Robert Smith ha realizado una entrevista de casi dos horas con el presentador Matt Everitt con motivo del inminente lanzamiento de The Cure, ‘Songs of a Lost World’, el próximo 1 de noviembre. Además de dar detalles sobre la creación del disco, Smith ha revelado que tienen otro «prácticamente acabado», otro más en proceso y ha puesto fecha de caducidad a The Cure, coincidiendo con el 50 aniversario de su primer álbum.
El icónico frontman de The Cure comienza la entrevista, disponible al entrar en la web del disco, poniendo un punto de inicio al proceso de ‘Songs of a Lost World’ y admitiendo que «no tendría que haber dicho nada en 2019, porque solo acabábamos de empezar a crearlo».
Este también habla de la misteriosa portada, revelando que se trata de una escultura del esloveno Janez Pirnat, y de la oscura coincidencia que encierra. Según cuenta, Smith recibió el libro en el que aparecía la obra en 2021, lo abrió un día y al ver la imagen lo tuvo claro: «Tenía que ver si me iba a dejar usarlo». El mismo día que Smith buscó al escultor en Internet fue el mismo día que este falleció, lo cual asegura que «consolidó la idea de que esto debía ser la portada».
Más adelante, Smith revela que la banda tiene otros dos discos en la recámara: uno que está «prácticamente acabado» y otro que está en proceso: «Grabamos 25 o 26 canciones en 2019, tres discos», cuenta. Además, adelanta que están intentando terminar uno de los discos antes de embarcarse en una gira mundial en 2025, que, con suerte, alargarán hasta su 50 aniversario.
Poniendo el horizonte en 2028, Smith cuenta que «debo poner las cosas en orden, o sea, el documental y cosas así», refiriéndose al filme de Tim Pope que debía salir, en un principio, por el 40 aniversario de la banda: «Empecé a pensar sobre ello a finales de 2016, diciendo ‘Tengo un año y medio, ¡es fácil!’ y aun así no conseguí llegar a tiempo», confiesa Smith.
Si el horizonte es 2028, 2029 es el ocaso para The Cure. «Tendré 70 años en 2029, y ese es el 50 aniversario del primer disco de The Cure. Si sigo vivo, ahí terminará», asegura Smith. Este aclara que el resto del tiempo lo ocuparán «haciendo conciertos» y comparte que «los últimos 10 años tocando han sido los mejores 10 años estando en la banda».
Watch Robert Smith announcing when #TheCure will end: At the band's 50th anniversary of their first album, "If I make it that far" pic.twitter.com/JCYYcMPj9y
Bikôkô, con la ayuda de Raül Refree y Sega Bodega, se adentra en los celos y la comparación en ‘JEALOUSY’, uno de lo singles de su último EP, ‘A 1 IS BETTER THAN A 0’. La joven artista catalana mezcla guitarras, sintes y una detallada percusión para hacer otra joya de R&B electrónico. Es la Canción del Día.
Nacida en Barcelona y actualmente establecida en Londres, la cantante y productora Neï Bikôkô lleva toda su vida respirando arte. Su padre es un músico camerunés, por lo que el R&B y la música africana le vienen de familia. Si a esto le sumas elementos de neo soul, hyperpop, electrónica y jazz, el universo de la artista de 22 años está completo.
Te puede hacer tanto algo a lo Erykah Badu como algo más cercano a SZA, como ya ha demostrado en su trabajo con el colectivo Cutemobb. ‘A 1 IS BETTER THAN A O’, situado en algún punto entre los universos sonoros de estas dos artistas, llega tras el lanzamiento en 2021 de su debut, ‘Aura Aura’.
‘JEALOUSY’ ha sido producida en tres partes a lo largo de dos años y bebe de las propias experiencias de la artista. Esta cuenta que el tema trata sobre la «comparación excesiva» y de cómo esta puede llevar a una persona a «perder su sentido del yo y resentir el mundo a su alrededor». «Sé que no me ha hecho nada / Pero la odio / Es que yo ya la odio / Por cómo la mira mi novio», canta en los versos.
«No te sientas mal si te suele pasar / Sólo pregúntate: ¿Por qué?», entona la catalana en las últimas líneas. La solución que ella propone en el tema es la de «reconectar con nosotros mismos y nuestro niñx interior» porque aunque «se siente muy real», el sentimiento «solo existe en nuestra cabeza».
Bikôkô presentará el EP en directo en Barcelona, París y Londres, los días 17, 24 y 30 de octubre, respectivamente. Como apuesta internacional, estará el próximo 4 de noviembre en el festival de música de Pitchfork, también en París. Las entradas ya están disponibles.
Jack Revill, más conocido como Jackmaster, ha fallecido a los 38 años tras sufrir un trágico accidente en Ibiza. El DJ y productor escocés sufrió «una lesión accidental en la cabeza» de la que surgieron complicaciones. Así lo ha confirmado su familia con una publicación en redes sociales.
«La pasión de Jack por la música y su implacable impulso para expandir los límites creativos a través de su trabajo en el sello Numbers y en Rubadub Records en Glasgow, incluyendo el descubrimiento de incontables artistas, lo convirtieron en una amada y pionera figura en la comunidad de la música electrónica, tanto delante como detrás de las cámaras», se puede leer en el post.
Revill ganó el premio Breakthrough DJ Award en los DJ Mag’s Best Of British Awards en 2010 y le nombraron mejor DJ en 2014. Sus últimos shows habían sido alrededor de Europa, Reino Unido y Norteamérica, siendo la última el mes pasado en la discoteca Hï de Ibiza.
«Su talento para mezclar géneros y regalar sets y producciones electrizantes le ganaron el respeto y la admiración de sus compañeros y fans alrededor del mundo. Su legado seguirá inspirando y su impacto en el mundo de la música dance será imborrable», concluye la familia de Revill.
Ariana Grande ha vuelto a presentar Saturday Night Live, como ya hizo en 2016. Nada más empezar con su monólogo deja clara una cosa: «Solo voy a presentar. No voy a hacer esto sobre mí». Nada más lejos de la realidad, ya que el programa giró totalmente alrededor de la cantante y, sobre todo, de sus impresionantes imitaciones.
«Simplemente voy a divertirme», suelta en su monólogo inicial justo antes de que aparezca un micrófono que no duda en recoger, aunque haga el amago de devolverlo. Mientras canta «no voy a cantar hoy» y «no voy a hacer mis imitaciones», está claro lo que se viene a continuación.
La primera es Britney Spears, clavando el «Oh, baby, baby» del icónico tema. A esta le siguen Miley Cyrus y Gwen Stefani, antes de que toda la presentación se convierta en un musical.
Después de demostrar lo bien que se desenvuelve en un escenario, que para nada es una sorpresa, sí es un shock ver cómo intenta cantar mal a propósito en el sketch de las damas de honor, a ritmo de ‘Espresso’. Grande salió en prácticamente todos los sketches, pero el que más brilló fue el que protagonizó ella sola: Céline Dion haciendo una promo de la UFC.
