En las últimas horas diversos medios se hacían eco de la aparición de unos pósters en el icónico Sunset Boulevard de Los Ángeles, emulando el affiche de una película hollywoodiense, que parecían anunciar un inminente lanzamiento de Lana del Rey. Con la palabra «Love» en gran tamaño, obviamente parecía estar relacionado con ‘Young and in Love’, una canción de la que se venía hablando en los últimos días al descubrirse que se había registrado en ASCAP, con Lana, Rick Nowels, Emile Haynie y Benny Blanco como autores.
Pues bien, como suele ocurrirle casi siempre a Lana, alguien de su entorno se la ha vuelto a jugar y la canción ha sido filtrada una semana antes de tiempo, según parece. Lejos del rollo juguetón del primer single de su último disco ‘Honeymoon’, ‘High by the Beach’ (que, recordemos, también se filtró anticipadamente), ‘Young and in Love’ es un medio tiempo melodramático de arreglos sintetizados y crecientes, que recuerdan poderosamente a algunos temas de su debut, ‘Born To Die’. Ed Millett, representante de Lana, ha contado brevemente lo muy disgustada que está Lana con el asunto, según una web de fans.
Desde hace meses, se esperaba el quinto disco (cuarto como Lana del Rey) de la artista Elizabeth Grant de forma inminente. Se especuló incluso con que podría ver la luz antes de que acabara 2016. Ahora, cuando parece que de verdad llega, Lana vuelve a padecer un mal que la persigue desde sus inicios. Desde que comenzara a dar que hablar allá por 2011, no ha habido prácticamente un mes en el que no haya visto cómo se filtra al menos un tema inédito, demo o, como en este caso, single. Su equipo necesita una purga pero ¡a lo bestia!
Actualización: Horas después de la filtración, como parecía lógico, Universal y Lana del Rey ha adelantado la publicación oficial de la canción que no se llamaba, como se decía, ‘Young and in Love’, sino ‘Love’, tal y como aparecía en los carteles promocionales aparecidos en Los Ángeles. Ya está disponible en plataformas de streaming e iTunes.
Mais uma foto do pôster promocional de 'Young And In Love', próximo single de @LanaDelRey, localizado em Los Angeles, Califórnia. pic.twitter.com/sd79qtj75h
Según reportan diversos medios, hoy se ha conocido el fallecimiento del actor Warren Frost, a los 91 años. El fallecimiento sucedió ayer viernes tras una prolongada enfermedad, según comunicó su hijo Mark Frost, famoso productor de la serie que, precisamente, dio mayor popularidad a su padre: ‘Twin Peaks’.
En ella, Frost interpretaba a Will “Doc” Hayward, el forense que, misteriosamente, rehusaba a practicar la autopsia a Laura Palmer. Frost, un veterano de la Segunda Guerra Mundial que participó en el famoso Día D, el sangriento desembarco de Normandía. Su carrera de actor comenzó ya a una avanzada edad, pero tuvo papeles de cierta relevancia en programas cómicos como ‘’Saturday Night Live’ y en series pioneras del ámbito judicial y la abogacía como ‘Perry Mason’ y ‘Matlock’, y la comedia de Larry David ’Seinfeld’.
Como se ha anunciado, ‘Twin Peaks’ tendrá al fin una tercera temporada. David Lynch y Mark Frost han retomado el proyecto y el próximo mes de mayo llegarán nuevos episodios de la ya mítica serie, en la que no podrán estar dos secundarios memorables como el propio «Doc» Hayward o su compañero, el también forense Albert Rosenfield, interpretado por el actor Miguel Ferrer que, desgraciadamente, también fallecía hace solo algunas semanas.
Es una lástima que ‘The Art of Self-Pressure’, el nuevo disco de Sen Senra, termine con dos canciones tan malas como ‘Pretty Empty’ (el trap de baratillo que adelantó el disco, inexplicablemente) y ‘Mírala qué linda está’ (una semi canción de un minuto y medio). Y es una lástima precisamente porque si algo demuestra el segundo trabajo del gallego es que esa presión a sí mismo a la que alude el título de su segundo trabajo ha conseguido que escriba algunas de sus canciones más memorables hasta la fecha. Eso sí, con ayuda de su productor, Carlangas de Novedades Carminha (todo queda en casa), que desde los estudios La Mina de Sevilla ha abierto dimensiones en el sonido de Senra –todavía anclado en el garage y el surf-rock de los 60–, otorgando profundidad a lo que antes era rudimentario gracias a un uso más decidido de los relieves acústicos, las voces multiplicadas o el sintetizador. El resultado es un disco experimental pero también de composiciones más confiadas como ‘Same Love to Share’, que no solo contiene el riff de guitarra más bello del disco, sino que además cuenta hasta dos estribillos, a cada cual mejor; ‘Mi gente’ o ‘Cluster-B’, que fusionan su fondo sesentas con ganchos de guitarra cruda muy atinados; o la crepuscular ‘Blessed By the Devil’, que electrifica lo que es esencialmente una canción de hoguera de los primeros Animal Collective. En otros puntos, con lo que da Senra es con hits tan claros como ‘But You Don’t Know That’ o la psicodélica ‘So Good Being a Trouble for You’; pero también con canciones más remolonas como ‘You Could Be the Last One’ que sugieren mayor potencial del que ejecutan. En cualquier caso, ‘The Art of Self-Pressure’ es una entretenida prueba de que el buen «guitar pop» puede seguir siendo relevante y fresco en 2017 venga de donde venga (menos las dos últimas canciones).
Calificación: 6/10 Lo mejor: ‘Mi gente’, ‘Same Love to Share’, ‘So Good Being a Trouble for You’, ‘But You Don’t Know That’ Te gustará si te gusta: The Seeds, The Standells, Unrelated Segments… tanto como The Parrots, The Nasty o Hinds Escúchalo:Spotify
Desde el recibido por Rita Hayworth en ‘Gilda’ ha habido muchos bofetones en la historia audiovisual, y entre todos ellos es (in my opinion, Your Honor) digno de mención el que abre ‘The Good Wife’… y el que la cierra. Este último dejaba en el aire muchas posibilidades de cara a un spin-off que por fin ha llegado: CBS estrenará el doble episodio inaugural simultáneamente este domingo en Estados Unidos y en España (a través de Movistar+), protagonizado por Diane haciendo equipo con Lucca y una nueva compañera: Maia (Rose Leslie, Ygritte en ‘Juego de Tronos’). Aprovechamos para recordar cinco cosas que hicieron grande a la serie de Robert y Michelle King, y que esperamos tener presentes, de alguna manera, en su hermana pequeña. [Ndr: Ojo, los talibanes anti-spoiler podrían sentirse ofendidos con algún fragmento del texto.]
La educación de Alicia Florrick
Esa frase es la respuesta a “¿de qué trata la serie?” según sus propios creadores. Muchos tardamos en darle un voto de confianza a “un procedimental de abogados” y acabamos viendo que es una serie con abogados para los que odian las series de abogados (y sin tener que recurrir al ritmo trepidante de ‘Damages’ o ‘How to get away with murder’). ‘The Good Wife’ trata de muchas cosas, pero lo principal probablemente sea eso, la evolución y madurez de su personaje principal, que abandona cada vez más su papel de “buena esposa” a medida que se descubre a sí misma como persona independientemente de su rol como madre/esposa/novia, a medida que se permite cruzar límites, equivocarse, aprender, arriesgarse, ganar, perder y, sí, también tener ambiciones y decidir en base a su ambición y al cinismo del mundo que le rodea. De la mujer que existe al final de la serie no podemos decir si es buena o mala sin grises, pero sí podemos decir que es más libre, y que sus decisiones realmente le pertenecen. Por mucho que, como bien sabe Eli, Santa Alicia venda mucho.
El mimo con los secundarios… y hasta invitados
Eli Gold podría ser una razón en sí. También Diane. O David Lee. O Will. O Cary. O Elsbeth Tascioni. O Louis Canning. O Colin Sweeney. O el Juez Abernathy. O Nancy Crozier. O Lemond Bishop. Y podríamos seguir. El cuidado en los detalles de los personajes secundarios, y el esmero también con las estrellas invitadas, con un humor muy particular, fue una de las grandes bazas de la serie. Por suerte, se ha confirmado que este domingo recuperaremos no solo a Diane sino también a alguno de esta lista, como por ejemplo a una pelirroja que no sabe cómo sabe la mitad de las cosas que sabe.
Un personaje tan apasionante como Kalinda Sharma (y un feud que ni el de Ryan Murphy)
Ella tenía que ir aparte, por supuesto. El que fue probablemente el personaje más magnético de la serie empezó como una especie de Lisbeth Salander con algo más de habilidades sociales (no muchas) que, a pesar de su desconfianza general, cuando confiaba en alguien lo hacía a lo grande, como bien saben Will, Cary y Alicia. Los King quisieron aprovechar el diamante en bruto dándole a la joven investigadora varias tramas (entre ellas una que dividió a los fans, helado mediante, sobre si se estaban pasando de rosca), pero hubo una trama que no pudieron controlar: la relación real entre Julianna Margulies y Archie Panjabi. Las malas lenguas dicen que Margulies envidiaba el éxito y los premios del personaje de Panjabi, y Margulies a su vez se quejaba de que no se hablaría de esto si fuesen dos hombres; sea como sea, el caso es que los dos personajes dejaron de repente de compartir escena, solo hablaban por teléfono, hasta llegar a ese “reencuentro” que no era tal… no sabemos a ciencia cierta qué pasó entre ellas pero afectó negativamente a la serie, que se quedó con un hueco dejado por este personaje y su amistad con Alicia… un hueco que ni Jason ni Lucca, aunque no fuesen malos personajes, pudieron llenar.
La mirada pegada a la actualidad
Su propio punto de partida en sí, calcado al del escándalo de Elliot Spitzer, ya avisaba de las intenciones de reflejar los temas de más rabiosa actualidad (a veces incluso adelantándose a ellos, como en el caso de Strauss-Khan). A lo largo de las temporadas se han llevado, explícita o implícitamente, temas como Ferguson y el movimiento #BlackLivesMatter, Snowden y la NSA, la carrera de Hillary hacia la presidencia (ni a los guionistas de la serie se les ocurrió el giro de guión que ha dado nuestra realidad), las violaciones en universidades, los atentados de Boston, las demandas en el mundo de la música por la frontera entre plagio y sample, el cabreo de Zuckerberg con ‘The Social Network’ y, por supuesto, el fuerte protagonismo de Internet y las nuevas tecnologías en la serie, no solo con Twitter o Google (Chumhum), sino haciendo que el espectador medio aprendiese sobre Reddit, Anonymous, Bitcoin o la Deep Web.
Y ‘Thicky Trick’
Y las escenas sexuales-sin-sexo, especialmente en ascensores (ay, ese esperado momento con ‘Any other world’). Y todos los elegantes trucos que sus guionistas tenían para bordear la línea de lo que se puede hacer y lo que no, sexo aparte, en la televisión en abierto (y que en ‘The Good Fight’ no van a tener que hacer). Y la maravillosa quinta temporada, su Boda Roja particular (o Bodas Rojas) y su tratamiento ejemplar y crudo del duelo y de la imprevisibilidad de la muerte, que por momentos recordaba a ‘A dos metros bajo tierra’. Y la música. Y la visión tan sarcástica y a la vez realista de la política, que luego han continuado en ‘Braindead’. Y ese papelón de John Noble, quizás el mejor rol episódico de la serie. Y el vestuario de gente pija de Chicago (no nos engañemos). Y un millón de razones más que nos hace tener muchísimas ganas de ver qué es lo que nos tienen preparado los King en su regreso al Universo Florrick –aunque sea sin los Florrick–.
En 2015 la joven neozelandesa Aldous Harding publicó su primer disco, homónimo y autoeditado (reeditado más tarde por Flying Nun). 9 canciones de folk íntimo y minimalista que le han servido comparaciones con grandes del folk como Linda Perhacs o Vashti Bunyan (y por extensión, con herederas como Marissa Nadler o Alela Diane), una influencia heredada de sus padres, ambos artistas especializados en ese género.
En aquel disco, además de su voz aparentemente frágil y terrenal, destacaban unas letras que parecían esconder viejos episodios turbios, oscuros. “Ignoro mi pasado, aparte de los pedazos que retrato para poder centrarme en el futuro”, decía hace meses en una entrevista. Aquel disco es “una manifestación de lo que estaba ocurriendo en mi cabeza. Claramente, una crisis nerviosa”, recuerda. Así, canciones como ‘Stop The Tears’ o ‘Hunter’ hechizan por el dolor que subyace en ellas.
