Teo Planell lanzó el viernes su esperado EP de folk, ‘Aún No Existía Beatrice’, inspirado directamente en su nueva vida en la sierra madrileña y en el silencio que la acompaña. ‘Abraxas!’, la canción que abre el proyecto, es la Canción del Día.
Acompañado por el cálido violonchelo de Carlos Clerencia, los falsettos de Roy Borland y una melodía que parece sacada del cancionero de Sufjan Stevens o Simon & Garfunkel, Teo Planell es capaz de transmitir la nostalgia de toda una vida con tan solo 20 años. Es gracias a frases como esta: «Cruzaré el campo persiguiendo una luz que me devuelva mi hermosa juventud».
JENESAISPOP tuvo el placer de visitar su casa-estudio, bautizada como El Royale, en la que convive con Borland y los artistas Yero G y Azuleja. Este bucólico lugar ha sido el germen de ‘Aún No Existía Beatrice’. Título, por cierto, inspirado en la novela ‘Demian’, de Hermann Hesse.
Hablando con Borland y Planell, nos cuentan que siempre se aseguran de que «todo lo que hagamos sea el fruto inevitable del ahora». Quizás por eso ‘Abraxas!’ y ‘Canción en Murcia’ suenan tan orgánicas y sinceras. Citan a Adrianne Lenker, The Smile y Cindy Lee entre sus artistas favoritas del año, sin ignorar la evidente influencia armónica de The Beatles y The Beach Boys.
Planell también adelantó la salida de un disco debut que poco se parece a lo ofrecido en este EP. Se asmejará más a sus primeros singles, «con sintetizadores y sonido de banda». De momento solo hemos escuchado dos canciones, ‘Radio’ y ‘Me Vas A Matar’, pero ha sido suficiente para que no podamos esperar más.
Dos ediciones y parece que el Brava siempre ha estado ahí. Incluso en un lugar tan remoto como el IFEMA, incluso a pesar de la pesadilla que supone salir de madrugada de allí, el festival ha mostrado su músculo convocando a decenas de miles de personas. El viernes casi todas vestidas de rosa; el sábado, de cowboy.
Decían el año pasado los titulares de la prensa generalista y de la especializada también, que Brava parecía el Orgullo, y esta edición se ha confirmado. Con un cartel en el que caben Aqua, Chenoa, Samantha Hudson, Mayo o Nebulossa, el festival se ha convertido en un acontecimiento para la comunidad LGTBIQ+. Rara es la persona de la ciudad de tu muro de Instagram o Grindr que no te cruzas, hasta el punto de que el festival funciona ya como un evento social que trasciende a los artistas que actúan. Vaticino un enorme éxito en el futuro para Brava, al margen de su cartel. Aquí la noticia es por qué a nadie se le había ocurrido antes montar un festival como este en una ciudad tan marica como Madrid, y por qué sí se le ha ocurrido justo a The Music Republic, los organizadores de Arenal Sound (!) y el nuevo FIB (!!).
Sophie Ellis-Bextor ofreció el mejor concierto de las dos jornadas, encabezando el Brava Stage hacia las diez de la noche del sábado. Reivindicada por estos lares desde mucho antes del viral que le dio ‘Saltburn‘, la artista se presentó vestida de diva disco, dispuesta a renunciar a su faceta de cantautora.
Eso supuso que no sonara en absoluto su mejor composición, ‘Young Blood’. Sophie Ellis-Bextor ha tenido una época de recogimiento como artista que ha tenido su buena recepción en Reino Unido, pero que el público español desconoce. Quizá por ello optó por hacer un set enteramente disco, en el que cupieron versiones de ‘Lady’ de Modjo y «Gimme» de ABBA. Y de su «canción favorita», ‘Like a Prayer’.
Comenzando con un cover de ‘Crying at the Discoteque’ y su gran hit electro, ‘Catch You’, el show solo podía ser coronado por una ‘Murder on the Dancefloor’ que nunca había sido tan celebrada en España. La propia artista contó que era la primera vez que actuaba en un festival de nuestro país y lucía encantada con el calor del público. Fue la gran diva en un festival plagado de las mismas, tanto encima como debajo del escenario.
Nebulossa fueron los encargados de abrir Brava el viernes por la tarde. Programados a las 18.00 horas de un día laboral, fueron el conejillo de indias que tenía que conseguir que el público se arrastrara a las barras dispuestas en IFEMA, cuanto antes, mejor. La recompensa era un 2×1 en bebida que terminaba a las 19.00 y un show muy simpático que comenzaba y terminaba con su gran hit, ‘Zorra’, la primera vez sin bailarines y la última, con una coreografía similar a la que llevaron a Eurovisión.
Salvo por un pequeño jaleo de voces dobladas o pregrabadas, Nebulossa dieron un buen concierto en el que interpretaron muchos de sus recomendables hits paralelos a ‘Zorra’, de ‘Me ha dado porno’ al actual ‘Cotilleo’ pasando por ‘Me pones a mil’. No faltaron unas cuantas versiones. Quizá demasiadas para lo que molaba su disco anterior, ‘Poliédrica de mí‘. Porque pase recuperar a la Human League adaptada al español (‘Don’t You Want Me’) seguida de una reivindicación de OMD contra la guerra (‘Enola Gay’), pero es que también interpretaron ‘La revolución sexual’, ‘A quién le importa’ y un cacho de Village People para terminar.
También cierta sensación de Década Prodigiosa dejaba el show de Angy cuando interpretaba ‘Bad Romance’, ‘Toxic’ y ‘Like a Prayer’ (ella lo hizo antes que Sophie Ellis-Bextor), aunque la parte favorita del respetable fue la recuperación del tema principal de ‘Física o química’. Todo simpatía y amor, Angy explicó que para ella era muy importante tocar con una banda al completo (gran parte de la música de Brava puede ser playback, obviamente hay mucho show de drag tipo Pupi Poison), y también bromeó sobre el libro autobiográfico que va a sacar en octubre. Si es la mitad de bueno que su tema ’Sé quién soy’, con su preciosa puesta en escena relacionada con la terapia y el autoconocimiento exhibida en Benidorm Fest, valdrá la pena.
Otras que iban a exhibir banda eran obviamente Ginebras, que llevaron al escenario principal su show verbenero, encabezado por la pizpireta ‘Alex Turner’. Tiene su set ya tantos hits como ‘Crystal Fighters’, ‘Billie Max’ o el cover de ‘Con altura’, y el único pero que se le pudo poner es el que se le tuvo que poner a todo aquel que pasó por el escenario principal: una falta clara de volumen. Ginebras celebraron, no obstante, el disco de oro que les acaban de dar por su tema ‘La típica canción’.
Aqua, gran cabeza de cartel del viernes, ofrecieron igualmente un show de banda, más concentrado en su musicalidad en directo que en la fantasía que se espera de los autores de ‘Barbie Girl’. Con unas decepcionantes proyecciones que solían ceñirse al correspondiente videoclip, su concierto fue un triunfo cuando presentaba un “greatest hit” y no tanto cuando no tocaba. Comenzaron fuertes con su mejor canción, ‘Cartoon Heroes’, y no flaquearon en ‘Around the World’ o ’Turn Back Time’, con recuerdo a la película de Gwyneth Paltrow. Pero no siempre mantuvieron el ritmo hasta que llegaron, al cierre, ‘My Oh My’, ‘Barbie Girl’ y ‘Doctor Jones’. Un show más breve en un entorno como este, o algo más de imaginación en la puesta en escena, les habría sentado bien a Lene y René.
