Durante toda esta primavera -de abril a junio- se celebra en Madrid una nueva edición de Sound Isidro, un ciclo por el que veremos a gente como A Place to Bury Strangers, rusowsky, BB trickz, John Pollon, Cecilio G o Chaqueta de Chándal, entre decenas y decenas de nombres. Una de las citas más interesantes tenía lugar este jueves 11 de abril en la Sala El Sol: la presentación en la ciudad del EP ‘Yo te quiero pero’ de Alba Morena.
La joven artista de Salou ha fichado por Sonido Muchacho/Universal y fueron muchas las caras de la industria que acudieron para comprobar su valía en vivo.
Si ya como telonera de Kae Tempest deslumbró hace dos años, esta vez se crecía incluso más en compañía de tres músicas: una violinista, una violonchelista y una teclista al mando de los sintetizadores. Además de la propia Alba Morena, que logró convertir desde un teclado su reciente pequeño hit ‘Yo te quiero pero‘ en una minifiesta de sampleo y baile durante sus primeros segundos a modo de pre-remix.
Los referentes de Morena son claros: Rosalía, Maria Arnal y James Blake, con su exquisita voz, con un marcado carácter melancólico y folclórico, dispuesta a abrirse a nuevas vías. Tan pronto versionó ‘Quédate en Madrid’ de Mecano (sin cambiar «mariconez» por «estupidez») como ‘Parque Triana’ de Elbicho, o ‘Que nadie vaya a llorar’ de Manuel Molina.
En la de Elbicho se incorporó un guitarrista del público (Samu); en el momento de intimidad y poderío de ‘Que nadie vaya a llorar’, actuó sola con su teclado, jugándole el micro una mala pasada, al escurrirse impidiéndole tocar. Y ahí se acabaron los infortunios de un concierto impresionante, tanto en las recuperaciones de los temas de su primer disco (‘La luz del sol’, ‘Planto’) como en los futuros.
Ainhoa Laucirica
Entre estos puede que aún no reluzca nítido su hit de breakthrough, pero sí varias curiosidades que ya ansiamos escuchar en casa, tan dispares como una canción llamada ‘Por qué’ de corte casi ravero, o una ‘Mamá papá’ que rapea «lo siento papá, lo siento mamá» con mucha pinta de tener kilos de terapia detrás. La buena noticia es que sus padres estaban entre la audiencia ¿acaso vendiendo camisetas? Esa, y que el humor fue emergiendo a medida que avanzaba el show y Alba Morena se sentía respaldada por algún coro del público, que empieza a aprenderse sus canciones.
Hubo bromas sobre todo: sobre la muerte (‘Planto’), sobre las canciones viejas («y aquí terminamos con el primero»), sobre las nuevas que se quería quitar de en medio (‘Mamá papá’), sobre el momento piano («era por aprovechar el Conservatorio al que me apuntaron mis padres»), sobre el ex que la engatusó para volver (‘Otra vez’), al que luego dejó, y hasta hubo alegría cuando presentaba esa canción más triste que la bachata de ‘Muy muy triste’ y que ya me ha hecho llorar (sorry, Manuel Molina): ‘A mi hermano’.
El show se despidió con su gran éxito de momento, el infalible ‘Nadie‘, renunciando expresamente al paripé de presentarla como bis. Para esas alturas, la artista ya se había metido al público en el bolsillo. Es solo cuestión de tiempo que se corra la voz. 9.
¿Has estado alguna vez con alguien que te decía que eras demasiado intenso? ¿Que te decía “bueno, tranqui” cuando estabas entusiasmado por algo o que se reía de las cosas que te gustaban? Marie Ulven (girl in red es su nombre artístico) sí, y habla de esto en el single de presentación de su nuevo disco: “all I ever wanted was your love, I toned myself down for you / “it’s just a joke”, you always say afterwards, still my feelings get hurt”, cuenta en ‘Too Much‘. Pero pronto se acaban las contemplaciones: “you think I’m weird when I get too excited / I think it’s weird when you’re so empty-minded / Dracula shoulders, they be blockin’ all my sunrays”. Marie es una intensa, como ya vimos en su anterior álbum, pero además ha ido dejando atrás una depresión que llevaba años arrastrando, y no está dispuesta a que nadie le diga que muestra “demasiado” su alegría.
‘I’m Doing it Again, Baby!’ es un disco mucho más luminoso que ‘if i could make it go quiet’, tanto en letras como en melodías y producción. “Escribí el primero en un lugar bastante oscuro, y cuando se publicó me quedé completamente vacía, no tenía nada más que dar”, contaba hace poco, explicando que estos años han sido un viaje muy positivo en el que encontró nuevos amigos, conoció a su actual novia y, en definitiva, le hizo enfrentarse a escribir desde un lugar feliz, algo nuevo para ella.
Ojo, no es que este disco sea todo felicidad: “I have these ugly thoughts, I can’t just make up all for sure / I’d rather not have it show, does that make me unlovable?” canta en ‘Ugly Side’, con guiño al pasado incluido (“if I could make them all go quiet, that’d be awesome”). En ‘Pick Me’ empieza como si fuera Morrissey diciendo “pick me over him, let the loser win”, para luego añadir versos como “of course I’m embarrassed, I’m hiding the madness / I’m hiding it all from you, yeah how could I ever be true? / there’s no amount of validation that would make this go away”. Pero nunca hay algo tan oscuro como los pasajes del primer disco, e incluso estos momentos que detallamos aquí están siempre acompañados de una melodía que los levanta.
Algo como ‘I’m Back’, con la que se abre este segundo trabajo, es quizás lo que quiso hacer MARINA en temas de su ‘LOVE + FEAR‘ como ‘Enjoy Your Life’: “I was gone for a minute cause I went to get help / it’s not like I wanna die / at least not now, I love being alive”, canta antes de marcarse uno de los versos del año, “living life in grey did something to my brain / but hey, I took a shower today”. Marie habla sin problema sobre su depresión, y vuelve a ser súper abierta sobre lo que siente, como en su debut (donde no siempre se dejaba a ella en la mejor posición, por cancelable que fuese).
Hay momentos para lo ñoño, como esa ‘A night to Remember’ donde detalla la noche que conoció a su novia (“I don’t believe that things are meant to be / but now this doesn’t apply to me / cause you and I are like stars alight / the moment I met her, I met the rest of my life”). También para la alegría sin pretensiones: ‘DOING IT AGAIN BABY’ es como mezclar una canción de Tove Styrke con otra de P!nk e incorpora hasta un banjo mientras celebra “this new self-esteem, like the one I had at seventeen”.
Las relaciones “menos bonitas” se acompañan de sarcasmo desde la lejanía, como la mencionada ‘Too Much’, el lovebombing de ‘Phantom Pain’ o el refuerzo intermitente de ‘You need Me Now’, en la que cuenta con Sabrina Carpenter como invitada (otro punto más en las teorías conspirativas de Taylor Swift y Olivia Rodrigo; de hecho, tanto Marie como Sabrina han sido teloneras de ‘The Eras Tour‘). Precisamente estas últimas canciones se alejan de las comparativas con Billie Eilish que se le hacían en su debut, acercándose en todo caso al garage suavito de Rodrigo.
Y eso nos lleva al principal problema de este disco: la producción. Ulven vuelve a contar con Matias Tellez, que no hace un mal trabajo, pero quizás debería plantearse contar con otros colaboradores en su siguiente disco, porque la producción queda algo genérica a la hora de transmitir esos sentimientos positivos, y muchas veces no está a la altura de sus letras o de su interpretación (como la garra de ‘Pick Me’ o la forma en que abre su intimidad en ‘Ugly Side’).
‘I’m Doing it Again, Baby!’ es una buena colección de canciones (incluso la más tontorrona ‘New Love’ está bien), pero al conjunto le falta cohesión y una producción algo más arriesgada. Aún así, si tenemos que responder a la pregunta que hace en el cierre con ‘Five Stars’ (donde duda de su talento y de si hace “basura magnífica”, para acabar implorando “please, can I do it again? / yes, I gotta do it again / so please, can I do again?”), la respuesta es “yes”. De hecho, también por nuestra parte añadimos que “please”.
girl in red actúa en Barcelona el 16 de septiembre.
Björk ha publicado estos días el primer remix oficial de ‘Oral’, su single con Rosalía. Olof Dreijer, uno de los dos integrantes de The Knife junto a Karin Dreijer, es decir, Fever Ray, es encargado de llevar ‘Oral’ al terreno del tecno y la IDM.
El remix de Olof sirve para señalar que ‘Oral’ es lo más parecido a un hit que ha firmado Björk en años. No, ‘Oral’ no ha entrado en listas oficiales, ni se ha asomado por el global de Spotify, ni se ha viralizado en TikTok. Sin embargo, se puede considerar un pequeño éxito para los estándares de una Björk cada vez más sumida en la huida de lo comercial.
‘Oral’, un tema rescatado de las sesiones de ‘Homogenic‘ (1997), publicado con fines solidarios, se mantiene en el tercer puesto de los más escuchados de Björk en Spotify cinco meses después de su lanzamiento. En términos de cifras, ‘Oral’ suma cerca de diez millones de reproducciones en Spotify. Es decir, prácticamente dobla las escuchas de ‘Atopos’, el single principal de ‘Fossora‘ (2022). Del resto de cortes del disco no hace falta hablar.