Sin embargo, la Harding de hoy es una artista diferente. Bajo el auspicio del sello 4AD, ha grabado su debut con la asistencia del infalible John Parish, quizá buscando una conexión similar a la que el productor estableció con PJ Harvey. La primera muestra del mismo, ‘Horizon’, es muy poderosa en varios sentidos. Marcada por un piano solemne, Aldous (que en realidad se llama Hannah) eleva la voz, desafiante, y muestra distintos registros que la emparentan con Perfume Genius, Katie Stelmanis (Austra) o Zola Jesus.
Su vídeo, lleno de simbología, revela una imagen diferente a la que se le atribuía con su primera obra: vestida con una especie de kimono negro y maquillada como una especie de ser sobrenatural, demoníaco, se enfrenta, desafiante, a una mujer que practica aikido en una pradera, con un kimono blanco. Una mujer que, además, resulta ser su propia madre.
Este jueves se han emitido en MTV España los dos primeros episodios de #VideoLove, la adaptación nacional de un formato internacional de la cadena. ¿Qué significa ese «amor por el vídeo», que los vídeos vuelven a tener un protagonismo relevante en MTV? ¿Que puedo volver a poner la tele para que salgan vídeos en modo random cuando recojo la casa, me aburro, estoy de resaca o vienen visitas? En absoluto. Ya sabéis: la sola idea de volver a emitir videoclips a una hora decente es todo un gatillazo para los ratings.
En ese sentido, el estreno de #VideoLove supone, junto al cierre de 40TV, la derrota definitiva de la emisión de videoclips en televisión. Quien quiera ver vídeos en televisión que se haga una playlist en Youtube, se ponga una smart TV y ponga el canal de Vevo en modo random. MTV deja claro en su misma web que «tú eres el único protagonista de #VideoLove con tus comentarios sobre los vídeos más top del momento».
Y es cierto. Los vídeos aparecen pero en formato minimizado. Alternando el formato del mítico Pop Up Video de MTV y VH1 con el fenómeno Youtuber, se van mostrando en pequeño vídeos de hits de Zayn, One Direction, Elefantes con Love of Lesbian y Sidonie, Amaral o Ariana Grande, mientras los usuarios los valoran con microvídeos subidos a sus redes sociales. Se da por hecho que el vídeo ya te lo sabes de memoria de verlo en Youtube.
Sin embargo, ahí, ha sido todo un entretenimiento encontrar caras conocidas, lo cual parece una de las bazas del programa: personalmente he flipado encontrándome por sorpresa a colaboradores y comentaristas habituales de JENESAISPOP opinando, y supongo que otra gente habrá flipado viendo a su Instagrammer, tuitero o Youtuber más odiado o querido en las mismas. Lo que sumado al amor/odio que sientas por el artista planteado, solo puede ser toda una «win win situation».
Y es que aunque algunas opiniones no aportan mucho, las del vídeo de Calvin Harris para ‘How Deep Is Your Love’, por ejemplo, fueron bastante espontáneas y divertidas. ¿Y hay ageism? ¿Es un programa totalmente teenager? La verdad, ver a unos post-adolescentes intentando hablar mal pero sin demasiado desprecio de un vídeo de Amaral, sin saber muy bien cómo hacerlo, me ha retrotraído al programa de los gallifantes. ¡Más mundo viejuno! 6.
Sobre el disco de Templeton, Carrasco asegura que «está grabado ya», y dice que es como un cruce entre su segundo álbum, ‘El murmullo’ y el tercero, ‘Rosi‘, reconociendo que este no llegó a la gente. «‘Rosi’ nos gusta, pero salió un poco cruzado, todo lo que pasó después fue un rollo y hemos intentado coger lo mejor de cada uno. En ‘El Murmullo’ llegamos a la gente porque se identificaba y ‘Rosi’ era más cinematográfico». Ahí su compañero Manu en Rusos Blancos le tiraba un cable para elogiar ‘Rosi’: «A mí me parece una pasada, que (‘Rosi’) no fuera el disco que lo petase en el mundo indie en España ese año, a mí me resultó muy desconcertante».
Javier Carrasco reconoce sobre Templeton: «Nos hemos visto como Guti, una eterna promesa, pero somos un ejemplo muy extremo de burbuja, de vivir dentro de nosotros. Vivimos varios años juntos Álvaro, Bryan, Santi y yo, pero es que nos conocemos desde 2º de EGB muchos. Somos el perfecto ejemplo de cuando la boca dice una cosa, pero el lenguaje no verbal dice otra: con las canciones decimos una cosa, pero con el lenguaje no verbal decimos «quiero estar en el infra». Somos 6, muy perros, muy nuestros, muy secta».
También hay nuevo disco de Betacam tras la compilación ‘Saca pecho‘. «Mi intención era hacer 3 EP’s, pero al final te das cuenta de que con un EP un promotor no hace caso. Se nos llena la boca con lo de que el álbum está muerto, pero sigue siendo la carta de entrada, y lo voy a sacar todo junto como disco».
Templeton actúan en marzo en Madrid PopFest, pequeño festival en la Sala Taboo de Madrid, que ha agotado entradas en minutos cual Glastonbury. Recordamos el vídeo de ‘La gran ciudad’, dirigido nada menos que por Carlos Vermut.
Mirela ha concedido su primera entrevista después del Eurodrama vivido el pasado fin de semana, cuando empató como finalista con Manel Navarro en el concurso en el que se jugaba representar a España en Eurovisión. El público la eligió a ella, pero el jurado se decantó por Manel Navarro y el voto del jurado esta vez valía más. El único jurado que la apoyó fue Javier Cárdenas, que ahora le realiza una entrevista en la que asegura a Mirela que se va a convertir en «una artista de referencia».
Mirela indica que Manel Navarro le ha mandado un mensaje de apoyo por la muerte de su abuelo y asegura estar abrumada por «el calor» y «las muestras de cariño» que ha recibido de la gente. La cumbre de la entrevista llega cuando Javier Cárdenas se dirige a Manel Navarro, abiertamente y sin cortarse un pelo: «Todo el mundo está con Mirela, todo lo que ha pasado no te beneficia, ¿no crees que deberías, de forma absolutamente caballerosa, ceder a Mirela ir a Eurovisión?».
Mirela declara a continuación: «Ganas (de ir) no me faltan para nada, siempre lo he demostrado 100%. Y siento en el fondo de mi corazón que se lo debo a la gente, al público que me apoya. Pero también no depende solo de Manel, sino de su equipo». Javier Cárdenas añade que a Manel la situación «le viene muy grande», le ve demasiado «joven» e «inexperto» y cree que «quedaría de una forma tremenda» delante de toda España si renunciara. Podéis escuchar la impagable entrevista en la web de Europa FM o bajo estas líneas.
Os dejamos también con la actuación de ‘Contigo’, tan maravillosa para Javier Cárdenas.
Justin Bieber vuelve a acaparar titulares porque no se ha presentado a la vista judicial en la que le han citado por el supuesto plagio de ‘Sorry’ (White Hinterland es demandante), alegando enfermedad. La cita era el 8 de febrero, y hoy TMZ publica los vídeos que demostrarían que estuvo de fiesta el mismo día de la vista. ¿Cómo saber las fechas? Ningún portavoz de Bieber ha negado los hechos al portal de sociedad. Bieber también habría sido protagonista de una nueva agresión el pasado sábado. Después de un disco tan interesante como ‘Purpose’, con una producción excelente que ha definido lo que ha sido la temporada 2015/2016, el cantante ha demostrado demasiadas veces que sigue siendo un chiquillo, como aquel día que hizo sangrar a un fan en Barcelona de un puñetazo, así que nadie va a alzar las cejas ante sus nuevos desplantes. Y eso que se le acumulan los problemas con la justicia: no puede aparecer de gira por Argentina porque podría ser detenido.
Lo segundo peor de estos hechos es que han tenido lugar en Los Ángeles durante el pasado fin de semana. Varias imágenesle sitúan en la misma ciudad donde se celebraron los Grammys 2017, incluso en sus pre-partys. Pero él no quiso acudir a la gala, según TMZ y nadie desmintió, porque «Bieber no cree que los Grammys sean relevantes o representativos, sobre todo en cuanto a artistas jóvenes». ¡Nominado a Canción y Disco del Año! Parecía una broma, pero no asistió. Y no porque estuviera de gira por Europa (como es el caso de Drake), porque estuviera grabando un vídeo en domingo completamente inaplazable, por un problema familiar o por solidaridad con Frank Ocean (¡jajaja!), sino por pura arrogancia.
En la cumbre comercial de su carrera después de 5 millones de copias vendidos de ‘Purpose’, que ha dejado 3 números 1, más los hits que luego se han añadido como parte de los discos de Major Lazer y DJ Snake, Justin Bieber se ve por encima de los Grammys. Mucho se ha debatido esta semana sobre la relevancia de los premios, su supuesto racismo y su criterio, pero Bieber debería bajar de su nube para darse cuenta de que los Grammys no se van a ir a ningún lado después de 59 años de tradición y que el hecho de que él haya sido nominado y no David Bowie o Bon Iver en la categoría de Disco del Año, denota bastante interés y un respeto más que justo -casi forzado, en busca de la audiencia joven- por «los artistas jóvenes».
Puede que Bieber, sabedor de que iba a perder todos los premios contra Beyoncé y Adele, prefiriera quedarse en su casa, pasando de regalar audiencia joven a esos ancianos señores, a diferencia de una fresquísima Rihanna, a una petaca pegada. Pero también puede que desconozca un valor, que a diferencia de los Grammy, el criterio de esos señores o su música, nunca se pasará de moda: el respeto. Por una institución que ha premiado tal cantidad de enormes discos, por los otros artistas, mayores y menores, por otras opiniones e incluso por los profesionales de la industria que día a día han labrado el camino para que él esté donde está. No queremos imaginar la cara de su sello y de su management, cuando comprobaban día a día que la machada era verdad, que Justin Bieber no iba a ir a los Premios Grammy.
Pero sobre todo, puede que Justin Bieber nunca vuelva a estar nominado a Álbum del Año, y se haya perdido en vivo uno de los momentos más importantes de su vida. La lista de artistas que solo han estado nominados una vez a Álbum del Año y ya probablemente nunca volverán a estarlo es bien suculenta, pues está tan bien repleta de artistas llenaestadios como de gente cuya chispa se apagó enseguida. Esa lista incluye a David Bowie, Rolling Stones, Madonna, Joni Mitchell, Tracy Chapman, George Michael, Cyndi Lauper, Tina Turner, Pearl Jam, Shania Twain, Alanis Morissette, Garbage, Alicia Keys o Gwen Stefani. Todos aspiraron a disco del año una única vez (algunos de ellos ganando, casi todos perdiendo). Quizá Bieber nos siga sorprendiendo con discos excelentes y consiga una segunda nominación a diferencia de todos estos artistas. Pero si no la hay, puede que se arrepienta de lo que ha hecho cuando vea la 100ª edición por la tele o lo que hubiere.
La semana pasada fue muy generosa en novedades discográficas y muchas de ellas han calado entre nuestro público a juzgar por vuestros votos. 7 nuevas canciones llegan a nuestro top 40. Son los últimos singles de Grimes (ft Janelle Monáe, de moda como actriz ), Katy Perry, Hercules & Love Affair, Joe Crepúsculo, M.I.A., Rusos Blancos y Blondie. Eso sí, el número 1 sigue siendo para Los Planetas con su single de regreso y el número 2 para The xx con ‘On Hold’. Es su quinta semana consecutiva en esa posición. Hoy nos despedimos de ‘Starboy’ de The Weeknd, ya con 21 semanas de permanencia y en la mitad baja de la tabla, pero decimos hola a su otra canción junto a Daft Punk. Podéis volver a votar aquí.
Es viernes y toca renovar nuestra playlist de novedades destacadas de la semana. Hoy destacan los nuevos largos de Ryan Adams, un ‘Prisoner’ en el que habla explícitamente de su divorcio de Mandy Moore, el recomendado ‘Disco duro’ de Joe Crepúsculo, los esperados nuevos álbumes de Lori Meyers y Jens Lekman. También cabe destacar ‘Les afores’, el segundo largo de los leridanos Renaldo & Clara, que apunta a gran salto, y la reedición del último álbum de Fangoria, en la que encontramos un loco popurrí que alterna a Dinarama, Sonia & Selena o El Columpio Asesino.