Samantha Hudson protagonizó una actuación multitudinaria en el Escenario Repsol hasta el punto de que allí no cabía ni un alfiler. La artista se fue convirtiendo en una hormiguita que veías cada vez más a lo lejos porque cada vez se sumaba más y más gente. ¿Samantha Hudson al WiZink también? Además de burlarse irónicamente de la EDM de Calvin Harris que se «pasa por el coño» pero a la vez utiliza, presentó una entretenida colección de canciones sobre “burguesas arruinadas” y “perras”, así como “adictas al sonido”, encabezada por ‘Otra vez’. Y lo de “no hay un puto taxi” fue premonitorio. Conseguir un taxi para salir del IFEMA se convirtió en un infierno tanto el viernes, cuando la policía municipal fue incapaz de formar una cola ordenada, como el sábado, cuando el exceso de gente provocó una hora de espera en la cola de taxis. Que abran hasta las 6 y nos dejamos de líos.
El retraso en el show de Natalia Lacunza, que también afectó a varios grupos de ambos escenarios durante la jornada de sábado, impidió que pudiéramos verla. Al final nos decantamos por una Chenoa emocionada de actuar frente a miles y miles de personas. La cantante remozada por la presentación de Operación Triunfo tuvo que contener las lágrimas cuando se dio cuenta de que las masas aún recuerdan y entonan canciones como ‘Atrévete’ o ‘Cuando tú vas’. En cuanto a artistas del último OT, Mayo desató un griterío sobre todo femenino actuando junto a sus bailarines en el Escenario Repsol.
Muy diferente había sido el set de Nena Daconte, de banda de pop-rock, cada vez más concentrado en el sonido de los primeros Vetusta Morla. Demasiado amparado en el medio tiempo, el set solo despegó cuando acumuló al final ‘En qué estrella estará’ y ‘Tenía tanto que darte’, tan coreada como os estáis imaginando.
Si Icona Pop había cerrado la jornada de viernes con lo que resultó ser más bien una sesión dance que tenía que ser coronada por ‘I Love It’ en los últimos coletazos del «Brat Summer», Zara Larsson ofrecía el sábado de madrugada un concierto real. Su look de princesa no era incompatible con la interpretación de éxitos dance como ‘I Would Like’ o ‘Symphony’ de Clean Bandit, manteniendo al público entretenido hasta casi las 3 de la madrugada. Entonces de nuevo todo el buen rollo que había entre la gente se disipó para pelear por un taxi a casa, pero ni siquiera el ansia pudo con la sensación de familiaridad, buen rollo y espacio seguro que Brava había creado. Ojalá Madrid fuera esto, y no lo que vemos a diario.
Janet Jackson parece estar perdidísima de cara a las siguientes elecciones en Estados Unidos. En una nueva entrevista con The Guardian, la cantante parece cuestionar la ascendencia de Kamala Harris, asegurando que «no es negra», sino «india». La verdad es que la actual vicepresidenta es las dos cosas: su padre es jamaicano y su madre es india.
Al preguntarle por la posibilidad de tener la primera presidenta negra en la Casa Blanca, Jackson cree que tiene la primicia: «Bueno, ¿sabes lo que han dicho?», responde. «No es negra. Eso es lo que he oído. Es india», concluyó. La entrevistadora le aclara a Jackson la identidad de Kamala, y concreta que los que más suelen cuestionar esto son los votantes de Trump.
Sin embargo, Jackson simplemente parece haber sido víctima de un algoritmo traicionero. «No sé», responde a la pregunta de si el país está preparado para una presidenta negra: «Honestamente, no quiero responder eso porque, de verdad, no lo sé. Creo que pase lo que pase va a ser un caos», concluye.
Donald Trump ya habló hace unos meses sobre la identidad de Kamala, cuestionando su etnia: «La conozco desde hace mucho tiempo, indirectamente, y ella siempre fue de ascendencia india y solo estaba promoviendo la herencia india. No sabía que ella era negra hasta hace unos años, cuando por casualidad se volvió negra», declaró el expresidente.
Chappell Roan ha compartido en una entrevista con The Guardian que recientemente ha sido diagnosticada con «depresión severa», tras su meteórico ascenso a la fama. Durante los últimos meses, la cantante de ‘Pink Pony Club’ ha sido abierta sobre su relación con los fans y los comportamientos «extraños» y «predatorios» de estos.
En la conversación con The Guardian, Roan ha contado que ha sido diagnosticada con depresión tras «ir a un psiquiatra la semana pasada porque no sabía qué estaba pasando»: «Me diagnosticó con depresión severa, lo cual no pensaba que tenía porque no estoy triste, pero tengo todos los síntomas de alguien que está seriamente deprimida», ha contado. Entre estos, un «punto de vista muy apagado».
Ella misma lo achaca al hecho de que «toda mi vida» ha cambiado: «Todo lo que me encanta hacer ahora viene con una carga»: «Si quiero ir de tiendas, tengo que contratar seguridad y hacerme a la idea de que esto no va a ser normal», ha explicado. Lo mismo con «ir al parque» o a «pilates».
Roan también cuenta lo que le ocurre «cada vez que salgo de casa»: «No puedo evitarlo, simplemente empiezo a llorar y me enfado conmigo por elegir este camino o me lamento por cómo la curiosidad que tenía sobre el mundo me ha sido arrebatada de alguna forma», ha revelado.
En 1988, tras haber debutado con ‘La gran aventura de Pee-Wee’, un joven Tim Burton estrenaba su segunda película, ‘Bitelchús’, la primera en mostrar realmente el imaginario tétrico que definiría su obra posterior. En ella, una pareja fallecía en un trágico accidente de coche y ambos se convertían en fantasmas primerizos atrapados en su propia casa. La llegada de nuevos inquilinos perturbaba la calma del hogar que habían construido en vida, por lo que su objetivo era intentar echarlos mediante sus recién estrenadas cualidades paranormales con la ayuda del demonio Bitelchús. Sin embargo, Lydia Deetz, la hija gótica de aquella excéntrica familia que acababa de mudarse sí podía verlos y hablar con ellos.
36 años más tarde, Winona Ryder regresa a ese papel que le hizo famosa, ahora convertida en una médium reconocida de la televisión americana y en madre de una hija adolescente. Aún traumatizada por la figura de Bitelchús, su mundo vuelve a tambalearse a raíz de una tragedia familiar que la obligará a reconectar con su pasado con el Más Allá.
Además de Ryder, Tim Burton reúne a dos de los actores que protagonizaron la película original, Michael Keaton y Catherine O’Hara, e incorpora otros grandes nombres como Willem Dafoe, Jenna Ortega, Monica Bellucci o Justin Theroux. Todos ellos encajan perfectamente en el universo del cineasta, y todos ellos parecen habérselo pasado en grande filmando esta secuela tan gamberra como profundamente caótica. Por desgracia, esa despreocupada alegría que traspasa la pantalla no es suficiente para pasar por alto todas las incongruencias y carencias que la película presenta.
Burton y sus guionistas Alfred Gough, Seth Grahame-Smith y Miles Millar, abren un sinfín de subtramas que no llegan a ninguna parte y que no solo emborronan la trama principal, sino que hacen que esta sea prácticamente invisible. Tras un arranque de lo más confuso, donde se presenta a los mil y un personajes que aparecerán y desaparecerán de la historia sin ton ni son, el filme muestra al fin sus cartas bien pasada la media hora. Esta larguísima introducción sirve para implantar el tono festivo y autorreferencial de la obra, pero su ruidosa exhibición de ideas no tarda en resultar cansina.
