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Las cinco fases del duelo de Taylor Swift

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Faltan solo dos semanas para el lanzamiento de ‘The Tortured Poets Department’, el undécimo álbum de estudio de Taylor Swift, y es muy poca la información que tenemos al respecto desde su anuncio en los Grammy. Tendrá 16 canciones (más 4 exclusivas en formato físico) y contendrá colaboraciones con Post Malone y Florence + The Machine, pero aún no sabemos nada de su sonido ni de su proceso de creación. Sin embargo, la artista se ha sumado a una teoría surgida en redes sociales para amenizar la espera.

Este será el primer disco de Taylor Swift desde su ruptura con el actor Joe Alwyn, con quien ha mantenido una relación de hasta 6 años. Todo apunta a que, de hecho, ese será el tema fundamental de ‘The Tortured Poets Department’. Es por eso que los seguidores de la cantante han jugado con la idea de que el álbum aborde las cinco fases del duelo: la negación, la ira, la negociación, la depresión y la aceptación. ¿La respuesta de Taylor Swift? Sumarse a la teoría creando cinco playlists en Apple Music eligiendo canciones de su catálogo que encajen con cada fase.

La primera de ellas, titulada ‘Te quiero, está arruinando mi vida’, es una lista de canciones sobre «quedar tan atrapado en la idea de algo que te cuesta ver las red flags que posiblemente dan lugar a momentos de negación y e incluso de falsa ilusión». La artista ha añadido temas de ‘Midnights’ como ‘Lavender Haze’ o ‘Sweet Nothing’, además de clásicos como ‘Cruel Summer’ o ‘Lover’, dedicados en su momento a Joe Alwyn.

La segunda playlist se titula ‘No me hables tú de tristeza’ y, en ella, Taylor Swift reconoce haber añadido todas aquellas canciones que escribió «sintiendo rabia». «A lo largo de los años he aprendido que la ira puede manifestarse de muchas maneras diferentes, pero la forma más sana en que puede manifestarse en mi vida es cuando puedo escribir una canción sobre ella», dice. Incluye pistas como ‘exile’, ‘Is It Over Now?’, ‘Bad Blood’ o ‘Mr. Perfectly Fine’.

En la tercera, ‘¿Tengo permitido llorar?’, la artista nos lleva por canciones «escritas cuando estaba en la etapa de negociación», que ella misma define como «los momentos en los que estás intentando hacer acuerdos contigo mismo o con alguien que te importa tratando de mejorar las cosas, aunque a veces se tenga la intuición de que las cosas no van como esperamos». Taylor Swift añade ‘Cornelia Street’, ‘Say Don’t Go’, ‘The Story of Us’ o ‘Renegade’.

La cuarta playlist se titula ‘Los viejos hábitos mueren gritando’. «En momentos de depresión, escribo una canción porque me siento sola o desesperada. Escribir me parece la única manera de procesar la intensidad de una emoción. Y aunque estas cosas son muy, muy duras de pasar, a menudo siento que cuando estoy escuchando o escribiendo canciones que tratan de esta experiencia de pérdida y desesperanza, normalmente es en la fase en la que estoy cerca de superar ese sentimiento», dice la cantante. En la lista destacan canciones como ‘You’re Losing Me’, ‘Carolina’ o ‘All Too Well’.

La última y quinta playlist se titula como una de las pistas del álbum, ‘Puedo hacerlo con el corazón roto’, lo que sugiere que los nombres de las otras sean posibles letras de ‘The Tortured Poets Department’, que aparecen también en las contraportadas de las distintas ediciones del disco. En esta lista, Taylor Swift añade los temas que «simbolizan la necesidad de hacer sitio para más cosas buenas en tu vida, porque muchas veces, cuando perdemos cosas, también las ganamos». La artista selecciona ‘You’re On Your Own, Kid’, ‘long story short’ o ‘Begin Again’.

Vampire Weekend / Only God Was Above Us

A veces da pena, cuando no un poquito de vergüenza, recordar qué bandas recomendábamos en los años 2000. Muchas se desinflaron enseguida, otras desaparecieron, algunas se separaron, otras están medio diluidas, algunas se estancaron creativamente, y otras podríamos debatirlo pero desde luego no están en el punto álgido de su carrera. Alguna que otra directamente las hemos borrado de nuestra memoria. Hasta tengo la sensación de que el año pasado me quedé solo defendiendo el último de Animal Collective. ¿Pero no eran la mejor banda del planeta?

Vampire Weekend son los grandes supervivientes de aquella generación. No han sacado ni un solo disco decepcionante en sus 15 años de historia. Cada álbum ha sido un paso adelante en lo sonoro, siempre con multitud de historias e interpretaciones que debatir y ‘Only God Was Above Us’ no es ninguna excepción. Es mejor quinto disco que ‘Amnesiac’ lo fue para Radiohead. Ahí lo dejo.

La premisa para la continuación de ‘Father of the Bride‘, que fue premiado con el Grammy a Mejor Álbum Alternativo, es zambullirse en el Nueva York del siglo XX. Por eso hay una canción para ‘Mary Boone’, marchante y coleccionista de arte que terminó en prisión por fraude fiscal, con citas a Brooklyn. Por eso la letra de ‘Pravda’ contiene la frase «sé lo que se esconde debajo de Manhattan / sé quién está enterrado en la tumba de Grant«.

No obstante, si algo llama la atención de los textos es su riqueza y también su universalidad. Ezra Koenig escribió la mayor parte de estas letras hace casi 5 años, entre 2019 y 2020, pero es imposible no pensar en el mundo que nos rodea cuando la palabra «guerra» aparece como mínimo 7 veces a lo largo de estas 10 canciones. Aun sabiendo, por fecha, que no podía estar pensando en el Putin que ha atacado Ucrania cuando escribió ‘Pravda’, es inevitable que pensemos en grande cuando las canciones nos hablan de batallas, de la búsqueda frustrada de la paz o de inmigración.

‘Ice Cream Piano’ habla de armisticios, soldados y policía, repitiendo la frase «no quieres ganar esta guerra, porque no quieres la paz», y no pierde la oportunidad de reflexionar sobre los cánones del mundo en cuanto a masculinidad: «soy un caballero, rechazo mostrar mi caballerosidad». Y es divertida jugando con el nombre de la banda: «Todos somos hijos e hijas de vampiros que drenaron los cuellos del viejo mundo».

Como letrista, Koenig hace honor a su apellido («rey», «soberano» en alemán), pues es buenísimo como creador de reflexiones. ‘Capricorn’ se burla mordazmente de la religión («El mundo parecía diferente / Cuando Dios estaba de tu parte»), sin perder ocasión de bromear sobre la mediana edad (“demasiado viejo para morir joven, demasiado joven para vivir solo”) o algo parecido a la mala suerte («el año en que naciste terminó rápido, y el resto ya no fue tuyo»). También de imágenes: en ‘The Surfer’ el «surfero» no se quita de la cabeza la imagen de un «rey de California tumbado en el suelo».

‘Only God Was Above Us’ se cierra con ‘Hope’, una canción de hasta 8 minutos, algo nada habitual en la carrera de Vampire Weekend, que precisamente han hecho tradicionalmente de la brevedad su mayor virtud. A ‘A-Punk’ y ‘Diane Young’ me remito. ¿De qué nos habla ‘Hope’? De “embajadas abandonadas”, de “banderas en el suelo”, de “pinturas quemadas”, de “toreros corneados”. Ezra repite una y otra vez que dejemos todo eso “marchar”, quizá inspirado por aquella estampa tan desoladora que dejó el Capitolio en la temporada en que escribió las letras de este álbum.

Pero lo realmente excitante de ‘Only God Was Above Us’ es que puede disfrutarse sin prestar atención a nada de esto, simplemente como una hermosísima obra de pop, cuidada al milímetro. Con toda la pena que dio la marcha de Rostam Batmanglij, lo cierto es que su aportación a este disco es la de una de las producciones más apagadas: el pseudo-trip hop de ‘The Surfer’. Las grandes alegrías nos las sigue dando la propia banda, con la mezcla del icónico Dave Fridmann y la producción de su colaborador habitual, el gran Ariel Rechtshaid, que reserva para ellos su mejor cara.

