Después del arrollador éxito de ‘End Of Beginning’, gracias a su viralización en Tik Tok, Djo está preparado para lanzar su nuevo disco. A juzgar por los dos adelantos disponible, todo indica que el sucesor de ‘DECIDE’ estará a la altura del inmenso hype que Joe Keery carga a sus espaldas. Por suerte, se lo toma con humor. ‘Basic Being Basic’ es la Canción del Día.
Djo presenta ‘The Crux’, disponible el próximo 4 de abril, con la irónica ‘Basic Being Basic’, en la que el cantante y actor estadounidense se saca de la manga una crítica a la superficialidad y al materialismo. A la vez, describe el tipo de conexiones que busca: «Quiero placeres simples, amigos que me cubran la espalda».
Con un ocurrente delivery hablado, a lo LCD Soundsystem, y una base electrónica y estática, a lo LCD Soundsystem, Djo enumera algunos comportamientos que él considera de persona «básica», como «hacer fotos a tu plato» o tener «el gusto cinematográfico de Tarantino».
El estadounidense también aprovecha para tomarse con humor su etapa post viral y llamar «básica» a la gente que pide otro ‘End Of Beginning’: «Preguntaste por ello, aquí está, un ejemplo rápido porque querías los hits / Creo que tienes miedo de ser básico».
El segundo single, aunque es radicalmente diferente a ‘Basic Being Basic’, también resulta una agradable sorpresa. Con una estética retro mucho más refinada que en el disco anterior, ‘Delete Ya’ es un funk de desamor que también incluye una curiosa referencia a ‘Stranger Things’: «Llamo a Charlie y les damos una vuelta a los niños», refiriéndose al actor Charlie Heaton y al elenco principal de la serie.
Kiddo Manteca, productor para artistas como Recycled J, Cruz Cafuné o Quevedo y uno de los más exitosos del país, ha recibido un aluvión de acusaciones en redes sociales provenientes de otros productores que han trabajado con él. Estos aseguran que «no sabe ni producir» y que «lleva robando créditos durante años». Por el momento, no hay respuesta de Kiddo Manteca.
Todo ha surgido a raíz de la salida del último disco de Delaossa, ‘La Madrugá’, en el que Kiddo participa en cuatro canciones como productor y en otras dos como compositor. Productores de la talla de Choclock, El Secreto y Govea La Firma, colaboradores de Cruz Cafuné, no han tardado en inundar las redes con lo que parecía un secreto a voces. El medio GRINDIN’ ya ha bautizado lo ocurrido como «Beatgate».
Choclock, que también aparece como compositor junto a Manteca en la canción ‘Ángel’, declara que «todos los productores que han trabajado con él saben lo que hay»: «Hace tiempo un productor que no sabe ni producir me intentó vender la moto de que él no era un simple beatmaker, y ahora entiendo que tenía toda la razón, es mucho más que eso, es un puto scammer», ha escrito en X.
Según lo que dicen las acusaciones, no es algo que haya ocurrido solo en el disco de Delaossa, sino que lleva en práctica durante años. Así lo ha declarado el productor El Secreto: «Kiddo lleva robando créditos durante años y nadie tiene los cojones de decirle nada». Tampoco se anda con rodeos: «Kiddo Manteca roba beats, da la cara».
Este especifica, acusándole de robar samples a compañeros: «Deja de utilizar samples de gente que después te piden los stems y dices que no los tienes jodida rata». Govea La Firma, por otro lado, se pregunta «a qué otro artista vas a engañar para venderle la moto», ahora que se habría destapado todo: «Hasta tu marca de agua es un robo», concluye.
De ser ciertas estas acusaciones, no queda claro cómo Kiddo Manteca ha podido estar tantos años en activo, pero se presume que habría necesitado la complicidad de otras personas. Kiddo se trata de uno de los productores más exitosos del país, sumando más de 1,5 millones de oyentes mensuales en Spotify y habiendo trabajado con los nombres más potentes del panorama urbano. ‘Veneno’, la canción más streameada de Delaossa, sería una producción suya, junto a J.Moods.
KIDDO MANTECA ROBA BEATS, DA LA CARA
— SECRETO WATCHU DOING FOO?? (@ELSECRETOPROD) March 21, 2025
hace tiempo un “productor” q no sabe ni producir me intentó vender la moto de que él no era un simple beatmaker, y ahora entiendo que tenía toda la razón, es mucho más que eso, es un puto scammer 🤡🤡🤡
KIDDO LLEVA ROBANDO CRÉDITOS DURANTE AÑOS Y NADIE TIENE LOS COJONES DE DECIRLE NADA, DA LA CARA JUAN PEDRO
— SECRETO WATCHU DOING FOO?? (@ELSECRETOPROD) March 21, 2025
Ahora q se destapa la manta, a ver a qué otro artista vas a engañar para venderle la moto. Que hasta tu marca de agua es un robo. https://t.co/0nc6YGQnbl
Y DEJA DE UTILIZAR SAMPLES DE GENTE QUE DESPUÉS TE PIDEN LOS STEMS Y DICES QUE NO LOS TIENES JODIDA RATA
— SECRETO WATCHU DOING FOO?? (@ELSECRETOPROD) March 21, 2025
🔴Kiddo Manteca, uno de los productores que más relevancia ha alcanzado en España desde el lustro pasado, acusado de haberse atribuido varias instrumentales que no eran suyas con la complicidad de varias personas más.
En 2010 se produjo un encuentro que marcaría la historia reciente de la televisión británica: el guionista Jack Thorne, que venía de trabajar en la serie de adolescentes ‘Skins’ (2007), coincidió con el actor Stephen Graham -secundario de lujo en filmes como ‘Snatch. Cerdos y diamantes’ (2000) o ‘Gangs of New York’ (2002)- en la trilogía ‘This is England’, una de las grandes series inglesas de la pasada década, también sobre adolescentes. Posteriormente, colaboraron en la impactante ‘The Virtues’ (2019), una joya absoluta (está disponible en Filmin), y el estupendo telefilme sobre el covid Help (2021).
A este tándem se ha sumado ahora el director Philip Barantini, quien ya había trabajado con Graham en la celebrada Hierve (2021), luego ampliada a miniserie en ‘Boiling Point’ (2023). Esta película es un claro precedente estilístico de ‘Adolescencia’ (Netflix): está rodada en un único plano secuencia, al igual que los cuatro capítulos de la serie. En este sentido, el virtuosismo técnico de Barantini es apabullante, yendo más allá de la reciente ‘El colapso’ a través de un uso combinado de steadicam y dron que te deja con la boca abierta (el final del segundo capítulo es un prodigio coreográfico).
Eso sí, a diferencia de otras películas rodadas en un único plano secuencia, que tienen más de alarde formal que de recurso narrativo (‘Victoria’ es un buen ejemplo), en ‘Adolescencia’ esta decisión está totalmente justificada desde un punto de vista dramático: contribuye a una inmersión total del espectador, potenciando aspectos de la trama como el naturalismo (el procedimiento de la detención en la comisaria), la tensión emocional (la evaluación psicológica del chico), el desarrollo de las emociones de los personajes (el capítulo dedicado a la familia)…
La serie (un inesperado exitazo de Netflix a la altura de lo ocurrido con la también británica ‘Mi reno de peluche’) no solo funciona técnicamente, también dramáticamente. Como es habitual en las producciones británicas, el nivel de los intérpretes es altísimo. Sobresale, obviamente, Stephen Graham, pero también el debutante Owen Cooper, quien encarna al adolescente protagonista. Su actuación en el tercer capítulo es asombrosa.
Y, en cuanto al guion de Thorne y Graham, no revelaré detalles de la trama. Únicamente destacar su capacidad para radiografiar el presente y generar debates -sobre la educación y el sistema educativo, la responsabilidad familiar, las brechas generacionales e ideológicas, el impacto social de la manosfera- sin caer en dogmatismos, didactismos ni moralinas.
‘Adolescencia’ es un crudo drama criminal y humano, con reminiscencias de películas como ‘Tenemos que hablar de Kevin’ (2011) o ‘Mass’ (2021), que no juega al “quién lo hizo”, sino al “por qué lo hizo”. No busca culpables ni ofrece respuestas simplistas: solo formula las preguntas adecuadas.
Chappell Roan ha resucitado definitivamente ‘Pink Pony Club’ gracias a una actuación televisiva, y el tema, aparte de haber logrado el número 1 en UK recientemente, también lo consigue en nuestro top 40. En JNSP es el primer top 1 de Chappell Roan, pues ‘Good Luck, Babe!’ nunca pasó del top 10 la pasada primavera por aquí. En aquel momento era número 1 de nuestra lista Dua Lipa.
Chappell Roan es la entrada más fuerte de la semana, pero no la única del top 10: también recibimos a Paul Thin, HAIM y Sugababes. También entran Barry B, Rufus T Firefly, Valeria Castro y Circuit des Yeux.
Sen Senra ha anunciado el disco que pondrá fin a la ambiciosa trilogía de ‘PO2054AZ’, que empezó en 2023 con ‘El Origen’, continuó el año pasado con ‘El Emigrante’ y terminará en 2025 con la última entrega. El volumen III llegará a plataformas el próximo 6 de junio.
El artista gallego ha acompañado el anuncio con una canción que suena apropiada tanto para el comienzo como para el final del proyecto. Como suele ser el caso con Sen Senra, este ha elegido como adelanto del proyecto un tema que sería lo contrario de un single típico.
‘Hasta El Fondo’ es una épica pieza orquestal inspirada «en mi familia, amigos y desconocidos» y que, a la vez, da pistas sobre el futuro de la carrera de Senra. «Ya me van quedando pocas puertas por abrir / En cualquier momento es la de la salida», canta el artista de 29 años.
Senra dará fin a esta etapa con ‘La Última Misa’, cuatro conciertos especiales en Sevilla (17 de octubre), A Coruña (12 de diciembre), Valencia (9 de enero de 2026) y Madrid (30 de enero de 2026). JENESAISPOP es medio colaborador de la fecha madrileña.
Playboi Carti consigue el primer puesto número 1 de su carrera en las listas británicas gracias al impacto de ‘MUSIC’, desbancando a ‘MAYHEM’ de Lady Gaga. Se prevee que el rapero norteamericano también debute en el primer puesto del Billboard 200, superando las ventas del disco de Gaga en su primera semana.
