Belle & Sebastian / How to Solve Our Human Problems (Pt. 3)

19 febrero, 2018

Desde la desaparición de Sally Shapiro, no vivíamos una catarsis similar de melancolía en la pista de baile, como la que nos ofrecen el recién llegado dúo Nos Miran con su primer single, ‘Humo’. Aunque en este caso se trata de una canción que, más que al italodisco, remite al eurodance de finales de los 90 descifrado con el filtro indie de Elefant Records –no podía ser otro que el sello madrileño el que diera cobijo a este proyecto–.

Nos Miran son Marta Quintana y Sergio Rodríguez, que forman o formaron parte de proyectos como Ventolín y Capitán Sunrise –la referencia a su canción ‘Un verano en la luna’ no es casual, puesto que fue Santi Diego el que les presentó–. Ya tienen listo su primer EP – titulado precisamente como este single–, que verá la luz en la colección «New Adventures In Pop» de Elefant el día 16 de marzo y en el que tocarán palos muy distintos como el punk-pop o el tecno lo-fi.

Cuenta Sergio que ‘Humo’ fue escrita después de engancharse a ‘Another Night In’ de Tindersticks, pero dándole la vuelta con el filtro de La Casa Azul. Presentada con un vídeo sencillo pero bastante efectista en lo visual, jugando con lo onírico y lo simbólico, y con la inquietante presencia de una niña de pelo rojizo que conecta extrañamente a la pareja protagonista, ‘Humo’ se transforma casi instantáneamente en una de esas canciones que marca drásticamente la carrera de un grupo y le hace sobresalir de la masa.

Liam Gallagher intenta, sin éxito, convencer al mundo de que el disco de Noel es «una versión mierdera de Kula Shaker»

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19 febrero, 2018

Liam Gallagher no para. Con el nuevo año su propósito sigue siendo el mismo que el pasado: poner fino a su hermano Noel. Sus últimas declaraciones dicen que el álbum editado por su hermano en 2017, el más o menos experimental ‘Who Built the Moon?‘, es «tonto» y una «versión mierdera de Kula Shaker». La cita dice: «él hace su cosa del pop cósmico y yo estoy a lo mío, dándole a la gente lo que quiere. Que yo sepa, siempre ha sido así». Liam dice que ‘Dead In The Water’ (el bonus track) tiene melodía, pero que prefiere los dos primeros discos de Noel, que son más clásicos. «Me gusta su fórmula. No creo que las canciones nuevas sean tan buenas, hay mucha tontería y la producción no es ni siquiera tan buena».

Lo malo es que su concepto de «lo que quiere la gente» puede estar equivocado. Es verdad que en principio ‘As You Were‘, el disco de Liam Gallagher, se vendió mejor, llegando al top 9 de lo más vendido de todo el año 2017 en Reino Unido, frente al top 18 conseguido por Noel. Todo ello cuando hasta ahora Noel había vendido mucho más que Liam. Sin embargo, al final puede que haya vuelco.

Ambos discos están siendo apoyados por BBC 2, que tiene en su playlist «A» (lo que antes se llamaba «disco rojo») tanto ‘Paper Crown’ como ‘It’s a Beautiful World’, pero es el disco de Noel el que sube del puesto 28 al 18 en ventas británicas, mientras que Liam está en el puesto 24.

Traduciendo: el álbum de Noel está resistiendo en las listas mucho mejor de lo que se esperaba en un principio teniendo en cuenta su carácter experimental y puede dar alguna sorpresa aún en este 2018. Recordando la buena nota que tiene en Metacritic, ¿sería descabellada una nominación al Mercury, la primera en más de 20 años?

Os dejamos con la canción de Noel que le gusta a Liam, que no es nada significativa de cómo suena el álbum, lo cual tiene bastante guasa…

Manic Street Preachers ya no distinguen «izquierda y derecha» en la política ‘Distant Colours’

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19 febrero, 2018

La de Manic Street Preachers es una de las canciones que os presentábamos el viernes en nuestra playlist de novedades semanales «Ready for the Weekend». La canción recibe el nombre de ‘Distant Colours’, y es una de sus composiciones eufóricas, si bien tiene fondo, como revela la nota de prensa de su sello en España.

Según esta, «la canción habla del desencanto con la izquierda de la juventud del cantante James Dean Bratfield», reflexionando sobre cómo «ha terminado el clásico partido Laborista de Nye Bevan». El vídeo rodado en Gales muestra al personaje principal del single anterior ‘International Blue‘ (la actriz Sarah Sayuri) mientras recorre el país parando en lugares históricos y culturales clave y que, de alguna manera, están relacionados con los temas de los que habla la canción.

El director Kieran Evans recorre «Cofiwch Dreweryn en recuerdo a Treweryn (el monumento que se construyó en protesta por haber dejado bajo el agua al pueblo de Treweryn), la estatua del guerrero galés Llewelyn ap Gruffydd en Llandovery, los llanos de Brecon Beacons, las piedras de Aneurin Bevan en el ventoso Ebbw Vale, el monumento en honor a los mineros Guardianes del Valle en Six Bells, Abertillery, y Chartist Monument en las afueras de Blackwood antes de llegar al pueblo, al Little Theatre, el sitio donde los Maniacs ofrecieron su tercer concierto».

La letra de la canción acusa a su destinatario de “mentir”, se pregunta si “vivimos en el pasado” y sentencia: “ya no distingo mi derecha de mi izquierda”.

El álbum ‘Resistance Is Futile’ sale a la venta finalmente el 13 de abril.

La canción del día: Tom Boyle demuestran que el noisepop no morirá si hay canciones como ‘Hojas amarillas’

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19 febrero, 2018

Quienes siguieran nuestra web con asiduidad desde casi sus inicios y aún estén por aquí seguro recordarán a Tom Boyle, un grupo de Getxo que en algún momento se definió a sí mismo a medio camino entre el Getxo Sound (El inquilino coumnista) y el Donosti Sound (La Buena Vida, Le Mans…). Su estupendo debut de 2009, ‘Maniobra de aproximación’, añadía a la ecuación el nombre de Yo La tengo y, sin embargo, el combo no ha gozado en estos casi 10 años de la suerte que merecía, anunciando un parón indefinido por razones personales en 2011 con algún amago de retorno, publicando el escueto ‘Agur’ en 2015.