Es posible que si estás habituado a las producciones de Vampire Weekend intuyas enseguida que ‘Ice Cream Piano’ va a convertirse en algo que no es una balada a piano en absoluto, que en algún momento trotará. ¿Pero quién iba a adivinar esa caída melódica tan Belle & Sebastian en ‘The State I Am In’, las cuerdas casi disco, y también las cuerdas tipo jazz?

Capricorn‘ es un tsunami de efectos especiales y psicodelia, casi como una banda sonora de película de acción, cuando parecía una inofensiva balada. ‘Classical‘, una fantasía de contrabajo, saxos desbocados, detalles átonos, pianos en suspense y elementos indescriptibles en contraposición a unas simples guitarras acústicas, deconstruyendo así la música tradicional americana. Desde ya una de sus grandes obras maestras.

El single ‘Gen-X Cops’ pone el punto rock, aunque con una particular caja de ritmos, y la frase “Cada generación pide su propia disculpa”. ‘Mary Boone’ incluye un «uh!» que es puro hip hop entre chorros de piano y coros de sopranos. Y entre las canciones que no han sido single, ‘Pravda’ coquetea muy sutilmente con el reggaeton, destacando ‘Connect’, que parece contraponer a Jacques Brel en las estrofas con Prince en el estribillo, sumando un piano que, antes de retorcerse, parecía sacado de una película de Woody Allen. Será porque les ha inspirado el Nueva York del siglo XX. O será porque están sacando todo el jugo posible a su fama de pijos de Brooklyn. Con libros eruditos en la mano y encima hechos un pincel.

Jamila Woods cancela su gira para no perder dinero

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Jamila Woods ha cancelado su gira porque no le sale rentable. En un momento en el que Lola Índigo es capaz de llenar un Bernabéu en apenas horas o Dani Martín puede vender 8 WiZinks para finales de 2025, otros artistas se ven con problemas para sacar adelante sus giras. Es el caso del Water Made Us Tour.

Si bien hace un año analizábamos en JENESAISPOP la situación actual de los conciertos y el alto precio de las entradas, la cancelación de la gira de Jamila Woods muestra la otra cara de la moneda en este asunto. La artista, que pensaba recorrer Europa esta primavera, se ha visto obligada a cancelar parte de los shows programados para no perder dinero.

«Sería más fácil decir ‘debido a circunstancias imprevistas’, pero un querido amigo me ha animado a ser más transparente», dice la cantante en un comunicado publicado en redes sociales. «Mucha gente no se da cuenta de que los músicos, a menudo, hacemos giras con pérdidas. No lo hacemos porque nos dé dinero, sino porque nos encanta conectar con la gente que escucha nuestra música y que muestra tanto amor y apoyo por nuestro arte. Siempre entiendo la música de manera más profunda cuando la comparto en directo con todos vosotros en salas, ese proceso es un regalo para mí».

Jamila Woods confiesa que salir con una banda y un equipo de su tamaño es una «inversión enorme» y que, pese a haber tenido «la suerte» de hacer esa inversación «muchas veces», el panorama «ha cambiado drásticamente desde 2020». «Entre el precio del equipo, el transporte y los costes de alojamiento, aunque agotáramos las entradas en cada concierto, la carga financiera no sería viable de asumir», lamenta.

«Estoy deseando imaginar un futuro en el que los músicos puedan unirse, en el que las plataformas de streaming paguen a los artistas de forma justa y en el que la industria sea más equitativa para los artistas en todas las etapas de sus carreras. Mientras tanto, voy a tomarme un tiempo para replantearme una manera más sostenible de hacer giras en el extranjero», finaliza la cantante en su anuncio.

Lo cierto es que, aunque Lola Índigo llenara fácilmente su Bernabéu, en una entrevista ofrecida a JENESAISPOP confesó que había apostado por precios populares y asequibles para las entradas. De hecho, sin contar las VIP, las más caras apenas alcanzaban los 60€, mientras que las más baratas eran de 30€. «Si hago lo que tengo en la cabeza en el Bernabéu, estaremos en números rojos», reconoció la artista.

‘La invención del sonido’: los gritos de terror de Chuck Palahniuk

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Da igual que hayan pasado casi treinta años: Chuck Palahniuk seguirá promocionándose como “el autor de ‘El club de la lucha’”. Al igual que Bret Easton Ellis será siempre el de ‘American Psycho’ o Irvine Welsh el de ‘Trainspotting’. Esto se puede interpretar de dos maneras: 1) ninguna de estas estrellas de la generación X ha vuelto a publicar nada tan impactante, transgresor y con la capacidad de capturar el espíritu de su tiempo como esas novelas (ni han vuelto a ser adaptados al cine como lo hicieron en su momento), o 2) da igual lo que publiquen porque la literatura ha perdido la relevancia social de antaño. Ya no hay rock stars de la novela. ¿Dónde está la ‘American Psycho’ del siglo XXI? ¿Cuál habría sido el impacto de la fabulosa ‘Los destrozos’ si se hubiera publicado en los 90?

La nueva novela del autor de ‘El club de la lucha’ no va a conseguir que se sustituya ese reclamo publicitario, pero sí va a satisfacer a sus fans. Palahniuk no decepciona. En ‘La invención del sonido’ está todo lo que uno puede esperar de su literatura: personajes heridos y autodestructivos, tramas subyugantes y retorcidas, escenas crudas, perturbadoras y muy gráficas, un estilo directo, frontal y paranoide, un mini-ensayo sobre algún tema particular (en esta ocasión sobre los efectos de sonido en el cine) y mucha sátira nihilista.

‘La invención del sonido’ está articulada por medio de dos voces narrativas que se alternan constantemente, dos personajes muy extremos que parecen sacados de dos películas de culto: ‘Hardcore, un mundo oculto’ (1979) y ‘Berberian Sound Studio’ (2012). El primero es un padre que, tras la desaparición de su hija pequeña hace casi dos décadas, pasa sus días buscando pistas de su paradero en los rincones más oscuros de la deep web, persiguiendo pederastas, yendo a grupos de apoyo y contratando prostitutas que tengan la edad y la apariencia que tendría su hija en el presente. La segunda es una ingeniera de sonido de Hollywood, especialista en gritos de terror tan estremecedores que parecen reales, adicta a las benzodiacepinas y al sexo ultraviolento.

Los caminos de estos dos personajes, cuya fabulosa caracterización es lo mejor de la novela, terminarán encontrándose, a la vez que la naturaleza del relato se va volviendo cada vez más turbia y desconcertante, girando hacia el terror y el fantástico más estrambótico. El lado oscuro de Hollywood, las teorías de la conspiración, la mercantilización del sufrimiento, los monstruos que genera el dolor más profundo… Palahniuk reflexiona sobre todos estos temas y los escupe en forma de gran grito de terror, un grito tan potente que es capaz de derribar edificios.

‘BODYGUARD’ es un remanso perfecto en el disco de Beyoncé

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Beyoncé ha sacado un disco de «country no country» y una de las cosas más comentadas es que dura casi una hora y media. ‘COWBOY CARTER‘ viene presentado por ‘TEXAS HOLD’EM‘, uno de los mayores éxitos de toda la carrera de Beyoncé… ¿pero habrá segundo single de igual o mayor éxito, como sí pasó con ‘Renaissance’ y ‘CUFF IT‘?

De momento, ‘II Most Wanted’ junto a Miley Cyrus no ha despertado tal entusiasmo. Es una canción correcta, pero no tan carismática como podría. ‘Jolene’ parece la favorita del público (es top 8 en Reino Unido, un puesto por encima de la colaboración con Miley), no tanto por su polémico cambio de letra, como porque la melodía original de Dolly Parton es indestructible. Al margen de eso, ‘BODYGUARD’ es la pista más escuchada y con razón. Es nuestra Canción del Día hoy.