Según Hits Daily Double, Carti debutará con una suma superior a 300.000 unidades en su primera semana, mientras que ‘MAYHEM’ obtuvo 219.000 en el mismo periodo de tiempo. Claramente, sería el mayor logro comercial en la carrera del rapero de 29 años.
En materia de singles, sin embargo, Carti solo ha colocado dos en el top 10 de las listas británicas: la caótica ‘EVIL J0RDAN’ (#7) y la «radio friendly» ‘RATHER LIE’ (#10) con The Weeknd. Por otro lado, ‘TOXIC’, con el británico Skepta, se cuela en el número 21 del top 40.
Esta lista está ahora encabezada por ‘Ordinary’ de Alex Warren. En segunda posición, Chappell Roan consigue otro éxito con su último single, la country ‘The Giver’. Se trata de la primera canción de la estadounidense en debutar dentro del top 10.
Doja Cat y Jack Harlow firman su primera colaboración con ‘Just Us’, un corte de puro hip hop que peca de lo mismo que los últimos lanzamientos del rapero estadounidense: poca chicha. Eso sí, el vídeo está lleno de cameos de tus celebridades favoritas, como Matt Damon o PinkPantheress.
‘Just Us’ llega cinco años después de que Harlow admitiese en un directo de Instagram que Doja Cat era su «crush». Y de eso va la canción, más o menos. Ambas estrellas dedican sus versos a declarar la tensión sexual que sienten por el otro: «Le dije que era muy guapa y solo se sonrojó», rapea Harlow en un delivery monótono que no le hace ningún favor.
Aunque Doja inyecta el tema con un poco más de energía en su parte, en la que se declara «insaciable como Pac-Man», la canción por desgracia se queda en nada más que una excusa para hacer un vídeo lleno de cameos de famosos. Entre estos, John Mayer, Nicholas Braun de ‘Succession’ o la periodista Taylor Rooks. Si Harlow y Doja tuviesen la misma química en el estudio que en el videoclip, otro gallo cantaría.
The Horrors publican hoy ‘Night Life‘, su primer disco con nueva formación: el batería Jordan Cook y la teclista Amelia Kidd se añaden a Faris, Rhys y Joshua (aunque Tom y Joseph no se han ido del todo). ‘Night Life’ es el sucesor de ‘V‘, lo que significa que llevábamos sin un disco de larga duración de The Horrors desde 2017, EPs industriales aparte. Y, si hay público que se ha olvidado de ellos, la banda se encarga de volver a llamar la atención con un trabajo bastante cuidado en el que hay temas tan interesantes como ‘Ariel’. Hablamos con Faris, vocalista y líder del grupo, sobre el camino a este nuevo disco, lo que han ido evolucionando las canciones o la producción de Yves Rothman. Pero también echamos la vista atrás por el 20º aniversario de su formación e, incluso, intentamos preguntarles por el remix que hicieron para Lady Gaga (y por ‘MAYHEM’, pero no hay suerte).
La gira de ‘Night Life’ de The Horrors pasa por España en abril: el grupo visitará Santiago de Compostela (Sala Capitol, 3 de abril), Barcelona (Paral•lel 62, 5 de abril), Madrid (Sala Mon, 6 de abril) y Valencia (Sala Moon, 7 de abril).
Hace casi diez años de vuestro último largo, EPs aparte. ¿Cómo ha sido volver a sentaros para escribir un nuevo disco?
¡No hace diez años! No paran de decirme eso en las entrevistas, y son ocho años. Lo que ocurrió es que empezamos a trabajar en un disco y llegó la pandemia. Eso distorsionó el proceso, y luego vinieron los EPs. Cuando nos dimos cuenta, el último disco era de 2017. Pero no tuvimos un momento de “sentarnos” en sí, sino que fue continuar nuestra actividad más bien.
Es el primer álbum con Amelia Kidd y Jordan Cook. ¿Qué tal ha sido la incorporación?
Cuando empezamos The Horrors, tenía 18 años, me parece increíble que haya pasado tanto tiempo… Llevo más años dentro de The Horrors que fuera. El caso es que en todo este tiempo, la banda es un grupo de amigos, y cuando os veis tanto tiempo para ensayar, para crear, o para salir juntos, puedes pensar que es difícil añadir nuevas personas. Pero no, ha sido súper fácil añadirles a ellos, porque ya eran amigos nuestros de antes. Jordan había tocado para nosotros en el pasado, también toca en el disco en solitario de Amelia, que aún no ha salido pero lo he producido yo. Todo este tiempo, he visto su manera de trabajar, las cosas increíbles que pueden hacer, y fue una decisión muy fácil el hecho de sumarlos a la banda. De hecho, me asusta pensar qué hubiese pasado de no conocer a Jordan y Amelia de antes, porque encontrar a gente que encajase en el mundo de The Horrors, sus personalidades, sus gustos… habría sido muy difícil.
Habéis decidido contar con Yves Rothman para la producción de este disco. Ha trabajado para Yves Tumor, Kim Gordon o girl in red, artistas bastante distintos entre sí, y ahora The Horrors. ¿Había temor de que no entendiese el espíritu de la banda?
No me preocupaba eso; si no hubiese pillado el espíritu de la banda, habríamos cogido a otra persona. Yves produce y toca para Yves Tumor, y la forma en que Yves Tumor construye canciones se parece a la manera en que lo hacemos nosotros: se nota que le encanta la música, la música de cualquier género, de cualquier lugar toma influencias. Construye canciones de una manera poco convencional, más caótica. Y cuando conocimos a Yves (Rothman), nos dimos cuenta de que teníamos gustos musicales en común, pero aparte se adapta muy bien, y se mostraba muy cómodo con nuestra manera de trabajar. Y nosotros también nos sentíamos muy cómodos con él, era como quedar con un amigo. Él venía a Londres, probábamos algunas canciones, y nos gustaba mucho su disposición a cambiar atmósferas de las demos o incluso reinventar del todo las canciones. Por ejemplo, ‘The Feeling Is Gone’ era una demo acústica, y del tirón propuso cambiar e ir en el sentido que finalmente fuimos. Me ha gustado mucho eso, su disposición a ir en distintas direcciones con cada canción.
‘The Silence that Remains’ ha sido el primer single, pero allá por octubre. No sé si era la que teníais compuesta por entonces, o teníais claro que iba a ser vuestro lead single.
Queríamos que fuese lead single, para empezar porque creo que es una de mis favoritas de toda nuestra discografía, y porque creo que encapsula muy bien las distintas habilidades y fortalezas de cada miembro de The Horrors. Pronto vamos a enseñar tres demos del proceso de creación de este disco, todas han cambiado mucho, y me gusta mucho la idea de enseñarlas porque mostrará el viaje tan grande de cada canción, cómo se han desarrollado. En el caso de ‘The Silence That Remains’, comenzó en el dormitorio de Rhys, como muchas de ellas; de hecho, casi todo el disco viene de él y de mí, aislados del exterior en su casa, sin nadie que esperase una fecha concreta. Empezó solo con instrumentos electrónicos y un pequeño tratamiento de guitarra, casi más algo techno. A medida que avanzábamos en la canción, Amelia le fue añadiendo cosas, por ejemplo diferentes tipos de programación, y por supuesto su voz, y Jordan añadió su percusión. Creo que nos enseña un poco cómo podemos trabajar en el futuro.
Creo que mi favorita del nuevo disco es ‘Ariel’, tanto a nivel de sonido, letra, tratamiento vocal e interpretación… ¿qué me puedes contar de ella?
‘Ariel’ es probablemente la favorita de la banda. Ha cambiado mucho de cómo empezó, creo que en algún momento sacaremos la demo para enseñarlo. Es quizás la que más ha cambiado. Empezó un poco como The Jesus & Mary Chain, más electrónico que eso, pero un poco en ese rollo. Y luego quisimos llevarlo a algo con más profundidad y atmósfera. Fue una de las primeras que vimos con Yves y a la que les hicimos esa transformación. Recuerdo que decidimos quitarle todas las baterías, y poner elementos de percusión a lo largo del tema, en lugar de baterías tradicionales. Creo que una gran diferencia en este disco es cómo nos hemos aproximado a la programación de baterías, y a la manera que tenemos de ver el ritmo y cómo funciona éste en los temas. Un poco como los Beach Boys, no es que tuvieran una pista de batería, sino que construían la percusión para eso.
He leído que el punto de partida de ‘Lotus Eater’ fue ‘Five Years’ de Bowie.
Un poco, sí. Pero no fue “vamos a escribir una canción como ‘Five Years’”, The Horrors no trabajamos así. Pero había algo inicialmente en el sentimiento de la canción, y a medida que avanzamos en el proyecto, lo fuimos girando y girando hacia otro lado, a mí luego se me ocurrió la parte spoken word, etc. Creo que yo me aproximo a las letras más desde la literatura o la poesía, y en cambio Rhys tiene un don natural para ganchos instantáneos, algo de lo que yo carezco. Así que los dos funcionamos muy bien.
‘LA Runaway’ es quizás la más accesible, y también la elegida para cerrar. No sé si teníais en mente que fuese la última, pero funciona genial como cierre.
No, The Horrors no trabajamos así. Nunca lo hacemos. No sería natural para nosotros decir “vamos a hacer este tipo de disco, vamos a ir en esta dirección”. Lo que nosotros hacemos es empezar a escribir canción con una textura, o un sentimiento, o una atmósfera, y de ahí vamos sacando más de ese sentimiento, lo desarrollamos. ‘LA Runaway’ tiene un sentimiento más optimista, pero también melancólico; me gustaba mucho ese contraste. Para mí, lo más interesante en la música es el contraste. Prefiero la ambigüedad a lo unidimensional. Respecto a ponerla al final, sí que al decidir el orden pensamos que el disco empieza muy oscuro, y gradualmente va llegando la luz, por eso también ese final más optimista.
«‘¿Lady Gaga? Si se trata de pop stars, prefiero hablar de Charli XCX»
Hablábamos antes de esa no-década que había pasado desde vuestro último disco. Lo que sí es cierto es que este año la banda cumple el 20º aniversario de su formación. Desde el principio, y durante vuestra evolución, se os ha ido comparando con Joy Division, The Cure, Bauhuaus, Portishead… pero mi impresión es que habéis ido consiguiendo un sonido propio y que, a la vez, no es un solo sonido.