Sin embargo, Gloria Para y Xabier Setién ni han desistido ni han dejado de escribir canciones en este tiempo. Y ahora, con una formación renovada –Miguel Terán y Oskar Hernández se incorporaron a la batería y guitarra, respectivamente–, han publicado ese segundo disco que pensamos que ya nunca llegaría. Grabado por Raúl Pérez en los sevillanos Estudios La Mina, se titula ‘Vuelve a empezar’ y ya su primera canción supone un reencuentro con todo aquel encanto que nos cautivó en canciones como ‘Desdobladas’ o ‘La caja’.

Con un videoclip que nos sitúa de lleno ante Gloria, caminando por ese escenario otoñal al que alude su título, ‘Hojas amarillas’ es una auténtica preciosidad que funde en mágico equilibrio ruido, melancolía y melodía perfectos, que ellos mismos emparentan con ecos de Ride y Slowdive. Por si fuera poco, el hecho de imaginar que esas hojas que llenan los suelos de las ciudades y campos podrían ser pensamientos humanos, “unos secretos y otros abiertos, que viven por un momento” es terriblemente encantador. Cuando llega ese “no veo el momento de decirte que lo siento, que me dejo llevar por el viento, que he dudado algunas veces pero al final me quedo contigo”, la emoción es pura y real. Y la certeza de que el noisepop no puede morir mientras sigan apareciendo canciones así, también.

Marta Sánchez llora (de alegría) en la tele tras la reacción a su versión del Himno de España

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19 febrero, 2018

¿Todavía te dura el ataque de risa por la versión del Himno de España que se ha sacado de la manga Marta Sánchez? Pues espérate porque la cantante está riendo la última y ha podido apuntarse uno de los mayores tantos de su vida, si finalmente esta adaptación, que ha escrito ella misma, sigue prosperando, como parece que va a suceder tras las felicitaciones de Mariano Rajoy, Albert Rivera o el Ministro de Cultura, que ha pedido su teléfono. Rajoy y Rivera, en su pugna por ganar las siguientes elecciones generales del país, han peleado por resultar el más efusivo. Mariano ha escrito en Twitter: «Como a muchos de vosotros, me llega este vídeo. Muy buena iniciativa de @Martisima_SoyYo. La inmensa mayoría de los españoles nos sentimos representados. Gracias, Marta. MR». Rivera ha dicho: «Valiente y emocionante @Martisima_SoyYo poniendo letra y corazón al himno nacional».

Marta ha explicado en el programa de Susana Griso que hace un año ideó esta adaptación en su cama de Miami, terminándola a tiempo de presentarla en el Teatro de la Zarzuela. “La que se ha liado nunca lo habría imaginado”, declara antes de echarse a llorar de la emoción. Sobre la posibilidad de que Sánchez interprete esta versión en la Final de la Copa del Rey, que ha sido sugerida por un diputado del Partido Popular, responde: “No me quiero hacer esas ilusiones, con que se plantee ya me siento feliz”. Las mismas declaraciones las ha repetido en Al Rojo Vivo. A su vez, considera que la repercusión que ha tenido este tema es mayor que su concierto en el Golfo interpretando ‘Soldados del amor’, aquel tema de Olé Olé que produjo Nile Rodgers de Chic.

Marta ha declarado en el programa de Griso que esta versión se escribió antes de la problemática catalana: ”no hay ninguna doble intención», pues la hizo «antes de que explotara todo lo que explotó en este país y de que los españoles colgaran banderas en los balcones». En la mesa del programa, eso sí, hay un crítico con su versión, que recuerda que ya se han escrito muchas letras para el Himno, y esta no sería para él de las mejores.

Como a muchos de vosotros, me llega este vídeo. Muy buena iniciativa de @Martisima_SoyYo. La inmensa mayoría de los españoles nos sentimos representados. Gracias, Marta. MR pic.twitter.com/k5ruZPMhHE

— Mariano Rajoy Brey (@marianorajoy) February 18, 2018

‘Rojo y amarillo, colores que brillan en mi corazón y no pido perdón’ . Valiente y emocionante @Martisima_SoyYo poniendo letra y corazón al himno nacional. https://t.co/DkaYwPwyAq

— Albert Rivera (@Albert_Rivera) February 18, 2018

¿Ha cambiado para siempre ‘La llamada’ la carrera de Leiva?

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19 febrero, 2018

Leiva ha protagonizado esta semana con ‘La llamada‘ una de las subidas más fuertes de la semana en la lista de singles española: la canción ha pasado del puesto 40 al puesto 14 en la tabla oficial de Promusicae, dando totalmente la nota en un top 20 en el que solo tienen cabida reggaetón, canciones de música urbana, bailables y temas que han sido promocionados en Operación Triunfo. Poco cantautor se ve por esos puestos.

Su espaldarazo definitivo ha sido la consecución del Goya a la mejor canción: la última lista publicada por Promusicae se corresponde con esa semana, los premios del cine español fueron en sábado y la lista va de viernes a jueves. Mejor, casi imposible. Fue el único galardón conseguido por la cinta de Los Javis, una de las mejores películas de 2017 para nuestra redacción, y Leiva estuvo allí para recogerlo, agradeciendo a los directores, esos «genios locos y libres». También hubo dedicatoria para las actrices de la película, entre ellas Macarena García, su pareja, y además hermana de Javier Ambrossi (su verdadero nombre es Francisco Javier García de la Camacha Gutiérrez-Ambrossi, y el de ella Macarena García de la Camacha Gutiérrez-Ambrossi).

Leiva hablaba anteriormente sobre su canción durante su visita a Late Motiv: «Les conozco (a Los Javis), he ido a ver la obra muchas veces. No soy compositor de bandas sonoras pero ellos están tan locos en el buen sentido, que arriesgan y me permitieron participar en la película. Estoy muy orgulloso de lo que ha pasado porque no pretendía ser una película grande. Ha ocurrido algo sin la pretensión de que ocurriera algo. Ellos se lo merecen porque son muy talentosos».

Con 10 millones de reproducciones a nivel global, la canción es disco de oro en España, pronto será platino, pues suma 100.000 reproducciones diarias solo en nuestro país y no es tan inimaginable que termine habiendo «sorpasso» y sobrepase en popularidad a los que hasta ahora son los mayores éxitos de Leiva, ‘Terriblemente cruel’ (20 millones de streamings) y ‘Sincericidio’ (12,6).

