestros lectores recordarán, Timberlake ya actuó en la Super Bowl en 2004, cuando protagonizó el intermedio más polémico de su historia junto a Janet Jackson, que tiene hasta entrada propia en Wikipedia. La actuación de ambos terminó con Timberlake arrancando parte del top de Jackson y dejando uno de sus pechos al descubierto ante millones de personas, lo cual provocó una polémica sin precedentes en la televisión americana. El “nipplegate” cambió la historia de la censura en televisión, inspiró el uso del término “problema de vestuario” (“wardrobe malfunction”), el nacimiento de Youtube y arruinó la carrera de Jackson, aunque no tuvo impacto alguno en la de Timberlake.

De quedarse con la Super Bowl, Timberlake podría coronarse con una nueva gran “performance” en el intermedio del evento deportivo más visto del mundo, haciéndonos olvidar la vez en que su mano destruyó para siempre la imagen pública de Janet y el modo en que él escurrió el bulto de su culpa en los medios para que pareciera que toda la responsabilidad había sido de ella (el cantante reconoció arrepentirse de su comportamiento dos años después, diciendo, “podría haberlo afrontado mejor”), limitándose a quitar hierro al asunto y por supuesto evitando una disculpa pública… ¿Cuántos discos ha vendido Justin después de la Super Bowl y cuántos Janet?

Nadie niega que Jackson tuvo culpa de lo que sucedió, al tomar una extraña decisión artística que al parecer salió mal; pero Timberlake también la tuvo, aunque prácticamente se nos haya olvidado. ¿No podría Timberlake apuntarse un tanto y redimirse de la cuestionable actitud con la que afrontó la polémica en 2004 devolviendo a la autora de ‘Unbreakable‘ a esa misma plataforma? ¿O es mejor no remover polémicas viejas? En cualquier caso, Janet se quedaría con la Super Bowl mala y Justin con la buena. Y eso, por muchos ‘Cry Me a River’ y ‘Sexyback’ que contuvieran su actuación, no molaría nada…

Clap Your Hands Say Yeah: «Michael Jackson es algo que comprendía. La música pop de ahora suena apagada»

Por

-

27 septiembre, 2017

6

Clap Your Hands Say Yeah están a punto de volver a nuestro país para presentar su último disco ‘The Tourist‘ y por supuesto para recordar muchas de sus grandes e infravaloradas canciones. Hace un par de semanas pude hablar con Alec Ounsworth, ya único integrante, y a pesar de ser lunes por la mañana y comenzar un poco espeso, se mostró divertido y cada vez más suelto, dejando titulares interesantes sobre la realización de videoclips, que en su opinión distorsionan la canción, la carrera del grupo o el mundo del pop. Clap Your Hands Say Yeah actúan en la Sala Apolo (Barcelona) el 3 de octubre, La Rambleta (Valencia) el 4 de octubre, Teatro Circo (Murcia) el 5 de octubre y OchoyMedio (Madrid) el 6 de octubre.

¿Qué haces en Madrid tantas semanas antes del concierto?
Hemos tocado en un festival en Burgos este fin de semana. Estamos de gira por toda Europa, esta noche tocamos en Bruselas.

¿Y te gusta hacer entrevistas entre concierto y concierto?
No (risas). Pero no importa.

¿Cómo ha ido el festival de este fin de semana?
El festival estuvo bien. La gente era muy abierta. Es una ciudad pequeña, bonita, fue agradable. Esos de ahí (NdE: señala un póster de Fuel Fandango) dieron un show interesante, muy diferente al nuestro. Creo que nosotros éramos de lo menos pop del festival, pero estuvo bien.

¿Visitaste Burgos?
La mañana siguiente. Llevo un horario muy raro, porque vengo de Japón y México. Ha sido muy raro, pero pude ver que la ciudad era muy bonita.

¿Qué has hecho los 3 años entre disco y disco?
¿Han sido tres años? Sí, creo que tienes razón. Hice una larga gira y después me llevó mi tiempo hacer el siguiente disco. Estuve trabajando en él sin necesidad de sacar algo rápido. Incluso en los principios de la banda era el responsable de escribir todo, así que me lleva mi tiempo componer canciones.

¿Hay algo en lo personal o en lo social que haya afectado a la composición?
Sí, eso retrasó las cosas también. No quiero hablar demasiado de mi vida personal, pero hubo algunos problemas que han sido de una manera o de otra retratados en el álbum, y eso lo retrasó.

Para mí las letras del grupo no son lo más importante, siempre ha sido un grupo de melodías. ¿Para ti son importantes las letras?
Me lo dicen mucho, pero no estoy de acuerdo. ¡Para mí son muy importantes!