También hoy aparece un nuevo álbum, homónimo, del rapero Future y se presenta su debut largo Jidenna, el protegido de Janelle Monáe, así como EPs de promesas como Bebe Rexha y Maggie Rogers, o de veteranos como Animal Collective (ojo a su versión de un clásico del soul) y Chucho, que lanzan un disco de remezclas de su tema ‘Un inmenso placer’ a cargo de Dorian, Hidrogenesse o La Bien Querida. Y Flume lanza otra nueva extensión de ‘Skin’, el álbum ganador del Grammy al mejor álbum de electrónica en 2016.
Esta semana hemos conocido avances de las nuevas obras de nudozurdo, Kygo (con Selena Gomez), Maroon 5 (con el antes citado Future), Mostaza Gálvez, Talaboman (o sea, John Talabot + Axel Boman), Blonde Redhead, Kiki (amadrinada por Lykke Li), Nav (con su padrino The Weeknd), El Pardo o Los Punsetes. Destacan, además, la colaboración del matrimonio formado por Beyoncé y Jay-Z en ‘Shining’, adelanto de un nuevo álbum de DJ Khaled, el anuncio, a través de ‘Giants’, de un nuevo disco de Take That y la reaparición de Camila Cabello tras su espantá de Fifth Harmony (de la mano del productor nórdico Cashmere Cat). Y más: los regresos de Ed is Dead, Misterwives, Little Dragon, Linkin Park (arrimándose a la moda tropical-pop-house) o Timber Timbre, que vuelven tras el estupendo ‘Hot Dreams’.
Por último, mencionar los segundos, terceros o cuartos (!) adelantos de próximos discos de Bob Dylan, The Magnetic Fields, Ed Sheeran, L.A., Thundercat, Karen Elson, The Shins o Los Campesinos!. Y destacar dos curiosidades como las de Benjamin Biolay (que esta semana ganaba un premio César al mejor álbum de chanson por ‘Palermo Hollywood’) uniéndose a los argentinos Ilya Kuryaki (que hoy actúan, precisamente, en Madrid), o la versión de ‘God Only Knows’ de The Beach Boys que John Legend, junto al grupo de cuerdas yMusic y la actriz y cantante Cynthia Erivo, interpretó en la gala de los Grammy del domingo.
Desde su exitoso «comeback» en 2007, Take That ha presentado sus nuevos discos con unos primeros singles dignos: el baladón ‘Patience’ hoy solo puede considerarse un clásico del grupo, ‘Greatest Day’ era un melodioso llenaestadios que emocionaba sin desesperación, ‘The Flood’ era una canción épica en el sentido más literal de la palabra y ‘These Days’ un número disco tan desenfedado como eufórico.
Take That ha anunciado nuevo disco, ‘Wonderland’, y el primer adelanto arruina completamente esta carrera de buenos singles recientes del trío británico. ‘Giants’ es un nuevo llenaestadios de pop ochentero, un poco ‘Midnight City’ de M83 pero con mayor presencia de instrumentos acústicos, pero como composición es bastante poco emocionante, inane incluso, y desde luego parece diseñada, sobre todo, para el público de X Factor más que para los fans de toda la vida de Take That.
El nuevo disco de Take That, ‘Wonderland’, sale el 24 de marzo y su maximalista portada no puede sino recordarnos a la del tercer álbum del grupo, ‘Nobody Else’, editado en 1995, y por defecto a la de «Sgt. Peppers» de los Beatles, salvando las distancias. Es el segundo trabajo del grupo como trío desde que Jason Orange abandonara la formación en 2014.
Este jueves, The Weeknd ha cumplido 27 años y ha querido celebrarlo con sus fans estrenando videoclip para una de las canciones de ‘Starboy’ que vuelve a no ser ‘I Feel It Coming’. Después del vídeo lleno de chicas y alcohol de ‘Party Monster’, Abel Tesfaye ha publicado un vídeo lleno de chicas y alcohol para su sexto mayor éxito en Spotify, ‘Reminder’.
El vídeo transcurre mayormente en una lujosa fiesta doméstica e incluye la aparición de varios amigos de The Weeknd como Drake, Travis Scott, ASAP Rocky y French Montana. También vemos a The Weeknd interpretar el tema desde un descapotable en marcha. Durante todo el vídeo, tanto Tesfaye como sus amigos gesticulan cual «chill bros» hasta arriba de todo, pero no está tan claro que el vídeo vaya a impresionar a sus fans adultos tanto como a los adolescentes que votaron a The Weeknd en esos Teen Choice Awards mencionados -y no para bien- en la canción.
Por si se te olvidaba que Abel es un, ejem, «motherfucker», el canadiense ha compartido recientemente un nuevo tema junto a NAV en el que se dirige a Justin Bieber (ex de su novia, Selena Gomez) después de que este dijera ante las cámaras que la música de The Weeknd es una «porquería». El tema parece implicar que el sexo de Tesfaye ha curado la depresión de Gomez.
Uno de los grupos del underground estatal más combativos y comprometidos con la agitación político-social son los madrileños El Pardo, una formación cambiante en la que las afiladas y ácidas letras de Raúl Querido marcan la diferencia. Algo más de un año después de ‘2015’, han anunciado la próxima publicación de ‘Europa SÍ’, un nuevo largo con el que, además, parecen más dispuestos a alcanzar una mayor difusión y a un público mayor. De hecho, sus nuevos temas (y también los pretéritos) están disponibles en Spotify por primera vez. Este 10 de marzo El Pardo actúa junto a Beach Beach en Madrid. Las entradas cuestan 6 euros y están disponibles en Ticketea.
Se trata de ‘Amor, pureza, salvación’, una canción de clara intención indie-pop-rock en la que, aunque parece albergar múltiples interpretaciones, no hemos podido evitar encontrar ciertas similitudes con la situación post-Vistalegre II de Podemos, un partido ideológicamente cercano a la posición del grupo. Aprovechando esta presentación, hemos realizado algunas preguntas al grupo sobre esta y otras canciones de su álbum, además de cuestionar en qué punto se encuentra la banda. Para empezar, es imprescindible saber cuál es la formación actual de la banda, que nos presenta Raúl:
«Ahora mismo El Pardo somos Alberto (batería, también en Alborotador Gomasio), David (bajo, también en Béton Brut), Javier (guitarra, también en Tigres Leones –que no ha podido contestar a la entrevista–), Koldo (guitarra, también en Alborotador Gomasio y Hazte Lapón) y yo (también en Algora y Caliente Caliente). Somos los que hemos grabado el disco. Además nos refuerza en concierto Juanma (guitarra, también en Campeón), que aunque no estuvo en la grabación, es ya parte del grupo».
Contadnos qué ha pasado en el grupo desde que publicárais ‘2015’ a finales de aquel año.
Koldo: Hemos estado completando un proceso de adaptación para poder hacer frente a los continuos cambios de formación que el grupo ha experimentado. En lo personal y en la vida de El Pardo ha sido una época de transición, dura y de la que, creo yo, salimos reforzados en lo vital.
David: Yo sustituí a Miguel y empecé a aportar algunas ideas o frases que tenía con el bajo desde hace tiempo, y a partir de ahí empezamos a trabajar las canciones del disco nuevo. Con Javi, Koldo y Alberto completamos la música en el local y Raúl fue haciendo las letras. Con Natalia, nuestra batería durante parte de 2015, hicimos una canción nueva de 10 minutos. También hemos tocado un montón en directo en estos dos años, quizás en el último algo menos.
Alberto: Yo entré sustituyendo a Paula a modo de suplencia temporal a la espera de que se incorporara alguien de forma definitiva a la batería, pero empezamos a ensayar y sacar nuevas canciones en el local y me fui integrando de manera muy natural. Siempre he sido fan de El pardo así que me sabía el repertorio, y como somos amigos desde hace bastante ya, todo resultó muy fácil.
Raúl: Sabemos que vamos a seguir siendo un grupo cambiante, coyuntural, alrededor de un núcleo humano y de una idea que nos vincula. Es una suerte serlo mientras cuentas con tantos apoyos como nosotros: hace poco echamos cuentas y entre integrantes, refuerzos y colaboraciones puntuales, hemos pasado ya cerca de treinta personas por El Pardo.
Como dice Koldo, nos hemos tenido que adaptar y avanzar pasando vaivenes y dificultades. Por fortuna, hemos encontrado sentido a todo el proceso y, a base de empeño y cariño, hemos llegado a grabar un tercer disco que creemos es el mejor nuestro y con la misma formación con la que hemos dado nuestros mejores conciertos hasta la fecha. Es bonito que haya podido quedar una huella de este momento.
«Nosotros más de una vez hemos deseado que nunca se llegase a una investidura completa. Y, visto lo visto, igual no estábamos tan errados»
Fuera del grupo, en ese tiempo hemos asistido al esperpento máximo de la política nacional, una tragicomedia absurda que nos tiene inmersos en un «día de la marmota» agotador. Siendo un grupo tan marcadamente político, ¿cómo ha influido todo eso en ‘Europa SÍ’?
D: Las mayoría de canciones están hechas desde hace bastante, por lo menos un año y medio. Eso, en un grupo con la inmediatez que tiene este, da una idea de en qué época nos movemos. Yo pensaba que las canciones se echarían a perder si no editábamos pronto el disco, pero parece que no es así… De hecho, todo son como pequeños bucles y repeticiones que nos llevan a no se sabe muy bien dónde, y por eso creo que las canciones aún tienen vigencia.
A: Por desgracia, la situación política y social parece estancada ya desde hace mucho tiempo. El Pardo surgió de una necesidad de gritar y denunciar la realidad asfixiante allá el 2013, y a día de hoy sigue teniendo todo el sentido.
R: El ciclo/circo electoral interminable ha sido parte de ese proceso, de la creación de las canciones. Cuando estrenamos ‘2015’ ya estábamos en pleno proceso de elecciones eternas. No hemos podido dejar de hacer canciones con nombre. Pero también hablamos de cuestiones más generales. De malestares que son políticos, que son sociales, que son existenciales y permanentes. Que al final no sé si se acentúan con tanta mierda de política espectáculo, o bien se han vuelto tan sistémicos que más bien sirven para acorcharnos y que la política espectáculo incluso nos alivie. Nosotros, desde luego, más de una vez hemos deseado que nunca se llegase a una investidura completa. Y, visto lo visto, igual no estábamos tan errados.
K: La línea narrativa viene siendo la misma desde que empezamos. Un refugio para confeccionar letras e instrumentación que sirvan para combatir este desolador presente y hacer una llamada a la construcción de comunidad como respuesta a la situación sociopolítica actual. En ese sentido, creo que hemos vuelto a colocar las fichas de las noticias que han dado estos años y, como novedad, incluimos un giro más emocional en la canción ‘Amor, pureza y salvación’.
Así las cosas, con la ilusión de un giro argumental arrastrada por los suelos, con cada vez mayor desencanto y resignación… ¿habéis necesitado una motivación extra para hacer canciones?
D: No lo creo. Yo desde que entré en el grupo siempre veo un camino, ideas o cosas que hacer, y de ahí parte la motivación.
A: El espíritu sigue intacto, y los acontecimientos políticos son otros pero igualmente inspiradores.
K: Seguir a diario en la rueda del mercado laboral es suficiente motivación como para poder querer después gritarlo con mucha fuerza en el grupo .
R: Las canciones, cuanto más las trabajamos, más da la impresión de que se hacen solas. Es cuestión de tener tiempo, energía, algo que contar y juntarse para ver cómo nos sale contarlo. Desencanto hay. Y resignación, pues cuanto menos, mejor. Hay desconexiones de la realidad que igual no te puedes permitir hacer, y eso a veces sí exige cierto grado de resignación. Pero yo creo que la posibilidad de hacer canciones en grupo y compartirlas, trasciende la necesidad pura y se convierte en un premio, en una motivación en sí misma.
«“No somos underground, somos pobres” (…) me parece una buena línea bajo la que aglutinar todo esto»
Hoy estrenamos ‘Amor, pureza, salvación’. ¿Cuándo nace esta canción? Porque parece retratar con bastante precisión la disensión interna de Podemos, con esa alusión al amor que tanto le gustó usar a Pablo Iglesias. ¿Se veía venir este cainismo? ¿Hay esperanza de resurgir tras «el disparo en el pie»?
A: Yo esta canción nunca la he entendido así, mas bien la veo con el retrato de un momento de reflexión acerca de lo ocurrido en mayo del 2013, una mirada en perspectiva que deja ver lo que no ha cambiado tanto como esperábamos, pero también lo que nos queda y no nos podrán arrebatar. Seguramente es muy interpretable, y solo Raul sabe el significado de su letra.