Los créditos de ‘COWBOY CARTER’, que acaban de compartirse, muestran que ‘BODYGUARD’ es una canción trabajada principalmente por Raphael Saadiq. El productor de los 90, que ha colaborado con Erykah Badu, Mary J Blige, D’Angelo, TLC, Whitney Houston o Solange, ha tocado aquí el piano, los teclados, el bajo y la guitarra. ¿Acaso esa guitarra que acaba de patentar?

La guitarra es importantísima en ‘BODYGUARD’, pues su rueda de acordes nos hace pensar, más que en las grietas de The Neptunes, en proyectos de carácter indie tipo Empire of the Sun o MGMT.

Esa calma que transmite la melodía se corresponde con una de las letras más sexuales del proyecto. Esos coros agudos no pueden sonar más sexys mientras la letra habla de «besarse en el asiento trasero», de «susurrar secretos al fondo». En un álbum que habla de tornados (‘TEXAS HOLD’EM’), odio en las redes (‘AMERICAN REQUIEM’), esclavitud (‘AMEN’) o mujeres pistoleras (‘II MOST WANTED’), ‘BODYGUARD’ es un remanso perfecto en el que reposar. El tema por el que empezar si escuchar durante 80 minutos a Beyoncé deconstruir un sombrero de cowboy se te hace demasiado cuesta arriba.

Lo mejor del mes:

Olivia, Cabello, Lenker, garbí… en el top 10 de JNSP

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Ariana Grande conserva el número 1 de JENESAISPOP por segunda semana consecutiva con ‘we can’t be friends’, dejando en el puesto 2 el dúo entre Beyoncé y Miley Cyrus. La primera ha conseguido el 44% de los votos frente al 40% de las «II Most Wanted». Los españoles garbí, Adrianne Lenker, Camila Cabello y Olivia Rodrigo están entre las entradas más fuertes.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 4 we can’t be friends Ariana Grande Vota
2 2 1 II Most Wanted Beyoncé, Miley Cyrus Vota
3 4 3 2 Puntería Shakira, Cardi B Vota
4 4 1 setsunai garbí Vota
5 2 1 7 Training Season Dua Lipa Vota
6 6 1 obsessed Olivia Rodrigo Vota
7 5 5 2 The Architect Kacey Musgraves Vota
8 7 3 7 TEXAS HOLD’EM Beyoncé Vota
9 9 1 I LUV IT Camila Cabello, Playboi Carti Vota
10 6 5 Deeper Well Kacey Musgraves Vota
11 11 1 Ruined Adrianne Lenker Vota
12 3 1 5 Von dutch Charli XCX Vota
13 12 1 12 yes, and? Ariana Grande Vota
14 8 8 5 Love On Selena Gomez Vota
15 10 2 9 Loneliness Pet Shop Boys Vota
16 13 4 5 Broken Man St Vincent Vota
17 18 1 15 Zorra Nebulossa Vota
18 9 1 20 Houdini Dua Lipa Vota
19 11 11 3 Been Like This Meghan Trainor Vota
20 14 3 6 Despertar Alizzz, Maria Arnal Vota
21 15 4 6 Dancing In Babylon MGMT, Christine and the Queens Vota
22 19 8 5 Dizzy Olly Alexander Vota
23 23 1 Lorelei Empress Of Vota
24 24 1 Sun Girl Julia Holter Vota
25 16 4 3 Thelma y Louise Belén Aguilera, Julieta Vota
26 21 12 5 Tejano Blue Cigarettes After Sex Vota
27 27 1 Right Back to It Waxahatchee, MJ Lenderman Vota
28 22 3 8 Sé quién soy Angy Vota
29 30 5 19 Oral Björk, Rosalía Vota
30 35 30 2 El huerto provenzal Amateur, Triángulo de Amor Bizarro Vota
31 37 31 2 jamcod The Jesus and Mary Chain Vota
32 38 11 9 Perdió este culo Bad Gyal Vota
33 17 5 7 Capricorn Vampire Weekend Vota
34 39 23 6 TUTA GOLD Mahmood Vota
35 26 11 6 Too Much Too Little Georgia Vota
36 32 4 8 LOLITA Belén Aguilera Vota
37 23 15 4 Si te vas Nena Daconte, Alberto Jiménez Vota
38 25 25 2 Three Drums Four Tet Vota
39 29 3 11 Igual que un ángel Kali Uchis, Peso Pluma Vota
40 27 10 6 Saturn SZA Vota
Candidatos Canción Artista
Classical Vampire Weekend Vota
i like the way you kiss me Artemas Vota
Pretending FLETCHER Vota
Borealis Jlin, Björk Vota
Carretera perdida Alizzz Vota
Club classics Charli XCX Vota
SexeSexy Mushkaa, Bad Gyal Vota
Running Norah Jones Vota
Tightrope Tinashe Vota
Dancing Star Pet Shop Boys Vota

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Naiara (OT2023) cantará con Isabel Pantoja

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Naiara cantará con Isabel Pantoja. En tanto que el resto de triunfitos promocionan sus primeros singles por aquí y por allá, la ganadora de la edición ya prepara el que será uno de sus momentos más icónicos post-OT. Lo hará el próximo 13 de abril en el WiZink Center, donde actúa Isabel Pantoja con su gira del 50 Aniversario.

«No puedo estár más feliz, más contenta y más todo porque os tengo que dar un notición. El 13 de abril en el WiZink voy a estar actuando con la reina de las reinas de las reinas, ¡voy a cantar con Isabel Pantoja!», ha dicho Naiara a través de un vídeo publicado en redes sociales. «Aquí estamos ensayando con la banda. No me lo creo, chavales. Se viene», concluye.

Se espera que el lanzamiento del primer single de Naiara sea inminente, puesto que las canciones de los triunfitos se han ido publicando conforme su posición en la edición. Puesto que Paul ya ha sacado su esperado ‘Dónde’, solo falta que la ganadora de Operación Triunfo 2023 lance su single. Mientras tanto, ¿qué tema estará preparando con Isabel Pantoja?

¿Puede ser electrónica la canción del año?

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Hace no demasiados días, en una sesión de electrónica en Barcelona, Apparat pinchó ‘It’s So Good‘ de Jamie xx y me hizo ratificar que es una de las mejores canciones del año. También una de las más excitantes en su fusión de house futurista y batucada brasileña. Y el público parece estar de acuerdo. En Spotify no sobrepasa la popularidad de ‘Loud Places’, pero se mantiene en un digno segundo puesto de sus canciones más escuchadas. Tres meses después el público sigue pensando que, sí, que ‘It’s So Good’ es «muy buena».

La buena aceptación de ‘It’s So Good’ tiene matices. Por un lado, me atrevo a decir que es una de las mejores canciones de la carrera de Jamie xx. Por otro, es cierto que el impacto de ‘Gosh’ parece ya irrepetible. Pero la llama de Jamie xx no solo no se apaga sino que, casi una década después de ‘In Colour‘, ha sido capaz de firmar otra producción excelente, aunque quizá no tan visionaria como lo fueron ‘Gosh’ y ‘Loud Places’. Teniendo esto presente, entonces, cabe hacerse la siguiente pregunta: ¿puede ser electrónica la canción del año? ¿Sea de Jamie xx o de otro artista?

La respuesta a la pregunta planteada en el mismo titular de este artículo por supuesto es afirmativa. Y no tiene que ver única y exclusivamente con el integrante de The xx más influyente. La «canción del año» puede ser electrónica dependiendo de la línea editorial del medio que la seleccione. Por poner un par de ejemplos, para Resident Advisor el «track of the year» de 2023 fue ‘CLUB MEGAMIXX’ de DJ Swisha. MIXMAG apostó por ‘Sunshine City’ de Tuccillo, por su parte. En el repaso anual de Pitchfork centrado en la electrónica aparecían especialmente reivindicados dos temas, ‘Rumble’ de Skrillex o ‘Installation’ de Pangaea.