Sin duda a Björk le ha ayudado enormemente colaborar con Rosalía, artista que cuenta 20 millones de oyentes más que ella. Tampoco se puede pasar por alto que ‘Oral’ es la canción más pop de Björk en años, tan pop que a la propia Björk le parecía «demasiado popi» para publicarla en la época de ‘Homogenic’. Tan pop que es teen-pop al lado de ‘Fossora’.
Estos dos factores -la colaboración de Rosalía y su sonido accesible- han contribuido a que ‘Oral’ siga registrando unas 35.000 escuchas diarias en Spotify en abril de 2024, más que ‘Human Behavior’ e ‘Hyperballad’, por mencionar dos clásicos de Björk a los que ‘Oral’ supera en popularidad actualmente. No lo decimos nosotros, los datos están disponibles. Por supuesto, ‘Oral’ está lejos de alcanzar las escuchas globales de ‘All is Full of Love’ y de todos los mayores clásicos de Björk, pero la noticia es que en absoluto se ha desplomado tantos meses después. ‘Atopos’ fue una de las Mejores Canciones de 2022, pero sus 2.000 escuchas diarias actuales palidecen frente a las de ‘Oral’.
Es más, se puede decir que ‘Oral’ es el mayor éxito de Björk en la época del streaming, y su mayor éxito de los últimos veinte años. No es ‘Padam Padam’, pero ‘Oral’ supera las escuchas de absolutamente todos los temas incluidos en los cinco últimos álbumes de estudio de Guđmunsdóttir, estos son, ‘Volta‘ (2007), ‘Biophilia‘ (2011), ‘Vulnicura‘ (2015), ‘Utopia‘ (2017) y el mencionado ‘Fossora’. En poco menos de medio año, ‘Oral’ supera las escuchas del que, hasta entonces, era el tema más escuchado de Björk en la época del streaming, ‘Stonemilker’, un tema que, para llegar a los 7.600.000 millones de escuchas, ha necesitado casi una década. ‘Oral’ no supera los 11 millones de streams de ‘Hidden Place’ (2001), pero, como mínimo, las alcanzará en breves, aunque aún está lejos de acercarse a las reproducciones del tema de Björk publicado en el siglo XXI más escuchado, ‘Pagan Poetry’, que supera los 17 millones.
Podemos hablar del impacto cultural de ‘Oceania‘, que se presentó en los Juegos Olímpicos de 2004; del «hype» de la Björk que colaboró con Timbaland en ‘Earth Intruders’, del éxito instantáneo de ‘Vulnicura’ a su precipitada salida, por supuesto del interés que suscitó la exposición ‘Björk Digital’ y su vinculación a la realidad virtual, de los memes de ‘Atopos’ o del éxito de ventas de sus últimas giras. Pero, al final, Björk ha logrado su mayor «hit» en décadas haciendo lo que nunca hace, es decir, lo que hace todo el mundo, colaborar con un ídolo de nueva generación y abrirse a un nuevo público. Y sacando una canción popera y fácil de digerir, eso también. No solo los salmones han salido beneficiados.
Amaral ha publicado oficialmente ‘ZGZ’, el tema oficial de la película ‘Menudas piezas’. Dirigida por Nacho G. Velilla, la cinta está protagonizada por Alexandra Jiménez y se estrena hoy en cines.
Uniendo sintetizadores y guitarras, el sonido de ‘ZGZ’ no anda lejos del explorado por Eva Amaral y Juan Aguirre en su último álbum de estudio, ‘Salto al color‘ (2019). Es un tema naturalmente dedicado a Zaragoza, ciudad de la que proviene Amaral, que en el estribillo busca altura de himno.
Cuenta Amaral sobre ‘ZGZ’: «Habla de dos ciudades que en realidad son la misma. Una vive en nuestros recuerdos y otra es la Zaragoza del aquí y del ahora. La primera forma parte de nuestro ADN y va con nosotros a donde quiera que vayamos. Es la ciudad que nos vio crecer, en la que empezamos a hacer música y que nos marcó a fuego. En ella están los lugares en los que pasábamos las horas y el origen de muchas de nuestras canciones. Algunos de esos lugares ya no existen y otros han cambiado totalmente. Tampoco están algunas de las personas más importantes de nuestras vidas. Duele la ciudad de las ausencias.
A veces hemos querido huir de ella, de ese dolor, pero es imposible. Volvemos a casa una y otra vez para cerrar heridas, y vemos crecer la nueva ciudad sobre las cenizas de la antigua. Para esas dos ciudades, que en realidad son una, hemos escrito esta canción. Queríamos que sonara fuerte, como un grito, para decir que Zaragoza siempre está y estará en nuestra memoria».
Amaral sigue trabajando en la creación de su próximo disco. Un nuevo tema, ‘Ahí estás’, se pudo escuchar durante el concierto de Amaral en Sonorama el año pasado, aunque permanece inédito. Puedes recordar nuestra última -y extensa- entrevista con Amaral aquí.
Arde Bogotá continúa promoviendo el contenido de ‘Cowboys de la A3‘, su segundo disco, que sigue en el puesto 15 de los más escuchados y/o vendidos del país casi un año después de su lanzamiento, y que el grupo seguirá tocando en 2024 por el circuito festivalero.
La última idea de Arde Bogotá ha sido grabar una nueva versión de ‘La Salvación’ junto a Enrique Bunbury, una de sus mayores influencias.
La nueva versión de ‘La Salvación’ no es exactamente fiel a la original. Aunque se parece mucho. Cuenta Arde Bogotá que «como teníamos que incorporar a la canción un nuevo instrumento (su voz), decidimos abrirla por completo y generar una nueva versión». «Queríamos darle más espacio a las voces y buscar más matices dentro de lo que el tema cuenta», añade la banda
La voz de Bunbury añade ese carácter «bunburiano» a la balada de Arde Bogotá, aunque su colaboración parece redundante en compañía del vocalista Antonio García, que ya canta como Bunbury. Eso sí, el formato baladesco y su intenso «in crescendo» se mantienen.
Bunbury ha sido noticia en los últimos años por retirarse de los escenarios y después volver para dar una breve tanda de conciertos. ‘Greta Garbo’, su último álbum de estudio, vio la luz el año pasado.
Naiara, ganadora de Operación Triunfo 2023, publica su primer single. ‘Enlokiá’ es una producción de Kabasaki (Ms Nina, Kaydy Cain, Israel B) diseñada en el formato mutante de tantas canciones de pop urbano actuales.
La primera parte de ‘Enlokiá’ se basa en el patrón del reguetón. Naiara canta que lleva el «pelo negro hasta las rodillas» y que «sin diamantes, los aros me brillan». Se suceden en la letra las esperables referencias a los coches y la gasolina, escritas a medida.
En la segunda parte de ‘Enlokiá’, Naiara pisa el acelerador y mete un bombo housero que lleva el tema directamente a la pista de baile. Un tema en cualquier caso disfrutón donde la voz de Naiara pasa a un segundo plano.
‘Enlokiá’ está disponible en exclusiva en Amazon Music y el próximo viernes se publicará en Spotify y en el resto de plataformas. En las próximas semanas sabremos si entra en Promusicae. Naiara ya había registrado una primera entrada en la lista de singles oficial de España, con su versión de ‘La gata bajo la lluvia‘.
En los últimos días se ha viralizado un vídeo Naiara cantando ‘Don’t Go Yet’ de Camila Cabello en la televisión regional aragonesa en un inglés de cosecha propia. Este sábado 13 de abril, Naiara actuará de la mano de Isabel Pantoja en el WiZink.
Hoy 12 de abril se ponen a la venta los nuevos discos de girl in red, Maggie Rogers, Say Lou Lou, Venturi, Danna Paola, TRISTÁN!, English Teacher, Amigas!, Mark Knopfler, Chico Blanco, METZ, TINI, Nia Archive, TOLEDO o Shabaka. También se pone en circulación el disco de maquetas de Supersubmarina.
El single de Dua Lipa abre la playlist «Ready for the Weekend«. Otros lanzamientos destacados de hoy son los nuevos sencillos de Sabrina Carpenter (de cara a su actuación en Coachella) y Amaral, que estrenan ‘ZGZ’, tema principal de la película ‘Menudas piezas’.
Hay que subrayar también el nuevo lanzamiento de Los Punsetes, que adelanta su próximo EP, y dos colaboraciones, por un lado, la de LA ÉLITE y Diego Ibáñez y, por el otro, la de Arde Bogotá y Bunbury. Además hay nuevos singles de Tinashe, Porches, ZAYN, Sia, The Lemon Twigs, Ganges, Jade Bird o María Escarmiento.
Durante la semana, por otro lado, se han estrenado en plataformas nuevos sencillos de Caribou, Soleá Morente, Beth Gibbons, Judeline, The Lemon Twigs, Ojete Calor o Willow.
Reunidas también en la playlist puedes escuchar las nuevas propuestas de Colapesce y Dimartino con Rigoberta Bandini, Chlöe, Amen Dunes, Lisasinson, Noga Erez, Lusillón, Oques Grasses con Julieta, Dehd, Paula Matthews y muchas más.
Dua Lipa ha estrenado ‘Illusion‘, el tercer single de su nuevo disco, ‘Radical Optimism’, que sale el 3 de mayo. Se trata de un tema «clave» en el disco porque es el que empezó a dar forma al proyecto. En concreto, ‘Illusion’ es la «primera» canción del álbum que Dua escribió con «la banda», es decir, con sus colaboradores Kevin Parker y Danny L. Harle.
En realidad, ‘Illusion’ se vale de un animado ritmo nu-disco similar a los contenidos en ‘Future Nostalgia‘ (2020). Apenas ese «Illusion» prolongado en el estribillo, buscando un efecto de hipnosis, confirma que estamos ante el disco «psicodélico» de Dua Lipa.