Ariana se mete totalmente en la piel de la canadiense, desde el acento hasta las expresiones, y hasta brinda una hilarante parodia de ‘It’s All Coming Back To Me Now’. «Nos vemos en el octágono», remata. Por otro lado, Stevie Nicks se encargó de la actuación musical con la clásica ‘Edge of Seventeen’, demostrando que todavía mantiene la magia de siempre.
En la portada de ‘La juventud’, el octavo disco de Kokoshca, vemos a Iñaki tomando un copazo perdido en sus pensamientos. Amaia sostiene un periódico, mientras mira a la cámara. Íñigo es quien más reta al osado comprador del vinilo, agarrando una chaqueta en plan «fucker». Y Álex, trabaja de camarero. Los cuatro miembros de la formación navarra representan varias formas de afrontar la vida, el paso del tiempo.
Hartos del mensaje de que hay una edad para cada cosa, y de que la sociedad penalice el envejecimiento, Kokoshca hablan en ‘La juventud’ de algunas de la disyuntiva de la mediana edad: seguir saliendo, estar «siempre de ciego» o ser esclavos del trabajo, un tema que ya había aparecido en su discografía. La gentrificación y el capitalismo aparecen también de manera tangencial en letras como ‘Mi barrio’ o ‘Parkour’.
Pepe Mújica es quien abre el álbum con un «speech» en el que nos recuerda que «la vida se escapa, pero tú puedes darle una orientación». Es el preludio de un disco divertido, en el que en general prevalecen los mensajes optimistas sobre el sinsentido de la vida, incluso a pesar de que por supuesto topemos con trabas.
‘Lo que hay en mí’ odia «tanto trabajar» resultando todo un canto a la libertad: «solo quiero salir de esta jaula y volver a volar». Otro mensaje universal encontramos en ‘Mi barrio’, que apela a todo el mundo de la siguiente manera: «Canto esto para los borrokas, para los pijos, y las monjas / Canto esto para los tarados, para tus padres y mis padres / canto esto por los obreros, insumisos y gitanos / Canto esto para mi barrio».
El single ‘Parkour’ celebra toda una carrera a contracorriente, utilizando como metáfora esta práctica: «paso la vida boca abajo, y así me encuentras tú, haciendo parkour». Y ese «pasar la vida» salpica también las canciones de amor. Es el caso de ‘El verano’, una misiva llena de coros muy Cohen y preguntas hacia alguien de quien ya no sabemos nada; y de ‘Huella de ti’, que habla igualmente de alguien a quien no podemos olvidar, conteniendo un homenaje a Astrud expreso: «hace justo un año que me puse un año de plazo para estar mejor».
La unidad temática es total, bien cerrada con el regreso de Pepe Mújica para la última pista, en contraste con una producción musical que se mueve más libre que nunca, ciertamente a veces, «haciendo parkour». Amaia se ha atrevido con un corrido tumbado, ‘Mi barrio’, porque a estas alturas si se ríen de ellos «les da todo igual«. el álbum pulula, sin miedo alguno, entre el kraut pop (‘Sácame a bailar’), el sonido Stone Roses insólitamente pasado por el Autotune (‘Lo que hay en mí’) o el reggae (‘Nos pasa siempre’).
Su fuerte continúa siendo el rock de corte urbano, y por eso temas como ‘Huella de ti’ o ‘Parkour’ prometen funcionar igual de bien que en el álbum anterior ‘Te sigo esperando‘, que no fue single. Y es que las oscilaciones estilísticas son lo de menos cuando como autor/a puedes dar con un tema del impacto de ‘Es una suerte verte (siempre)’. La balada final es una respuesta maravillosa para todos los que creen en el amor de la clase que sea; para muchas de las preguntas que contiene este álbum: «Veo mis sueños arder, se esfuma mi juventud, no temo envejecer, temo que no estés tú». Tan bonito y eterno como el final de ‘Grease’.
Mayra Gómez Kemp, la presentadora más duradera del programa ‘Un, dos, tres’, ha fallecido este domingo a los 76 años, según informa Vanitatis. La noticia llega 9 días después de que esta sufriese una aparatosa caída en su domicilio por la que estuvo «18 horas en el suelo» hasta ser trasladada al hospital e ingresada durante unas horas.
Nacida en La Habana en 1948, Kemp sustituyó a Kiko Ledgard durante seis años consecutivos en el programa de TVE, desde 1982 hasta 1988, ganando tres TP de Oro y rompiendo un techo de cristal para todas las presentadoras del mundo: «Si yo me la pego, todas las que han presentado después no lo habrían hecho», declaró en el programa ‘Mi casa es la tuya’.
La presentadora se enfrentó a dos cánceres durante su vida. El primero, de lengua, se le diagnosticó en 2009. En 2012, anunció otro diagnóstico en forma de cáncer de garganta. En 2014 publica sus memorias, tituladas por una de sus frases más icónicas: ‘Hasta aquí puedo leer’.
Confieso que, cuando se anunció la gira del 30 aniversario del ‘Súper 8’, la acogí con cierto desdén. Ah, la nostalgia. “¡Estoy por encima de eso!”, pensaba yo. Pero los maravillosos conciertos de The Magnetic Fields tocando el ’69 Love Songs’ me hicieron cambiar de idea. ¿Gozar en directo de mi disco favorito de uno de mis grupos favoritos? ¡Por supuesto! Así que me encontré expectante en un Razzmatazz lleno: las entradas para las tres fechas de Barcelona (9, 10 y 11 de octubre) se agotaron rápidamente.
Para abrir los conciertos de Barcelona, los Planetas han escogido a Marcelo Criminal. El murciano estaba solísimo en un escenario enorme, con una pequeña guitarra y unas proyecciones muy kitsch que mezclaban vídeos de Tik Tok, sudokus y ‘El chiringuito’. Arrancó con quizás su mejor canción, ‘El día que murió Pedro Sánchez’. Con su humor habitual, Marcelino hizo bromas sobre lo duro que resultaba para los fans en esos momentos estar en primera fila. Pero juro que, precisamente por esas primeras filas, escuché a gente cantando sus letras a pleno pulmón.
Casi todos los presentes éramos cuarentones, aunque atisbé a unos cuantos menores de 20 años no acompañados. La sala transpiraba expectación. Incluso yo misma me descubrí nerviosa. Puntualísimos, Los Planetas emergen cuando falta un minuto para las 21h. No está Eric, como se venía especulando, sino el baterista habitual de esta gira, Roberto Escudero. Tampoco hay teclados. El conjunto está reducido a cuatro. En escrupuloso orden, van cayendo los temas de ‘Súper 8’, empezando por el primer himno, ‘De viaje’, aunque parece que le falta reprise y el segundo himno, ‘Qué puedo hacer’, ambas coreadísimas, claro. El problema es que hay un montón de acoples que deslucen. El sonido es regulero, una sopa de noise. La voz de J suena enterrada, a ratos no se le entiende… pero eso no importa: forma parte del ritual, es lo que le da autenticidad y encanto al concierto.
