Lola Índigo no para. La artista, que ha hecho sold out en el Bernabéu para su concierto de 2025, continúa promocionando su música a través de distintas vías. La cantante acaba de anunciar el documental de ‘GRX’, uno de sus mejores proyectos musicales que fue lanzado a principios de año.
«Yo tenía muchas ganas de hacer algo que pegara en la memoria de la gente de Granada», confiesa Lola Índigo en el tráiler que ha publicado hoy mismo. La película de ‘GRX’ llegará el 22 de abril a Movistar Plus+ y contará el ascenso a la fama de la cantante y el proceso de creación de su proyecto ‘GRX’.
La intérprete de ‘Yo Tengo Un Novio’ no solo mostrará lo mejor de tener millones de oyentes, sino que también se abrirá de forma vulnerable. «¿Llevo toda la vida partiéndome el lomo para estar aquí y ahora no lo puedo disfrutar?», se preguntará entre lágrimas en algún momento del documental.
Lola Índigo no solo se trae esta película entre manos. La artista está petándolo actualmente con su tema ‘1000COSAS’ junto a Manuel Turizo. Además, este sábado se estrenará como coach en la nueva edición de La Voz Kids en Antena 3. Y, por supuesto, sigue trabajando en nueva música.
Primavera Pro, el encuentro para profesionales de la industria musical de Primavera Sound, celebra este año su quince aniversario, y lo celebra con una programación que, del 29 de mayo al 2 de junio, volverá a alternar conferencias con showcases musicales en vivo. Una veintena de directos que se presentarán en dos espacios, uno en el propio CCCB y otro dentro del marco de Primavera a la Ciutat, para dibujar un «mapamundi musical rico y lleno de particularidades».
Los países invitados en la decimoquinta edición de Primavera Pro son Irlanda, Italia, Argentina, Alemania, Portugal, Países Bajos, Hungría y Lituania, a los que se suman dos comunidades autónomas de España, Navarra y Cataluña. Primavera Sound ha compartido una playlist de Youtube que reúne canciones de todos los artistas confirmados para ir descubriéndolos.
En el caso de España los artistas participantes en Primavera Pro son, por un lado, la cantautora Mar Pujol, la hipnótica Llum y los divertidos -y virales- dani6ix & IZZKID de parte de Cataluña, y la renovadora del folclore Olaia Inziarte de parte de Navarra.
En cuanto a las propuestas internacionales, desde Irlanda se presentarán en Primavera Pro el tecno y noise-rock de YARD, el pop alternativo de Chubby Cat, el rap de Curtisy, la melodía de Katie Phelan y el energético directo de The Love Buzz. La propuesta de Argentina, la de Feli Colina, ofrece su propia visión de la música de raíces, y la de Italia apuesta por la fusión de So Beast. Una fusión de géneros pero también idiomas que viene a representar la «escena cultural italiana».
Del país vecino, Portugal, será ocasión de conocer las propuestas de, por un lado, House Plants, una de las bandas más exitosas de Lisboa, y de la innovadora Surma. Países Bajos opta por el pop de cámara de Robin Kester y el post-punk de Tramhaus. Desde Lituania se personará en Primavera Pro el artista emergente Migluma con su propuesta de música electrónica.
Finalmente hay que hablar de las apuestas de Alemania, con el indie-pop de Ilgen-Nur, la electrónica de Import Export y el space-rock de Flying Moon in Space; y de Hungría, país del que vienen Àbáse y su jazz que reivindica un «mensaje de unión», y Дeva y su sonido atmosférico. Todos estos artistas, os recordamos, ofrecerán sus respectivos showcases tanto en el CCCB como en Primavera a la Ciutat, dentro de la programación paralela de Primavera Sound.
El paso del tiempo ha dejado claro que encasillar a Mount Kimbie es imposible. El dúo original de dubstep y future garage formado por Dom Maker y Kai Campos se convierte ahora en cuarteto en ‘The Sunset Violent’, incorporando a la teclista Andrea Balency-Béarn y al batería Mark Pell. La renovada banda, que venía de explorar el R&B alternativo, el hip hop y el trap con ‘MK 3.5: Die Cuts | City Planning’, técnicamente su cuarto álbum aunque su título sugiriera que se trataba de una mera transición, cogen el relevo del post-rock que ya exploraron en ‘Love What Survives’ para adentrarse en un sonido sucio de influencia shoegaze dominado por guitarras distorsionadas e inquietantes sintetizadores.
En ‘The Sunset Violent’, el impredecible grupo británico vuelve a juntarse con King Krule, uno de sus colaboradores habituales, para dos canciones. No sorprende en absoluto que se entiendan tan bien con el autor de ‘Space Heavy’, ya que su música tiene mucho en común: es exigente, críptica, inclasificable y, sin embargo, dotada de un envolvente misterio que atrapa. En el potente cierre krautrock que es ‘Empty and Silent’, la voz de Marshall y su sugerente poesía brillan. La letra está directamente sacada de su diario, y referencia a ‘Empty Stomach Space Cadet’, una canción de su mencionado último disco. El grupo también le da protagonismo en ‘Boxing’, una suerte de balada dream pop que lleva al oyente directamente a los 90.
El antiguo dúo electrónico se desenvuelve de maravilla en este nuevo sonido, beneficiándose de la presencia de sus nuevos miembros y volviendo a encontrar un punto de conexión artística que parecían haber perdido en ‘MK 3.5’, donde la primera parte de aquel trabajo la firmaba Maker y la segunda Campos. Manteniendo sus orígenes electrónicos pero adaptándolos al indie rock de bandas como Stereolab o Sonic Youth, ‘The Sunset Violent’ es claramente un paso adelante para Mount Kimbie.
Canciones como ‘Dumb Guitar’ son clara evidencia de ello: una maravilla post-punk tan cargada de rabia como humor sobre los esfuerzos por salvar una relación que parece abocada al fracaso («Cada día comemos fuera / Otra cita y me suicido / Despiértame la próxima vez que estés cerca / Despiértame el próximo verano, tío»). El contraste de la voz de Dom Maker con la de Balency-Béarn es un grandísimo acierto que se repite en varias ocasiones, como en la también estupenda ‘Shipwreck’, o en otro de los cortes más destacados, ‘Fishbrain’, con sus guitarras distorsionadas y sus cavilaciones existencialistas.
La brevedad del álbum -tan solo nueve pistas- hace que una pieza principalmente electrónica como ‘Got Me’, que se desmarca más del sonido indie rock del resto del conjunto, no se entienda demasiado y resulte algo decepcionante. Aunque, situada justo en la mitad de la secuencia, puede verse como una especie de interludio que separa la cara A de la cara B, que por suerte, están muy equilibradas.
Lo mejor de ‘The Sunset Violent’, además de sus producciones hipnóticas y sugerentes, es que demuestra una vez más que Mount Kimbie pueden hacer cualquier cosa y salir airosos. Tanto si deciden volver a la electrónica, seguir por este camino post-punk o aventurarse en cualquier otro género, hay motivos de sobra para prestarles siempre la máxima atención.
Beth Gibbons publica nuevo disco el 17 de mayo. ‘Lives Outgrown’ será uno de esos raros lanzamientos directamente asociados a Portishead. Raros sin tener en cuenta la activa carrera de Geoff Barrow con su banda paralela, Beak, que ha producido ya cuatro álbumes publicados entre 2009 y 2018. Adrian Utley, más en la sombra, ha tocado últimamente en discos de Sorry, TORRES o Philip Selway. En realidad, del último disco de Portishead, ‘Third‘, han pasado ya dieciséis años.
Por su parte, Gibbons no publica un disco de material original desde ‘Out of Season’ en 2002. En 2019 lanzó el directo ‘Henryk Górecki, Symphony Nº3 (Symphony of Sorrowful Souls)‘, pero de lo que había ganas de verdad era de algo como ‘Lives Outgrown’.
