Corría el año 2006 cuando escuchamos por primera vez el nombre de Corinne Bailey Rae. Su single ‘Put Your Records On’ se convertía en uno de los mayores éxitos de ese año y hoy es un clásico que ha renacido en listas gracias a una insospechada versión. El debut homónimo de Corinne Bailey Rae, centrado en una agradable y dulzona mezcla de pop, soul y jazz, vendía 4 millones de copias en los tiempos inmediatamente previos al fenómeno Amy Winehouse.
Después, la carrera de Corinne tomaría rumbos inesperados. La muerte de su marido inspiraba -en parte- su segundo disco, ‘The Sea’ (2010), publicado 4 años después del primero, y la cantante británica no volvería a sacar un álbum hasta 7 años después, el colorido ‘The Heart Speaks in Whispers’ (2017).
‘Black Rainbows’, el nuevo álbum de Bailey Rae, se ha hecho esperar más de un lustro, pero plantea un curioso escenario, pues es a la vez una reinvención total y una vuelta a los orígenes. Porque antes de que lanzara su primer single, ‘Like a Star’, Corinne formaba parte de una banda de guitarras llamada Helen que tomaba inspiración de formaciones -también integradas por mujeres- como L7 o Veruca Salt. Y si hay algo en ‘Black Rainbows’ son guitarras.
El cuarto disco de Corinne Bailey Rae (en 17 años) nace de una visita que la artista hace al museo Arts Bank de Chicago que le cambia la vida. Allí descubre numerosos objetos relacionados con la historia negra de Estados Unidos que le hacen reflexionar sobre el racismo sistémico y la memoria histórica. Así, en lugar de letras personales y autobiográficas, en ‘Black Rainbows’ encontramos recuerdos a figuras pioneras que pueden haber sido olvidadas por la historia como la escritora abolicionista, y previamente esclava, Harriet Jacobs, que inspira ‘Put it Down’; o la modelo y maestra de ceremonias Aubrey Smaltz, la ‘New York Transit Queen’ que tanto abogó por la inclusión en las pasarelas, y que ha inspirado el primer single del disco.
‘New York Transit Queen’ es toda una declaración de intenciones: dos minutos le bastan a Bailey Rae para hacer una canción de punk tan convincente como lo pueden ser sus mejores baladas. Guitarras y palmas suenan robustas bajo la producción de la propia Corinne y de su marido, Steve Brown.
El punk es solo uno de varios estilos de rock que en ‘Black Rainbows’ se exploran de manera muy hábil y sorprendente. Porque sigue habiendo algo de la gran sensibilidad melódica de Corinne en la épica introducción prog-rock de ‘A Spell, a Prayer’, pero la artista también es capaz de hacer que ‘Erasure’ suene a más que un mero disfraz de la primera PJ Harvey. En el tema titular hasta sale airosa de entregar una canción meramente instrumental, un pequeño espectáculo de rock psicodélico y free-jazz que pocos esperarían de su autora.
La ambición de ‘Black Rainbows’ -siempre apoyada en las guitarras- deriva hacia otras cosas en el disco. Y puede resultar en una maravilla como ‘Peach Velvet Sky’, que recuerda a la Kate Bush de los 70. Pero la segunda mitad de ‘Black Rainbows’ deja resultados desiguales. Algunos cambios de estilo son fallidos: es el caso del bolero mutante ‘He Will Follow You with His Eyes’, que denuncia las presiones estéticas a las que se enfrentan las mujeres negras. Y, sobre todo, el de ‘Put it Down’, 8 minutos algo atropellados, sobre todo cuando el tema deriva de repente en una base clubera desencajada. Cuando intentas hacer una canción ambiciosa pero suena a eso, a intento.
En el disco más político y guitarrero de Corinne Bailey Rae, las historias se suceden hablando del “borrado” de la infancia negra (‘Erasure’), de una necesaria “utopía” (‘Earthlings’) o de la necesidad de honrar a nuestros antepasados (‘A Spell, a Prayer’). Pero, en medio de esta reinvención total, Corinne aún incluye otra de sus preciosas baladas: ‘Red Horse’ es, ni más ni menos, una canción de amor, una balada estremecedora que aporta luz y melodía dentro de este paisaje poblado de “arcoíris negros” a los que Bailey Rae brinda su homenaje e indispensable recuerdo.
Un mes después de que tres bailarinas denunciaran a Lizzo por acoso sexual y por crear un ambiente de trabajo hostil, entre otras cosas, la cantante recibe la denuncia de otra persona que ha trabajado estrechamente con ella, su modista.
La diseñadora Asha Daniels ha demandado a Lizzo y a otros miembros de su equipo alegando que la autora de ‘Truth Hurts’ le ha sujeto a situaciones de «bullying» y de acoso sexual y racial, y que ha creado a una «cultura de trabajo insegura y cargada de sexo». Entre las personadas demandadas se encuentra la encargada del vestuario de Lizzo, Amanda Nomura.
En un comunicado, Lizzo negó las acusaciones iniciales del mes pasado. La artista declaró: «Soy muy abierta con mi sexualidad pero no puedo permitir que la gente use esa expresividad para pintarme como alguien que no soy. No hay nada que me tome más en serio en este mundo que el respeto a las mujeres». Lizzo no se ha pronunciado sobre la nueva querella por el momento.
Curiosamente, la noticia de la denuncia a Lizzo coincide con el premio Humanitarian Award de Quincy Jones que la cantante acaba de recoger en la gala de la Black Music Action Coalition celebrada el jueves por la noche en Los Ángeles. Allí, Lizzo ha agaradecido el galardón afirmando que «ha llegado a tiempo» porque «realmente lo necesitaba».
Entre los grandes lanzamientos internacionales que se ponen en circulación hoy 22 de septiembre se encuentra ‘Scarlet’, el cuarto álbum de estudio de Doja Cat. ‘Scarlet’ ve la luz con el single ‘Paint the Town Red‘ instalado en el número 1 del chart global de Spotify.
No han resistido tanto ‘Demons‘ o ‘Attention‘, y el single promocional ‘Balut’ ha pasado más bien desapercibido. Hoy se extrae el quinto single de ‘Scarlet’, ‘Agora Hills’, que llega con videoclip oficial. Es la Canción Del Día de hoy.
En ‘Scarlet’ Doja se ha propuesto hacer un disco de hip-hop, sin pop ni artistas invitados. Y visto está que ha salido más que airosa del reto, como demuestra el éxito de ‘Paint the Town Red’. En ‘Agora Hills’ vuelve a demostrar por qué es una de las mejores raperas del momento.
Apoyándose en un poco misterioso beat de trap-pop que samplea ‘All I Do is Think of You’ de Troop, Doja dedica los versos de ‘Agora Hill’ a un ligue que le tiene loca, pero sin olvidar a los fans que tanto le observan y a los que no se puede quitar de encima. «Espero que sepas gestionar la presión», desafía la rapera. «Acostúmbrate a que mis fans te miren».
En este escenario, Doja deja una serie de versos que van de lo libidinoso («qué bien follamos cuando nos sube») a lo romántico («pon una roca en mi mano»), e incluso parodia el cliché del adolescente enamorado que no quiere colgar el teléfono. Claro que ella lo lleva a su terreno: «¿Me puedes llamar? Me siento tan sola en mi mansión». Doja sabe que los «chicos se pican porque no follo con incels» y que las chicas le tienen envidia, pero le da igual: su chico es perfecto. Aunque sus fans observen desde todas partes.
Hoy 22 de septiembre empiezan las fiestas de la Mercè de Barcelona. Y, entre los eventos destacados, se encuentra el Piromusical del Sònar, el espectáculo pirotécnico con el que el festival avanzado de música electrónica culminará las celebraciones de su 30º aniversario.