Cuando el medio amplía el abanico a otros géneros musicales la cosa se complica. En JENESAISPOP, a lo largo de la historia, no pocas canciones de música electrónica se han quedado a las puertas de recibir el título de «canción del año». Y con «a las puertas» evidentemente quiero decir que se han posicionado en un segundo puesto. Ha sido el caso de ‘Night and Day’ de Hot Chip en 2012, de ‘Can’t Do Without You’ de Caribou en 2014 o de ‘(I Know There’s Gonna Be) Good Times’ de Jamie xx en 2015. No en el 2, pero sí en el 3, quedó en 2018 la gran canción de electrónica de ese año, ‘Immaterial‘ de SOPHIE.




Grandes ausencias de canciones de música electrónica en los repasos anuales de JENESAISPOP han marcado también las listas de varios años. En 2007 no hay rastro -aunque no lo recuerdes- de ‘Archangel’ de Burial, una producción a la postre reivindicada por Rosalía en ‘MOTOMAMI‘ (2022). Es el año de ‘D.A.N.C.E.’ de Justice y esa es la canción electrónica que aparece en la lista en la posición más alta, en el puesto 13. Por supuesto, en 2015 la canción de Jamie xx seleccionada es «Good Times», no ‘Gosh’, a pesar de que es esta última la que muchos considerarían su verdadera obra maestra (aunque no es la que se ha llevado la mayoría de streamings).

En otros años la música electrónica ha dejado canciones enormes que no se han posicionado tan alto en la lista. 2010 es el año de ‘Swoon’ de Chemical Brothers (58) pero también de ‘Odessa‘ de Caribou (14). 2011 el de una gran rareza como ‘Replica’ de Oneohtrix Point Never (puesto 97) pero por supuesto también de ‘How Deep is Your Love’ de The Rapture (5) o ‘Midnight City’ de M83 (10). 2012 el del duelo de John Talabot y Pional en ‘Destiny’ (11). 2013 deja una gran curiosidad en forma de ‘A Tooth for an Eye’ de The Knife (57) entre otras de Jon Hopkins (51) o Delorean (94). 2016 es el año de ‘It Means I Love You’ de Jessy Lanza (10). 2017 de «2017» de Four Tet (37). 2018 de la mencionada ‘Immaterial’. En 2019 se posiciona en el número 10 ‘About Work the Dancefloor’ de Georgia… si es que la consideramos electrónica y no pop. 2021 es para Danny L Harle (‘On a Mountain’ es puesto 25), 2022 para Fred again (‘Danielle’ es puesto 28) y 2023 para Peggy Gou (‘(It Goes Like) Nanana‘ es puesto 9).

El asunto se complica más todavía en el momento en que empiezan a emerger preguntas como la que suscita la canción de Georgia: qué consideramos música electrónica y qué no. ‘Blind’ de Hercules and Love Affair y Anohni fue elegida mejor canción de 2008 por este medio, la número 1. ‘Blind’ es una clara producción de house diseñada para la pista de baile. Sin embargo, contiene un marcado componente vocal, aportado por una vocalista tan reconocible como Anohni, que la acerca peligrosamente al pop. No es ‘Gosh’ exactamente. ‘The Whilelm Scream’ de James Blake es medalla de plata en 2011 con un estilo de post-dubstep imposible de imaginar en un contexto discotequero o de club, pero su dosis de electrónica es elevado. Si nos vamos a 2022, quizá hay que bajar hasta el puesto 28, el de ‘Danielle’ de Fred Again, para ubicar en el recuento anual de JENESAISPOP una canción que podamos considerar auténticamente electrónica y de baile.

En realidad pocas canciones de electrónica trascienden sin una línea vocal que la gente pueda cantar o tararear. A nadie le puede sorprender que ‘(It Goes Like) Nanana’ de Peggy Gou fuera uno de los grandes éxitos de música electrónica de 2023, especialmente en Reino Unido, donde fue uno de los hits del verano. Y son ese tipo de canciones de música electrónica las que terminan siendo las «canciones del año» desde un punto de vista comercial, no editorial. En otras épocas la fórmula se ha dado de la misma manera: ‘Lady (Hear Me Tonight)‘ de Modjo fue el hit de electrónica más exitoso del año 2000, pero nadie diría que es una canción de pop íntegramente. ‘Crazy Frog’ de Axel F fue su análoga en 2005 y ‘We No Speak Americano’ de Yolanda Be Cool & D Cup en 2010. El gran hit de electrónica de 2015 no fue ‘Lean On’ de DJ Snake y MØ -que acabó en octavo puesto- sino un remix de Felix Jaehn de ‘Cheerleader’ de Omi.

La música EDM es comercialmente el tipo de música electrónica que genera más ingresos, de ahí que los DJs mejor pagados del mundo cada año se especialicen en este sonido. Pero ¿cuándo fue la última vez que Calvin Harris, David Guetta, Steve Aoki o Tiësto hicieron algo parecido a la canción del año? Porque ‘Slide’ de Calvin, con Frank Ocean a las voces, fue una de las mejores canciones de 2017, pero no era tan electrónica. Y digamos que las últimas producciones de David Guetta, esas que fusilan con todo el descaro del mundo los hits de los 90 más obvios que te pueden venir a la mente, no han puesto de acuerdo a crítica y público, precisamente.

El contexto festivalero es especialmente favorable -oh, vaya sorpresa- para la música electrónica. Por mucho que echemos de menos a Daft Punk, ellos ya ni tocaban en directo ni hacían la electrónica a las que siempre les hemos asociado. Mientras, Four Tet y Caribou se siguen dando baños de masas en cada festival que pinchan y grupos como The Blaze o Moderat llenan arenas y se convierten en iconos populares para una generación de aficionados a la electrónica de baile (o a los festivales, o a ambas cosas). Pero rara vez alguno de estos artistas firma la «canción del año» definitiva para las revistas especializadas ni mucho menos se adjudican la «canción del año» a nivel de cifras. ¿Está el nuevo ‘One More Time’ en el horizonte o nada que ver?

from, en Girando por Salas, es más que el King Krule español

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from es el alias tan «google-friendly» (no) de Fernando Romero, cantante y compositor de Oviedo que lleva dos álbumes publicados. Se puede decir de from que es algo así como el King Krule español, pero es más que eso.

Precisamente el nuevo disco de from, ‘Modelo para armar’, se publica hoy. En el álbum se detectan influencias cruzadas de post-punk, jazz y bedroom-pop, por ejemplo en el single ‘Zona de exclusión’. Lo que diferencia a from del resto de revivalistas del post-punk es la cuidada producción de sus canciones. La de ‘Entró sin preguntar’ es un ejemplo.

‘Modelo de armar’ se ha presentado con otro single notable en los últimos días, ‘Qué me puedes ofrecer’, que representa la faceta macarra del disco. Después el disco deja paso a la sorpresa electrónica de ‘Electromotriz’ o explora el camino de ‘Amnesiac‘ en el corte de apertura ‘Se te caen los ojos’.

from debutó en 2022 con el disco ‘Insecto’. De aquel trabajo estaba especialmente conseguida la atmósfera claustrofóbica de ‘Hoy te hice llorar’. Pero, sobre todo, sobresalía el single ‘Cada momento que te vi’, que, guiado por una melodía de teclado maravillosa, es uno de esos clásicos perdidos del underground nacional.

from es uno de los artistas programados en Girando por Salas. Hoy 5 de abril presenta ‘Modelo para armar’ en La Pecera de Vigo. Después estará en el Cocodrilo Negro Bar de Ponferrada el 6 de abril, en el Maravillas Club de Madrid el 11 de abril y en el Sinestesia de Barcelona el 12 de abril.





Jlin / Akoma

Jlin es una de las artistas de música electrónica más prestigiosas del último lustro. Su disco ‘Black Origami’, de 2017, fue el sexto mejor valorado de ese año en cualquier género. Después, su EP ‘Perspective’, de 2021, recibió una nominación al Pulitzer. A Jerrilynn Patton se la ha asociado directamente con Aphex Twin, pero con quien ha colaborado de verdad es con Björk.

Precisamente Björk es uno de los nombres invitados al nuevo disco de Jlin, ‘Akoma’. Y no es la única: nada menos que Philip Glass y el Kronos Quartet -quien, cerrando el círculo, ya colaboraron tanto con Glass como con Guđsmunsdóttir hace años- aparecen en este nuevo trabajo de esta innovadora del footwork nacida en Indiana. Ella, curiosamente, cita a Eartha Kitt y Nina Simone entre sus influencias.