Son las que no son himnos, precisamente, las que más emocionan: ‘Si está bien’, ’10.000’, ‘Jesús’, ‘Brigitte’ y ‘Rey sombra’… Quizás porque no se escuchen casi nunca en los directos de Los Planetas, quizás porque son el auténtico corpus emocional de ‘Súper 8’: esas canciones sobre ‘angst’ adolescente son referentes generacionales y, a día de hoy, nos siguen tocando profundamente. Particularmente, se me arrasan los ojos en la dupla ‘Brigitte’ y ‘Rey sombra’, mientras J no puede disimular una sonrisilla de satisfacción al ver al público tan entregado. Tras tamañas puñaladas traperas a mi corazón, ‘Desorden’ me emociona algo menos. Nada que no solvente la catarsis de ‘La caja del diablo’, que arranca con mucha gente del público hablando… pero más gente aún chistando. Primer pogo y primeros empujones de la noche. Fin también, al fin, de los acoples de la muerte.
Los 45 minutos de ‘Super 8’ han acabado, pero el concierto no. Los 45 minutos siguientes se llenan de hits planetarios de todos los discos. Se echan de menos repescas de la época de ‘Súper 8’, como ‘La casa’. Pero la selección es infalible: ‘Segundo premio’, aunque suena rara sin la batería de Eric, ‘Santos que yo te pinte’, ‘Corrientes circulares en el tiempo’… Floren va con una camiseta sin mangas, haciendo poses de “guitar hero” indie. La sala se hunde con ‘David y Claudia’ y ‘Pesadilla en el parque de atracciones’. Pero para hundimientos, las perlas de los bises: un ‘Islamabad’ en el que J nos recuerda esta es “una canción para luchar contra el fascismo. Todos somos iguales”, ‘Un buen día’ donde sí, J menciona a Eric. Y la locura absoluta (pogos, incluso crowdsurfing) con ‘Mi hermana pequeña’. Final total. Se nos ha hecho cortísimo. Hubiéramos querido más. Pero con coartada nostálgica o sin ella, Los Planetas me han regalado la enésima catarsis emocional.
Menuda racha lleva Patricia López Arnaiz. Tras el fenómeno ‘20.000 especies de abejas’, este año ha protagonizado dos de las películas más interesantes del cine español: la muy poco vista ‘Nina’ (Premio de la Crítica en Málaga), un estilizadísimo drama de venganza, con ecos de Almodóvar y De Palma, que tiene dos secuencias (la persecución callejera y la procesión) asombrosas, un prodigio de puesta en escena, montaje y uso dramático de la música (da gusto ver a una directora española, Andrea Jaurrieta, con una caligrafía visual distinta al de sus “intimistas” coetáneas), y ‘Los destellos’, la nueva película de Pilar Palomero (‘Las niñas’, ‘La maternal’), una de las irrupciones más potentes del último cine español.
Basada en el relato de Eider Rodríguez ‘Un corazón demasiado grande’ (Random House, 2019), ‘Los destellos’ narra un drama familiar sobre la enfermedad, los cuidados y los lazos afectivos con una sutileza, humanidad e intensidad emocional extraordinarias. Y gran parte de esa eficacia dramática reside en la interpretación de López Arnaiz, premiada en el festival de San Sebastián. La ganadora del Goya por ‘Ane’ (2020) es una de las actrices que mejor actúa con la mirada. Y en esta película la mirada lo es todo: desde el cartel hasta la propia narración, articulada desde el punto de vista de ella.
‘Los destellos’ está llena de planos con la protagonista observando, mirando a los demás en silencio, mientras la acción se desarrolla fuera de campo. Es la manera, enormemente certera, que tiene Pilar Palomero de traducir a imágenes el conflicto dramático que estructura toda la narración: el dilema de ayudar a cuidar a una expareja enferma terminal (fabuloso también Antonio de la Torre), con la que has acabado mal y has cortado toda relación, pero con la que tienes una hija en común (la debutante Marina Guerola, todo un descubrimiento).
Este proceso de acercamiento, de superación del rechazo y la incomodidad inicial a través del amor y la bondad, permite a la directora realizar una profunda y luminosa reflexión sobre la muerte (atención a la escena con el equipo real de cuidados paliativos) en su dimensión más cotidiana y humana, aquella que ocurre en la habitación de al lado, como el título de la película de Almodóvar con la que comparte temática. Un tema propenso al sentimentalismo, la truculencia (el ‘Biutiful’ de Iñárritu sería la antítesis de esta película) o la solemnidad intensita que Palomero esquiva con destellos de genialidad.
En sus más de diez años de carrera, la banda madrileña Biznaga ha publicado un buen puñado de temazos incontestables. ‘El Entusiasmo’, el primer adelanto que nos llegó de su recién publicado quinto trabajo, ‘¡AHORA!‘, es uno de ellos.
Biznaga describe ‘El Entusiasmo’ en términos de «una declaración de amor en tiempos de guerra, una canción de acción directa para confrontar la paralizante lógica del «esto es lo que hay» y realizar el deseo de una vida que merezca la pena ser vivida ahora».
Si el nuevo álbum de Biznaga explora la frustración y desilusión de una juventud que no puede acceder a una vivienda digna, ‘El Entusiasmo’ es el tema que directamente llama a pasar a la acción. No lo decimos nosotros, sino Biznaga: «Esto es una canción de amor y una declaración de guerra / Una canción de amor y acción, canción de acción directa». Nada más que añadir.
Pero sí hay que añadir que ‘El Entusiasmo’ sabe generar ese mismo «entusiasmo» en el oyente gracias a su brillante composición. Las guitarras llevan al guitar-pop de décadas atrás, mientras la voz de Álvaro García sigue mirando al punk de sus inicios.
Y lo mejor de ‘El Entusiasmo’ es su altura y vigor, la manera en que logra derribar cualquier sensación de parálisis e impotencia gracias a su imparable energía. Cuando los coros se suman en el último estribillo, como si a Biznaga se hubiera unido toda esa juventud desencantada que aparece en sus letras, la sensación que dará a cualquiera que la oiga, es que es capaz de comerse el mundo.
“Hemos competido en ser felices / y nos ha ganado la gente normal”, canta Marinita Precaria en ‘Gente Normal’ (saludos a Pulp) y puede ser un buen simbolismo de este disco y de cómo lo sencillo puede ser maravilloso. La cosa es que esa “sencillez” en las letras es complicadísima de conseguir, y es uno de los motivos que hace de ‘Un vaso de agua’ uno de los discos más destacados a nivel nacional este año.
Marina Gómez Marín comenzó a publicar temas tras quedarse en paro (es arquitecta) en la pandemia. Aunque le gustaba practicar con la guitarra, fue entonces cuando se compró un teclado decidida a sacar canciones. Poco después llegaron las primeras de la mano de Elefant, y, luego, el EP ‘No me miréis’. El sello vuelve a demostrar su buen olfato, pues ‘Un vaso de agua’ se publica solo unos meses después de otro magnífico debut, el de Pipiolas con ‘No hay un Dios’, y de nuevo, esto podría pasar perfectamente por un segundo disco.