Te lo digo porque a veces las leo y no entiendo el todo de lo que quieren decir.
Hablan más de un sentimiento. No digo directamente lo que pasa, porque es asunto mío. Para mí Bob Dylan es muy importante, y no siempre sabes lo que le ha pasado. Por ejemplo negó que ‘Blood On The Tracks’ fuera sobre la desintegración de su matrimonio sino sobre imaginar una posibilidad o algo así. Puede ser sobre el momento en el que las cosas empiezan a desintegrarse.

¿Es el misterio en torno a las letras importante para Clap Your Hands Say Yeah?
Todo el mundo quiere saber de qué van las canciones, e intento ser más cercano. El misterio es importante pero no pienso en crearlo necesariamente.

¿Hay un mensaje optimista en algún punto de este disco?
No hay mucho optimismo, no… (se ríe). Es más sobre documentar algo por lo que he pasado sin revelar qué es directamente.

En cuanto a producción, ¿han dado muchas vueltas las canciones o son parecidas a las maquetas?
Como en el resto de los discos. No son necesariamente las mejores versiones posibles de las canciones, sino las que pegan con las otras. Es un proceso largo donde voy añadiendo teclados, voces, muchas cosas.

¿De cuánto tiempo hablamos?
Meses.

«Igual es solo cosa mía, pero creo que un vídeo representa una versión de la canción que no es la que es»

No te gusta nada hacer vídeos, ¿eh?
No. Me gusta que la gente oiga las canciones y que se las imaginen ellos solos. Igual es solo cosa mía, pero creo que un vídeo representa una versión de la canción que no es la que es. Si piensas en una canción de, no sé, Nick Cave, puede que no sea lo que se corresponde con su vídeo. Se supone que una canción es más para cada individuo y para que cada uno la interprete como quiera, en lugar de decir «esto es lo que tienes que ver».

Por eso tu canal de Youtube es un desastre… ¿no te da miedo perder la conexión con la gente?
He hecho un par de vídeos en los dos últimos discos. Pero no sé nada sobre mi conexión con la gente más joven. Si son como yo, quizá me encuentren.

Pero pierdes oportunidad si no subes tu música a Youtube…
Sí, sí, lo entiendo. Por eso hice dos vídeos.

¡Hace años! ¿Ningún amigo que haga vídeos y te haya venido con ideas para ‘The Pilot’, ‘Better Off’, ‘Fireproof’…
No sé cuán efectivo es hacer vídeos, no sé cuántos ven los jóvenes. Soy un artista independiente, hago todo solo, y me gusta que las cosas sean efectivas. Y gastar un montón de dinero en un vídeo que puede que ni siquiera se vea… Prefiero gastar mi tiempo en música, que malgastar dinero haciendo vídeos.

Recibimos un mail de un lector diciendo que este último era tu mejor disco, ¿te lo está diciendo la gente?
No (se ríe). Creo que mis amigos creen que ‘Only Run’ es el mejor.

Creo que ese es el que menos me gusta…
Pues es casi mi favorito, si no mi favorito. La canciones están muy bien hilvanadas y líricamente está muy bien. En cuanto a sonido, todo tiene mucho sentido. No lo oía hace mucho, me lo puse el otro día y me sorprendió cuánto lo disfruto aún. En otros cambiaría esto y aquello, pero en ese no. Este último es bueno. ‘The Tourist’ estaría por arriba si hiciera un ránking que no voy a hacer, y el primero no es necesariamente el mejor. Recuerdo una crítica de ‘Only Run’ en la que decían que tenía sintetizadores. Hay sintetizadores en todos mis álbumes. Quizá a alguien no le gustó un sintetizador concreto, pero a mí me sonó bastante arbitraria (la crítica).

«Cuando acabé el primer disco, no lo quería sacar, porque no estaba tan contento con él como debía. Pero ahora lo aprecio»

Tu debut fue un éxito y dices que no te parece necesariamente el mejor. ¿Te aburriste de él alguna vez?
No. Fue un buen comienzo, bastante decente. Cuando acabé, no lo quería sacar, porque no estaba tan contento como debía. Pero ahora lo aprecio, hay partes muy potentes, muchas buenas canciones. Si pienso en los 5 discos, pegan unos con otros, pero no pienso necesariamente que el primer disco sea el mejor. Tampoco me ha cansado y eso es importante para mí. No aburrirme mientras toco aquellas canciones, es una buena señal de que es sólido.

¿Mantienes contacto con los ex miembros de Clap Your Hands Say Yeah?
Con Sean, el baterista. A veces con Robbie.

¿Qué opinan de tus últimos discos?
Sean es con quien más hablo. Trabajó en ‘Only Run’ y le gustó ‘The Tourist’ también.