El footwork es un tipo de música electrónica evolucionado del ghetto house y el hip-hop que se caracteriza por el uso de ritmos caóticos y desenfrenados. Jlin lo aborda desde una perspectiva clínica e hipercalculada, estilizada al máximo. Su tema ‘Black Origami’ es un auténtico espectáculo y cuando lo escuchas no puedes creer que alguien haya sido capaz de crear una música de este tipo.

‘Akoma’ es un disco de beats, por tanto, pero Jlin encuentra diferentes maneras de enriquecer su universo. A Björk la invita a producir con ella el tema de apertura, ‘Borealis’, en el que básicamente indica el camino hacia el trap del futuro. ‘Open Canvas’ es la producción más loca. Sus percusiones sucumben al frenesí absoluto, pero luego Jlin tira los cambios de tempo que le vienen en gana. En ‘Auset’ pisa el acelerador y convierte su footwork futurista en una apisonadora.

‘Akoma’ significa “el corazón” en ghanés y la música de África -y de otros lugares- parece inspirar algunas de las percusiones del disco. Parecen grabados en directo los ritmos de tambores y congas de ‘Challenge (To be Continued II)’, y ‘Eye Man’ pone el ojo en la tabla india. Son detalles orgánicos que aportan calidez al disco. Porque ‘Akoma’ es mecánico hasta el punto de la deshumanización.

No es algo malo en absoluto: el dark tecno es una influencia en ‘Iris’, otro ejemplo del footwork refinado y pulido al máximo de Jlin. Pero ‘Speed of Darkness’ es ya una pequeña locura que te lleva a la alucinación sin necesidad de consumir drogas. Jlin samplea lo que parece el llanto de un bebé y, como perdida en la inmensidad del espacio exterior, lo estira y expande hasta la desintegración.

Aunque están presentes en ‘Akoma’ las cuerdas de Kronos Quartet en ‘Soladite’ y el piano de Philip Glass en ‘The Precision of Infinity’, es más excitante otro de los cortes firmados en solitario, ‘Summon’, que parece una pelea de esgrima, y el conjunto de ‘Akoma’ suena minuciosamente elaborado hasta lo enfermizo. Es un disco tan avanzado que probablemente la pop star que use su sonido en el futuro, todavía no ha nacido.

RELEVO, al aire libre con Mira Paula, Cometa, yavy…

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Gus, entre los confirmados en RELEVO

El festival RELEVO vuelve un año más a Madrid apostando por talento nacional emergente. Desde este sábado 6 de abril hasta el 28 de abril, RELEVO se celebrará en el Centro de Cultura Contemporánea CONDEDUQUE de Madrid en torno a una programación gratuita que, por primera vez, se desarrollará al aire libre, en el patio central del recinto. El acceso será libre hasta completar aforo.

El 6 de abril a partir de las 12 horas se subirán al escenario de RELEVO Ashleys, Carrera Blanca, Cometa, Corte!, Gus, Lusillón, Nico B y Vicente Calderón. Después, el festival volverá el domingo 14 de abril y contará con la participación de Gekko Ban y Restinga. El 21 de abril será el turno de Blantx y la interesante Yavy. Finalmente, el 28 de abril Julia Amor y Mira Paula pondrán el punto final al evento.

Por otro lado, el sábado 6 se podrá asistir a un taller práctico de supervivencia en la industria musical a cargo de Eduardo Fernández Valencia. A continuación tendrá lugar un coloquio sobre nuevas formas de trabajo también en la industria musical con Frederic Peña (Hidden Music Society/ manager de artistas), Manuel Romero (La Navaja/Sonido Muchacho/Pink Flamingos), Hannah Plum (Ternura) y Natalia Montes (Las Petunias).



Paul Thin juega con el dark pop y el gabber en ‘Dónde’

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Con esta portada que solo puede ser un homenaje al videoclip de ‘No Surprises’ (1997) de Radiohead presenta Paul Thin su nuevo single. ‘Dónde’ es el primer lanzamiento de Paul tras su salida de la Academia de Operación Triunfo 2023, donde quedó como segundo finalista.

Paul fue uno de los favoritos de Operación Triunfo desde la primera gala por su grave y robusta voz y también por su propio talento musical. Fue capaz de emocionar versionando a Kaleo, como de dejar con la boca abierta rapeando la sesión de Bizarrap y Ptazeta. Su versión de otro tema de Bizarrap, el protagonizado por Milo J, producida por el propio Thin, es mejor que la original.

Aunque Paul Thin no ganó Operación Triunfo, su propuesta puede ser la más interesante desde las vistas en Amaia y Natalia Lacunza. ‘Dónde’ le une a Fresquito y Mango para facturar una producción dramática y tremebunda, cercana al dark-pop y llena de cambios de tempo. Tan «juguetona» es ‘Dónde’ que no se acomoda en la radiofórmula de la Sia más oscura: el ritmo machacón del final parece inspirado en el gabber holandés, como los últimos singles de Rosalía y Björk (por separado).

‘Dónde’ suena tan atormentada como requiere una letra que apela al arrepentimiento de haber dejado una relación que él no ha podido cuidar. «Lo fácil que era quererte y no puedo» es el lamento de Paul Thin. Él habría querido «decirte a la cara que cada día me arrepiento» pero sabe que, en aquel momento, «era un folio en blanco manchado de nacimiento».

Curiosamente, Paul Thin ha explicado que sus siguientes lanzamientos no irán por los derroteros de ‘Dónde’. «A partir de ahora, mi música se va a ir a un sonido más cercano al hip hop, como del otro lado del charco, estamos jugando y experimentando con sonidos nuevos», ha declarado. No obstante, Thin asegura que, con ‘Dónde’, «íbamos a tirar por un estilo más reguetón, pero al final nos fuimos a otras cosas». Seguro que este afán exploratorio y aventurero le lleva por interesantes caminos en el futuro.

Twenty One Pilots anuncia fechas en España en 2025

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Twenty One Pilots ha anunciado la gira mundial de ‘Clancy’, su nuevo disco, y España es uno de los países incluidos en la ruta. Eso sí, tendrá que pasar más de un año para que la gira de ‘Clancy’ llegue a estas tierras en abril de 2025.

Las fechas de Twenty One Pilots en España citan al grupo en Madrid el 21 de abril de 2025 en el WiZink Center y en Barcelona el 22 de abril de 2025 en el Palau Sant Jordi. Las entradas para estos conciertos se han puesto a la venta hoy 5 de abril a las 10 horas en los puntos de venta habituales.

Twenty One Pilots publica su nuevo disco el 17 de mayo. ‘Clancy’ se ha presentado con los singles ‘Overcompensate’ y ‘Next Semester’.

Se trata de un disco que «marca el capítulo final de una ambiciosa narrativa multiálbum introducida por primera vez en el avance multiplatino de la banda en 2015, Blurryface». El lanzamiento de ‘Clancy’ coincide de hecho con el noveno aniversario de ‘Blurryface’, que se publicó exactamente nueve años antes.

En la última década, Twenty One Pilots se ha convertido en una de las bandas de rock más exitosas del siglo XXI. Su single ‘Stressed Out’ supera los dos mil millones de reproducciones en Spotify, una cifra al alcance de muy pocos artistas, y las escuchas estratosféricas de ‘Heathens’, ‘Ride’ o ‘Chlorine’ dan buena cuenta de la popularidad del dúo.

Twenty One Pilots celebrará el lanzamiento de ‘Clancy’ con la gira más grande de su carrera, que comenzará el 15 de agosto en el Ball Arena de Denver (Colorado) y recorrerá Norteamérica hasta el otoño, seguida de fechas en Nueva Zelanda, Australia, Europa y Reino Unido.

Alizzz va a 120 por la ‘Carretera perdida’

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Alizzz ha publicado ‘Carretera perdida’, el segundo adelanto de su nuevo disco, ‘Conducción temeraria’, que se pone a la venta el 3 de mayo.