D: No creo que esta canción en concreto hable (solo) sobre Podemos, creo que es algo más amplio. De hecho la “pureza” de la letra puede tener distintas connotaciones que puede leer cada cual que estuvo en las plazas de una manera diferente. Evidentemente en todo proceso de transformación surgen fallos, tiros en el pie… pero hay que afrontarlos con humildad y disolviendo un poco el ego, que es lo más difícil. Tampoco creo que haya que caer en el fatalismo y en el cinismo porque ahí es cuando estaremos perdidxs. Además creo que el futuro no nos va a permitir hacerlo.
K: Hay conexión con esto que planteas pero supongo, al fin y al cabo la letra es de Raúl, que por lo que nos conocemos entre nosotros y los puntos que podamos tener en común, hace una crítica más amplia a una línea de pensamiento que puedes encontrar no sólo en política, sino también en la música, en el trabajo, etc. La integridad total, aspirar a ser un santo y que tus acciones transiten sólo por el camino de la auténtica pureza cuando perteneces a una clase social desfavorecida y cuya línea de demarcación es muy difícil traspasar, es un verdadero disparo en el pie. “No somos underground, somos pobres”, frase de una camiseta con la que Raúl salió a tocar un día, me parece una buena línea bajo la que aglutinar todo esto. Desde luego que en la canción podemos encontrar alusiones fácilmente relacionables con los movimientos sociales que, más tarde, desembocaron en la formación de un partido político pero, como dije antes, pienso que la intención de Raúl va más allá.
R: Fue la penúltima letra que salió. Lo que aventuran mis compañeros es todo cierto, en parte. Hay mucho de empatía con quienes se han lanzado a representarnos y se arriesgan y se equivocan y, con la mejor intención, quizá tienen que vivir con esa equivocación, ser consecuentes, purgar o sublimar la rabia… Por lo demás, es la canción más metafórica de El Pardo y preferiría no terminar de explicarla. Hay quien pregunta si trata de una ruptura sentimental, y puede que también haya algo de eso.
Es curioso que, musicalmente, es una de las canciones más pop y «fáciles» que hayáis hecho nunca, y no es la única canción con aspiraciones pop del disco, con ganchos claros. Incluso os adentráis en géneros como el ska. ¿Os lo perdonarán vuestros fans más straight-edge ?
R: Nuestros seguidores son gente abierta. Y a nosotros nos pedía el cuerpo dar entrada a más variantes musicales que nos gustan. No hay ejercicio de estilo, sino un juego muy serio: aprender probando. Respecto al straight-edge, yo en los últimos meses he dejado el café, el té, los lácteos (¡por fin!) e incluso el sexo. Espero que eso cuente. Estamos preparados. Vamos entregados en cuerpo y alma a dar nuestro mejor concierto, el de presentación, el 10 de marzo en Moby Dick.
D: Los que no creo que nos lo perdonen son los señores de izquierdas. Respecto a “Amor…”, queríamos hacer una canción indie de una vez, que sonase a Echo & The Bunnymen, Dinosaur Jr y Built to Spill, para dejar de simular que somos punk y tal. Quién iba a decir que una vez indie y punk fueron lo mismo.
A: En los conciertos han sido bien recibidas todas. De hecho, creo que público de El pardo es muy heterogéneo, y sobre todo con muy buena disposición a escuchar lo que tenemos que decir sea cual sea el palo musical en el que nos movamos. Ha habido una evolución clara en lo musical lo que lleva a mi modo de ver a un enriquecimiento de las letras, aumentando las posibilidades líricas.
K: Un poco en consonancia con la pregunta y la respuesta anteriores, muy de acuerdo con lo que dice David. Creo que nosotros no engañamos a nadie. La letra de la canción la compuso Raúl y el resto de la música entre todos. Si bien es cierto, que es una canción cuya idea primigenia me salió en el local de ensayo y, al principio, estuve a punto de tocarla con mi otro grupo, Alborotador Gomasio, que sí que está más descaradamente dentro del marco de grupos de indie rock…sin embargo, la probamos con El Pardo y el camino que se nos abrió nos gustó mucho. Venimos de las referencias que David ha descrito, aunque luego también nos gusten un montón de grupos de punk. La pureza como elemento para juzgar, para el que la quiera. Yo no juego a ser punk. Toco la guitarra en grupo con mis amigos.
«Nos hemos emocionado cuando nos llegaron mensajes de chavales mexicanos que nos decían que se ponían nuestras canciones antes de ir a jugarse la vida»
Aunque ‘Europa SÍ’, la canción que habíais dado a conocer antes, llama a la insurrección y a la lucha, en general el álbum parece menos incendiario, más un retrato del sainete social que digerimos día a día con bastantes tragaderas que una antorcha para incendiarlo. ¿Habéis depuesto la actitud combativa?
A: Para nada. Sólo ha evolucionado la manera de contarlo,pero el mensaje sigue siendo claro y con la misma carga de rabia. Las letras de Raúl cada vez son más certeras y mejor hiladas.
R: En lo tocante al sonido, creo que hemos intentado reflejar todo lo que nos apetecía probar y tocar, pero no creo que nos hayamos ablandado. De hecho el disco es más rápido y ruidoso que los anteriores. Y sigue habiendo momentos en que sonido y lírica se mezclan, se ponen duros. Cosas que retan, creo yo. Y cosas que premian. En cuanto a las letras, igual he ampliado el campo de batalla de tal manera que mientras hay canciones o momentos más acordes a la confrontación, también he reflejado las batallas que se libran en casa, en la retaguardia, por dentro. Es como un diario de contradicciones.
Para mi lo más desapacible fue escribir y recitar ‘Un día más’. Es una canción larga que trata de un combate que muchas personas conocemos en primera persona, en contra de una depresión que es plaga, y que atiende tanto a factores internos como ambientales. Las letras se crean al hilo del la canción y del sonido, y viceversa. Y normalmente no se terminan hasta que se graban y, en muchas ocasiones siguen mutando después. Entonces, si la lucha cambia de terreno o de estrategia, algo puede cambiar en las canciones, al menos en el local y luego en directo. Eso ha pasado con las de los dos primeros LPs. A mí me gusta pensar que hay un hilo que se entreteje a través de los tres discos, y es el del sentido de la lucha y la búsqueda de una paz de espíritu que no sea inane, que no obvie los desastres alrededor, sino que permita encararlos desde cierta sabiduría, desde la empatía y la solidaridad. Personalmente, yo lo busco a través de la expresión de la propia contradicción, como forma de mostrarse uno, y de que los demás se encuentren, quizá, en sintonía. Intento ser honesto para ofrecer y encontrar empatía. Y también está la búsqueda y ofrecimiento de apoyos y cuidados muy concretos que se vuelven mutuos y fundamentales en la resistencia contra las adversidades. Nosotros nos hemos emocionado cuando nos llegaron mensajes de chavales mexicanos que nos decían que se ponían nuestras canciones antes de ir a jugarse la vida en las manifestaciones tras el asesinato de aquellos estudiantes a manos de la policía. Por supuesto, no todo es trágico. Creo que hay un humor crudo y un inmenso amor por la vida en lo que hacemos. Ojalá seguir importando a alguien que busque compañía en sus luchas, como la encontramos nosotros en las demás personas. Para nosotros, desde luego, El Pardo es una obra de amor y vitalismo. Y… ¡amar es combatir! O eso decían Maná.
Habéis regrabado algunas canciones de ‘2015’, como ‘Matadero’, ‘Nestlé’, ‘Karkajada’ y ‘Plasma’. ¿Por qué?
R: Fue una decisión debatida, pero al final llegamos a un consenso y se decidió que, dado que estábamos conformes con las otro ocho canciones -las siete nuevas y la versión de Eskimales-, sí tenía sentido no dejar sin regrabar las cuatro que indicas, que son de nuestras favoritas y que, consideramos, habían evolucionado mucho en cuanto a velocidad y contundencia después de registrarlas una primera vez. De hecho, ‘Plasma’ mutó enseguida, a partir de una improvisación en el local y un cambio de letra sobre la marcha en directo. Ahora funciona no sólo como crónica de lo concreto -esa mítica “Muerte en León”- sino como un alegato alrededor de cómo la sociedad de consumo postcapitalista nos convierte a todos los animales en lo mismo: carne para el comercio. Por eso da paso, de inmediato, a ‘Matadero’. Creo que son canciones coyunturales… pero que siguen vigentes. Y ahora suenan más fuerte, más rápido y, a la vez, aturden y despejan más.
A: El disco entero es un reflejo de estos 2 años en los que el grupo ha cambiado y evolucionado, y estas canciones han sido parte de nuestro repertorio habitual y también han evolucionado con nosotros y creíamos que merecía la pena que quedaran registradas con el nuevo sonido del grupo, lo cual me hace mucha ilusión, porque ‘Matadero’ y ‘Nestlé’ son mis favoritas.
Hoy se publica la reedición de ‘Canciones para robots románticos’, el álbum que publicaron el año pasado Fangoria, y que ha vuelto a ser un éxito de ventas recuperando, además, el apoyo de emisoras radiofónicas como Los40 o Cadena Dial. Esa nueva edición se titula ‘Miscelánea de canciones para robótica avanzada’ (les ha faltado un “de todos los santos”) e incluye el álbum original y un disco extra con seis cortes inéditos, entre los que destacaron como adelanto ‘Espectacular’, producida por Guille Milkyway, habitual ya en sus grabaciones.
Las nuevas canciones presentadas incluyen temas que tienen toda la pinta de ser descartes del álbum como ‘El día a día de mi psicopatía’ o ‘Lo peor es lo mejor’, una ‘¿Qué quiere usted de mí?’ con arreglos exóticos que recuerdan a ‘Una temporada en el infierno’ y un punto bakala de ‘Arquitectura efímera’ y un mash-up de ‘Disco Sally’ y ‘Fiesta en el infierno’ llamado ingeniosamente (#no) ‘Disco Sally baila en una fiesta en el infierno’.
Pero lo más sorprendente llega en ‘Canciones que hablan sobre bailar’, un popurrí de toda la vida, un poco Década Prodigiosa, que si bien decepciona al comenzar con un ‘Bailando’ de su anterior grupo, Alaska y Los Pegamoides, que ya han sobado hasta la saciedad, remonta a lo grande mezclándola con ‘Bailando’ de Paradisio (no en la versión de Astrud, sino en la original), ‘Yo quiero bailar’ de Sonia & Selena, la estratosférica ‘Estoy bailando’ de Las hermanas Goggi y, sorpresón, ‘Toro’ de El Columpio Asesino, un hit underground desde que apareció en su álbum ‘Diamantes‘ (2011). 11 minutos de pura diversión. Así sí, Nacho y Olvido.
En un par de semanas, Fangoria celebran la salida de esta reedición con los conciertos especiales «Pianíssimo». Aún hay entradas disponibles.
Walter Morrison, conocido como Junie, miembro de Ohio Players, ha fallecido a los 62 años, ha confirmado el grupo en su página de Facebook. En su comunicado, James «Diamond» Williams recuerda que Junie llegó a estar casado con su hermana y que era una «persona con un talento increíble».
Formado a finales de los 50, por Ohio Players pasaron más de una veintena de músicos, pero Junie fue uno de sus integrantes destacados por su talento vocal y a los teclados así como por su sensibilidad para la composición y producción. Junie llegó a Ohio Players en los 70 y abandonó la formación en 1972 para trabajar junto a George Clinton en Parliament.
En los últimos tiempos, Solange ha dedicado una canción al fallecido músico en su último disco, ‘A Seat at the Table’. Se titulaba, precisamente, ‘Junie’ y era una colaboración con André 3000 de Outkast. Eso sí, no llegó a colaborar con él como sí consiguió Dâm-Funk en su disco de 2015, ‘Invite the Light’, donde Morrison aparece en dos interludios.
De Ohio Players, que editó 16 discos de estudio entre 1969 y 1988, es obligatorio destacar ‘Fire’, ‘Love Rollercoaster’, ‘I Want to be Free’ o ‘Funky Worm’, tres clásicos indispensables en cualquier playlist de funk que se precie.
Hoy Los Punsetes han adelantado otra nueva canción, que no el single principal, de ‘¡Viva!’, el quinto álbum largo de la banda madrileña. Se trata de uno de los nombres a priori más llamativos del tracklist de este disco y, desde luego, su letra no decepciona. “Un ensayo nuclear en el Pacífico”, “un baboso que no mide las distancias”, “poesía de 3º de EGB” o “la flema que proyecto cuando escupo” es lo que la voz de Ariadna nos explica, detalladamente, que opinan de tu grupo, seas quien seas.