Yo también lo siento así. ¿Sabes qué pasa?, que en cuanto una banda tiene vocalista con voz grave, un sonido un poco oscuro, atmosférico y tal, la gente dice “¡Joy Division!”. Y ojo, me encantan Joy Division, no los escucho a diario, pero me encantan. Pero lo cierto es que The Horrors nos conocimos siendo DJs, compartiendo música, y compartiendo música de todo tipo de géneros. Cuando hacemos un disco, buscamos una manera de comunicar nuestras ideas, nuestros sentimientos, y una vez que esas canciones están creadas, dejamos de escuchar otra música, porque ya sabemos qué es lo que hace especiales a nuestras canciones. No tratamos de que se parezcan a canciones de otra gente. Queremos hacer nuestras canciones, no las de otra gente. La gente usa comparaciones porque son atajos para explicar, pero al final son eso, atajos. No muestran la imagen completa.
Una curiosidad para terminar. En el disco de remixes de ‘Born This Way‘ de Lady Gaga, os encargasteis del remix de ‘Bloody Mary’, ¿cómo…?
En realidad fue solo Tom.
Ay, como estaba acreditada la banda en sí pensé que había sido más conjunto. Te pensaba preguntar qué recuerdo tenías de eso, pero claro…
Ninguno (ríe)
¿Por casualidad has escuchado ‘MAYHEM‘, su disco nuevo? También mezcla distintos géneros y, de hecho, en alguna canción llega a acercarse a temas que habéis hecho.
Bueno, no diría yo… (piensa) A ver, es que si tengo que hablar de una popstar, prefiero hablar de Charli XCX. Ha hecho distintas adaptaciones a través de su carrera, su período con SOPHIE fue brillante, y es una persona única en el pop. No me gustan todas sus canciones, pero creo que ha encontrado la manera de hacer algo interesante y encajar en el mundo pop. Lady Gaga… es que no conozco su música, tengo entendido que hubo una época en la que… bueno, realmente no sé lo suficiente de ella, sería como ponerme a adivinar.
Isabel LaRosa es una de las superestrellas del streaming actuales. ¿No te suena? Su single viral, ‘I’m Yours’, suma 500 millones de streamings en Spotify. Otros singles de LaRosa, como ‘older’ o ‘favorite’, acumulan igualmente cifras vertiginosas. En 2025, la promesa de Isabel LaRosa ha de confirmarse con el lanzamiento de su primer disco, ‘Raven’, en abril.
Isabel LaRosa es nacida en 2004 y canta en spanglish porque es cubana por parte de madre y estadounidense por parte de padre. Su música se afilia a los sintetizadores darks y ochenteros, mientras su voz se caracteriza por su registro susurrado. ‘favorite’, uno de los singles que presentan ‘Raven’, suena como si BANKS se hiciera pasar por Kali Uchis, o algo así.
El estilo darkwave popularizado en el último año por Artemas está presente en otro de los sencillos de presentación de ‘Raven’, ‘Pretty Boy’. Curiosamente, tanto Artemas como Isabel LaRosa publican single este viernes: ambos están disponibles en la playlist Ready for the Weekend.
‘Cry for You’, el single de LaRosa que se lanza hoy, habla del recuerdo de una relación sentimental que ha quedado «rota en pedazos». Tanto música como letra de ‘Cry for You’ construyen un escenario de absoluta desolación y desamparo: la «casa está vacía»; la «buena chica» que creyó en el amor está «destrozada y herida», ahora su corazón es gélido. Canta, haciendo un juego de palabras en inglés, «It sounds like I’m heartless, I’m just using my heart less».
La composición de ‘Cry for You’ es cambiante, pasando del synthwave a la guitarra acústica y de vuelta al principio. Es como si apuntara lo mismo a The Weeknd que a Lana Del Rey. Y también a Sabrina Carpenter y Taylor Swift en la estrofa de ‘Cry for You’ que utiliza el humor para quitar un poco de hierro al asunto: «You think you’re such a poеt, darlin’ / I hate to say it, but you’re not that deep / Don’t pretend you’re such a tortured artist / All you ever did was torture me», sentencia Isabel LaRosa. Otro himno dedicado a los «Leonard Cohens» de la vida.
Jeanette es noticia hoy por dos motivos. En primer lugar, es la artista invitada en el nuevo single de Lucas Bun, ‘Como un cristal’ (recordarás a Lucas Bun por su participación en la última edición de Benidorm Fest). En segundo, es versionada -o adaptada, mejor dicho- en una de las canciones incluidas en el nuevo disco de Selena Gomez y Benny Blanco, ‘Ojos tristes’.
‘I Said I Loved Your First’, el disco colaborativo de Selena y Benny, se presenta hoy con el focus track ‘Younger and Hotter than Me’, una balada que recuerda a Lana Del Rey. Sin embargo, destaca el estilo melódico y romántico de ‘Ojos tristes’ porque la canción está basada en ‘El muchacho de los ojos tristes’, el éxito de Jeanette de 1981 compuesto por Manuel Alejandro.
‘Ojos tristes’ actualiza el clásico de Jeanette valiéndose de un sonido de teclados y baterías retro y decadente que sienta de lujo a la voz de Selena. Ella canta en inglés y cede el español a María Zardoya, cantante de The Marías, cuyo timbre recuerda poderosamente al de Jeanette. Los estribillos de ‘Ojos tristes’ y ‘El muchacho de los ojos tristes’ son los mismos.
Selena y Benny han presentado ‘I Said I Loved Your First’ con singles muy diferentes pero que funcionan en conjunto. ‘Sunset Blvd’ puede ser el mejor de todos, un homenaje a los ochenta tal y como lo ha entendido John Maus en su carrera, pero adaptado al mainstream. ‘Scared of Loving You’ ha sido la balada cuqui que funciona mejor en contexto. Y ‘Call Me When You Break Up’ ha sido el dueto obligado con Grace Adams, simpático pero nada suculento.
No pinta absolutamente nada por aquí la recuperación del single con J Balvin ‘I Can’t Get Enough‘, lanzado en 2019, hace 6 años; pero el álbum encierra otras agradables sorpresas, como el pop ochentero de ‘Don’t Wana Cry’, el colorido house de ‘Bluest Flame’ o el trip-hop de ‘You Said You Were Sorry’. ¿Uno de los mejores discos de Selena Gomez, contra todo pronóstico?
La primera vez que me pillé un disgusto televisivo fue cuando Vega fue expulsada de Operación Triunfo en 2002 (sí, yo también me enganché a la tele viendo el colapso de las torres gemelas, pero en ese momento no entendía qué pasaba). Tenía 10 años, aún jugaba a las muñecas y a los muñecos y me repartía cromos con amigos del colegio, pero me identificaba con ella, me encantaba su voz y me parecía auténtica. Ni siquiera vi el programa esa noche; me enteré después de clase y me enfadé. Después se me pasó.
‘India‘, el primer disco de Vega, publicado en 2003, es uno de los mejores debuts de la historia de Operación Triunfo, aunque se nos haya olvidado mientras encumbramos -merecidamente- a Amaia y Juanjo Bona. Por supuesto, la historia de Vega es una historia de resiliencia e independencia en la industria musical. Ella es pionera de aquello que una vez empezamos a llamar indie-mainstream, pero además siendo más indie que mainstream, porque lleva en su propia discográfica independiente desde su quinto disco. Y lleva 9 + 1 directo + 1 disco de versiones.
Conocí a Vega en 2009, en una firma de discos en Fnac: la artista autografiaba su tercer álbum, ‘Metamorfosis‘ (hola Aitana), pero yo, con un poco de morro (e ingenuidad) traje ese y sus dos CDs previos, ‘India’ y ‘Circular’ (2005), para que me los firmase, también. ‘Metamorfosis’ salió al mercado a precio reducido debido a la crisis económica: recuerdo comprármelo en El Corte Inglés por menos de 10 euros. La edición CD del nuevo disco de Vega, ‘IGNIS‘ (2024), tiene un coste de 40 euros en tienda porque a Mercedes Mígel Carpio se le ha ocurrido lanzar una edición literalmente combustible, para cuya fabricación ha invertido una pasta. Del disco no se han lanzado singles, ni mucho menos vídeos.
Vega ha mantenido a su público y ha seguido lanzando discos y dando conciertos, mientras otros hemos seguido otro camino. Por eso, verla en directo -por primera vez- significa afrontar que ha habido otro público ahí fuera que ha construido una conexión con su música, al margen de ti (quizá mantengo esa conexión con la figura de Vega en sí). Muchas veces no perdemos interés porque el artista se haya vuelto mejor o peor, sino simplemente porque nuestro vínculo emocional con su música ha desaparecido. Pero luego han venido otros que han construido un vínculo emocional con los últimos discos de ese artista, igual que nosotros lo hicimos con los primeros.
La gira de ‘IGNIS’ está principalmente dirigida a los últimos. De sus primeros trabajos, Vega recupera ‘Requiem’ -de ‘La Cuenta Atrás’ (2011)- y canta trozos de canciones a capela a petición de sus fans. ‘Grita!’ la canta muy brevemente porque una fan del público se la pide no una sino dos veces, y puede que más, además, haciendo honor al título de la canción: gritando! La relación parasocial con los artistas lleva a estas situaciones. Vega la manejó con humor, pero no está de más pedir que se respete el repertorio de los artistas, ni recordar que los artistas no se suben al escenario para cumplir con peticiones de sus fans como si fueran monos tocando platillos. A menos que ese sea el formato del concierto.
Vega interpretó también ‘La conjura de los necios’ a capela, de su quinto álbum ‘Wolverines‘ (2013), pedida por el público, pero esta la cantó durante más rato, mientras su ayudante, Pablo, afinaba su guitarra porque ella no había podido hacerlo (decía que no puede hablar y afinar a la vez). El concierto de ‘IGNIS’ en Apolo estuvo salpicado de estos momentos de complicidad entre artista y público, como cuando en ‘Requiem’ un músico tocó mal una nota -pudo ser Vega, pero nadie sabe- y la canción se tuvo que reiniciar, provocando risas y aplausos. O como cuando alguien le gritó «guapa» y ella contestó: «a ratos».
