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Meister of the Week: Carlo de Runa habla de la posible caída de uno de los últimos oficios del underground, el mundo del tattoo

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Runa son un power trío de Barcelona formado por antiguos miembros de Los Tiki Phantoms. Este año han editado un álbum en BCore llamado ‘Rito estacional’, llamado a convertirse en uno de los discos de punk de la temporada gracias al empuje de canciones como ‘Revoluciones fugaces’ o la pegajosísima y casi pop ‘Espíritu mesetario’. Carlo Pavía es uno de sus integrantes y, aprovechando que es conocido como «El Carlo» en el mundo del tatuaje, es el nuevo invitado de nuestra sección «Meister of the Week» comisariada por Jägermusic. Sus opiniones son tan enriquecedoras como incendiarias, alertando de cómo se están perdiendo algunas de las claves del oficio o revelando qué tipo de cosas se niega a tatuar.

¿Cómo te introduces en el mundo del tatuaje y qué te hizo ver que podías dedicarte a eso?
Pues fue todo muy natural, dibujo desde que tengo uso de razón y ya incluso al llegar a la adolescencia, mucho antes de decidir que quería tatuar, algunos amigos me empezaron a pedir dibujos para hacerse tatuajes. A mí el tattoo como idea me resultaba fascinante pero nunca me acababa de convencer lo que veía por ahí en vivo y en directo. Sentía una atracción pero no acababa de tomar forma del todo, debía de haber, a la fuerza, mucho más de lo que a mí me llegaba. Con el tiempo fui viendo más cosas y metiéndome más y mejor en la cultura visual del tatuaje (dentro de mis escasas y torpes posibilidades del momento) hasta que lo acabé de ver claro: había todo un mundo de tatuajes guapísimos (que iba mucho mas allá de esos primeros tatuajes tímidos que se hacían los colegas en la segunda mitad de los 90) ¡y yo quería formar parte de él!

«Mi primer tatuaje fue ya con 20 años. La «madurez» me dio la oportunidad de poder tomar una mejor decisión y no hacerme nada de lo que arrepentirme»

Me hice mi primer tatuaje a una edad tardía (para lo que venía a ser habitual), ya con 20 años. Fue una suerte no haberlo hecho antes, la «madurez» me dio la oportunidad de poder tomar una mejor decisión y no hacerme nada de lo que arrepentirme. Me tatuó Monga en el Aloha (cuando aún estaba en la calle Travessera de Gràcia) y salí de ahí aún más convencido de que tatuar era lo mejor que podría pasarme en la vida. No había duda, quería tatuar y quería aprender con Monga. Me llevó casi dos años poder entrar como aprendiz, durante ese tiempo hice lo posible por mostrar todo el interés y las ganas que tenía. Cada vez que iba a tatuarme llevaba mis dibujos de «tattoo», dibujos jodidos y precarios pero llenos de ilusión, así, tan cursi como suena.

Al parecer no había lugar para mí, yo iba preguntando si sería posible aprender en el estudio, pero la respuesta era siempre la misma: Monga tenía ya un aprendiz. Así que al final me decidí a empezar por mi cuenta. Le pedí consejo a Monga y, muy amablemante, me hizo una lista de todo el material que necesitaba para empezar (la información aún era difícil de encontrar por aquel entonces), la lista parecía un mensaje encriptado y salí de ahí tan agradecido como confundido. Fue Teodoro de la banda de punk OTAN quién cayó del cielo fortuitamente y me brindó la posibilidad de adquirir todo ese material de un tipo cuyo hermano tatuador había fallecido repentinamente. No cabía en mí de la alegría: ¡¡en menos de un mes había conseguido todo lo que había en esa encriptada lista por un precio irrisorio!! OK, sí, fue suerte, pero bien podía tomarse como un mensaje de ultratumba, ¿no? A Monga debió de parecerle así, ya que el mismo día que me presenté en el Aloha con todo el material entré finalmente como aprendiz. «¿De dónde has sacado todo esto?», me preguntó. «De un muerto», dije yo. ¡Y ahí empezó todo!

«Parece que la gente cree que esto es llegar y besar el santo, que te compras un kit de tatuaje en Amazon y hala… ¡a forrarse!»

¿Cuántos años hace que te dedicas al tattoo? ¿Es un medio de vida tan guay como pueda parecer?
Pasó un tiempo entre que decidí que tatuar sería una idea estupenda hasta que la cosa empezó a materializarse. Entré como aprendiz en Aloha Tattoos en el año 2004. En estos años he tenido la oportunidad de percibirlo de muchas maneras y, sobre todo, de ver cómo ha llegado a cambiar la percepción que se tiene del tatuaje desde fuera. ¿Es guay? Sí, claro, ¡rotundamente! ¡siempre y cuando te guste de verdad! Parece que la gente cree que esto es llegar y besar el santo, que te compras un kit de tatuaje en Amazon y hala… ¡a forrarse! ¿Has fracasado como ilustrador? ¿Tu prometedora carrera de diseñador gráfico se ha ido a la mierda? ¿Estudiaste automoción y te quedaste en paro? ¡No pasa nada! Los Dioses del Olimpo de lo cool (y los ipads) ponen el tattoo al alcance de cualquiera, ¡una profesión de futuro! Total, a todo el mundo le gustaba dibujar de pequeño ¿no?

«La relación maestro-aprendiz, la mística, la sensación de adentrarte en una especie de sociedad secreta al margen de lo establecido, lo artesanal, la necesidad de conocer al detalle todos los aspectos técnicos de tu profesión, la magia, todo, absolutamente todo, está a nada de ser solo historia»

A mí me gusta el tatuaje, me gusta tatuarme y me gusta tatuar y me llena de orgullo ganarme la vida con ello pero debo admitir que todo está yendo hacia un lugar extraño que no acaba de gustarme, lleno de gente que ya no maneja los códigos que yo manejaba y que se anima a tatuar motivado por razones incomprensibles para mí. De algún modo siento que hemos sido testigos de la caída de uno de los últimos oficios del underground. La relación maestro-aprendiz, la mística, la sensación de adentrarte en una especie de sociedad secreta al margen de lo establecido, lo artesanal, la necesidad de conocer al detalle todos los aspectos técnicos de tu profesión, la magia, todo, absolutamente todo, está a nada de ser solo historia, meras anécdotas que se fundirán a negro para dar paso a «LAS ACADEMIAS DEL TATTOO».

La vida es así, no hay que resistirse a los cambios, hay que fluir y esas cosas que se dicen, pero bueno, da pena. Estoy contento de haber podido vivir este impás, de haber podido aprender de los que tuvieron que esforzarse aún más que yo, la verdad es que eso no tiene precio. Lo que me queda por delante (hasta que me muera o me canse) a veces me motiva más y a veces menos. Como dije antes, esto está cambiando mucho y muy deprisa y a veces, bajo el prisma apocalíptico y derrotista, lo único que me apetece hacer es desaparecer, olvidarme de instagrams y suputamadre y dedicarme a hacer muebles. Afortunadamente, a estas alturas, he encontrado mi sitio y tengo la suerte de poder trabajar rodeado de mis mejores amigos en un espacio la mar de agradable que nos hemos construido a medida.

Pocas cosas son tan guays como puedan parecer, la mayoría de veces nos subimos al carro de lo guay y lo guay deja de parecernos guay o el carro vuelca y lo saquean un montón de gilipollas sin criterio que solo quieren ganar dinero o hacerse «famosos», en esos casos depende de nosotros que lo que nos parecía guay nos siga pareciendo guay. Hay que currárselo, hay que trabajar por construirse un hogar y estar listo para abandonarlo, destruirlo y construir otro nuevo o aprender a vivir debajo de un puente o lo que sea. Si te gusta de verdad lo que haces, encontrarás el modo, cada día.

El tatuaje es algo que durante mucho tiempo ha estado asociado a lo marginal, al lumpen. Ahora es algo no ya socialmente aceptado sino digno de admiración, casi de estatus social o cultural. ¿Tienes alguna teoría sobre a qué se debe esa evolución?
A los programas de la tele y al fútbol, ¡como todo lo malo!

«Me he negado a tatuar cosas que no eran técnicamente posibles o que eran malas ideas»

¿Alguna vez te has negado a tatuar algo o a alguien?
Me he negado a tatuar cosas que no eran técnicamente posibles o que eran malas ideas. Esto último es totalmente subjetivo, está claro, pero creo que es importante poder anticiparse un poco y no participar de según que cosas: si tienes 16 años y quieres tatuarte el nombre de tu novia en el cuello me parece estupendo pero no cuentes conmigo. De hecho, si tienes 16 años, no cuentes conmigo para nada. Tengo mi propia ética profesional y me acojo a ella, si no lo veo claro, no lo hago.

¿Alguna vez has visto un cuerpo tatuado y has dicho «mira, esto es demasiado»?
Sí, y creo que es saludable, es decir, mola tener la mente abierta y estar al día, empatizar con todo y esas cosas pero hay un momento en el que aunque tú te resistas, va a haber cosas que no vas a pillar, que se te van a escapar lo quieras o no. En esos momentos, bajo mi punto de vista, hay dos posibilidades:
1. reconocerlo, plantarte y decir: «ok, llego hasta aquí, eso ya no lo pillo, me parece demasiado»
2. Intentar seguir con el flow contra viento y marea (a pesar de no pillarlo a todas luces) y exponerte a que un joven normcoretrapero o lo que sea te trate de carroza.

Cuando llega un tatuador ravero y se inyecta no se qué mierda en el globo ocular para teñir el blanco del ojo de otro color y luego va y se amputa falanges del dedo yo escojo plantarme y decir: «ok, no lo pillo, ¿qué pasa ahora si un día el chaval descubre que quiere ser en nuevo Yngwie malmsteen?». Y es que es cierto, ¡no lo pillo! Sé que para él es tan «normal» y molón como lo es para mí petarme de tatus, que solo es un paso más (y va acompañado además de todo un discurso, buscad «little swastika») pero por extraño que parezca yo ya lo veo demasiado. Ni conecto con ello ni tengo ganas de hacer el esfuerzo. Igual de extremo veo yo eso tan normal para él como mis padres vieron lo que yo hice con mi piel. Es ley de vida. Evidentemente, no voy a marginar al chaval ni le voy a partir la cabeza, simplemente observo mis propias limitaciones y las acepto sin más.