Del disco se conoce el introspectivo single ‘Floating On A Moment’ y hoy se extrae un segundo sencillo que no puede sonar más explosivo en comparación con el anterior. El ritmo mecánico de ‘Reaching Out’ se podría extrapolar a ‘Third’, pero el sonido no es industrial sino orgánico, los tambores retumban con fuerza, y pronto la canción se transforma en un torbellino de trompetas, cuerdas y percusiones que parece sacado de una banda sonora de James Bond.
Gibbons lidera su propia big band de jazz en esta canción en la que se imagina cayendo en picado, tratando de «silenciar» una «vergüenza» que la atormenta. «Siempre te necesitaré, siempre te necesitaré», repite con su afligida voz.
‘Reaching Out’ se ha publicado junto con un videoclip interactivo diseñado por el artista visual Weirdcore (Aphex Twin, Arca). El vídeo, explica la nota oficial, «presenta maquetas en 4D de Beth en caída libre por un paisaje espacial cinético de ciencia ficción». «A medida que avanza el vídeo», sigue, «los modelos de Beth cambian para representar las distintas etapas de su vida, haciendo eco de las ‘Lives Outgrown’ del título del álbum».
Así queda el tracklist de ‘Lives Outgrown’:
1. Tell Me Who You Are Today 2. Floating On A Moment
3. Burden Of Life
4. Lost Changes
5. Rewind 6. Reaching Out
7. Oceans
8. For Sale
9. Beyond The Sun
10. Whispering Love
Ojete Calor ha anunciado concierto en el WiZink Center de Madrid el día 28 de diciembre de 2024 . Las entradas para el ‘CONCIERTO SOLO PARA GENTE GUAPA DE OJETE CALOR’ se ponen a la venta el próximo jueves 18 de abril a partir de las 10 horas.
La noticia de la nueva fecha de Ojete Calor en el WiZink llega con el estreno de un nuevo single llamado ‘Collar Fular’. Se trata de una sátira sobre esas personas incapaces de asimilar la realidad de la fluidez de género, protagonizada por una persona cuya expresión de género no encaja dentro del binario. La nota de prensa es una historia en sí misma que vale la pena reproducir íntegramente:
«Es tarde y la oscuridad envuelve la ciudad. Un perfecto desconocido irrumpe a la hora justa en el local de moda. Tiene tablas en la noche, atesora mucho pasado. Pero hay un problema: su cuello está cubierto por una pieza que no resulta fácil catalogar. Brilla, tintinea, se intuye algún adorno perlado. ¿Podría ser un collar? ¡Un momento! No está claro. Hay quien, subyugado por la tersa textura que entrelaza los elementos, se lanza sin red a la hipótesis del fular. Está claro que el tipo se siente cómodo navegando por las farragosas aguas de la ambigüedad; pero el público no está dispuesto a tragar, necesita certezas. Una prenda que ponga en jaque la estabilidad emocional del espectador no es de recibo. La presencia del extraño es rápidamente percibida como una provocación por todos los presentes. La tensión va en aumento.
Un misterio, una incógnita. Un personaje indefinido, muchas dudas. Eso es la nueva propuesta de Ojete Calor: un capítulo de Se ha escrito un crimen sin tercer acto. En un mundo lleno de incertidumbre, Ojete Calor aboga por el orden, la clasificación concreta y la precisión. Por favor, aclárate. Vivan las etiquetas.
Este thriller psicológico se desarrolla en su canción más bailable hasta la fecha: un four-on-the-floor discotequero y pulsante que cabalga sin concesiones por la trama, trayéndote todo el sabor de esos afters de Berlín en los que no te dejarían entrar por vulgar, de los discos de Cerrone más impenetrables y de los parkings de Picassent con el coche a todo trapo. El final abierto propone una nueva etapa más madura del grupo».
El videoclip de ‘Collar Fular’ es, también según la nota de prensa, un «homenaje a los cómics, pero solo a los que están libres de derechos».
No parece que vaya a haber una reunión de Oasis. Ni ahora, ni nunca. Liam Gallagher ha respondido a los recientes comentarios de Andy Bell que sugerían que un regreso de Oasis podría suceder en el futuro, negando cualquier posibilidad.
«Sí, probablemente lo harán. Creo que sí, que probablemente lo harán», ha dicho Andy Bell en una entrevista reciente sobre si Oasis «volverían a estar juntos». «Ahora mismo no lo veo probable, pero la vida es larga, ¿no?», añadió el músico, que tocó el bajo para la banda entre 1999 y 2009 antes de unirse al grupo Beady Eye de Gallagher.
Bell puso como ejemplo la reunión que tuvo lugar con The Stones Roses, alegando que «sucedió completamente en contra de cómo se veían las cosas». «No se llevaban nada bien y había muy mala vibra en la prensa con los Roses, y de repente empezabas a oír hablar de conciertos», comentó el músico. «Creo que podríamos ver algo así para Oasis».
Pues si bien Andy Bell tenía esperanzas, pronto las ha disipado Liam Gallagher. «No deberías ilusionar a la gente. No es inteligente», escribió Gallagher en redes sociales. Cuando un fan le echó en cara a Gallagher que lo que Bell había dicho era «lo mismo» que había comentado él en otras ocasiones, el artista aclaró que él nunca ha mencionado «una reunión de Oasis»: «No vamos a volver, tenemos que superarlo todos por nuestra salud mental».
Más tarde y después de las declaraciones de Liam Gallagher, Andy Bell se retractó en Twitter: «¡Disculpas! No era mi intención dar esperanzas a nadie. ¡No tengo nada que ver aquí!». Noel Gallagher no se ha pronunciado al respecto.
I’ve never mentioned oasis reunion it’s over we must all really move in for our own mental health
A falta de un mes para que se celebre una nueva edición de Eurovisión, el certamen ha publicado en sus redes sociales un comunicado pidiendo «respeto» a todos sus participantes. La declaración se produce tras la tensión provocada por la participación de Israel en el Festival, país que finalmente no será expulsado como sí ocurrió con Rusia tras declarar la guerra a Ucrania.
«La Unión Europea de Radiodifusión reconoce la gran conmoción y la firmeza de las opiniones que el Festival de Eurovisión de este año (con el telón de fondo de una terrible guerra en Oriente Medio) ha provocado. Entendemos que la gente quiera participar en el debate y expresar sus profundas opiniones sobre este asunto. A todos nos han afectado las imágenes, las historias y el indudable dolor que sufren los habitantes de Israel y de Gaza», dice Jean Philip De Tender, Director General Adjunto de la UER.
El comunicado continúa: «Sin embargo, queremos abordar las preocupaciones en torno a esta situación, especialmente las campañas dirigidas en las redes sociales contra algunos de nuestros artistas participantes. La decisión de incluir a cualquier emisora, incluida la emisora «israelí» Kan, es responsabilidad exclusiva de los órganos de gobierno de la UER y no de los artistas individuales. Estos artistas acuden a Eurovisión para compartir su música, su cultura y el mensaje universal de unidad a través del lenguaje de la música».
La UER afirma que, aunque apoya firmemente la «libertad de expresión» y el «derecho a expresar opiniones en una sociedad democrática», se opones a «cualquier forma de abuso en Internet, incitación al odio o acoso dirigido a nuestros artistas o a cualquier persona relacionada con el concurso». «Esto es inaceptable y totalmente injusto, dado que los artistas no tienen ningún papel en esta decisión», declara. Recientemente se ha viralizado un vídeo de Olly Alexander, representante de Reino Unido, con pinta de no querer cantar. Es uno de los participantes que más ha denunciado el genocidio de Israel.