Producido por la propia Marina junto a Sergio Pérez García (que ha trabajado con Soleá Morente, La Bien Querida o Los Punsetes), el disco se las apaña para pasear por distintos estilos e incorporar numerosos guiños, y, a la vez, mostrar un sonido que asociemos a Marinita Precaria, pese a recordar a Vainica Doble, Maren, La Buena Vida o la primera La Casa Azul.
Algunos ejemplos de esta amalgama son ‘Lo que nos pasa’ y su acercamiento al tango, el italodisco de ‘Final explicado’ con su descorazonador “ahora todo lo que siento no me sirve para nada”, o ‘Fantasmas’, donde conviven un xilófono y unos matices house crepusculianos. ‘Fantasmas’ es uno de los lugares altos de este disco, sobre todo por su uso del humor para retratar una situación amarga: “me has llenao la casa entera de fantasmas / y ahora te da miedo venir (…) viven aburridos, verme es un castigo / ven y pídeles perdón”, canta Marina en una canción donde también destaca su final casi instrumental.
Sin duda la letra es el principal punto fuerte de la artista, recordando a Christina Rosenvinge en momentos como la afilada ‘No eres raro eres malo’: “tiré al suelo la mitad de mi cigarro / solo por darte la mano aquella vez / vaya desperdicio absurdo, qué derroche / qué descuido, que no vuelva a suceder”, dice en un tema que contiene uno de los mejores versos del álbum: “prefiero no formar parte de ese grupo tan privilegiado al que no tratas mal”. Pero no es, en absoluto, el único gran momento compositivo de ‘Un vaso de agua’.
‘Suelo’ empieza magnética con ese “tiene que haber un amor / qué pena de noche si no” y continuará con “y ayer arranqué esta flor para ti / tú la quieres más que el suelo”. “Yo puedo vivir feliz con un incendio en el jardín” canta en ‘Momento decisivo’, o “ninguna catarata te va a hacer comprender / el sentido de nada, ni el cómo ni el porqué” en ‘El mundo no es para tanto’, donde, después de enumerar una serie de razones que apoyan su argumento, Marina claudica con un “pero te acompañaré”. Este juego con la estructura también lo hace ‘El Gran Cañón’ (¿soy yo, o su melodía recuerda en cierto momento a ‘Paper Love’ de Allie X?) y su giro final con “no hay nada más perverso que ser feliz aquí”.
Parece haber conexiones entre algunos temas, siendo el ejemplo más claro el de esas canciones que “tal vez nos estén equivocando” de ‘El Gran Cañón’ y ‘La Piscina’. Ésta es su ‘Un año más’ particular, y contiene un fragmento fascinante: “pienso en esa foto tuya en que sales de perfil / y una piedra cobra vida porque un escultor la mira / y la rompe y la derriba para hacerla vivir / nada nunca me había recordado tanto a ti”. La excelencia compositiva está incluso en la final ‘Nota’, que a duras penas llega al minuto de duración, y que aun así encuentra espacio para un verso como “se desconoce si es defecto o virtud / esta ternura que quiere gobernar”.
En una entrevista para El País le preguntaban si podía llamarse “precaria” y actuar en el Primavera Sound (ojalá este arrojo con otros artistas, también os digo), ante lo que ella sabiamente respondió: “cuando me puse el apellido ya sabía que estaba cometiendo un error, pero la idea es que la precariedad tenga fecha de caducidad”. Desde luego, en este debut material hay de sobra para eso.
‘Back To Bedlam’, el primer álbum de James Blunt, fue el disco más vendido de 2005 en todo el mundo gracias a ‘You’re Beautiful’. Casi 20 años después, Blunt ha tenido la idea más loca de su carrera. Si la reedición por el 20 aniversario del disco llega al número 1 otra vez, el británico se cambiará el nombre a lo que han decidido sus fans: Blunty McBluntface.
«Si llega al número uno, he firmado para cambiar mi nombre a lo que sea que quiera el público», declaraba en Radio X el cantante. Este también juró que lo haría «por mi vida y por la vida de mi único fan, Brian de Glasgow». De esta manera, Blunt decidió que el nombre se elegiría por el mayor número de likes.
Este anunció la campaña con un humorístico vídeo en X: «¿Quieres arruinarme la vida?», comenzaba. «Comenta tu sugerencia de nombre y la que más likes tenga gana». Ahora, ya hay un ganador.
En un nuevo vídeo, Blunt entra a las oficinas de Warner Music y al ser preguntado por su nombre empieza a recitar las opciones más populares de los fans, tales como Jimmy Spliff, Blames Junt, Divock Origi o James Cucking Funt, antes de revelar la definitiva: Blunty McBluntface.
Suponemos que Blunt se refiere a cambiar su nombre artístico, y no legal. De todas formas, si ‘Back To Bedlam’ vuelve al número 1 todos estos años después gracias a esta estrategia de marketing, será algo totalmente inaudito.
Wanna ruin my life? I'm legally changing my name if "Back to Bedlam" 20th Anniversary Edition reaches No.1. Comment your name suggestions below, and the most-liked comment wins.#jameswhopic.twitter.com/LOxLggNt5q
The people have spoken – if the 20th Anniversary Edition of Back to Bedlam is Number 1 next Friday, my new name will legally be… pic.twitter.com/CoMsjFJpy8
Buku Abi, la hija de R. Kelly, ha revelado en un nuevo documental los supuestos abusos sexuales que habría sufrido durante su infancia por parte de su padre.
El documental de dos partes titulado ‘R. Kelly’s Karma: A Daughter’s Journey’ también incluye «crudas y emocionantes» entrevistas con la hermana y el hermano de Abi. En el primer episodio, esta asegura que el cantante abusó de ella siendo una niña: «Durante mucho tiempo, no me quería creer que había pasado».
«No sabía, incluso si fuese una mala persona, que me haría algo a mí. Tenía demasiado miedo como para contárselo a nadie, incluido a mi madre», añade. En la segunda parte del documental, esta asegura que se levantó «con él tocándome» y cuenta que se lo dijo a su madre por primera vez en 2009, cuando tenía 10 años.
Abi también cuenta que, al contárselo a su madre, fueron a la comisaría a interponer una denuncia, pero finalmente no pudo ser posible: «No podían seguir adelante porque había esperado demasiado. En ese punto de mi vida, sentía que había dicho todo eso para nada», detalla.
Por otro lado, y en un comunicado para la revista People, la abogada de R. Kelly ha declarado que el cantante «niega vehementemente» las acusaciones.