Los artistas del tatuaje a menudo hacéis pequeñas residencias en estudios de todo el mundo. ¿En qué países has estado tatuando y qué has aprendido de la profesión en esos viajes?
Pues tengo dos niños pequeños y nunca me he permitido hacer viajes muy largos así que principalmente he viajado por Europa: Londres, Liverpool, Newcastle, Estocolmo, Helsinki, Berlín, Hannover, Zurich, Berna, Bruselas, Roma, Milán, Florencia, Boloña… La verdad es que viajar es siempre estimulante a todos los niveles, pero a nivel creativo y profesional para mí ha sido fundamental. Entrar en contacto con tantas maneras distintas de entender y de vivir la profesión me ha parecido siempre lo puto más y me ha ayudado siempre mucho a abrirme y enriquecer mis puntos de vista. A pesar de que responda entrevistas como si fuera un abuelo… ¡Imagínate de no haber viajado!

¿Cuál es el primer tatuaje que te fascinó? ¿Un tatuaje memorable relacionado con el mundo del rock, quizá?
Pues la verdad es que sí. Da un poco de vergüenza admitirlo, pero yo de chavalín era muy fan de Guns’N’ Roses y el tatuaje de la cruz que lleva Axl en el antebrazo me parecía increíble. El dibujo es de Billy White Jr, que no era tatuador, aunque fue concebido en primer lugar como tatuaje y usado después como alternativa a la portada censurada de Robert Williams. En Google se pueden encontrar fotos del tatuaje de la época y de su estado actual, vale la pena buscarlo.

¿A cuántos músicos conocidos has tatuado? ¿Quizá a alguno de tus compañeros en Runa?
Tanto Kike como Llubet llevan tatuajes míos, aunque no sé si se les puede considerar músicos conocidos. Así, conocidos, pocos, tatué al batería de Placebo hace años y casi tatúo a Brian Fallon de The Gaslight Anthem, que vino al estudio a buscarme pero no me pilló ahí. Creo que he tatuado a DJ’s famosos pero como no me entero mucho de ese rollo no recuerdo ningún nombre. Puesto así suena todo muy decadente, la verdad es que he tatuado a muchísimos músicos pero todos bastante del underground.

Desde la ignorancia, ¿el «autotatuaje» es una opción o siempre es mejor que te lo haga alguien?
Bueno, cuando estás aprendiendo, más que una opción debería ser una obligación. Primero te jodes un poco a ti mismo antes de empezar a joder a tus colegas. Una vez lo tienes más por la mano y ya no es una cuestión de necesidad, entra en juego el aspecto ritualista o lúdico, cada uno que haga lo que quiera, vaya, faltaría más. Yo me he tatuado a mí mismo varias veces a lo largo de los años así que para mí es una buena opción y una bonita experiencia. Aunque en general prefiero que trabajen otros.

¿Cuál es tu tatuaje favorito de un artista musical? ¿Y cuál, si te atreves a decirlo, has visto y has pensado «qué crimen»?
Creo que he visto más crímenes que otra cosa. El mundo debe de estar lleno de músicos con buenas piezas pero ahora no me viene a la cabeza ninguno en especial, mas allá del tatuaje kwakiutl que lleva Anthony Kiedis en la espalda, seguro que debe haber cada vez más pero no tengo en mente ninguno famoso.

Daniel Higgs revolucionó el mundo del tattoo y fue una de las figuras más influyentes de los 90

¿Conoces a otros tatuadores o tatuadoras que se dediquen también a la música, como tú? Que ahora recuerde, yo sólo caigo en la chilena Tomasa del Real, que ha dejado de tatuar en cuanto ha podido vivir de la música. Es significativo…
¡¡Daniel Higgs!! Revolucionó el mundo del tattoo, una de las figuras más influyentes de los 90. Creo que fue mil veces más influyente como tatuador que como músico. Aun así se retiró del tatuaje y se dedicó solo a la música y a la pintura. Este es el caso más destacable por el peso que tiene para nosotros. Hay más, como el del cantante de The Gallows, Frank Carter, que también dejó de tatuar para dedicarse a la música. En su caso la pérdida no fue tan dramática, no destacaba mucho que digamos y tampoco es que me flipe mucho lo que hace como músico. Hay ejemplos más locales (aunque sea chipriota), como el de Tas que tatuaba hace años en LTW y estuvo tocando el bajo en Electric Wizzard. También hay casos de músicos que tatúan, como Rogelio de Aullido Atómico. Conozco muchos tatuadores que también tocan pero la mayoría de nosotros somos más tatuadores que músicos. Yo no sé qué haría si tuviera la oportunidad de vivir de la música, supongo que dependería de la situación, si me dijeran que puedo vivir de Runa igual me lo pensaba y todo. Aunque supongo que seguiría haciendo tatus, estaría bien poder hacerlos por puro hobby, a ver qué se siente.

Hablando de mujeres tatuadoras… Como en otras áreas, la mujer está cada vez teniendo más visibilidad en la creación de tatus, pero imagino que es un ambiente generalmente muy dominado por hombres, ¿no es así? ¿Tienes tatuadoras favoritas?
Eso es algo que está cambiando a pasos agigantados, cada vez hay más tatuadoras y mujeres que organizan convenciones. Yo mismo solo he enseñado a dos personas a tatuar y las dos son mujeres. Aún hay más presencia masculina pero creo que no tardará mucho en quedar equilibrado. Totemica (que vendrá a trabajar unos días con nosotros en septiembre), Laura Yahna, Alex Matus, Rion, la Dolores, Arianna Fusini, Claudia De Sabe, Lucia Arnau, Anana y Luz son algunas de mis favoritas, pero vaya, ¡que hay muchísimas!

«Quién aún piense que tiene más sentido pagar por una zapas más de lo que pagaría por un tatu no debería tatuarse»

A alguien que no tiene tatuajes o que ha tenido malas experiencias, ¿qué le recomendarías antes de hacerse un tattoo?
Que se empape de tatu, que vaya a varios estudios y se mire los books, que aprenda la diferencia entre un tatuaje de calidad y uno malo, que no busque lo barato porque lo barato sale caro (quién aún piense que tiene más sentido pagar por una zapas más de lo que pagarías por un tatu no debería tatuarse) que invierta tiempo en Instagram si hace falta. Para bien o para mal, hay muchísima información al alcance de la mano de cualquiera hoy en día, tatuarse mal es casi un pecado.

Lidia Damunt se vuelve loca de la mano de Hidrogenesse en ‘El túnel’, con toques de rap y urban

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“Más peligrosa que la cocaína, haces que me suba la dopamina, de mi enfermedad eres la medicina, parece que me han dado calocaína porque sólo digo la verdad”. Así de potente comienza ‘El túnel’, el sorprendente nuevo single de Lidia Damunt, justo antes de volverse aún más loca, en este tema/aventura lleno de cambios de ritmo, subidas y bajadas, raps, efectos sonoros delirantes y coros femeninos.

Como ya hicieran en el gran ‘Vigila el fuego’, Carlos Ballesteros y Genís Segarra vuelven a producir a la artista murciana que diera sus primeros pasos musicales en el singular trío punk Hello Cuca. Damunt, tras haber recuperado su perfil rock más “convencional” (si es que algo de lo que haya hecho alguna vez puede calificarse así) en ‘Telepatía’, vuelve a apostar por el dúo barcelonés para la producción de este single que se publica Austrohúngaro en su colección Golden Greats. El 7” se publica oficialmente, con un remix de los propios Hidrogenesse en su cara B, el día 29 de junio.

Ese mismo día Lidia Damunt lanzará el videoclip que ha filmado Stanley Sunday para la canción, y que por el teaser mostrado promete ser tan desconcertante (en el buen sentido) como la propia canción, con la aparición de un coro griego integrado por, entre otras, Laura Antolín de Doble Pletina, además del trío protagonista.

Clint / El camino de la mano izquierda

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“Con el primer disco nos fue guay, pero después aprendimos que quizá nuestro lugar era otro”. Este ejercicio de honestidad brutal es la reflexión –en una entrevista de César Luquero para el número de junio 2018 de Rockdelux– de Harry El Sucio sobre la deriva de Clint, el grupo de rock instrumental que junto al resto de “Harry”s (El Ejecutor, Callahan y El Fuerte) forma desde hace casi 15 años, surgido tras la desaparición de su primer proyecto en la era del indie primigenio, The Umbrella-Hating Generation. Tras dos álbumes publicados en el esquivo sello Siesta, logrando con ellos cierta repercusión, el mundo se convirtió en un lugar inhóspito para la música sin vocales (ni consonantes). Ellos, tozudos, persistieron y en 2012, contra viento, marea y finanzas, se embarcaron en su disco más ambicioso, contratando al británico Guy Fixen (Laika) para la producción de ‘Asuntos internos’.

Por supuesto, en un mundillo en el que apenas grupos como Los Coronas o Los Tiki Phantoms han logrado pervivir, Clint no lo han tenido fácil. Máxime cuando, lejos del espíritu surf-twanguero de aquellos, más festivo y bailable, los madrileños recorren mucho más diversos parajes del rock instrumental, a menudo inspirados por las bandas sonoras –sobre todo de cine negro, a modo de homenaje al personaje interpretado por Clint Eastwood que les da coartada, pero no sólo de aquel–. En ese sentido, este insospechado cuarto disco del grupo, ‘El camino de la mano izquierda’, parido con muchos menos medios que su predecesor –produce Jorge Navarro, con la colaboración de Brian Hernandez (El Guincho, Los Punsetes) en la mezcla y máster– puede no ser su disco más poderoso o brillante –aunque sí que contiene un par de hitos en su carrera–, pero sí es un encomiable ejercicio de romanticismo y, por encima de todo, fidelidad a su manera de entender la música.

Arropados por la espectacular sección de metales ya presente en su disco anterior y en muchos de sus directos más una cellista y un contrabajista, ‘El camino de la mano izquierda’ remite a logros precedentes, resultando su disco más compacto y menos variado en cuanto a estilos hasta la fecha. Con todo, Clint aún logran sorprender en este cuarto esfuerzo en un par de ocasiones. La primera es la genial ‘Fémur dislocado’, en la que lanzan un órdago en forma de funk setentero rematado por unos “shabadabas” memorables, el mejor gancho de su carrera. La segunda está en la maravillosa mezcla de doo wop (sin “doo”s ni “wop”s) y blues con aires mediterráneos de ‘Suave es la noche’, con su fantástica y discreta alternancia de solos de clarinete, trompa, guitarra, cello…

Pero la falta de sorpresa, en su caso, implica que estamos ante otra colección de vibrantes ramalazos rock que se impregnan inopinadamente de surf, ska y psicobilly, remitiendo a Nino Rota (‘Fortuna no es suerte’), a R.E.M. (‘Amor nocturno’, ‘Raleigh tenía razón’) o a The Specials (en la grandiosa ‘Aprieta fuerte el gatillo’, por ejemplo) con perfecto sentido. Con regusto agridulce, hay que decir además que, en lo sonoro, el acabado de esta grabación tiene muy poco que envidiar a la de ‘Asuntos internos’. Más bien al contrario, resulta espectacular, como lo es también el trabajo gráfico del propio Harry El Sucio (reconocido artista de lettering bajo el nick Dirty Harry). En suma, no importa tanto que sus palabras suenen a constante derrota, al caramelo amargo del que sabe que ha hecho un buen trabajo que no demasiado público querrá apreciar. Lo que importa, lo que queda, es que pueden presumir de una carrera impecable, única, y del que este ‘El camino de la mano izquierda’ es un buen compendio, el resumen de lo mejor aprendido en este viaje.