«Nos dedicamos a proporcionar un entorno seguro y de apoyo para todos. Seguiremos trabajando estrechamente con todas las partes interesadas para promover los valores de respeto, inclusión y comprensión, tanto en Internet como fuera de Internet. Instamos a entablar un diálogo respetuoso y constructivo y a apoyar a los artistas que trabajan incansablemente (en lo que es un espectáculo de música y entretenimiento) para compartir su música con el mundo», finaliza Jean Philip De Tender.
David Broncano ficha por RTVE. El consejo de administración de RTVE ha aprobado durante una reunión extraordinaria celebrada este miércoles el fichaje del presentador y cómico, que traerá ‘La Resistencia’ a La 1 a partir del próximo septiembre, emitida hasta el momento en Movistar Plus+.
Broncano estará ligado a RTVE por dos temporadas, en las que cobrará 14 millones de euros durante cada una. El contrato deja un coste de 90.000 euros por cada uno de los programas emitidos en la franja previa al horario de máxima audiencia, tras el telediario de las 21.00. Esto saldrá más barato a la televisión pública de nuestro país que la serie ‘4 Estrellas’, que costaba 130.000 euros por capítulo, según fuentes del ente público.
Con la llegada de ‘La Resistencia’ a La 1, RTVE competirá con ‘El Hormiguero’ de Pablo Motos, que actualmente domina en las audiencias de su franja horaria y no cuenta con ningún programa similar que le pueda hacer competencia. Desde ese programa aseguran que el fichaje de Broncano es un plan de Moncloa para «acabar con Pablo Motos».
🗣️Juan del Val, sobre el fichaje de Broncano en RTVE: "El problema es que Moncloa quiera acabar con Pablo Motos" pic.twitter.com/DE5OWn6tao
JoJo Siwa quiere inventar un nuevo género llamado «pop gay». La cantante y youtuber, que está en plena promoción de su poco escuchado tema ‘Karma’, quiere hacer nueva música inspirada en artistas como Lady Gaga o Miley Cyrus para inventar lo que ella considera que será el pop gay.
«Lo dije en su día cuando firmé por primera vez con Columbia. Les dije: ‘Quiero crear un nuevo género musical’. Y me preguntaron: ‘¿A qué te refieres?’. Y yo dije: ‘Bueno, se llama pop gay’. Y me dijeron: ‘¿Qué es eso?’. Y yo dije: ‘Es como el k-pop, ¿no? Pero gay-pop'», confiesa la artista en una entrevista para Billboard. No detalló la reacción de la discográfica.
Además, JoJo Siwa ha explicado cómo será su música como «pionera» del pop gay, afirmando que será similar a ‘Applause’ de Lady Gaga y ‘On My Own’ o ‘Can’t Be Tamed’ de Miley Cyrus: «No es ningún secreto que mi transición está fuertemente inspirada en Miley Cyrus. El giro de Miley. El cambio de Miley. Ha sido lo más grande que he presenciado con mis propios ojos».
Como era de esperar, las redes sociales han incendiado con los comentarios de JoJo Siwa. «Estoy muy feliz de poder hacer por fin música pop gay ahora que JoJo Siwa la ha inventado, ¡gracias reina!», escribió un usuario en Twitter.
«‘¿Estáis preparados para vuestras clases de pop gay?’. Lady Gaga tragó saliva. Kylie Minogue se estremeció. Madonna asintió. RuPaul se echó a llorar. Charli XCX parpadeó nerviosa. ‘Sí, JoJo Siwa’, dijeron al unísono», escribió otro.
JoJo Siwa says she wants to start a new genre of music called “gay-pop”.
Recién recuperado de una lesión de rodilla que acaba con su carrera en el Real Madrid, Álvaro Benito (voz, guitarra) forma Pignoise junto a Pablo Alonso (bajo) y Héctor Polo (batería). Más de 20 años después, sus canciones siguen siendo recordadas por miles de chavales y se han convertido en una parte indiscutible de la cultura pop española, lo cual representa para Benito un «motivo increíble de orgullo».
Ahora, han vuelto con un disco que conmemora su 20 aniversario revisitando los grandes éxitos de la banda mediante colaboraciones, tanto de leyendas como de artistas jóvenes influenciados por la propia música de Pignoise. A la vez, han anunciado los dos conciertos más importantes de su carrera: el 30 de noviembre de 2024 en Sant Jordi Club y el 7 de marzo de 2025 en el Wizink Center. Las entradas ya están disponibles.
Hablamos con Álvaro Benito sobre los difíciles inicios de la banda, el cambio que ha sufrido la industria musical durante estos 20 años y el efecto de Pignoise en otras generaciones.
Como tantos otros chavales de mi generación, he crecido escuchando vuestros temas en la radio. ¿Vosotros notáis que traspasáis generaciones?
Lo hemos notado después de seis años en los que yo estuve entrenando y en los que el grupo no tuvo actividad. Cuando volvimos en 2019 flipamos, porque estaba lleno de chavales. Nos sigue pasando. El otro día, en la firma de discos, venía un montón de gente joven diciendo que nos llevaba escuchando desde que tenía seis, ocho años, y es increíble el poder que tiene la música de engancharte desde muy jovencito a un grupo que te acompaña toda la vida. A mí me sigue pasando con los grupos españoles con los que he crecido.
Cuando tenía 10 años os escuchaba en Sol Música, no sé si te acuerdas de eso. ¿Cómo habéis vivido la evolución de la industria durante todos estos años?
Siempre pienso que cada uno somos hijos de nuestro tiempo y tenemos ese defecto de pensar que lo que hemos vivido es lo que más mola, pero es cierto que había mucho más romanticismo. En mis horas libres yo vivía pegado a la radio con mis casetes para grabarme las canciones. Si te gustaba un artista, te comprabas el disco y mirabas todo el folleto, el libreto, las letras, las fotos… Ahora, el consumo del arte, en general, es aquí te pillo aquí te mato. Hay demasiadas cosas volando por el aire a las que prestar atención y cuesta mucho focalizar. Se ha perdido algo por el camino. Se ha ganado también que la música es más democrática que nunca y todo el mundo puede tener su manera de expresarse.
Que sea más democrático también significa que es más difícil darte a conocer.
Mucho más, dímelo a mí. Estoy sacando un proyecto paralelo a Pignoise que se llama Chicle y hay que picar mucha piedra. Ahora es muy difícil que la gente te preste atención, sin ni siquiera que te llegue a escuchar. Hay muchos lugares donde consumir, donde exponerte y que la gente luego se quede contigo es muy difícil.
¿No tienes ningún hilo en la industria de dónde tirar?
No te creas, eh. Ya no hay un lugar donde cada semana te vean tres millones de personas. Ahora tiene que ser un proceso más lento de convencimiento, de boca a boca… No creo que haya ningún atajo. Si lo hubiese, lo cogería.
¿Cómo de complicados fueron los inicios con Pignoise?
Hubo muchos condicionantes en contra. Lo primero es que cuando decidimos mostrarnos estábamos verdes como músicos. De hecho, el primer disco nunca lo consideramos un disco, el de ‘Melodías Desafinadas’. A nivel musical todavía no habíamos encontrado nuestro sello. En nuestro segundo disco, aunque todavía estábamos un poco verdes, el concepto estaba ahí. Sobre todo, nos jugó muy en contra el hecho de que yo fuera futbolista. Nunca nos tomaban en serio, nos cerraron todas las puertas y fue un estigma muy difícil de superar, que solo ha sido posible con el paso del tiempo. Ahora, como mucho, pueden decir que no les gusta lo que hacemos, pero que no es una cosa seria ya no lo pueden decir.
¿Crees que en estos tiempos eso os habría venido algo mejor para daros a conocer?