En directo, Vega es como en los discos, se aferra al valor aunque le falle (o lo parezca) y se apoya en una voz solemne, grave y majestuosa, una voz que, si se pudiera, se guardaría en un cofre del tesoro, como si fuera oro, porque a oro suena. En directo, también, Vega es como la recordabas a los 10 años: la cordobesa no para de emocionarse. Se emociona, de hecho, desde el primer segundo que pisa el escenario y todavía no ha emitido una palabra. Después cuenta que ver la sala principal de Apolo la había «acojonado» porque suele tocar en la pequeña, pero que, al percibir el «calor» del público, esa sensación se le ha pasado.
El concierto de ‘IGNIS’ se centra por supuesto en ‘IGNIS’, del cual Mercedes toca sus 11 pistas (bueno, 10 + la intro), pero, sobre todo, se ocupa de desplegar un repertorio del mejor pop-rock posible, el que ella graba en sus discos, muy apto para la sala en la que nos encontramos, y que suena muy bien. Apolo hace su labor, pero también tiene que ver el hecho que los seis músicos subidos al escenario (siete contando a Vega) son exactamente los mismos que han grabado ‘IGNIS’. Por eso, el sonido es cálido y envolvente, como el disco. Vega dedica unos cuantos minutos a presentar a sus músicos, entre los cuales se encuentra la cantautora Angie Sánchez, que previamente ha ejercido de telonera.
Por eso, no hace faltar recurrir al cliché de las canciones que «se crecen» en directo y las que no «se crecen» en directo. Es evidente que ‘De Otro Planeta’ va a ser la más coreada y que ‘Incondicional’ y ‘Si Los Árboles Bailan’ van a hacer vibrar al público igualmente. Es de esperar que la animada ‘Litio y Alquitrán’ despierte el lado «canalla» del concierto después de unas pocas baladas. Y es de esperar también que, en el tramo medio del show, el ritmo decaiga ligeramente, por ejemplo, cuando suena ‘Dispárame una canción’ y tú solo puedes pensar en que la última vez que escuchaste la palabra «canalla» fue en los años noventa. La música suena un poco a esa época, también.
La gira de ‘IGNIS’ es la gira de ‘IGNIS’. Por eso, en el repertorio no caben viejos éxitos como ‘Mejor Mañana’, ‘Una vida contigo’, ‘La Verdad’ o ‘Cuánta Decepción’. Puede que en un futuro logre escuchar en directo la maravillosa ‘Berlín’. Sin embargo, en un momento de popularidad de las giras de grandes éxitos, es refrescante escuchar en directo un disco nuevo, te gusten las canciones más (‘Leviatán’) o menos (‘Dispárame una canción’). Para orgullo de Vega, que considera ‘IGNIS’ el primer disco de su carrera que la hecho sentirse «respetada» como artista, las pistas de ‘IGNIS’ ocupan la mayor parte del top 10 de sus canciones más escuchadas en Spotify (6 de 10). Su público sigue escuchando el disco entero.
La atmósfera del concierto de ‘IGNIS’ es casi anacrónica, parecería de los noventa si no fuese porque Vega lee, no sé si las letras o los acordes, desde un iPad apoyado en un trípode. La poesía cotidiana de Vega -que fue adolescente en aquella época- apunta en esa dirección, hablando de licores, cigarrillos y de la música de Aute; y también el sonido de sus guitarras y teclados. Esta energía nos subyuga a todos, sin embargo: a parejas acarameladas, amigos y solitarios. Todos unidos, desde diferentes épocas, generaciones y caminos de la vida, adorando a ‘La Reina Pez‘. Personalmente, echo de menos el «olor a azahar» de sus primeras composiciones, pero Vega no me echa de menos a mí, y eso está bien.
Hace 5 singles Rigoberta Bandini nos asustó con ‘Si muriera mañana‘, un tema de 2 minutos que referenciaba a las personas a punto de fallecer. No, no era un hit del tamaño de ‘Perra’ ni lo pretendía. Ahora sabemos que no era más que la introducción a un disco doble, a la historia que esta vez quiere contarnos la artista Paula Ribó. Si nos retrotraemos aún más, recordaremos que el primer disco de Rigoberta Bandini era en verdad un «grandes éxitos» que incluía casi todos sus singles previos, aquellos hits que comenzaron siendo pequeños y terminaron haciéndose tan grandes que encabezaron festivales y congregaron un par de veces a 10.000 personas en el entonces llamado WiZink Center.
Por tanto, es normal que Ribó haya querido ofrecer algo diferente en su segundo álbum, precisamente porque es la primera vez que construye un disco desde cero. Con un título ambicioso, capaz de construir o destruir una campaña entera, ‘Jesucrista Superstar’ reúne todas sus inquietudes musicales y personales. Tratando temáticas como la obsesión con el físico, la dependencia de las redes, lo bueno y lo malo de la religión o la maternidad, tiene madera para ejercer de nuevo de portavoz generacional. También para elevar al cubo el «hate» de sus detractores: la intro del disco, hablada, contiene la palabra «caca». La bossa del álbum versa sobre unos «spaguettis» que te cambian la vida.
Lo peor que puede decirse de ‘Jesucrista Superstar’ es que no, no contiene hits tan directos como «In Spain», «Drugs» o ‘Ay mamá’. Lo mejor es que hay muchos «growers», también canciones muy bonitas y cotidianas, y que pocos artistas utilizan referencias pop como Rigoberta -de la Coca Cola a Greta Thunberg- e influencias tan queridas como Raffaella Carrá, Franco Battiato o ABBA. A estos últimos apuntan las voces dobladas o triplicadas de ‘Pamela Anderson’, al italiano títulos como ‘Busco un centro de gravedad permanente’ y a la italiana referencias tan campechanas como la de ‘Enamorados’ («la ciudad a punto de estallar, y ella oyendo a Maluma»). Todo ello pasado por supuesto por un filtro de modernidad, que puede devenir en pop electrónico o incluso en hit latino.
Este es el caso de algunas de las producciones más avanzadas del álbum, como «Club de Chavalas Tristes» o ‘JAJAJA’, ambas con la intervención de Alizzz. En ‘JAJAJA’, la percusión es playera, el beat se rompe y los efectos vocales representan el monstruo que llevamos dentro, llevándonos a la adicción al alcohol o a las drogas. Ese subidón, ese «colocón» es justo el lugar al que queríamos que apuntara la música de Rigoberta Bandini cuando decíamos hace unos años que su synth-pop no era lo suficientemente imaginativo. También crece mucho con las escuchas esa bobada coral llamada ‘Todas tienen ganas de jaleo’: las voces de Rigo y Juliana Gattas elogian a un hombre y a «su pito» («Todas tienen ganas de empotrarte, chico»), en este caso parece que con más sentido hedonista que irónico, aunque nunca se sabe.
Hay cierto exceso de canciones chanantes, como ‘La pulga en el sofá’, que habría encajado mejor en un disco de Memé, la prima de Rigoberta; ‘Simpática como problemática’, ¿pegadiza o simplemente irritante?; o ‘Cada día de la semana’, la canción con Rémi Fa, que empieza generando bastante intriga, pero, entre gritos y carcajadas «¡que se acabe el disco ya!», termina tirándose a sí misma por una ventana. Una ocasión perdida, pues las modestas composiciones subidas a plataformas por Rémi Fa han sido un descubrimiento (de Rigoberta Bandini).
Sin embargo, hay un sentido profundo en estas letras, muy evidente y comprensible por cualquiera. Una crisis de mediana edad materializada a través de lenguaje coloquial: ‘Soy mayor’, además de ese estribillo tan gráfico («Soy mayor, qué coñazo»), contiene la impotencia de quien ha pasado de usar pañales a cambiarlos, casi sin darse cuenta. ‘Busco un centro de gravedad permanente’ se desespera por agarrarse a algo en lo que creer o algo que nos equilibre. El dúo con Luz Casal, ‘Canciones alegres para días tristes’, es otro de los momentos más reflexivos del álbum, apegado a un bonito riff de guitarra acústica. «Es desolador: ya no conecto con mi alrededor», narra Rigoberta caminando por la Gran Vía. La frase «Me compro un iPhone para estar mejor» no es baladí, es lo que hacemos todos cuando nos sentimos mal: refugiarnos en la idiotez del consumismo.
Aunque muchas de estas composiciones resulten universales, no se puede pasar por alto que estén escritas por una mujer. La feminidad es protagonista absoluta de dos de los singles principales: ‘Pamela Anderson’, inspirado en un documental de la actriz, con la sílaba «PAM» como vítor inminente de la gira de arenas que aguarda; y ‘KAIMÁN‘, que apunta a ser el gran hit de esta era gracias a TikTok o más bien a su atinado dardo sobre la identidad y el síndrome del impostor en el estribillo: «dime si estoy guapa, si está todo OK (…) Dime si soy alguien o si soy solo un fake».
Todas las referencias en femenino de los textos, lo que incluye «tampax» y «ciclos menstruales», resuenan y dan sentido al título del disco, ‘Jesucrista superstar’, el cual nunca para de regodearse en su carácter musical, por ejemplo en los coros de ‘Amore Amore Amore’, en el giro en las melodías de ‘Aprenderás’ o en el paso de ‘Los milagros nunca ocurren al salir de un after’ a la muy Paloma San Basilio ‘Brindis!!!’. Una ida de olla como la de «Jesucristo superstar» solo se había consentido hasta ahora a un hombre. La visión de Rigoberta Bandini, como letrista, como madre que intenta conciliar, como objeto de críticas, era muy necesaria. Nos habla de «Paulas, y Laias, y Anas, y perras, y emperatrices». «Ni soy una inútil ni soy una crack», concluye en «Club de Xavalas Tristes». Ahora, a los hombres -también a los gays- nos toca escuchar.
Hoy viernes 21 de marzo salen los nuevos discos de Rigoberta Bandini, The Horrors, Tamino, Lia Kali, La Bien Querida, Selena Gomez con Benny Blanco, Teo Lucadamo, y -atención a la revelación- Paco Pecado. De todos ellos anticipamos un tema en nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend«, que suma 6.700 suscritos.
Tenemos novedades de MARINA, Artemas, DEBBY FRIDAY, Ashnikko, Tokischa, Lil Nas X, MØ o Doja Cat (con Jack Harlow).