Pero al margen de las cifras, está claro que su inclusión en una película que cuenta con un repertorio tan variado y diferente a su canción (Whitney Houston, Presuntos Implicados); de temática LGTB y de ámbito underground, le ha acercado a un público que en su vida se había aproximado a Leiva. En la línea, por ejemplo dejaba estas declaraciones en El País, mientras promocionaba ‘La llamada’: “No me identifico con la figura del macho man. Creo que existen miles de masculinidades. Hay muchas opciones y todas son loables y respetables… David Beckham, por ejemplo, no es más masculino que David Bowie. El concepto de virilidad es rancio y antiguo, no me interesa”. Vaya, parece que este no es el cantautor «rancio y antiguo» que algunos intuían en él, llevados por prejuicios parecidillos a aquellos de los que habla la película. En resumen, si Leiva ya había sido número 1 en España dos y tres semanas con sus álbumes de 2014 y 2016, ‘Pólvora’ y ‘Monstruos’, imaginad con el siguiente.

Cuando entrevistamos a Los Javis, Ambrossi ya vaticinaba este éxito, indicando sobre la banda sonora que habría «canciones originales de Leiva que la gente se va a cagar cuando las oiga». No sabemos si ha pasado eso exactamente, pero sin duda el tema no ha dejado de crecer desde que se lanzara en octubre, y, por ejemplo, fuera «canción del día» en nuestra web. Entonces, mi compañero Raúl Guillén la llamaba «un innegable y emocionado golpe en la mesa: sutil en sus preciosos arreglos de piano y esas cuerdas y flautas que remiten a ‘She’s Leaving Home’ y ’Strawberry Fields Forever’», con «la melodía de sus estrofas como milagroso hallazgo digno del mejor Andrés Calamaro».

Os recordamos que las representaciones de la obra de ‘La llamada’ de Los Javis que inspiró la película siguen teniendo lugar en el Teatro Lara de Madrid. Entradas, en Ticketea.

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Nancy de ‘Stranger Things’ y James Bay sienten mariposas en el clip oficial de ‘Wild Love’

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19 febrero, 2018

Ya hablamos hace unas semanas de ‘Wild Love’, el sorprendente nuevo single del británico James Bay, que le alejaba del folk pop de su exitoso debut ‘Chaos and the Calm’ para, con co-autoría de Jon Green (Adele) y producción de Paul Epworth (Adele, Florence + The Machine), adentrarse en terrenos de soul electrónico contemporáneo a lo James B…lake. Hoy presenta el clip oficial para el mismo, en el que le acompaña una de las protagonistas de ‘Stranger Things’, la serie de ficción-científica-terror-adolescente de Netflix que se ha convertido en uno de los éxitos más sonados de la televisión reciente.

Se trata de Natalia Dyer, la chica que encarna a Nancy Wheeler, hermana de Mike (Finn Wolfhard), uno de los niños protagonistas. Aunque en su primera temporada Nancy protagonizaba la famosa trama de Barb, el personaje ha ido adquiriendo más peso en la segunda y ya ha finalizado la grabación de la tercera, de próximo estreno. En el vídeo de Bay, Natalia siente un flechazo con James en medio de una tumultuosa fiesta. La basca les impide juntarse, pero no es nada que no solucionen unas mariposillas que persiguen a Bay, que les elevan y reúnen entre la muchedumbre.

Bay, como fan de ‘Stranger Things’, se ha mostrado encantado de trabajar con Natalia. “Es encantadora, de un talento enorme y fue genial estar con ella rodando el vídeo. Soy un fan total de ‘Stranger Things’, así que tuve que esforzarme todo lo que pude por que no se me notara demasiado”, ha dicho Bay sobre su trabajo conjunto en el vídeo. ‘Wild Love’, que ha entrado de forma directa al puesto 39 en el chart británico –convirtiéndose en el tercer Top 40 de su carrera–, forma parte del segundo disco de James Bay que ya ha terminado pero del que aún no se conoce ni título ni fecha de edición.

El “punk dulce” de Panellet, la electrónica ambiental de Fuerte Bandido y la psicodelia de Vetviolet, en Bala Perduda

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JNSP

19 febrero, 2018

La cuarta semifinal de Bala Perduda, el concurso de artistas noveles de Caprichos de Apolo, se batalla esta tarde naturalmente en la Sala Apolo de Barcelona entre Panellet, Fuerte Bandido y Vetviolet, a partir de las 18.30 y a un precio de 4 euros con consumición. El grupo que llegue a la final aspirará a actuar en Primavera Sound y grabar un disco.

Panellet es un trío de “punk dulce”, según su propio Bandcamp, con letras en catalán, procedentes de Terrassa y con aires de Ramones, surf y sobre todos de melodías que enganchan. Después de sacar su primer LP ‘Aloha’, Panellet está esparciendo su dulzura por toda Cataluña y Valencia, presentando sus canciones punkis en directos vertiginosos y azucarados.
<a href="http://panellet.bandcamp.com/track/del-deliri-la-delera-de-maria-cabrera">Del deliri la delera (de Maria Cabrera) by Panellet</a>

Fuerte Bandido es el proyecto musical del tinerfeño Juan Hernández. IDM, techno, downtempo y house son algunos de los estilos que pueden ayudar a describir su música, en la que el contraste entre bases definidas y melodías ambientales, dibujan paisajes surrealistas acompañados de letras en las que plasma sus reflexiones. En su primer año de vida, participó en la final del 29 concurso Pop-Rock Villa de Bilbao y en la edición 25 de Valle Eléctrico.

Vetviolet es el proyecto en solitario de Brian Silva, conocido también por ser integrante de los Zephyr Bones. Esta vez, junto a Marc López a la batería y Genís Toral a la guitarra, Vetviolet se conjuga como un ambicioso proyecto donde la autoproducción y los sintetizadores se convierten en los reyes de la pista. Teniendo como referente el pop sesentero, Vetviolet dan un paso más y son capaces de crear su propia odisea de psicodelia, fuzz, reverb y ecos capaces de sumergir al espectador en un evocador paisaje.

<a href="http://vetviolet.bandcamp.com/track/we-are-facing-too-many-possibilities">We Are Facing Too Many Possibilities by VETVIOLET</a>

Belle & Sebastian / How to Solve Our Human Problems (Pt. 2)

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19 febrero, 2018

Belle & Sebastian han dejado lo mejor para la segunda parte de los 3 EP’s que conforman su nuevo álbum, ‘How to Solve Our Human Problems’. Y la mejor composición aparece exactamente en el lugar central de lo que sería ese disco. La pista 8 de estas 15 canciones sería una preciosa ‘I’ll Be Your Pilot’ en la que el grupo vuelve a sumergirse en el folk de los años 60.

Pero esta vez no hablamos de sus venerados Love, una referencia recurrente y con razón en los inicios de su discografía, sino de aquel «baroque pop» que inspiró el primer disco de David Bowie. El repertorio a mediados de los 60 de gente como The Zombies, The Kinks, Burt Bacharach, Anthony Newley o Four Tops puede venir a la mente al escuchar esta canción dedicada al hijo de Stuart, aparentemente inspirada en ‘El Principito’: además del piloto del título, hay una mención al desierto del Sahara que parece sacada del conocido libro de Antoine de Saint-Exupéry.