Rosalía y Ralphie Choo mantienen el número 1 en JENESAISPOP al hacerse con el 49% de los votos en X. No hay quien tosa a ‘Omega’, pero Ramper entran directamente al puesto 4. Todo un mérito para su estilo. También entre las entradas fuertes Juanjo Bona y Martin Urrutia, La Casa Azul con Soleá Morente, o The Weeknd con Playboyi Carti. En la parte baja de la tabla, encontramos a Ela Minus, Debbii Dawson y Kate Pierson.
‘Mesmerize’ de Ja Rule y Ashanti, ‘My Boo’ de Usher y Alicia Keys, ‘Dilemma’ de Nelly y Kelly Rowland, ‘Hurt You’ de Babyface y Toni Braxton, ‘Hate That I Love You’ de Rihanna y Ne-Yo… La historia ha dejado grandes duetos de R&B romanticones cantados por chico y chica. En ocasiones era ella la rapera y él el cantante, como es el caso de la seductora ‘Take Away’ de Missy Elliott y Ginuwine.
A esta larga tradición de música romántica se unen Álvaro Diaz y Nathy Peluso con su nuevo single, ‘Xq Eres Así?’, la Canción del Día. Aunque solo el tiempo dirá si ‘Xq Eres Así?’ merece incorporarse a ese panteón de clásicos, está clara la intención de Diaz y Peluso de recuperar el estilo de las baladas R&B de los 2000. Por un lado, la producción emite ese aroma a Timbaland que recuerdas. Por otro, la canción es pura seducción.
En ‘Xq Eres Así’, Álvaro y Peluso interpretan a dos tortolitos que se echan de menos. Para ellos no verse es el fin del mundo. Álvaro y Nathy esperan que el otro les llame por Facetime, se buscan en la calle. Pero se han distanciado. Por qué eres así, girl, canta él. Por qué eres así, boy, canta ella. Y Nathy, como invocando a Rocío Jurado, avisa de que el amor se ha quemado de tanto usarlo: «Nos deseamos tanto que hicimos que ardiera / y empezó a quemarnos de verdad», canta.
‘Xq Eres Así’ es la primera unión musical de Álvaro Diaz y Nathy Peluso. Casualmente, ambos han publicado disco este año, en el mismo mes de mayo: ‘Sayonara’ salía el día 17, y ‘GRASA‘ el día 24. Ambos discos permanecen en la lista de álbumes española: ‘GRASA’ ha vuelto a entrar en el 23 gracias al lanzamiento de su edición de vinilo, y ‘SAYONARA’ se mantiene en el 52.
El videoclip de ‘Xq Eres Así’ constata la influencia de los 2000 en todo el proyecto, evocando el ambiente de casa suburbana americana de la época, y también el vestuario. Dirigen Agustín Puente (‘GRASA’) y Didi Doménech (C. Tangana).
La Casa Azul actuando en el WiZink Center, antes el Palacio de los Deportes, no es algo por lo que muchos hubiéramos apostado hace 25, 20 o 15 años. Ahora parece fácil, pero todos los que estuvimos entonces sabemos que lo suyo podía haber terminado poco más o menos que donde lo de Astrud, Ellos o La Buena Vida. Sería feo -sería muy poco Guille Milkyway- dar nombres, pero muchos de sus contemporáneos que sí han sobrevivido, jamás actuarán en este lugar.
El éxito de La Casa Azul no se debe a la suerte o a que hayan cambiado las circunstancias a la voluntad del azar. Se debe al modo en que se ha crecido como autor, superando ‘Cerca de Shibuya’ con ‘Superguay’, y superando ‘Superguay’ con ‘La revolución sexual’. Después no superó ‘La revolución sexual’ pero sí construyó un repertorio nuevo que fue haciendo olvidar el anterior. Además, pese a su timidez, se ha atrevido aunque haya sido a trancas y barrancas -sus discos salen ya cada 6 o 7 años- a dar pasos adelante. La candidatura a Eurovisión y el Goya por la rumba ‘Yo también’, fueron decisivos, como después su aparición en Operación Triunfo.
Guille Milkyway nunca disfrutó demasiado ser un personaje público. En el fondo, todavía me pregunto si lo puede disfrutar hoy. Lo seguro es que el gran genio del pop se presentó en el WiZink dispuestísimo a convencernos a todos -tras años convenciéndose a sí mismo- de que era su noche. Hubo muchos «gracias, Madrid», se batió un récord Guinness de cañones de confeti, pero sobre todo, Guille estuvo más solvente de voz de lo que jamás le haya oído, arriesgándose a ponerse a sí mismo por encima de la música en la mezcla, depositando por tanto un enorme peso en sus letras.
Y sus letras han servido de terapia a dos, casi tres, generaciones ya, ejerciendo la labor de autoayuda, tratando de reafirmar el yo, arrinconando los complejos de inferioridad, la inseguridad y esa baja autoestima que parece inherente al underground. En un momento de sinceridad, Guille Milkyway comentó que durante gran parte de su vida se había puesto una coraza que impedía entrar a los demás, y estoy seguro de que ha sido el caso de muchísima gente que se ha agarrado a su música como un clavo ardiendo, porque en su entorno no era capaz de expresar sus emociones.
Por eso el concierto de La Casa Azul tiene tanto de simbólico. No sólo es el triunfo del pop, que también, sino una derrota para la masculinidad tóxica, una victoria para todos aquellos que apostaron por hacer pública cierta sensibilidad, reivindicar la inocencia y un buen hacer. Cuando su show pueda llenar el último graderío del Palacio (el formato del WiZink fue el de 10.000 personas, nada mal), España será definitivamente un lugar mejor. De momento, y debido a las amenazas de la actualidad, estamos aún en el camino. Ainhoa Laucirica
Como concierto de 25º aniversario, el setlist contuvo temas de todas las eras de La Casa Azul. Comenzó con ‘La fiesta universal’, con Guille acercándose a aporrear la batería de uno de su media decena de músicos; siguió con ‘Chicle Cosmos’, hábilmente convertida en karaoke colectivo gracias a las proyecciones del estribillo; y enseguida sonaron ‘No más Myolastán’ y ‘Los chicos hoy saltarán a la pista’. Abundaron las canciones de sus tres últimos discos, aunque si por algo fue especial el concierto fue por el viaje a sus inicios.
Hay quien va a un WiZink Center para lucir invitados o montaje. En este caso lo excepcional fue la recuperación de temas que no suelen sonar tanto en su repertorio, como ‘C’est fini’ o muy especialmente ‘Por si alguna vez te vas’. La banda de La Casa Azul se merendó este country precioso: si alguna vez Guille Milkyway había sonado a Juan y Junior se me había olvidado por completo.
En cuanto a sus primeras demos, ‘Tang de naranja, colajet de limón’, tras unas proyecciones emocionadas de Juan de Pablos e incluso la sintonía de ‘Flor de pasión’, se incorporó a un popurrí con temas de “El sonido efervescente”, entre los cuales ‘Hoy me has dicho hola por primera vez’ fue dedicado a Luis y Montse de su sello Elefant, quienes le han acompañado todos estos años. Esa parte se hizo breve, más aún que el disco propiamente dicho, aunque por suerte ‘Cerca de Shibuya’ sí sonó al completo. En concreto después de ‘Superguay’ y acompañada de proyecciones de Japón.