En ‘Illusion’, Dua Lipa continúa explorando el tema de la madurez en las relaciones amorosas. En la letra, Dua canta que ha solido ignorar las «red flags» de sus novios y que los ha idealizado, pero que eso ya no va a pasar. Ella ya no se deja «engañar» por nadie.
El videoclip de ‘Illusion’ sitúa a Dua Lipa y a su ejército de bailarines marcándose unas coreografías en La Piscina Municipal de Montjuïc, en Barcelona. La Sagrada Familia se aprecia de fondo en algunos planos, como sucedía en el videoclip de ‘Slow’ de Kylie Minogue, rodado en el mismo lugar.
El paso de Dua Lipa por Barcelona ha sido muy comentado en los últimos días. La autora de ‘IDGAF’ se ha dejado ver paseando por la ciudad junto a su pareja, Callum Turner. Dua ha visitado Barcelona para ofrecer un concierto privado en la convención bianual de McDonald’s.
“Ha pasado mucho tiempo”, será lo primero que cante Taylor Swift cuando inaugure el nuevo Santiago Bernabéu con su Eras Tour. La frase, perteneciente a su tema ‘Miss Americana & the Heartbreak Prince’, fue la misma que la empleada por Lana Del Rey para anunciar que es cabeza de cartel en el Primavera Sound 2024. Casualidad o no, las dos pisarán España este verano. Y lo harán en días consecutivos. La primera actuará en Madrid los próximos 29 y 30 de mayo, mientras que la segunda actuará en Barcelona el siguiente 31. Cuando ambas se suban al escenario, lo harán tras no haberlo hecho en España desde hace más de media década: Swift lo hizo por primera y última vez en 2011 en un WiZink Center de 4.000 personas que no llenó; Lana Del Rey, en 2018 ante un Palacio Vistalegre de 10.000 asistentes.
En aquel entonces ninguna era la superestrella que es ahora. De hecho, poco queda de ellas en la Taylor Swift y la Lana Del Rey que posaron juntas en la alfombra roja de los últimos Grammy. Esencialmente porque, sin tener que remontarnos tan lejos, hace pocos años habría sido inimaginable que dos artistas tan opuestas pudieran estar tan conectadas musicalmente. Lana Del Rey y Taylor Swift son como la noche y el día, como el negro y el blanco. Ellas lo saben, y vistiendo esos colores se presentaron en los Grammy más importantes de su carrera. Ninguna tenía idea de cómo acabaría la gala, pero sí que eran conscientes de todo lo que había pasado para que acudieran a la misma de la mano.
Lo cierto es que el arte de ambas ha sido muy diferente desde sus inicios. Si la discografía de Swift ha destacado por la exploración de la feminidad desde un punto de vista más soñador, optimista y empoderado, relatando las complejidades del amor y capturando tanto la ilusión, el arrepentimiento y la esperanza de recuperación que brota de sus propias experiencias, la de Lana Del Rey se ha caracterizado por presentar una narrativa mucho más oscura, en la que el abuso sexual, la promiscuidad y la sutileza femenina pueden ser perfectamente compatibles con la autoconciencia y el deseo de amar y ser amado. El catálogo de cada una ha sido tan distinto que, en el mismo momento en el que los seguidores de Swift se sobresaltaban porque la cantante decía “mierda” en el tema ‘I Did Something Bad’ de su sexto disco, Del Rey seguía recibiendo acusaciones de romantizar el abuso en sus canciones (“Jim me dijo que me había pegado y se sintió como un beso”, canta en ‘Ultraviolence’ de su tercer álbum en referencia a ‘He Hit Me (Felt Like a Kiss)’).
Sin embargo, pese a sus diferencias, coinciden en que la composición ha sido la pieza clave de sus trayectorias. “Sé que no estaría aquí si no escribiera mis propias canciones”, confiesa Taylor Swift en su documental ‘Miss Americana’ (2020). La artista compuso sola su tercer trabajo discográfico tras las absurdas críticas de que no escribía sus temas. “Si hay un hombre en la habitación cuando escribes, se lleva el 50%”, declaró Lana Del Rey en una entrevista a The Guardian en 2011. Posteriormente, las dos compartirían a Jack Antonoff como colaborador recurrente en sus proyectos musicales, quien no pide créditos por trabajar en la producción de canciones que no ha escrito, como es el caso de ‘Lover’ o ‘my tears ricochet’.
Tanto la una como la otra son consideradas como dos de las grandes compositoras de este siglo, pero no lo han tenido fácil para ganarse este reconocimiento. “Con todos los temas que por fin se nos permite explorar a las mujeres, me parece patético que mi pequeña exploración lírica detallando mis papeles a veces sumisos o pasivos en mis relaciones haya provocado que la gente diga a menudo que he hecho retroceder a las mujeres cientos de años”, protestó Lana Del Rey en 2020 a través de redes sociales. Taylor Swift la había defendido unos meses antes en su discurso de Mujer de la Década en los Billboard Women In Music: “He visto cómo una de mis artistas favoritas de esta década, Lana del Rey, era criticada sin piedad al principio de su carrera y cómo se convertía poco a poco, en mi opinión, en la artista más influyente del pop”.
El halago de Swift era una de las muchas declaraciones de amor que dedicaría a Lana Del Rey en 2019. “Sus metáforas. Es poética. Está llena de cultura pop moderna y nostalgia del pasado. Cualquier cosa que saque, no solo la escucharé, sino que leeré toda la letra”, dijo la autora de ‘Fearless’ a EW. La cantante incluso hizo campaña para Lana Del Rey en su carrera por el Grammy cuando estaba nominada por ‘Norman Fucking Rockwell!’: “Su estilo vocal, sus letras y su estética han resonado y se han adaptado en todos los rincones de la música, y este año su increíble disco está nominado a Álbum del Año en los Grammy porque ella ha seguido haciendo arte. Ese es el ejemplo que debería inspirarnos a todos, que el único camino es avanzar hacia adelante. Que no debemos dejar que obstáculos como la crítica frenen las fuerzas creativas que nos impulsan”.
La inspiración que ha tomado Taylor Swift de la carrera de Lana Del Rey no debería sorprender a nadie. En tanto que Del Rey se alejaba del pop de ‘Born To Die’ (2012) para coger referencias del folk de artistas como Joni Mitchell y el Hollywood de los años 50 y 60, Swift abandonaba el country para entregarse por completo al pop con ‘1989’ (2014). Es en este disco donde vemos la primera conexión entre la música de ambas, concretamente en ‘Wildest Dreams’. La pista, que luego se convertiría en single, fue comparada con ‘Without You’ de Lana Del Rey por la similitud que se percibe entre el “Say you’ll remember me” de Taylor y el “Hello-hello, can-can you hear me?” de Lana, así como en el resto del estribillo y en la melodía.
Mucho más tarde, el arte de Taylor Swift daría un giro radical con el lanzamiento de ‘folklore’ en el verano de 2020. “Durante el confinamiento por la pandemia, mi imaginación se ha vuelto loca y este álbum es el resultado de ello, una colección de canciones e historias que fluyeron como un golpe de lucidez”, afirmaba Swift en el prólogo del disco, al que unos meses después le seguiría la publicación de su hermana ‘evermore’. El sonido, principalmente acústico y aupado en su mayoría por el piano, recordaba de forma inevitable a Lana Del Rey. Sus letras, también. Y es que los amores de la juventud que retrata en ‘Love’ (2014), canción que Swift añadiría a su playlist de preferidas en 2017, aparecerían en su clásico ‘cardigan’. “Cuando eres joven asumen que no sabes nada”, canta Taylor Swift en un tema que comienza mencionando las camisetas vintage. “Miraos, niños, con vuestra música vintage”, inicia Lana Del Rey.
No es de extrañar que, luego de haber declarado a Lana Del Rey como su letrista favorita en “empate” con Pete Wentz (Fall Out Boy), el mundo colapsara cuando Taylor Swift anunció que la única colaboración de su álbum ‘Midnights’ (2022) sería con ella en ‘Snow On The Beach’. “Insistió mucho en que participara en el disco y a mí me gustó mucho la canción. Pensé que estaba bien poder unir ese mundo, ya que Jack Antonoff y yo trabajamos juntos, como él hace con Taylor”, confesaría Lana más adelante. Pero el tema, que narra el extraño fenómeno de dos personas que se enamoran al mismo tiempo, relegaba a Lana Del Rey a los coros. “De haberlo sabido habría cantado toda la segunda estrofa como ella quería. Mi trabajo en el álbum de un gran artista es contribuir a la producción de la canción, así que me centré más en la producción”, explicó Lana Del Rey tras la “decepción” de algunos oyentes. Sin embargo, nadie lee tan bien a su audiencia como Taylor Swift, y la versión con “más Lana Del Rey” fue publicada al año siguiente: “Nos lo pedisteis y os escuchamos: Lana y yo volvimos al estudio específicamente para grabar más de Lana en ‘Snow On The Beach’. Te quiero, Lana”. En la nueva versión, la artista canta toda la segunda estrofa, aunque haya demostrado no saberse la letra de memoria.