Sonoridades parecidas encontramos en la canción final, de título 100% Belle & Sebastian, ‘A Plague On Other Boys’, otra canción que parece fluctuar entre la pérdida de la inocencia, la disfunción social y el desencanto político. Como contraste a su melancolía, el tema que queda en medio de ambos, un divertimento llamado ‘Cornflakes’ a cargo de Stevie Jackson que, como el corte inicial, nos remite a los mismos años 70 en que se fijaron en ‘The Life Pursuit’ (2006).

Finalmente, como sucedía en la parte 1 de ‘How to Solve Our Human Problems’, hay que volver a detenerse en la canción de Sarah Martin. Su voz no es tan bonita como la de Isobel Campbell, pero el equilibrio entre los diferentes arreglos es estupendo: entre ritmos Motown, campanillas navideñas spectorianas y guitarras glam, termina reluciendo la sección de metales. Otra de las canciones estupendamente arregladas de Belle & Sebastian, en este caso hablando con nostalgia de un amor pasado («ni siquiera veo tu rostro / te has evaporado de la ciudad / quizá un día nos llevamos bien / creo que tus propuestas estaban envueltas en pena») aunque también mirando al futuro.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘I’ll Be Your Pilot’, ‘The Same Star’
Te gustará si te gusta: el «baroque pop» de los años 60 y ‘The Life Pursuit’ por igual.
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Ojete Calor pondrán el punto subnopop a un SanSan que cierra cartel también con The Zombie Kids

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19 febrero, 2018

SanSan Festival presenta todos los nombres de su quinta edición, que se celebrará los días 29, 30 y 31 de marzo en Benicàssim, coincidiendo con las vacaciones de Semana Santa. El cartel de estas tres jornadas se completa con Ojete Calor, que presentarán su última colección de canciones subno-pop, ‘Pataky‘; los maestros de la fiesta The Zombie Kids y los diferentes DJ’s de la carpa de Sansito Club, estos son NinhodelosRecaos, DJ Plan B, Ángel Carmona, Las Chillers, Bitches DJ’s, snorquel Dj, Dj Caries, Rocket Dj y Pablo Marmol.

Se cierra así una programación que contará también con la sorprendente presencia de Celtas Cortos, y también con Sidonie, Space Elephants, La M.O.D.A., Despistaos, Juanito Makandé, Sexy Zebras, Iván Ferreiro, Nunatak, Rufus T. Firefly, Muerdo, Los Tikiphantoms, Txarango, Ñeku, Elefantes, Viva Suecia, Varry Brava (foto), Arco, La Sra. Tomasa, Nixon y Meridian, entre otros.

Os recordamos que Sansan Festival contará con zona de acampada ubicada en la zona de Teresetes, junto al casco urbano de Benicàssim, y también se facilita desde la web otras opciones de alojamiento que incluyen check-in bienvenida a la llegada del Festival.

Además, se ofrece la posibilidad de viajar desde Madrid, Barcelona o Valencia desde autobuses oficiales del festival, y una vez en Benicàssim exisitirán los servicios lanzaderas para poder llegar desde el pueblo al Festival y viceversa.

Los abonos están disponibles en estas opciones:

ABONO GENERAL
45,00 € +GG

ABONO VIP
80,00 +GG

ABONO KIDS (De 0 a 10 años incluidos)
10,00 € +GG

ABONO KIDS (De 11 a 15 años incluidos)
30,00 € +GG

Nubla convierte ‘Gloomy Planets’ de The Notwist en una intensa secuela de ‘San Junipero’

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19 febrero, 2018

Luciana Carlevaro es una músico barcelonesa que, aunque es muy joven, tiene ya un largo recorrido musical. En su faceta más conocida, incluye tres álbumes de estudio firmados como Nubla. Tras debutar en 2005 con ‘Voayeur’ (sic), en el que equilibraba trip-hop y pop con influencias latinas y jazzies, su segundo disco ‘Una maleta y un perro’ (2008) incluso obtuvo respaldo multinacional. 10 años y un ya lejano tercer disco (‘Saipán’; 2011) después, Nubla vuelve a aparecer en el panorama con un nuevo álbum bajo el brazo, con el que se presenta renovada.

Y esa renovación se plasma, curiosamente, versionando a artistas ajenos. ‘Multiplexpo’, que verá la luz el próximo mes de septiembre, retrata quién es –artísticamente– Carlevaro en este momento a través de nueve canciones de artistas y proyectos tan dispares como Broadcast, Jeanette, Serge Gainsbourg, Lhasa de Sela, George Harrison, Aimee Mann o The Notwist. Un disco en el que ha trabajado codo con codo con Ander Agudo (Rayo-60) y Pol Batlle (Ljubliana & The Seawolf), pero en el que también ha contado con colaboraciones estelares como Carlos Sadness, Steve Smyth, la actriz Irene Montalà o Lluís Gavaldà, que interviene en la adaptación de su propia canción ‘Pantalons curts i els genolls pelats’.

El pasado viernes Nubla presentaba ‘Gloomy Planets’, la primera de estas canciones que marcan su regreso al primer plano de la escena musical, un dueto entre Carlevaro y Batlle que va de lo íntimo a lo expansivo y transporta a un nuevo terreno la canción de los alemanes The Notwist. Y hoy en JENESAISPOP tenemos el privilegio de estrenar su vídeo oficial. Un clip de gran calidad, producido por el estudio creativo Bungalow y dirigido por Ibon Landa, que en cierto modo se recrea en “el colorido mundo ochentero de ‘San Junipero’, el ya mítico episodio de ‘Black Mirror’”. Kira Anzizu y Joan Esteve, los protagonistas, deambulan por un engañoso juego de espejos temporal que confunde tanto como multiplica la gran intensidad emocional de su final.

Fergie, criticada por destrozar el himno nacional americano en el All-Star Game de la NBA

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19 febrero, 2018

Este fin de semana se ha celebrado en Los Ángeles una nueva edición de All-Star Game de la NBA, que, como la Super Bowl, incluye interpretación del himno americano previa al partido y actuación musical durante el intermedio. La primera ha corrido a cargo de Fergie y la segunda, de Pharrell y Migos. Pero quien se está llevando todo el protagonismo es la primera, y no para bien.