Yo creo que no, porque en su día también tuvo mucha repercusión, pero al final las canciones no eran lo suficientemente buenas. Como si la música la hace el papa o el rey, da igual. Te tiene que gustar, emocionar, da igual quien sea el que cante.
Acabáis de fichar con Sonido Muchacho. ¿Cuál es vuestro recorrido desde que empezasteis en discográficas hasta aquí?
Los dos primeros discos son autoeditados. En ‘Anunciado en Televisión’ éramos de Globomedia, por lo cual tampoco éramos de ninguna discográfica. Yo creo que eso nos lastró, porque, si en aquel momento de éxito masivo hubiésemos sido de una compañía que impulsa artistas, se hubiese hecho un desarrollo como merecía. Lo hicieron en su día Sony con El Canto del Loco y Pereza, con los que pusieron toda la carne en el asador. Nos quitamos de Globomedia como pudimos, fichamos por Sony en 2010, y ahí sí se hizo un gran trabajo con ‘Año Zero’. Lo que pasa es que este año fue la caída abrupta de la venta del CD. Cayó un 65% en 2005. Pasamos de vender 120.000 del disco anterior a 20 y tantos mil que llevaba el último. Desde Sony nos dijeron que teníamos que cambiar el estilo y hacer algo más maduro. Entonces, dijimos que obviamente ahí se quedaban. Es que te encuentras gurús de la música en todos los sitios. Desde aquel momento estamos solos. Hasta ahora.
No os caracterizáis mucho por ser maduros.
Nos reímos de nosotros mismos lo primero, y me hacen gracia los artistas que se toman demasiado en serio. Como que el personaje le come a la persona y siempre tienen que llevar esa pose de artista. Algunos me encantan, como Loquillo o Bunbury.
Loquillo también es muy personaje.
Sí, pero el loco es muy así. Es una estrella del rock. Hay gente que es estrella del rock y otros que se lo quieren hacer. Esta es la diferencia. Tú ves a Loquillo y es una puta estrella del rock. Ves a Bunbury y es una puta estrella del rock. Ves a Leiva y es una puta estrella del rock. Luego ves a otros por ahí y se toman demasiado en serio. Nosotros nunca hemos sido de esa estirpe, la verdad. Ahora cada vez menos. Obviamente te haces mayor y te da más pereza hacer gilipolleces.
«Porque yo era futbolista no nos tomaban en serio, nos cerraron todas las puertas»
Antes hablabas del Canto del Loco y de Pereza y pese a ser de la misma quinta, solo quedáis vosotros.
Sí, Dani decidió ir en solitario, igual que Leiva, y fíjate cómo les ha ido. Yo siempre tenía esta concepción de estar en una banda. Aparte, somos amigos. Nunca se me ha pasado por la cabeza hacer un disco en solitario. Yo creo que Pignoise forma parte de mi vida, como Pablo y Polo, y no hay forma de separarse.
Lanzasteis ‘Diversión’ en 2021, y se me hace como el primer paso de este regreso.
Volvimos en 2019 con gran incertidumbre de saber qué iba a pasar con el grupo, qué había pasado después de seis años, si vamos a tener público, si no, y el primer concierto en el Arenal Sound fue una cosa mágica. Siempre definimos eso como el mejor momento de estos 20 años. 40.000 chavales cantándose todas las canciones a voz en grito. Fue un impulso de decir: “Hostia, el grupo se ha quedado, las canciones se han quedado, esto hay que darle continuidad”. Yo ya tenía canciones, así que preparamos ‘Diversión’. Es un gran punto y seguido porque mantiene la esencia de lo que ha sido Pignoise siempre, pero reflejando nuestro punto actual como músicos. Y ahora preparando material nuevo. Ya hemos quedado para hacer selección de repertorio, porque tenemos un montón de canciones que empezaremos a sacar adelante después de verano.
¿De dónde viene la idea de relanzar todos vuestros éxitos con colaboradores para el 20 aniversario?
Yo era muy reacio. No me gusta el revisionismo, ni los discos de grandes éxitos. Es una cosa que me da una pereza terrible. Yo siempre estoy mirando hacia adelante en la vida y en la música. Después del parón había mucha emotividad por el hecho de volver y lo bien que estaban yendo las cosas, y nuestro mánager dijo que teníamos que hacer algo, como una gira 20 aniversario. ¿Gira 20 aniversario? ¿Para qué? Si son las mismas canciones. ¿Por qué no hacemos un disco con colaboraciones? Yo, el único condicionante que puse fue que las colaboraciones fuesen la hostia, porque el hecho de regrabar canciones que llevo millones de veces tocadas y ensayadas no me seduce. Es un trabajo un poco mecánico, por decirlo de una manera sutil y bondadosa. Sin embargo, cuando Dani me iba pasando las mezclas, yo me iba quedando flipado. Por el nivel de las colaboraciones, por lo que aportaban… Ya sabes lo que pasa con la música, te lleva a ese momento vital en el que escuchabas esas canciones, y que te cambien esta grabación, por mucho que ahora esté mejor grabada, mejor cantada o lo que sea, pues toca los huevos. A mí me pasa como oyente. Al ser colaboraciones, la gente ha entendido que es una cosa diferente, con otra riqueza, y está funcionando muy bien.
¿Y ‘Estoy enfermo’? Es la única que no tiene colaboración.
No tenía sentido hacerla con otra persona y tampoco tenía sentido volver a hacerla con Melendi. Lo único que tenía sentido es sacarla otra vez, pero cantada entera por nosotros. Esta sí que hubiese sido mancillar la obra.
¿Os ha llamado la atención musicalmente algún compañero vuestro de Sonido Muchacho?
A mí me gusta mucho Carolina Durante. Me parecen muy originales. Diego escribe muy bien y es un chico majísimo. Me alegro de que le esté yendo tan bien a un grupo tan espontáneo, tan de garaje. Creo que Sonido Muchacho tiene mucho criterio a la hora de elegir sus artistas, pero por afinidad musical es lo que más me gusta.
Carolina Durante y otros grandes grupos han cogido el relevo de lo que vosotros estabais haciendo al principio. ¿Cómo habéis visto la evolución del género durante todos estos años?
Nosotros éramos más afines a grupos como Fanta, Airbag, Dikers, que al Canto del Loco o Pereza, en cuanto a estilo. Grupos minoritarios, aunque luego a nosotros se nos ha metido en ese vagón sin problema. Cuando te vas haciendo mayor, te das cuenta de que ponerle etiquetas a la música es absurdo. Un artista se expresa y no hay más. Es cierto que nos decían por aquel entonces que esa música tan guitarrera, tan punk pop, con tintes californianos, nunca había sido mayoritaria en España. Tampoco existía este caudal de festivales, que tienen algunas cosas poco positivas, pero lo bueno que tienen es que la gente cada vez va con menos filtros. Toca un artista urbano, luego un grupo indie, luego viene Pignoise, el que sea, y no pasa nada. La gente se canta las canciones de todos. En mi época, era impensable, porque éramos gilipollas. Afortunadamente, creo que la gente joven tiene la mente súper abierta y me parece maravilloso. Esto da lugar a que cualquier banda, del género que sea, pueda ser masiva.
«Siempre digo que he hecho canciones por encima de mis posibilidades. Tengo una facilidad para hacer melodías. Con el tiempo, me he formado y ahora por fin me considero un músico. Antes me sentía un intruso»
¿Cómo describirías tu carrera después de 20 años?
Ha sido emocionante. Es una enseñanza vital. Yo empecé de cero en esto de la música, cuando yo era futbolista, a una edad avanzada, sin tener las dotes que tenía para el fútbol y, a base de trabajo e ilusión, nos hemos abierto camino. Yo siempre digo que he hecho canciones por encima de mis posibilidades. Tengo una facilidad para hacer melodías. Con el tiempo, me he formado y ahora por fin me considero un músico. Hubo un momento en el que me consideraba un extraño ahí, un intruso que hacía canciones.