Con sus diferencias y sus semejanzas, cada una de ellas ha demostrado que la composición es la clave de su éxito. El periodista Sam Lansky escribió sobre ello en la entrevista que realizó a Taylor Swift cuando fue nombrada Persona del Año por la revista Time en 2023. El autor destaca que Swift, a través de sus canciones, le da a un montón de personas, en su mayoría mujeres y principalmente jóvenes, el permiso para creer que las cosas que les pasan son importantes. Mujeres, adolescentes, niñas que durante años fueron condicionadas a pensar que sus emociones son intrascendentes o “cosas de chicas”, de repente tienen historias que validan sus experiencias y que les dicen que todas sus heridas son válidas.
Sin embargo, la apreciación de Sam Lanskey también puede aplicarse a Lana Del Rey. “Las mujeres me odiaban. Sé por qué. Había cosas que yo decía con las que, o bien no conectaban, o bien no podían conectar porque les preocupaba que, si se encontraban en la misma situación, las pusiera en un lugar vulnerable”, contaba la artista a Pitchfork en 2017. Ahora la situación ha cambiado y tanto Swift como Del Rey son grandes referentes. “Representan las dos personalidades que las mujeres de su generación quieren tener. Quieren ser una mezcla de las dos: dulces e inocentes con muchos amigos mientras fuman, beben y siguen pareciendo misteriosas. Quieren ser independientes de los hombres a la vez que abrazan sus emociones tristes y dejan que los hombres a los que aman tomen el control”, escribe Blake Stafford para Odissey. “Tal vez la combinación de estas dos mujeres sea la verdadera representación de las mujeres de su generación”.
Pese a que los diferentes estilos de las dos cantantes hagan que parezca una contradicción su cada vez mayor amistad, recientemente han continuado dejándose ver juntas. Una de las últimas apariciones públicas se remonta a la pasada Super Bowl, a la que ambas asistieron para apoyar a equipos diferentes. En tanto que Taylor Swift apoyaba a los Kansas City Chiefs por Travis Kelce (“Karma is the guy on the Chiefs…”), Lana Del Rey hacía lo propio con los San Francisco 49ers. De hecho, Lana llevaba una chaqueta de los 49ers cuando las cámaras la captaron saludando a Taylor desde unas gradas situadas bajo la suite de la artista. Aunque todo apuntaba a que iban a ver el partido por separado, a los pocos minutos Lana Del Rey ya estaba dentro de la suite de Swift, sin la chaqueta de los 49ers e incluso con una gorra de los Chiefs.
No obstante, la noche verdaderamente importante habría tenido lugar una semana antes. Taylor Swift buscaba hacer historia con su cuarta victoria a Álbum del Año gracias a ‘Midnights’, mientras que Lana Del Rey pretendía ganar su primer Grammy con ‘Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd’ ante una industria que nunca había sabido valorarla. La gloria solo la alcanzó Taylor Swift, pero se sintió como un triunfo de ambas. Tanto fue así que Swift arrastró a Lana Del Rey al escenario para elogiarla durante su discurso de aceptación y hacerla tener su propio momento: “Muchas artistas femeninas no estarían donde están y no tendrían la inspiración que tienen si no fuera por el trabajo que ella ha hecho. Creo que es una artista de legado, una leyenda en su mejor momento ahora mismo. Tengo mucha suerte de conocerla y de ser su amiga”.
Cuando pisen España para sus inminentes conciertos, las dos cantantes lo harán sumergidas en una nueva etapa de sus carreras. Taylor Swift habrá sacado su undécimo disco, ‘The Tortured Poets Department’, con el que pone fin a los títulos cortos y, al igual que hace su amiga, se permite más libertad a la hora de ser creativa. Lana Del Rey, en cambio, estará en pleno proceso de preparación de su décimo disco, con el que viajará a los inicios de Swift y experimentará con el country. Y, mientras todo eso sucede, ambas seguirán siendo vistas por el público como el blanco y el negro. Sin embargo, si hay algo que han demostrado, es que en su conexión musical hay lugar para todos los colores.
Mañana se estrena en Netflix la nueva película protagonizada por Aitana, ‘Pared con pared’. Supondrá el segundo trabajo cinematográfico de la cantante tras su debut como actriz en la serie ‘La última’ (2022). Sin embargo, al igual que ocurrió entonces, la gente está criticando duramente su interpretación… y Aitana ha respondido.
Lo cierto es que todavía no se ha estrenado ‘Pared con pared’ y Aitana ya es objeto de las críticas por su «mal papel» en la película. A la gente solo le han bastado los vídeos promocionales y el tráiler del filme para hacerse con esa opinión. «Esta muchacha es cantante, y como cantante le va espectacularmente bien, ¿qué necesidad tiene de meterse en cosas que no sabe hacer, cuando hay cientos de actrices buenas?», escribe un usuario en Twitter.
No obstante, en una entrevista ofrecida a El Mundo, Aitana se ha pronunciado al respecto: «Yo no he estudiado interpretación y no pretendo ser la mejor actriz del mundo ni mucho menos. Comprendo que la gente me vea rara porque conocen mis gestos y mi forma de hablar, me han visto mil veces en entrevistas o en la Academia. Supongo que es fácil que no se lo crean». «Pero se me cuestiona mucho por intrusismo laboral y a otros compañeros que se han dedicado a hacer lo mismo, no. A mí siempre se me cuestiona más. Yo lo he hecho con todo el respeto y ahora voy a seguir con mi vida. No voy a dedicarme a ser actriz, yo soy cantante», apunta la artista.
Pese a las palabras de Aitana, no todo el mundo estará satisfecho con su «nefasto papel» en ‘Pared con pared’. «El problema es pensar que un famoso vale para hacerlo todo solo porque es famoso en un ámbito. Con tal de sacar dinero, lo que sea. Aitana no es buena actriz, hay que asumirlo. Después hay gente bendecida por todos los dioses como Amaia, por ejemplo», tuitea un usuario.
El polémico jugador de fútbol americano O.J. Simpson ha fallecido a los 76 años. Su familia ha emitido hoy un comunicado anunciando que «el 10 de abril, nuestro padre, Orenthal James Simpson, perdió su lucha contra el cáncer». El comunicado también expresa que estuvo rodeado de sus hijos y nietos, y solicitaba «privacidad y respeto» durante este «momento difícil».
Simpson, que nació el 9 de julio de 1947 en San Francisco, inició su carrera como futbolista profesional con los Buffalo Bills en 1968, donde jugó hasta durante 11 temporadas. Además de su carrera en el fútbol, fue actor participando en varias series de televisión y películas como ‘Roots’, ‘The Towering Inferno’ y ‘The Klansman’.
En los años 90, Simpson se vio envuelto en un juicio por el asesinato de su segunda esposa, Nicole Brown Simpson, y el amigo de ella, Ron Goldman. Aunque fue absuelto, fue encontrado responsable en una demanda civil presentada por las familias de las víctimas tres años más tarde. El caso atrajo una atención mediática masiva y contó con defensores como Robert Shapiro y Robert Kardashian.
Hace un año, O.J. Simpson reaccionó a la canción que escribió sobre él JAY-Z para su disco ‘4:44’ de 2017. El rapero canta en el primer verso «OJ dice: ‘No soy negro, soy OJ’… Está bien». O.J. Simpson alegó que JAY-Z lo mencionó erróneamente, puesto que «no se trataba de, ya sabes, ‘no soy negro’, se trataba de ‘esto no se trata de ser negro, se trata de mí'».
Ice Spice se prepara para dar sus primeros pasos dentro de la industria cinematográfica. La rapera, que se ha convertido en una de las artistas revelación del año pasado, ya está trabajando en su debut como actriz. Lo hará en la película ‘High and Low’, la reinterpretación de Spike Lee del thriller de Akira Kurosawa.
El filme estará protagonizado por Denzel Washington y, según revela Variety en exclusiva, Ice Spice ya habría empezado a rodar sus escenas, de las que todavía se desconoce el peso que tendrán en el resultado final. No obstante, todo apunta a que su colaboración se trata de algo más que un simple cameo en la obra.
Apple Original Films ha tuiteado una foto de Lee y Washington para anunciar que el proyecto ha comenzado oficialmente la fase de producción. La película original de Kurosawa de 1963, protagonizada por Toshiro Mifune, se basó en la novela de Ed McBain ‘King’s Ransom’, que cuenta la historia de cómo un hombre de negocios acaba arruinado tras pagar el rescate a unos secuestradores.
Mientras tanto, Ice Spice también ultima los preparativos para el lanzamiento de ‘Y2K’, su disco debut. Se publicará a lo largo de este año y, aunque ha reconocido que no habrá grandes estrellas en el tracklist, aseguró en el programa Today que tiene «una colaboración loca». La artista ya ha lanzado remixes y colaboraciones con Taylor Swift, Nicki Minaj, Rema y PinkPantheress.
Lola Índigo no para. La artista, que ha hecho sold out en el Bernabéu para su concierto de 2025, continúa promocionando su música a través de distintas vías. La cantante acaba de anunciar el documental de ‘GRX’, uno de sus mejores proyectos musicales que fue lanzado a principios de año.
«Yo tenía muchas ganas de hacer algo que pegara en la memoria de la gente de Granada», confiesa Lola Índigo en el tráiler que ha publicado hoy mismo. La película de ‘GRX’ llegará el 22 de abril a Movistar Plus+ y contará el ascenso a la fama de la cantante y el proceso de creación de su proyecto ‘GRX’.
La intérprete de ‘Yo Tengo Un Novio’ no solo mostrará lo mejor de tener millones de oyentes, sino que también se abrirá de forma vulnerable. «¿Llevo toda la vida partiéndome el lomo para estar aquí y ahora no lo puedo disfrutar?», se preguntará entre lágrimas en algún momento del documental.