Clint presentan ‘El camino de la mano izquierda’ este sábado, 16 de junio, en la Sala Moby Dick de Madrid.

Clasificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘Fémur dislocado’, ‘Aprieta el gatillo’, ‘Suave es la noche’, ‘Raleigh tenía razón’
Te gustará si te gustan: Los Coronas y Los Tiki Phantoms, pero más las BSOs de cine negro de los 60 y 70 o los primeros Calexico.
Escúchalo: Spotify

‘En tránsito’: Christian Petzold falla en su intento de trasladar la II Guerra Mundial a la actualidad

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Estrenada en la Berlinale hace tan solo unos meses, la nueva película del alemán Christian Petzold (‘Phoenix’, ‘Bárbara’) está basada en ‘Transit’, una de las novelas más célebres de Anna Seghers, escrita en 1944. En palabras del director, este libro ha marcado toda su trayectoria como cineasta, por su manera de plasmar el continuo tránsito en el que vivimos, ya sea como individuos, en nuestras relaciones, etc. La lectura de este, fue una recomendación del también cineasta, íntimo amigo y co-guionista habitual de Petzold, Harun Farocki, quien falleció en 2014. De hecho, la película está dedicada a él a modo de homenaje.

‘En tránsito’ se sitúa en Marsella durante la Segunda Guerra Mundial, donde refugiados de toda Europa huyen de la ocupación nazi. El protagonista, un joven alemán, suplanta la identidad de un escritor muerto para usar su visado y refugiarse en México. Pero en Marsella su camino se cruzará con el de Marie, de la que se quedará prendado, una mujer que no está dispuesta a marcharse hasta que no encuentre a su marido. La novedad de Petzold con respecto a la novela de Seghers es que el director traslada la Segunda Guerra Mundial a la actualidad, estableciendo así una suerte de símil con el problema de los refugiados en Europa.

El riesgo conceptual al que se somete la película, trata de solventar de forma más o menos efectiva, muchas de las carencias que el guion va acarreando a lo largo de sus cien minutos. Es, sin duda, lo más interesante de la propuesta, ya que sirve como una reflexión cercana del horror que supone vivir una guerra. Sin embargo, ‘En tránsito’ no es una película bélica, sino un retrato de personajes que están “atrapados” en una ciudad de paso, donde las casualidades y los encuentros fortuitos se producen con frecuencia, estableciendo así vínculos entre desconocidos. Petzold entra en su protagonista e intenta transmitir su angustia y sus pensamientos, pero siempre hay una distancia emocional que impide que se pueda establecer una conexión con él. La sugerente interpretación de Franz Rogowski ayuda a acercarnos a su personaje, pero no resulta suficiente dado que la manera en la que está escrito es demasiado fría. Es ahí donde reside uno de los principales problemas de la película, que acaba siendo víctima de su propia temática: el film no es más que un mero tránsito que no parece llevar a ninguna parte. Y no es algo intencionado, ya que su vocación es la de ser una obra cerrada y profunda.

Otro riesgo que toma Petzold es la inclusión de una voz en off en tercera persona a modo de narrador omnisciente, que añade un halo novelístico, pero que se siente más como un capricho que como una propuesta narrativa pensada. Según el propio director, este recurso se le ocurrió cuando fue al Camp Nou, y según entraba al estadio una voz en su cabeza iba haciendo de narrador describiéndole lo que veía. Tras esta anécdota, casi se puede confirmar que esto es algo “porque sí”, sin mayor explicación lógica. No sería un problema si funcionara, pero no es el caso.

No se puede acusar a ‘En tránsito’ de no ser atrevida, pero más allá del concepto de su planteamiento, hay poco donde rascar. El tramo final es un completo desvarío, lleno de giros absurdos, que emborronan aún más el sentido de la película. Es de agradecer ver a cineastas jugar con los tiempos o los recursos narrativos, pero aunque duela decirlo, este experimento de Christian Petzold es bastante fallido. 5,5.

Publicado ‘Liberation’ de Christina Aguilera, con Kanye West, MNEK, Julia Michaels, Anderson .Paak…

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Tras años de espera y meses de anticipación, los fans de Christina Aguilera ya tienen entre sus virtuales o reales manos ‘Liberation’, el nuevo álbum de la diva pop. Casi 6 años habían pasado desde que publicara su anterior álbum, ‘Lotus’, por lo que había una enorme curiosidad por saber qué se había traído entre manos la artista norteamericana. Gracias a sus adelantos, sabíamos que en él busca explorar “la belleza más cruda” –como da cuenta su portada, una foto en blanco y negro en la que, aparentemente, se muestra sin maquillaje (o casi)–, lo cual incluía también su música.

No lo pareció en ‘Accelerate’, el fabuloso buzz-single con el que confirmó el lanzamiento: su producción, ultratratada y retorcida como sólo Kanye West podría hacer, no terminaba de encajar exactamente en lo que cabía entender por cruda. Sí se ajustaban más a esa preconcepción el pianístico baladón ‘Twice’ y ‘Fall In Line’, su dueto con Demi Lovato, en buena medida decepcionante pero enmarcado en un rhythm & blues más purista. Más tarde, ‘Like I Do’, producida por Anderson .Paak –que vuelve a intervenir en el número soul-rock ‘Sick of Sittin´’– y con versos de Goldlink mostraba también un afán más contemporáneo, aunque destacaba sobre todo por su calidez.

Al fin hoy, con su publicación, descubrimos algunos de sus hasta ahora secretos. Por ejemplo, comprobamos que ‘Accelerate’ no es el único tema producido por West, que también es responsable de la espectacular base (creada en torno a un sample de Jackson 5) de ‘Maria’. Finalmente, y pese a su performance dramaqueenesca, MNEK sí figura en los créditos del álbum: produce, co-escribe y canta en la balada ‘Deserve’, en la que también ha colaborado Julia Michaels. La joven compositora e intérprete, autora de alguno de los últimos hits de Justin Bieber además del suyo propio, ‘Issues’, también participa (junto a su socio Justin Tranter) en ‘Right Moves’.

Otros artistas –habitualmente en la sombra, pero omnipresentes en el pop contemporáneo– que figuran en los créditos del disco son Ricky Reed, que produce la balada que cierra el disco, una ‘Unless It’s With You’ que han co-escrito Erik Hassle y “Lunchmoney” Lewis entre otros, Tayla Parx –la co-autora de buena parte de ‘Dirty Computer’ de Janelle Monáe interviene en varios temas– o Nicholas Britell: el compositor nominado al Oscar por la BSO de ‘Moonlight’, sirve el pasaje instrumental que abre el álbum y le da título. Degusten ‘Liberation’, que tiene mucha miga.

Vetusta Morla y la importancia de hacer camino: el grupo agota las 38.000 entradas para su próximo concierto en Madrid

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Cuando en 2017 publicábamos el artículo “la llegada del indie-mainstream” después del fichaje de Vetusta Morla por Sony como distribuidora de su catálogo, celebrábamos el hito absoluto que había supuesto para un grupo nacido desde la independencia haber sido capaz, hasta ese momento, de llenar “una Riviera tras otra” y de incluso actuar en el Palacio de los Deportes ante 15.000 personas.

Un año después, nadie había preparado al grupo para lo que acaba de conseguir: agotar las 38.000 entradas para su concierto en la explanada exterior de la Caja Mágica, en Madrid, el 23 de junio. El País ha confirmado la noticia, y además ha entrevistado a Pucho sobre el acontecimiento, quien declara: “Veníamos de tocar en el Palacio de los Deportes y teníamos las cuentas más o menos pensadas. Había duda, claro, aunque calculábamos bastante gente. Lo importante es ir llegando a estas cifras, es ir haciendo camino”. Pucho asegura estar “emocionado” por haber agotado casi 40.000 localidades, y celebra que aunque en el pasado el grupo ha actuado para más gente en festivales, esta es la primera vez que el grupo lo consigue por cuenta propia.

Como indica El País, un aforo de 38.000 personas no está al alcance de muchos artistas nacionales. En España, Héroes del Silencio han llegado a vender 65.000 entradas; Alejandro Sanz 50.000, pero ninguno de ellos es exactamente “independiente”, y la realidad es que en España este tipo de aforos suele reservar a nombres de gran envergadura como U2, Madonna, Bruce Springsteen o los Rolling Stones. Pero Vetusta Morla no solo ha conseguido lo que no consiguió ningún grupo indie en los 90, sino que ahora actúa para más gente que artistas tan populares como Pablo Alborán, Malú o David Bisbal, y todo desde la independencia (en los últimos meses, eso sí, con el empujón de Sony) y sin mostrar signo de conformismo en ninguno de sus discos. “Hemos hecho un esfuerzo para que el oyente no se sienta cómodo escuchando este disco”, nos decían en una reciente entrevista sobre su último disco ‘Mismo sitio, distinto lugar‘ que, también, fue uno de los más vendidos el pasado año incluso editándose bien entrado el otoño.

Habrá a quien le parezca una pequeña trampa que Vetusta Morla haya agotado localidades en una explanada exterior y no en un pabellón cerrado, pero si algo demuestra este histórico “sold-out” es que el grupo de Tres Cantos ya puede ir organizando conciertos en estadios como el Vicente Calderón de Madrid o el Lluís Companys de Barcelona (donde están a punto de actuar Beyoncé y Jay-Z). Vetusta Morla se ha convertido en un grupo de estadios como U2, y lo mágico de todo este asunto es que solo se lo pueden agradecer a una cosa: a su música.

L Kan dedican ‘Animal en extinción’ a uno de ellos: las carteras de Correos

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Un año tenemos que remontarnos para recordar la última novedad de L Kan, cuando lanzaban aquella ‘Ay Marie Kondo‘, que dedicaban al método para ordenar la leonera de cada cual de esta famosa youtuber nipona y les supuso un hito particular. Y justo mañana, 15 de junio, regresan con un flamante nuevo single titulado ‘Animal en extinción’. Un tema de su reconocible electropop-naif-de-escuela-Stereo-Total que, en este caso, sirve de homenaje para uno de esos seres destinados a desaparecer al que alude el título: las carteras (o carteros) de Correos.