¿Habrías cambiado algo?
Es que la vida se vive hacia delante. Claro que me hubiese aconsejado: “Oye, tío, espérate un poco, no saques ningún disco todavía, fórmate más”, pero quién me iba a decir que el camino hubiera sido el mismo. Si lo haces con honestidad, porque es lo que te pide el cuerpo, pues hay que equivocarse y aprender de tus errores y no pasa nada. No me arrepiento de nada. Hemos currado mucho para que la cosa funcionara y ha habido recompensa.
Concierto en Sant Jordi Club, el Wizink… No está mal la recompensa.
Nos hemos tirado a la piscina. Siempre he pensado que somos un grupo de salas, pese a haber tocado delante de miles de personas muchas veces. Hubo diferencia de opiniones, porque yo quería hacer 3 o 4 Rivieras, y nos dijeron que era el momento de intentar un Wizink, y nos convencieron. O sea, nosotros vamos a dar un puto conciertazo vengan 7.000, 5.000 o 16.000 personas, que sería lo ideal. Me voy a explicar sin que suene mal esto, pero he visto conciertos en el Wizink de artistas en los que me he dado cuenta de que es un fenómeno social. Me fijo mucho en cómo reacciona la gente, y me ha sorprendido que a lo mejor un tío llena dos Wizinks, se cantan los cinco o seis grandes éxitos y el resto de canciones el 80% de la gente no se las sabe. No es como Extremoduro, que sí hay un público súper fiel que se las canta todas, sino que es más un evento social.
¿Crees que vosotros cuadráis ahí o que sois otra cosa?
Nosotros somos un grupo conocido, pero no tenemos ese nivel de popularidad porque llevamos 13 años sin sonar en la radio, y estos artistas de los que te estoy hablando no han dejado de sonar nunca. Es un milagro que el grupo siga vivo realmente porque, nosotros ahora sí, pero hemos estado años que no hemos movido las redes sociales, que no hemos hecho nada. En esto te soy totalmente honesto, que es lo que pienso de la banda después de haberlo analizado. Tenemos mucho público que se sabe nuestras canciones, pero hay que fidelizarlos como fans para que vengan a los conciertos. Nosotros caemos en cualquier festival con 50.000 personas donde sea, y te digo que las 50.000 se cantan ocho o diez canciones nuestras a muerte, pero luego esta gente a lo mejor no va a un concierto tuyo expresamente. Este es el trabajo de convencimiento y fidelización que tenemos que hacer. Si te sabes un montón de canciones nuestras, ¿por qué no vienes a vernos? Que te lo vas a pasar de puta madre.
Desde Oviedo el joven compositor Fernando Romero, conocido por el alias from, está ofreciendo un sonido de post-punk diferenciado por dos elementos, en primer lugar, su esmerada producción y, en segundo, su nutrida influencia del jazz y de otros géneros musicales. Escuchando ‘Modelo para armar’, su segundo álbum, editado por El Volcán Música, viene a la mente el trabajo de King Krule, The Smile y también de grupos que previamente mezclaron punk y jazz, como Black Flag. Incluso cuando da ganas de meter la música de from en el saco del bedroom-pop, divierte expectativas.
Lo producción de ‘Modelo para armar’ es rica por ejemplo en el hit del disco, ‘Entró sin preguntar’, la cual, añadiendo teclados cósmicos y el sonido de unas campanas retumbando a lo lejos, va más allá de acomodarse en los dos acordes de siempre. Cuando from elabora los sonidos electrónicos, como en ‘Electromotriz’, hasta puede recordar a Stereolab. En ‘Bajo el sol’ a la melodía se le dibuja una sonrisa, pero la producción vocal hace a Fernando sonar atrapado en sí mismo, dentro de su cabeza.
Las texturas psicodélicas de from crean paisajes sonoros, por ejemplo, en el corte inicial, ‘Se me caen los ojos’, que suena tan opresivo como requiere una letra que habla de un personaje sumido en la decrepitud, al que se le caen «los ojos» y también la piel. El bajo crudo a lo The Cure vertebra una composición que dibuja una atmósfera claustrofóbica. Quizá no sea casualidad que el disco de from se titula como la que se considera la novela más experimental de Julio Cortázar. El sonido limpio de su debut ‘Insecto‘ (2022) se enriquece y ensucia en esta segunda propuesta.
El disco de from sorprende jugando con estilos musicales menos esperados. ‘Una flor azul y otra naranja’ -qué bonito título- coquetea con el folclore musical español incluyendo el sonido claro y cristalino de una guitarra flamenca, pero sin renunciar a la estética grisácea, post-apocalíptica e industrial que marca el sonido del disco. Y hay algo de bossa en ‘Bajo el sol’ que invita a imaginar nuevos caminos en la carrera de este compositor que apenas cuenta veinte años, pues nació en 2001, en la época de ‘Amnesiac‘.
Esa estética distópica está especialmente definida en ‘Zona de exclusión’, otro de los números destacados, desde su mismo título. Es un tema que directamente habla de un «amanecer naranja» y de una «radiación que me quema sin calor». Pero from tampoco renuncia a la diversión y en este álbum grabado a caballo entre Países Bajos y España no deja de incluir un tema de punk tan macarra como ‘Qué me puedes ofrecer’ que remite al trabajo de sus contemporáneos La Élite. Las canciones de from son más reservadas e introspectivas, no obstante, lo que hace que ofrezcan su propio mundo interior, en el que poder perderse.
Canciller es el proyecto de Sara Canciller, cantante y compositora de Valencia que, después de quince años trabajando «en la cara oculta de la industria musical valenciana», según su biografía oficial, ha dado un paso al frente ofreciendo su propia propuesta musical. Una propuesta arraigada en el pop-rock con sintetizadores que tiene tanto de «los ochenta» como de «pop de autor» y del «indie más bailable».
Ni la voz de Canciller, tan expresiva, ni sus estupendas melodías podían -ni debían- quedarse atrapadas en las bambalinas de la industria. Tanto cuando acelera el ritmo, como en ‘Kintsugi’, como cuando se pone baladesca, como en ‘Viaje’, el potencial de las canciones es evidente. Nada para a Canciller de lograr el éxito de unos Miss Caffeina, por poner un ejemplo.
Otro grupo, Second, en concreto tres de sus integrantes, Fran, Nando y Jorge, tocan en el primer epé de Canciller, ‘Golpe de Estado‘. El sonido de Canciller está ya bien definido en este primer lanzamiento -de 2021- que incluye su canción más escuchada, la bella balada ‘Terreno Yermo’, y otra de sus composiciones destacadas, ‘Agosto (Ocean Drive)’.
En 2024, Canciller publicará su primer elepé, ‘Golpe de Suerte’, que presumiblemente incluirá los dos temas citados anteriormente, ‘Kintsugi’ y ‘Viaje’, y también un nuevo single que fácilmente es otro de los mejores que Canciller ha firmado.
Las letras de Canciller hablan -también según su descripción oficial- del «hedonismo, la toxicidad y el amor a la música». Su nuevo single, ‘Friendly reminder to self (esa no era yo)’, suma a la lista el tema de las expectativas amorosas. Canciller cuenta que ha escrito la canción para recordarse que aquella chica que «leía mal las señales» y tenía «expectativas brutales en una relación», no era realmente ella misma, sino una versión de sí misma engañada por unas expectativas autocreadas. Canciller explica que se «arrepiente» y «avergüenza» de «bloquear una agenda sin planes» esperando la llamada de esa persona.