Fergie ha cantado ‘The Star-Spangled Banner’ en clave de jazz sexy, pero lo que se está llevando más palos no está siendo su inexplicable actuación seductora del himno americano, cual Marilyn Monroe cantando el cumpleaños feliz a Kennedy, sino su exagerada interpretación vocal, que, entre gritos y salidas de tono, ha horrorizado al país. Claramente, la intención de Fergie por presumir de potencia vocal se ha tornado en su contra en una “performance” del “national anthem” torpe, en una actuación que, sumando malas decisiones, podría ser una de las peores de todos los tiempos, como sugiere una tuitera.

Las redes sociales, claro, se han cebado con la actuación de Fergie, dejando memes bastante divertidos, como el que compara su interpretación con un perro aullando. Fergie no ha hecho ninguna declaración al respecto de la polémica, pero como veréis, su actuación ha sido subida al canal oficial de MLG, la cadena que ha emitido el partido, así que le va a ser difícil borrarla de su memoria.

You’re doing amazing sweetie #Fergie #NBAAllStarGame

😭⚰️⚰️📸 pic.twitter.com/tPlxZG1qRh

— Boo Bacon (@beauknows) February 19, 2018

Fergie’s anthem woke pigs and sheep in petting zoos all across America.

— bob saget (@bobsaget) February 19, 2018

… and in honor of that Fergie massacre, here’s the G.O.A.T #NBAAllStar 🇺🇸 #ItsWhitneyBitch pic.twitter.com/BcI275I1L8

— TheresaRockFace (@TheresaRockFace) February 19, 2018

#Fergie’s #NationalAnthem be like… pic.twitter.com/l9PnlfcKFL

— Kevin Surma (@KevinSurma) February 19, 2018

Every player during the National Anthem #Fergie pic.twitter.com/KiPHuKjfub

— C. Shaw (@Frankie_P32) February 19, 2018

#Fergie managed to do the impossible….Black, white, young and old. No matter what your backround is, or your religious beliefs. Democrats and Republicans. We were all one. UNITED in the belief that she sang the worst version of the #NationalAnthem we have ever heard.

— 🌸Michelle Ebeling 🌸 (@ShellE719) February 19, 2018

Belle & Sebastian / How to Solve Our Human Problems (Part 1)

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19 febrero, 2018

Hubo un tiempo en que los EP’s de Belle & Sebastian eran lo mejor, lo máximo, el culmen de la guayedad. A miles de personas no nos llegaron a su salida, pero el final de los 90 y el principio de los 2000, para muchos, estuvieron ligados al descubrimiento de canciones no contenidas en sus discos como ‘Legal Man’, ‘Take Your Carriage Clock and Shove It’, ‘Dog on Wheels’, ‘Beautiful’, ‘I Love My Car’, ‘Le Pastie De La Bourgeoisie’ o ‘Lazy Line Painter Jane’. El grupo escocés intenta recrear la magia de aquellos tiempos publicando su nuevo disco dividido en 3 EP’s que se han editado escalonados por meses, en diciembre, enero y febrero, bajo el título de ‘How to Solve Our Human Problems’.

El primero de ellos venía presentado por la canción ‘We Were Beautiful’, perteneciente a su vertiente de electrónica desasosegante, que no es fruto de sus últimos experimentos sino también de sus inicios (recordemos ‘Electronic Renaissance’ de ‘Tigermilk’ (1996)). Se trata de una canción sobre el paso del tiempo, en la que se recuerdan tanto la belleza como el sufrimiento de la adolescencia, contraponiéndolos a los sentimientos de la vida adulta. Suena tristón ese «éramos hermosos antes de que pasaran los años», pero suena mejor «éramos hermosos antes de ser sabios», dejando la sensación agridulce de que ambas virtudes no se pueden tener a la vez.

Es una buena canción, aunque algo larga de más debido al reiterado regreso a las incontables estrofas, puentes y outros, y la misma imperfección puede achacarse a la canción que abre, ‘Sweet Dew Lee’, una delicia de pop jazzy sesentero con algo de bossa y también algo de las bandas sonoras más divertidas de los 70 (hay algo de ‘Los Ángeles de Charlie’ por algún lado), en la que no obstante el estribillo no es tan bueno como las estrofas de Stuart. E igualmente algo atolondrada es la electrónica ‘The Girl Doesn’t Get It’, en la que el mito, la falacia de tener que dar con la media naranja -una y nada más- topa con la falacia política («se beneficiarán de la gente / harán del país algo grande otra vez / mientras sean blancos y feos»).

No sé si se entiende el paso de lo concreto a lo general de la banda o nos quedamos como la protagonista de este último título, pero lo seguro es que los textos son lo mejor esta vez, en estas canciones agradables pero olvidables, en la que han descuidado hasta los conceptos: la final ‘Everything Is Now’ se presenta oficialmente como la versión «instrumental» de la canción completa del EP 3 cuando «instrumental», «instrumental» es. La viajera y sesentera ‘Fickle Season’, entonada por la violinista Sarah Martin, puede ser la canción más mona de un disco en el que lo que más poso deja son las letras. Por ahí sí que The Yearning no pueden hacerles sombra. «Las generaciones van pasando / en un abrir y cerrar de ojos», entona Sarah de manera melancólica en su bonita canción-viaje. «No pensé que después de 20 años, estaría justo en el mismo sitio», afirma ‘Sweet Dee Lee’, antes de concluir: «El glamour se apaga a medida que pasa el tiempo». Verdades como puños que en este EP se vuelven un pelín en su contra.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Fickle Season’, ‘Sweet Dew Lee’
Te gustará si te gustan: los primeros Cardigans, los últimos Belle & Sebastian, las bandas sonoras de los 70 y el folk de los 60
Escúchalo: Spotify

Así será el sencillo videoclip de ‘Tu canción’ de Amaia y Alfred para Eurovisión

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18 febrero, 2018

Amaia Romero, ganadora de Operación Triunfo, y Alfred García, cuarto finalista, representarán a España en el próximo festival de Eurovisión, que se celebra el 12 de mayo en Lisboa, con una canción escogida por voto popular durante el paso de ambos por el concurso, una bonita balada sobre un primer amor titulada ‘Tu canción’.

Los dos cantantes, que son pareja -se han conocido en la Academia-, han grabado este fin de semana el videoclip para esta canción. RTVE ha compartido las primeras imágenes del rodaje, de los que se deduce que el vídeo será sencillo. Presentará a Amaia y Alfred en un único set, cantándose el uno al otro de pie, pero también sentados en sendos sillones de cuero, jugando el uno con el otro. La amiga de Zahara vestirá un vestido vaporoso, mientras Alfred irá más rockero, con una chaqueta de cuero.