¿Mencionó alguna favorita?
‘Down’, ‘Fireproof’, ‘The Pilot’…

‘Fireproof’ y ‘The Pilot’ son las primeras de cada cara en vinilo. ¿Lo pensaste al secuenciarlas?
No sé, déjame pensar (…) Sí, ‘Fireproof’ tenía que abrir la cara B. Lo que más escucho es vinilo. Tampoco es como ‘Low’ de David Bowie, que tenga por un lado canciones y por otro ideas más oscuras, no es que sean caras diferentes, pero sí había una razón para el orden.

¿Qué has escuchado estos tres años?
Lo que escucho últimamente es con lo que crecí, y antes del disco suelo escuchar música que creo que puede enriquecer lo que voy a hacer. He trabajado con Dave Fridmann, así que me puse MGMT, The Byrds, ‘On the Beach’ de Neil Young, por el modo de tocar la guitarra sin que sea algo súper sofisticado…

Cuando escuché tu primer disco por primera vez me vino un buen mejunje de influencias a la cabeza, de Belle & Sebastian a Smashing Pumpkins.
Sí, mucha gente te menciona diferentes influencias. Smashing Pumpkins es una sorpresa que lo digas, probablemente Magnetic Fields deberían estar por ahí, y Brian Eno siempre ha sido una influencia muy grande para mí.

He mencionado a la banda de Billy Corgan por ‘1979’.
Se meten mucho con él pero esa canción es muy buena. Quizá te refieres a que tiene algo en común con ‘Over and Over’, pero no lo tenía en mente.

¿Oías a R.E.M. de adolescente?
No los oía mucho. ‘Murmur’ y ‘Reckoning’ los descubrí después de la universidad. Cuando era joven, supongo que los oía, pero es una canción, creo que de ‘Reckoning’, donde meten un piano con el que podría haber una conexión. «Tomar prestado no es robar» (se ríe). No, en serio, me gusta, no conozco mucho su última etapa, pero los R.E.M. de los 80 me encantan.

He estado haciendo una playlist con lo mejor de Clap Your Hands Say Yeah y he recordado una canción llamada ‘Goodbye to Mother and the Cove’ que me ha parecido una monada. ¿Qué te parece a ti? Supongo que no la tocas jamás.
No. Creo que es buena. También la he oído hace poco porque vamos a reeditar el disco en vinilo, y supongo que voy a tener que tocarla en la gira correspondiente… Creo que debería ser más concisa, porque es interesante melódicamente y misteriosa, pero mola. Es una rareza. Hacerla en vivo es lo que la levantó de verdad.

¿Hay canciones que te gustan pero que no tocas porque ves que al público no le gustan?
Muchas de ‘Only Run’. La canción ‘Only Run’ no creo que la gente la entienda, ‘Impossible Request’, ‘Little Moments’… he entendido que la gente no las entiende como yo. Y no es que me disuada necesariamente, pero cuando tocas algo y la gente no lo recibe como las canciones del primero, lo cual está OK, por otro lado, pues dices «voy a ponérselo fácil a la gente».

¿Nunca escuchas música pop?
No, oigo cosas en el supermercado (risas).

«Michael Jackson es algo que comprendía. La música pop de ahora suena apagada»

¿Porque eras un chico indie?
No, realmente no. Estoy abierto a todo. Michael Jackson es algo que comprendía. La música pop de ahora suena apagada (NdE: la palabra usada en inglés es «dull», «aburrida, sosa, gris»). El modo en que está grabada, cómo están las voces grabadas, con autotune, todo tan enlatado… no es que me suene muy orgánico. Como Stevie Wonder, Michael Jackson era un cantante fantástico, no solo un gran performer, podías oír lo humano que era, un sentimiento. En ‘Human Nature’, que me parece una obra maestra, una gran canción en todos los niveles, en todos los mundos posibles, podías sentir su personalidad. Quizá no oigo suficientes cosas, pero no oigo bajo, batería, instrumentos así en la música pop de hoy. Cuando oyes música pop de hoy solo oyes un batiburrillo de cosas unidas de manera burda en una sola cosa.

¿Y tú no sientes que haces pop? ¿Entonces qué?
Quizá hago música pop (se ríe)

A veces parece que evitas los estribillos…
A veces no. A veces sí. Es parte de la dificultad. Sobre gente como Bruno Mars o Taylor Swift, pienso que hay que respetar a los autores porque son como Tin Pan Alley, muy estructurados y organizados. Y es efectivo. Han puesto un estribillo, incluso un puente por aquí que mantiene la canción. A ese nivel lo sé apreciar y es duro. Mucho rock’n’roll de ahora es complicado para mí porque no hay un intento de hacer un estribillo, lo que puede funcionar para alguna gente pero para mí no. ¿Quién crees que hace buena música pop a día de hoy?