El Piromusical de La Mercè 2023 ofrecerá un recorrido global a través de sonidos experimentales y voces y ritmos de los cinco continentes. Será un viaje intercultural protagonizado por las distintas músicas urbanas y una gran fiesta que bailará al son de grandes clásicos y de los nombres más legendarios de la electrónica.
El público vivirá un excitante viaje musical a través de los grandes éxitos de la historia de Sónar y de algunos de los grupos y artistas más relevantes y diversos que han actuado en el festival durante las tres últimas décadas. Rosalía, Maria Arnal, Desert o Bad Gyal, o estrellas internacionales como Daft Punk, Kraftwerk, Björk, Bad Bunny, Nathy Peluso, Pet Shop Boys o Grace Jones, sonarán en el Piromusical, que también rendirá homenaje al recientemente difunto Ryuichi Sakamoto.
Algunas de las canciones que se podrán escuchar en el Piromusical, revela la organización del Sónar, son ‘Merry Christmas Mr. Lawrence’ de Ryuichi Sakamoto, ‘All is Full of Love’ de Björk, ‘Hey Boy Hey Girl’ de Chemical Brothers, ‘Cant de la Sibil·la’ de Maria Arnal, Marcel Bagès y Holly Herndon, ‘Tú me dejaste de querer’ de C. Tangana, Niño de Elche y La Húngara, ‘Blue Monday’ de New Order, ‘CUUUUuuuuuute’ de Rosalía, ‘Always On My Mind’ de Pet Shop Boys o ‘Fiebre’ de Bad Gyal.
El show podrá seguirse en vivo el próximo lunes 25 de septiembre a partir de las 22:00 horas en la Avinguda de la Reina Maria Cristina, junto a Fira Montjuïc, y también en directo a través de TV3 y sonar.es.
Hoy 22 de septiembre salen nuevos discos de Kylie Minogue, Rodrigo Cuevas, Doja Cat, Stephen Sanchez, Aitana (ya puedes leer en portada la reseña de ‘alpha‘), Roosevelt, yeule, Devendra Banhart, Slayyyter, Teenage Fanclub, Will Butler + Sister Squares o Loraine James. Además, esta semana han salido discos sorpresa de The National y Kim Petras, y el anunciado previamente de Eartheater (lanzado un miércoles). Entre los lanzamientos nacionales se encuentran también el disco de San Tosielo y el EP de Yung Beef.
Entre los artistas que han seguido avanzando sus inminentes álbumes hay que contar a Troye Sivan, The Vaccines, Holly Humberstone, blink-182 o Samantha Urbani. Aunque el tema que promete dar más de qué hablar es ‘El Jefe‘ de Shakira y Fuerza Regida, aparente nuevo adelanto de un nuevo largo de Shakira que, a este paso, se convertirá en un recopilatorio de éxitos.
En otro día generoso en novedades hoy es posible escuchar nuevo material de Vicco (en su inconfundible estilo), Bleachers, Ptazeta, Faye Webster, Sleaford Mods, Johnny Jewel, Pantera Blue, Crawlers, The Drums, Chelsea Wolf, Dylan, Vegyn, Little Dragon, Doechii, Rada Mancy con LOWLIGHT, Johnny Marr, The Breeders, Mikel Izal, bar italia, vangoura.
Beatrix Weapons se cuenta entre las productoras de electrónica que están despuntando en la escena nacional. La música de la productora y artista visual murciana Beatriz García Ros se compone de grandes trazos de IDM melódico que se mezclan con tecno, glitch, future bass o industrial, entre otros sonidos que caben en su cartera de influencias.
Así, sus producciones pueden ser tan idílicas como la genialmente titulada ‘Nothing Can Destroy Our Deep and Calm Soul’, que remite a Four Tet; y, a la vez, traer una verdadera tormenta sónica como la que propone ‘Mount of Storms’.
Estos dos temas citados pertenecen a los dos discos publicados por Beatrix Weapons, ‘FINAL ASCENSION’ (2022) y ‘EXPAND’ (2022). Sin embargo, la artista tiene novedades en 2023. En concreto, un EP que acaba de salir y que este mismo viernes 22 de septiembre estará presentando en el Matadero de Madrid. Información y entradas, aquí.
‘CELESTIAL TOWN’ ofrece la faceta más «celestial» de Beatrix Weapons. Los sintetizadores boreales de ‘Protection’ ofrecen eso mismo, mientras los ritmos nerviosos de ‘Skylands’ recuerdan al último Aphex Twin… solo para bañarlos en luz y color.
Entre los cortes destacados se encuentra ‘Cuddle’, la Canción Del Día de hoy. ‘Cuddle’ es una colaboración con la cantante japonesa Dove que recupera -no sé si intencionadamente o no- un sonido que parecía algo olvidado: el glitch-pop de los 2000. Lali Puna, The Postal Service o Tujiko Noriko vienen a la cabeza escuchando esta adorable producción que es toda una esponja de influencias. Por aquí caben percusiones melódicas tipo gamelán, efectos de sonido típicos de la IDM y un breakbeat que ejerce de motor. Después otros sonidos se suman, mientras la presencia de Dove los aglutina todos.
En Matadero, Beatrix Weapons ofrecerá una performance audiovisual acompañada del artista 3d Ruido.Frio. En la misma programación están confirmados CoH meets Abul Gobard, Joakim y Konx-om-Pax.
El nuevo disco de Aitana se abre con un track llamado ‘alpha09’. Es una pista de música dance casi instrumental, introducción para el hit ‘Los Ángeles’, con el 9 haciendo referencia a la década de los 90. Son estos sonidos los que empapan esta nueva entrega de Aitana, lejos -realmente muy lejos- del pop-rock a lo Pignoise que manejó en ‘11 razones‘.
‘Los Ángeles‘, insólitamente coescrita junto a Andrés Torres y Mauricio Rengifo, más conocidos por su faceta reggaetonera -‘Despacito‘ et al-, es la mejor producción que nunca haya entregado Aitana. Con un lugar ya guardado entre lo mejor de 2023, consigue aparentemente sin esfuerzo sonar sofisticada, sensual y retro en el mejor sentido de la palabra. Más complicada es la apropiación de ‘Saturday Night’ de Whighfield a continuación. ‘Las Babys‘ no deja de ser una recreación simpática, inocua como experimento, no tan odiosa, pero sí indecisa entre el divertimento kitsch y ese homenaje a la música dance medio en serio que podría haber sido ‘alpha’.
El disco no llega a ser por tanto una obra madura en homenaje a los 90, pues ese tampoco es el objetivo de su autora, como nos ha contado en una entrevista que publicaremos próximamente. Lo seguro es que sí es un disco cohesivo, elegantote y muy coherente con sus referentes estéticos. El nuevo single ‘miamor’ con Rels B está totalmente integrado en la línea sonora de ‘Los Ángeles’. Igual de sexual es ‘AQYNE’ con su estribillo «voy a besarme con alguien más», en sintonía con esa Aitana que ahora habla de «tenerte sin ropa» y realiza vídeos orgiásticos.
Tras ‘Las Babys’, sale un tema acorde llamado ‘Dararí’, mientras que ‘Otra noche sin ti’ se inspira asimismo en conocidos éxitos de los 90 -¿quizá Faithless? ¿quizá Robert Miles?-, bordeando el sample. Sigue la línea incluso la guitarra ibicenca de la melancólica y housera ‘Ella bailaba’, sobre ese mito tan propio del pop de «bailar con lágrimas en los ojos». Y en ese contexto, Aitana ha integrado con savoir faire singles viejos que existían desde antes de que ‘alpha’ fuera un concepto. Ni ‘Formentera’ ni ‘En el coche’, sendos hits de música pop, el último de lo mejor de 2022, desentonan por aquí.