Sobre el vídeo, su director Gus Carballo ha dicho que “trata sobre las primeras veces, los primeros encuentros, los primeros amores”. “Es la primera vez que los chicos hacen su videoclip y era muy importante que no perdieran la frescura y la inocencia ni todo lo que tiene que transmitir y lo que están viviendo”, ha apuntado. Por su parte, Alfred ha asegurado que quedará “precioso” y además ha agradecido al equipo y a Amaia por su trabajo en Twitter.

Deseando que veáis el video de #TuCanción. Ayer disfrutamos como niños haciendolo. Gracias a Gus Carballo y a todo su equipo que se han dejado la piel y el ❤️@Amaia_ot2017 soy super afortunado de estar haciendo esto contigo. Hasta la luna y volver 1016 veces. @eurovision_tve pic.twitter.com/xnzCCDPmGq

— Alfred García (@Alfred_ot2017) February 18, 2018

💥💥Lo prometido es deuda 💥💥 Así se rodó el videoclip de #TuCancion 👉 https://t.co/H7uIMLDZII pic.twitter.com/IvBhHWwfbi

— eurovision_rtve (@eurovision_tve) February 18, 2018

Marta Sánchez canta su propia versión con letra del himno de España

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18 febrero, 2018

Marta Sánchez ha celebrado este sábado sus 30 años en la música realizando un concierto en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Por este concierto, Sánchez es hoy trending topic en Twitter, concretamente por una de las canciones que ha interpretado, nada menos que el himno de España, al que ella misma ha añadido texto de su propio puño y letra.

“Vuelvo a casa, a mi amada tierra, la que vio nacer mi corazón”, “rojo, amarillo, colores que brillan en mi corazón”, “grande España, a Dios le doy las gracias por nacer aquí, honrarte hasta el fin” son algunas de las frases del himno de España de Sánchez, cuya letra completa os adjuntamos bajo estas líneas. Cabe recordar que el himno de España, en su estado actual, se compone únicamente de la denominada “marcha real” y por tanto no tiene letra alguna. Algo que Sánchez viene a cambiar. ¿Qué opinarán de su letra el Gobierno, la Monarquía, etc.?

“Vuelvo a casa, a mi amada tierra, la que vio nacer mi corazón aquí
Hoy te canto para decirte cuánto orgullo hay en mí, por eso resistí
Crece mi amor cada vez que me voy, pero no olvides que sin ti no sé vivir

Rojo, amarillo, colores que brillan en mi corazón, y no pido perdón
Grande España, a Dios le doy las gracias por nacer aquí, honrarte hasta el fin
Como tu hija llevaré ese honor, llenar cada rincón con tus rayos de sol

Y si algún día no puedo volver, guárdame un sitio para descansar al fin”

Starcrawler / Starcrawler

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18 febrero, 2018

Celebremos el regreso de la teatralidad y la pose en el rock’n’roll. Tras años en que la actitud ceñuda y sobria parecía haberse convertido en la máxima, llegan los imberbes californianos de Starcrawler, comandados por la singular front-woman Arrow DeWilde –ya hemos explicado antes que proviene de una casta artística–. DeWilde, como demostró en el pasado Primavera Club 2017, es el prototipo de animal escénico pese a su corta edad, que se entrega y se transforma en una suerte de remedo de Alice Cooper y Courtney Love, perfecta para el rock de ascendente garajero y punk de singles como ‘Ants’ (aunque se han dado el lujo de prescindir de esta) o ‘I Love L.A.’. Quedaba por ver si esa parafernalia funcionaba igual “bajándoles” del escenario y plasmándola en un álbum de estudio.

Para este debut largo homónimo han confiado en un productor reputado, nada menos que Ryan Adams que, como bien sabemos, de vez en cuando desata su faceta más punk disco de americana a disco de americana. ‘Starcrawler’ suena sucio y ruidoso, como debe, aunque sin enterrar ese punto de glam-rock, psicodelia y blues que asoman en números como la hendrixiana ‘Chicken Woman’ o unas gamberras, –a lo MC5 o Slade– ‘Pussy Tower’ (con sus cómicos grititos), ‘Let Her Be’ o la breve ‘Train’. Pero ‘Starcrawler’ suena también, en muchos momentos, a la manera de entender el pop de Kurt Cobain, que en voz de Arrow rememora, cómo no, a los Hole más festivos, como ‘Full of Pride’ o la citada ‘I Love L.A.’. El grupo de Love emerge de nuevo cuando aflora la melancolía en ‘Tears’, pero estas canciones dejan claro que la rabia y la angustia del grunge va mucho menos de lo que parece con Starcrawler: lo deja claro la veta clásica, un poco The White Stripes, que emerge con los riffazos de guitarra de Henri Cash, amigo de la infancia de Arrow que también comparte protagonismo vocal con ella de cuando en cuando.

‘Starcrawler’ es a la postre un buen debut, con tres o cuatro momentos destacados, pero no lo suficientemente excitante o apabullante como para caer rendidos ante él. Por el momento parece solo una herramienta para poder desplegar su poderío en directo –su gran baza– pero hay que darles tiempo para madurar.

Calificación: 6,9/10
Lo mejor: ‘I Love L.A.’, ‘Let Her Be’, ‘Pussy Tower’, ‘Full of Pride’
Te gustará si te gustan: Hole, The White Stripes, Stooges
Escúchalo: Spotify

La canción del día: ionnalee monta una rave gótica junto a TR/ST en el hit escondido de su disco, ‘HARVEST’

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18 febrero, 2018

ionnalee, el nuevo proyecto de Jonna Lee, integrante junto a Claes Björklund de los fascinantes iamamiwhoami, ha publicado este viernes finalmente su primer disco, ‘EVERYONE AFRAID TO BE FORGOTTEN’, junto a una película de 55 minutos en la que suenan varias canciones incluidas en él, como los singles ‘SAMARITAN’ y ‘GONE’.

Entre las canciones que no aparecen en el filme se encuentra una canción hundida en el “tracklist” del álbum, ‘HARVEST’, pista 14, que sin embargo Spotify ha decidido destacar en su “playlist” de novedades del viernes, y con razón. ‘HARVEST’ es una colaboración con TR/ST, el proyecto de synth-pop gótico liderado por el canadiense Robert Alfons, autor del aclamado ‘TRST’ y recientemente del single ‘Bicep’, y es uno de los hits (en este caso prácticamente escondidos) del disco.