Sen Senra anticipa su disco con ‘Hasta el fondo’ y, en España, destacamos igualmente lo nuevo de Jimena Amarillo, pablopablo, Confeti de Odio o Maria Rodés. Entre las novedades alternativas, temas nuevos de My Morning Jacket, The Black Keys o Kae Tempest. Noah Cyrus saca tema junto a Fleet Foxes.
Björk ha anunciado la fecha de estreno de la película de su último concierto, ‘Cornucopia‘, que podrá verse en cines de todo el mundo a partir del miércoles 7 de mayo. Sin embargo, en España el estreno se producirá el día después, el jueves 8 de mayo, mientras en Canadá y Francia se lanzará los días 9 y 11 de mayo, respectivamente, informa NME. ‘Cornucopia’ se podrá ver en un total de 25 países, incluyendo Reino Unido, Brasil, Alemania o Suecia. El pase en cines será por «tiempo limitado».
Las entradas para ver la película de ‘Cornucopia’ en cines se ponen a la venta el próximo jueves 27 de marzo, a través de la web de Björk: Cornucopia.
‘Cornucopia’, que ha acogido material de los últimos dos álbumes de estudio de Björk, ‘Utopia‘ (2017) y ‘Fossora‘ (2022), ha sido el concierto más ambicioso de la carrera de Guđmunsdóttir. A lo largo de 45 shows, ‘Cornucopia’ recorrió América del Norte, Europa, Oceanía y Asia entre mayo de 2019 y diciembre de 2023. En España, ‘Cornucopia’ se pudo ver en el Movistar Arena de Madrid (entonces el WiZink) en septiembre de 2023.
Björk ha defendido ‘Cornucopia’ a capa y espada, por ejemplo, aceptando ser entrevistada por el neozelandés Zane Lowe en su espacio de Apple Music, en su primera aparición ante una cámara desde 2018. En su charla con Lowe, Björk comentó el concepto «holístico» de ‘Cornucopia’ y habló de ecologismo, arte, tecnología o edadismo. Sus declaraciones «Últimas noticias, bailaré hasta que tenga 90 años, muchas gracias» circularon por Instagram durante días.
Últimamente, Björk ha sido noticia por criticar el modelo de Spotify y por afirmar que la plataforma sueca es «lo peor que le ha pasado a los músicos». Unas palabras muy parecidas a las que la cantante islandesa compartió previamente en una entrevista con El País.
Dua Lipa ha reanudado la gira de ‘Radical Optimism‘ (2024) en Melbourne, Australia. El primer tramo de la gira pasó por Asia entre noviembre y diciembre de 2024; ahora, a mediados de marzo, la gira se ha reiniciado en Oceanía.
En la gira, Dua canta una canción diferente según el país que visite y, en el primer concierto de este tramo en Australia, Dua decidió versionar a una «banda local», que no es otra que AC/DC. Dua no se ha roto la cabeza ni con la elección de canción, ‘Highway to Hell’, ni con el estilismo musical, pues ha tocado lo más parecido a la versión original de ‘Highway to Hell’, además acompañada de una banda. Han rugido guitarras pero, sobre todo, Dua ha bordado la canción en lo vocal.
En su segundo concierto en la ciudad australiana, Dua decidió versionar un clasicazo de los 90. ‘Torn’ de Natalie Imbruglia sienta como un guante a la voz de la artista británica. Como en la versión de AC/DC, el acompañamiento musical es prácticamente idéntico a la canción original.
«Hay algunas canciones que no necesitan ningún tipo de introducción», contaba Dua en su tercer concierto en Melbourne, Australia, justo antes de hacer que el público se vuelva loco con las primeras notas de ‘Can’t Get You Out Of My Head’, probablemente la canción más icónica de Kylie Minogue. Ambas divas ya se juntaron en 2020 en el remix de Studio 2054 de ‘Real Groove’.
La gira de ‘Radical Optimism’ llega a España los días 11 y 12 de mayo en el Movistar Arena de Madrid. ¿Es de esperar que Dua cante una canción en español o, como mínimo, cante acompañada de un músico español?
Dua Lipa ha sido noticia, últimamente, por aparecer como artista invitada en el disco de la surcoreana Jennie, en el single ‘Handlebars’. Además, ha anunciado la reedición de ‘Future Nostalgia‘ (2020) por su quinto aniversario.
Karla Sofía Gascón ha presentado hoy en Madrid su autobiografía, ‘Lo que queda de mí’, una versión ampliada de un libro que ya publicó en México hace años y que ahora recoge sus últimas vivencias. Almuzara -finalmente no Dos Bigotes- edita el libro, que se pone a la venta el 25 de marzo.
Sofía Gascón ha comentado su presunta cancelación, como recoge ElDiario.es, asegurando haber estado “sometida a una masacre en redes sociales” a raíz del descubrimiento de sus viejos tuits. Sin embargo, la de Alcobendas ha aclarado que, «aunque me haya dolido y sufrido, siempre repetiría lo que me pasa en mi vida porque si no, no sería yo».
Sofía Gascón ha justificado la publicación de sus tuits -aunque no su contenido- explicando que «lo único que he hecho ha sido comentar noticias» y que eso no significa que esté «blanqueando el nazismo o diciendo que estoy a favor de Hitler». Además, ha señalado que nadie de su entorno profesional le recomendó revisar sus antiguos tuits ni borrarlos por precaución.
El contenido de esos mensajes -cargados de racismo y xenofobia- ha salido a la palestra y Karla Sofía Gascón ha negado comulgar con las ideas de la extrema derecha. “Soy menos racista que Gandhi y menos de Vox que Echenique” ha sido su gran titular de hoy. Además, la actriz ha cuestionado que nadie sacara sus tuits «contra la extrema derecha, la iglesia o la Transición».
En materia de religiones, Karla Sofía Gascón ha declarado profesar un «respeto enorme» por las personas musulmanas, pero ha señalado que no aprueba el «fanatismo, el terrorismo y las barbaridades que se cometen en nombres de dioses o religiones», parafraseando las palabras que utilizó en uno de los comunicados que publicó en respuesta a la polémica.
Sofía Gascón, que practica una rama del budismo, ha reivindicado el amor y la compasión: «El odio no se puede acabar con más odio, que es a lo que nos estamos acostumbrando. Cuando alguien nos hace daño, queremos hacer más, y eso es muy triste”. Sus palabras asemejan a las que pronunció C. Tangana recogiendo el Goya y que parecieron -indirectamente- dirigidas a ella.
Pese a los esfuerzos del equipo legal de Miley Cyrus por parar el pleito, el juicio por plagio de ‘Flowers’ sigue en pie. El pasado noviembre la cantante estadounidense pidió que se desestimara la demanda de Tempo Music Investments, y no Bruno Mars, por la supuesta copia de algunas secciones de la canción ‘When I Was Your Man’. Finalmente, el juez ha denegado la petición.
La demanda original se presentó a mediados de septiembre, asegurando que ‘Flowers’ contenía una «explotación no autorizada de varios elementos» de la canción de Bruno Mars, publicada en 2012. El documento legal justificaba la acusación de plagio citando «numerosos elementos melódicos, armónicos y líricos», además del «tono melódico», la «secuencia de la estrofa», la «línea de bajo» o «ciertos compases del estribillo».
Con el objetivo de que se desestimase la demanda, el equipo legal de la autora de ‘Endless Summer Vacation’ alegó que Tempo «se hicieron con los derechos de ‘When I Was Your Man’ sin ningún tipo de consentimiento por parte de los otros compositores del tema». Sin embargo, el juez ha calificado esa interpretación como «incorrecta».
‘Flowers’ es la responsable de los dos primeros Grammy de la carrera de Cyrus, y se trata del mayor éxito de su discografía, superando los 2.470 millones de reproducciones solo en Spotify, por lo que tendría que pagar una grandísima cantidad de dinero en caso de perder el caso.
Me encuentro con Barry B después de su apabullante sold out en la Sala But de Madrid y, con la naturalidad y cercanía propias de alguien criado en un sitio como Aranda de Duero, Gabriel Barriuso se presenta y me da la idea para el título de esta crónica: «Qué, ¿sale buen rótulo? ¡No soy ni rock, ni urbano!».
La propuesta de Barry B es una de las más ilusionantes en el ámbito de la música con guitarras de nuestro país. No digo rock porque sería una limitación. Aunque sus primeros temas tenían mucho que ver con los derroteros más alternativos de la escena urbana, poco a poco Barry se ha construido su propia carretera: un híbrido de géneros que todavía está por definir y que está en camino de convertirse en algo único. El sábado pasado, Barry B perfiló un poco más su futuro musical.
Los artistas que más le han inspirado son claros desde el momento en el que el arandino sale al escenario con una chaqueta de cuero, unas gafas oscuras y una camiseta a rayas, negras y azules. Todo muy Velvet, pero también muy Stone Roses. En otras ocasiones, a Barry tampoco le ha faltado el outfit con chándal de Adidas que tanto han llevado los Gallagher. La estética hooligan es lo suyo.
Sergy García
La reacción del público con ‘Joga Bonito’ demostró que es uno de sus temas más queridos y, por lo inclasificable que es, de los que mejor le definen. Unas renovadísimas ‘Taj Mahal’ y ‘Kit Kat’ pusieron a prueba a los asistentes, siendo sus primeras canciones, y quedó demostrado lo leales que son los fans de Barry, cantando línea tras línea. Nada de «falta de serotonina”. Gracias a su gran banda, Barry es capaz de reimaginar sus lanzamientos más tempranos para que casen mejor con su nueva visión. En este sentido, ‘Soleá’, con un espectacular solo de Elías Maro, se llevó la palma. La otra cara de la moneda es ‘ROOKIES’, el banger de trap definitivo de Barry, que resultó en un breve karaoke colectivo, con la canción cortándose a la mitad. Barry B ya no está en ese rollo.
Se vivió lo viejo, pero también lo nuevo. El lanzamiento de ‘CHATO’ es un antes y un después en la carrera de Barriuso, mostrando una nueva cara a sus seguidores y ampliando su público a la vez. Lo mejor es que tiene mucha vida más allá de los singles, algo que no pasa tan frecuentemente. Por eso ‘Todo ese dolor’ y ‘Vis a Vis’ fueron tan bien recibidas, consiguiendo que toda una sala gritase «Yo nunca he creído en Dios» a pleno pulmón.