Lola Índigo no solo se trae esta película entre manos. La artista está petándolo actualmente con su tema ‘1000COSAS’ junto a Manuel Turizo. Además, este sábado se estrenará como coach en la nueva edición de La Voz Kids en Antena 3. Y, por supuesto, sigue trabajando en nueva música.
Primavera Pro, el encuentro para profesionales de la industria musical de Primavera Sound, celebra este año su quince aniversario, y lo celebra con una programación que, del 29 de mayo al 2 de junio, volverá a alternar conferencias con showcases musicales en vivo. Una veintena de directos que se presentarán en dos espacios, uno en el propio CCCB y otro dentro del marco de Primavera a la Ciutat, para dibujar un «mapamundi musical rico y lleno de particularidades».
Los países invitados en la decimoquinta edición de Primavera Pro son Irlanda, Italia, Argentina, Alemania, Portugal, Países Bajos, Hungría y Lituania, a los que se suman dos comunidades autónomas de España, Navarra y Cataluña. Primavera Sound ha compartido una playlist de Youtube que reúne canciones de todos los artistas confirmados para ir descubriéndolos.
En el caso de España los artistas participantes en Primavera Pro son, por un lado, la cantautora Mar Pujol, la hipnótica Llum y los divertidos -y virales- dani6ix & IZZKID de parte de Cataluña, y la renovadora del folclore Olaia Inziarte de parte de Navarra.
En cuanto a las propuestas internacionales, desde Irlanda se presentarán en Primavera Pro el tecno y noise-rock de YARD, el pop alternativo de Chubby Cat, el rap de Curtisy, la melodía de Katie Phelan y el energético directo de The Love Buzz. La propuesta de Argentina, la de Feli Colina, ofrece su propia visión de la música de raíces, y la de Italia apuesta por la fusión de So Beast. Una fusión de géneros pero también idiomas que viene a representar la «escena cultural italiana».
Del país vecino, Portugal, será ocasión de conocer las propuestas de, por un lado, House Plants, una de las bandas más exitosas de Lisboa, y de la innovadora Surma. Países Bajos opta por el pop de cámara de Robin Kester y el post-punk de Tramhaus. Desde Lituania se personará en Primavera Pro el artista emergente Migluma con su propuesta de música electrónica.
Finalmente hay que hablar de las apuestas de Alemania, con el indie-pop de Ilgen-Nur, la electrónica de Import Export y el space-rock de Flying Moon in Space; y de Hungría, país del que vienen Àbáse y su jazz que reivindica un «mensaje de unión», y Дeva y su sonido atmosférico. Todos estos artistas, os recordamos, ofrecerán sus respectivos showcases tanto en el CCCB como en Primavera a la Ciutat, dentro de la programación paralela de Primavera Sound.
El paso del tiempo ha dejado claro que encasillar a Mount Kimbie es imposible. El dúo original de dubstep y future garage formado por Dom Maker y Kai Campos se convierte ahora en cuarteto en ‘The Sunset Violent’, incorporando a la teclista Andrea Balency-Béarn y al batería Mark Pell. La renovada banda, que venía de explorar el R&B alternativo, el hip hop y el trap con ‘MK 3.5: Die Cuts | City Planning’, técnicamente su cuarto álbum aunque su título sugiriera que se trataba de una mera transición, cogen el relevo del post-rock que ya exploraron en ‘Love What Survives’ para adentrarse en un sonido sucio de influencia shoegaze dominado por guitarras distorsionadas e inquietantes sintetizadores.
En ‘The Sunset Violent’, el impredecible grupo británico vuelve a juntarse con King Krule, uno de sus colaboradores habituales, para dos canciones. No sorprende en absoluto que se entiendan tan bien con el autor de ‘Space Heavy’, ya que su música tiene mucho en común: es exigente, críptica, inclasificable y, sin embargo, dotada de un envolvente misterio que atrapa. En el potente cierre krautrock que es ‘Empty and Silent’, la voz de Marshall y su sugerente poesía brillan. La letra está directamente sacada de su diario, y referencia a ‘Empty Stomach Space Cadet’, una canción de su mencionado último disco. El grupo también le da protagonismo en ‘Boxing’, una suerte de balada dream pop que lleva al oyente directamente a los 90.
El antiguo dúo electrónico se desenvuelve de maravilla en este nuevo sonido, beneficiándose de la presencia de sus nuevos miembros y volviendo a encontrar un punto de conexión artística que parecían haber perdido en ‘MK 3.5’, donde la primera parte de aquel trabajo la firmaba Maker y la segunda Campos. Manteniendo sus orígenes electrónicos pero adaptándolos al indie rock de bandas como Stereolab o Sonic Youth, ‘The Sunset Violent’ es claramente un paso adelante para Mount Kimbie.
Canciones como ‘Dumb Guitar’ son clara evidencia de ello: una maravilla post-punk tan cargada de rabia como humor sobre los esfuerzos por salvar una relación que parece abocada al fracaso («Cada día comemos fuera / Otra cita y me suicido / Despiértame la próxima vez que estés cerca / Despiértame el próximo verano, tío»). El contraste de la voz de Dom Maker con la de Balency-Béarn es un grandísimo acierto que se repite en varias ocasiones, como en la también estupenda ‘Shipwreck’, o en otro de los cortes más destacados, ‘Fishbrain’, con sus guitarras distorsionadas y sus cavilaciones existencialistas.
La brevedad del álbum -tan solo nueve pistas- hace que una pieza principalmente electrónica como ‘Got Me’, que se desmarca más del sonido indie rock del resto del conjunto, no se entienda demasiado y resulte algo decepcionante. Aunque, situada justo en la mitad de la secuencia, puede verse como una especie de interludio que separa la cara A de la cara B, que por suerte, están muy equilibradas.
Lo mejor de ‘The Sunset Violent’, además de sus producciones hipnóticas y sugerentes, es que demuestra una vez más que Mount Kimbie pueden hacer cualquier cosa y salir airosos. Tanto si deciden volver a la electrónica, seguir por este camino post-punk o aventurarse en cualquier otro género, hay motivos de sobra para prestarles siempre la máxima atención.
Beth Gibbons publica nuevo disco el 17 de mayo. ‘Lives Outgrown’ será uno de esos raros lanzamientos directamente asociados a Portishead. Raros sin tener en cuenta la activa carrera de Geoff Barrow con su banda paralela, Beak, que ha producido ya cuatro álbumes publicados entre 2009 y 2018. Adrian Utley, más en la sombra, ha tocado últimamente en discos de Sorry, TORRES o Philip Selway. En realidad, del último disco de Portishead, ‘Third‘, han pasado ya dieciséis años.
Por su parte, Gibbons no publica un disco de material original desde ‘Out of Season’ en 2002. En 2019 lanzó el directo ‘Henryk Górecki, Symphony Nº3 (Symphony of Sorrowful Souls)‘, pero de lo que había ganas de verdad era de algo como ‘Lives Outgrown’.
Del disco se conoce el introspectivo single ‘Floating On A Moment’ y hoy se extrae un segundo sencillo que no puede sonar más explosivo en comparación con el anterior. El ritmo mecánico de ‘Reaching Out’ se podría extrapolar a ‘Third’, pero el sonido no es industrial sino orgánico, los tambores retumban con fuerza, y pronto la canción se transforma en un torbellino de trompetas, cuerdas y percusiones que parece sacado de una banda sonora de James Bond.
Gibbons lidera su propia big band de jazz en esta canción en la que se imagina cayendo en picado, tratando de «silenciar» una «vergüenza» que la atormenta. «Siempre te necesitaré, siempre te necesitaré», repite con su afligida voz.
‘Reaching Out’ se ha publicado junto con un videoclip interactivo diseñado por el artista visual Weirdcore (Aphex Twin, Arca). El vídeo, explica la nota oficial, «presenta maquetas en 4D de Beth en caída libre por un paisaje espacial cinético de ciencia ficción». «A medida que avanza el vídeo», sigue, «los modelos de Beth cambian para representar las distintas etapas de su vida, haciendo eco de las ‘Lives Outgrown’ del título del álbum».
Así queda el tracklist de ‘Lives Outgrown’:
1. Tell Me Who You Are Today 2. Floating On A Moment
3. Burden Of Life
4. Lost Changes
5. Rewind 6. Reaching Out
7. Oceans
8. For Sale
9. Beyond The Sun
10. Whispering Love
Ojete Calor ha anunciado concierto en el WiZink Center de Madrid el día 28 de diciembre de 2024 . Las entradas para el ‘CONCIERTO SOLO PARA GENTE GUAPA DE OJETE CALOR’ se ponen a la venta el próximo jueves 18 de abril a partir de las 10 horas.
La noticia de la nueva fecha de Ojete Calor en el WiZink llega con el estreno de un nuevo single llamado ‘Collar Fular’. Se trata de una sátira sobre esas personas incapaces de asimilar la realidad de la fluidez de género, protagonizada por una persona cuya expresión de género no encaja dentro del binario. La nota de prensa es una historia en sí misma que vale la pena reproducir íntegramente:
«Es tarde y la oscuridad envuelve la ciudad. Un perfecto desconocido irrumpe a la hora justa en el local de moda. Tiene tablas en la noche, atesora mucho pasado. Pero hay un problema: su cuello está cubierto por una pieza que no resulta fácil catalogar. Brilla, tintinea, se intuye algún adorno perlado. ¿Podría ser un collar? ¡Un momento! No está claro. Hay quien, subyugado por la tersa textura que entrelaza los elementos, se lanza sin red a la hipótesis del fular. Está claro que el tipo se siente cómodo navegando por las farragosas aguas de la ambigüedad; pero el público no está dispuesto a tragar, necesita certezas. Una prenda que ponga en jaque la estabilidad emocional del espectador no es de recibo. La presencia del extraño es rápidamente percibida como una provocación por todos los presentes. La tensión va en aumento.