La unión de talentos entre ionnalee y TR/ST se percibe claramente en esta canción de rápidos bpm, en la que la sensibilidad melódica de la primera, definida por su dramatismo y carácter atmosférico, entra en conexión con los ritmos bailables y oscuros del segundo, montando rave gótica como celebrada en la profundidad de un bosque sueco, y que volvería loco a aquel grupo de colegas ciber-góticos que bailaban bajo un túnel en aquel famoso vídeo. De hecho, la sinergia entre Jonna y Robert en ‘HARVEST’ da lugar a una canción que, con otra producción, podría ser de Grimes, otra artista asociada al electro gótico.

“Yo he venido de mi casa”… pros y contras de salir con un músico (2ª parte)

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Oli + Glu

18 febrero, 2018

Primera parte de “pros y contras de salir con un músico”.

Todos los «Yo he venido de mi casa», aquí.
Oli + Glu son la ilustradora Oli, líder de Axolotes Mexicanos, y el músico Gonzalo R. Checa.

Pros y contras de ‘Black Panther’, el superhéroe negro de Marvel

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Joric

18 febrero, 2018

El inesperado exitazo de ‘Guardianes de la galaxia’ y, sobre todo, ‘Wonder Woman’, ha abierto la puerta a un cine de superhéroes que se aleja, por lo menos en cuanto a los personajes, del modelo estándar. Sin esos precedentes, dudo mucho que un superhéroe negro como ‘Black Panther’ hubiera protagonizado un blockbuster de estas dimensiones (por no hablar de tener un reparto casi exclusivamente afroamericano). Su lugar hubiera sido el de la clase media, el de las “pequeñas” pero muy disfrutables ‘Ant-Man’ o ‘Doctor Strange’. En ese sentido, el valor simbólico de ‘Black Panther’ es indudable. Pero, ¿es suficiente con eso?
Estos son los pros y los contras de la nueva película de Marvel.

Lo mejor de ‘Black Panther’

1. Su irresistible estética afrofuturista. Desde que se presentó el primer avance de la película parecía evidente que el diseño de producción iba a ser uno de los puntos fuertes de ‘Black Panther’. Y así es. El trabajo de la diseñadora de producción Hannah Beachler (‘Moonlight’, ‘Lemonade’) y el de la de vestuario Ruth E. Carter (‘Malcolm X’, ‘Amistad’, ‘Selma’) es excepcional. La variedad de escenarios y tribus que forman la inevitablemente kitsch nación de Wakanda, mezcla de vanguardia tecnológica y cultura ancestral, permite lucirse a las dos creadoras como nunca se había visto en una película de superhéroes. ¿Podría llegar el primer Oscar para Marvel en un apartado diferente al de los efectos visuales?

2. El prólogo y la secuencia de Corea. Son los dos segmentos de ‘Black Panther’ (casi los únicos) donde se aprecia una mayor inventiva estilística. El primero es un deslumbrante prefacio donde se narra la historia de Wakanda a través de un recurso visual sorprendente y, como se verá en los rituales posteriores, lleno de significación: la arena. El segundo es una larga secuencia ambientada en Busan compuesta de dos partes: una virtuosa set-piece de una pelea en el interior de un casino rodada en (falsa) toma única, y una vibrante persecución automovilística, con la música de Kendrick Lamar de fondo, impregnada de un gozoso sentido del humor y la acción.

3. La música de Ludwig Göransson y las canciones de Kendrick Lamar. Aunque en algún momento se escape algún molesto alarido a lo ‘Rey León’, la mezcla entre la música de ritmos africanos de Göransson (con rugidos de percusión que dan ganas de saltar en el cine como un masai) y los tres temazos de Lamar (‘King’s Dead’, ‘Pray for Me’, ‘All the Stars’) funciona de maravilla. Aportan ritmo, potencia dramática y capacidad de evocación. Las tres canciones forman parte de ‘Black Panther: The Album’, el notable disco que ha publicado Lamar inspirándose en la película.

4. Erik Killmonger, uno de los mejores villanos de Marvel. Interpretado por Michael B. Jordan (‘Creed: La leyenda de Rocky’), el antagonista de ‘Black Panther’ tiene todo el carisma, atractivo, complejidad psicológica y profundidad dramática de la que carece un soso y anodino T’Challa (Chadwick Boseman). En realidad, ¿esto es una virtud o más bien un defecto?

Lo peor de ‘Black Panther’

1. El discurso monárquico. ‘Black Panther’ habla sobre conflictos –raciales, políticos- que no se suelen exponer en una película de superhéroes. Pero lo hace sobre la base de una disputa dinástica tan rancia y complaciente (y también aburrida) que haría volverse jacobino hasta a nuestro Felipe de Borbón. ¿No es un poco contradictorio hablar de derechos civiles y utopías sociales desde el solemne trono de una monarquía absolutista? Si por lo menos le hubieran puesto una capa de ironía…

2. La batalla final. A pesar de una feliz idea –la pelea en el túnel donde se van activando y desactivando los superpoderes de los contendientes-, la alargada batalla final parece horneada con el mismo molde que el de todas las películas de Marvel. Toda la emoción, inventiva y fuerza expresiva de la mencionada secuencia de Corea aparecen aquí más desactivadas que los trajes de los protagonistas. Una puesta en escena convencional y unos efectos digitales bastante mejorables logran la que quizá sea una de las batallas multitudinarias peor filmadas en un blockbuster de los últimos años. 7.

Pitchfork reevalúa ‘The Boy with the Arab Strap’ de Belle and Sebastian: de 0,8 a 8,5

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18 febrero, 2018

En 2018 se cumplen 20 años del lanzamiento de ‘The Boy with the Arab Strap’, uno de los álbumes clásicos, aunque también más discutidos, de Belle and Sebastian, 6º en nuestro ránking de mejores discos del grupo. Con motivo de este aniversario, Pitchfork ha vuelto a reseñar el disco en portada, y decimos “vuelto” porque el medio de Chicago ya lo evaluó en su momento, en una crítica que más tarde fue borrada de sus archivos, quizá por resultar algo holgazana y malévola. Puntuó el disco con un irrisorio 0,8 sobre 10.

En la crítica original, escrita por Jason Josephes y publicada en octubre de 1998, Pitchfork comparaba “Arab Strap” con ‘If You’re Feeling Sinister’, afirmando que donde este contenía buenas canciones, arreglos y letras, “Arab Strap” sonaba a “parodia de ellos mismos”, llegando a declarar que “estas son canciones tan viscosas que deberían colgar de la oreja de Ben Stiller” (?), y sentenciando al mismo principio de la reseña: “la mediocridad no es un crimen punible, pero si lo fuera, Belle & Sebastian estarían ahora mismo disfrutando de su última comida”.