Tampoco lo hace el par de baladas. ‘The Killers’ arranca totalmente robotizada antes de desarrollar la típica secuencia de acordes de las grandes canciones lentas de los años 50. Y ‘Luna’, como concesión desgarrada, está llevada por una caja de ritmos pese a la incorporación de guitarras eléctricas. Además, es un acierto que se haya situado como pista 10. Tras ella, el disco mantiene la atención con algunas de las mejores canciones de ‘alpha’, escogiendo terminar de subidón, no de bajón.
Es ahí donde aparecen ‘Formentera’ y ‘En el coche’, pero en este caso estoy pensando en ‘2 extraños’, con ese ritmo electropop que se abre paso, sumando trazos de trance; en ‘Pensando en ti’, que cierra el álbum con toda la euforia posible; y en los samples vocales que guían el principio de ’24 rosas’. Hablando de «rosas»… No, este no es el «Renaissance» de Aitana, pero, hey, La Oreja de Van Gogh todavía nos deben un disco así de electrónico.
Saiko despide hoy una gira que lo ha ido alzando como uno de los cantantes más prometedores del panorama español. Desde su primer concierto el pasado 22 de diciembre en la Mae West de Granada, el artista ha cosechado éxitos como ‘Supernova’, ‘Arena y Sal’ con Omar Montes, el remix de ‘Polaris’ o ‘Reina’ junto a Mora. Esta noche el cantante granadino vuelve a su ciudad natal para dar el último concierto en la Plaza de Toros, y el broche de oro lo pondrá ‘Buenas’, su esperada colaboración con Quevedo.
Los rumores de esta colaboración llevan mucho tiempo disparándose en redes sociales, pero ni Saiko ni Quevedo la habían anunciado oficialmente. Sin embargo, cuando una gigantesca lona apareció en mitad de Madrid y los artistas posaron con ella de fondo, la canción acabó por confirmarse. «Buenas, no quisiera molestar, pero… ¿cuándo sale ‘Buenas’?».
Apenas dos días más tarde, anunciaron que darían un concierto gratis en La Riviera de Madrid. Con apenas 24 horas de antelación entre el anuncio y el propio espectáculo, las entradas se agotaron en minutos. Durante el mismo, en el que Saiko cantaba las canciones de Quevedo y Quevedo hacía lo propio con las de Saiko, ambos aprovecharon para desvelar la fecha de lanzamiento de ‘Buenas’: el 22 de septiembre.
A pocas horas para su lanzamiento, es casi una obviedad que Quevedo se presentará esta noche para apoyar a Saiko en su final de gira y cantar juntos por primera vez el tema. Hasta ahora, sus fans solo conocen los adelantos que compartieron durante su concierto en La Riviera y el avance que se ha difundido en redes sociales. Esta será la tercera canción en la que ambos colaboran, después de que ya lo hicieran en marzo de 2022 con ‘Jordan I’ y tras el éxito del remix de ‘Polaris’ este mismo verano.
En su intento por alejarse de las redes sociales, Lorde lleva años manteniendo una estrecha relación con sus fans a través de correo electrónico, enviándoles cartas de manera periódica para contarles detalles sobre su vida personal y profesional. La última de esas cartas llegó anoche, donde la cantante ha querido sincerarse con sus fans sobre su estado emocional.
«Estoy en Londres desde mayo. No he visto a muchos amigos; sobre todo, estoy sola con mis pensamientos», expresa Lorde al inicio del texto. La artista se ha presentado en varios festivales de Reino Unido este verano, incluyendo el Boardmasters de Cornwall, donde cantó dos canciones inéditas. «Empiezo a echar de menos a mis amigos y a mi familia, como una vitamina de la que soy deficiente», continúa.
Sin embargo, las palabras de Lorde impactan más adelante, cuando reconoce que tiene el corazón roto. «Vuelvo a vivir en el desamor. Es diferente pero igual. Me duele todo el tiempo, olvido por qué y luego lo recuerdo. No intento esconderme del dolor, ahora entiendo que el dolor no es algo de lo que esconderse, que en realidad hay una gran belleza en seguir adelante con él. Pero a veces estoy harta de estar conmigo misma». Aunque no entra en más detalles sobre la causa, Lorde ha mantenido hasta ahora una relación con el ejecutivo musical de 42 años Justin Warren.
Además, la artista confiesa que el dolor que está sufriendo también es físico: «Mi cuerpo está muy inflamado, está intentando decirme algo y yo estoy intentando ayudarlo pero nada parece funcionar y eso me frustra». Lorde revela que su estómago ha dejado de ir bien, que su piel está peor que nunca y que se ha puesto enferma media docena de veces, además de haber abandonado su habitual medicación. «La pequeña píldora amarilla que tomaba cada mañana durante miles de mañanas desde que tenía 15 años, dejé de tomarla hace 5 días. Voy a ver cómo me va».
Lorde ya ha hablado en otras ocasiones sobre su necesidad de desconectarse de Internet. En la carta, hace alusión a una posible recaída. «Me conecto y veo a todo el mundo. Todos parecen muy delgados. Solo de pensarlo me siento cansada y distante. No estoy segura de si tiene efecto en alguien más. Sigo gastando dinero, preguntándome si lo que me llega en cada paquete me hará sentir bien, pero supongo que compro las cosas equivocadas».
«Grabo discos porque lo necesito. Las canciones son hechizos; un hechizo para soltar algo, un hechizo para abrir una puerta. Cada vez que pongo algo en palabras tal y como lo veo, cada vez que le pongo la música adecuada, un nudo se desata en mí». La cantante trataba algunos de sus sentimientos más dolorosos en ‘Melodrama’, su segundo álbum de estudio. Ahora, reconoce que hacer música en este estado no es fácil. «Pero también duele enfrentarse a los nudos. He grabado suficientes discos para saber que esta sensación de que se me cae la piel a tiras forma parte de ello».
Lorde no ha vuelto a sacar música desde su ‘Solar Power’ en 2021. El difícil momento emocional que está atravesando la artista puede verse reflejado en su regreso, pero aún no hay señales claras de que vayamos a presenciarlo pronto.
Róisín Murphy ha sorprendido esta semana en las listas británicas, logrando el mejor top de toda su carrera en solitario, pese a la polémica sobre sus declaraciones tránsfobas. Algunos bromean -supongo- con la imagen de TERFS en masa acudiendo a las tiendas de discos.
El estupendo ‘Hit Parade’ ha vendido 6.722 copias en una semana dentro de este país, lo que se traduce en que el álbum es top 5. Sin contar la carrera de Moloko, que lograron llevar al top 3 ‘Things to Make and Do’ en el año 2000 (el disco que incluía ‘The Time Is Now’ y la versión definitiva de ‘Sing It Back’), estamos ante el mejor resultado para Róisín en UK. Eso sí, el nuevo álbum tendrá complicado llegar al disco de plata logrado por ‘Overpowered’ a la larga, pues en la 2ª semana caerá quizá fuera del top 40 según las midweeks. Estas son las posiciones logradas por Murphy en UK:
88 Ruby Blue
20 Overpowered (disco de plata, 60.000 copias)
19 Hairless Toys
41 Take Her Up to Monto
14 Róisín Machine
5 Hit Parade
En España no encontramos el mismo panorama: ‘Hit Parade’ produce una entrada tímida en el puesto 88, con tan sólo 117 copias despachadas. 17 unidades menos y no habría llegado al top 100. En España ‘Hairless Toys’ llegó más alto, al número 68, seguramente por el hype que había por el primer disco de Róisín en 8 años tras el celebrado ‘Overpowered’.