No suele tocarla ya Guille Milkyway ni pensaba hacerlo en sus 2 horas clavadas de set, por lo que nos había contado en un podcast. Y sabe muy bien lo que se hace porque ya no es una de las canciones más conocidas de La Casa Azul (exactamente sólo es la 42ª más escuchada), pero no se podía entender un concierto de 25º aniversario sin esta canción que tanto sonó en los primeros años de Ochoymedio, cuando Ochoymedio era el promotor de este evento. Su música, al fin y al cabo, lleva 25 años siendo “una invitación para viajar a un nuevo mundo”. Como dato, el concierto empezó a las 20.55 en lugar de a las 21.00 para poder terminar a las 23.00 como estaba programado (LOL).
‘El momento’ o ‘Esta noche solo cantan para mí’, con proyecciones ahora de Amaia y de Sophie, además de las artistas habituales, sí estuvieron entre los momentos más coreados, reservándose para el final, como era de prever, el gran hit que esperaba todo el mundo, ‘La revolución sexual’, con un exquisito guiño a The Chi-Lites; ‘Nunca nadie pudo volar’, una bomba de canción en directo que muchos no vimos venir; y como no podía ser de otra forma, ‘Como un fan’, que también había desaparecido de su repertorio en un momento dado.
Este no fue un concierto estrictamente nostálgico de La Casa Azul. Sonaron varios de los singles de su próximo disco. En particular, ‘Vamos a olvidar’ con Soleá Morente como invitada, apareciendo después de la versión a piano, emocionantísima, de ‘Yo también’, representó el futuro. Pero algunas letras de La Casa Azul, anoche coreadas por 10.000 personas, ponían sobre la mesa hasta qué punto han sido un método de supervivencia para el artista y sus fans durante 25 años. 10.000 personas que han construido su propio “mundo en un rayo de sol”.
Guille manifestó hasta en dos ocasiones que estaba muy nervioso, pero no se notó. Ya no es aquel que temblaba en la tele al lado de Raffaella Carrá, ni el muchacho que dejaba que el público cantara cuando él, casi siempre afónico, no podía. Anoche no hubo rastro de su afonía, y en ‘Como un fan’, además, se desprendió de su casco y de esas gafas tras las que ahora se oculta. Parte del público volvió a gritar con saña que Ben Folds Five «no eran suficientemente IN-DIES», solo que ya no en una sala pequeña o de mediano formato. El pop había triunfado. Ainhoa Laucirica
Podcast: La Casa Azul no quería tocar ‘Cerca de Shibuya’
‘Moon Music’ ha sido un éxito rotundo para Coldplay. La banda de Chris Martin ha conseguido que su disco sea el más vendido en Reino Unido para un grupo desde ‘Midnight Memories’ de One Direction, en 2013. Asimismo, firman la mejor semana inicial de cualquier artista británico en tres años, desde el ’30’ de Adele.
Coldplay ha lanzado diez discos en más de 24 años, contando este último, y todos ellos han sido números 1 en Reino Unido. Una puntuación perfecta. ‘Moon Music’ ha vendido 236.796 unidades en su primera semana, lo cual lo deja solo por detrás de ‘The Tortured Poets Department’ de Taylor Swift en lo que a ventas totales en los primeros siete días se refiere. El de Swift consiguió vender 270.000 unidades.
‘Moon Music’ solo es el quinto disco en superar las 200.000 unidades en una semana en Reino Unido en todo lo que llevamos de década. Además de los últimos LPs de Adele y Taylor Swift, el resto de la lista la completan ‘Midnights’ y ‘Voyage’, el último álbum de ABBA. Además, es el que más rápido se ha vendido, tanto en versión física como digital, desde el de Adele.
En el siglo XXI, solo hay tres artistas que tengan más discos número 1 que Coldplay en Reino Unido. Serían Robbie Williams y Taylor Swift, empatados a 12, y Eminem, con 11.
Kanye West ha sido denunciado por un antiguo empleado que el rapero habría contratado para espiar tanto a la familia Kardashian como a su mujer, Bianca Censori. La denuncia ha sido obtenida por Page Six y está firmada por un hombre anónimo que asegura haber sido contratado en 2022 para tales tareas.
El hombre, identificado como John Doe, asegura que fue contratado en un principio como subdirector de la campaña política del artista tras su derrota en las elecciones de 2020, pero que pronto su puesto cambió al de director de inteligencia. Entonces, llevó a cabo «varias investigaciones» tanto a abogados como a familiares del rapero, incluidas Kim Kardashian y su actual esposa.
En la denuncia, se puede leer que el de ‘Donda’ mandó investigar a las Kardashian porque creía que la familia tenía «varios lazos» con distintas «iniciativas criminales». Entre estas, se cita el «tráfico sexual».
Por otro lado, John Doe debía «contratar investigadores privados para seguir a su mujer cuando esta viajaba sola para visitar a su familia en Australia». De momento, los representantes legales de Ye no han respondido a las acusaciones.
Ya queda menos para el esperado ‘Songs Of A Lost World’, que saldrá a la venta el próximo 1 de noviembre. The Cure han anunciado hoy un concierto de presentación del disco en Londres, en una sala de 3.000 personas, que también podrá verse desde casa de manera totalmente gratuita. Además, ya se pueden leer las primeras reseñas del álbum.
La noche del 1 de noviembre, el legendario grupo inglés llevarán a cabo el ‘Show Of A Lost World’, en el que tocarán el disco en su totalidad en la sala Troxy de Londres. Las entradas para el concierto saldrán a la venta el próximo 17 de octubre a las 16h en España. Una libra de cada ticket será destinada a la ONG War Child. Para el resto del mundo, el show podrá verse de manera gratuita en YouTube.
Por el momento, los singles ‘Alone’ y ‘A Fragile Thing’ ya están disponibles en las plataformas de streaming. En los conciertos de su última gira también pudimos escuchar ‘Endsong’ y ‘And Nothing Is Forever’ en directo. Sin embargo, ya están disponibles las primeras reseñas de las versiones finales. NME ha declarado en su reseña que ‘Songs Of A Lost World’ se trata del «disco más personal de la carrera de Robert Smith».
El medio británico describe ‘And Nothing Is Forever’ como un «suspiro magistralmente eufórico» y la equipara con clásicos como ‘Plainsong’ o ‘Pictures of You’. Por otro lado, da detalles sobre la «sombría» ‘Warsong’ y ‘Drone_Nodrone’, la cual «se siente como el primo travieso de ‘One Hundred Years’, ‘Burn’ y ‘Killing An Arab'».