Un misterio, una incógnita. Un personaje indefinido, muchas dudas. Eso es la nueva propuesta de Ojete Calor: un capítulo de Se ha escrito un crimen sin tercer acto. En un mundo lleno de incertidumbre, Ojete Calor aboga por el orden, la clasificación concreta y la precisión. Por favor, aclárate. Vivan las etiquetas.
Este thriller psicológico se desarrolla en su canción más bailable hasta la fecha: un four-on-the-floor discotequero y pulsante que cabalga sin concesiones por la trama, trayéndote todo el sabor de esos afters de Berlín en los que no te dejarían entrar por vulgar, de los discos de Cerrone más impenetrables y de los parkings de Picassent con el coche a todo trapo. El final abierto propone una nueva etapa más madura del grupo».
El videoclip de ‘Collar Fular’ es, también según la nota de prensa, un «homenaje a los cómics, pero solo a los que están libres de derechos».
No parece que vaya a haber una reunión de Oasis. Ni ahora, ni nunca. Liam Gallagher ha respondido a los recientes comentarios de Andy Bell que sugerían que un regreso de Oasis podría suceder en el futuro, negando cualquier posibilidad.
«Sí, probablemente lo harán. Creo que sí, que probablemente lo harán», ha dicho Andy Bell en una entrevista reciente sobre si Oasis «volverían a estar juntos». «Ahora mismo no lo veo probable, pero la vida es larga, ¿no?», añadió el músico, que tocó el bajo para la banda entre 1999 y 2009 antes de unirse al grupo Beady Eye de Gallagher.
Bell puso como ejemplo la reunión que tuvo lugar con The Stones Roses, alegando que «sucedió completamente en contra de cómo se veían las cosas». «No se llevaban nada bien y había muy mala vibra en la prensa con los Roses, y de repente empezabas a oír hablar de conciertos», comentó el músico. «Creo que podríamos ver algo así para Oasis».
Pues si bien Andy Bell tenía esperanzas, pronto las ha disipado Liam Gallagher. «No deberías ilusionar a la gente. No es inteligente», escribió Gallagher en redes sociales. Cuando un fan le echó en cara a Gallagher que lo que Bell había dicho era «lo mismo» que había comentado él en otras ocasiones, el artista aclaró que él nunca ha mencionado «una reunión de Oasis»: «No vamos a volver, tenemos que superarlo todos por nuestra salud mental».
Más tarde y después de las declaraciones de Liam Gallagher, Andy Bell se retractó en Twitter: «¡Disculpas! No era mi intención dar esperanzas a nadie. ¡No tengo nada que ver aquí!». Noel Gallagher no se ha pronunciado al respecto.
I’ve never mentioned oasis reunion it’s over we must all really move in for our own mental health
A falta de un mes para que se celebre una nueva edición de Eurovisión, el certamen ha publicado en sus redes sociales un comunicado pidiendo «respeto» a todos sus participantes. La declaración se produce tras la tensión provocada por la participación de Israel en el Festival, país que finalmente no será expulsado como sí ocurrió con Rusia tras declarar la guerra a Ucrania.
«La Unión Europea de Radiodifusión reconoce la gran conmoción y la firmeza de las opiniones que el Festival de Eurovisión de este año (con el telón de fondo de una terrible guerra en Oriente Medio) ha provocado. Entendemos que la gente quiera participar en el debate y expresar sus profundas opiniones sobre este asunto. A todos nos han afectado las imágenes, las historias y el indudable dolor que sufren los habitantes de Israel y de Gaza», dice Jean Philip De Tender, Director General Adjunto de la UER.
El comunicado continúa: «Sin embargo, queremos abordar las preocupaciones en torno a esta situación, especialmente las campañas dirigidas en las redes sociales contra algunos de nuestros artistas participantes. La decisión de incluir a cualquier emisora, incluida la emisora «israelí» Kan, es responsabilidad exclusiva de los órganos de gobierno de la UER y no de los artistas individuales. Estos artistas acuden a Eurovisión para compartir su música, su cultura y el mensaje universal de unidad a través del lenguaje de la música».
La UER afirma que, aunque apoya firmemente la «libertad de expresión» y el «derecho a expresar opiniones en una sociedad democrática», se opones a «cualquier forma de abuso en Internet, incitación al odio o acoso dirigido a nuestros artistas o a cualquier persona relacionada con el concurso». «Esto es inaceptable y totalmente injusto, dado que los artistas no tienen ningún papel en esta decisión», declara. Recientemente se ha viralizado un vídeo de Olly Alexander, representante de Reino Unido, con pinta de no querer cantar. Es uno de los participantes que más ha denunciado el genocidio de Israel.
«Nos dedicamos a proporcionar un entorno seguro y de apoyo para todos. Seguiremos trabajando estrechamente con todas las partes interesadas para promover los valores de respeto, inclusión y comprensión, tanto en Internet como fuera de Internet. Instamos a entablar un diálogo respetuoso y constructivo y a apoyar a los artistas que trabajan incansablemente (en lo que es un espectáculo de música y entretenimiento) para compartir su música con el mundo», finaliza Jean Philip De Tender.
David Broncano ficha por RTVE. El consejo de administración de RTVE ha aprobado durante una reunión extraordinaria celebrada este miércoles el fichaje del presentador y cómico, que traerá ‘La Resistencia’ a La 1 a partir del próximo septiembre, emitida hasta el momento en Movistar Plus+.
Broncano estará ligado a RTVE por dos temporadas, en las que cobrará 14 millones de euros durante cada una. El contrato deja un coste de 90.000 euros por cada uno de los programas emitidos en la franja previa al horario de máxima audiencia, tras el telediario de las 21.00. Esto saldrá más barato a la televisión pública de nuestro país que la serie ‘4 Estrellas’, que costaba 130.000 euros por capítulo, según fuentes del ente público.
Con la llegada de ‘La Resistencia’ a La 1, RTVE competirá con ‘El Hormiguero’ de Pablo Motos, que actualmente domina en las audiencias de su franja horaria y no cuenta con ningún programa similar que le pueda hacer competencia. Desde ese programa aseguran que el fichaje de Broncano es un plan de Moncloa para «acabar con Pablo Motos».
Juan del Val, sobre el fichaje de Broncano en RTVE: "El problema es que Moncloa quiera acabar con Pablo Motos" pic.twitter.com/DE5OWn6tao
JoJo Siwa quiere inventar un nuevo género llamado «pop gay». La cantante y youtuber, que está en plena promoción de su poco escuchado tema ‘Karma’, quiere hacer nueva música inspirada en artistas como Lady Gaga o Miley Cyrus para inventar lo que ella considera que será el pop gay.
«Lo dije en su día cuando firmé por primera vez con Columbia. Les dije: ‘Quiero crear un nuevo género musical’. Y me preguntaron: ‘¿A qué te refieres?’. Y yo dije: ‘Bueno, se llama pop gay’. Y me dijeron: ‘¿Qué es eso?’. Y yo dije: ‘Es como el k-pop, ¿no? Pero gay-pop'», confiesa la artista en una entrevista para Billboard. No detalló la reacción de la discográfica.
Además, JoJo Siwa ha explicado cómo será su música como «pionera» del pop gay, afirmando que será similar a ‘Applause’ de Lady Gaga y ‘On My Own’ o ‘Can’t Be Tamed’ de Miley Cyrus: «No es ningún secreto que mi transición está fuertemente inspirada en Miley Cyrus. El giro de Miley. El cambio de Miley. Ha sido lo más grande que he presenciado con mis propios ojos».
Como era de esperar, las redes sociales han incendiado con los comentarios de JoJo Siwa. «Estoy muy feliz de poder hacer por fin música pop gay ahora que JoJo Siwa la ha inventado, ¡gracias reina!», escribió un usuario en Twitter.
«‘¿Estáis preparados para vuestras clases de pop gay?’. Lady Gaga tragó saliva. Kylie Minogue se estremeció. Madonna asintió. RuPaul se echó a llorar. Charli XCX parpadeó nerviosa. ‘Sí, JoJo Siwa’, dijeron al unísono», escribió otro.
JoJo Siwa says she wants to start a new genre of music called “gay-pop”.
Recién recuperado de una lesión de rodilla que acaba con su carrera en el Real Madrid, Álvaro Benito (voz, guitarra) forma Pignoise junto a Pablo Alonso (bajo) y Héctor Polo (batería). Más de 20 años después, sus canciones siguen siendo recordadas por miles de chavales y se han convertido en una parte indiscutible de la cultura pop española, lo cual representa para Benito un «motivo increíble de orgullo».
Ahora, han vuelto con un disco que conmemora su 20 aniversario revisitando los grandes éxitos de la banda mediante colaboraciones, tanto de leyendas como de artistas jóvenes influenciados por la propia música de Pignoise. A la vez, han anunciado los dos conciertos más importantes de su carrera: el 30 de noviembre de 2024 en Sant Jordi Club y el 7 de marzo de 2025 en el Wizink Center. Las entradas ya están disponibles.
Hablamos con Álvaro Benito sobre los difíciles inicios de la banda, el cambio que ha sufrido la industria musical durante estos 20 años y el efecto de Pignoise en otras generaciones.