A la famosa película de David Lynch no le han faltado homenajes en las últimas décadas. El propio Lynch la ha evocado colaborando con Lykke Li. En el underground nacional, Gúdar ya publicaron un tema llamado ‘Carretera perdida’ hace una década.

Alizzz lleva el concepto de ‘Lost Highway’ a su terreno. Por un lado, ‘Carretera perdida’ va la velocidad de un coche cruzando la autopista a toda pastilla. Va a «120», como su corazón. El ritmo de ‘Carretera perdida’ propulsa a Alizzz hacia el horizonte… o el abismo. Como en ‘Despertar‘, las texturas guitarreras de ‘Carretera perdida’ hacen cosquillas.

Por otro lado, ‘Carretera perdida’ retrata la agitación emocional de Alizzz con su habitual lenguaje cotidiano. Cristian parece huir de algo y busca un escape en la atención de una «loba» que «apaga la colilla con la punta del tacón». Y, cuando baja la ventanilla del coche, la «brisa entra por la ventana»… y la canción se desarma. De repente un rasgueo de guitarra acústica transforma en paz y calma lo que antes era tensión. Solo Alizzz consigue que una frase como «me mira y se coloca el escote» ponga los pelos de punta.

‘Carretera perdida’ sigue con la temática automovilística de ‘Conducción temeraria’, «pisando el acelerador» y siendo capaz de «reventar el altavoz» con la distorsión de sus guitarras eléctricas. Félix Bollaín dirige un videoclip sin mayor misterio que el que promete el título de la canción.

RFTW: Vampire Weekend, Doja Cat, Babi, Orville Peck, Ruslana…

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Hoy 5 de abril salen nuevos discos de Vampire Weekend, The Black Keys, Benson Boone, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Conan Gray, Khruangbin, The Libertines, Mount Kimbie, Phosphorescent, Fabiana Palladino, Abraham Mateo, Still Corners, Young Miko o Sinkane. Además, Doja Cat reedita ‘Scarlet‘ añadiendo 7 temas nuevos.

Entre esos temas nuevos de Doja se encuentra el single ‘MASC’ que ya puedes escuchar en la playlist de novedades Ready for the Weekend. Es uno de los grandes lanzamientos destacados de la semana. También publican nueva música hoy o lo han hecho en los últimos días Alizzz, Pet Shop Boys, Charli XCX, Chappell Roan, La La Love You, Ava Max, Babi, Orville Peck y Peggy Gou.

De la primera cosecha de abril hay que destacar también el regreso de Marta Movidas y la unión de DORA y Maria Arnal en un single conjunto. Además entregan nueva música Maren, Hope Tala, Pony Bravo, Angus & Julia Stone, Luna Ki, Cage the Elephant, Venturi, London Grammar, Yoly Saa, Empire of the Sun o Repion. De Operación Triunfo llega a Spotify el single de Ruslana. El de Paul Thin está disponible desde hoy en Amazon Music.

Por supuesto ha dado de qué hablar esta semana la nueva sesión de Bizarrap con Natanael Cano, autor del hit titulado con el nombre de ‘Madonna‘.

El rebranding de Jojo Siwa en ‘Karma’ es otra de las novedades de la semana. Se suma a novedades de Omar Apollo, Novo Amor, Amber Mark, J. Cole, Kamasi Washington con André 3000, JEDET con La Zowi, Imagine Dragons, la revelación 4batz, aespa con TOKIMONSTA, Bon Calso, Conan Gray, Bryson Tiller, Depedro, MARLENA con The Tyets o Chilly Gonzales.

Supersubmarina: «Si hay lágrimas, que sean de alegría»

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Citar a la prensa musical en un teatro con capacidad para 600 personas para una simple rueda de prensa suena a osadía: no quedan tantos periodistas en este gremio ni en toda España. Cuando se ha hecho alguna presentación en el madrileño Teatro Pavón -Love of Lesbian anunciando un WiZink, por ejemplo- normalmente ha sido en una sala pequeña de la planta superior. Pero nadie quiere perderse el regreso de Supersubmarina, su primera aparición pública tras el accidente de coche que sufrieron hace 8 años volviendo de un festi, y son varios los compañeros de la prensa generalista e incluso de otras áreas los que se acercan. Aimar Bretos presenta el acto, en el que nadie sabe cómo va a ser capaz de aguantar las lágrimas. La ovación para Supersubmarina con el público en pie, también con amigos y familiares en las primeras filas, se extiende un minuto largo.

El guitarrista Jaime, que ha tenido que someterse a 40 operaciones para evitar la amputación de una pierna, y acaba de contar en una entrevista con El País que estuvo a punto de quitarse la vida, pronto quita hierro al asunto: «Queremos que la gente esté contenta. Si hay lágrimas, que sea de alegría».

Preguntado por Aimar sobre si les cuesta hablar del accidente, deja la impresión incluso de que en este momento es la audiencia la que tiene que luchar por aguantar el tipo: «Ya no tanto, hemos hecho 2 años de terapia de grupo. Hemos revivido aquello una y otra vez hasta normalizarlo. Si me hubieras preguntado hace 5 años, me habría venido abajo o no te habría sabido contestar. A día de hoy recuerdo aquello de forma más fría. Dentro de que fue un día fatídico, a estas alturas puedes normalizarlo. Fue un día muy triste pero ahora piensas que ha sido una nueva oportunidad para nosotros».

El grupo está presentando el libro biográfico ‘Algo que sirva como luz’, escrito por el periodista Fernando Navarro. Indica Jaime: «Si alguno de nosotros se hubiera quedado allí, no estaríamos aquí, pero está Chicharro (manager, también en el coche en el momento del accidente) y la persona del otro coche, que también sobrevivió. Ahora toca reinventarnos y hacer otro tipo de cosas, pero siempre con la música en mente. Es por lo que estamos luchando. Es un objetivo parecido, solo que desde otra perspectiva. Teníamos dos opciones: quedarnos flotando en el ostracismo o coger el toro por los cuernos, hacer terapia y plantarnos como Supersubmarina, que creo que puede llevarnos a cosas muy buenas, quién sabe. Esa es la terapia que hemos hecho, a ver dónde nos lleva».

El batería Juanca, que estuvo en cuidados intensivos durante semanas, relata que le costó darse cuenta de la gravedad del accidente. Su primer impulso al recibir el alta fue ir al local de ensayo y prepararlo todo para volver. «Pensé que íbamos a hacer conciertos a finales de 2017. No era realista. Me di cuenta cuando volvimos a Baeza del hospital y subimos a Madrid a ver a Jose, que estaba en la Clínica San Vicente. Yo había preparado los instrumentos, montado todo, estaba todo limpísimo para ensayar… Esos meses fueron de «Juanca, date cuenta de que esto va a ser largo». Y ahí me vino un golpe de realidad de pasarlo realmente mal». Ante una pregunta del público, el grupo excusa así que en un primer momento emitieran comunicados, para después decidir abandonarlos: «La situación era lo suficientemente grave. Cuando salimos, necesitamos tiempo para nosotros mismos».

El periodista Fernando Navarro ha elogiado el compañerismo en la banda y en torno a ella, recordando una frase de su propia madre, fallecida de cáncer: «acércate a la bondad». Insistiendo en que el libro no solo celebra la vida, sino la amistad de estos «seres de luz», ha recalcado la generosidad de amigos, novias y familiares de la banda al contribuir con más de 60 entrevistas. A veces rompiéndose al volver al hotel tras lidiar con tantas emociones.

Un cariño que conoce muy bien el bajista de Supersubmarina, Pope, que conducía la noche del accidente. «En ningún momento tuvieron una mala palabra. Ni ninguno de ellos ni sus familiares. Nunca me echaron la culpa», agradece, siendo asistido enseguida por Jaime: «Es que tú no tenías la culpa, podíamos haber conducido cualquiera».