Pero además, a diferencia de lo que ha ocurrido en UK, en España Romy y Chemical Brothers han quedado bastante por encima de Róisín Murphy. Hemos tenido acceso a la comparativa de ventas físicas, streamings y vinilos en España. Queda como sigue: 50 Romy / Mid Air
207 copias en total
151 en físico
95 de ellas han sido en vinilo
56 puntos de streaming
65 The Chemical Brothers / For that Beautiful Feeling
150 copias en total
106 en físico
33 de ellas han sido en vinilo
44 puntos de streaming
88 Róisín Murphy / Hit Parade
117 copias en total
85 en físico
38 de ellas han sido en vinilo
32 puntos de streaming
En otros territorios, los resultados han sido desiguales: Róisín obtiene su mejor top en Alemania (número 6) y la Bélgica flamenca (top 16) pero uno de los peores de la serie histórica en Australia (top 95) o Austria (top 91). Estados Unidos -como siempre- y Francia han ignorado el álbum.
Una nueva edición de Barcelona Acció Musical (BAM) llega esta semana a Barcelona con motivo de las fiestas de la Mercè, que se celebran en la capital catalana del 22 al 25 de septiembre. Toda la programación musical está disponible en la web oficial.
Los conciertos gratuitos de la Barcelona Acció Musical tendrán lugar en cuatro escenarios – l’Antiga Fàbrica Estrella Damm, la Rambla del Raval, el Moll de la Fusta y la Plaça Reial- y la programación vuelve a ser tan interesante como de costumbre.
Entre los artistas confirmados se encuentran nombres internacionales tan queridos como The Notwist, Anika o la banda nigerina Etran de L’Aïr; nuevas estrellas nacionales como Luna Ki, pablopablo, SIMONA, shego o NOIA, y algunos de los grupos y solistas emergentes que más han despuntado en los últimos tiempos, de Aiko el grupo a Mushkaa pasando por Maestro Espada o Belgrado.
Además, entre las propuestas de BAM destacan también las sesiones de Me siento extraña o la performance de Flamenco Queer. Podéis consultar el interesante y variado cartel completo de BAM (artistas, escenarios y horarios) bajo estas líneas.
Viernes 22 de septiembre
Plaza Reial
20.00 Anika
21.30 Belgrado
23.00 shego
La Rambla del Raval
21.30 Odete
23.00 EU.CLIDES
00.30 Nídia
Moll de la Fusta
22.30 SIMONA
23.45 MARICAS invites JOVENDELAPERLA & GGT
01.30 Luna Ki
Sábado 23 de septiembre
Plaza Reial
20.00 Divide and Dissolve
21.30 Heather
23.00 The Notwist
Moll de la Fusta
20.30 Jaune Emma
21.15 Mad Cartridge
22.30 Mushkaa
00.00 Mercury
01.30 Anier
La Rambla del Raval
21.15 Alyona Alyona
22.30 THE VOODOO CLUB presenta Brisa Nunjo (Live) + Oseka (Live) + DEEZYNTD (Live) + NiLA (DJ set)
00.30 Johan Papaconstantino
Domingo 24 de septiembre
Antiga Fàbrica Estrella Damm
14.00 Remei de Ca La Fresca
15.20 Aiko el grupo
16.50 Adelaida
18.10 LaFrancesssa
19.30 Nerve Agent
20.35 Bad Legs feat. Speaker Reality (live show)
Moll de la Fusta
20.00 Sa Pena
20.30 D’Marius
21.00 SOSUN.Dance
22.30 Flamenco Queer ‘Travesti’
00.00 La Cebolla y Negro Jari
01.30 Baiuca
Plaza Reial
20.00 Amas
21.30 Maestro Espada
23.00 Etran de L’Aïr
La Rambla del Raval
21.30 Abundance
23.00 Dame Area
00.30 Rehema Tajiri & Queen Asher
Lunes 25 de septiembre
Antiga Fàbrica Estrella Damm
14.00 Me Siento Extraña presenta Verushka (DJ set) & Clara Cortés (live visuals)
15.20 Me Siento Extraña presenta Oqbqbo (live)
16.40 NOIA
18.00 pablopablo
19.20 CLARAGUILAR
20.25 Poly Chain
Johnny Marr ha anunciado ‘Spirit Power’, un nuevo recopilatorio de temas incluidos en cuatro de sus álbumes que llegaron al top 10 de ventas de Reino Unido, estos son, ‘The Messenger‘ de 2013, ‘Playland‘ de 2014, ‘Call the Comet‘ de 2018 y ‘Fever Dreams Pts 1-4‘ de 2022. Además, el disco incluye lanzamientos ajenos a su discografía oficial, dos canciones recién grabadas y una versión de ‘I Feel You’ de Depeche Mode, publicada originalmente en 2015.
De los dos temas nuevos, ‘Somewhere’ y ‘The Answer’, se ha dado a conocer el primero. Marr lo escribió en 2022 durante su gira con The Killers y Blondie. Sobre ‘Somewhere’, Marr comparte las siguientes palabras: “Para que una canción funcione, tiene que ser un trallazo. Sé que es casi uncool pensar en estos términos, pero crecí en una casa donde mis padres escuchaban la Motown, donde no podían publicar una canción sin que estuviera llena de ganchos”.
‘Spirit Power: The Best Of Johnny Marr se publicará el 3 de noviembre en 2LP, CD y una edición limitada deluxe en 2CD con material adicional. Las tiendas especializadas en música independiente tendrán una edición limitada gold 2LP. Así queda el tracklist oficial:
Armatopia
New Town Velocity
Easy Money
Spirit Power & Soul
Hi Hello
Somewhere
The Messenger
I Feel You
The Answer
Dynamo
Spiral Cities
Night and Day
Sensory Street
Walk Into The Sea
Candidate
Tenement Time
Hi Hello (Demo)
Somewhere (Demo)
The Answer (Crazy F Version)
The Messenger (Demo)
Speak out Reach Out (Crazy F Version)
Miss Caffeina han anunciado que «pararán un tiempo» después de que termine su gira actual. «Llevamos desde 2019 de gira y creemos que es el momento de hacer un break. Por nosotros y por vosotros», han comunicado a través de X (Twitter).
«Pero antes», han añadido, «hemos elegido 5 ciudades para decir «Sayonara Baby»». Miss Caffeina presentarán un show nuevo, distinto al de la gira, en las cinco fechas confirmadas, que tendrán lugar a inicios de 2024: 12 de enero en Valencia, 19 de enero en Málaga, 26 de enero en Madrid, 17 de febrero en Alicante y 23 de febrero en Barcelona. Las entradas están a la venta.
La gira actual de Miss Caffeina continúa, por otro lado, con fechas como el 23 de septiembre actúan en Cuenca, el 6 de octubre en Alicante o el 13 de octubre en Murcia. Después, en diciembre, partirán hacia México. Puedes consultar todas las fechas de la gira en la página web de Hook Management. En materia de festivales, este año han estado en el Low, entre otros.
Los de Alberto Jiménez están presentando su disco ‘El año del tigre‘, publicado en 2022. El pasado mes de abril, lanzaban un anexo a ese disco en forma de epé, ‘Shangáy Baby‘.
Actualización 21 de septiembre: El concierto de Peso Pluma en Tijuana ha sido cancelado debido a las amenazas de muerte recibidas por el músico. «Nuestro objetivo es proteger a los fans y al equipo. Por la seguridad de todos los involucrados cancelaremos nuestro show en Tijuana».
No todo son buenas noticias para Peso Pluma. El artista mexicano, que hace dos días se subía al escenario de los MTV Video Music Awards para interpretar su tema ‘Lady Gaga’, está enfrentando amenazas de muerte en las últimas horas debido a la letra de sus canciones.