Como no podía ser de otra manera, ‘Animal en extinción’ tiene un simpaticorro videoclip marca de la casa Kan que hoy, en JENESAISPOP, tenemos el honor de estrenar. Realizado y producido por Producciones Y Punto, la pieza repleta de humor muestra el periplo de B Kan como cartera de Correos, penando por las calles de la gran orbe y pugnando con la evolución de su especie: los repartidores de compras online y los mensajeros. Sin embargo, el vídeo, que cuenta con un loco cameo de Putochinomaricón, tiene más cuerda de la que parece en la superficie, y cabe esperar hasta su último segundo para ver el homenaje a ‘Thriller’.

Por el momento L Kan no nos revelan si este nuevo single es un lanzamiento único y tendremos que esperar otro año por más, o si formará parte de una obra más extensa. Porque, con la tontería, su último disco de estudio, aparte del «grandes éxitos regrabados» más algún tema inédito que fue ‘Lo nuevo y lo viejo‘, data de 2007 (‘Somos otra cosa’).

Belako actúan gratis en la presentación de San Miguel MusicExplorers Conectados, que busca artistas emergentes

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Hoy se abre el plazo para que artistas emergentes se apunten a San Miguel MusicExplorers Conectados en Málaga. La iniciativa pretende «explorar la realidad musical de Málaga para empujar al público a descubrir bandas emergentes y hacerles disfrutar de la experiencia de vivir la música en directo». En concreto se buscan teloneros para conciertos de Sexy Zebras (13 de septiembre), Airbag (29 de septiembre) y Hora Zulú (18 de octubre). También se buscarán DJ’s emergentes en otro evento por determinar durante el mes de julio. Las inscripciones de artistas noveles pueden hacerse ya a través de sanmiguel.es, y durante las próximas cuatro semanas.

Además, habrá un concierto gratuito de presentación de esta iniciativa en la Fábrica San Miguel de Málaga el próximo 21 de junio, en el que tocarán Belako y pinchará EME DJ. Las invitaciones a todos los conciertos y sesiones de DJ’s se podrán conseguir de forma gratuita a través de la misma web. Una vez dentro tienes que escoger el concierto al que quieres asistir, si eres artista clicar en «actúa con ellos» y si eres público en «consigue tu entrada».

El jurado para artistas emergentes estará compuesto por los miembros de las bandas consagradas, representantes de San Miguel y de Mondosonoro. Además del premio de ser telonero de Sexy Zebras, Airbag y Hora Zulú, los ganadores emergentes recibirán un premio en metálico y una de las bandas será elegida para tocar en el escenario San Miguel en WAU Festival.

C. Tangana a Yung Beef: «no estás haciendo revolución, simplemente no tienes ni puta idea de cómo se aprovechan de ti»

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C. Tangana y Yung Beef continúan con su disputa -medio en broma medio no-. Después de haber comparecido juntos en una rueda de prensa en Primavera Sound, en la que C. Tangana se metía con el rey y su familia, Tangana lanzaba un tema llamado ‘El Rey Soy Yo / I Feel Like Kanye’. Yung Beef publicaba poco después en respuesta ‘I Feel Like Kim’, y la respuesta de C. Tangana a ese «HAY COSAS QUE NO SE COMPRAN CON DINERO, MAJESTAD»… vale 20.000 euros si es en forma de canción, ironizando con su propio sentido mercantilista. Eso sí, si es en forma de texto es gratis.

Por un lado, C. Tangana ha dicho que por menos de 20.000 euros no va a sacar «diss track». Para conseguirlos, ha sacado a través de la tienda de su web una camiseta roja como ella sola, en la que se ve a Yung Beef caracterizado como Che Guevara. Desconocemos si pretende vender 1.000 unidades a 20 euros o tendremos que esperar a que se saque los 20.000 euros descontando gastos de fabricación y envío. Por otro lado, lo interesante de verdad ha sido una carta abierta que C. Tangana dirige a Yung Beef (le llama por su verdadero nombre, Fernando). En ella le pide que cuente qué pasó de verdad con el contrato de PXXR GVNG con Sony (actual sello de C. Tangana), le acusa de hacer apología de la ignorancia y le dice que se están aprovechando de él.

En el texto le dice a Yung Beef que “le están haciendo el lío” porque tener un sello propio como La Vendición es algo que él ya lo experimentó con Agorazein “pero con un deal mejor”: “Por aquel entonces el boom del streaming no había llegado y el porcentaje para el artista con una distribuidora indie era bastante mejor que ahora. Luego me di cuenta de que la mayoría de empresas de distribución pertenecían a las multinacionales, que el precio de mi música lo acordaban entre la distribuidora digital y la empresa de streaming y que además era secreto”.

Continúa (las negritas son nuestras): “Fernando, no estás haciendo revolución, simplemente no tienes ni puta idea de cómo se aprovechan de ti. Te la están haciendo igual que César cuando te puso un contrato delante que era de risa. Y el problema no es de Cesar ni es de Sony, el problema es tuyo. La culpa es una mierda que se inventaron los cristianos para tener a la gente mansa (…) Has elegido la ignorancia, quedarte en un lugar en el que no sabes lo que cobras ni por qué lo cobras y en el que no puedes ni ponerle precio a lo que tú mismo haces. Gente que no conoces decide cuánto vales y te dan tu parte de vez en cuando. Elige eso para ti pero no le vendas esa idea a los chavales. Yo quiero que los chavales sean poderosos. Yo quiero un país de reyes. No quiero que la gente esté dominada por el poder, quiero que usen el poder para liberarse. Y esto no tiene nada que ver con firmar o no para una multi, tiene que ver con el poder. Y el poder no solo es el dinero”.

Sigue: “Toda España sabe que eres más listo de lo que nos haces creer. Eso es lo único que no respeto de ti. Fernando, eres buen rapero pero la apología de la ignorancia hace a la gente imbécil y fácil de manejar. Diles la verdad, diles que aprendan, que si no saben algo busquen alguien que les enseñe. Cuéntales lo que te pasó. Si tú hubieras sabido qué significaba lo que estabas firmando con Sony hubieras podido decidir mejor si eso te interesaba o no. Elegiste tirar palante sin saber qué iba a pasar y cuando todo te salió mal empezaste con el argumento del artista».

Justifica así el uso de la imagen del Che en su camiseta: “Te ha pasado como a la imagen del Che, el sistema ha sabido aprovecharse de ti para sacar partido a todos tus followers y ya solo te queda el discurso, no hay nada que puedas cambiar desde esa postura. Vas a la guerra con piedras y palos”. Termina: “una vez me dijiste que el enfrentamiento no era malo, que las mejores cosas que habías hecho como artista fueron cuando alguien te quería tirar. Gracias por esa la estoy usando”.

Yung Beef ha escrito después en Twitter cosas como «El que tenga más cosas cuando muera, gana» o «La avaricia rompe el saco».

Low Festival refuerza su apuesta por la electrónica

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Low Festival sigue sumando a su apuesta por la electrónica, llamada «Beats by Low». Hoy llegan 23 nuevas confirmaciones de electrónica que se unen a gente ya anunciada con anterioridad como The Chemical Brothers o Vitalic. Entre ellos está el responsable del French Touch Alan Braxe, colaborador de Thomas Bangalter (Daft Punk) y Fred Falke, que ha producido remixes para Björk, Justice o Britney Spears.

También está Louisahhh, una de las DJ’s y productoras clave de la escena club norteamericana y residente de BBC Radio 1; Alex Metric, Yahaira, Miqui Brightside o Dani Less. Esta es la programación completa de Beats by Low:
The Chemical Brothers
Vitalic ODC Live – Vive La Fête
Moullinex – Alan Braxe – Louisahhh – Alex Metric
Elyella – DJ Coco – Yahaira – Dani Less – Miqui Brightside
Flash Show DJs – Club Gordo Sociedad Ilimitada – Tinglao Showcase
Menta! Showcase -Stereo Old School – Jes Set – Difenders
Freazer – Hal9000 – Nando Costa – Isma El – Basstianz – DJ Pegatas
Rêve Disco Club – Kutxu – J-Ribes – Nat Vegas – Miss Deep’In

En las próximas semanas se darán a conocer las últimas bandas confirmadas para Low Festival 2018, que se sumarán a estos y otros artistas «no electrónicos» como Phoenix, Editors, Los Planetas, Izal… Serán conciertos que tendrán lugar tanto en el recinto del festival como en las preparties oficiales en el Hotel Oficial del certamen, Benidorm Celebrations. Las entradas para el festival, disponibles desde 40 euros, subirán de precio esta noche.

Aciertos y misterios en el primer concierto de aniversario de ‘Una semana en el motor de un autobús’ de Los Planetas

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Anoche se celebraba en Joy Eslava, Madrid, el primer concierto de XX Aniversario de ‘Una semana en el motor de un autobús’, uno de los mejores discos de Los Planetas. Había ganas de ver a la formación granadina en un show diferente al habitual tras años viéndoles hacer más o menos lo mismo: interpretar las canciones densas en una primera mitad (que si ‘Señora de las Alturas’, que si ‘Ya no me asomo a la reja’) dejando los principales hits para la segunda o el final (‘Un buen día’, «Pesadilla», ‘De viaje’).

Los Planetas interpretaban anoche ‘Una semana en el motor de un autobús’ al completo y en orden, sin Eric a la batería ni Banin a los teclados, sustituidos por un quinteto de cuerda y un piano. Sin la base rítmica habitual, el quinteto tejía un manto en el que recostar las canciones, creando cierta base en algunas de ellas y normalmente provocando un crescendo hacia el final, cerrando algunas de las pistas con el momento de mayor brío. El procedimiento habitual de cada canción era el siguiente: el público, muy respetuoso pidiendo silencio constantemente -algo que hay que celebrar, pues a veces los eventos gratuitos patrocinados son lo peor en ese sentido- comenzaba cantando muy bajito hasta la llegada de un gancho, de un estribillo popular, donde la participación popular se desmadraba imposibilitando la apreciación de detalle. Algunas veces procedía, como en el entonar colectivo de «seremos cientos por cada uno de los vuestros» de ‘Ciencia ficción’, muestra del carácter generacional del disco, pero otras era una pena porque la ecualización y el sonido de Joy Eslava han terminado siendo estupendos si el técnico que acompaña es bueno, pero no había manera de apreciar los momentos más intimistas de un concierto muy trabajado, que daba, por ejemplo, un final de ensueño nuevo a ‘Laboratorio mágico’.

Después, hubo problemas demasiado visibles y mal disimulados. Desde la segunda canción, se vio a un Jota algo torpe, olvidando parte de las letras de las canciones. Y si eso pasaba en la popular ‘Desaparecer’, qué no iba a pasar en otras, como así fue. Es un verdadero misterio que en 25 años el artista no haya sido capaz de averiguar cuál es la manera más disimulada de leer una letra que no te sabes. Optó por una muy digna y elegante, casi solemne, un atril, pero como desconociendo que hay atriles más altos, más bajos, y que se regulan, Jota optó por agacharse él mismo, con toda la cara de despiste posible, cada vez que se le iba un texto. También se le cayó una pandereta durante la cumbre de ‘Cumpleaños total’. Nada grave, no hubo ningún «meltdown», pero el show careció de ese esperado carácter de hito por este motivo.