A todo el mundo le gusta Beyoncé. Añadiría a Rihanna. ¿No te dicen nada?
No es algo que me impresione demasiado.

‘Te lo digo a ti’ de Vetusta Morla: virulenta, sorprendente, inquieta, reivindicativa, confusa…

Por

-

27 septiembre, 2017

10

Parte de la redacción evalúa el single de regreso de Vetusta Morla, avance del disco que publican el 10 de noviembre.

«No me parece oportunista, sino una buena noticia, que el grupo de rock más exitoso del panorama nacional en esta década, el que probablemente marque a una generación y acabe por unir a varias, introduzca en su nuevo single tintes krautrock y sintetizadores Moog –o similar–, con guitarras furiosas que dan golpes de efecto prácticamente de manera literal. ¿O es que alguien preferiría que nos hubieran deleitado con su parte “más Izal”, por decirlo de una manera gráfica y directa? Personalmente me quedo, de largo, con esa faceta más o menos virulenta que ya habían ofrecido en temas como ‘Golpe maestro’ y ahora en ’Te lo digo a ti’, en la que además vuelven a demostrar que sus letras pueden ser bastante interesantes, alejadas de lugares comunes. Ojalá más de esto en ‘Mismo sitio, distinto lugar’”. Raúl Guillén.

«Hace unos días Vetusta Morla nos sorprendían anunciando su regreso tras una larga espera. ‘Mismo sitio, distinto lugar’ es el título del nuevo disco, y este ‘Te lo digo a ti’ es su carta de presentación. Con un poco convencional videoclip dirigido por Nacho Vigalondo y protagonizado por él mismo, Nacho Vegas (!) y Lolita (!!) se nos da a conocer un giro en el sonido en cuanto a sus trabajos anteriores, con un combo de kraut y sintetizadores en una letra que parece dirigida a ¿una ex pareja? ¿políticos, como en ‘La Deriva’? Ya intuíamos algún cambio al ver detrás del proyecto a Dave Fridmann y Greg Calvi, y ahora habrá que ver si el «experimento» se queda aquí, o si estamos ante un disco con el que Pucho y compañía se ganen a esos que les acusan de repetirse». Pablo N. Tocino.

“Vetusta Morla han triunfado -y muy merecidamente- escribiendo canciones melódicas que ya son historia del pop español. Tanto si hablaban de amor como de política, tanto si eran más suaves o más duras, tanto si eran ‘Copenhague’ como ‘Golpe maestro’, eran canciones clásicas y emocionantes. ‘Te lo digo a ti’ es su intento de hacer una canción punk. ¿Pueden triunfar Vetusta Morla haciendo punk? En principio no con esta canción llena de furia, en la que se percibe la mano, sobre todo en la suciedad de las guitarras, de Dave Fridmann, productor de Flaming Lips, Spoon o MGMT; pero que el grupo canaliza a través de una letra que interpreto políticamente, que parece, y repito parece, porque no es que se entienda muy bien, hablarnos de la precariedad y que, sin embargo, no podría ser más extraña en su uso de metáforas: “te lo digo a ti, que haces de esta farsa tu comedia, y te haces fuerte en la viñeta, donde no quiero entrar yo; te lo digo a ti, cómplice de hueco en la nevera, encendida a mesa puesta, bien comido agotador”. ¿En qué “viñeta” no quiere entrar Pucho? ¿En el chiste que es la política española? ¿Entonces por qué existe ‘Te lo digo a ti’? Y sobre todo ¿qué sentido tiene, siendo un grupo pop que mueve a decenas de miles de personas, hacer una letra tan rebuscada para una canción que busca ser entendida en dos minutos y medio? Ojo, Vetusta Morla son poetas, pero para ‘Te lo digo a ti’ igual era mejor hacer de Sex Pistols en lugar de Fasenuova”. Jordi Bardají.

«‘Golpe maestro‘ no será la canción más popular de la carrera de Vetusta Morla, pero desde el punto de vista compositivo sí mostraba a un grupo más ambicioso e inquieto, tanto en lo musical como en lo lírico de lo que dejaba suponer ‘Un día en el mundo’. ‘Te lo digo a ti’ sigue ese camino, logrando un golpe de efecto parecido al logrado por M.I.A. en ‘Born Free’ al samplear a Suicide. Una alegría que algo sonando de esta manera aspire a ser número 1 en álbumes en nuestro país, e incluso tenga opciones de golear a Taylor Swift, que saca disco el mismo día». Sebas E. Alonso.

Mejor que «un vegetariano vendiéndote un kebab»: ‘Greedy Soul’ de Liam Gallagher

Por

-

27 septiembre, 2017