Dos décadas después, ‘The Boy with the Arab Strap’ no es un disco de 0,8 para nadie, y tampoco para Pitchfork, que en su reseña actual lo valora con un 8,5, suficiente para incluirlo en la categoría de “Best New Music” de haberse publicado hoy. El redactor Scott Plagenhoef menciona de hecho en su texto la crítica original del disco en Pitchfork, comparándola con la reacción que produce en Jack Black cuando lo escucha en ‘Alta fidelidad’ (dice que “es una basura”), pero asevera que “Arab Strap” es un “excelente tercer álbum” de Belle & Sebastian que incluye “algunas de las canciones más oscuras y detalladas del grupo”, y destaca su influencia en “la estética Etsy o en ‘500 Days of Summer’”.

Charlyne Yi acusa a Marilyn Manson de acoso sexual y racismo en el set de ‘House’

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17 febrero, 2018

La gira de ‘Heaven Upside Down‘ de Marilyn Manson está dando muchos titulares, ninguno de ellos relacionado con la música. Al principio de la gira, Manson había de ser hospitalizado y suspender varias fechas tras sufrir un accidente en el escenario durante un concierto en Nueva York; varias semanas después, Manson suscitaba una enorme polémica tras salir al escenario en un concierto en San Bernardino -donde recientemente había tenido lugar un tiroteo- con un rifle falso, y esta misma semana, Manson ha vuelto a ser noticia tras realizar un extraño concierto en Nueva York en el que se apenas ha cantado unas pocas canciones para dedicarse a hablar con el público y abandonando el show antes de tiempo, decepcionando a sus seguidores.

Más mala prensa para Marilyn Manson llega hoy desde Twitter, donde la actriz, cómica y escritora Charlyne Li, conocida por su papel de la doctora Chi Park en ‘House’, ha vertido una acusación de acoso sexual contra el músico, escribiendo: “No me hagáis hablar de Marilyn Manson. Sí, esto ocurrió hace mucho tiempo: durante la última temporada de ‘House’, Marilyn Manson vino a vernos porque era un gran fan de la serie, y acosó a toda actriz que se encontró, preguntándonos si haríamos la tijereta entre nosotras o nos prestaríamos a una doble penetración, y a mí me llamó “chinita”. Realmente espero que alguien le ayude”.

Esta no es la única acusación relacionada con el acoso o el abuso sexual que recibe Marilyn Manson recientemente. El pasado mes de octubre, el antiguo bajista de Marilyn Manson, era acusado de violación por su antigua pareja Jessicka Adams. Manson (nombre real Brian Warner) aseguraba no haberle constado esta acusación “hasta hace poco”, y expresaba su pena por el dolor causado a Jessicka.

Ugh don't even get me started on Marilyn Manson. Yes this happened a long time ago – on the last season of House he came on set to visit because he was a huge fan of the show & he harassed just about every woman asking us if we were going to scissor, rhino & called me a China man

— Charlyne Yi (@charlyne_yi) February 17, 2018

I genuinely hope he gets help.

— Charlyne Yi (@charlyne_yi) 17 de febrero de 2018

Karol G / Unstoppable

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Pablo Tocino

17 febrero, 2018

“Linda, libre, suelta y loca / y una experta con la boca”. Para los que no repararon del todo en ella con ‘Ahora me llama’ (su exitoso tema junto a Bad Bunny), ‘En la cara’, remix de ‘Sua Cara’ de Major Lazer, ha terminado de ser determinante a la hora de poner a Karol G en el mapa. La colombiana es toda una estrella del reggaeton en su país, uniéndose a la necesaria lista de chicas que reclaman su espacio en el género y que siguen un camino abierto por artistas como Ivy Queen. Hace unos meses debutaba en los largos con ‘Unstoppable’, disco con una producción dominada por Ovy On The Drums y que, además del citado ‘Ahora me llama’, contiene un puñado de temas para animar la pista de baile, unos cuantos medios tiempos (quizás demasiados) y hasta una balada.

Pero, sobre todo, lo que contiene ‘Unstoppable’ es una colección de letras en primera persona en las que ella es sujeto y no objeto. De hecho, el álbum se abre con Karol tomando un papel totalmente activo en la pegadiza ‘Ganas de ti’, y una temática recurrente en este disco es el disfrute tras el fin de una relación tormentosa (especialmente en ‘Casi nada’ y ‘Ahora me llama’). Aunque hay momentos de romanticismo más clásico (‘Eres mi todo’, ‘A solas’), también la vemos tomando el temido rol de “la otra” en la sensual ‘El pecado’ (“me criticaron por esa letra, y digo, claro, lo que pasa es que soy una mujer haciendo música urbana y ahí está el pecado. Pero chicos, relájense, que estamos en el siglo XXI” comentaba en declaraciones a El País) o apoderándose en ‘La Dama’ del cliché de cazafortunas (se les empuja a tener ese papel pero, cuando lo hacen, se les critica por ello, algo de lo que ella se queja: “y por eso me tachan / la vida me ha obligado a ser así / ese no fue el destino que yo elegí”).

Destacan también, tanto por ritmo como por el descaro de su letra, ‘Muñeco de Lego’ (“te crees bien malo y yo te bajo el ego” rapea Karol, para luego espetar “te la pasas diciéndole a tus amigas todo el día / que era algo pasajero, que no era lo que querías / aparentando en tu ron Royce con tu ropa fina / ropa que sobra cada vez que me monto arriba”) y ‘A Ella’, que podría ser un clásico número de slutshaming a la chica con la que tu novio te los ha puesto, pero no: la “shame” va hacia ese ya exnovio, e incluso la dedicatoria puede tener, aunque con más amargura que cariño, un sentido final de consejo: “hoy quiero decirle a ella / que si fue así conmigo / también lo será con ella”. En definitiva, un disco disfrutable que, además, tendrá pronto alternativas si ya te lo sabes al dedillo: la colombiana ya ha adelantado en sus redes ‘La Oscuridad‘, su próximo single. Está claro que Karol G va a ser, más pronto que tarde, un nombre que tener en cuenta en la música latina. ¿Qué tal si te preparas?

Calificación: 6,7/10
Lo mejor: ‘Ganas de ti’, ‘Ahora me llama’, ‘Muñeco de Lego’, ‘A ella’, ‘El pecado’
Te gustará: si te cabreas cada vez que alguien menosprecia el reggaeton con el argumento de que es machista, si en la discoteca bailas ‘Cuatro Babys’ pero querrías bailar ‘Reinas’, si votaste ‘Lo Malo’ para Eurovisión.
Escúchalo en: Spotify.

5 razones por las que ‘The End of the Fucking World’ es una tragicomedia perfecta

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