Musicalmente, esta canción comienza como un aparente medio tiempo, pero poco a poco las guitarras de Anntona y Jorge se van inflamando hasta quemar, como suelen. Este es el segundo tema que conocemos de este disco tras ‘Mabuse’, un buzz-single que en pocas semanas ha alcanzado una cantidad muy importante de reproducciones en plataformas de streaming, aunque aún lejos de las más de 800.000 que acumula, por ejemplo, ‘Tus amigos’ en Spotify.
‘¡Viva!’ se publica a través del sello Mushroom Pillow el próximo día 10 de marzo, y lo presentarán profusamente en salas y festivales de todo el país. Cabe destacar su reciente incorporación al cartel de Vida Festival, además de Bilbao BBK Live, Sunshine Suances, Tomavistas o Low Festival.
El pasado 12 de febrero, Cee Lo Green acudió a la ceremonia de los premios Grammy disfrazado de villano dorado ciberespecial… o algo así. Internet lo comparó con un bombón Ferrero Rocher, con un villano de ‘Bola de dragón’ o con un enviado de Beyoncé -que actuó de dorado- para vengarla en su nombre. No está claro qué era pero sí que llamó la atención.
Tampoco se pone de acuerdo el mundo en si Green dio un espectáculo maravilloso o bochornoso en los Grammy acudiendo de tal guisa, pero el presentador de los premios, James Corden, lo definió como un «grito de ayuda» y esa probablemente la descripción más acertada de todas: desde que Green asegurara que la violación no era tal si la víctima no está consciente, el músico no ha levantado cabeza. Esto parece un nuevo intento porque el público que compró masivamente su disco ‘The Lady Killer’ (ejem) le perdone.
Ahora, en unas declaraciones a TMZ, Green ha continuado con la fantasía de los Grammy y ha asegurado que el personaje dorado que visitó los premios no era él sino otra persona. «He oído a hablar de ese tío y de todos los problemas que está causando», ha dicho. «Me estoy haciendo fan, aunque creo que no el gusto». ¿Nos está queriendo decir que el villano dorado es su yo maligno y que no tiene nada que ver con él?
En los últimos días, Cee Lo ha estrenado un tema titulado ‘Jay Z’s Girl’ a través de su alias Gnarly Davidson en el que expresa su deseo por encontrar a una mujer como «la chica de Jay Z». Es una lectura nueva de ‘Jessie’s Girl’ de Rick Springfield, tan inapropiada como parece para su causa, cuando convierte a Beyoncé en una posesión intercambiable entre amigos.
El 3 de marzo sale el nuevo disco de Ed Sheeran, ‘Divide’, del que ya conocemos los singles ‘Shape of You’, vídeo feminista incluido, y ‘Castle on the Hill’. Hoy, el cantante británico estrena un tercer tema, ‘How Would You Feel (Paean)’, que no es single pero, como ha comentado en Twitter, sí una de sus «favoritas».
Lejos de los experimentos pop y rock de los anteriores sencillos, ‘How Would You Feel (Paean)’ es una sencilla balada de amor marca de la casa, ahora con un punto country que llega a su auge hacia la mitad, cuando emerge un bonito solo de guitarra eléctrica. La canción es tan clásica que lleva el término «paean» («himno de alegría») en su título y parece diseñada para los mismos bailes nupciales en los que ‘Thinking Out Loud’ del mismo Sheeran sonó sin parar durante 2016. ¿Ha hallado Sheeran su nuevo clásico nupcial?
La letra, tan ñoña como cabría esperar: «eres la única chica y sabes que es verdad / me siento más joven cada vez que estoy solo contigo / nos sentamos en un coche aparcado, robándonos besos en el jardín / ¿qué sentirías si te dijera que te amo? / es algo que quiero hacer / tomarme mi tiempo, pasando mi vida enamorándome más y más de ti / así que dime que tú también me amas». La de lágrimas que caerán en sus conciertos en Madrid y Barcelona en abril…
Hace unos días charlábamos por teléfono con Jens Lekman sobre el nuevo disco que publica esta semana, ‘Life Will See You Now‘, un álbum que tras el taciturno ‘I Know What Love Isn’t’, regresa al sonido exuberante y brillante del enorme ‘Night Falls Over Kortedala’. Desde su casa en su Gotemburgo natal, parecía algo distraído y parco al principio, si bien poco a poco se fue soltando en sus respuestas, ofreciendo detalles y sensaciones sobre los cinco años transcurridos desde su anterior álbum, la gestación de sus nuevas canciones, la producción a cargo de Ewan Pearson, su nueva colaboración con Tracey Thorn (Everything But The Girl) o su trabajo como cantante de bodas.
Han pasado 5 años desde que publicaste ‘I Know What Love Isn’t’, y aunque no has parado en este tiempo, parece que te ha llevado bastante darle continuidad. ¿Por qué ha sido así?
Porque tuve muchas dudas sobre qué hacer a continuación. Aquel disco no funcionó muy bien, perdí mucho dinero y eso, en cierto modo, mató totalmente mi seguridad en mí mismo. Tuve que reconstruir esa confianza y bueno, eso es lo que he estado haciendo. Para eso hice los proyectos ‘Postcards’ y ‘Ghostwriting’, para salir de ese agujero.
Pero, precisamente, lo que no perdiste fue la habilidad para escribir canciones, como demostraste en esos proyectos [Ndr: ‘Postcards’ consistía en publicar una canción cada semana de 2015]. ¿Qué fue lo más difícil a la hora de crear ‘Life Will See You Now’? ¿La composición o los arreglos, la producción…?
Es difícil de decir, porque la composición ha llegado en un plazo corto de gran inspiración. Pero, a la vez, me costó mucho reunir 10 canciones que encajaran juntas, que hubiera una temática común. Cuando empecé mezclaba muchas ideas y temas, no sé… pero sobre todo intenté borrarme a mí mismo de mis canciones, escribir de otras personas. Un tiempo después un amigo escuchó las canciones y me dijo: “hay un tema central en todo esto, que es la duda, los miedos y en ponerles fin”. Y ahí fue cuando me di cuenta que estas canciones reflejaban el momento de mi vida en el que estaba.
«Es algo que subyace en todo el álbum, siempre hay dos formas de ver las cosas: puedes observar todas las posibles opciones y entrar en pánico, o puedes disfrutar de la enorme libertad que eso supone»
Es curioso, porque al escucharlo deja una fuerte impresión de luminosidad, de brillo, en contraste con tu anterior disco, que sonaba más tristón. En cambio, al escucharte hablar, no parece tan feliz como suena, ¿no?
Trato de afrontar asuntos difíciles, eso es seguro, pero creo que tiene que ver con una cita de Kierkegaard sobre la que canto en ‘Wedding in Finistère’. Dice “Si te casas lo lamentarás. Si no te casas, también lo lamentarás”. Es algo que subyace en todo el álbum, siempre hay dos formas de ver las cosas: puedes observar todas las posibles opciones y entrar en pánico, o puedes disfrutar de la enorme libertad que eso supone. Es un disco sobre elecciones, sobre las dos lecturas de cada ocasión en la vida. Por ejemplo, ‘How We Met The Long Version’ es una mirada optimista y feliz a tomar decisiones, cómo eso define quién eres en la vida, sobre vencer a tus miedos. En el fondo, es un disco feliz.
Bueno, el título en sí parece muy positivo, ¿no? “La vida va a verte ahora”…
Es interesante, porque la gente lo está interpretando de muchas maneras diferentes. Hay quien ve tristeza en él, como en esa frase de ‘Evening Prayer’ en que Babak imprime en una impresora 3D una reproducción del tumor que le han quitado de la espalda. Se asume que ese ‘Life Will See You Now’ es que son malas noticias. Y hay otros que lo ven como un nuevo comienzo, la belleza de ese momento en el que llegan las cosas que estabas esperando. Hay también quien ve una conexión con esa mujer en la portada, que desafía… “La vida va a verme ahora”… Su actitud es como “venga, puta vida, voy a poder contigo”, con confianza. No lo veo así exactamente, pero me gusta también.
Quería preguntarte sobre ‘To Know Your Mission’, la canción que abre el disco. Parece que contrapones cosas futiles, como pensamientos sobre comida o listas de éxito, con reflexiones más profundas sobre el sentido de la vida. Cuéntanos más sobre ella…
Sí, fue algo deliberado cuando escribí la canción, contraponer la muerte de la Princesa Diana con algo más banal como las canciones que eran top 10 en la radio aquel día. De hecho, aunque no lo creas, esto me llevó una ardua labor de investigación, lo preparé concienzudamente para que cada detalle fuera fiel a la realidad. En realidad es una de las pocas canciones del disco que cuentan una historia real, tal cual ocurrió. Cuando era adolescente solía haber muchos misioneros mormones por Gotemburgo, y uno de ellos se me acercó una vez y, en un sueco muy trabado, me dijo “hey, ¿puedo hablarte de este libro?”. Me sorprendió que, pese a que apenas tenía un par de años más que yo, él sabía exactamente cuál era su misión en el mundo, mientras que yo vivía en una confusión total. ¿Cómo era posible?
Revisando antiguos artículos sobre ti, me he dado cuenta de que ‘What’s That Perfume That You Wear’, el single del álbum, aparecía en una especie de mixtape que subiste a Soundcloud en 2014, con un sonido muy parecido al que tiene ahora. ¿Por qué decidiste recuperarla? ¿Qué significa esta canción para ti?
Es porque sirve como puente entre mis dos últimos discos. ‘I Know What Love Isn’t’ trataba de una ruptura sentimental y mis emociones tras ella, y esta canción trata de ese momento en que aceptas el dolor que has sufrido y lo ves casi con orgullo, como una experiencia que te ha hecho mejor persona. Es una especie de esos resúmenes que ponen al principio del nuevo capítulo de tu serie favorita, un “anteriormente en…”, ¿sabes? [Risas] También por eso la elegí como primer single. Creo que esta etapa necesitaba comenzar con una canción así, de venirse arriba.
Me encanta la canción, y también su vídeo, que creo que es fantástico. ¿De dónde surgió la idea sobre él?
Fue de Christopher Bridge, el director. Llamó al sello y dijo “tengo una idea para el vídeo de esta canción”. Casualmente yo estaba en Estados Unidos, de donde es él, y quedamos para hacerlo en Nueva York. Lo que más me gusta de él es que tiene un aire onírico, me gusta la idea, que coincide con la canción, de un sentido despertando reacciones en los otros sentidos. Cómo un aroma se convierte en la puerta de acceso a un espacio físico donde viven unos recuerdos. No literalmente, pero refleja muy bien el sentido de la canción. Lo que más me gusta es que tiene poesía, no conecta con situaciones sino con emociones.
Sí que has recuperado también una canción de tu proyecto ‘Postcards’, concretamente ‘Postcard #17’. ¿Por qué esta canción?
En realidad hay dos canciones de ‘Postcards’, porque ‘How We Met, The Long Version’ es otra de ellas, creo recordar que era ‘Postcard #29’. Las tomé porque sentía que eran dos aproximaciones distintas al tema central del álbum. ‘How We Met…’ habla sobre los beneficios de tomar decisiones por uno mismo y ‘Postcard #17’ habla sobre afrontar los miedos, acecharlos hasta encontrar la manera de manejarlos. Creo que ambas las escribí cuando empecé a ir a terapia, y se nota. [Risas]
Respecto a las canciones de ‘Postcards’ y esa mixtape que decías… Al principio tenía una especie de pensamiento indie, y pensaba que nada debía ser publicado dos veces. Pero me ponía triste que estas canciones desaparecieran. El nuevo disco, como los últimos, lo he afrontado como un recopilatorio de lo que he estado haciendo en los últimos 3 o 5 años. Por eso era importante para mí que estas estuvieran en el disco.
De hecho, quería preguntarte si no te da pena que esas 52 canciones que creaste, una por cada semana del año 2015, para ese proyecto se queden solo ahí, en tu Soundcloud. ¿No te has planteado recopilarlas en una edición física?