Dentro de este popurrí, destaca la escena en la que una descuartizada Monica Bellucci se reconstruye a sí misma en el que puede considerarse un homenaje tanto a ‘La novia cadáver’ como a la Sally de ‘Pesadilla antes de Navidad’. Más allá de ese atisbo de genio, que funciona para mostrar lo que Burton es capaz de hacer cuando está inspirado (y quizá también para fardar de su despampanante pareja sentimental en la vida real), ese personaje parece un añadido de última hora, pues su existencia no interfiere en absoluto en el camino de ninguno de los protagonistas.
Este problema sirve como ejemplo para toda la película, ya que su guion que nunca tiene claro qué es exactamente lo que quiere contar y parece que sus múltiples subtramas han sido añadidas a base de grapar unas con otras sin orden ni concierto. Por si fuera poco, Burton recurre a un sonrojante deus ex machina para resolverlas todas a la vez. Entre todo ese caos, hay alguna situación y línea de diálogo divertida, pero no lo suficiente como para salvar una película decepcionante, cuyo mayor lastre es su nula lógica interna. A diferencia de la original, donde cada acción y decisión se regía por las reglas impuestas de su particular universo, en ‘Bitelchús, Bitelchús’ prima el “todo vale” por encima de todo.
El encanto de la primera entrega tampoco está en el aspecto visual, que emula la plasticidad artesanal de los ochenta pero que nunca llega a encajar con la digitalización de los medios contemporáneos, pese a alguna esporádica idea visual potente o alguna imagen simpática de los personajes que pueblan el Más Allá. Esta nostálgica e innecesaria secuela de ‘Bitelchús’ no levanta la mala racha artística de Tim Burton, un cineasta capaz de crear mundos e historias fascinantes, pero totalmente estancado en lo que un día fue.
Franz Ferdinand ha agotado en 24 horas las entradas para los tres conciertos que llevarán a cabo en nuestro país en febrero de 2025. De esta manera, los shows del 15 de febrero en la Pelicano de A Coruña, del 17 de febrero en La Riviera de Madrid y del 18 de febrero en la Razzmatazz de Barcelona ya están completos.
Las entradas salieron a la venta ayer, 20 de septiembre, a las 11h en Live Nation, Ticketmaster y El Corte Inglés. Esta mañana, ya no quedaba ninguna. Además de los conciertos, Franz Ferdinand también anunciaron la salida de un nuevo disco, ‘The Human Fear’, que estará disponible el próximo 10 de enero.
De esta manera, en los shows sonarán viejos éxitos como ‘Take Me Out’ o ‘Walk Away’, pero también material nuevo. El álbum habla sobre «los miedos más profundos y cómo superarlos y aceptarlos» y, de momento, se puede escuchar el primer single, ‘Audacious’.
El debut de C. Tangana en el cine como director del documental ‘La guitarra flamenca de Yerai Cortés’ ha sido todo un éxito. Comparaciones con Carlos Saura y grandes reseñas han marcado el estreno de la película en el Festival de San Sebastián, en la sección Nuevos Directores. Además, y de forma adicional, ha aclarado su postura respecto a hacer nueva música.
El Diario compara a Carlos Saura con C. Tangana por la manera de representar el flamenco en la cinta, con «vibrantes planos secuencia» y un «uso del sonido directo que emociona». El documental, descrito como un «excelente debut» y grabado «cámara en mano» y «sin cortar», sigue al guitarrista Yerai Cortés por distintas actuaciones a la vez que cuenta una historia de traumas familiares.
En cuanto a estas comparaciones, Antón Álvarez ha aclarado que la cinta «tiene un espíritu de ser una contestación a Saura», en vez de una imitación: «Para mí es un gran maestro, y yo he tenido un acercamiento al flamenco profundo gracias a él y a su mirada», cuenta.
Sin embargo, lo que ha intentando Tangana es mostrar otra cara del mismo asunto: «Para que Saura pueda hacer todo ese despliegue hay que entender que existe otra forma de vivir el flamenco que está por el otro lado y que se construye hacia adentro para que luego se pueda subir a un escenario y verlo así de magnífico», concluye.
El Mundo, a su vez, preguntó a Álvarez por sus planes en la música. En concreto, por aquel disco de rap perdido que iba a lanzar en 2018, antes de emprender el viaje que acabaría desembocando en ‘El Madrileño’: «Eso lo sacarán cuando me muera», bromeA, a la vez que desmiente la posibilidad de su lanzamiento.
Este también aclara que, si saca algo, debe ser estrictamente «contemporáneo». Eso sí, cuenta que no está haciendo música actualmente: «Llevo dos años sin entrar en el estudio».
Bon Iver ha salido de su letargo para volver a la cabaña donde empezó todo. Han pasado más de cinco años desde su último proyecto, el refinado y electrónico ‘i, i’. La espera terminará el próximo 18 de octubre con la salida de ‘SABLE’, un EP de tres canciones de las cuales ya podemos escuchar una, ‘S P E Y S I D E’.
El sentido íntimo de ‘SABLE’ brilla totalmente en ‘S P E Y S I D E’, que recuerda directamente a los tiempos de ‘For Emma, Forever Ago’. Unas punzantes guitarras acústicas dan la bienvenida al tema, sumamente personal y autobiográfico. «Ahora sé que no puedo hacer nada bueno / Ojalá pudiese», canta Vernon en la primera línea haciendo uso de su conocido falsetto. A lo largo del tema queda claro que esto es una disculpa.
Bon Iver ya debutó esta canción en directo hace dos años, uno después de haberla escrito: «Cuando hice esta canción, estaba sintiendo mucha culpa, la cual es una importante emoción a tener. También es una importante emoción que debes dejar atrás», contaba Vernon.
Las tres canciones de ‘SABLE’, según su nota de prensa, sirve como «reset y reintroducción». Estas fueron escritas entre 2020 y 2023 y están centradas en arreglos de voz y guitarra. Las letras son descritas como «proyecciones directas de culpa, angustia y confusión, pero también de asuntos pendientes».
Tracklist:
1. ‘THINGS BEHIND THINGS BEHIND THINGS’
2. ‘S P E Y S I D E’
3. ‘AWARDS SEASON’
FKA twigs logra el nuevo número 1 con ‘Eusexua’, al conseguir el 43% de los votos en X. Se trata del 4º top 1 en nuestra lista para FKA twigs, y el primero en 8 años, pues los anteriores fueron ‘Video Girl’, ‘Pendulum’ y ‘Good to Love’. ‘Two Weeks’ quedó en el 2º puesto al competir con ‘Go’ de Grimes, y ‘cellophane’, extrañamente, quedó en el puesto 13.
Esta semana también entran The Weeknd, Four Tet, Fred again.. y Nebulossa.
Ruslana ha vendido todas las entradas del GÉNESIS Tour en apenas dos horas, todavía sin sacar el disco. De momento, sigue con su propuesta de reivindicación del pop rock en español. ‘QUIÉN SOY’ es su canción más personal hasta la fecha.
Producida por Pablo Rouss, ‘QUIÉN SOY’ empieza con una dulce guitarra acústica que no tarda en desaparecer para dejar hueco al estilo favorito de la cantante, que le sienta estupendamente. «Dime dónde estoy y te diré quién soy / Sigo siendo yo», canta la artista de 19 años. En la nota de prensa, el tema es descrito como un «canto al descubrimiento personal» y con una parte «terapéutica».
En palabras de la propia Ruslana, ‘QUIÉN SOY’ es una «reflexión sobre uno mismo», sobre el «lugar en que realmente nos sentimos nosotros» y sobre lo que «consideramos hogar»: «Tiene que ver con las personas que nos rodean en diferentes momentos de nuestra vida», concluye. Por otro lado, el videoclip está basado en las dos personalidades de Ruslana: el ángel y el demonio.
La gira GÉNESIS llevará a Ruslana por Granada, Sevilla, Barcelona, Zaragoza, Oviedo, Vigo, Tenerife, Madrid, Bilbao y Valencia.