Los conciertos de Barry ahora se caracterizan por una mezcla muy bizarra de locura y sensibilidad. El lado salvaje e imprevisible del arandino brilla en temas como ‘TUSSI’ y ‘SWISH’, siendo este un espectáculo dentro del propio concierto. Las caras que pone cuando es poseído por la música basculan entre el Jim Carrey más desatado y alguien recibiendo un puñetazo a cámara lenta. Su actitud general, de comerse el mundo. Como el adorno de su micrófono, el otro lado de Barry B es puro corazón.
Sergy García
Esta faceta tuvo su punto álgido con ‘El lago de la pena’, una verdadera joya que ha funcionado tan bien como se merece y que se ha convertido en una de las grandes favoritas del fandom. Esto se notó con la salida de Gara Durán, recibida como si la mismísima reina se hubiese dignado a subir al escenario. Con Barriuso en la guitarra, ambos regalaron un precioso dueto con el que era difícil no derretirse. El momento beso terminó de matar por completo a los presentes. Vítores, gritos, silbidos… parecía que se habían casado allí mismo.
Pese a llevar solo una semana fuera, ‘Infancia Mal Calibrada’ fue acogida como un clásico. Sin embargo, ya se sabe cuál es la joya de la experiencia Barry B. Suenan los primeros acordes de ‘Yo pensaba que me había tocado Dios’ y el público se desconfigura al instante. Todos, asegurándose de estar en primera fila de pogo. La sorpresa, en esta ocasión, fue Barry asumiendo el papel de Moisés y pidiendo que el público se dividiese en dos partes justo antes del puente del tema, solo para meterse en medio y disfrutar de su propio caos. Esto también tiene mucho corazón.
Es gracioso el juego de palabras de ‘NOVA BOSSA’, el disco de debut de Mushkaa, que no solo invierte el orden de «bossa nova», sino que también aprovecha que la palabra «nova» de hecho significa «nueva» en catalán. En ‘NOVA BOSSA’, Irma Farelo ofrece su propia interpretación -urbanizada- de la música brasileña, pero también de otros estilos populares de las músicas afrolatinas.
Los ritmos latinos y caribeños han estado siempre en el punto de mira de Mushkaa y de sus productores, akaluigi, bexnil y roots: cuando no ha sido reguetón en ‘NO XDONA’, ha sido afrobeat en ‘SexeSexy‘ con su hermana Bad Gyal. Uno de sus antiguos singles le daba a ‘El Mambo’. Pero quizá pocos esperaban que Mushkaa colocara de manera tan decidida el sonido de Brasil en el centro de su primer elepé.
La decisión artística de Mushkaa, en ‘NOVA BOSSA’, de hecho, es personal: Farelo cuenta que la trompeta es el instrumento que tocaba de pequeña: «tocaba blues, pero también bossa nova; todo me llevaba a Brasil, a aquellas imágenes que tenía de pequeña de Neymar celebrando goles». El imaginario futbolero marca portada, letras y visuales, del Barça a Mario Balotelli.
La trompeta está muy presente en ‘NOVA BOSSA’. No tanto como el autotune, pero se hace notar por ejemplo en la pista titular, una bossa lounge tan «easy» como expresa la letra; o en ‘LOTUS’, que, además, tiene el buen gusto de reproducir el sonido del viejo éxito de la bossa nova ‘Lotus 72 D‘ de Zé Giberto, de 1973.
Las producciones de ‘NOVA BOSSA’ son siempre exuberantes, sobre todo las grabaciones que, de manera más fiel, se acercan a los ritmos afrocubanos, como ‘Mimenina’, que va a full apropiándose de este sonido incluyendo un combo de voces masculinas; o la graciosamente titulada ‘Mushkinha Let’s Play Samba’, directamente una batucada que narra un «calentón»: a Mushkaa, la «nena se le aloca».
A veces, la de Vilassar de Mar se pierde dentro de esta fiesta brasileña, como en ‘La màquina del ritme’, donde el autotune cae ya en sobredosis cuando Farelo armoniza junto al rapero 8belial. Otras, invita a otros a que se pierdan con ella: Guillem Gisbert aparece subido a una cumbia sonando desubicado. En el afrobeat de ‘Flow Balotelli’, las cuerdas suenan imponentes; Mushkaa, ausente.
Sin embargo, Mushkaa sí aporta algo a estos sonidos brasileños y afrolatinos, que es su talento para tirar ganchos en melodías y letras, principalmente escritas en catalán. Mushkaa es un pequeño fenómeno en Cataluña y su primer concierto de presentación de ‘NOVA BOSSA’ tiene lugar este viernes en el Sant Jordi Club: las entradas para este concierto llevan dos meses agotadas.
En la pista inicial, la clubera ‘Zig Zag’, Mushkaa tira la caña a su comunidad autónoma: «Cataluña se pone sexy cuando comienzo una gira», canta mientras presume de «recollir el blat» de su éxito. Pero el mejor gancho de ‘NOVA BOSSA’ debe ser el de esa bailonga bachata llamada ‘Mamipuladora’: «manipuladora, no t’estimes i per això em trenques el cora» es un pedazo de estribillo, contenido en su mejor single en solitario.
Y Mushkaa también sabe ablandar el «cora» cuando recuerda su pasado en ‘NOVA BOSSA’ («de casa nos vamos poco a poco porque nos hacemos mayores») o la final ‘N1, N11’, llamada como dos líneas de nitbus de Barcelona. El final es melancólico, como probablemente pedía un disco inspirado en la bossa pero que es, a su vez, una carta de presentación más personal de lo que parece.
Billboard está publicando otra de sus comentadas listas, esta vez clasificando a las artistas femeninas más exitosas del siglo XXI según su criterio. La lista se basa en el desempeño de estas artistas en las listas Billboard Hot 100, que mide el éxito de los singles, y Billboard 200, que mide el éxito de los álbumes.
Taylor Swift, para sorpresa y asombro del mundo, lidera la lista, seguida de Rihanna en el puesto 2 y de Beyoncé en el 3. Completan el top 5 Adele y Katy Perry. Quedan fuera del top 5, pero aún aparecen dentro del top 10, Lady Gaga en el 6, P!nk en el 7, Ariana Grande en el 8, Miley Cyrus en el 9 y Alicia Keys en el 10. Excluidas del top 10 quedan Mariah Carey (12) o Britney Spears (14). Billie Eilish, en el puesto 15, supera ya a veteranas como Nicki Minaj (16).
Entre las curiosidades, Chappell Roan aparece ya en el puesto 80 por delante de Fleetwood Mac y por detrás de Martina McBride, Sabrina Carpenter en el 50 por delante de Camila Cabello y por detrás de las Pussycat Dolls y Charli xcx en el 95 por delante de Sade y por detrás de Toni Braxton.
La clasificación repasa los últimos 25 años de la música más popular de Billboard hecha por mujeres, revelando por ejemplo que el éxito de Evanescence (39) ha sido mayor que el de Demi Lovato (52), que el éxito de Jennifer Lopez (22) ha sido mayor que el de Madonna (36) o que el éxito de Enya (60) ha sido mayor que el de Ellie Goulding (62). No faltan Lana Del Rey en el 71, Lorde en el 44, Norah Jones en el 31, Cardi B en el 27 o Dua Lipa en el 25.
01 Taylor Swift
02 Rihanna
03 Beyoncé
04 Adele
05 Katy Perry
06 Lady Gaga
07 P!nk
08 Ariana Grande
09 Miley Cyrus
10 Alicia Keys
11 Kelly Clarkson
12 Mariah Carey
13 Carrie Underwood
14 Britney Spears
15 Billie Eilish
16 Nicki Minaj
17 Destiny’s Child
18 SZA
19 Avril Lavigne
20 Christina Aguilera
21 Olivia Rodrigo
22 Jennifer Lopez
23 Mary J. Blige
24 Doja Cat
25 Dua Lipa
26 Kesha
27 Cardi B
28 Fergie
29 Ashanti
30 Selena Gomez
31 Norah Jones
32 Gwen Stefani
33 Meghan Trainor
34 The Chicks
35 Faith Hill
36 Madonna
37 Halsey
38 Ciara
39 Evanescence
40 Missy Elliott
41 Janet Jackson
42 Lizzo
43 Nelly Furtado
44 Lorde
45 Shakira
46 Sugarland
47 Aaliyah
48 Céline Dion
49 The Pussycat Dolls
50 Sabrina Carpenter
51 Camila Cabello
52 Demi Lovato
53 Sheryl Crow
54 Colbie Caillat
55 Sia
56 Miranda Lambert
57 Leona Lewis
58 Keyshia Cole
59 No Doubt
70 Iggy Azalea
71 Lana Del Rey
72 Amy Winehouse
73 Hilary Duff
74 Gretchen Wilson
75 Carly Rae Jepsen
76 Susan Boyle
77 Jordin Sparks
78 Ashlee Simpson
79 Martina McBride
80 Chappell Roan
81 Fleetwood Mac
82 The Band Perry
83 Michelle Branch
84 Alessia Cara
85 Summer Walker
86 Reba McEntire
87 Keri Hilson
88 Barbra Streisand
89 Mya
90 Bebe Rexha
91 Paramore
92 Lil’ Kim
93 Brenda Lee
94 Toni Braxton
95 Charli xcx
96 Sade
97 Fifth Harmony
98 Fantasia
99 Vanessa Carlton
100 Danity Kane
Isabel Pantoja ha sido ingresada de urgencia en un hospital de Madrid. Antonio Rossi de Vamos a ver ha comunicado la noticia: «Isabel Pantoja se encuentra hospitalizada en un centro hospitalario de Madrid. A principios de semana vieron algo que no iba bien, algo que no les gustaba, y decidieron ingresarla de urgencia», cita la revista Hola. Pantoja lleva tres días ingresada y se encuentra sometiéndose a pruebas médicas, si bien Rossi señala que «las pruebas están saliendo bien y, por el momento, hay tranquilidad».
Pantoja, que, en el último año, ha realizado una gira por el 50 aniversario de su carrera, ha sido noticia recientemente por anunciar que se encuentra trabajando no en una sino en dos piezas visuales biográficas, un documental y una serie de ficción. ¿Habrán avisado a Jennifer Lopez?