Es curioso, porque esto es algo que solo me están preguntando periodistas españoles… [Risas]
La naturaleza de ese proyecto era que quería hacer algo fácil, quería componer pensando que solo estaría en Soundcloud y nunca sería editado. Porque sé que de otro modo habría estado muy tenso en cuanto a la grabación y el resultado final, y no hubiera salido nada bueno de ello. Sin embargo ahora ya no lo veo así, pero aún no sé bien qué hacer. Sería bonito publicarlo en una edición limitada en 6 o 7 discos de 7”. Aún no lo he decidido, pero tampoco creo que pudiera tener una edición oficial, en plataformas de streaming y demás, porque hay muchos samples en él.
«[‘Dandelion Seed’] la escribí después de una conversación con mi vieja amiga Lisa. Ella es (…) como mi propio «Major Tom». De vez en cuando recurro a ella para saber dónde estoy en mi vida»
Dado que ‘Life Will See You Now’ es una mezcla de canciones recuperadas y otras nuevas, ¿cuál ha sido la última que escribiste?
Mmmm… Creo que fue ‘Dandelion Seed’. La escribí después de una conversación con mi vieja amiga Lisa, la misma de ‘Happy Birthday, Dear Friend Lisa’ y ‘Sipping on the Sweet Nectar’… Ella es mi amiga más antigua, como mi propio «Major Tom». De vez en cuando recurro a ella para saber dónde estoy en mi vida. La llamo, nos contamos cómo nos va y luego escribo, es como si me diera un reflejo de mí. Ella tiene una vida muy diferente a la mía. Tuvo un hijo cuando tenía 26 y vive una vida tranquila en Estocolmo, mientras yo estoy viajando por el mundo, tocando. Pero cada vez que hablamos, ella me conecta con quien fui.
¿Y cuál fue la más difícil de escribir para ti?
[Piensa un buen rato…]
O a lo mejor todas salieron muy fácilmente…
La verdad es que todas surgieron en momentos de pura inspiración. Incluso aunque me haya llevado mucho tiempo hacer este disco, cada canción surgió de un momento preciso, instantáneo. Como te decía antes, me ha llevado más tiempo saber cómo encajarlas en conjunto. Algunas fueron más difíciles de terminar, musicalmente. ‘Evening Prayer’ fue particularmente difícil, por ejemplo, porque no daba con el tempo adecuado.
La producción ha estado a cargo de Ewan Pearson, que es un productor de música electrónica y DJ, ¿verdad?
Sí, bueno, también ha trabajado en los últimos discos de Tracey Thorn.
«[Ewan Pearson, su productor] venía y decía “voy a poner un trombón aquí”, y yo pensaba “¡no pongas un trombón!”. Pero al final me mordía la lengua y decía “¡Buena idea! ¡Pon ese trombón!”»
Sí, cierto. ¿Por qué pensaste en él para producirlo, y en Berlín, particularmente?
Empecé a trabajar con cajas de ritmo, sintetizadores, samplers… Para mí era muy difícil y lento, porque no tenía mucha experiencia con este tipo de instrumentos, así que sabía que necesitaba a alguien que dominara los ritmos y los instrumentos electrónicos, programación. Y sabía que estaba haciendo el típico disco de madurez, mi álbum de música-disco-de-crisis-de-los-30. [Risas] Entonces me acordé de Ewan, con el que había trabajado en el disco de Tracey ‘Love and Its Opposite’, y me di cuenta de que él sería perfecto. Alguna vez había comenzado a trabajar con otros productores, pero siempre acabó mal porque soy un “control freak”. Pero Ewan sabía siempre lo que estaba buscando y sabía que podía confiar en él. Tuve que inventarme muchos rituales para mantenerme apartado de su trabajo. Ewan venía y decía “voy a poner un trombón aquí”, y yo pensaba “¡no pongas un trombón!”. Pero al final me mordía la lengua y decía “¡Buena idea! ¡Pon ese trombón!”. [Risas]
Ciertamente, esa mezcla define el sonido del álbum, cajas de ritmo y sonidos muy orgánicos. ¿Eso era exactamente lo que buscabas, entonces?
Sí, totalmente. Quería un sonido cálido, que lo proporcionan los instrumentos acústicos, equilibran la parte electrónica. En realidad es algo que siempre he tenido presente en mi obra. Y es una mezcla que también funciona muy bien en directo. Mi banda actual está compuesta con esa idea: hay alguien que maneja los samples, pero también tengo un batería fantástico.
Antes citabas a Tracey Thorn, que vuelve a colaborar contigo en este disco, en la canción ‘Hotwire The Ferris Wheel’. Al final ya se ha convertido en una tradición, que uno aparezca en un disco del otro, ¿no?
¡Sí! ¡Me debía un favor! [Risas] Nuestra música funciona como un diálogo, tanto en ‘Oh! The Divorces’, como en ‘Become Someone Else’s’. Es como comunicarse desde distintos puntos de la vida. No sé qué edad tiene ahora, cuarenta y tantos creo, y es como si me escribiera una carta desde ese momento de su vida hacia mis trenta y tantos. Ella me dice “así es como van las cosas por aquí” y yo respondo “guay. Pues así es como van por aquí”.
En realidad no me planteaba volver a tener a Tracey en este disco, pero Ewan y yo hablamos sobre incluir unos coros femeninos de fondo, de alguna cantante de estudio. Y él dijo “vamos a pedírselo a Tracey”. “¿Estás de coña? ¿Cómo le vas a pedir eso a Tracey?”. O sea, ¡es como derramar por el suelo una botella de champán! Así que le envié ‘Hotwire The Ferris Wheel’, le pregunté si querría hacer algo en ella y enseguida vio el diálogo en ella, que yo ni me había planteado. Escribió su parte de la letra y al final se convirtió en un dueto. Ella le dio la vuelta y creo que funciona muy bien.
Es muy bonita, la verdad, y siempre es un placer volver a escuchar a Tracey.
Te diré que esa canción ya estaba inspirada musicalmente en una canción de Everything But The Girl, ‘The Heart Remains a Child’, en el tipo de programaciones. Creo que por eso pensé en ella cuando escribía esa canción, inconscientemente.
«Hay algo realmente hermoso en esas combinaciones de números y canciones, una canción por año, una canción a la semana, o 69 canciones de amor»
Uno de los trabajos conjuntos que hicisteis hace tiempo fue una versión de The Magnetic Fields que, curiosamente, publican álbum casi a la vez que tú. ¿Te emociona un poco?
Pues la verdad es que nunca he sido un gran fan. O sea, sé que me comparan con ellos a menudo, y me gustan mucho, Stephin Merritt es un gran compositor, son una gran banda… Creo que el nuevo disco tendrá 50 canciones, una por cada año de su vida, ¿no? Eso es algo que me une con él, la calidad a través de la cantidad. [Risas] El pop es una pequeña forma de arte, y creo que un buen disco de pop no debería tener más de 10 de unos 3 minutos. Pero hay algo realmente hermoso en esas combinaciones de números y canciones, una canción por año, una canción a la semana, o 69 canciones de amor. Pienso que alcanzas algo precioso cuando haces tanto de algo, se convierte en una entidad cohesiva.
Escuchando ‘Wedding in Finistère’ recordé un vídeo en el que dabas una sorpresa a unos novios, que eran muy fans tuyos, cantando un par de canciones en una boda, creo que en Australia, en 2012. ¿Esta canción está inspirada en aquel bonito episodio?
No, en realidad no. Es que hace 10 o 12 años yo me ganaba la vida cantando en bodas, cuando no podía vivir de la música.
¿En serio? No tenía ni idea…
Hacía unas 10 bodas al año y me sostenían financieramente. Es como los fotógrafos. Todos los fotógrafos tienen su lado artístico, pero tienen que hacer books de bodas para ganarse la vida. Aquella boda en Australia fue una de cientos de bodas, y ‘Wedding in Finistère’ también habla de una de ellas. En esta la novia tuvo dudas de última hora, y creí que encajaba muy bien en la temática del disco.
¿Está basada en hechos reales, entonces?
Sí, la de cantante de bodas es como una carrera alternativa, y me encanta. Es el mejor trabajo que he tenido, porque me siento como una matrona o algo así, dando a luz a estas personas a otro lado de su existencia. Es un sentimiento muy bonito. Y además he tenido el privilegio de poder hacer esto exclusivamente para gente que conoce mi música y tienen una relación con ella. Me ahorra tener que enfrentarme con el pariente borracho al que le molesta que no toque tal o cual canción. [Risas] Estar ahí, cantando mis propias canciones y ver lo que significan para alguien, para sus relaciones, es ya un gran pago como compositor. Por otra parte, paso muchos nervios, por la responsabilidad. ¡No la puedes cagar en un momento tan importante para ellos! Suelo llorar a lo bestia antes de salir a cantar.
Supongo que estás planificando un tour para presentar el nuevo álbum. ¿Te veremos por España?
Sí, estamos pensando en ello ahora mismo. Es un poco complicado cuadrar las agendas de todos los músicos, la logística. Habrá aún más conciertos después del pequeño tour que comenzamos ahora, así que espero estar por allí pronto.
Desde que en 2008 editara ‘Escuela de Zebras‘ y ‘Supercrepus‘ Joe Crepúsculo no ha parado quieto. ‘Disco Duro’ supone su octavo álbum (en 9 años) y, a diferencia de su previo ‘Nuevos Misterios‘, la influencia latino-aflamencada ha mermado considerablemente a pesar de contener una canción como ‘Un Demonio con Piel de Cordero’ en la que vuelve a hacer acto de presencia en los coros su amiga Soledad Vélez entre teclados gameboyistas y guitarras españolas.
Para ‘Disco Duro’ el Crepus ha querido rebajar las revoluciones, centrando su atención en los pequeños detalles y obviando su yo más makinero. Sigue firmando números de lo más bailable, por supuesto, como el infeccioso ‘Música Para Adultos‘ (entre Franco Battiato y Baxendale) o ese ‘Pisciburguer’ tan rematadamente ochentas en el que el catalán anhela esas tardes de verano al borde de la piscina aderezadas de cerveza y grasas saturadas. Pero uno de los puntos fuertes del disco está, sin duda, en los diversos medios tiempos y en el papel protagonista de unas letras igual de inspiradas que pesimistas.
Sin ir más lejos, ‘Rosas en el Mar’ (escrita por su músico Aaron Rux), con esos vientos que tan bien le quedan en los minutos finales, nos muestra al Joe más vulnerable y sensible que recordamos en mucho tiempo. El desamor, por consiguiente, se postula como uno de los pilares de este disco, ya que en ‘Las Alas del Adiós’ se atreve incluso a firmar una torch song crepuscular con una producción que renuncia a los sintes analógicos que, de siempre, han sido una de sus más características señas de identidad.
Aparte de esos mal de amores hechos canción, parece que ‘Disco Duro’ se vale en su temática de conflictos cotidianos de toda índole: desde la amenaza en la calle de alguien que quiere arrebatarte la cartera como si de una escena del cine quinqui de los ochentas se tratara (‘Te Voy a Pinchar’); pasando por cómo nos afecta el paso del tiempo y nuestras prioridades (esa ‘Familia y Cigarros’ con las justas dosis de tropicalismo contemporáneo), o las ansias que algunos tienen de refugiarse en las montañas para escapar de una sociedad que sólo vive por y para la tecnología o el postureo (‘Vamos al Bosque’).
Joe Crepúsculo puede ser muchas cosas, pero nadie puede discutir que es uno de los artistas más eclécticos y personales que hemos tenido en muchos años. Puede ir de profundo cuando le apetece, sí, pero siempre es capaz de sorprenderte para bien reivindicando a Fleetwood Mac en ‘Esto Es Lo que Hay’ (que no hubiera desentonado para nada en ‘Chill Out‘) o marcarse todo un trabalenguas sonoro de lo más divertido en ‘El Dicho’, recuperando el espíritu irónico de sus dos primeros álbumes. ‘Disco Duro’ funciona estupendamente como compendio de los mejores Joe Crepúsculo que hemos conocido a lo largo de estos nueve años. No sabemos cómo lo hace, pero aún no ha firmado ningún largo inferior.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Un demonio con piel de cordero’, ‘Música Para Adultos’, ‘Pisciburguer’, ‘Rosas en el Mar’, Te gustará si te gustan: el Crepus bailable y el más refinado, por igual Escúchalo: Spotify
Las Bistecs, que vieron su carrera despegar tras aparecer en el extinto programa de Alaska y Segura de TVE, han vuelto a la tele para interpretar otra de las canciones de su debut ‘Oferta‘, uno de los mejores álbumes de 2016. En el ‘Late Motiv’ de Buenafuente no se han decantado por ninguno de los temas para los que han realizado vídeo ni para el que intuíamos su próximo single, ‘DJ Bicha’, sino por la contestataria ‘Problemas’, la que critica a Laurent Garnier por pinchar durante 7 horas la misma pista en el Sónar y dice: «En España ya no hay nada, ni movimiento ni cemento, ni ladrillos ni listillos / Hipotecada / Y los euros con la cara de Juan Carlos aplastada ya no sirven para nada / Hipotecada / Y Letizia mientras tanto en el palacio descansando ¿Siempre está tan mareada? No me come nada».