Del 4 al 13 de octubre, la Comunidad de Madrid celebrará las fiestas de la Hispanidad 2024. Como en cada edición, esto significará la programación de conciertos gratuitos alrededor de toda la ciudad. Este año, los nombres incluyen artistas tan grandes como Manuel Turizo, Sen Senra, Javiera Mena, Ralphie Choo, Paula Cendejas, Ptazeta o Rocío Márquez y Bronquio. Aquí la programación de todos los conciertos con horarios.
En total, en la capital se celebrarán 98 conciertos, tanto de artistas nacionales como internacionales. El plato fuerte es el del colombiano Manuel Turizo, que actuará el próximo domingo 6 de octubre en la Puerta de Alcalá, a la 13:00h.
Otros nombres interesantes incluyen a Sen Senra, Javiera Mena y Valeria Castro en la Plaza Mayor; Paula Cendejas y Ptazeta en la Puerta del Sol; Ralphie Choo y Lara91K en Callao e Israel B, Rocío Márquez y Bronquio, y Bratty en Matadero.
Los conciertos comenzarán el sábado 5 de octubre con los Vistel Brothers y La Violondrina. Asimismo, ese día tendrá lugar el Festival MadBlue en el Parque Juan Carlos I, con Iván Ferreiro, Mikel Izal, DJ Nano o Álvaro de Luna, entre otros. Además, salas como Café Berlín, la Maravillas o El Intruso también se llenarán de música durante las fiestas.
Christine and the Queens ahora es Rahim Redcar. No solo eso, sino que además su primer álbum ya tiene fecha de estreno y single. ‘Hopecore’ estará disponible el próximo 27 de septiembre. ‘Deep Holes’, por otro lado, ya está en todas las plataformas.
Ahora, Rahim Redcar va a lanzar lo que sería su proyecto debut. ‘Deep Holes’ es la primera muestra de este trabajo y presenta un sonido de club ochentero en el que Letissier canta: «Nunca tuve esta fe en mí / Que podría ser ese hombre».
En un comunicado de prensa, Redcar cuenta que ‘Hopecore’ está hecho de «lágrimas, sangre y sobre todo una inquebrantable fe en la pura, cruda expresión del alma». Finalmente, describe el disco como «una llamada a la carne» y una «oración a la justicia y a la libertad».
Tracklist:
1. Forgive 8888888
2. Elevate
3. Ins8de of Me
4. Deep Holes
5. Red Birdman Emergency
6. Opera – I Understand
7. Manuela Danse
La semana pasada, el Real Madrid anunciaba la suspensión de todos los conciertos programados en el estado Santiago Bernabéu hasta marzo de 2025, afectando a Aitana, Lola Indigo y DELLAFUENTE. De momento, solo la autora de ‘alpha’ ha comunicado nuevas fechas: 27 y 28 de junio de 2025. Sin embargo, según El Diario, puede que en marzo el problema no se haya acabado.
Las quejas de los vecinos por el ruido finalmente tuvieron sus frutos con el aplazamiento de los shows, pero ni ellos ni los artistas afectados tienen la certeza de que el próximo marzo vaya a cambiar la situación. Según los expertos consultados por el medio digital, en seis meses «no se habrá atajado el problema».
No solo eso, sino que «lo más probable es que seguirán pensando cómo solucionarlo», afirma Daumal i Domènech, asesor acústico, perito judicial y catedrático de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona.
Este mismo ofrece tres posibilidades para poder realizar un concierto en el Santiago Bernabéu. La primera es el mantenimiento de un recinto con aberturas, la segunda sería convertir al Bernabéu en una «caja cerrada» y la tercera es «el aislamiento sonoro y térmico de los vecinos afectados en sus propias casas».
Sin embargo, Daumal aclara que «las soluciones son muy difíciles de materializar» y que la reducción del ruido hasta niveles legales es «casi imposible». Respecto a la tercera vía, este también menciona el «componente social» del problema: «El rechazo también puede venir, en parte, de que no nos guste el tipo de gente de la que procede ese ruido», concluye.
¿A quién pueden caerle mal The xx? Juntos y por separado, el trío formado por Romy Madley Croft, Oliver Sim y Jamie xx ha resultado siempre un amor, despertando el ídem del público con cada uno de sus pasos artísticos. Por algo en el sencillo vídeo de ‘On Hold’ la gente se besaba sin parar.
Incluso cuando no tienen nada que decir como grupo -ahora mismo preparan álbum, como siempre, sin prisa, pero sin pausa-, continúan colaborando en sus proyectos en solitario, sumándose unos a otros para tratar de que cada uno de sus largos recuerde que por encima de todo está su amistad. Así, Jamie xx fue el productor principal de ‘Hideous Bastard’, el álbum de Oliver, y colaboró en ‘Enjoy Your Life’ del disco de Romy del año pasado.
Pero la primera pieza que nos advirtió que la carrera de los tres miembros de The xx iba en serio fue el debut en solitario de Jamie, ‘In Colour’, en 2015. Con permiso del disco-remix que firmó junto a Gil Scott-Heron el mismo año en que este murió, el nada desdeñable ‘We’re New Here’, aquel proyecto fue una revelación. Uno de los grandes álbumes de electrónica de nuestro siglo.
En él también llegaron a colaborar Oliver y Romy en varios de los temas, aunque su punto no era ese, sino su variedad y su tino en la captación de diferentes tendencias. La apertura con la casi instrumental ‘Gosh’, de colosal vídeo, fue un cénit muy difícil de igualar. Y “Good Times” con Young Thug y Popcaan, la evidencia de que Jamie xx se defendía bien en territorios comerciales tropicalillos.
‘In Waves’ es un álbum mucho menos variado, menos comercial y más cohesivo, de alguna manera menos colorido. De ahí quizá el contraste entre la cubierta de ambos trabajos, con ese recuadro en blanco en común, subrayando que son distintos pero primos hermanos. De ahí quizá también que algunas cosas tan llamativas como ‘It’s So Good‘ -el nuevo ‘Gosh’- o una colaboración como Erykah Badu hayan terminado como bonus tracks para la edición deluxe. Este es un álbum grisáceo pero centrado en la pista de baile, eufórico pero nunca radiofónico, en el que de nuevo, la colaboración de Romy y Oliver en ‘Waited All Night’, no es lo que más importa. Lo mejor es el conjunto que Jamie xx ha conseguido con un buen uso sobre todo de samples y vientos.
Los metales son esenciales para lograr que temas como ‘Life’ con Robyn o ‘Treat Each Other Right’ contengan tal ardor. El primero samplea la espectacular segunda mitad de ‘The House of the Rising Sun – Revelation Suite’ según Cerrone, mientras el segundo referencia una parte de ‘Oh My Love’ de Almeta Lattimore que no era el estribillo. Este tema de 1975 tiene a día de hoy 6.000 streams en Spotify.
‘In Waves’ es efectivamente un disco que se puede contar a través de sus samples escogidos. ‘Baddy on the Dancefloor’, el tiro construido junto a Honey Dijon, recrea el gancho principal de ‘Let Somebody Love You’ de Keni Burke, otro anti-hit de 1981. ‘Waited All Night’ se acuerda de ‘All I Want’ de las más populares y recientes Mis-Teeq. ‘All You Children’ con The Avalanches lee el ‘Dance Poem’ de Nikki Giovanni. Eran 57 segundos que abrían su disco de spoken word de 1976, ‘The Reason I Like Chocolate’. ‘Dafodil’, en la que colabora Panda Bear, entre otros, es una de las más complejas, con restos de A$AP Rocky y los desaparecidos Astrud Gilberto y J.J. Barnes.