La productora barcelonesa Mediacrest, responsable últimamente de ficciones como ‘Daniela Forever’ o ‘Asuntos internos’, se encuentra detrás de la creación de ambas piezas biográficas sobre la vida de Isabel Pantoja. Francisco Pou, presidente de Mediacrest, ha declarado que «poder trabajar con una artista de la talla de Isabel Pantoja y llevar con ella al gran público una producción de la máxima calidad con la historia de una de las personas más influyentes de la música española es un regalo, un reto apasionante que estamos encantados de afrontar”. Por su parte, Pantoja ha dicho encontrarse «entusiasmada con el proyecto».
vangoura es uno de esos grupos del underground español asociados a la etiqueta bedroom pop que, armado lo mismo de sintetizadores y teclados que de guitarras, está siendo capaz de escribir canciones absolutamente adherentes y encantadoras a las que volver una y otra vez. Algunas de esas canciones están contenidas en su segundo disco de 2024 ‘sangre y sal‘: otras, en su debut de 2021, ‘mudar piel’. Aunque tema más escuchado a día de hoy, ‘si fueras lluvia’, data de 2020 y está a punto de rebasar la marca de los 4 millones de streamings en Spotify.
‘Nada importa’ ha sido el último lanzamiento de vangoura, el dúo de Madrid formado por Miguel Figueras e Ignacio Alarcón, un EP de seis pistas que ahonda en su faceta guitarrera, aunando influencias de indie-pop, rock alternativo y pop-punk, siempre con su amable estilo.
‘Tu película’ es una de sus pistas destacadas, una producción de puro indie-pop, vagamente inspirada en el sonido Two Door Cinema Club -sobre todo su animada base rítmica- pero cargada de melancolía, a su vez, en su composición melódica. vangoura producen ‘Tu película’ acompañados de Ganges y Bearoid.
‘Tu película’, la Canción Del Día de hoy, plantea un escenario de devoción hacia la persona amada e incluso de idealización. De ahí, quizá, que el grupo utilice la metáfora cinematográfica («quiero quedarme a vivir en tu película») para exponer una historia de amor que puede ser demasiado buena para se verdad. Como mínimo, Miguel se entrega a una especie de simbiosis con esa persona y utiliza su relación para adentrarse en un camino de autoexploración, de descubrimiento personal.»De ti quiero conocer, lo que de mí no recuerdo, de ti haré por entender, partes de mí que no entiendo», canta.
Fans de Natalia Lacunza, Alizzz, Besmaya o por supuesto Ganges no deberían perderse la propuesta de vangoura ni su próxima gira, que de la mano de Girando por Salas, incluye las siguientes fechas:
Viernes, 21 de marzo – CÓRDOBA – Sala Long Rock
Viernes, 28 de marzo – LLEIDA – Sala Manolita Night Life
Sábado, 29 de marzo – BARCELONA – Razzmatazz Sala 3
Jueves, 15 de mayo – MURCIA – Sala Revólver
Viernes, 16 de mayo – ALBACETE – Sala Clandestino
Viernes, 23 de mayo – ZARAGOZA – La Lata de Bombillas
Viernes, 30 de mayo – BOIRO (A CORUÑA) – A Pousada da Galiza Imaxinaria
Bilbao BBK Live, que ya había anunciado nombres como Kylie Minogue, Pulp, Amaia, Raye, Bad Gyal, Nathy Peluso, Michael Kiwanuka o Carolina Durante, cierra hoy su cartel. El festival se celebra entre los días 10 y 12 de julio en Kobetamendi, Bilbao.
Entre los nombres que se suman hoy hay grandes apuestas como Damiano David, Sparks, Kaytranada, Maria Arnal, Sidonie o Heartworms. Además, hay que sumar la programación de Basoa y Lasai. Los bonos siguen disponibles y las entradas de día saldrán a la venta el jueves 27 de marzo a un precio especial de 65 euros.
Si hablamos de programación por días hay que recalcar que el jueves 10 de julio actuarán Pulp, Kaytranada, Michael Kiwanuka, Bicep, Ca7riel y Paco Amoroso, Japanese Breakfast, Maria Arnal, Hinds, Cala Vento y pablopablo, entre otros.
El viernes 11 de julio será el día de Raye, Bad Gyal, Amaia, Amyl & The Sniffers, Polo & Pan, Orbital, Jessica Pratt, Baiuca, Carlos Ares, Julieta y muchos más. Y el sábado 12 de julio será la traca final de Kylie Minogue, Sparks, Damiano David, Nathy Peluso, Carolina Durante, The Blessed Madonna, L’impératrice y demás.
Respecto al bosque escapista de Basoa, la organización anuncia para el jueves a Carista, CC:DISCO!, Fafi Abdel Nour y Pépe, además del B2B de Tiga y Cora Novoa. El viernes estarán Octo Octa, S-Candalo, Verraco, Xamana Jones y un invitado por anunciar. El sábado cerrarán el festival Avalon Emerson, Roman Flügel, Pearson Sound, Jennifer Loveless y Oma Totem.
En cuanto a Lasai, «el espacio diseñado para bajar las revoluciones con las mejores vistas de Bilbao», contará con Olivia presentando ‘textapes’, Populous, Mattias El Mansouri, Moopie, Toni Bass y Daniel Kelsan, así como Vladimir Ivkovic.
Igualmente la organización da la bienvenida a «Gorria, un club en constante mutación». Por allí estarán Nítido, Manuka Honey, Merca Bae, JUGO3000, Drummie, Kinara, Nusar3000, EN1GMA, Fukcnormal, Mina Galán y OLVIDO.
ARTISTAS ORDEN ALFABÉTICO
ABHIR
ALICE PHOEBE LOU
AMAIA
AMATEUR
AMYL AND THE SNIFFERS
AVALON EMERSON
BAD GYAL
BAIUCA
BICEP
CA7RIEL Y PACO AMOROSO
CALA VENTO
CARISTA
CARLOS ARES
CAROLINA DURANTE
CC:DISCO!
DAMIANO DAVID
DANIEL KELSAN
DRUMMIE
EMBARGADA
EIDER
ENGLISH TEACHER
FAFI ABDEL NOUR
FAT DOG
FUKCNORMAL
HEARTWORMS
HIDROGENESSE: ASÍ SE BAILA EL SIGLO XX
HINDS
HOFE
JALEN NGONDA
JANUS LESTER
JAPANESE BREAKFAST
JENNIFER LOVELESS
JESSICA PRAT
JUDELINE
JULIETA
KAYTRANADA
KINARA
KYLIE MINOGUE
L´IMPÉRATRICE
MAKAYA MCCRAVEN
MALKO
MANUKA HONEY
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Mónica Naranjo pasa largas etapas alejada de la prensa, pero lo que estamos viendo estos días es otra historia. La ocasión, una gira por su 30º aniversario en la música, lo merece, y la artista no solo ha ido a «divertirse a ‘El Hormiguero'» como otros, sino también a la Cadena SER, a la radiofórmula, a agencias, a la prensa LGTBIQ+… y finalmente también, a la prensa musical. Desde que en 2008 Claudio -mi compañero de podcast- nos regaló una entrevista con ella, que no cabía completa en el periódico para el que trabajaba entonces (ADN), ningún redactor de JENESAISPOP había podido hablar con Mónica Naranjo.
Por alguna razón entro en el hotel donde me han citado con ‘Amor y lujo’ sonando en mi cabeza a todo volumen. Es extraño, hace años que no la oigo. Mónica dice no conocer nuestro medio. En ese momento no caigo en decirle, porque lo recuerdo horas después, que fue JENESAISPOP quien le advirtió, a través de Twitter, de que una canción de Rigoberta Bandini la reivindicaba. Concretamente, a gritos. «Gracias por descubrirme a esta artista con todas las letras», nos escribía en la red social, ella o su CM.
Durante la preparación de la entrevista, Mónica Naranjo inquieta como pocos artistas inquietan ya. De hecho, no se me ocurre nadie que me imponga tanto como Mónica Naranjo. De un lado, revisitar su catálogo, todas esas canciones que están sonando en su repertorio de «grandes éxitos», es obligado para cualquier fan de la cultura pop. ‘Desátame’, ‘Sobreviviré’ o ‘Entender el amor’ deberían aparecer en el diccionario cuando buscas «torbellino». 15 años después, todavía no hay palabras para definir lo que sientes la primera vez que escuchas ‘Europa’, más de 6 minutos de esquizofrenia industrial, con referencias a arias de amor. Ni siquiera en alemán. El setlist que estos últimos meses ha exhibido en América, incluyendo un guiño a su odiado ‘Chicas malas’, es el que sus fans llevan tiempo soñando. De otro, sus comentarios políticos en esa incómoda equidistancia en la que quizá solo Jordi Évole tenga tiempo de ahondar.
En mis humildes 15 minutos de «Fama», lo que me encuentro es una Mónica Naranjo que está atendiendo a cada medio con 30 minutos de retraso porque no niega ni una foto, ni un autógrafo, ni una sonrisa. Ni siquiera cuando las preguntas son incómodas. Con el compañero de Shangay le oigo bromear sobre todas las veces que le están cuestionando su pertenencia a una secta -ya negado en Antena 3- o el playback. Una Mónica Naranjo en definitiva risueña y cercana, tan cercana en el asiento que soy yo más bien quien está incómodo en el plano y le pregunto si debo alejarme. Ella y las marcas en el suelo dicen lo contrario.
¿Cuál está siendo el momento más gratificante en esta gira que repasa toda tu carrera?
Cuando pasamos de ‘Fama’ a ‘Entender el amor’, sin pausa. Sube de tono el ambiente y todo el auditorio se levanta. Esas 12.000 personas se levantan. Dices: «¡guau, vamos bien, lo hemos hecho bien!».
Me ha hecho ilusión ver ‘Europa’ en el repertorio, una canción tan rompedora, muy loca en el buen sentido de la palabra. ¿Cuán necesario ha sido el riesgo en tu carrera?