El dúo ha acompañado su presentación de un ABC customizado y posteriormente ha vuelto a elogiar la labor de los haters en Facebook, refiriéndose a los comentarios surgidos por su actuación en Youtube. Algunos de esos comentarios son: «esto qué mierda es», “qué coño mierda es esto joderr dios nooo”, “ha llegado el final señores”, “Electrodisgusting es meter la lengua en un enchufe mientras escuchas esto” y “he visto mejores musicales en el colegio y más trabajados, un poco de vergüenza ajena”.
Las Bistecs actúan el 17 de febrero en Valencia, el 25 de febrero en Córdoba, el 27 de febrero en Sevilla, el 9 de marzo en Barcelona, el 27 de marzo en Vigo, el 5 de mayo en Madrid, el 13 de mayo en Mallorca, el 23 de junio en Donosti, el 24 de junio en Bilbao, el 2 de agosto en Castellón y el 24 de agosto en Logroño. Desde hace unas semanas, el grupo forma parte del roster de El Segell de Primavera Sound.
Cuando hace un par de años se anunció que el chileno Pablo Larraín (‘No‘, ‘El club‘) iba a dar el salto a Hollywood con un biopic sobre Jacqueline Kennedy protagonizado por Natalie Portman, solté un «NO» más grande que el del título de la película protagonizada por Gael García Bernal. De repente se me aparecieron Meryl Streep (‘La dama de hierro’), Nicole Kidman (‘Grace de Mónaco’) y Naomi Watts (‘Diana’) para recordarme lo que me esperaba.
Afortunadamente, no ha sido así. Por mucho que la Portman esté (merecidamente) nominada como actriz principal, ‘Jackie’ no es el biopic con lujuria por el Oscar que se podía esperar. Larraín ha conservado su personalidad y, como en la reciente ‘Neruda’, ha realizado una película biográfica poco convencional. ‘Jackie’ está articulada por medio de la entrevista que la ex primera dama concedió a la revista Life una semana después del asesinato de su marido. A través de continuos saltos temporales y acompañado por la turbadora música de Mica Levi (también nominada), el director narra los hechos que acontecieron en los días posteriores al magnicidio.
Larraín se pone un Chanel rosa y, como él mismo dice, nos ofrece un acercamiento a la viuda de Kennedy «desde la intimidad de lo privado». Por un lado, reconstruye de forma brillante la realidad documentada (el célebre tour por la Casa Blanca, la película de Zapruder, las imágenes del funeral) y, por otro, imagina lo que ocurrió de puertas para adentro. Este contraste entre realidad y ficción le sirve al director como metáfora de la propia imagen de Jacqueline, de la creación de su mito, y como vehículo para reflexionar sobre la (re)(de)construcción de los relatos históricos.
En este sentido, ‘Jackie’ es como un retrato cubista de la ex primera dama; el reflejo fragmentado de un icono que, tras vivir un enorme trauma, se encuentra tan desorientado ante el futuro como, en algunos momentos, el propio espectador ante lo que está viendo. Esa es la paradoja de este biopic: cuanto más se acerca el director a la persona (hay una abundancia de primeros planos de la actriz) más lejos se queda el espectador de ella. La distancia emocional que impone es tan grande como la que hay entre la imagen mítica y la real de la viuda de Kennedy. Como dice ella misma mientras da una calada a un cigarrillo: «yo no fumo». 6,9.
Rusos Blancos publicaban hace unos meses su disco ‘Museo del Romanticismo‘, para nuestra redacción uno de los mejores álbumes de 2016. El día de rodaje del divertido vídeo que acaban de estrenar para ‘Insuficiente’, charlamos con ellos aprovechando que no participaban en él, pues como ellos mismos indicaban, el vídeo «es una pareja follando». Manu y Javi (también conocido como Betacam por su proyecto en solitario y como miembro de Templeton) nos hablan sobre la importancia de sus letras cotidianas, en contraste con las de otros grupos; el trauma (o no) de no salir en Rockdelux ni tocar en el Primavera Sound o la esclavitud de las modas. No, no son nada fans del trap.
Rusos Blancos presentan ‘Museo del Romanticismo’ por toda España durante los próximos meses. Actúan este mismo viernes 17 de febrero en Madrid, el sábado 18 de febrero en Barcelona, el 10 de marzo en Granada, el 23 de marzo en Zaragoza, el 1 de abril en Valladolid, el 28 de abril en Donosti, el 29 de abril en Oviedo, el 5 de mayo en Murcia y el 19 de mayo en Segovia. Después, les esperan festivales como Low, Contempopránea y Sonorama. Las entradas para Madrid, Barcelona y Murcia están disponibles en Ticketea.
¿Qué valoración hacéis de la recepción inicial que ha tenido el disco?
Manu: «Bastante positiva. Es la primera vez que realmente se valora como disco, incluso en JENESAISPOP, siempre decíais «los autores de canciones como», y en este disco sí se ha percibido una obra más unitaria. Está teniendo más repercusión a nivel conciertos».
¿Cómo va la gira?
Manu: «De momento hemos cancelado un 66% de las fechas (risas), la presentación por apendicitis y Murcia porque las carreteras estaban hechas drama».
Betacam: «El mánager nos mandó unas fotos y aquello era Laponia. Hemos hecho la presentación de Sonorama. La idea era llegar a El Sol rodados y vamos a ir a cancelación quitada».
«En un concierto, Max (Intromúsica) conoció a mi novia y le dijo: «vaya letras, estarás contenta, vaya pájaro tiene que ser»»
Antes de este disco pusisteis en Facebook que os ibais a separar.
Betacam: «Lo pensamos pero no lo pusimos, ¿no? (risas)».
Manu: «Lo que sí es cierto es que antes de sacar el disco, antes de que se interesara Intromúsica, dijimos «sacamos este disco y nos vamos como Dios manda». Lo que le pasa a todos los grupos. Teniendo treinta y tantos años y un grupo a veces te sientes un poco ridículo. La gente en tu trabajo piensa en ti como los tíos del garaje de ‘California Dreams’. ¿Dónde van estos tíos con treinta y tantos años haciendo el canelo por ahí? Le tienes que decir a tu novia que entre semana tienes que trabajar y que luego, durante un año, no vas a coincidir ningún fin de semana porque vas a estar tocando».
Con las letras que tenéis, eso es casi lo mejor que le vas a decir a tu novia, ¿no?
Manu: «Igual no ayuda (se ríe). No, el disco es de una etapa anterior. Pero en un concierto, Max (Intromúsica) conoció a mi novia y le dijo: «vaya letra, estarás contenta, vaya pájaro tiene que ser». Y yo: «Max, vas a terminar con mi matrimonio»».
¿Tienes un poco el síndrome de Taylor Swift, Adele…? En plan, da miedo enrollarse contigo porque luego vas a escribirlo y contarlo todo.
Manu: «Escribir de algo cercano a mí lo veo un elemento distintivo. Me voy a mostrar tal cual soy, con lo chungo y lo bueno, y eso hace que conectemos con nuestro público».
Betacam: «También me lo dice mi novia: «no te puedo decir nada, luego lo cascas».
«Nuestras letras contrastan con otras letras de épica grandilocuente, que por lo menos yo, no sé de qué están hablando»
Tampoco tantos grupos están retratando a la Generación Tinder, Adopta un tío…
Betacam: «Nosotros nos encontramos cómodos, no nos entra en la cabeza hablar de otra cosa».
Manu: «Reproducimos lo que hablamos con amigos, nuestras novias. Se hace hincapié en ellas porque yo creo que contrasta con otras letras de épica grandilocuente, que por lo menos yo, no sé de qué están hablando. Pienso: «¿Vosotros con vuestros amigos habláis de eso o habláis de con quién os habéis enrollado?». Hablamos de temas que son comunes».
¿Os habéis arrepentido de alguna canción por mostrar demasiado, ser un poco patética quizá?
Manu: «Es cierto que hay quien cada vez que me veía, me decía que me veía más delgado, cuando no era el caso precisamente. La única que me da rabia es ‘Supermodelo’ (NdE: salió en ‘Física o química’)».
Betacam: «Ha hecho 40 mejores que esa».
Manu: «No tanto por la canción, no me parece muy mala canción, no estoy avergonzado, tenía su gracia, y su gancho. Pero sí nos ha penalizado para que nos tomen en serio. Pienso en otros grupos que sí salen en medios donde nosotros no salimos, y no es que nosotros nos arriesguemos menos. No es que estemos tirando del noise de los 90 sin más. Pero luego la tocas, gusta y la gente la canta».
¿La seguís tocando?
Manu: «Hasta ahora sí. En la presentación de ‘Crocanti’ hicimos una versión medio acid, bastante divertida, tipo la Ruta del Bakalao».
Cuando haces un disco esperas críticas de 2 o 3 medios, la vuestra, Mondosonoro, y cuando has salido en esos medios porque en Rockdelux no salimos, es como «¿qué hago? ¿hago el siguiente disco?».
¿En qué medios no salís?
Manu: «En Rockdelux, aunque estrenaron una canción nuestra de un EP. No digo que me pongan bien o me pongan mal, pero nunca nos han sacado».
Betacam: «En la Metal Hammer tampoco nos han reseñado (risas). En Rockdelux dicen «¡Fulano!». Y tú dices: ¿por qué ellos sí y yo no? No es envidia, pero solo quiero que me expliques…»
Manu: «A nivel medios, no hay tantos tan relevantes como antes, la figura del prescriptor ha desaparecido, esperas críticas de 2 o 3 medios, la vuestra, Mondosonoro, y cuando has salido en esos 3 porque en Rockdelux no sales es como «¿qué hago? ¿hago el siguiente disco?». El País ya casi no saca críticas, no hay medios musicales que digas «a ver qué se dice».
Aunque ahora tenéis esas playlists de indie de Spotify que tienen 100.000 followers, que igual es mejor que salir en los medios.
Betacam: «Nos pasó con ‘A otra con esas’, mirando la barrita de popularidad. Yo sigo la lista de descubrimiento semanal, pero pensé que esas listas no las oía nadie y de repente una canción tiene 200.000 escuchas».
Lo he observado pero me preguntaba si tiene un efecto real en vuestros conciertos o es como salir en Los 40, que a Sidonie no les ha servido de tanto y han vendido de este disco lo mismo que del anterior.
Betacam: «Yo creo que es más marginal en el caso de un grande como Sidonie. A Sidonie no le va a aportar tanto porque tienen su ciclo. Nosotros estamos aquí (apunta con la mano muy abajo), cualquier movida nos va a suponer «¡¡BUAH!!»».
Manu: «Hay grupos grandes que van a estar en esa lista sí o sí. Los grupos pequeños nos colamos ahí, y luego tienes una repercusión o no. Te tienes que ir a la segunda, a la tercera canción más escuchadas. Hay grupos que tienen 40.000 streamings de una y de otra 2.000: a este no le ha servido de nada».
Vuestras letras tienen partes como para empatizar con la gente. ¿Os ha sorprendido el alcance de alguna?
Manu: «‘Define serio’, la letra no me gustaba mucho pero ha llegado a la gente porque tiene cosas que han empatizado. Lo de citar los chupitos de Jäger».
Izal, Supersubmarina… este tipo de grupos suelen tener frases también muy llamativas que se quedan a la primera.
Betacam: «Se ha hecho toda la vida, es un modo de escribir».
Manu: «Que alguien se sienta reflejado es lo fundamental, es el motivo por el que escribo canciones, yo que soy muy sieso: quieres conectar con quien tiene algo en común contigo. En estos grupos que dices, es como que esa frase va a justificar el resto».
Max de Intromúsica nos presentó ‘Más difícil todavía’ como muy planetera. No sé si estáis de acuerdo.
Manu: «Max la vio muy planetera, yo no del todo. Tiene un puntito por el tipo de sinte».
Betacam: «Yo lo puedo ver. Máximo suelta cosas y si a él le sale, no va a ser al único. Yo le dije a Joaquín (Pascual, productor) que quería un rollo Mercromina».
Manu: «También tiene la perspectiva castigadora que llevaba Jota antes».
¿En cuanto a producción, qué ha añadido Joaquín?