En el videoclip de su canción ‘Siempre Pendientes’, en la que colabora con Luis R Conriquez, cuenta la historia de Joaquín el Chapo, narcotraficante mexicano que fue líder del Cártel de Sinaloa. Son precisamente este tipo de referencias, bastante recurrentes en la música de Peso Pluma, las que han desencadenado el enfado de una banda narcotraficante rival. Según Los Angeles Times, la ciudad de Tijuana amaneció con diversas pancartas firmadas por el Cártel de Jalisco Nueva Generación en las que, por su “lengua irrespetuosa y suelta”, amenazaban al artista con cancelar el concierto que tiene hoy previsto en la ciudad o este sería el último.
La policía ya se encuentra investigando la situación y los fans de Peso Pluma, cada vez más numerosos debido al reciente aumento de popularidad del cantante, esperan expectantes las acciones que pueda llegar a tomar. En nuestro país, su actual fama lo ha llevado a alcanzar el top 50 de Spotify España con ‘Qlona’, su colaboración con Karol G.
Esta semana Virgin nos ha convocado en un estudio Dolby Atmos, nos ha dejado tan a oscuras que no sabíamos quién o qué teníamos al lado, y nos ha pinchado un disco con la mejor calidad de sonido de que dispone el mercado. En un movimiento realmente ya inusual en la industria musical, fans y medios hemos podido escuchar un álbum en una calidad que no ofrecen cascos ni equipos caseros, por muchos euros que hayas querido poner en el empeño.
El disco que se presentaba es ‘The Harmony Codex’ de Steven Wilson, a la venta el próximo 29 de septiembre. Ora prog-rockero, ora gurú de la electrónica, el miembro de Porcupine Tree edita ahora una obra conceptual sobre un relato también llamado ‘The Harmony Codex’ que él mismo publicó el año pasado. En torno a una historia distópica sobre un padre, dos hijos, un terrorista y con un punto de ciencia ficción, el disco incluye pistas cósmicas, ambient, prog-rock y trip hop, entre otras etiquetas de las que huir.
La sensación de escuchar una guitarra acústica plenamente diferenciada de otra eléctrica que proviene de otro punto de una gran sala es ciertamente inmersiva y motivadora. Este lugar, Ocine Caleido Urban, donde ya asistimos a un evento de otros grandes friquis del sonido como son Triángulo de Amor Bizarro, supone un contraste con ese odioso móvil del que procede algo que se parece a la música, en el metro camino a Begoña.
Del disco ya se han revelado 3 singles que no hacen justicia al viaje que representa este álbum, aunque sólo sea porque la canción titular son 10 minutos de «no pasar nada» según su propio autor, que sitúa ‘The Harmony Codex’ como una de sus pistas favoritas. El propio Steve Wilson ha hecho acto de presencia para explicar que si está aquí es para derribar géneros, para recordar que lo «progresivo» significa cosas muy diferentes para distintas personas, y que su intención esta vez es lograr algo más cinético, y no particularmente electrónico o rock como en épocas anteriores.
Deslenguado y natural, y frente a una audiencia eminentemente masculina y rockera -y esto último lo ha recalcado él mismo-, Steven Wilson ha revelado su hartazgo de los patrones del rock tanto en el estudio, como en directo. Incluso ha bromeado con su tendencia a «perder fans», arrancando risas entre el respetable. «No puedo hacer nada nuevo con guitarra, bajo y batería que no se haya hecho ya», ha confesado hablando de no querer volver a repetirse y de perder el miedo a probar cosas diferentes. Los sintetizadores se le antojan más excitantes en tanto que «no los comprende» tan bien, y su manera de acercarse a ellos es humilde: en sus propias palabras, «como si fuera idiota».
Más allá aún, ha cargado contra el rock del siglo XXI por su incapacidad para reinventarse. «Ojalá alguien pruebe que estoy equivocado, pero el rock se ha paralizado en el siglo XXI. Nirvana fue la última vez que el rock supo sonar fresco. Kanye West ha innovado más que el rock del siglo XXI». En una entrevista que mantuvimos con él un par de horas después, añadía: «Hace más de 30 años, desde Nirvana, de la última vez que el rock significó realmente algo a escala global, donde pudiera influir a todo, desde la moda al cine. Es la última vez que el rock pareció importar algo de manera internacional».
En la rueda de prensa, tras mencionar explícitamente ‘Yeezus’ y también el genio de Billie Eilish, salvajemente influida por los beats de aquel disco de 2013, Steven Wilson ha usado palabras como «retro» o «regresivo» para referirse al rock del siglo XXI. Cuando según él «vivimos en un mundo electrónico, con móviles, ordenadores, donde todo es electrónico».
Alguien entre el público osaba mencionar a Noel Gallagher, siendo Oasis posteriores a Nirvana. Noel suele decir que ya no hay bandas de rock como las de antes, y que el mercado ya no las quiere. Mientras nadie iba a mencionar a Måneskin delante de Steven Wilson, yo pensaba en los números de Arctic Monkeys, con un ‘AM’ que no abandona las listas de streaming ni con agua caliente. ‘I Wanna Be Yours‘ es ahora mismo una de las 20 canciones más escuchadas en todo el mundo.
Por suerte ha sido el propio Steven Wilson quien ha sacado el nombre de Arctic Monkeys a colación, solo para elogiarlos, aunque puntualizando que salieron «hace como 20 años». Pero ya no caben en su corazón grupos que copien a Led Zeppelin, entre los que se incluyen algunos de sus proyectos. «Mi padre me lavó el cerebro con Pink Floyd», y eso se nota en su nuevo disco. Pero también ahora muchas otras influencias diferentes.
Shakira y Fuerza Regida han publicado su nuevo single conjunto. Con ‘El Jefe‘, Shakira aporta su grano de arena en la tendencia de la música regional mexicana, y lo hace de la mano de uno de los grupos más representativos y populares de este estilo. ‘El Jefe’ es un corrido salpicado de ska y también es una de las letras más políticas que Shakira ha (co)escrito.
‘El Jefe’ protesta contra la explotación laboral a los inmigrantes y hace un retrato crudo de las penurias de la vida obrera. De un planteamiento como «tengo un jefe de mierda que no me paga bien», Shakira y Fuerza Regida extraen una serie de rimas en las que no se cortan un pelo: «me tiene de recluta, el muy hijo de puta», «se acumulan las facturas, ser pobre es una basura», «trabajo más que un cabrón, pero follo menos que un cura» o «te matas de sol a sol y no tienes ni una escritura» son algunas de las más sonoras.
La letra de ‘El Jefe’ también parece hacer una crítica al concepto de meritocracia: «Tienes todo pa ser millonario, gustos caros, la mentalidad… solo te falta el salario» es otra de sus grandes coplas.
Pero ‘El Jefe’ también sirve a Shakira para hacer una denuncia personal relacionada con Gerard Piqué. Por un lado, lanza un dardo al padre de su ex-pareja: «Dicen por ahí que no hay mal que más de cien años dura, pero ahí sigue mi ex-suegro que no pisa sepultura». Por otro, dedica el tema a su niñera Lili Melgar, a la que Piqué supuestamente despidió «sin pagar indemnización». Estas mismas palabras las recita Shakira en ‘El Jefe’, dando veracidad al rumor.
La propia Melgar aparece en el videoclip de ‘El Jefe’, en el momento más simbólico del videoclip, pues ella vendría a personificar al inmigrante explotado del que habla la letra de la canción. Shakira subida a un caballo completamente vestida de rojo, o zapateando con Fuerza Regida, son otros de los momentos que deja este vídeo lleno de imágenes asociadas a la migración y la explotación laboral.
Romy Madley Croft, cantante de The xx, es la última integrante del trío en publicar disco sola. Primero llegó ‘In Colour‘ (2015) de Jamie xx, después ‘Hideous Bastard‘ (2022) de Oliver Sim, y en 2023 es momento de escuchar ‘Mid Air‘ de Romy. Un trabajo de pop bailable, influido por el dance y el trance de los años 2000, en el que Romy se ha volcado como nunca, no solo en el aspecto musical, sino también -y sobre todo- en el de las letras, las más personales que ha escrito.