Algunas de estas referencias son muy remotas, parecen el fruto de un arduo trabajo de documentación. Esto no tiene nada que ver con los David Guetta o will.i.ams de turno sacando la chequera para hacerse con los derechos de aquella canción de los 90 que todo el mundo recuerda. Más misteriosos y desconocidos, los temas sirven a Jamie xx para dejar un mensaje espiritual.
Si uno de los cortes más casuales recibe el nombre de ‘Breather’, ‘In Waves’ se abre y se cierra con más inspiración zen. ‘Wanna’ es una lindísima intro de 2 minutos que samplea el éxito ‘Ripgroove’ de Double 99, un top 40 en 1997, mientras ‘Falling Together’ es el gran clímax traído por la coreógrafa y artista de spoken word Oona Doherty. En ella se busca el significado de un punto en el universo, mientras la música te prende y te balancea, desplazándote a otro lugar. Nadie necesita una explicación sobre el porqué del título de este disco.
Con motivo del 7º aniversario del huracán María, Bad Bunny tiene nueva canción. En ella exprime su vena más política. De alguna manera es la continuación del vídeo-corto-documental ‘El Apagón’. Lanzado en 2022 junto a la periodista Bianca Graulau, hablaba de la invasión de Puerto Rico por parte de turistas, de cómo los portorriqueños de a pie no pueden acceder a ciertas playas, y de los constantes apagones de electricidad.
A eso se refiere ‘Una velita’, nuestra Canción del Día hoy, con frases como “Obviamente la luz se va a ir, sabrá Dios y nunca va a volver”. Aunque su sentencia más destacada es “Fueron 5.000 que dejaron morir y eso nunca se nos va a olvidar”, en referencia a los muertos del huracán María.
Sin duda entre sus canciones más melancólicas y tristonas por razones evidentes, ‘Una velita’ tiene sus raíces en la música tradicional. De ahí proceden sus percusiones y sus coros, el colchón para esa crisis existencial: “por ahí viene tormenta, ¿quién nos va a salvar”, recordando que en cualquier momento podría repetirse la tragedia por la dejadez de las instituciones.
Y es que aunque al final ‘Una velita’, escrita en solitario por Bad Bunny y producida por Tainy y La Paciencia, recula hacia la canción de amor (“dime si la quieres pasar conmigo, pa no dormir solito, dormir abrazao”), el tema no puede despegarse de su intencionalidad. En breve hay elecciones en Puerto Rico, en concreto el 5 de noviembre.
Como informa El País, Bad Bunny animó recientemente a votar por partidos diferentes a los dos tradicionales de Puerto Rico. Le indicó al podcáster El Tony: “Saquen la tarjeta [electoral], tienen hasta el 21 de septiembre, queda tiempo (…) Si tú ves que estás votando por los mismos por 20 años y ves que tu alrededor no es como tú lo quisieras, sácalos pa’l carajo, brother. Ya es hora”.
St Vincent anuncia disco en español. ‘Todos nacen gritando’ saldrá el 15 de noviembre, siendo una adaptación de ‘All Born Screaming‘, en inglés, uno de los mejores discos de 2024. La artista, que ha rodado vídeos en Madrid en el pasado y se ha inspirado en Goya y el Museo del Prado recientemente, explica en Instagram que el origen de esta idea es la intensidad de las actuaciones que ha realizado en México y Primavera Sound Barcelona. «Estas audiencias se mostraron unidas en su pasión de cantar cada tema en perfecto inglés».
Sin adivinar la cantidad de guiris que hay en Primavera Sound, continúa: «si el público puede cantar en un segundo o tercer idioma, ¿por qué no puedo intentarlo un poco yo?». Por tanto, con ayuda de su amigo Alan del Rio Ortiz ha traducido las letras, cambiando alguna cosa por «razones melódicas», faltando lo mínimo al proyecto original.
‘Hombre roto’, el primer single, muestra que este disco en español puede ser tan incómodo de escuchar como los que en su momento lanzaron Roxette o Nelly Furtado. Parece avecinarse un torbellino de frases que jamás dirías en voz alta en castellano, palabras mal acentuadas, errores gramaticales, dicción incomprensible y otros infiernos lingüísticos.
Algo que funcionaba muy bien a Stereo Total por su destartalado humor, pero que en un proyecto de corte más dramático como St Vincent, hará aguas por todos lados. A menos que puedas adoptar frases como «¡¡¡Ábrete, mi péqueño!!!» de cara a tu vida cotidiana. Que todo puede ser.
Recuerda que podrás agradecer la intención a St Vincent el 18 de octubre en Barcelona, y el 20 de octubre en Madrid. Las últimas entradas para Razzmatazz y La Riviera están disponibles. Esta fue este año nuestra entrevista con St Vincent. Os dejamos con el tracklist con temas como ‘La fruta más dulce’ o ‘Se fue la luz’:
1.-El infierno está cerca
2.-Salvaje
3.-Hombre roto
4.-Pulga
5.-El mero cero
6.-Tiempos violentos
7.-Se fue la luz
8.-La fruta más dulce
9.-Tantos planetas
10.-Todos nacen gritando
El nuevo disco de Katy Perry, ‘143’, ha venido marcado por dos hándicaps: el fracaso del anterior álbum ‘Smile’, hace ya demasiado tiempo, y la participación en la mayoría de temas del disco de Dr. Luke, justificada de mala manera tras las acusaciones de abusos que recibió por parte de Kesha, y por las que ambos se enfrentaron en los tribunales.
La calidad, justísima, de singles como ‘Woman’s World’, no sumaba. Después, han venido otros temas algo más agradables, como la colaboración con Doechii y sobre todo el piano house ‘Lifetimes’, que no han tenido de momento ningún recorrido comercial, pero que al menos nos hacían preguntarnos si en ‘143’ se escondería un álbum digno de música pop.
Finalmente sí lo es, por tres razones. La primera es su brevedad y concisión: son 11 temas que suman 33 minutos. Con una duración media exacta de 3 minutos, las canciones de ‘143’ suenan a Katy Perry presentándose a Eurovisión por Rumanía, para muy bien o para muy mal.
La segunda es que hay buenas canciones de pop electrónico en esto. Especialmente el tramo central del álbum, desde la simpática ‘Crush’ hasta ‘All the Love’ y ‘Nirvana’ pasando por la mencionada ‘Lifetimes’, no tienen más pero que haber estado producidas por una persona cancelada. Bueno, ese y recordar demasiado al pasado. Indica Terated en nuestro foro de Katy Perry: «Escuchar este disco ha sido como ir a la nevera a beber de morro del cartón de leche que hay abierto y darte cuenta al tragarla que está pasadísima. No me había pasado oír una producción tan outdated de un disco en su fecha de publicación desde el último disco que Laurent Boutonnat produjo a Mylène Farmer». Algo -lo de sonar a pasado- que parece una tendencia del mercado desgraciadamente, no solo culpa de Katy Perry.
Y en tercer lugar, los featurings que quedaban por descubrir fluyen al mismo nivel que el revelado con Doechii. Hoy el focus track para playlists es el de Kim Petras, quizá porque hay que fingir que “este es un mundo de mujeres” (solo que producido por Dr Luke); pero en verdad ‘GIMME GIMME’ fluye mucho mejor y tiene potencial para hacer más streams gracias a 21 Savage. Ambas recuerdan un poquito a ‘Dark Horse’, como en menor medida el final de ‘ARTIFICIAL’ con JID.