The Cure – Songs Of A Lost World : Album Launch Show Live at Troxy London – 1st November 2024 Ticket info at https://t.co/63L11XJOKB Free Global Live Stream on The Cure YouTube – More details to follow pic.twitter.com/1Nd8E3bsF6
José Manuel Carbajal Zaldívar, más conocido como El Taiger, ha fallecido a los 37 años después de recibir un disparo en la cabeza hace una semana, durante un violento crimen. Tras siete días de incertidumbre para amigos, familiares y el pueblo cubano, su equipo ha comunicado en redes la muerte del cantante en el hospital Jackson Memorial de Miami.
«El Taiger fue declarado muerto y ahora se ha unido con su amada madre en el cielo», han compartido sus más allegados con sus millones de seguidores. Estos también concretaron que, pese a que «un equipo de médicos trabajó incansablemente para brindarle a José el más alto nivel de atención», no fue posible mantenerlo con vida.
Zaldívar era el mayor exponente del reparto, un género musical también conocido como morfa que surge en Cuba en la década de los 2020s. Se caracteriza por mezclar elementos de la salsa o la rumba, y de la música cubana en general, con el reggaetón.
Este cuenta con más de 1 millón de oyentes mensuales en Spotify y su canción más escuchada, ‘La Historia’, también fue un gran éxito en España. Es la sexta canción más escuchada en España en 2021, según datos de Promusicae, y se mantuvo durante 37 semanas en lista acumulando 5 discos de platino.
Es una dura noticia para la comunidad cubana, que se encargó de hacer vigilias en sus ciudades y llevar velas y fotografías al hospital en el que se encontraba el artista. Cantantes como J Balvin, Enrique Iglesias o Kiko Rivera también han enviado su apoyo. Este último le ha dedicado un emotivo mensaje en su perfil de Instagram: «Descansa en paz, amigo. Noticias que me parten el alma», ha publicado.
Desde tiempos inmemoriales, el ser humano ha intentado encontrar la receta para la juventud eterna. Vivimos en un mundo donde la vejez es sinónimo de fealdad, y en consecuencia, estamos constantemente rodeados de publicidad que nos invita a frenar las irremediables marcas que deja en nosotros el paso de los años: arrugas, canas, piel caída, etc. Esta presión estética, presente para todo el mundo, es mucho más agresiva con las mujeres, y más aún en industrias dedicadas al entretenimiento y la imagen.
Elisabeth Sparkle (Demi Moore), la protagonista de ‘La sustancia’, fue una gran estrella de Hollywood hace tiempo, y aquellos años dorados aún viven en la memoria colectiva de toda una generación. Sin embargo, a sus sesenta y pocos, a nadie parece interesarle ya lo que tenga que ofrecer. Relegada a un programa televisivo de pilates de no demasiada audiencia, Elisabeth pasa la mayor parte de su tiempo ansiando ser todo lo que un día fue. Su vida cambia cuando llega a sus manos información confidencial para adquirir un producto experimental que crea un álter ego más joven y “mejorado” de quien accede a consumirlo. La condición para usarlo es que ambos cuerpos deben alternarse cada siete días exactamente, y cualquier alteración de las normas tendrá consecuencias irreparables.
En su segundo largometraje, Coralie Fargeat, directora de ‘Revenge’, viaja a Los Ángeles para retratar la putrefacción de una sociedad que se esconde bajo el glamour hollywoodiense. De esta manera, la película opta por una estética artificial, con colores llamativos y decorados de diseño, pero sin ahorrar al espectador ni un segundo de visceralidad, entrañas y sangre. Sin duda, una alegoría de la superficialidad que plasma.
Apoyándose tanto en Cronenberg como en la New French Extremity (movimiento cinematográfico que se dio en Francia a principios de los 2000 caracterizado por sus historias truculentas y su violencia explícita), Fargeat ha creado un nuevo paradigma en el subgénero del body horror. ‘La sustancia’, además de su trasfondo feminista y social, es una película que conoce y juega a la perfección con los códigos del terror y hace con ellos una fiesta tan sangrienta como divertida. La cineasta mantiene un admirable pulso narrativo, generando un constante estado de tensión y extrañeza, permitiendo al filme explotar en varios momentos sin perder nunca el control.
Mucho del mérito lo tiene Demi Moore, encarnando las consecuencias del machismo y edadismo que seguramente haya vivido de primera mano y lanzándolas a la pantalla con valentía y rabia. Las grandes estrellas nunca se apagan, por mucho que Hollywood quiera convencernos de lo contrario. También su doppelgänger en la ficción, Margaret Qualley, inyecta -nunca mejor dicho- en su personaje una electricidad peligrosa, dotándolo de ambigüedad y sugerencia.
Las tres mujeres al frente de ‘La sustancia’ -Fargeat, Moore, Qualley- representan a distintas generaciones atravesadas, cada una a su manera, por un ideal de belleza inalcanzable que, literalmente, crea monstruos. La exagerada y satírica naturaleza de la película no impide nunca ver la verdad desde la que está realizada. Fargeat busca impactar, provocar incluso, pero lo hace con el objetivo de indagar en las propias entrañas del problema, de mostrar lo asqueroso que subyace detrás de todo aquello que es falso.
El gran éxito de ‘La sustancia’ es que su denuncia social no opaca su alma de espectáculo gore, gamberro y extremo. La cineasta, a base de referencias y discursos bien asimilados, ha elaborado un cóctel explosivo, diseñado para quedarse clavado para siempre en la retina de los espectadores.
Hoy 11 de octubre el mundo recibe nuevos lanzamientos de Charli xcx (no tan nuevo, es su disco de remezclas), Love of Lesbian, Becky G, La Femme, Niño de Elche, Glorilla, La Habitación Roja, Samara Joy, Soge Culebra, RÜFÜS DU SOL o Gonzy. En el lado nacional son varios los discos interesantes que ven la luz hoy de gente tan dispar como Le Parody, en la foto; Alondra Bentley, Çantamarta, Camellos o Ganges. El de Alavedra es del jueves.
La semana ha venido marcada por algunos lanzamientos sueltos tan destacados como los singles de The Cure, Halsey o el dueto de Dorian y Viva Suecia. En portada hemos comentado los singles de JENNIE, Mónica Naranjo, Alvaro Diaz y Nathy Peluso o la cantaora debutante Lela Soto.
Aterrizan en plataformas hoy también, o lo han hecho en los últimos días, las nuevas apuestas de Loreen, Nao, Te vi en un planetario, White Denim, mxmtoon, Dani Vega de Mishima, Saya Gray, Artemas, Biig Piig, Kinder Malo, Fitness Forever, Wallice, Nena Daconte, Silvia Pérez Cruz, Fazerdaze, Ojete Calor, The Kid LAROI o el nuevo intento en español de St. Vincent.
JENNIE ha triunfado últimamente de la mano de The Weeknd y Lily Rose-Depp en el slow jam lúgubre de ‘One of the Girls‘, un tema incluido en la banda sonora de la denostada ‘The Idol’ que supera los mil millones de reproducciones en Spotify.