Curiosamente Jose El Chino, con problemas de movilidad y parálisis en el brazo derecho, es quien ha puesto varias notas de humor, por ejemplo sobre lo que coloca el fentanilo que les daban. Y eso que su relato es el de una persona que ha tenido que aprender a volver a «andar, vestirse, lavarse los dientes» y que apenas recuerda nada de 7 años antes del accidente ni de 7 años después. Aimar pregunta sobre qué le pareció escuchar la música del grupo tras haberla olvidado: «Hay canciones mejores y otras peores, te lo digo», espeta ante las risas del público. «Hay algunas que no las escucho, directamente». Y añade que algunas estaban en ‘La maqueta’ de sus inicios que publican el 12 de abril y que justo están promocionando.

El Chino reconoce que «han sido años durísimos» y sigue «con rehabilitación». «Pero ya me queda poco, creo». Actualmente intenta ir al gimnasio, jugar al fútbol o tocar la guitarra cada día. Pese a que el camino luce largo, se muestra esperanzado sobre el futuro de la banda. «Estoy seguro de que habrá otro disco. Soy muy cabezón». Jaime se muestra más precavido. «No podemos ser hipócritas, hay que ser realistas. No podemos decir que en un año o dos habrá algo. No lo sabemos. La voluntad no la vamos a dejar en ningún momento y eso es la gasolina que nos mueve».

Dua Lipa anuncia ‘Illusion’, tema clave en ‘Radical Optimism’

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Dua Lipa acaba de anunciar el tercer single de ‘Radical Optimism’, su próximo trabajo discográfico. Se titula ‘Illusion’ y servirá como continuación de ‘Houdini’ y ‘Training Season’. Se publicará el próximo 11 de abril, en tan solo una semana, y se espera que sea el último adelanto antes del lanzamiento del disco el 3 de mayo.

Esta es una de las canciones más especiales de ‘Radical Optimism’ para Dua Lipa. En una entrevista ofrecida a Variety, la artista confesó que fue la que le dio su «momento eureka» en la creación del largo: «Sentía que, líricamente, ‘Illusion’ desprendía un optimismo radical. Me llegué a sentir muy fuerte durante su proceso de composición, porque consistía en ver más allá de las gilipolleces de alguien. Y comprenderlo por lo que realmente es y entretenerte porque sí, aunque en el fondo veas lo que está pasando».

Dua Lipa revela que, al escribir ‘Illusion’, se notaba en una «posición de poder más fuerte», puesto que antes «habría sucumbido» y ahora puede «bailar con ilusión». El tema se encuentra producido por Kevin Parker. Escucha a continuación un adelanto:

¿Estás en la lista de mejores amigos de Billie Eilish?

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JENESAISPOP se encuentra en la lista de mejores amigos de Billie Eilish. La artista ha compartido una misteriosa fotografía que parece adelantar el anuncio de una nueva canción, continuando así con la promoción que empezó hace unos días en algunos carteles publicitarios de Estados Unidos. Desde que Eilish compartió la story para sus «mejores amigos» hace unas horas, la cantante ha ganado más de 200.000 seguidores en Instagram. ¿Eres tú también mejor amigo de Billie Eilish?

Alba Morena / Yo te quiero pero

El entusiasmo con que descubrí a Alba Morena se ha desvanecido ligeramente con el paso del tiempo. Hace un año y medio me dejó boquiabierto teloneando a Kae Tempest. Pocas veces he tenido tan claro viendo a un mero artista invitado que tenía delante a la revelación del momento. Voz, actitud, producción, canciones, letras que no se andan por las ramas… La publicación del single ‘Nadie’ me terminó de hypear. Buscadla en las mejores listas de Canciones de 2023. Y después… la nada. Un fichaje por Sonido Muchacho, de los que implican la promoción en Virgin… pero de música nueva, nada en absoluto.

Fans y prensa nunca estamos contentos. Criticamos que se precipiten los lanzamientos (los talents tipo Operación Triunfo serían el ejemplo más flagrante) y también que se dilaten dos años. De hecho, una de las futuras composiciones de Alba Morena es una desafiante grabación cuya letra se queja «otro hombre dice lo que tengo que hacer», así que quizá sobren las quejas y los lamentos.

En cualquier caso, el EP ‘Yo te quiero pero’ alivia la espera hacia el segundo disco de la artista de Salou, tanto como la recuperación puntual de su primer largo, que ya apuntaba maneras. Todas las que encontráis aquí. La artista cita como influencias tanto clásicos del pop español como prodigios de la electrónica anglosajona. Describe su nuevo hit ‘Yo te quiero pero‘ «como si Ana Torroja se liara con James Blake», siendo el resultado mucho más suculento de lo que sugiere tan rocambolesca imagen.

Porque si para algo sirven las producciones de Alba Morena -ya no trabaja con Marcel Bagès ni David Soler- es para crear imágenes, para estimular nuestra imaginación. Cada una de las 5 piezas de este EP nos lleva a un mundo diferente. Mientras el segundo disco en el que sigue trabajando tendrá un hilo más definido, este compila canciones de diferentes épocas y temáticas, que eran especiales para ella. En ‘Yo te quiero pero’, de brillante segunda estrofa (el cambio melódico en «partituras, whatsapps…»), no está hablando de sí misma, de la producción de este EP, sino de la «productividad» del mundo capitalista. Es habitual que se inspire en sus amigos para las letras, y es el caso.

No tanto el de ‘Otra vez’, en la que afronta una ruptura, pero desde la perspectiva de haber sucumbido al amor solo para tapar «parches que quería esconder». «He idealizado todo otra vez, me he descuidado una y otra vez», indica reflexionando sobre salud mental y amor propio. La producción más mutante es ‘Me siento muy triste’, que ella define como «una bachata eclesiástica», pero en verdad empieza como una canción melódica de los años 70. Parece una versión de un tema escrito por Manuel Alejandro, aunque a ella le suena -otra vez- a Mecano. Curioso para una persona nacida en el siglo XXI, una década después de la separación del trío.

Aunque si hablamos de canciones personales, hay que hablar de ‘A mi hermano’. Deja sin respiración la minimalista composición final dedicada a un familiar que ya está entre nosotros. Tiene el encanto de ‘No Need to Argue’ de Cranberries o ‘Your House’ de Alanis Morissette. Sin ser la canción más arriesgada, es la que nos hace volver a ‘Me siento muy triste’, la que nos hace apreciar más la bulería ‘No me queda na’, la que nos hace echar en falta menos ‘Nadie’ por aquí. Quizá esta se esté reservando para el segundo disco… ¿que no puede salir más allá de este otoño, no? ¿O sí?

Alba Morena actúa el 11 de abril en Madrid como parte de Sound Isidro.

Peggy Gou quiere escucharte en su álbum debut, ‘I Hear You’

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Peggy Gou acaba de anunciar su primer álbum de estudio, ‘I Hear You’. Después de numerosos singles de electrónica, la artista surcoreana se atreve con un trabajo discográfico de hasta 10 canciones que dará la bienvenida al verano con su lanzamiento el próximo 7 de junio.

Entre las canciones que incluye su debut destaca el hit ‘(It Goes Like) Nanana’, que se ha convertido en el tema más importante de su carrera con más de 400 millones de reproducciones en Spotify y fue seleccionada como una de las diez mejores canciones de 2023 para JENESAISPOP.

Hasta el momento conocemos tres pistas del álbum. A la ya mencionada ‘(It Goes Like) Nanana’ se le unen la colaboración con el rockero Lenny Kravitz ‘I Believe In Love Again’ y su recién sacada ‘1+1=11’. Esta última se encargará de cerrar ‘I Hear You’ y, aunque paradójicamente seamos nosotros quienes no la escuchamos a ella durante la canción, su base electrónica continúa en la línea de las dos anteriores.

«Este disco es más que mi debut. Reúne incontables horas de dedicación en mi viaje por crear algo atemporal, y es un homenaje al poder de escuchar, a nosotros mismos y a los demás», ha dicho Peggy Gou sobre ‘I Hear You’. Este es su tracklist:

1. Your Art
2. Back to One
3. I Believe in Love Again [ft. Lenny Kravitz]
4. All That [ft. Villano Antillano]
5. (It Goes Like) Nanana
6. Lobster Telephone
7. Seoulsi Peggygou (서울시페기구)
8. I Go
9. Purple Horizon
10. 1+1=11

Amaral y Carlos Sadness, entre los confirmados del Low

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Ya son más de 30 los nombres confirmados para la próxima edición del Low Festival 2024, que se celebrará del 26 al 28 de julio en Benidorm. Amaral, Joe Goddard, VVV [Trippin’you], Carlos Sadness, Lady Banana y Flash Show son los nuevos artistas que se añaden hoy al cartel. JENESAISPOP es medio colaborador del evento.