Como tantos otros chavales de mi generación, he crecido escuchando vuestros temas en la radio. ¿Vosotros notáis que traspasáis generaciones?
Lo hemos notado después de seis años en los que yo estuve entrenando y en los que el grupo no tuvo actividad. Cuando volvimos en 2019 flipamos, porque estaba lleno de chavales. Nos sigue pasando. El otro día, en la firma de discos, venía un montón de gente joven diciendo que nos llevaba escuchando desde que tenía seis, ocho años, y es increíble el poder que tiene la música de engancharte desde muy jovencito a un grupo que te acompaña toda la vida. A mí me sigue pasando con los grupos españoles con los que he crecido.
Cuando tenía 10 años os escuchaba en Sol Música, no sé si te acuerdas de eso. ¿Cómo habéis vivido la evolución de la industria durante todos estos años?
Siempre pienso que cada uno somos hijos de nuestro tiempo y tenemos ese defecto de pensar que lo que hemos vivido es lo que más mola, pero es cierto que había mucho más romanticismo. En mis horas libres yo vivía pegado a la radio con mis casetes para grabarme las canciones. Si te gustaba un artista, te comprabas el disco y mirabas todo el folleto, el libreto, las letras, las fotos… Ahora, el consumo del arte, en general, es aquí te pillo aquí te mato. Hay demasiadas cosas volando por el aire a las que prestar atención y cuesta mucho focalizar. Se ha perdido algo por el camino. Se ha ganado también que la música es más democrática que nunca y todo el mundo puede tener su manera de expresarse.
Que sea más democrático también significa que es más difícil darte a conocer.
Mucho más, dímelo a mí. Estoy sacando un proyecto paralelo a Pignoise que se llama Chicle y hay que picar mucha piedra. Ahora es muy difícil que la gente te preste atención, sin ni siquiera que te llegue a escuchar. Hay muchos lugares donde consumir, donde exponerte y que la gente luego se quede contigo es muy difícil.
¿No tienes ningún hilo en la industria de dónde tirar?
No te creas, eh. Ya no hay un lugar donde cada semana te vean tres millones de personas. Ahora tiene que ser un proceso más lento de convencimiento, de boca a boca… No creo que haya ningún atajo. Si lo hubiese, lo cogería.
¿Cómo de complicados fueron los inicios con Pignoise?
Hubo muchos condicionantes en contra. Lo primero es que cuando decidimos mostrarnos estábamos verdes como músicos. De hecho, el primer disco nunca lo consideramos un disco, el de ‘Melodías Desafinadas’. A nivel musical todavía no habíamos encontrado nuestro sello. En nuestro segundo disco, aunque todavía estábamos un poco verdes, el concepto estaba ahí. Sobre todo, nos jugó muy en contra el hecho de que yo fuera futbolista. Nunca nos tomaban en serio, nos cerraron todas las puertas y fue un estigma muy difícil de superar, que solo ha sido posible con el paso del tiempo. Ahora, como mucho, pueden decir que no les gusta lo que hacemos, pero que no es una cosa seria ya no lo pueden decir.
¿Crees que en estos tiempos eso os habría venido algo mejor para daros a conocer?
Yo creo que no, porque en su día también tuvo mucha repercusión, pero al final las canciones no eran lo suficientemente buenas. Como si la música la hace el papa o el rey, da igual. Te tiene que gustar, emocionar, da igual quien sea el que cante.
Acabáis de fichar con Sonido Muchacho. ¿Cuál es vuestro recorrido desde que empezasteis en discográficas hasta aquí?
Los dos primeros discos son autoeditados. En ‘Anunciado en Televisión’ éramos de Globomedia, por lo cual tampoco éramos de ninguna discográfica. Yo creo que eso nos lastró, porque, si en aquel momento de éxito masivo hubiésemos sido de una compañía que impulsa artistas, se hubiese hecho un desarrollo como merecía. Lo hicieron en su día Sony con El Canto del Loco y Pereza, con los que pusieron toda la carne en el asador. Nos quitamos de Globomedia como pudimos, fichamos por Sony en 2010, y ahí sí se hizo un gran trabajo con ‘Año Zero’. Lo que pasa es que este año fue la caída abrupta de la venta del CD. Cayó un 65% en 2005. Pasamos de vender 120.000 del disco anterior a 20 y tantos mil que llevaba el último. Desde Sony nos dijeron que teníamos que cambiar el estilo y hacer algo más maduro. Entonces, dijimos que obviamente ahí se quedaban. Es que te encuentras gurús de la música en todos los sitios. Desde aquel momento estamos solos. Hasta ahora.
No os caracterizáis mucho por ser maduros.
Nos reímos de nosotros mismos lo primero, y me hacen gracia los artistas que se toman demasiado en serio. Como que el personaje le come a la persona y siempre tienen que llevar esa pose de artista. Algunos me encantan, como Loquillo o Bunbury.
Loquillo también es muy personaje.
Sí, pero el loco es muy así. Es una estrella del rock. Hay gente que es estrella del rock y otros que se lo quieren hacer. Esta es la diferencia. Tú ves a Loquillo y es una puta estrella del rock. Ves a Bunbury y es una puta estrella del rock. Ves a Leiva y es una puta estrella del rock. Luego ves a otros por ahí y se toman demasiado en serio. Nosotros nunca hemos sido de esa estirpe, la verdad. Ahora cada vez menos. Obviamente te haces mayor y te da más pereza hacer gilipolleces.
«Porque yo era futbolista no nos tomaban en serio, nos cerraron todas las puertas»
Antes hablabas del Canto del Loco y de Pereza y pese a ser de la misma quinta, solo quedáis vosotros.
Sí, Dani decidió ir en solitario, igual que Leiva, y fíjate cómo les ha ido. Yo siempre tenía esta concepción de estar en una banda. Aparte, somos amigos. Nunca se me ha pasado por la cabeza hacer un disco en solitario. Yo creo que Pignoise forma parte de mi vida, como Pablo y Polo, y no hay forma de separarse.
Lanzasteis ‘Diversión’ en 2021, y se me hace como el primer paso de este regreso.
Volvimos en 2019 con gran incertidumbre de saber qué iba a pasar con el grupo, qué había pasado después de seis años, si vamos a tener público, si no, y el primer concierto en el Arenal Sound fue una cosa mágica. Siempre definimos eso como el mejor momento de estos 20 años. 40.000 chavales cantándose todas las canciones a voz en grito. Fue un impulso de decir: “Hostia, el grupo se ha quedado, las canciones se han quedado, esto hay que darle continuidad”. Yo ya tenía canciones, así que preparamos ‘Diversión’. Es un gran punto y seguido porque mantiene la esencia de lo que ha sido Pignoise siempre, pero reflejando nuestro punto actual como músicos. Y ahora preparando material nuevo. Ya hemos quedado para hacer selección de repertorio, porque tenemos un montón de canciones que empezaremos a sacar adelante después de verano.
¿De dónde viene la idea de relanzar todos vuestros éxitos con colaboradores para el 20 aniversario?
Yo era muy reacio. No me gusta el revisionismo, ni los discos de grandes éxitos. Es una cosa que me da una pereza terrible. Yo siempre estoy mirando hacia adelante en la vida y en la música. Después del parón había mucha emotividad por el hecho de volver y lo bien que estaban yendo las cosas, y nuestro mánager dijo que teníamos que hacer algo, como una gira 20 aniversario. ¿Gira 20 aniversario? ¿Para qué? Si son las mismas canciones. ¿Por qué no hacemos un disco con colaboraciones? Yo, el único condicionante que puse fue que las colaboraciones fuesen la hostia, porque el hecho de regrabar canciones que llevo millones de veces tocadas y ensayadas no me seduce. Es un trabajo un poco mecánico, por decirlo de una manera sutil y bondadosa. Sin embargo, cuando Dani me iba pasando las mezclas, yo me iba quedando flipado. Por el nivel de las colaboraciones, por lo que aportaban… Ya sabes lo que pasa con la música, te lleva a ese momento vital en el que escuchabas esas canciones, y que te cambien esta grabación, por mucho que ahora esté mejor grabada, mejor cantada o lo que sea, pues toca los huevos. A mí me pasa como oyente. Al ser colaboraciones, la gente ha entendido que es una cosa diferente, con otra riqueza, y está funcionando muy bien.
¿Y ‘Estoy enfermo’? Es la única que no tiene colaboración.
No tenía sentido hacerla con otra persona y tampoco tenía sentido volver a hacerla con Melendi. Lo único que tenía sentido es sacarla otra vez, pero cantada entera por nosotros. Esta sí que hubiese sido mancillar la obra.
¿Os ha llamado la atención musicalmente algún compañero vuestro de Sonido Muchacho?
A mí me gusta mucho Carolina Durante. Me parecen muy originales. Diego escribe muy bien y es un chico majísimo. Me alegro de que le esté yendo tan bien a un grupo tan espontáneo, tan de garaje. Creo que Sonido Muchacho tiene mucho criterio a la hora de elegir sus artistas, pero por afinidad musical es lo que más me gusta.
Carolina Durante y otros grandes grupos han cogido el relevo de lo que vosotros estabais haciendo al principio. ¿Cómo habéis visto la evolución del género durante todos estos años?