‘Friendly reminder to self (esa no era yo)’ cuenta la historia de un «cora roto» en otra composición definitiva de Canciller. Su pop-rock recibe ahora un acabado especialmente elaborado bajo la producción de Antonio Hurtado Cerdà que levanta un muro de sonido usando guitarras y sintetizadores. El resultado es una de las canciones más contundentes de Canciller. Pero ningún muro tapa su comunicativa voz, ni en esta canción ni en ninguna otra.
Dua Lipa y The Killers ofrecerán sendos conciertos privados este jueves 11 de abril en el Palau Sant Jordi de Barcelona en el marco de la convención bianual de McDonald’s. Unas 14.000 personas están invitadas a la convención según El Mundo.
La convocatoria bienal de McDonald’s «reúne a directivos, empleados, franquiciados y proveedores en todo el mundo que se han citado, por primera vez, fuera de Estados Unidos, en el recinto Gran Via de Fira de Barcelona», afirma el periódico.
Las imágenes de Dua Lipa caminando por la calle Enric Granados o esperando frente a una famosa heladería barcelonesa han circulado por redes en las últimas horas. De hecho, se rumorea que Dua Lipa ha rodado el videoclip de su próximo single, ‘Illusion‘, en las piscinas de Montjuïc.
Por su parte, The Killers actúa hoy 10 de abril en la sala Razzmatazz de Barcelona, en una fecha anunciada la semana pasada por sorpresa, inverosímil en tanto The Killers es una banda llenaestadios que ya no ofrece conciertos en salas. El show sorpresa de The Killers en Barcelona cobra más sentido en el contexto de la convención de la multinacional de comida rápida.
El nuevo disco de Dua Lipa, ‘Radical Optimism‘, sale el 3 de mayo. El último trabajo discográfico de The Killers es el recopilatorio ‘Rebel Diamonds’, que se publicó hace unos meses.
El primer tráiler de ‘Joker: Folie à Deux’, la secuela de ‘Joker‘ (2019), protagonizada por Joaquin Phoenix y Lady Gaga, se ha estrenado. El vídeo muestra el momento en que Joker (Phoenix) y Harley Quinn (Gaga) se conocen en el Arkham Asylum.
‘Joker: Folie à Deux’ se estrenará en taquillas el próximo 4 de octubre. Además de Phoenix y Gaga, figuran en el reparto Zazie Beetz, Catherine Keener, Brendan Gleeson, Ken Leung y Steve Coogan.
Con ‘Joker: Folie à Deux’ Lady Gaga sumará un nuevo gran papel en el cine después de sus notables apariciones en ‘House of Gucci‘ (2021) y ‘Ha nacido una estrella‘ (2018). Gaga cuenta ya dos victorias en los Globos de Oro por ‘Shallow’ y por su papel en ‘American Horror Story’ (2016) y una en los Oscar por ‘Shallow’, y suma también varias nominaciones a los Globo y a los Oscar en las categorías interpretativas.
El debut en el cine de Lady Gaga se produjo en 2013, en la película ‘Machete Kills‘. Después, Gaga se apuntó un nuevo rol en ‘Sin City: A Dame to Kill For’ (2014), antes de dar el salto definitivo en el cine con ‘Ha nacido una estrella’. Su papel en la serie ‘American Horror Story’ (2016) también fue muy comentado.
En el plano musical, Gaga se encuentra trabajando en un nuevo disco. En Instagram ha dicho que está escribiendo «la mejor música» de su vida. ‘Chromatica‘, su último álbum de estudio, vio la luz en 2020.
Camila Cabello ha publicado su single de regreso, pero las primeras cifras de ‘I LUV IT‘ están siendo decepcionantes.
La última noticia es la entrada en el puesto 81 de ‘I LUV IT’ en el Billboard Hot 100, el mercado principal de Camila Cabello. Un dato a todas luces lejos de lo que la intérprete de macrohits globales como ‘Havana’ o ‘Señorita’ ha sido capaz de hacer. En Reino Unido el impacto de la canción se ha quedado en un debut en el puesto 61 de la lista oficial. En su segunda semana, ‘I LUV IT’ ha desaparecido de la lista.
‘I LUV IT’ ha entrado en las listas de éxitos de unos pocos países. Su mejor dato es un puesto 9 en el chart de Nueva Zelanda y un puesto 20 en el de Suecia. Pero la mayoría de entradas se han producido por abajo: en Suiza ha entrado en el número 66, en Irlanda en el 71 y en Eslovaquia en el 97. España es otro de los muchos países en los que ‘I LUV IT’ tampoco ha hecho acto de presencia.
Una información parecida ofrecen los datos de Spotify. ‘I LUV IT’ entró en el puesto 31 de Spotify en Estados Unidos pero, once días después, el tema ha desaparecido completamente de los primeros 200 puestos de la lista. En el Spotify global el dato no ha sido mejor: ‘I LUV IT’ debutó en el puesto 83, ni siquiera irrumpió en los primeros 50 puestos, después cayó en picado, y tampoco aparece en ningún lado de la lista solo dos semanas después de su estreno.
En un momento en que artistas contemporáneos a Camila Cabello, como Metro Boomin o Ariana Grande, son capaces de colocar sus nuevos singles directamente en lo más alto de las listas, el regreso de Cabello no está generando el ruido esperado. A pesar de que ‘I LUV IT’ está incluida en la playlist más seguida de Spotify, el Today’s Top Hits, a pesar de que la canción se ha lanzado con un pedazo de vídeo producido por CANADA, la canción no termina de despegar.
El fracaso inicial de ‘I LUV IT’ se debe probablemente a tres motivos. En primer lugar es importante mencionar que ‘I LUV IT’ no está sonando en absoluto en las radios estadounidenses. Su debut en el Billboard se basa exclusivamente en descargas y streamings. Su impacto en radios equivale a cero. Sin embargo, para Camila triunfar debería ser pan comido gracias al streaming, y no está siendo el caso con el primer adelanto de su nuevo disco, ‘C,XOXO’.
Por otro lado, la canción, una producción de El Guincho próxima al hyperpop, modifica la «imagen de marca» de Camila Cabello y aleja a Cabello radicalmente del sonido de sus mayores éxitos, como ‘Havana’. Camila ha arriesgado apostando por un sonido diferente más vinculable a FKA twigs que a sus propios lanzamientos. En tercer lugar, la composición es rallante a propósito y este quizá sea el motivo principal de que no esté conectando con la audiencia.
Sin embargo, no hay que subestimar a Camila Cabello. Cuando parecía que su último disco, ‘Familia‘ (2022), iba a pasar completamente desaparecido, una colaboración con Ed Sheeran, ‘Bam Bam‘, salvó completamente los muebles y hoy dobla las escuchas del single principal de aquel álbum, ‘Don’t Go Yet’. Seguramente, una colaboración con Playboi Carti no es la única estrategia que Camila tenga entre manos en esta nueva etapa de su carrera.
Rihanna es portada de la nueva edición de Interview y dentro de sus páginas es entrevistada por el estilista Mel Ottenberg, con quien la autora de ‘Unapologetic’ trabaja desde el año 2007.
Una conversación previa de dudoso interés lleva a Ottenberg finalmente a preguntar a Rihanna por la nueva música que se encuentra preparando. «Sería una locura si no lo hiciera» apunta el estilista. Rihanna contesta dejando claro que un próximo disco está lejos de estar terminado.
«Tengo un montón de ideas visuales», explica Rihanna. «Es raro, mi cabeza funciona al revés ahora mismo. Normalmente tengo la música primero y las imágenes me llevan a todas esas oportunidades visuales, pero ahora tengo las imágenes y las canciones todavía no. Quizá esa sea la clave. Es posible que estas ideas visuales me lleven a las canciones que necesito hacer».
Cuando Ottenberg plantea a Rihanna si sus ideas visuales representan una especie de «renacimiento» para ella, la cantante contesta: «Son ideas random, un poco atrevidas, cosas que no tienen nada que ver conmigo. Pero no te puedo decir nada más, los rivales están mirando».