Manu: «La visión general del disco, ha entendido la sensación de «todo» y creo que es la primera vez que la hemos conseguido. También mucho trabajo en la pre-producción. El ver hacia qué camino queríamos tirar».
Betacam: «Joaquín decía cosas como: «¿por qué no metemos el bajo desplazado en lugar de donde se mete siempre?». Pasa en ‘Cada vez más cadáver’. Dentro de que son canciones pop, estándares casi, aportó otras cosas».
El vinilo suena un poco lo-fi, bajo, no sé si es buscado para huir de la «loudness war», pero no es tan nítido como algunas canciones, muy pop, piden.
Manu: «Está buscado un poco así. Él quería hacer un rollo Ariel Pink, oscurete, no queríamos un disco brillante. El rollo tan extremo me gusta».
Betacam: «Para mí iba a ser limpio, muy Prefab Sprout, y cuando llegué, me quedé… «pero si suena mal», y ellos «¡sí!».
¿Sonar mal es bueno para vosotros?
Manu: «Es una respuesta a lo predominante, a ese sonido épico. Como decía Erik de Los Planetas «estamos todos que nos vamos al mainstream», que no deja de estar bien, pero es normal que surja una reacción a la contra. Igual montamos todo esto para otra cosa, no para que todo suene a radiofórmula noventera, y algo de eso hay. Aunque es más adecuado para unas canciones y menos para otras. ‘Insuficiente’ debería haber sonado más brillante, más Prefab Sprout, yo mismo se lo dije a Javi».
«Me parece que la gente no se para a pensar. Hace 2 años te gustaba el weird folk y ahora te gusta el trap. Igual no somos tan distintos de la gente que escucha «x» en Los 40 y se lo traga, y somos uno más del rebaño»
¿Qué opináis de la nueva generación trap? ¿Os afecta en algo? ¿Os es ajena total?
Manu: «Yo lo que he escuchado de joven era rap, y precisamente el trap no me gusta nada, pero me parece guay, cada generación tiene lo suyo. Me gusta el rap clásico, el sonido 90’s de Nueva York. Cada generación tiene sus movimientos. Lo que me parece un poco triste es tener 30 o 40 años y subirse a cada carro. Igual hay un artista que te gusta, pero me parece que la gente no se para a pensar. Hace 2 años te gustaba el weird folk y ahora te gusta el trap. Igual no somos tan distintos de la gente que escucha «x» en Los 40 y se lo traga, y somos uno más del rebaño».
Betacam: «Escucho poco rap, pero cuando lo escucho, lo veo súper válido. Con el trap me creo al 5% solo, musicalmente me parece pobre y líricamente, no se le echa en cara todo lo que se nos ha echado en cara al indie, al underground, y esta gente está cometiendo las mismas mierdas que nosotros. Sí, es envidia generacional».
Los medios han pasado bastante del trap para los streamings que tiene.
Betacam: «Pero se están subiendo al carro que no veas. El sistema va a empezar a aupar gente que no da más de sí».
Manu: «Yo no me he enterado, es como si todo el mundo estuviera hablando de trap. Yuyi nosecuántos ha dicho nosequé. Me parece muy raro».
«Veo triste, con 30 o 40 años, querer cazar cada tendencia»
No sé si es peor dejar de escuchar música, como decía aquel estudio sobre que la gente, a los 33 años, deja de interesarse por la música y solo escucha lo que escuchaba antes.
Manu: «Hay que buscar un equilibrio igual. Si con 30 o 40 años quieres cazar cada tendencia, yo lo veo triste, creo que lo reflejaba ‘Mientras seamos jóvenes‘. Igual hay cosas que te gustan y cosas que no. Es como la moda, yo voy a vestir así el resto de mi vida. No comparto que «todo lo nuevo es maravilloso».
Betacam: «Es como «a mí me gusta todo tipo de música». No, hay que filtrar».
¿Cómo habéis terminado metiendo un rap en el disco, tipo Single?
Betacam: «Desde el mismo momento en que me dijo que había escuchado tanto rap, le dije: «no sé a qué estamos esperando para hacer una canción de rap»».
Manu: «Mezclar rap con indie me parecía un sacrilegio, lo respetaba mucho como para hacer el canelo de esa manera. Pero teníamos el boceto de la primera parte y con el resto no sabíamos qué hacer. La canción lo pedía porque era un beef, hay 20 versiones distintas del rap. La primera vez tenía 0 confianza».
Betacam: «Parecía el rap de Antonio Resines en los Goya».
Mejor no te pregunto por el apropiacionismo, ¿no?
Betacam: «¡Los blancos no la saben meter!».
Aunque Betacam no sea de Madrid, ¿os veis un grupo como muy de Madrid?
Manu: «El único de Madrid soy yo. Pero excepto los grupos que son por ejemplo de Granada y en Granada es donde más se les escucha, donde más público suele tener la gente es en Madrid».
«Ya no es Getafe o Leganés, montar un concierto en Moby Dick es como «uuuuy, qué lejos».
Cataluña tiene una relación más íntima con la cultura y en particular con sus grupos»
Os lo pregunto porque incluso Miss Caffeina nos contaron que tuvieron dificultades para que les fuese bien en Barcelona.
Betacam: «Barcelona es una escena muy propia. Hay tanto, tan bueno y tan bien apoyado. Puedes hacer una gira por Vic, Sant Cugat… Tengo amigos de grupos catalanes y me lo cuentan. Mishima son enormes y viven así. Nosotros vamos a tocar a Getafe y no viene ni Cristo».
Manu: «Ya no es Getafe o Leganés, montar un concierto en Moby es como «uuuuy, qué lejos». Cataluña tiene una relación más íntima con la cultura y en particular con sus grupos. Luego sí se nos escucha en provincias. Nunca me he considerado un grupo underground, las canciones son comerciales y de repente nos dicen «en Salamanca os están pinchando», y de repente tocas en Salamanca, Zaragoza y la peña se sabe las canciones. Estamos cuartos en el cartel y cantan más con nosotros que con otros grupos. El haber llegado está, pero fuera de Madrid no hemos tenido tanta repercusión a nivel aparecer en los medios».
Betacam: «Como persona de provincias, te digo que en Madrid se pone una muralla entre Plaza Castilla y Atocha. Yo veo a Kokoshca y pienso que son más pamplonicas que la Plaza del Castillo. Tienen una relación muy guay con su entorno. Yo no sé si somos de Madrid, no sé si caemos bien».
Manu: «Hay grupos que salieron a la vez que nosotros, Alborotador Gomasio, Hazte Lapón… en otra ciudad se hubiera dicho «la escena», se hubiera hecho un especial en Rockdelux».
Betacam: «Sí que se habló de ello. Ahora Hazte Lapón son más catalanes que la Sagrada Familia y les veo más arropados, más considerados».
El cambio del EP que salió antes de este disco es considerable. ¿Quizá alguien esperaba algo más electrónico por él?
Betacam: «El EP era conscientemente una rareza, nos gusta el formato EP para eso, para hacer una locurilla».
Manu: «Era un ejercicio de estilo puro y duro. El EP lo grabamos Javi y yo y la sensación de grupo se perdió un poco. Molaría sacar un disco electrónico algún día, pero también se perdería un poco la sensación de lo que es el grupo».
Javi, todo el mundo asume que esa faceta más electrónica de Rusos Blancos es más tuya, e igual no…
En ese momento le di 5 o 6 bases deslavazadas y ya me quedé a gusto. También me gusta el pop de ABC, venimos de ahí y es lo que nos gusta. Lo otro son como especias, un aliño.
Estéticamente el grupo no es el típico grupo, las fotos son bastante peculiares.
Manu: «Puede ser. Viniendo hacia acá, estaba pensando en el vídeo de un grupo, que no voy a decir cuál es, y se me ha ocurrido que igual es hora de hablar del pop cipotudo. A Javi y a mí nos preguntan mucho si somos gays, supongo que por no exponer esa masculinidad dominante».
«Maldita Nerea, La Sonrisa de Julia… si llegan a salir 5 años después, se habrían hinchado a festivales»
Y para vosotros es haceros de menos…
Manu: «Veo guay no dar esa sensación…»
Betacam: «…de macho rock».
Manu: «De Dios, qué tíos somos. Estamos tocando y estamos muy enfadados. Ese rollo no me gusta».
También está el hecho de que hubiera 1 o 2 chicas en el grupo, parece algo excepcional si pensamos en Supersubmarina, Vetusta…
Manu: «Para nosotros es muy normal. Ya no se dice, pero nos decían mucho «qué guay que hay una bajista y una batería». Pues «ni guay ni no guay». Podría ser la guitarrista o yo qué sé. Nunca le hemos dado importancia».
Betacam: «Yo nunca había estado en un grupo con chicas, lo pensé al llegar, pero es lo más normal del mundo».
Manu: «Igual nuestra foto es coger a un grupo de amigos, random, a las 8 de la tarde».
Betacam: «No sabemos ponernos guapos».
Manu: «Hace 10 años la foto de cualquier grupo indie sería esa. Un amigo nos decía que en el Contempopránea, al acabar, iban a un bar y estaban poniendo (grupos típicos de los primeros Contempopráneas) Los Planetas, La Buena Vida, Astrud, y alguien dijo al DJ: «oye, ¿por qué no pinchas canciones del Contempopránea, pon Supersubmarina, pon Izal».
Betacam: «Es que está el indie y el INDIE. En medio se ha creado un indiemainstream, y hay una especie de purgatorio».
Manu: «Grupos que hace unos años estaban en Los 40 ahora, Maldita Nerea, La Sonrisa de Julia… si llegan a salir 5 años después, se habrían hinchado a festivales».
«Entiendo que no toquemos en el Primavera porque no somos un grupo cool, aunque el mismo grupo, siendo catalanes, tocaríamos, yo creo»
Nunca vais a tocar en Primavera Sound, ¿verdad?
Betacam: «Déjate».
Manu: «Yo creo que no. Entiendo que no toquemos en el Primavera porque no somos un grupo cool. El mismo grupo, siendo catalanes, tocaríamos, yo creo. Josiño (Carballo) de nuestro sello anterior (Ernie Producciones), nos decía, de todas formas, que el único festival en que vendía más discos nuestros era el Primavera. Claro que la gente del Primavera nos va a comprar más a nosotros que a Niños Mutantes».
Betacam: «Está el grupo de los pardillos y el de los guays. Es como cuando pensabas en el cole: «No voy a estar nunca con esa tía que está tan buena». Y luego te la encuentras y te dice: «Jo, qué majo eras». «¿Ahora me lo dices, ¿hija de puta?».
También todo esto os pega mucho como grupo con esas letras.
Manu: «Tampoco son… las letras de Anntona, por poner un ejemplo. Son sinceras, pero me recuerda a Larry David, el tío que hacía ‘Seinfeld’. El personaje estaba inspirado en él, y le dicen siempre: «qué perdedor era». Y él contesta: «¡me cago en tu puta madre, pero si soy yo!».
L kan dicen que cuando hablas de sexo, eso anula el resto de canciones. ¿Os pasa a vosotros, por ejemplo, con lo de los ansiolíticos y los lubricantes?
Manu: «Sí, pero quién cojones no ha utilizado lubricantes. Es como «Nos enamoramos en la clínica de venéreas», en nuestra generación, ¿quién no ha estado ahí? Nos gusta retratar lo que no se ve».
¿Alguna canción infravalorada por no tener una frase tan llamativa?
Betacam: «Yo creo que ‘Ansiolíticos'».
Manu: «Sí que gusta, no es un single, pero sí gusta. Igual ‘Cada vez más cadáver’. Nos flipó componerla y grabarla pero luego…».
Betacam: «O la última, que siempre guardamos que sea un cañón, o que deje algo especial. ‘Nostalgia del cuerpo a cuerpo’ no es tan estándar, son 3 mini canciones unidas, la letra está muy guay y después de un disco de jijijaja, te deja un poco planchado, y como ya nadie escucha el disco entero, sino que se pone sus favoritas, pues nadie llegará».
En las últimas horas diversos medios se hacían eco de la aparición de unos pósters en el icónico Sunset Boulevard de Los Ángeles, emulando el affiche de una película hollywoodiense, que parecían anunciar un inminente lanzamiento de Lana del Rey. Con la palabra «Love» en gran tamaño, obviamente parecía estar relacionado con ‘Young and in Love’, una canción de la que se venía hablando en los últimos días al descubrirse que se había registrado en ASCAP, con Lana, Rick Nowels, Emile Haynie y Benny Blanco como autores.
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