Conocida por ser una de las integrantes de BLACKPINK, JENNIE ha lanzado varios singles en solitario. De hecho, fue la primera miembro de BLACKPINK en dar el salto fuera de la banda cuando sacó ‘SOLO’ en 2018. Después, ‘You & Me’ se editó en 2023. Hoy, JENNIE vuelve con uno de los grandes lanzamientos internacionales de la jornada.
‘Mantra’ es el primer single de JENNIE tras firmar por Columbia Records, y es un bop de ritmos Miami bass que sirve a la cantante para presumir de belleza: «Las chicas guapas no hacemos drama a menos que lo queramos, depende del día», canta la surcoreana, que incluso amenaza con «convertir» a todo aquel al que no le gusten las mujeres: «She’s a stunna / Makes you wanna swing both ways», canta.
El ‘Mantra’ de JENNIE viene acompañado de una producción cristalina y bailonga firmada por El Guincho, socio de todas las cool girls actuales. El Guincho acaba de ser noticia por revelar la influencia que Björk ha ejercido en su carrera, concretamente en su transición de artista a productor.
La Canción Del Día viene con otro de esos videoclips de alto presupuesto que se gastan las ídolas del k-pop. Dirige Tanu Muino.
Hace 2 años RTVE introdujo al mundo el nombre de Lela Soto, una de las promesas del nuevo flamenco. Lela Soto ha colaborado con Alejandro Sanz, La Pastori, Pitingo o Navajita Plateá, y en su acceso a la élite del flamenco ha tenido que ver su genealogía, pues ella es hija de Vicente Soto, hermano de José Soto, integrante de Ketama, y nieta de Manuel Soto Monje, El Sordera, según RTVE «descendiente de Paco de Lucía».
El contexto familiar de Lela Soto explica solo en parte su talento, pues su padre asegura que Lela canta desde pequeña y que entonces ya sabía que su hija iba a ser artista. Sin embargo, Lela -nacida en Madrid- posee una de esas grandes voces que pueden llegar muy alto.
Después de haber prestado sus servicios a diversos artistas, Lela Soto prepara su debut largo para 2025, de mano de Altafonte, y el primer adelanto ya se conoce. Lela Soto estrena hoy viernes ‘De tanto rezarle al santo’ recordando a la mejor Niña Pastori tanto en el sonido puro y cristalino de las guitarras españolas, como en sus requiebros vocales.
Como su propio título indica, ‘De tanto rezarle al santo’ se suma a la actual recuperación de los símbolos de una España antigua para contextualizarlos en el presente. Así, no extraña que, en el videoclip, Lela cante en el interior de una casa típica de pueblo, decorada con cuadros de iconos religiosos, cruces o hasta con una escopeta, que Lela después empuña.
Mientras prepara su álbum, Lela Soto continúa de gira con conciertos en diversas ciudades de España. Las próximas fechas incluyen el 19 de octubre en la Sala Apolo de Barcelona, el 26 de octubre en Suma Flamenca en Madrid, el 9 de noviembre en el Guess Who de Utrecht, Países Bajos y el 7 de diciembre en el Nocturama de Sevilla.
La subida continuada de los alquileres, la incapacidad para miles de jóvenes que trabajan de emanciparse pasados los treinta, la imposibilidad para otros miles -o millones- de permitirse una vida digna, la crisis de los pisos turísticos, la gentrificación, el efecto que esta serie de problemas acarrea en la salud mental… ha llevado a España a un punto de ebullición. Este domingo 13 de octubre la manifestación por la vivienda exige al Gobierno un cambio real.
En este contexto, el nuevo disco de Biznaga es el más relevante del momento, y desde su mismo título propone una “acción directa”, en el “¡AHORA!”, de reclamación de derechos. En su punto de mira está el ladrillo, como muestra la icónica portada, en el que se puede definir en términos de disco conceptual sobre la crisis de la vivienda y las diferentes problemáticas que porta consigo.
Las canciones de ¡AHORA! reciben títulos como ‘El futuro sobre plano’, ‘Las afinidades eléctricas’ u ‘Ocupar el AHORA’. Hablan del “derecho la ciudad” o alertan del fin del “tejido vecinal”, critican el turismo masivo y la proliferación de los desahucios. Se dedican a la exploración laboral: “40 horas a la semana, por un sueldo que se queda en nada, te hace fuerte lo que no te mata”. Algunas canciones se atiborran de ‘Bendodiazepina’, en concreto de «Lorazepam». En definitiva, da ganas de ir regalando copias por el Congreso de los Diputados, a ver si alguien le pone una oreja.
Biznaga no se anda con rodeos y, para transmitir su mensaje social de manera clara y directa, elige su faceta más pop. El screamo de Álvaro García no puede sonar mejor. Las guitarras eléctricas se empapan de una luminosidad que remite al college rock americano de los 90, de R.E.M. a los Rem…brandts. Y, aunque la influencia del post-punk sigue en la corriente sanguínea de las canciones de Biznaga gracias al crudo bajo de Jorge Navarro, las canciones son melódicas y vigorosas. Algunas se cuentan entre las mejores de la carrera de Biznaga.
“Vamos a fuera a hacer que suceda” es probablemente el gran lema de ‘¡AHORA!’. Proviene de ‘El Entusiasmo’. Pero la canción no se queda en mera consigna ni se conforma con ser una “canción de acción directa”, sino que va más allá y construye uno de los mejores himnos de la carrera de la banda madrileña. ‘Espejos de caos’, por otro lado, es esa balada que cuenta la crisis de vivienda a través de un prisma personal. Es la historia de una pareja que no se soporta, pero que dependen el uno del otro para pagar el alquiler. El estribillo invita a desahogarse y romper todo.
Aunque, en general, la personalidad de las canciones de ‘¡AHORA!’ está en que son una mina de frases citables. En ‘Imaginación política’ Biznaga denuncian la «cuestión habitacional», avisan que «te echarán del barrio, pero en Cabify» y declaran que «lo social pasó de moda». En ‘El futuro sobre plano” alertan de “mas tensión, más turistas, más desahucios”. En ‘La gran renuncia’ tienes que comprobar que las guitarras afiladas no las haya aportado Alizzz (no es el caso), pero sobre todo sobresale su crítica a la meritocracia, de una jornada laboral que termina con “arcadas”. Y en ‘Lorazepam y plataforma’ se retrata a una generación «que vivirá peor que sus padres» y cuyo «horizonte de futuro es un fondo de pantalla».
El capitalismo salvaje, la adicción a los ansiolíticos, la precariedad del «Rider» que se juega la vida repartiendo cada noche, la ‘Agenda 2030’, que titula de las pistas y, en general, la imperiosa necesidad de rebelarse contra una autoridad que ve la disidencia como un mero acto de «mala educación» injustificado, y contra una «patria» que tiene al dinero por Dios, construyen canción a canción, ladrillo a ladrillo, un disco de Biznaga lleno de tiros y que radiografía muchos de los asuntos de mayor preocupación de la sociedad actual en España, así como la manera en que se interrelacionan.
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