Tampoco acompañó parte del público. Hubo mucho respeto y mucha petición de silencio, también un fan en primera fila que no paró de mover los brazos en éxtasis tocaran lo que tocaran Los Planetas. Pero también hubo gente preguntando a gritos dónde estaba Eric solo por tocar los huevos, pidiendo que tocaran alguna eléctrica (¿se habían leído el programa? ¿por qué no dejar tu lugar para los muchos fans que se habían quedado fuera si no te interesaba el formato orquesta?) o jaleando en mitad de ‘Línea 1’ a Floren porque se pillaba un mini. Bizarro -en los dos sentidos de la palabra, el castellano y el anglosajón- si recordamos de qué va ‘Línea 1’.

Hubo bis, como dejaba claro el hecho de que los músicos no se movieran de su sitio cuando lo que había de Los Planetas abandonaba el escenario tras la celebradísima «Copa de Europa». El grupo quiso añadir dos temas que no pertenecían a «Una semana» pero que pegaban totalmente en este formato: una espléndida versión de ‘Los poetas’, con un Jota mucho más concentrado -se nota lo que le gusta hacer ahora mismo- y una ‘De viaje’ que no dudaría en coronar como la cumbre del set por encima incluso de la inicial ‘Segundo premio’, de ‘La playa’ o de ‘Toxicosmos’. Teniendo en cuenta el disco que se presentaba, una paradoja más que sumar a la lista. 7.

Como teloneros, Pájaro Jack hicieron un bonito concierto en formato trío (acústica, eléctrica y teclados/percusión), con un sonido también estupendo que permitía perfectamente seguir las letras, recordando musicalmente a CRAG, a Los Brincos y en algún punteo a Johnny Marr. Estupendas sonaron canciones como ‘David Luiz’ o ‘El segundo huracán’. Una pena que el público no escuchara demasiado… eso sí que era una jauría y no lo de Màxim Huerta

Fotografías cedidas por TIDAL

Sigue Sónar 2018 en directo: Gorillaz, Diplo, Rels B…

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Sónar 2018 está ya en marcha, como os estamos contando a través de nuestro Instagram. Si estáis en casa este fin de semana, podréis seguir el festival en directo a través del player que gentilmente la organización ha compartido con JENESAISPOP. El seguimiento puede hacerse gracias a la plataforma cultural online de la televisión pública francesa Culturebox.

Entre los shows que se retransmitirán están más de 40 actuaciones, entre las que destacan Gorillaz, Diplo, Laurent Garnier, Rels B, Bonobo, Daedelus, Little Simz, George Fitzgerland, Henry Saiz & Band, Tokimonsta AV Live, Yung Lean, y Goldlink, entre otros. Puedes consultar todos los horarios bajo estas líneas y debajo del player.

Jueves 14
13.00-14.30 Ivana Ray Singh
14.30-15.35 Absolute Terror
15.35-16.35 Undo
16.40-17.20 Kokoko!
17.20-18.30 King Doudou
18.30-19.30 Little Simz
19.30-20.30 Undo – Re-broadcast
20.40-21.55 George Fitzgerald

Viernes 15
Sónar by Day
13.00-14.30 Atzar
14.30-15.00 King Doudou – Re-broadcast
15.00-16.00 Daedelus Re-broadcast
16.00-17.30 Jamz Supernova
17.30-18.30 Kampire
18.30-19.30 Distruction Boyz
19.30-20.10 Mr Eazi
20.10-20.55 Diplo

Sónar by Night
20.30-21.55 DJ2D2
22.00-23.30 Gorillaz
23.30-00.30 Yung Lean
23.40-01.10 Young Marco
00.40-01.15 Benjamin Damage
01.20-02.35 Bonobo
02.45-03.45 Alizzz
03.55-05.10 Diplo
05.30-07.00 TBC

Sábado 16
Sónar by Day
13.00-14.15 YDVST
14.15-15.30 Olde Gods
15.30-16.20 Henry Saiz & Band – Re-broadcast
16.20-17.25 Dre Skull
17.30-18.15 Rels B
18.15-20.00 Jarami
20.00-20.30 Maribou State
20.55-21:40 Diplo

Sónar by Night
20.30-21.55 Bawrut
22.00-23.20 C.E.E Shepherds
23.30-00.30 Tokimonsta
00.05-01.10 Call Super
00.35-01.45 Joe Kay
01.55-02.55 Goldlink
03.05-04.15 Objekt
04.15-07.00 Laurent Garnier
05.45-07.00 Charlotte De Witte

Vídeo: medley de hits y peineta de Robbie Williams en la inauguración del Mundial

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Robbie Williams ha sido el protagonista de la inauguración del Mundial de Fútbol de Moscú, como se había anunciado, pero no ha interpretado, pese a encontrarse en el país pertinente, su single ruso ‘Party Like a Russian’. Las canciones estrella de su show han sido viejos hits de su discografía como ‘Let Me Entertain You’, ‘Feel’, ‘Angels’ y ‘Rock DJ’. Su actuación ha sido cuestionada y hay quien ha criticado que actúe «para el dictador Putin», como han sido las palabras de Bill Browder.

También ha sido noticia por marcarse una peineta ante millones de espectadores. Como ya dijo M.I.A. después de la Super Bowl (acompañándolo de pruebas), nada que los aficionados al rugby o al fútbol no estén acostumbrados a ver. 

Robbie ha interpretado fragmentos de estos 4 hits a lo largo de unos 10 minutos, si bien durante ‘Rock DJ’ -la canción con la peineta- algunas televisiones han pasado a publicidad. ‘Let Me Entertain You’ ha sonado mientras Robbie se acompañaba de bailarinas y decenas de personas jugando con pelotas de fútbol en un show horterilla muy alejado de la sofisticación que suele verse en la Super Bowl. La soprano Aida Garifullina, que aparecía a bordo de un animal alado recordando a la Katy Perry de ‘Roar’, ha colaborado ya al inicio de ‘Feel’ pero sobre todo ha tenido su protagonismo en ‘Angels’, abiertamente un dueto de tintes surrealistas en algún momento, en este entorno futbolero.

Dcode ha vendido ya el 75% del aforo, no será más «mainstream» en el futuro y responde una crítica por la poca paridad

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Dcode, que tendrá lugar el 8 de septiembre en Madrid, ha celebrado su tradicional acto de presentación en la Piscina de la Complutense de Madrid, tras haber tenido lugar el mes pasado Dcode Lab (un ciclo de conferencias y mesas redondas) en las aulas de la universidad. Roberto Grima, director de Dcode, ha hablado de nuevo de la importancia de la conciliación a través de la celebración de Dcode Kids, con conciertos durante la mañana del mismo día 8 de septiembre, y ha informado de que se tomarán medidas contra el acoso a través de un punto de información, en sintonía y colaboración con otros festivales.

Nacho Córdoba, de booking, ha ofrecido novedades sobre el cartel, pese a que ya se conocen casi todos los grandes nombres, lo que incluye a Imagine Dragons, The Vaccines, Bastille o Albert Hammond Jr. A principios de septiembre se confirmará a una gran banda nacional (antes no se puede anunciar por compromisos contractuales) y ojo porque para entonces es muy posible que las entradas ya se hayan agotado. Ya se han vendido 18.000, el 75% del aforo. Seguro que Imagine Dragons y sus recientes sold-outs en estadios de cerca de 20.000 personas en Madrid y Barcelona han tenido mucho que ver.

Además de confirmarse hoy a Berri Txarrak, la organización ha podido responder las preguntas de los asistentes. Javier Herrero de EFE ha puesto sobre la mesa la escasa paridad del cartel de este año cuando otras veces Dcode ha sido un gran ejemplo de la misma. Nacho Córdoba ha respondido que siempre se plantean que haya un 50% de artistas femeninas, y en concreto ha apelado a 3 o 4 artistas que querían para este cartel, pero finalmente sucumbieron a las ofertas de otros festivales. La organización ha insistido ante varias preguntas en que este cartel 2018, más mainstream, no es necesariamente un avance de lo que será Dcode en el futuro, sino que se busca la coherencia de unas cosas con otras en cada edición.

Finalmente Viva Suecia, Nat Simons e Izal, presentes en esta edición y en la presentación de hoy, han tenido unas palabras. Mikel de Izal ha dicho que Dcode suele estar en la «hoja de ruta» del grupo, ha recordado que tocaron a las seis de la tarde cuando no eran famosos y ha indicado que es un gusto ir «en autobús» a tocar en un festival en su ciudad.

La Canción del Día: Troye Sivan y Ariana Grande son más de Netflix & Chill (y de follar en la encimera)

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Troye Sivan está yendo a más con los adelantos de su próximo disco. Al principio se habló de una estrategia a lo Lorde con ‘Melodrama’, lo cual no le benefició en nada: ‘My My My!’ (lanzada hace ¡cinco meses!) era un tema simpático, y ‘The Good Side’ una bonita balada, pero, evidentemente, no se acercaban a ‘Green Light’ y ‘Liability’. Pero ha coincidido el cese de las comparaciones con la neozelandesa con el lanzamiento de dos temazos como el corte ‘Bloom’ que da nombre al álbum y ahora este ‘Dance to This’.

Ese título, y el hecho de que fuese una colaboración con Ariana Grande, ha hecho que muchos esperasen un non-stop a lo ‘Me Against The Music’ y se hayan sorprendido con el resultado. Evidentemente no se trata de una balada, pero el single está más cerca de los sonidos de The XX, Noonie Bao (no en vano, co-autora de la canción) o incluso el ‘Passionfruit’ de Drake. Las voces de Ariana y Troye combinan muy bien, y ella demuestra de nuevo lo bien que defiende un medio tiempo que se deja querer por lo dance, recordando a su no-single ‘Thinking About You’.

Y es que, para ejemplificar su significado, esta canción está más cerca de ‘Thinking About You’ que de ‘Into You’. La carga sensual de la pareja que esa noche pasa de salir de fiesta no es de un nivel evidente, pero tampoco pone mucho empeño en ocultarse, con esos momentos soy-sutil-pero-no, como “we don’t need no place to go / just put on the radio / you know what I wanna do” o el gancho “I don’t wanna sleep tonight-night-night-night-night, I just wanna take that ride”. O la que es desde YA una de las grandes frases del pop de este año: “under the kitchen lights / you still look like dynamite”.