Aunque es Rihanna la que, durante su charla con Ottenberg, saca el tema del «nuevo disco», en sus palabras, lo hace porque ve venir la pregunta de Ottenberg y, en cualquier caso, ambos cambian de tema en seguida. El nuevo disco de Rihanna como mito.
Cuatro estudiantes del Whitman College deciden montar una banda en 2010: Julia Shapiro sería la vocalista, Annie Truscott la bajista, Gretchen Grimm la batería y Lydia Lund la guitarra (junto a Shapiro). Declarando como influencia principal a la escena riot grrrl, Chastity Belt debutaron en 2013 con ‘No Regerts’ (sí, regerts) y, desde entonces, han publicado cinco discos: ‘Time to Go Home’ (2015), ‘I Used to Spend So Much Time Alone’ (2017), ‘Chastity Belt’ (2019) y este ‘Live Laugh Love’.
Con un sonido que se ha mantenido entre el noise pop, el garage y el surf rock, sí que hubo un giro en las letras a partir del tercer disco, que se terminó de establecer en el cuarto. Y es que fue dejando de estar tan presente el rollo punkie-gracioso de sus comienzos (Julia Shapiro los cultivaría en proyectos paralelos como Childbirth o Who Is She?), tomando las composiciones un punto mucho más vulnerable.
Pero, aunque las letras puedan ser dramáticas, no hay del todo un dramatismo en ‘Live Laugh Love’. Julia Shapiro pasó el confinamiento del COVID en “una casa punk” con amigos, donde la experiencia le inspiró sentimientos de comunidad y amistad, y ha influido en que haya una pequeña vuelta del humor en ‘Live Laugh Love’, más en el sentido sarcástico: “when I take the time to think / of all the ways I feel ashamed / well, it’s all for a laugh”, dice en ‘Laugh’. Al final, tuvo que ser un palo lanzar ‘Chastity Belt’ en 2019 (cuando tu álbum se titula como tú, suele haber bastantes expectativas puestas en él), y que la gira se cancelase y no pudieran sacar nada hasta cinco años después.
Pese a haber tenido buenas noticias en estos años (en 2021 fueron las teloneras de Kurt Vile en su gira, por ejemplo), ‘Live Laugh Love’ se ha grabado durante tres años en tres sesiones distintas, y por poco se queda el grupo por el camino. Así que este disco es casi un reinicio para seguir con la carrera de Chastity Belt; quizás sea ése el motivo por el que, por primera vez, las cuatro deciden cantar.
Pero la incertidumbre, el miedo y la oscuridad están por todo ‘Live Laugh Love’: “when I lose myself again / with the little thoughts in my head / remember that summer we spent living instead?” oímos en ‘Laugh’; “tell your girlfriend she’s got nothing to fear / I’m set in my head / my body’s a different story” en ‘I-90 Bridge’; “you burned too bright and way too fast / someone as pure as that just can’t last” en ‘Like that’, o incluso “a lost cause in their eyes, you’re only darkness / pieces of me seeping out of cracks in all I know / what do I hold on to? Or do I just let go?” en ‘Tethered’.
‘It’s cool’ refuerza luego ese sarcasmo para tirar hacia adelante: “what’s the point of anything / if I always feel the same? / Seattle seems so different when it’s not raining / nothing that I do or say today will mean a thing / but I’m not that devastated… no, it’s cool”. De hecho, en declaraciones recientes, Julia Shapiro argumentaba que había elegido ‘Hollow’ (que comienza diciendo “there’s a lie that we all tell / I don’t mind trading comfort for a change”) como lead single porque habla de “sentirse perdida y atascada, y esperar a que algo cambie pero sin hacer tú nada… a medida que crezco, me doy cuenta de que quizás siempre me vaya a sentir así, y que lo que tengo que hacer es reflexionar sobre ese sentimiento y aceptarlo, en lugar de luchar contra él”.
Quizás por todo este componente de las letras, las canciones que mejor funcionan son las que abrazan esto y lo llevan al sonido, como ‘Kool-Aid’ o ‘Chemtrails’ y, en cambio, otras como ‘Funny’ acaban siendo bastante repetitivas, porque a veces la falta de pretensiones acaba yendo en su contra.
‘Live Laugh Love’ es, por lo general, uno de esos discos que “no molesta” de fondo, y deja la sensación de ser un grupo perfecto para ver en un festival a las 20h de la tarde, con el Sol ya cerca de ponerse, pero le faltan canciones con más enjundia y una entidad propia. El resultado desde luego está lejos de sus adoradas Sleater-Kinney, aunque algunos momentos de ‘Live Laugh Love’ (las dos mencionadas, el lead single, o ‘Like that’) apuntan a que la banda podría crecerse en un siguiente trabajo. Material hay.
dEUS, Kula Shaker y Camera Obscura son los tres nombres definitivos que se suman a la programación de Visor Fest, que se celebra los próximos 27 y 28 de septiembre en La Fica de Murcia. Con estos nombres, el cartel de Visor Fest queda cerrado. Las entradas están disponibles aquí.
dEUS es una de las bandas de indie más importantes de Bélgica y su sonido de rock experimental sigue vigente. Su último disco de estudio, ‘How to Replace It’, se puso a la venta en 2023. Tampoco necesita presentación Kula Shaker, grupo icónico del brit-pop que ha publicado nuevo disco hace muy poco, este mes de febrero, ‘Natural Magick’.
El nuevo disco de los maravillosos Camera Obscura todavía no ha salido, pues sale el próximo 3 de mayo. ‘Look To The East, Look To The West’ es su primer elepé en casi diez años, y el primero desde el fallecimiento de su teclista, Carey Lander, en 2015.
Estos tres nombres se suman a los cinco confirmados previamente, sumando ocho en total. The Charlatans encabeza una programación que también cuenta con la presencia de The Mission, Gigolo Aunts, Immaculate Fools y Sad Lovers And Giants.
Visor Fest vuelve un año más a Murcia celebrando la música indie de los 80 y 90. Entre los grupos que han pasado por su escenario recientemente se encuentran Orchestral Meneuvres in the Dark, The Waterboys, James, Teenage Fanclub, Nada Surf, Mercromina, Mudhoney o Lagartija Nick.
Xoel López, Valeria Castro, Sexy Zebras, Lia Kali, Baiuca & Alba Reche, Fillas de Cassandra y Tacho & Los Manolos son los artistas que actuarán en la XVI edición de los Premios de la Música Independiente (MIN), que se celebrarán en Zaragoza el próximo 17 de abril. JENESAISPOP es medio oficial del evento un año más.
La presentadora, influencer y humorista LalaChus será la maestra de ceremonias en la próxima edición de los Premios MIN. LalaChus cogerá el testigo a Samantha Hudson, quien se encargó de presentar la anterior edición desde Mallorca.
La gala de los Premios MIN podrá verse online, pues será retransmitida en directo a través de la plataforma digital de CARTV: Aragón Cultura y en RTVE Play el 17 de abril partir de las 21 horas. La organización de los Premios MIN avanza que quedan «sorpresas por desvelar».
Las nominaciones de los Premios MIN se conocen desde hace semanas. En la categoría de Álbum del año compiten dos artistas que actuará en la gala, por un lado, Xoel López con ‘Caldo espírito’ y, por el otro, Valeria Castro con ‘con cariño y con cuidado’. Puedes consultar las nominaciones completas aquí.
Chappell Roan, una de las artistas revelación de 2024 en términos de popularidad y cifras, ha publicado nuevo single. ‘Good Luck, Babe!’ es el primer adelanto de un «nuevo capítulo» en la carrera de la autora de ‘The Rise and Fall of a Midwest Princess‘ (2023).