Estos nombres se unen a un Low Festival 2024 que ya contaba con Pixies, Suede, Mikel Izal, Arde Bogotá, La Casa Azul, Ojete Calor, La Plazuela, Ginebras, Sidonie, El Columpio Asesino, Shinova, Delaporte, Veintiuno, Night Beats, Big Special, Hidrogenesse, Chico Blanco DJ Set, Repion, Shego, El Buen Hijo, Sienna, Sandré, Barry B, Morreo, Vatocholo, Maren, Kavinsky, Los Planetas (celebrando 30 años de ‘Super 8’), La La Love You, Will Butler + Sister Squares, Horse Meat Disco, Parquesvr, INNMIR y Niños Luchando y Viscopaf.

Asimismo, la organización ya ha dado más detalles sobre el recinto que volverá a acoger la nueva edición del Festival, confirmado más de 20.000 metros cuadrados de zonas verdes, con zonas relax para descansar entre conciertos y dos zonas VIP (una de ellas con piscina olímpica). De esta forma, Low Festival 2024 tratará de «poner a Benidorm en el punto de mira de los mejores festivales de música en directo».

Los abonos generales VIP o VIP POOL siguen a la venta desde 64,99€ solo hasta este domingo 7 de abril (o hasta agotar el cupo de los 1.000 disponibles) cuando subirá el precio en lowfestival.es/abonos/ y www.entradas.com.

Billie Piper revela que Amy Winehouse sufrió acoso escolar

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Billie Piper en el centro, Amy Winehouse arriba a la derecha

Billie Piper ha hablado de Amy Winehouse en ‘Table Manners’, el podcast de Jessie Ware. En la entrevista, Piper revela que su amiga Amy Winehouse sufrió el acoso de sus compañeros de clase durante su formación en un instituto de arte de Londres. «Iba a su bola, le gustaba hacer cosas diferentes y a mí me encantaba, pero los demás la acosaban y no fue un periodo fácil», ha contado la actriz y ex cantante británica.

Billie Piper y Amy Winehouse acudieron a la misma escuela en Londres, la Sylvia Young Theatre School, durante los años noventa, e hicieron migas. De Amy Billie destaca que era una persona «súper espabilada, brillante, a diferencia de cualquier otra chica de la escuela». Dice que le gustaba hacer «cosas abstractas» y que era «provocadora» de naturaleza: «Yo tenía mucho interés en eso, pero el resto de chicas no», señala la artista.

Las carreras musicales de Billie Piper y Amy Winehouse nunca llegaron a cruzarse. Piper dejó la música después del lanzamiento de su segundo y último álbum, ‘Walk of Life’, en el año 2000, y Winehouse no publicaría su debut, ‘Frank‘, hasta 2003. Por circunstancias trágicas de la vida, Winehouse, como Piper, publicó solo dos álbumes en vida, antes de fallecer en 2011.

Centrándose en su faceta interpretativa, de la pantalla al teatro, Piper ha protagonizado papeles conocidos en ‘Doctor Who’ y después en la serie ‘Secret Diary of a Call Girl’, cuyo tema principal, por cierto, era ‘You Know I’m No Good’ de Amy Winehouse. Estos días, Piper promociona la película ‘Scoop’, que se estrena en Netflix el 5 de abril.

Otra película, la que narra la vida de Amy Winehouse, ‘Back to Black‘, se estrena también próximamente, el 12 de abril, con Marisa Abela en el papel protagonista. Mark Ronson, productor de ‘Back to Black’, el multimillonario disco de Winehouse, no aparecerá en el biopic.

Avance en exclusiva de ‘Segundo premio’, la peli sobre Los Planetas

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Este mes de marzo se ha estrenado en el Festival de Málaga ‘Segundo premio’, la película que narra libremente, desde la ficción, la historia de Los Planetas. ‘Segundo premio’ ha sido la ganadora de la Biznaga de Oro a la Mejor Película Española en el festival malagueño. La historia de ‘Segundo premio’ parte desde el momento en que May, bajista original de Los Planetas, deja la banda antes de que el grupo publique su tercer disco, el rompedor ‘Una semana en el motor de un autobús‘ (1998).

La película dirigida por Isaki Lacuesta (‘Entre dos aguas‘, ‘Un año, una noche‘) y Pol Rodríguez entre Granada, Sevilla y Nueva York, con guion de Fernando Navarro, se ambienta en los años noventa en Granada, una ciudad «en plena efervescencia artística y cultural» en la que «un grupo de música indie vive su momento más delicado». May, la bajista, «rompe con la banda buscando su sitio fuera de la música y el guitarrista está inmerso en una peligrosa espiral de autodestrucción». Mientras, sigue la nota oficial, «el cantante se enfrenta a un complicado proceso de escritura y grabación de su tercer disco», el mismo que «cambiará para siempre la escena musical de todo el país».

Hoy, desde JENESAISPOP tenemos el honor de estrenar un avance oficial de ‘Segundo premio’, tras otro compartido en la web del Festival de Málaga de manera temporal, centrado en May -interpretada por la actriz emergente Stéphanie Magnin-. En el que hoy estrenamos podéis ver una muestra de la amistad entre los protagonistas, centro de la película, y de la admiración hacia Federico García Lorca. ‘Segundo premio’ se estrena en cines de toda España el próximo 24 de mayo.

Los Planetas inicia en breve la gira especial por el treinta aniversario de ‘Super 8’, su álbum debut. Los Planetas recordará ‘Super 8’ en multitud de festivales en 2024, entre ellos el Bilbao BBK Live, el Low de Benidorm o el Tomavistas de Madrid. En la página de Instagram de Los Planetas están disponibles todas las fechas de la gira de ‘Super 8’.

Podcast con J de Los Planetas sobre su último disco, ‘Plena pausa’

Triángulo anuncia la marcha de Zippo y gira de 20 aniversario

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Triángulo de Amor Bizarro ha anunciado las primeras fechas de la gira con la que celebrará veinte años en la música. La primera cita confirmada es el 4 de octubre en Granada. Después, la gira seguirá en Bilbao en una fecha aún determinar y continuará el 19 de octubre en Vigo y el 2 de noviembre en Santiago de Compostela. Después, Triángulo realizará tres fechas en Madrid los días 14, 15 y 16 de noviembre, y el 13 de diciembre la gira pasará por Barcelona.

Las entradas para la gira ’20XXAÑOS del TRIÁNGULO XX20 AÑOS’ salen el día 10 de abril. Os recordamos que la ruta de la gira no se ha revelado al completo y que todavía quedan fechas por anunciar.

Triángulo, por otro lado, ha anunciado que la gira contará con un componente interactivo: «El público y el azar decidirán 2 discos en cada concierto», ha explicado. «Cada concierto será distinto del anterior. Estamos en manos del destino….y de ustedes».

Estos días, además, Triángulo ha anunciado que vuelve a ser un «triángulo» tras la marcha de su guitarrista y teclista, Zippo. En la formación desde 2011, Zippo entró sustituyendo a Oscar Vilariño. Zippo ha decidido abandonar Triángulo por motivos personales. Isabel Cea, Rodrigo Caamaño y Rafael Mallo han comentado la salida de Zippo después de más de 10 años: «Los cambios ocurren, así que seguiremos haciendo lo de siempre: adaptarnos y mutar. Desde hoy seremos otro grupo, un triángulo en la búsqueda de formas nuevas para seguir haciendo la música que mejor transmita nuestro espíritu».

SED‘, el último disco de Triángulo de Amor Bizarro, ha sido uno de los mejores discos de 2023, y aparece nuevamente reseñado en el Anuario. Os dejamos con el videoclip de ‘La carretera nocturna‘ estrenado en esta casa.