‘WONDER’, que cierra el álbum como balada maternal, es el gran tropezón del proyecto dada su producción chusco-chainsmokers, junto a ‘WOMAN’S WORLD’, que lo abría. «Que su propia hija arruine la única canción que no es de Luke me está haciendo volar», escribe un «hater» en Popjustice. Pero casi todo lo que hay en medio tiene su aquel. No el aquel que tenía su mejor disco ‘Prism’, pero sí el de los hits de Infernal o Icona Pop.
Susan Eubanks ha escrito una carta a Rolling Stone en la que indica que se siente “traicionada”. Según su relato, la última vez que vio a Mike Shinoda fue hace dos años, y le prometió que le contaría sus planes con Linkin Park: “Me dijeron que si alguna vez hacían algo, me lo harían saber. No me lo dieron, probablemente porque sabían que no me iba a gustar. Estoy muy disgustada”.
Continúa: “siento que están intentando demasiado fuerte borrar el pasado. Están cantando canciones que Chester cantó. Y no sé por qué los fans están comprando esto, pero sé cómo me lo estoy tomando. Y que cante las canciones de mi hijo duele”.
Insiste refiriéndose a Samantha, la primera mujer de Chester y a su hijo Draven: “dijeron que se lo harían saber a la familia si fueran a reunirse. No lo han hecho. Y duele”.
Además, Susan asegura que los planes de Mike Shinoda de meter a una cantante femenina en Linkin Park vienen de tiempo atrás. Incluso se los habría llegado a plantear a Chester en su momento, haciéndole daño, siempre según el relato de su madre. “Mike le dijo a Chester una vez que pensaba que cantar estas canciones sería mejor con una chica. Y Chester me llamó y me dijo: “cree que me van a sustituir por una chica”. Mike le dijo: “si decides dejar el grupo, te vamos a cambiar por una chica”. Y Chester quedó muy dolido. Lo cierto es que ahora lo han hecho. Por supuesto que ahora me he acordado de aquello. No pensé que pudieran hacerlo”.
Gwen Stefani ha anunciado la salida de su quinto disco, ‘Bouquet’. Este estará disponible el próximo 15 de noviembre, pero desde hoy viernes ya podemos escuchar el primer adelanto, ‘Somebody Else’s’. Se trata de un tema de pop-rock de cierto ramalazo country en alguna slide guitar (la portada podría ser lo más country de toda esta era).
En realidad, en este tema predomina la guitarra eléctrica en modo rock, incluso contando con un espacio propio en forma de solo. Bruce Springsteen podría ser una referencia. Cuesta creer que su melodía -tan correcta como amable y anodina- pueda recoger las migas de la moda country que inunda las listas de Estados Unidos, pero parece su objetivo. ¿Funcionará?
‘Bouquet’ se trata del primer disco de Gwen Stefani en 7 años, tras el navideño ‘You Make It Feel Like Christmas’. El álbum estará formado por 10 canciones, de las cuales una es junto a su marido, Blake Shelton.
En la portada, la cantante de No Doubt aparece aguantando una rosa blanca con un elegante traje de cuadros y un sombrero de vaquero.
Tracklist:
1. ‘Somebody Else’s’
2. ‘Bouquet’
3. ‘Pretty’
4. ‘Empty Vase’
5. ‘Marigolds’
6. ‘Late To Bloom’
7. ‘Swallow My Tears’
8. ‘Reminders’
9. ‘All Your Fault’
10. ‘Purple Irises’ con Blake Shelton
Hoy es uno de esos días de “total lócur” en cuanto a novedades musicales que ni siquiera sabes qué disco pinchar primero. Tenemos nuevo álbum de Jamie xx, Katy Perry y Nelly Furtado -quizá los discos más esperados por nuestro público-, pero es que también hay discos de Thurston Moore, Purple Disco Machine, Joan As Police Woman, Muerdo, Blossoms, Katy J Pearson, The Voidz, Future, Manu Chao, Bright Eyes, Keith Urban, Agoney, Cher (recopilatorio)… De todos ellos puedes encontrar una representación en nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend».
En singles, la cosa no se queda corta, pues hay nuevos temas de Bad Bunny, Bon Iver, Mogwai, Japandroids, A Place to Bury Strangers, Metronomy, Ava Max, Oklou, Judeline, Father John Misty, Suzanne Vega o Sixpence None the Richer. Kavinsky presenta un remix de su clásico ‘Nightcall’ con Angèle y Phoenix.
Entre los dúos del día, Zahara canta para Samantha Hudson, Dorian presenta tema con Daniela Spalla, Carlangas con Russian Red, Los Punsetes con shego (hay disco de versiones de Los Punsetes), Ara Malikian con Niño de Elche, Alba Morena con Dianka, Camellos con Perro, Mariagrep con Galician Army… El pop español está especialmente animado, de mano de Tarta Relena, Teo Planell, Sílvia Pérez Cruz, Sexy Zebras, trashi, Ruslana, Las Dianas… ¿Pasen y disfruten?
Dua Lipa ha anunciado un par de conciertos en el WiZink Center. La artista visitó Mad Cool y parece que su show gustó porque las entradas en preventa de este miércoles están volando. Hoy hay otra oportunidad antes de la venta general del viernes. De momento nadie parece saber muy bien si el ‘Radical Optimism Tour’ que vimos en julio será el mismo que tendrá lugar a partir de este otoño, ya al margen de festivales.
A falta de saber si habrá cambios mayúsculos, minúsculos o ningún cambio en absoluto, nos aventuramos a adivinar que estos 5 momentazos habrán de repetirse… al tiempo que dejamos un deseo.
Training Season
Una de las cosas más recordables del show es que comienza con el segundo single del disco que presenta. ‘Training Season’ es una de las mejores canciones de 2024 -como ‘Houdini’ lo fue de 2023- y cuesta pensar en una introducción mejor para el set. En su presentación -como la que vimos en los Brits- ya se adivina que en ‘Radical Optimism Tour’ serán tan importantes los bailarines como la banda en directo.
Levitating
Glastonbury nos mostraba los trucos del set, la BBC los subía con permiso y en alta calidad, y uno de los highlights es la interpretación de ‘Levitating’. Ya desprendida de DaBaby, y de remezclas con The Blessed Madonna que no calaron, sin más necesidad que su delicioso groove disco original y su toque Daft Punk.
Be the One
Una de las recuperaciones destacadas del debut de Dua Lipa está siendo en esta gira ‘Be the One’. De nuevo, a falta de que haya cambios en el show, Dua Lipa aprovecha en ella para presentar a su banda. En Madrid también aprovechó para chapurrear un poquito de español, y después de su relación con Almodóvar y con Alana Portero, cuesta creer que no vaya a ser el caso. ¿Volverá a decirnos que somos «seres de luz y energía»? Os dejamos también con la grabación PRO de Glastonbury.
Cold Heart
La canción más escuchada a día de hoy de Dua Lipa es su colaboración con Elton John. ‘Cold Heart’ es una recreación de ’Sacrifice’ que ha logrado transformarse en una canción completamente nueva que ha encantado al mundo por el alto nivel de melancolía que contiene la parte de Dua Lipa. No faltó en Mad Cool y no creo que pueda faltar en el próximo “leg” del tour.
El bis con los mejores hits
Al menos hasta ahora, el bis de ‘Radical Optimism Tour’ ha sido muy fuerte: ni más ni menos que los dos singles principales de ‘Future Nostalgia’, que representaron un punto de inflexión en la carrera de Dua Lipa, sumados a ‘Houdini’. ¿Quién puede irse con mal sabor de boca tras algo así?