Nicki Minaj y Ariana Grande tienen una cama y “lleva tu nombre”, o eso dicen en ‘Bed’

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El 20 de junio, Ariana Grande estrena su nuevo single con Nicki Minaj, ‘The Light is Coming’. Pero hoy jueves llegaba una segunda colaboración entre ambas, ‘Bed’, que en este caso es single de Minaj y se incluirá en ‘Queen’, el disco que la rapera publica el próximo 10 de agosto. Y la canción ya está disponible en las plataformas de streaming.

‘Bed’ parte del mensaje “tengo una cama y lleva tu nombre” para desplegar una sensualidad cálida y etérea, ajustada a un ritmillo dancehall a la moda similar al que le acabamos de oír a Ariana en su single con Troye Sivan. Mientras esta interpreta el gancho melódico de la canción (“no me hagas esperar hasta la mañana, tengo una cama y lleva tu nombre, amáme”), ‘Bed’ sitúa a Minaj rapeando sobre las cosas que quiere que su hombre le haga en la “cama”, o sobre su ropa interior y su “pequeño cuerpo”, que quiere compartir con esta persona.

‘Bed’ es el tercer avance oficial de ‘Queen’, tras ‘Chun-Li’ y ‘Rich Sex’. No, finalmente ‘Barbie Tingz’ no formará parte del proyecto, como puede apreciarse en el tracklist del álbum en iTunes. ‘Barbie Tingz’ salió a la vez que ‘Chun-Li’ y ha sido el single que menos ha funcionado de los dos, aunque su ausencia del disco es una decisión extraña, ya que entre Youtube y Spotify suma más de 60 millones de streamings, que no está nada mal.

Kesha contó a Lady Gaga que Dr. Luke violó a Katy Perry, él acusa a Kesha de mentir

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Cuando Lady Gaga fue llamada a declarar en 2017 por su relación con el caso que enfrenta a Kesha con su antiguo productor, Dr. Luke, se reveló que el objeto de su declaración eran unos mensajes de texto intercambiados entre Kesha y Gaga en febrero de 2016 en los cuales la primera contaba a la segunda que Dr. Luke había violado a otra artista aparte de a ella.

Ahora se ha desvelado que esa otra artista a la que se refería Kesha es Katy Perry, quien trabajó con Dr. Luke en una buena parte de su disco ‘Teenage Dream‘ y en otros éxitos como ‘Roar’. En unos nuevos documentos entregados por Lukas Gottswald (Dr. Luke) y a los que ha tenido acceso The Blast, el productor acusa a Kesha de mentir a Gaga y contarle que él violó a Perry. Además, acusa a la autora de ‘Joanne‘ de posteriormente “difundir mensajes negativos sobre Gottswald en la prensa y en las redes sociales”, refiriéndose el documento por ejemplo a unos tuits publicados por Gaga en 2016 en los que compartía mensajes en apoyo a Kesha.

Si bien Katy Perry ha testificado en el caso, sus declaraciones no se han hecho públicas por el momento. Sin embargo, el equipo de Dr. Luke ha asegurado a E! News que Perry “ha negado haber sido violada por Dr. Luke”, y que las acusaciones de Kesha “no tienen fundamento y son irresponsables, e irrespetuosas tanto con Katy Perry como con Dr. Luke”. Perry jamás ha acusado a Dr. Luke de ningún tipo de abuso, aunque dejó de trabajar con él en su último disco, ‘Witness‘, afirmando que “tenía que dejar el nido”.

Drake se reúne con sus ex-compañeros del Instituto Degrassi (y de paso lo queman) en ‘I’m Upset’

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Drake había anunciado que este mes de junio publicaría ‘Scorpion’, su nuevo álbum, sin especificar la fecha exacta. Desde hoy sabemos que será el último viernes del mes, el día 29, cuando llegará a nosotros esta obra que no hace falta ser muy listo para vaticinar que será un éxito comercial seguro, habida cuenta de los resultados de sus discos precedentes –la mixtape ‘More Life’ y el álbum ‘Views’– y, sobre todo, de singles como ‘God’s Plan’ o ‘Nice For What’. El anuncio lo ha hecho subiendo una imagen suya a sus redes sociales que, posiblemente, será su portada.

Coincidiendo con este anuncio, también se ha lanzado el clip oficial del último de los sencillos presentados de este disco, ‘I’m Upset’. Aunque su concepto sea totalmente distinto al del vídeo de aspiración feminista de ‘Nice For What’, de nuevo ha confiado su dirección a Karena Evans, que ha tenido que materializar una idea bastante marciana: reunir a (parte) del elenco de la popular saga televisiva canadiense ‘Degrassi’, que ha narrado las peripecias de los estudiantes de un instituto de Toronto desde finales de los 70 hasta la actualidad. Lógicamente, eso implica varias generaciones de adolescentes, lo cual incluye a la del propio Drake, que por si alguien no lo sabe fue uno de los protagonistas de la serie en los primeros 2000.

Emulando una de esas reuniones de ex-copmpañeros de insituto tan comunes en Norteamérica, Aubrey Graham se une a actores y actrices de su época en el programa –lo cual incluye un cameo de Jay y Silent Bob, los populares personajes de Kevin Smith, que hicieron una aparición estelar en algunos capítulos de la serie– para celebrar una fiesta que termina como el rosario de la aurora. Una noticia estrictamente musical de Drake, ya que para su disgusto últimamente sólo había ocupado titulares por una disputa dialéctica con Pusha T que ha derivado en la ruptura de su amistad con Kanye West.

JUNE 29 2018 🦂

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Céline Dion y Ryan Reynolds trolean a Kanye West en Twitter a cuenta de ‘Deadpool’

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La cuenta de Twitter de Kanye West sigue siendo una mina de noticias, las más veces polémicas, otras simplemente llamativas o desconcertantes y alguna vez, como la que nos ocupa, rijosas. Tal y como nos advierte nuestro ex-colaborador Lolo Rodríguez, en las últimas horas Kanye ha sido troleado a lo grande por dos artistas bien populares.

«Me encantan las dos pelis de ‘Deadpool’ :fuego: :fuego: :fuego: (etc.) He escuchado temas en ellas que suenan similares a los míos… hermano habría limpiado mi música para ‘Deadpool'», decía West hace un par de días, emocionado por la exitosa franquicia del superhéroe Marvel producida y protagonizada por Ryan Reynolds. Un mensaje que llegó al propio actor y al que respondió con guasa «Estoy de acuerdo. Voy a tener una charla con Celine (sic) Dion». Si recordáis, el tema principal de la BSO de ‘Deadpool 2‘ es un baladón de la canadiense, que siguió el juego a Reynolds y remataba «Hmm…“Ashes (Yeezy Remix)” suena muy bien… – Céline xx».

En el plano estrictamente musical, Kanye West sigue esta semana con su plan de publicar un disco de 7 cortes cada viernes durante todo el mes de junio. Tras los discos de Pusha T, el suyo propio –‘ye’, Disco Recomendado– y el de Kids See Ghost –junto a Kid Cudi–, mañana llegará el disco que ha producido para Nas, cuyo tracklist ha revelado en… wait for it… Twitter.

González Sinde defiende a Màxim Huerta en una columna llamada «No somos delincuentes»

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Tras la dimisión del ministro de Cultura y Deporte Màxim Huerta al descubrirse la sentencia que le obligaba a pagar más de 200.000 euros defraudados a Hacienda entre 2006 y 2008, los intereses, las costas y una multa, la ex ministra de Cultura y guionista Ángeles González-Sinde ha escrito una columna para El Periódico en la que le defiende.

El problema principal de Huerta fue la creación de una sociedad para no declarar como autónomo y pagar menos, cuando en esa sociedad no había nadie más que él. Sinde indica que es algo que «le ha ocurrido a cientos, miles de personas en estos últimos años, especialmente gente de la cultura». Continúa: «Todos los escritores con premios literarios, arriba de la lista de ventas, actores y actrices conocidos, músicos, directores de cine, productores… La lista es tan larga como profundo el silencio que han guardado estas personas durante las dos legislaturas en las que el ministro Montoro estuvo a la cabeza de Hacienda y no había ministro de Cultura para defenderlos. La gente callaba por miedo, sí, sencillamente por temor a que las garras de Hacienda se hincaran todavía más en su carne. Yo misma tengo miedo mientras escribo estas líneas. ¿Y si por hablar mañana me toca a mí?».

González-Sinde apela a la creación de un Estatuto del Artista, algo que ya había sido apuntado como prioritario por Màxim Huerta y afirma que «constituir una sociedad con la que facturar por los trabajos fue la alternativa de muchos para tener un tratamiento fiscal más favorable y poder ahorrar en los tiempos de vacas gordas, para vivir en los de vacas flacas. Eso no es defraudar ni engañar. Es tributar en un régimen o en otro, pero tributar».

La ex ministra se queja: «es tristísimo comprobar una vez más que en España pertenecer al sector cultural se paga muy caro. Desde el primer día el cuestionamiento de Huerta superó al del resto de gabinete. Deprime también pensar que ha triunfado lo que el Partido Popular se propuso desde el “No a la guerra”: propagar la idea entre la ciudadanía de que los artistas somos unos delincuentes que vivimos del cuento».

Sinde termina hablando del «posterior estrangulamiento por parte de Hacienda del Ministerio de Cultura que administra sus intereses» y termina: «Montoro ha vuelto a ganar la batalla contra la cultura sin necesidad de ocupar su despacho del Ministerio. Pero no somos delincuentes, somos trabajadores como cualquiera».

George FitzGerald / All That Must Be

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Tras su buen debut con ‘Fading Love’ y ya consolidado en la escena electrónica, George FitzGerald ha entregado este año un segundo largo con mayores aspiraciones, a través de colaboraciones de renombre como Tracey Thorn y Bonobo. Y lo cierto es que las primeras impresiones ofrecidas, a través de sencillos como el estupendo ‘Roll Back’, con la colaboración vocal de Lil Silva, y ‘Outgrown’, una fabulosa progresión –con instantes de piano y calma– mano a mano con el ahora estelar Bonobo, ponían los dientes bien largos de cara al lanzamiento.

La impresión global de ‘All That Must Be’, sin embargo, no es tan óptima. Entre sus grandes lagunas está la ausencia de una personalidad rotunda, entre recurrentes ecos a tótems de la electrónica con los que FitzGerald se educó –Underworld, Orbital, Depeche Mode–. Ya no es que no alcance a esos nombres, tarea poco menos que imposible, sino que ni siquiera es capaz de mostrar algo, una chispa que no encontremos en mayor y mejor medida en coetáneos como Moderat, Jon Hopkins, Four Tet o el Floating Points más hedonista. Es un disco a medio camino del pop electrónico y el house, en general ameno (con alguna fase tediosa, también) y en buena medida bailable. Pero sólo ocasionalmente encontramos en él cosas memorables.