A mediados de junio tengo oportunidad de reunirme personalmente con Romy en la cafetería de un hotel de Barcelona. Romy es tan tímida como parece en sus canciones y habla con esa voz dulce y quieta que le caracteriza, además de con una educación muy británica. Hablamos del génesis de ‘Mid Air’, sus influencias, la indispensable labor de Fred again.. y Stuart Price y también sobre los temas que atraviesan su disco, del amor a la identidad queer pasando por el duelo.
El año pasado fuiste de las primeras personas que pinchó ‘Break My Soul’ de Beyoncé.
¡Sí! Pinchaba un remix hecho por mí. Cogí el a capela de Beyoncé y lo mezclé con la base de ‘Loud Places’ de The xx, pero no el tema original, sino el remix de John Talabot. Me encanta Beyoncé, me encanta el pop, pero también me encanta el dance, y cuando los dos mundos conectan, me lo paso muy bien.
Los discos de remixes se han puesto de moda. ‘Mid Air’ es un disco bailable. ¿Te gustaría remezclarlo?
Sí, definitivamente. Todos los singles que he sacado de ‘Mid Air’ han recibido su propio remix. Es un mundo que me motiva. Para este disco he tenido la oportunidad de trabajar con productores a los que admiro y poder escuchar su trabajo -sobre temas que yo he escrito- ha sido emocionante. En the xx nos encanta también. El sello de John Talabot sacó un EP de remixes de The xx que me encantó.
El disco se anunció en 2020. Un tema, ‘Weightless’, también, pero nunca salió. ¿Qué pasó?
Terminar el disco me ha tomado más tiempo del que esperaba. Cuando lo anuncié tenía bastantes canciones escritas. Entonces Fred again.. y yo nos conocimos y empezamos a trabajar juntos. Le enseñé las canciones de pop y dance edificante que me estaban inspirando en ese momento y él conectó mucho. La música que hicimos juntos sonaba así y es como suena en el disco.
Pero creo que en ese momento todavía estaba ganando seguridad en mí misma. No estaba segura de que este debiera ser mi sonido. Me estaba descubriendo. Llevé las canciones a otros productores, probamos diferentes versiones, colaboramos con diferentes artistas, pero me di cuenta de que las versiones primigenias eran realmente las buenas. A veces lo primero que haces resulta ser lo mejor. Entonces con la ayuda de Stuart Price, Fred again.. y yo terminamos las canciones que habíamos escrito inicialmente. Por eso el disco ha tardado en salir, porque estaba como de viaje, descubriéndome.
¿Las canciones cambiaron mucho?
‘Weightless’ ha tenido como 20 versiones, en diferentes estilos. Otras sonaban demasiado a remix porque trabajé con productores de electrónica de club más clásica. No sonaban tan pop como quería. Pero ahora lo bueno es que esas versiones que hice con otros productores pueden ser remixes.
¿Por qué has dejado ‘Lifetime‘ fuera?
Cuando anuncié el disco la gente me preguntaba lo mismo (ríe) Para mí, ‘Lifetime’ representaba su propio momento. La saqué en 2020, en la pandemia, y evocaba ese sentir de echar de menos las discotecas, salir y conectar con otras personas. No puedo creer la longevidad que tiene esa canción, pero la idea siempre fue que fuera un lanzamiento suelto.
¿Qué tal es estar frente a tu propio proyecto y no en una banda, por primera vez?
Estoy un poco nerviosa pero a la vez emocionada. Me gusta sobre todo poder compartir mi historia personal y mostrar la música que particularmente me interesa. Además, soy una persona curiosa y me gusta hacer cosas diferentes. Me encanta poder trabajar en un proyecto propio y después volver a The xx, y después hacer otra cosa.
¿Cómo ha terminado Stuart Price en el proyecto?
Uno de mis discos favoritos es ‘Confessions on a Dancefloor’ de Madonna. Stuart Price lo produjo con Madonna. Ese disco siempre está en mi playlist de referencias. Hablé con gente de mi sello y me propusieron tener una charla con él. Fue en la pandemia, así que inicialmente hablamos por Zoom, pero nos hicimos amigos muy rápido. Le puse la música que Fred y yo habíamos hecho y le gustó mucho. Stuart nos ayudó a terminar muchas de las canciones; quizá Fred empezaba una idea y Stuart nos ayudaba a terminarla. Hay dos canciones en el disco producidas por él solo, otras son de Fred solo, una de Jamie xx, y el resto son a la vez de Stuart, Fred y mías.
¿Te has involucrado especialmente en la producción?
Para mí es un proceso de aprendizaje constante. Sigo aprendiendo a usar Logic. Me interesa sobre todo trabajar en la estructura y en la fluidez de las canciones. Por ejemplo, para ‘Enjoy Your Life’, Fred, Stuart y Jamie me mandaron ideas muy diferentes, y yo me encargué de averiguar la manera de encajarlas todas. Nunca había estado tan involucrada en la producción de un disco como en el de este. Sin embargo, sé cuáles son mis límites. Soy muy afortunada de poder colaborar con productores como Stuart Price o Fred again.. que son capaces de recrear los sonidos que tengo en mi cabeza y hacer que las canciones suenen tan bien.
‘Strong’ es el tema del disco con más escuchas (NdE: 26 millones en Spotify). Creo que esto se debe a que el mensaje no es tan habitual en el pop: «no tienes que ser tan fuerte, no tienes que lidiar con ello tú solo». ¿Cómo surge el tema?
En ‘Strong’ hablo por primera vez de la manera en que gestiono el dolor de la pérdida. El proceso es complicado y, a veces, he reprimido mis propias emociones. Escribí ‘Strong’ para recordarme a mí misma que debo ser más abierta con mis emociones. Una de las inspiraciones ha sido mi primo, que ha pasado por lo mismo que yo. Es habitual que, por no querer molestar a los demás, no comunicamos lo que nos pasa. En ‘Strong’ me ha gustado poder combinar la euforia trance de la canción con una letra que habla de emociones muy profundas. Me asombra que haya conectado tanto con la gente.
¿Estás atenta a los números?
Me interesan, el sello me comunicó que ‘Strong’ iba bien, pero no soy de esas personas que se obsesionan con los números. Me pone contenta que la gente haya conectado tanto con una canción en la que me abro tanto.
El disco es un homenaje a las discotecas, y también a los días en que salías de fiesta. ¿Cuándo empezaste a salir?
Me crié en Londres y vivía en un barrio donde podía coger el autobús a Soho. Con 16 años entraba en discotecas a pesar de que era menor de edad. A veces me pedían el carnet, pero… bueno, me dejaban entrar. Yo estaba encantada: era una adolescente sintiendo ese sentimiento de comunidad que se vive en las discotecas. Te hablo en concreto de una discoteca queer de Londres llamada The Ghetto. Cuando iba, me sentía en casa. Era libre de explorar mi sexualidad. La música que ponían me marcó mucho, era un pop bailable grande y lleno de celebración, pero sin un ápice de ironía. Eso se quedó conmigo.
¿De qué música me hablas? En ‘Mid Air’ parece haber referencias de cosas como Ian van Dahl o Robert Miles.
En Reino Unido, en los primeros 2000, esa era la música que sonaba en la radio. El trance era el pop de la época. Me enamoré de la emoción y la nostalgia que transmiten, pero cuando los escucho ahora me doy cuenta de que también las producciones sonaban increíbles.
No era música muy querida por la crítica, ¿no? No era “cool”.
Exacto, pero a mí me encanta. No estoy intentando ser “cool” con este disco, realmente amo estas canciones, me encanta cómo están escritas y el nivel de emoción que son capaces de transmitir.