Un deseo
Quizá con más tiempo que en un festival y con menos esclavitud del público casual, Dua Lipa tenga oportunidad de sacar un poco más de brillo a ‘Radical Optimism’, el disco. Alguna manera habrá, mediante la imaginación y la puesta en escena, de convencernos de que ‘End of an Era’ era una bossa muy cuca que pega mucho como intro. De que ‘Whatcha Doing’ es un buen medio tiempo de old school. De que ‘Maria’ tiene su aquel. ¿Pero es que no va a haber 4º single? ¿Acaso será una canción 100% nueva?
Arde Bogotá es todo un fenómeno de masas en nuestro país. Algo impensable para una banda de rock. Aun así, festival al que van, festival con el que arrasan. El último paso en su singular trayectoria es ‘La Torre Picasso’, una canción de más de 8 minutos que bebe del indie, el rock clásico, el progresivo y que sirve de punto y final a la etapa de ‘COWBOYS DE LA A3’, disco que les ha cambiado la vida para siempre.
En JENESAISPOP no fuimos grandes fans de aquel trabajo, y así lo hemos hablado con Dani Sánchez (Guitarra) y Antonio García (Voz, guitarra), que sí, se leyeron la crítica. No solo eso, sino que les ha venido mejor de lo que se pueda esperar. Hablamos con la mitad de Arde Bogotá sobre el fin de una etapa, la importancia que hay que dar a las críticas y la responsabilidad del artista.
¿Qué tal estáis?
Antonio: Muy bien. ¿Cómo va JENESAISPOP?
Bien, bien, pero vosotros vais mucho mejores.
A: Bueno, no es una competición. Y si fuera una competición, son deportes distintos (risas).
Habéis sacado el «último capítulo de ‘COWBOYS DE LA A3’, ‘La Torre Picasso’. ¿Cómo vais a recordar toda esta etapa?
A: Con ‘LA NOCHE’ nos pasaron un montón de cosas muy guays, siendo la fundamental profesionalizar el proyecto y hacer de la música nuestro único trabajo. Con ‘COWBOYS’ lo que nos ha pasado es, no sé si llamarlo consolidación, pero sí alcanzar una repercusión y un nivel de aceptación por parte del público que le da una dimensión muy loca al proyecto, a lo que hacemos, a las canciones y a todo. Siempre lo recordaremos como un gran cambio en nuestras vidas.
¿Por qué habéis decidido despedir el disco así, con una canción de cierre, que además es enorme también?
A: Era una canción que hicimos mientras hacíamos ‘COWBOYS’. Hicimos como 16 o 17 y una de ellas era esta. Lalo, que es quien produjo el disco, nos dijo que estaba guay, pero que si lo hacíamos dentro de los tiempos del disco sería en perjuicio de las demás canciones. Tenía la opinión de que el disco estaba bien con las canciones que habíamos elegido para conformarlo. Su justificación fue, sobre todo, por el tiempo. La última vez que nos juntamos a componer hablamos de lo siguiente que queríamos hacer y era como consenso. «Queremos sacar ‘La Torre'».
¿Qué expectativas teníais?
A: Había un poco de conflicto. O sea, mucha gente muy insegura dentro de lo que es Arde Bogotá.
Dani: A nivel artístico era necesario sacarlo porque formaba parte del disco. Si se quedaba fuera y no la sacábamos ya, no la íbamos a sacar en una etapa siguiente porque forma parte de otro concepto.
A: Luego ha sido muy guay porque a la gente le ha gustado, o por lo menos la ha escuchado mucho. Cuando se la he enseñado a la gente siempre he dicho: «Es un tema de 8 minutos». La atención de un ser humano del siglo XXI normalmente no dura tanto. Si se lo dices de antemano, ya cambia la cosa.
¿Es una protesta consciente al mundo en el que vivimos y su cultura instantánea?
A: Hacer un tema largo en el momento actual me parece una decisión artística per se. Lo que pasa es que creo que hacer largo el tema por hacerlo largo no siento que nos represente. Nosotros teníamos una historia que contar y queríamos poder desarrollarla con calma, que la canción fuera evolucionando y que las partes instrumentales tuvieran el desarrollo que necesitasen para poder llegar a la siguiente parte. Al final, la idea del tema, la canción y lo que había que contar motivó la duración y no al revés.
«Hace falta más libertad artística y no condicionarse a si un tema se va a hacer viral en Tik Tok»
¿Hacen falta más canciones largas?
D: No es que haga falta, creo que hace falta más libertad artística y no condicionarse a si un tema se va a hacer viral en Tik Tok o para coger no sé cuántos segundos para bailar. Haz lo que te nazca. Si el tema se queda largo, déjalo largo, y si dura un minuto, tampoco lo alargues más.
A: Sería guay que no hubiera un ecosistema de consumo musical en el que los creadores sientan la presión de tener que hacer algo que funcione. Nosotros hemos tenido la suerte de que nos ha ido muy bien y estamos en un sitio donde podemos hacer este tema y sacarlo. Si el primer tema que sacamos es este, seguramente, no estaríamos hablando contigo. Tengo la certeza de que nosotros lo sacamos desde una posición privilegiada que nos ha dado el público.
Para vosotros, ‘La Torre Picasso’ es un monumento «al estrés, la vida adulta y a un futuro gris» que queréis destruir. ¿Cómo veis las cosas ahora mismo?
A: Al menos para mí, en lo personal, es un momento complejo. Estoy como en una lavadora personal y un poco desconectado, la verdad. Como siempre, veo las cosas chungas. Me preocupa a nivel económico que el mundo entre en una recesión, me preocupa que, de repente, nuestro proyecto es una suerte de empresa que da trabajo a gente y eso tiene unas repercusiones que no esperaba haber tenido en mi vida. Le presto más atención a la coyuntura económica de lo que pensaba que iba a hacer. A nivel geopolítico, me preocupa el desarrollo de lo que está pasando al este de la Unión Europea. Estoy más centrado en el debate entre Broncano y El Hormiguero. Estoy muy contento de que en la televisión pública haya un programa así, me parece la hostia. Que sí, que costó 14 millones. Bueno, pues ya está. Se los iban a gastar igual. Quiero decir, esos presupuestos son estancos, según he leído.
«Estoy muy contento de que en la televisión pública haya un programa como el de Broncano, me parece la hostia. ¿Costó 14 millones? Se los iban a gastar igual. Esos presupuestos son estancos»
¿Teníais eso en mente al escribir la canción?
A: No, cuando escribí ‘La Torre Picasso’ vivía en otro mundo. La letra tiene un montón de tiempo, es de diciembre de 2021. Ahí mi mundo era un poco distinto, no tanto, pero un poco distinto. Estaba más conectado con mi parte laboral, que ya se ha quedado atrás y, sobre todo, con el efecto de esa parte laboral a la gente que me rodeaba, a mis amigos… Ahí es cuando aparece esa reflexión que hay en «La Torre».
Eras abogado, ¿no?
A: Sí. No guardo un mal recuerdo, pero sí que pude ver la repercusión de ese mundo en otra gente a la que sí le afectó, peor que a mí.
¿Ha cambiado vuestra visión o relación con el estrés, con la vida adulta y con el futuro, después de experimentar todo este éxito?
A: Sí, ha cambiado. Ahora tengo otros tipos de estrés, otros tipos de miedos, otros tipos de incertidumbres. De repente, ahora Arde Bogotá es el centro de todo. Entonces, a veces pienso que el hecho de que pueda pagar el alquiler o lo que me pase en el futuro depende de la aceptación del público. Es lo contrario de lo que era Arde Bogotá hace no tanto tiempo, que era como un espacio de absoluta libertad y de hacer lo que nos dé la gana. Creo que la dimensión de cualquier cosa de tu vida hace que cambie su ubicación en tu escala de valores. El objetivo es que no te condicione. No debería sacarme de mi realidad y Antonio no debería ser solo un cantante.