Y esos instantes coinciden –con la excepción del citado ‘Outgrown’, el recuperado ‘Burns’ o el hipnótico ‘The Echo Forgets’, construido sobre un sample de Lou Rhodes de Lamb– cuando juega la carta de la melodía vocal, como ya ocurría en su debut. En ese perfil, emerge la gran joya de este álbum, el arrebatador número house-pop ‘Half-Light’, interpretado maravillosamente por Tracey Thorn, confirmando su majestuosidad como diva. Un tema creado, por cierto, junto a Oliver Bayston (Boxed In), que ya colaboraba en ‘Full Circle’, lo mejor de ‘Fading Love’. ¿Casualidad? No lo parece. En cuanto a FitzGerald, se confirma que resulta más convincente cuanto más se orienta al formato canción. Quizá ahí –¿montando un grupo con vocalista? ¿produciendo a artistas pop?– podría estar su gran baza creativa.

George FitzGerald estará presentando ‘All That Must Be’ hoy jueves en Sónar Barcelona.

Clasificación: 6,7/10
Lo mejor: ‘Half-Light’, ‘Roll Back’, ‘Outgrown’, ‘The Echo Forgets’
Te gustará si te gusta: Moderat, Jon Hopkins, Bonobo
Escúchalo: Spotify

La visibilidad lésbica, a debate y en primera plana, gracias a Rita Ora… ¿o pese a ella?

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La polémica por el lesbianismo falso aparentemente prodigado en el último single de Rita Ora, ‘Girls’, ha sido noticia desde el mismo día del lanzamiento de la canción. La letra del tema, que incluye la colaboración entre Cardi B, Charli XCX y Bebe Rexha, hablaba de «hacer la tijera» o de «besar a chicas rodeada de vino tinto», recordando a lo bobo y realmente poco lésbico de ‘I Kissed a Girl’ de Katy Perry, ya cuestionada -aunque no tanto- en su momento. La composición de Katy Perry se editaba hace una década, eran otros tiempos en que las redes sociales, la corrección política, la ética y la responsabilidad del artista no eran desde luego lo que son hoy y nuestra visión sobre lo que significa ‘I Kissed a Girl’ ha ido evolucionando estos años. Aunque sigue siendo divertida en vivo, hoy suena como una canción de otro tiempo que de ser lanzada ahora, la artista responsable tendría que justificar.

Es lo que ha pasado con ‘Girls’. Artistas como Hayley Kiyoko o Kehlani, como merecidas portavoces de la comunidad LGTB+, han criticado el contenido de la canción. La primera, que ha hecho este año uno de los discos más importantes de la historia del pop para la visibilidad lésbica, ‘Expectations‘, decía que ella no necesitaba ningún vino tinto para besar a una chica porque formaba parte de su vida diaria. Kehlani hablaba de sororidad pero puntualizando: “no quiero hacer de esto algo personal. He sacado una canción increíble con una de estas artistas y me encantaría trabajar con las otras tres también. Las conozco a todas y las respeto. Simplemente hay frases dañinas en la canción. Punto”. Sus autoras tenían que salir a explicar la letra, con Charli XCX dando un interesante punto de vista: “Rita tiene todo el derecho a contar su historia porque no lo está haciendo desde un punto de vista que busque la explotación. No entiendo por qué su historia es menos válida que la de cualquier otra persona”.

En España hemos preguntado a Las Chillers, también muy activas en la comunidad LGTB+ por su visión. Su miembro Laura Villar opina sobre ‘Girls’ que es un “producto prefabricado que busca provocar una reacción mayoritariamente masculina de calentón”: “Lo que vende es la reivindicación del lado bisexual, del 50%/50%, de la liberación sexual. Lo que me llega realmente es que esa canción es muy Katy Perry, muy t.a.t.u., muy producto prefabricado que busca provocar una reacción mayoritariamente masculina de calentón y chicas ligeritas de cascos. Qué pena, ¿no?”.

Villar no se muestra especialmente molesta con la canción, pero indica que “no la representa”: “La interpretación es puramente subjetiva por mi parte y debo decir que hay canciones que me molestan y ofenden bastante más, pero bueno, ahí están, si las quieres escuchar, las escuchas y si no, pues no. Esta canción no me representa para nada, pero de todos modos… ¿debería hacerlo? No es ‘Closer’ de Tegan and Sara o ‘Both Hands’ de Ani DiFranco. O cualquier otra sin género o artista definido como queer. O la canción más hetero del mundo pero que sonaba mientras miraba a esa chica. El caso es que es una canción con una repercusión brutal porque la artista es Rita Ora y porque lo que dice, lo dice de un modo un tanto frívolo”.

Tampoco ha ayudado a convencer a Laura el videoclip lanzado la semana pasada: “El vídeo es muy desconcertante y no se sabe muy bien qué sucede aparte de haber tías esperando a que pase algo. Entiendo que haya gente que se ofenda porque de alguna manera «prostituye» la idea de querer besar a una chica cuando implica problemas emocionales muy grandes y cuando es lo mejor que te ha pasado en la vida. Quienes lo hemos vivido, lo sabemos. Pero vaya, que no es la única que ha hecho una canción sobre deseo y sexo como premisa. Que hablen con Madonna, que todo eso ya lo hizo antes y mejor. Y es un icono homosexual”.

Las cosas han tomado un nuevo rumbo cuando Rita Ora ha concedido una entrevista a Billboard en la que afirma que “no hay solo una manera de salir del armario”. De hecho, Olly Alexander de Years & Years, desde los inicios de su carrera abiertamente gay, ha apoyado a Rita, indicando que se estaba obligando a Ora a salir del armario: “Creo que la situación ha sido un poco sombría porque parece que Rita se ha visto obligada a salir del armario, y me parece bastante triste y me da pena por ella”. Alguien argüirá que es Ora quien ha puesto el tema sobre la mesa lanzando este tema, pero en cualquier caso Rita ha agradecido el apoyo de la comunidad LGTB+ y en concreto de Years & Years: “esta canción es sobre la libertad y la liberación, sobre el empoderamiento y celebrar quién eres. Creo que la historia ya implica un cambio, no hay solo una manera de salir del armario”.

A Laura de Las Chillers le parece «más publicidad que otra cosa», aunque habrá que ver lo que dictamine el tiempo: «sigo pensando lo mismo, será una cuestión de gustos o estilos. He leído que ahora dice que hay muchas maneras de salir del armario. Yo estoy de acuerdo, pero me parece más publicidad que otra cosa. Y si de verdad para ella es algo íntimo, personal y determinante, el tiempo le dará la razón».

Efectivamente el tiempo dirá en qué quedan la vida de Rita Ora y este ‘Girls’ que no va a pasar a la historia por su calidad o logros en las listas, pero sí por interesantes temas extramusicales. Lanzado al mismo tiempo que el vídeo de ‘bitches’, también incluyendo algún beso lésbico entre chicas (su remix es una colaboración entre Tove Lo, también Charli XCX, Icona Pop, Alma y Elliphant) y en pleno fervor post 8-M, al menos nos ha ofrecido la posibilidad de que cuestionemos en la primera plana de los medios musicales un tema interesante sobre el que hemos escuchado opiniones diversas y distintas, como la de Charli XCX, que declaraba que quería seguir aprendiendo sobre este asunto. Esto, hace poquitos años, no pasaba, si bien no ha quedado muy claro si ‘Girls’ es un paradigma de lo que NO hay que hacer o una nueva vía para «salir del armario».

Sesión de Control: Love of Lesbian & Iván Ferreiro, Los Vinagres, Nubla & Carlos Sadness, Linda Guilala…

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Nueva edición de nuestra sección Sesión de Control, dedicada a las novedades más interesantes del panorama alternativo y/o independiente nacional y latinoamericano. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente, conservando las canciones incluidas en la anterior entrega. Hoy añadimos en ella nuevas canciones y lanzamientos de Love of Lesbian & Iván Ferreiro, Ilegales, Nubla & Carlos Sadness, Linda Guilala, Los Vinagres, One Path, Pedrina, Oddliquor, Chancha Via Circuito, Juan Celofán y Fantasmamidi.

One Path

Como su colega Recycled J, otro joven músico español surgido de la independencia y del hip hop que cada vez da pasos más decididos hacia un público más amplio es One Path. Javier Bilbao, casi a la par que aparece en un nuevo mixtape de Pedro LaDroga, lanza este seductor ‘Chevy’ producido por otro nombre ascendente en la electrónica nacional, InnerCut, junto con Igor de Delorean. Un tema abiertamente pop que no queda muy alejado del último Bieber, e incluso no desentonaría pinchada junto a ‘Lo malo’.

Pedrina

Tras lanzarse a la aventura en solitario sin Río –con el que triunfó en España gracias a la BSO de ‘Kiki: El amor se hace’– y presentarse con la electrónica y sensual ‘Hoy’, Pedrina presenta un perfil algo distinto a ese, aunque igualmente seductor. La colombiana muestra en ‘Háblame’ un sonido más luminoso y limpio, con cierto aire brasileño aunque salpicado en la producción de Richard Blair (Carlos Vives, Totó la Momposina). Una canción en la que la bonita voz de Pedrina suena quebradiza pero arropada y dulce, y que supone un nuevo empuje para su carrera. Desde su agencia en España, se dice que en unos meses nos visitará y se acompañará de prominentes artistas locales.

Los Vinagres

Aunque no lo parezca por su perfil alternativo, hasta hace poco la carrera de este trío canario venía auspiciada por una multinacional, Sony. Y, aunque han cambiado de etiqueta, publicarán después del verano su álbum de debut ‘Los Volcanes’ en ese mismo ámbito, ahora con el soporte de Warner Music. En todo caso, ellos van a la suya y siguen atizando a su rock potente y pegadizo con ramalazos de folclore latinoamericano, como muestra el irresistible ‘Chibichanga’ con el que han lanzado esta nueva etapa.

Chancha Via Circuito

Adalid de esa generación de artistas latinoamericanos que han sentido la necesidad de traducir al lenguaje de la electrónica contemporánea la tradición de su folclore, el argentino Pedro Canale acaba de lanzar su nuevo álbum como Chancha Via Circuito. Un ‘Bienaventuranza’ en el que colaboran artistas de la talla de Lido Pimienta (reciente ganadora del premio Polaris de Canadá) o Mateo Kingman, acercando la cumbia y otros estilos propios de la tradición sudamericana a la pista de baile.