Nosotros éramos más afines a grupos como Fanta, Airbag, Dikers, que al Canto del Loco o Pereza, en cuanto a estilo. Grupos minoritarios, aunque luego a nosotros se nos ha metido en ese vagón sin problema. Cuando te vas haciendo mayor, te das cuenta de que ponerle etiquetas a la música es absurdo. Un artista se expresa y no hay más. Es cierto que nos decían por aquel entonces que esa música tan guitarrera, tan punk pop, con tintes californianos, nunca había sido mayoritaria en España. Tampoco existía este caudal de festivales, que tienen algunas cosas poco positivas, pero lo bueno que tienen es que la gente cada vez va con menos filtros. Toca un artista urbano, luego un grupo indie, luego viene Pignoise, el que sea, y no pasa nada. La gente se canta las canciones de todos. En mi época, era impensable, porque éramos gilipollas. Afortunadamente, creo que la gente joven tiene la mente súper abierta y me parece maravilloso. Esto da lugar a que cualquier banda, del género que sea, pueda ser masiva.
«Siempre digo que he hecho canciones por encima de mis posibilidades. Tengo una facilidad para hacer melodías. Con el tiempo, me he formado y ahora por fin me considero un músico. Antes me sentía un intruso»
¿Cómo describirías tu carrera después de 20 años?
Ha sido emocionante. Es una enseñanza vital. Yo empecé de cero en esto de la música, cuando yo era futbolista, a una edad avanzada, sin tener las dotes que tenía para el fútbol y, a base de trabajo e ilusión, nos hemos abierto camino. Yo siempre digo que he hecho canciones por encima de mis posibilidades. Tengo una facilidad para hacer melodías. Con el tiempo, me he formado y ahora por fin me considero un músico. Hubo un momento en el que me consideraba un extraño ahí, un intruso que hacía canciones.
¿Habrías cambiado algo?
Es que la vida se vive hacia delante. Claro que me hubiese aconsejado: “Oye, tío, espérate un poco, no saques ningún disco todavía, fórmate más”, pero quién me iba a decir que el camino hubiera sido el mismo. Si lo haces con honestidad, porque es lo que te pide el cuerpo, pues hay que equivocarse y aprender de tus errores y no pasa nada. No me arrepiento de nada. Hemos currado mucho para que la cosa funcionara y ha habido recompensa.
Concierto en Sant Jordi Club, el Wizink… No está mal la recompensa.
Nos hemos tirado a la piscina. Siempre he pensado que somos un grupo de salas, pese a haber tocado delante de miles de personas muchas veces. Hubo diferencia de opiniones, porque yo quería hacer 3 o 4 Rivieras, y nos dijeron que era el momento de intentar un Wizink, y nos convencieron. O sea, nosotros vamos a dar un puto conciertazo vengan 7.000, 5.000 o 16.000 personas, que sería lo ideal. Me voy a explicar sin que suene mal esto, pero he visto conciertos en el Wizink de artistas en los que me he dado cuenta de que es un fenómeno social. Me fijo mucho en cómo reacciona la gente, y me ha sorprendido que a lo mejor un tío llena dos Wizinks, se cantan los cinco o seis grandes éxitos y el resto de canciones el 80% de la gente no se las sabe. No es como Extremoduro, que sí hay un público súper fiel que se las canta todas, sino que es más un evento social.
¿Crees que vosotros cuadráis ahí o que sois otra cosa?
Nosotros somos un grupo conocido, pero no tenemos ese nivel de popularidad porque llevamos 13 años sin sonar en la radio, y estos artistas de los que te estoy hablando no han dejado de sonar nunca. Es un milagro que el grupo siga vivo realmente porque, nosotros ahora sí, pero hemos estado años que no hemos movido las redes sociales, que no hemos hecho nada. En esto te soy totalmente honesto, que es lo que pienso de la banda después de haberlo analizado. Tenemos mucho público que se sabe nuestras canciones, pero hay que fidelizarlos como fans para que vengan a los conciertos. Nosotros caemos en cualquier festival con 50.000 personas donde sea, y te digo que las 50.000 se cantan ocho o diez canciones nuestras a muerte, pero luego esta gente a lo mejor no va a un concierto tuyo expresamente. Este es el trabajo de convencimiento y fidelización que tenemos que hacer. Si te sabes un montón de canciones nuestras, ¿por qué no vienes a vernos? Que te lo vas a pasar de puta madre.
Desde Oviedo el joven compositor Fernando Romero, conocido por el alias from, está ofreciendo un sonido de post-punk diferenciado por dos elementos, en primer lugar, su esmerada producción y, en segundo, su nutrida influencia del jazz y de otros géneros musicales. Escuchando ‘Modelo para armar’, su segundo álbum, editado por El Volcán Música, viene a la mente el trabajo de King Krule, The Smile y también de grupos que previamente mezclaron punk y jazz, como Black Flag. Incluso cuando da ganas de meter la música de from en el saco del bedroom-pop, divierte expectativas.
Lo producción de ‘Modelo para armar’ es rica por ejemplo en el hit del disco, ‘Entró sin preguntar’, la cual, añadiendo teclados cósmicos y el sonido de unas campanas retumbando a lo lejos, va más allá de acomodarse en los dos acordes de siempre. Cuando from elabora los sonidos electrónicos, como en ‘Electromotriz’, hasta puede recordar a Stereolab. En ‘Bajo el sol’ a la melodía se le dibuja una sonrisa, pero la producción vocal hace a Fernando sonar atrapado en sí mismo, dentro de su cabeza.
Las texturas psicodélicas de from crean paisajes sonoros, por ejemplo, en el corte inicial, ‘Se me caen los ojos’, que suena tan opresivo como requiere una letra que habla de un personaje sumido en la decrepitud, al que se le caen «los ojos» y también la piel. El bajo crudo a lo The Cure vertebra una composición que dibuja una atmósfera claustrofóbica. Quizá no sea casualidad que el disco de from se titula como la que se considera la novela más experimental de Julio Cortázar. El sonido limpio de su debut ‘Insecto‘ (2022) se enriquece y ensucia en esta segunda propuesta.
El disco de from sorprende jugando con estilos musicales menos esperados. ‘Una flor azul y otra naranja’ -qué bonito título- coquetea con el folclore musical español incluyendo el sonido claro y cristalino de una guitarra flamenca, pero sin renunciar a la estética grisácea, post-apocalíptica e industrial que marca el sonido del disco. Y hay algo de bossa en ‘Bajo el sol’ que invita a imaginar nuevos caminos en la carrera de este compositor que apenas cuenta veinte años, pues nació en 2001, en la época de ‘Amnesiac‘.
Esa estética distópica está especialmente definida en ‘Zona de exclusión’, otro de los números destacados, desde su mismo título. Es un tema que directamente habla de un «amanecer naranja» y de una «radiación que me quema sin calor». Pero from tampoco renuncia a la diversión y en este álbum grabado a caballo entre Países Bajos y España no deja de incluir un tema de punk tan macarra como ‘Qué me puedes ofrecer’ que remite al trabajo de sus contemporáneos La Élite. Las canciones de from son más reservadas e introspectivas, no obstante, lo que hace que ofrezcan su propio mundo interior, en el que poder perderse.
Canciller es el proyecto de Sara Canciller, cantante y compositora de Valencia que, después de quince años trabajando «en la cara oculta de la industria musical valenciana», según su biografía oficial, ha dado un paso al frente ofreciendo su propia propuesta musical. Una propuesta arraigada en el pop-rock con sintetizadores que tiene tanto de «los ochenta» como de «pop de autor» y del «indie más bailable».
Ni la voz de Canciller, tan expresiva, ni sus estupendas melodías podían -ni debían- quedarse atrapadas en las bambalinas de la industria. Tanto cuando acelera el ritmo, como en ‘Kintsugi’, como cuando se pone baladesca, como en ‘Viaje’, el potencial de las canciones es evidente. Nada para a Canciller de lograr el éxito de unos Miss Caffeina, por poner un ejemplo.
Otro grupo, Second, en concreto tres de sus integrantes, Fran, Nando y Jorge, tocan en el primer epé de Canciller, ‘Golpe de Estado‘. El sonido de Canciller está ya bien definido en este primer lanzamiento -de 2021- que incluye su canción más escuchada, la bella balada ‘Terreno Yermo’, y otra de sus composiciones destacadas, ‘Agosto (Ocean Drive)’.
En 2024, Canciller publicará su primer elepé, ‘Golpe de Suerte’, que presumiblemente incluirá los dos temas citados anteriormente, ‘Kintsugi’ y ‘Viaje’, y también un nuevo single que fácilmente es otro de los mejores que Canciller ha firmado.
Las letras de Canciller hablan -también según su descripción oficial- del «hedonismo, la toxicidad y el amor a la música». Su nuevo single, ‘Friendly reminder to self (esa no era yo)’, suma a la lista el tema de las expectativas amorosas. Canciller cuenta que ha escrito la canción para recordarse que aquella chica que «leía mal las señales» y tenía «expectativas brutales en una relación», no era realmente ella misma, sino una versión de sí misma engañada por unas expectativas autocreadas. Canciller explica que se «arrepiente» y «avergüenza» de «bloquear una agenda sin planes» esperando la llamada de esa persona.
‘Friendly reminder to self (esa no era yo)’ cuenta la historia de un «cora roto» en otra composición definitiva de Canciller. Su pop-rock recibe ahora un acabado especialmente elaborado bajo la producción de Antonio Hurtado Cerdà que levanta un muro de sonido usando guitarras y sintetizadores. El resultado es una de las canciones más contundentes de Canciller. Pero ningún muro tapa su comunicativa voz, ni en esta canción ni en ninguna otra.
Cargando ...
eternal sunshine (@alaingxnzalez_) 
Juan del Val, sobre el fichaje de Broncano en RTVE: "El problema es que Moncloa quiera acabar con Pablo Motos" 