Que todas estas preocupaciones ahora las puedas poner en una canción sabiendo que las van a escuchar millones de personas… ¿Lo ves como una responsabilidad?
A: Las dos cosas conviven dentro de mi cabeza. Por ejemplo, Gabri de Sexy Zebras me dijo eso: «Ahora tienes una responsabilidad». Un día me metió una chapa… Mi amigo Carlos, que no se dedica para nada a esto, me dijo lo contrario: «Nunca puedes ser esclavo de Arde Bogotá, tienes que hacer siempre de ese sitio un espacio de libertad, donde tú vayas a decir lo que tú sientas que quieres compartir». Creo que me quedo más con lo de Carlos, aunque quiero mucho a Gabri…
D: Para mí el camino correcto es que la banda y el proyecto sea un lugar que siempre esté a punto de irse al carajo, porque creo que es la única manera de evolucionar. Que el espacio de libertad sea tan grande que puedas hacer una canción tan distinta a lo que habías venido haciendo, porque te nazca artísticamente o, por lo menos, que exista esa posibilidad y que no te frene el que tienes un público que te determina la manera de escuchar canciones o que no vaya a encajar en los festivales. Las bandas que admiramos lo hacen así. Bandas como Arctic Monkeys, de repente, que sacan un disco que no tiene nada que ver con lo que hacían.
Habéis recibido muchas alabanzas por la canción, tanto de periodistas como de colegas de profesión. Viva Suecia os dijo que era «una puta genialidad». ¿Cómo conseguís que esto no se os suba a la cabeza?
A: No sé si lo conseguimos. Depende a quién se lo preguntes, ¿sabes? (risas) Creo que hay que tomarse las críticas siempre como con un filtro.
¿Tanto buenas como negativas?
A: Exacto. Darle a las cosas la importancia que merecen es muy difícil porque nunca sabes exactamente cuál es el baremo. Pero si en tu cabeza todo lo que hay son las críticas positivas de ‘La Torre’, estás mal. Y si en tu cabeza todo lo que hay es la crítica de JENESAISPOP al disco, estás mal. Creo que el sitio correcto es una media de todo y quedarte con las cosas útiles de cada mundo.
¿Qué piensas sobre la crítica de JENESAISPOP?
A: Bueno, hay un montón de cosas que me parecieron muy interesantes. Una de las principales es que casi solo habla de mi parte del trabajo, de la letra, de mi voz… No hay ningún comentario a las líneas del bajo de Pepe o a los arreglos, pero hay muchas cosas que me sirvieron, porque hay muchas cosas que te permiten ver: «Oye, esta parte de lo que dices quizás no se está entendiendo». Evidentemente, para mí, en la letra o en mi forma de cantar, hay en muchos momentos ironía o cierta parte de humor que, claro, en la crítica se toman como muy en serio. Quizás ‘ESCORPIO Y SAGITARIO’ no se está entendiendo tan irónicamente como yo me la imagino. Luego hay otras cosas que me parecen muy útiles, la verdad. Y luego hay otras cosas con las que no estoy de acuerdo.
¿Qué es lo que más te sirvió de la crítica?
A: Creo que tomé conciencia de pensar si el mensaje se está entendiendo o no. Cuando escribimos una canción, hasta la crítica, estuve siempre muy centrado en decir lo que siento, comunicar, que me emocione, pero no me paraba a pensar: «Escucha esto como si nunca hubieses escuchado hablar de Arde Bogotá. ¿Qué significa?». La crítica me permitió enfrentarme a una canción como ‘ESCORPIO Y SAGITARIO’ y escuchar cómo es mi voz cantada, dónde es mi tesitura, cómo enfrento yo la melodía y las palabras. Si te lo ponen en frío, quizás no tenga ningún punto de ironía la canción. Y si la canción no tiene ningún punto de ironía, quizás no es exactamente la canción que tú habías pensado. De eso me sirvió mucho la crítica. Me permitió enfrentar los temas desde otras orejas que yo no tenía, que yo no era capaz de sintonizar. Ahora puedo pensar: ¿En qué pensará Sebas?
Puede ser también porque tu voz suena como muy teatral.
A: Claro, claro. Mi voz cantada es como muy rotunda, ¿no? Entonces, para según qué mensajes, creo que tiene mucho sentido, pero para otros, sobre todo para los irónicos, como que no.
A veces una mala crítica puede venir mejor que una muy buena.
A: Otra de las cosas que aprendí es a no darle más importancia de la que merezca. Tú vas a un sitio, haces lo que sea, una pirueta, y hay 99 personas aplaudiendo y una no, y solo piensas en la que no te aplaudió. Eso también me lo enseñó la crítica de JENESAISPOP. Es una opinión tan válida como las demás. Supernecesaria también para que haya pluralidad y una conversación, pero solo es una opinión más. Tu trabajo le puede seguir gustando a la gente y, sobre todo, tienes que seguir orgulloso de lo que haces. También leí tu crónica. Es que yo soy lector de JENESAISPOP (risas).
Eso también me jodió. O sea, me importó, porque yo era lector de JENESAISPOP antes de tener una banda. No sé si estabais vivos ahí, pero desde luego antes de tener repercusión. Por ejemplo, el disco de Charli XCX, el de ‘BRAT’, yo lo conozco por JENESAISPOP. Claro, por eso también me llega la crítica. También leí tu crónica del LOW. Joder, «hemos venido a bailar». Claro, ¡es que hemos venido a bailar!. O sea, ¿para qué haces un concierto? Arde Bogotá no es una banda que en directo vaya a generar un discurso. Creo que es un sitio donde la gente va a emocionarse. Nosotros vamos a emocionarnos.
John Cale ha anunciado una reedición de su segundo y tercer disco en solitario: ‘The Academy in Peril’ (1972) y ‘Paris 1919’ (1973). Ambos proyectos estarán disponibles en vinilo, CD y plataformas de streaming el próximo 15 de noviembre.
«Revisitar el trabajo del pasado es una espada de doble filo para mí», ha contado Cale en un comunicado. Sin embargo, aclara que «está destinado a ocurrir cuando llevas haciendo música durante 60 años».
La edición deluxe de ‘Paris 1919’, que fue nuestro Disco de la Semana retro, incluye una cinta de audio inédita, un nuevo mix de ‘Hanky Panky Nohow’, descartes y una nueva canción llamada ‘Fever Dream 2024: You’re a Ghost’. Por otro lado, la edición remasterizada de ‘The Academy in Peril’ incluye el bonus track ‘Temper’.
Es el mundo de Sabrina Carpenter y nosotros solo vivimos en él. Además de quedarse con el verano gracias a los super hits de ‘Espresso’, ‘Please Please Please’ y, aunque más tardío, ‘Taste’, Carpenter también se quedará con la Navidad.
Será gracias al especial de Netflix titulado ‘A Nonsense Christmas with Sabrina Carpenter’, disponible el próximo 7 de diciembre a las 3 de la madrugada. Según la descripción del programa dada por la plataforma de streaming, el especial navideño incluirá «duetos inesperados» y «divertidos invitados».
En los vídeos promocionales aparece la autora de ‘Short N’ Sweet’ en un resplandeciente vestido rojo navideño mientras suena la base de ‘Nonsense’. En uno de ellos, mira a la cámara y dice: «¿Esperabas a otra persona?». Ahí lo dejan. El guiño a ‘Nonsense’ tampoco es casualidad.
La propia Sabrina tiene una versión navideña de la canción titulada exactamente como el especial (‘A Nonsense Christmas’) y tiene frases tan icónicas como: «Creo que solo te quiero debajo de mi muérdago / Igual cambio tu contacto a ‘tiene un gran polo norte'».
Cargando ...