Oddliquor

El madrileño Marcos Terrones es uno de esos jóvenes artistas que se aproximan con idéntica naturalidad al R&B, al pop, al soul, a la electrónica y al hip hop. Además de convertirse en productor de referencia por sus trabajos para Nathy Peluso o varios miembros del colectivo canario Broke Niños Make Pesos, demostró sus capacidades en ‘Serendipia’ (2016) y ahora vuelve a hacerlo, con más convicción incluso, en el flamante ‘Vibrato’. Un disco en el que se han involucrado invitados como Steve Lean, Cruz Cafuné o Alberto Rock, y que brilla en temas tan estimulantes como ‘Booty Boo’ o ‘La Reina’. El viernes 15 de junio presenta este álbum en la sala The One de Alicante. Luego, el 23 del mismo estará en Madrid, en La Chapa, y el 7 de julio en la Sala Apolo.

Linda Guilala

Y seguimos con otro grupo heredero de la primera ola indie. Eva e Iván formaron este grupo –que ahora completa Mari a la guitarra– tras la disolución de Juniper Moon, y aunque ya dejaron claro que no son «una segunda parte» de aquel, siguen fieles al pop que más les gusta: el ruidoso pero extremadamente melódico. Dos años después de que publicaran ‘Psiconauta’, su segundo álbum, seguimos sin noticias de su continuación, pero con este estupendo ‘Mucho mejor’, en cuyo vídeo desgranan, a base de portadas de vinilos, muchos de sus referentes: de Dinosaur Jr a Saint Etienne pasando por Medicine, Family, MBV o Stereolab.

Juan Celofán

Y seguimos en Sudamérica. Este artista uruguayo afincado en Chile, Juan Celofán, destacaba en 2016 con ‘Tránsito’, un disco que le llevó a ser telonero –de manera bastante coherente en cuanto a su sonido– a los norteamericanos Wild Nothing en algunos conciertos. Este año regresa con ‘No me sale nada’, un tema de pop luminoso que le sitúa en la órbita de unos Gepe o Julieta Venegas, sin perder ese matiz jangle en sus guitarras.

Nubla & Carlos Sadness

Varias semanas después de aquella versión de The Notwist con la que presentaba ‘Multiplexpo’, el álbum de versiones con el que el próximo otoño regresa Nubla, nos presenta otra de sus canciones. Nada menos que una preciosa adaptación de ‘Oye Papá, Oye Mamá’, tema compuesto por Manuel Alejandro y Purificación Casas y que popularizó Jeanette –su versión sonaba en la inolvidable ‘Cría cuervos’ de Carlos Saura–. Y encima, la “perpetra” acompañada de su amigo Carlos Sadness, casualmente uno de los artistas españoles más populares del momento.

Fantasmamidi

El siempre exquisito (y modesto) sello Discos de Kirlian cierra temporada con un último lanzamiento: se trata del debut de Fantasmamidi, grupo del que forma parte nada menos que Isa Espín, integrante de uno de los proyectos más entrañables de los inicios del indie patrio, Iluminados. Como aquel, aunque con un enfoque distinto, este proyecto se caracteriza por su lo-fi casi militante, con cajas de ritmo y teclados muy básicos y poesía a medio camino del punk y lo surrealista. Canciones como ‘Conventos afterhours’ lo explican mucho mejor que yo con mis palabras.

Ilegales

Jorge Martínez y sus Ilegales pueden presumir de haber pervivido en el panorama del rock español con desigual éxito pero sin dar un paso que suene deshonesto o traicionero con sus principios. Tras celebrar el año pasado la carrera del grupo y la figura de Jorge en el documental ‘Mi vida entre las hormigas’ –que también derivó en un disco en el que regrabaron viejos temas–, la formación actual del cuarteto está listo para lanzar un nuevo álbum. ‘Rebelión’ se lanza en septiembre y, por si su título no diera ya cuenta de su irredento carácter combativo, su single ‘Ser manso es peligroso’ no deja lugar a la duda.

Love of Lesbian & Iván Ferreiro

Bajo el nombre de Lolas (que suma las iniciales de Love of Lesbian y As, nombre del grupo de versiones de los hermanos Iván y Amaro Ferreiro) e invitados por el programa de Radio 3 ‘Hoy empieza todo’ y la Fundación Paidea de A Coruña, Santi Balmes y Julián Saldarriaga se han sumado a los Ferreiro para grabar –dirigidos por Ricky Falkner– este inédito en el que, en realidad, no homenajean a Carrie Fisher. Sino a su personaje en ‘Star Wars’ como una heroína traicionada por sus acólitos y admiradores, con cierta carga político-social en la recámara.

10 joyas perdidas de Sónar 2018

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Después de hacer un repaso a 10 de los artistas imperdibles de la 25ª edición del Sónar, que se celebra esta semana, de jueves a sábado, en Barcelona, escudriñamos otros nombres del cartel en busca de propuestas menos conocidas pero igualmente fascinantes que conforman la programación del festival. Hay de todo, de darkwave a reggaetón, y todo bueno.

Helena Hauff

Solo hay que pasarse por la sección de comentarios de Youtube de cualquier canción de Helena Hauff (foto) para comprobar las pasiones que despierta la productora y DJ alemana, que gracias a discos como ‘Discreet Desires’ o su EP ‘Have You Been There, Have You Seen It?’ se ha convertido en una de las voces de la electrónica europea que mejor maneja el lenguaje del darkwave y la electrónica industrial. Joyas como ‘Spur’, ‘Do You Really Think Like That?’ o ‘Gift’ conforman un repertorio excitante que podrá escucharse en directo en el Sónar el viernes noche (más bien madrugada).

TOKiMONSTA

La productora de Los Ángeles Jennifer Lee es conocida por el nombre de su proyecto TOKiMONSTA, a través del cual fusiona sonidos de hip-hop, electrónica experimental, R&B y psicodelia, dando lugar a beats tan exquisitos y evocadores como los de ‘Smoke & Mirrors’, ‘Rose’s Thorn’ o ‘Don’t Call Me’, estos dos últimos incluidos en su reciente largo ‘Lune Rouge’. Lee, que produjo este trabajo mientras se recuperaba de dos operaciones de cerebro que le impidieron hablar y reconocer sonidos durante un tiempo, presenta un espectáculo audiovisual en el que se acompañará de un colaborador de su disco, de momento secreto. Sábado noche.

Liberato

“El nuevo rey de la música urbana en Italia”, “Un héroe para la juventud”… Así describe Sónar al joven italiano Liberato, un artista que no concede entrevistas y que apenas ha actuado en directo pero que se ha convertido en una estrella en Italia, como demuestran sus millonarias escuchas en Spotify. Y no es de extrañar, porque sus canciones, con una influencia muy clara del hip-hop internacional, son totalmente pop y pegadizas: ‘Je te voglio bene assaje’, ‘Intostreet’ y sobre todo ‘Tu t’e scurdat’e me’ son algunos de sus hitazos. Viernes día.

yaeji

Gracias a perdigones como ‘raingurl’ y ‘Feel it Out’ y a temas tan deliciosos como ‘drink i’m sippin’, ‘New York 93’ o su versión de ‘Passionfruit’ de Drake, yaeji ha estado en boca de todo el mundo en el último año. Su visión aletargada, dulce y a la vez muy pop del deep-house y el R&B es totalmente fascinante, los remixes que le están haciendo de un gusto supremo y todo esto demuestra que el género llamado lo-fi house va mucho más en serio de lo que parecía y está produciendo arte de mucha calidad. Jueves día.

KOKOKO!

En un gueto de Kinshasa, la capital de la República Democrática del Congo, un grupo de cuatro músicos locales buscan hacer música electrónica con los únicos medios de los que disponen: la basura que encuentran en la calle. Así, crean instrumentos nuevos a partir de máquinas de escribir o un arpa hecha de cables atados a latas de café. El productor francés Débruit se une a ellos y nace KOKOKO!, algo parecido a los LCD Soundsystem del Congo, o si no escuchad su vibrante ‘Tokoliana’. Actúan el jueves de día.

Rosa Pistola

Si en España tenemos a Ms. Nina, La Zowi o Bea Pelea, en México tienen, entre otras, a Rosa Pistola, una de las mayores exponentes del reggaetón underground en el país (ella en realidad es colombiana). Pistola ha colaborado con Yung Beef y es conocida por haber protagonizado el primer Boiler Room dedicado al perreo. Y perreo va a haber en su concierto en el Sónar, el viernes de día, si presenta hits como ‘La línea del sexxx’, ‘Y que lo mueva’ o ‘Magneto sexual’, presentes en su sabrosa mixtape de este año.

GoldLink

Gracias a canciones como ‘Crew’, ‘Herside Story’ o ‘Late Night’, GoldLink se ha convertido en uno de los raperos más prometedores de Estados Unidos. Sus bases musicales son de una gran elegancia y sofisticación (atención a cómo ‘Late Night’ pasa de quiet storm a un cálido ritmo disco en poco tiempo) y su debut ‘At What Cost’ presenta colaboraciones con gente de renombre como Mya, KAYTRANADA o Jazmine Sullivan. Por cierto, acaba de colaborar con Christina Aguilera en un single de ella, y ya sabéis el ojo que tiene Christina para las colaboraciones…

The Venopian Solitude

El proyecto de la malasia Suiko Takahara ha de gustar por necesidad a los nostálgicos del pop denominado “toytronica” hecho a principios de la década pasada por grupos como Psapp, Lullatone o múm. Conocida en Youtube por hacer música a través de objetos de todo tipo (hojas de papel, lápiz labial, juguetes) y sonidos percutivos con su propia boca, las canciones de The Venopian Solitude conjugan esos elementos con una sensibilidad pop que da lugar a canciones tan preciosas como ‘Tenangkan Bontot Anda’ o ‘Kembang Bunga’.

PUTOCHINOMARICÓN

‘No tengo wifi’, ‘Tu puta vida nos da (un poco igual)’, ‘Gente de mierda’ o ‘Tú no eres activista’ son algunos de los perdigones pop que han hecho de Chenta Tsai, PUTOCHINOMARICÓN, uno de los artistas imprescindibles del underground nacional. Mediante una estética flúor y muy POP, entre influencias que van de La Casa Azul a Charli XCX, Chenta nos engancha a unas letras que hablan de racismo, homofobia, tedio millennial, la adicción a las redes sociales o el activismo de sofá, desplegando sobre el escenario un carisma que le llevará muy lejos.

JAMES MURPHY + 2manydjs (club DESPACIO)

Despacio es uno de los secretos mejor/peor guardados de Sónar. James Murphy de LCD Soundsystem y 2manydjs actuarán en este «club» jueves, viernes y sábado (como hicieran en 2014) presentando cada uno de estos días, durante 6 horas seguidas, su música favorita “de todas las épocas y estilos”. Sonar creó el espacio Despacio para emular un club en el que los protagonistas son la pista, el público y la calidad de la música. Esto significa que poco les verás las caras a Murphy y a los hermanos Deawele durante su sesión conjunta, pero no pasa nada, porque ambos artistas están también confirmados por separado en el festival. Jueves, viernes y sábado día.