No he entendido nunca mi carrera como algo vertiginoso, ni arriesgado. Simplemente me he dejado llevar. Nunca he mirado atrás, todo lo que he ido haciendo. Creo que no es bueno. Las compañías me decían: «pero si un disco ha funcionado, ¿por qué no seguir haciendo y dando el mismo material?». Y no. Hay que seguir mejorando, estudiando, evolucionando, hay que seguir creando cosas bonitas, cosas nuevas. Irrumpir con cosas sorprendentes. Es mi manera de ver la industria y mi manera de proceder. Nunca hago dos discos iguales. No porque no quiera, sino porque se van quedando en el pasado. Yo siempre digo que el mejor disco está por componer.
«Las compañías me decían: «pero si un disco ha funcionado, ¿por qué no seguir haciendo y dando el mismo material?». Y no. Hay que seguir mejorando, evolucionando»
‘Lubna’ era un disco muy arriesgado, con trazos de flamenco, Jaime Heredia… ¿Por qué en esta gira no tiene cabida?
No vamos con sinfónica. ‘Lubna’ es un proyecto de rock sinfónico. No podemos…
¿Ni siquiera un ‘Jamás’?
¿Vas a coger las cuerdas y las vas a lanzar programadas? Con lo bonito que es cuando las tocan en vivo… Eso queda pendiente. ‘Lubna’ tiene su momento también.
Te he visto estos días bromear con el playback, con el tema de las sectas… Me gusta verte riéndote de eso.
Los artistas y todas las personas que tenemos una connotación social estamos sujetas a lo que se dice de nosotros. Lo que no, lo que sí… Si tuviéramos que estar toda la vida desmintiendo las cosas que dicen, no acabaríamos.
¿Cómo has vivido la evolución del uso del playback, en todos estos años?
Lo hacen hasta en Eurovisión. Todo ha evolucionado muchísimo. Y te digo algo: el playback ha salvado muchos dramas. Nos ha pasado ir a televisión con todos los músicos y que en esa televisión no tuvieran el equipo y no lo hemos podido realizar. Pero es que teníamos que salir a actuar. Imagínate la gracia que les hubiera hecho a esta gente que les dijéramos: «como no tenéis los equipos, os vamos a dejar colgados».
¿Esperarías ver ‘Palabra de mujer’ en una lista así, o algún otro disco?
Yo no espero nunca nada de nada. Yo fluyo, hago, estoy concentrada en todo lo que tengo que hacer, que créeme que es mucho…
¿De qué disco estás más orgullosa?
Cada uno tiene su historia (suspira) ‘Tarántula’ es un disco que marcó un antes y un después en mi carrera, tras 7 años de silencio. ‘Lubna’ fue una locura, pero una locura y una responsabilidad asumidas con mucho gusto. ‘Mimétika’ enmarca un antes y un después en un descanso obligado, durante una pandemia. ‘Palabra de mujer’, ‘Minage’… ‘Minage’ marca el momento de otra dirección necesaria en la vida: «He hecho esto, he hecho lo otro, pero si sigo haciendo este tipo de música me van a encajonar aquí y no quiero que me encajonen aquí, porque sé hacer más cosas». Cada disco ha tenido su momento de importancia.
‘Chicas malas’ tiene su momento en la gira. No sé si hay una reconciliación, porque creo que la cantan las coristas, o algo así…
En América sí.
¿Entonces no hay reconciliación?
Es un disco que está ahí.
¿Es un momento divertido que la gente disfruta?
No es que lo disfruten, tiran el auditorio abajo. Les encanta.
Y a ti te gusta…
Hombre, claro.
Igual se caería más el auditorio si la cantaras tú… ¿No te sale?
(risas)
«Yo con Sony nunca he acabado mal. Al contrario. No estábamos de acuerdo en la manera de dirigir los proyectos»
‘Lubna’ fue uno de los 10 discos más vendidos de su año o casi. Me da pena que acabaras mal con Sony, porque es un disco difícil de hacer, y también muy difícil de «marketear».
No acabamos mal, yo con Sony nunca he acabado mal. Al contrario. Mi relación con Sony es muy realista. Tanto una parte como la otra nos dimos cuenta de que no estábamos de acuerdo en la manera de dirigir los proyectos. Cuando tú tienes una profesión tan marcada como la mía y sabes lo que es producir un disco y hacer un disco desde cero, tú te lo guisas y te lo comes; no llevamos bien que se metan en la producción. No llevamos bien que nos digan «no, es que este repertorio no». ¿Qué es lo que cambia toda esta historia? ¿Que tú lo pagas? Yo no quiero que lo pagues. Si pagarlo tú no me da la libertad que yo quiero, que normal, porque pasa a ser tu proyecto, yo no quiero tu dinero… prefiero hacerlo yo y tú lo licencias.
Tu futuro entonces está en Altafonte, en la independencia…
Claro, porque para mí es una manera de editar discos de forma libre y directa, a través del medio digital. Yo no necesito masterizar un disco, esperar a que lo fabriquen, esperar a que se haga la estrategia de márketing… No, nosotros lo hacemos desde la oficina y usamos Altafonte como compañía digital para su lanzamiento, y lo hacen divinamente.
‘Pantera en libertad’ sí está en esta gira. ¿Es expresamente un tema que hable de feminismo y movimiento LGTBIQ+?
Cuando hicimos ‘Palabra de mujer’, éramos un equipo de 4 creativos. Yo he nacido dentro de la comunidad, para mí es un lenguaje materno, paterno. Yo he vivido así toda la vida. Cuando se lanzó este disco, hubo una conexión directa. La gente se identificaba con el mensaje. La gente veía su vida. La gente empezó a sentir la libertad de decir: «Yo soy así, si no te gusta, no me mires. Yo amo así, si no te gusta, no me mires». Hubo una revolución social a través de ‘Palabra de mujer’.
José Manuel Navarro decía en el libro de Juan Sanguino que estas canciones no hablaban ni de feminismo ni de movimiento LGTBIQ+.
No. La letra es de él. ‘Pantera en liberad’ la compusimos los dos. El texto es de él. Como he dicho hace poco en México, por favor, empecemos a pensar que existe una gran escala de grises, lo estamos polarizando todo, el mensaje es muy radical, y muy poco constructivo. Esta letra la compuso un caballero. Nosotros nunca hicimos un disco radicalizado, hicimos un disco para todo el mundo. Hicimos música para todo el mundo. Que los sectores se apropiaran de los temas o del trabajo en general, eso ya no era nuestra pretensión. Nosotros hacemos música para todo el mundo, y cada uno, pues, lo coge y lo lleva a su vida, de manera muy personal.
«Por favor, empecemos a pensar que existe una gran escala de grises, lo estamos polarizando todo, el mensaje es muy radical, y muy poco constructivo»
¿No te leíste el libro de Juan Sanguino?
No.
Salías bien parada. Se reivindica tu legado. Cosa que no se había hecho en el periodismo musical. Faltaba tu visión del tema.
¿Sabes qué pasa? Yo no soy muy dada a hablar biográficamente. No me gusta vivir el pasado. Ya se vivió. Me pasa con la música, me pasa con la televisión. Cuando hacemos un proyecto, no me quedo ahí. Me acuerdo de ‘La isla de las tentaciones’. Lo grabamos 6 meses antes del lanzamiento. Yo cuando salí de Santo Domingo, de la isla, ya había terminado mi labor. Cuando salió y se produjo toda esa revolución social, la gente me decía cosas y eso para mí ya había pasado. Me alegro de que haya funcionado tan bien, me alegro de que haya habido esta revolución social, sobre todo entre los jóvenes, pero esta movida ya ha pasado para mí.
De hecho, esta gira que sí mira al pasado es un poco rara para ti.
Son 30 años. Había que hacerla.
¿La estás disfrutando?
Mucho. Si yo no hubiera empezado esta gira disfrutando, ya te digo yo que no la alargo.
Has actuado con Bunbury en América, y apoyas a Miguel Bosé. Son dos personas radicalizadas respecto a la pandemia. ¿Por qué ese apoyo a estos artistas?
Porque los amo, son seres humanos extraordinarios, Son mis amigos y mis amigos pueden decir lo que les dé la gana. En una mesa redonda, yo tengo amigos de todo tipo. ¿Qué me voy, a enfadar con ellos, porque tengan pensamientos diferentes a los míos? O yo no esté de acuerdo. O sí esté de acuerdo…
¿En qué estás de acuerdo?
En muchas cosas, no lo vamos a sacar aquí. Son temas particulares y más personales, pero créeme que son dos personas muy cultas y muy informadas.
Háblame de la evolución de la diva, estos 30 años, que la letra de Melody me ha dado que pensar. Yo te veía muy diva, y al verte de presentadora, ha cambiado mi imagen de ti. Te veo como más dulce…
Diva me lo pusisteis vosotros. Es una cosa preciosa, me encanta. Es una palabra divina, que engloba muchas cosas, mucha responsabilidad, pero en ningún momento dije «soy una diva». Al final la vida de un artista son muchos años, tienes que seguir evolucionando. Me acuerdo de que cuando llegué a España, llegué con mucha armadura. Cuando me fui a México tenía 19 años, era una niña y me fui sola. Pasé 4 años y medio allí. Tengo que estar bien, tranquila, con mi escudo, porque tengo que estar fuerte. Nada me puede afectar.
En tu última etapa, ‘Mimétika’, que mencionabas, ¿hay alguna canción de los últimos 5 años para la que esperabas más éxito? ‘Hoy no’ me flipó.
Viviendo ahora mismo el momento en que estamos en las redes sociales, con todos los temas que se están recuperando, me ha fascinado que se recupere un tema que viene de la banda sonora de ‘Mannequin’ y que yo canté mucho: ‘Nothing’s Gonna Stop Us Now’. Después de treinta y tantos años se recupera la canción y se hace viral en muchos vídeos de TikTok. Me lo pasaron el otro día y me fascina. El momento de una canción es impredecible, y lo determina el momento en el que está el mundo. Los tempos de Dios son perfectos, pero no son los nuestros.
¿Entras en redes? He leído que vives con un montón de gatos y perros.
Las redes están muy interesantes para difundir el trabajo, pero para la vida personal, no estoy dispuesta.
Oye @paulariboo 🥰🥰… Dile a Rigoberta que con esos temazos que compone… se puede marcar un @monicanaranjo siempre que quiera… 🤣🤣🤣🤣 Gracias @jenesaispop por descubrirme a una ARTISTA con todas las letras!! 🙏🙏💖💖 #talento
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