«Con the xx teníamos 20 años, éramos muy introvertidos, y la atención mediática nos dejó noqueados. Nos encerramos en nuestro cascarón y decidimos mantener nueva vida privada al margen del grupo»
Tus canciones también son muy emotivas, tanto musicalmente como en las letras. Si escribes una canción y no te emociona, ¿la descartas?
Sí, sobre todo musicalmente. Por ejemplo, me encanta el tecno, pero prefiero que tenga algo de melodía o de voz. Si no, me resulta difícil conectar. En el disco, esa misma emoción me ha inspirado a escribir las canciones. En las letras intento ser todo lo honesta que puedo. En The xx, Oliver y yo siempre compartíamos una historia. En las canciones convivían su voz y la mía. Ahora yo he tenido que escribir todas las letras, todos los segundos versos, terminar las canciones (ríe).
De joven ibas a discotecas queer, y ahí te liberabas, pero es ahora cuando has empezado a usar pronombres femeninos en tus letras. Ha sido un proceso.
Estoy fuera del armario desde los 15 o 16 años. Es algo que siempre me ha parecido importante compartir con mi familia y amigos. Oliver también es gay y se he empezado a abrir ahora. Con the xx teníamos 20 años, éramos muy introvertidos, y la atención mediática nos dejó noqueados. Creo que nos encerramos en nuestro cascarón y decidimos mantener nueva vida privada al margen del grupo. Me parece inspirador que los artistas de hoy sean abiertamente queer y visibles en la industria. Yo, en ese momento, no tenía suficiente confianza en mí misma ni estaba segura de lo que podía pasar; es triste pero tenía la sensación de que quizá la gente, de repente, con esa información, podría tomarse nuestra música de manera diferente. O podría afectarnos de alguna manera.
Erais muy jóvenes y de repente súper famosos…
Ahora que soy mayor me gustaría ser más visible y estar más involucrada en los derechos de la comunidad LGBTQ+. Ayudar más.
«En el mainstream me faltaron referentes con los que me identificara»
Tus letras contribuyen a la normalización de las relaciones LGBTQ+.
Me gusta que uses la palabra “normalizar” porque es la mejor manera de expresarlo. Simplemente quiero contar mi historia y que otra gente la escuche. En un estilo determinado de música estoy normalizando que una mujer ama a otra. Ni siquiera ese es el tema principal del disco, o el concepto, es una cosa natural. Cuando era más joven me hacía muy feliz descubrir historias de este tipo que me representaban y con las que me sentía identificada. Este tipo de representación me faltaba en el mainstream y me gusta la idea de que la gente joven hoy en día no se sienta así.
Cuando era adolescente la idea de salir del armario me incomodaba.
No todo el mundo está preparado para salir del armario, es una cosa complicada. Mi madre murió cuando yo tenía 11 años y tuve la suerte de vivir con un padre que me apoyaba. Mi padre era una persona muy abierta de mente, me sentía muy cómoda con él y él quería que me sintiera segura de mí misma. Soy afortunada pero no todo el mundo tiene esa suerte.
¿Cómo ha llegado Beverly Glenn-Copeland al disco?
Antes de la pandemia, estaba en Estocolmo con Robyn, y me invitó a un concierto. No sabía de quién era pero, ya sabes, confío en Robyn. El concierto era de Beverly Glenn-Copeland. Tocó ‘La Vita’ y cuando cantó la frase «My mother says to me, «Enjoy your life»», me pareció tan bonita que me puse a llorar. Es una frase muy sencilla pero para mí tiene un impacto emocional muy fuerte. Ese mensaje me inspiró mucho e inspiró ‘Enjoy Your Life’. Beverly está sampleado en ‘Enjoy Your Life’ y en el interludio ‘Mid Air’ y debía ser acreditado como merece.
¿Quién te gustaría que remezclara tus canciones?
Peggy Gou, me encanta su single ‘Nanana‘.
Sufjan Stevens ha revelado que padece el síndrome de Guillain-Barré, una enfermedad neurológica poco habitual que puede ocasionar debilidad muscular o incluso parálisis. Stevens fue hospitalizado después de despertarse y descubrir que no sentía sus extremidades y que no podía moverse.
En un post de Tumblr, Sufjan ha confirmado que se encuentra en tratamiento y ha explicado su experiencia. «El mes pasado me levanté una mañana y no podía caminar. Tenía las manos, los brazos y las piernas entumecidos y me cosquilleaban. No tenía fuerzas, ni sensibilidad, ni movilidad. Mi hermano me llevó a urgencias y después de una serie de revisiones, los neurólogos me diagnosticaron un trastorno autoinmune llamado síndrome de Guillain-Barré».
«Afortunadamente existe tratamiento para esto», relata Sufjan. «Los médicos administran infusiones de inmunohemoglobina durante cinco días y rezan por que la enfermedad no se extienda a los pulmones, el corazón o el cerebro». Sufjan ha afirmado que la experiencia ha sido «aterradora», pero que el tratamiento ha funcionado.
Actualmente, Sufjan se encuentra en rehabilitación, donde está aprendiendo a «caminar otra vez» y «recobrando la fuerza». «Es un proceso lento, pero dicen que me voy a «recuperar», simplemente se necesita tiempo, paciencia y trabajo duro. Mucha gente con SMG aprende a caminar otra vez en el periodo de un año, así que tengo esperanza. Llevo ya dos semanas en rehabilitación y está yendo muy bien».
Sufjan ha querido comunicar su estado de salud para explicar el motivo por el que no está podiendo promocionar su nuevo disco, ‘Javelin‘, que sale el 6 de octubre.
Lana del Rey ha concedido una entrevista a The Hollywood Reporter en mitad de su gira con ‘Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd’, disco que publicó el pasado 24 de marzo. La artista se ha parado a reflexionar sobre la evolución de su carrera musical, su gira actual y los caminos que desea tomar en un futuro, entre otros temas.
La entrevista tiene lugar en una fecha bastante significativa, justo cuando su ‘Born To Die’ acaba de cumplir 500 semanas dentro del Billboard 200. Por aquel entonces, Lana del Rey era calificada de «Sad Girl» por los temas oscuros que trataba en su música. Ahora, esa perspectiva ha dejado de ser extraña para pasar a ser ampliamente compartida. «Creo que había algo que necesitaba aprender del hecho de que la gente se opusiera tan rotunda y vocalmente. Es posible que haya cosas en las que no habría profundizado [en mi música] si no hubiera escuchado las mismas críticas una y otra vez. Ojalá no hubiera durado diez años. Habría sido útil».
Sin embargo, para la artista, la buena recepción crítica que actualmente recibe no solo ha sido condicionada por el cambio de mentalidad en la sociedad. Es, en gran medida, gracias a su fiel productor Jack Antonoff. «Pienso que su estilo de producción es tan inteligente que las voces tienen más posibilidades de ser leídas correctamente. Hay un poco más de espacio para procesarlas. Fue en ese disco [‘Norman Fucking Rockwell!’] donde de repente las cosas fueron realmente diferentes».
En cuanto a la actual gira, que la llevará a recorrer algunas ciudades de Estados Unidos durante el próximo otoño, Lana ha desvelado que ya no siente los nervios de antaño. «La producción escénica es mayor. Hay más gente conmigo en el escenario, así que me siento más cómoda. Pero incluso si se tratara de un concierto en solitario, ahora estaría mucho más preparada. Tengo experiencia». «Ahora mismo, estoy emocionada. No me siento nerviosa por ir de gira», añade.