‘Good Luck, Babe!’ es un caramelo pop en la onda de algunas artistas que probablemente han inspirado a Chappell Roan… o no. Los teclados de ‘Good Luck, Babe!’ recuerdan a los de ‘Last Christmas’ de Wham!, lo que significa que suenan llenos de nostalgia. Por otro lado, la melodía parece de la Gwen Stefani de ‘Cool’… pero cantada por Marina Diamandis.
‘Good Luck, Babe!’ se vale de varios recursos que la hacen inolvidable. No solo de teclados vive Chappell Roan: las cuerdas de ‘Good Luck, Babe!’ no pueden hacerse notar más en el mejor de los sentidos. Por otro lado, el puente es absolutamente pletórico. Y el final se ralentiza progresivamente como si la canción sonara desde una cinta de casete rallada.
‘Good Luck, Babe!’ es el mensaje de Chappell Roan a una chica que no está lista para aceptar que le gustan las mujeres. Ella «puede besar a todos los hombres» que quiera del bar, pero, como canta en uno de los grandes estribillos del año, «tendrías que parar el mundo para detener este sentimiento».
Una canción probablemente tan difícil de cantar debido a los agudos de su estribillo, como melódicamente perfecta, ‘Good Luck, Babe!’ ya se ha colado en el top 50 de Spotify en Estados Unidos, y saluda desde el puesto 46 en este momento.
Beyoncé ha publicado el Acto II de una anunciada trilogía que aún nadie sabe adónde nos llevará. ¿Estará inspirada la tercera parte en el rock, como se rumorea? Lo que sabemos de momento es que después de ‘Renaissance’, ha sido el turno de un ‘Cowboy Carter‘ que ella se ha apresurado a explicar que no es un «disco de country» sino «un disco de Beyoncé».
La crítica ha sido unánime elogiando el nuevo álbum de la artista, toda una experta en el formato especialmente desde la edición de ‘4’. En nuestra web lo puntuamos con un 9,2 sobre 10. No obstante, algunas voces se sienten un poco impotentes o simplemente abrumadas ante las 27 pistas del largo, con algunos tramos más experimentales o ariscos.
¿Es por ejemplo ‘AMERICAN REQUIEM’ la mejor manera que hemos oído a Beyoncé de comenzar un álbum, por mucho que por su letra, por cómo justifica todo el proyecto, tenga sentido? ¿Estamos ante el disco político más relevante que jamás haya hecho la artista, en su reivindicación de los artistas negros que ayudaron a construir el country, o es al final demasiado blando al respecto para no desagradar a nadie?
Con la colaboración del periodista especializado en cultura pop Juan Sanguino, desgranamos un disco que ya es una obra maestra para algunos y para otros, simplemente un poco demasiado. Sanguino, seguidor de la artista desde los primeros pasos de Destiny’s Child, es de los que, aun considerándolo un buen disco, cree que el proyecto peca de pretencioso.
Billie Eilish acaba de anunciar ‘Hit Me Hard and Soft’, su tercer álbum de estudio. Saldrá el próximo 17 de mayo y estará compuesto por un total de 10 canciones. No habrá ningún single hasta el día del lanzamiento.
La artista ha vuelto a trabajar con su hermano Finneas para este nuevo trabajo discográfico, que supondrá la continuación de ‘Happier Than Ever’, publicado en 2021. El anuncio de ‘Hit Me Hard and Soft’ se produce después de que Billie Eilish compartiera enigmáticas imágenes para sus mejores amigos de Instagram durante la semana pasada.
«Es una locura estar escribiendo esto ahora mismo, estoy nerviosa y emocionada. No voy a hacer singles, quiero dártelo todo a la vez. De verdad que Finneas y yo no podemos estar más orgullosos de este álbum y tenemos muchísimas ganas de que lo escuchéis. Os quiero, os quiero, os quiero», ha escrito la cantante en redes sociales.
El polémico título del disco, ‘Hit Me Hard and Soft’ (traducido al español como «me pegó fuerte y suave» o «pégame fuerte y suave»), se explica en una nota de prensa: «El álbum hace exactamente lo mismo que sugiere el título: te golpea fuerte y suave tanto lírica como sonoramente mientras rompe géneros y desafía tendencias a lo largo del camino».
Pese a que Billie Eilish criticara hace unos días a aquellos artistas que «publican 40 versiones de un vinilo», la cantante ha puesto a la venta una decena de vinilos diferentes de ‘Hit Me Hard and Soft’. Eilish alega que «todos utilizan materiales 100% reciclables». Además, también ha manchado de pintura algunos CDs para venderlos con la exclusividad de que ella ha sido quien les ha tirado la pintura.
Este es el tracklist de ‘Hit Me Hard and Soft’:
1. Skinny
2. Lunch
3. Chihiro
4. Birds of a Feather
5. Wildflower
6. The Greatest
7. L’Amour De Ma Vie
8. The Diner
9. Bittersuite
10. Blue
A pesar del tremendo exitazo de ‘Cowboy Carter’ en Estados Unidos, Beyoncé se queda rozando el número 1 en nuestro país. La artista manda su apuesta country al top 2 de la lista de discos española, tan solo por detrás de Shakira con ‘Las Mujeres Ya No Lloran’. La colombiana ha logrado mantenerse en primera posición por segunda semana consecutiva, lo que ha propiciado que Beyoncé se quede con el número 2.
El debut de ‘Cowboy Carter’ en España iguala al conseguido por ‘Lemonade’ (#2) en 2016 y supera el que hizo ‘Renaissance’ (#3) hace dos años. Sin embargo, a Beyoncé se le vuelve a resistir aquí una vez más el número 1. Aun así, en cuanto a streaming, ‘Cowboy Carter’ logra la cuarta posición en Spotify España, un buenísimo puesto teniendo en cuenta lo difícil que lo tienen en nuestro país los artistas de habla inglesa.
Por otro lado, J-Hope también entra en la lista de Discos España con ‘Hope On The Street’ (#12), su proyecto de hace un año. Asimismo, Enrique Iglesias mete en la lista ‘Final (Vol. 2)’ (#26), el duodécimo y último álbum de estudio del cantante. Kidd Keo también entra de la mano de su ‘2016’ (#29), mientras que Sum 41 hace lo propio con ‘Heaven X Hell’ (#39). La última entrada de la semana se la adjudica Adrianne Lenker con su gran ‘Bright Future’ (#73).
Anitta visitará España este verano. La artista ha anuncia hoy su gira Baile Funk Experience Tour, en la que ha dado a conocer más de 20 fechas. El primer concierto tendrá lugar el 18 de mayo en Ciudad de México (México), mientras que unos meses después pisará nuestro país con dos conciertos tanto en Madrid como en Barcelona. Anitta actuará el 3 de julio en La Riviera de Madrid y el 4 de julio en la Razzmatazz de Barcelona.
Antes de su paso por España la artista recorrerá Los Angeles, Nueva York, Miami o Chicago durante la etapa norteamericana de la gira. Más tarde hará lo propio con Sudamérica y luego vendrá a Europa, donde también actuará en países como Londres o París. El Baile Funk Experience Tour servirá como promoción de ‘Funk Generation’, el nuevo trabajo discográfico de la cantante que saldrá el próximo 26 de abril y del cual ya conocemos el adelanto ‘Double Team’ en colaboración con Brray y Bad Gyal.
Las entradas se pondrán a la venta el viernes 12 abril a las 10h en livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés con precios desde 55€. La preventa para los clientes del Banco Santander que paguen con una tarjeta emitida por esta entidad a través de santandersmusic.com y livenation.es comenzará el miércoles 10 abril a las 10h. La preventa Live Nation hará lo propio a partir del jueves 11 abril a las 10h para las personas registradas en livenation.es.