De hecho, quizá sea esa excitación que le está provocando el tour la que haya logrado que vuelva a tener confianza para hacer actuaciones en programas de televisión. No ha hecho ninguna desde 2012, y cuando se le pregunta sobre ello, Lana del Rey responde lo siguiente: «En tu corazón sabes cuándo es el momento adecuado. Y nunca ha sido el momento adecuado. Tal vez ahora, aunque no me sintiera segura, lo haría de todos modos. Pero había razones para no sentir confianza».
Por otro lado, la cantante ha hablado las fotos de ella que se viralizaron en el restaurante Waffle House, cuando se vistió con el uniforme de los trabajadores. «Ojalá mi álbum hubiera sido tan viral. A la mañana siguiente me desperté con unos 10.000 mensajes, algunos de gente de la que no sabía nada desde hacía 10 años. Yo me preguntaba: ¿has escuchado mi nuevo disco?».
Lana Del Rey to @THR on photos of her at Waffle House going viral:
“I wish my album had gone as viral. I woke up to, like, 10,000 texts the next morning — some from folks I had not heard from for 10 years. ‘Saw your picture at the Waffle House!’ (Laughing.) I was like, ‘Did you… pic.twitter.com/1dwvcFrE0l
Respecto a su punto creativo actual, Lana ha desvelado que su visión artística ha cambiado conforme ha ido haciendo discos. «Mi música dio un giro enorme a partir de ‘Norman Fucking Rockwell!’, y ha seguido ese camino agresivamente. Voy a seguir yendo hacia donde siento que es la próxima parada, pero creo que será en una vena Americana». En contraposición con esa imagen triste que los medios siempre han vendido de ella, Lana del Rey confiesa durante la entrevista: «En este momento soy muy feliz».
Troye Sivan acaba de publicar ‘Got Me Started’, el nuevo single de su próximo disco. Lo hace dos meses después del lanzamiento de ‘Rush’, el que era el primer adelanto del álbum.
En esta nueva canción, el cantante australiano sigue la misma línea que ‘Rush’ y continúa explorando un sonido R&B-pop con toques dance. Además, homenajea uno de los mayores éxitos de 2009 y, durante el estribillo, realiza un sample del tema ‘Shooting Stars’.
En una entrevista con Zane Lowe de Apple Music 1, explicó cómo convenció a Bag Raiders para que pudiera usar su canción: «Nos dijeron «Oye, hemos recibido cientos de peticiones y nunca hemos dicho ‘sí’, así que no la jodáis». Y yo les dije, «Os lo prometo, voy a hacer un vídeo. Va a ser genial». Creo de verdad en esto».
Efectivamente, Sivan ha acompañado el lanzamiento de la canción con un vídeo grabado en Bangkok en el que el artista juega con una estética visual sexy y hasta provocativa. Dirigido por Gordon von Steiner, el cantante invita a participar a drag queens e incluso exhibe coreografía.
El tercer álbum de estudio de Sivan, ‘Something to Give Each Other’, saldrá el 13 de octubre.
La crisis creativa en The National, en inglés conocida como «writer’s block», no ha dejado un disco nuevo para la banda en un año, sino dos. Ni ‘First Two Pages of Frankenstein‘ ni ‘Laugh Track’ ocuparán «páginas» esenciales de su carrera… ni tampoco suponen nada de lo que avergonzarse. La principal noticia aquí parece lo que ambos se han quedado a punto de ser.
Explica el grupo sobre este disco sorpresa y hermano de «Frankenstein» que con él querían explorar lo que es una banda de rock. Uno de los temas que estrenaban hace unas semanas sin revelar su destino, ‘Space Invader’, se extendía hasta los 7 minutos jugando precisamente con las guitarras eléctricas en su última parte. Se trata de una canción llena de frases en condicional «¿Y si…?», tipo «¿y si no nos hubiéramos conocido nunca?», «¿y si siempre hubiera seguido en ese tren?» o «¿y si nunca hubiera escrito esa carta?».
Mejor aún, el disco se cierra con una improvisación llamada ‘Smoke Detector’, que se grabó en junio durante una prueba de sonido en Vancouver. La sensación es que podría ser una de las locuras ideadas por el mejor Destroyer, conteniendo en sus guitarras la espontaneidad y la energía rock que presume. Se ha dejado a la batería de Bryan Devendorf guiar más el álbum para ver dónde podía llevarlo. Y sin embargo, no: este no es un disco particularmente más rock de The National, pues en otros momentos decide ser otras cosas.
Tampoco es el disco más country. Una de las sorpresas agradables es la colaboración con Rosanne Cash en ‘Crumble’. Parece que procediendo de un país como Estados Unidos y con semejante vozarrón crooner, Matt podría ser el nuevo Johnny si quisiera. Porque esta canción funciona y el registro en alguna otra pista como ‘Hornets’, también.
En verdad, incluso se podría plantear un álbum de colaboraciones por parte de The National, viendo el gusto que le han cogido a contar con voces amigas como Taylor Swift, Sufjan Stevens, o en este disco Bon Iver y Phoebe Bridgers. Esta última aparece en uno de los momentos más mágicos del álbum, de nuevo inmersa en un «mar de dudas» y sufrimiento, desde una deliciosa sencillez: «creo que nuestros ojos van a llorar, creo que nuestras corazones se van a romper». Pero no, tampoco este disco se atreve a ser ese disco de grandes colaboraciones que escucharías la próxima Navidad. Ni remotamente The National querrían ser She & Him.
El Matt Berninger que huye de la depresión, que se busca a sí mismo, que tiene graves problemas de comunicación con su pareja, que termina un álbum preguntando 50 veces «¿no sabes cuánto te quiero, verdad?», escribe canciones de 6 y 7 parrafazos explicando cómo se siente. Él y sus colegas los hermanos Dessner, que no paran de colaborar por aquí y por allá, parecen haberse olvidado de condensar cualidades. De concentrar sentimientos de manera 100% eficaz.
Al menos sí lo son al 70%. Por ejemplo en ‘Turn Off the House’, en ‘Deep End’, pop in crescendo con una estructura compleja, que puede resistir décadas en su repertorio; o en esa ‘Dreaming’ que ya han incorporado al tour. Poco malo que decir de una banda tan transparente y tierna, que tiene el detalle de escribir una letra para su ‘Tour Manager’. Solo ellos saben lo que habrá tenido que aguantar la pobre «Alice».
Desde que anunciara ‘Autumn Variations’ el pasado mes de agosto, Ed Sheeran ha estado ocupado ultimando el lanzamiento de su nuevo disco. El artista reveló por sorpresa su existencia pillando desprevenidos a sus seguidores, que no esperaban que su sexto trabajo discográfico llegara a tan pocos meses de la publicación del quinto. ‘Subtract’ no había hecho más que salir el 5 de mayo en todas las plataformas musicales.
Sin embargo, el cantante ha aprovechado este proyecto para estar más conectado con sus fans, pues durante estos meses ha visitado las casas de algunos de ellos para interpretar en directo las canciones del álbum, haciendo así una versión en directo que también estará disponible próximamente.
La primera de estas visitas la ha enseñado el propio Ed Sheeran a través de Instagram, donde ha subido un vídeo tocando su antiguo tema ‘Wake Me Up’ en la casa de una seguidora. El artista ha explicado que se trataba de la segunda canción que tocaba allí, pues ya había interpretado una de las pistas de ‘Autumn Variations’.
«Llegamos a su casa al final del día y al instante supe que sería divertido. Tenían gatos, pulseras de la amistad y algunas bebidas de frutas, pero una vez que ya había tocado la canción de ‘Autumn Variations’ le dije que me llevara a dar una vuelta, y cuando entré en su habitación vi un piano. Me preguntó si podía tocar y le dije ‘la verdad es que no, pero toco un poco ‘Wake Me Up’, así que aquí estoy tocando ‘Wake Me Up’ para todos los fans de ‘Plus’».
Ed Sheeran lanzará ‘Autumn Variations’ el próximo 29 de septiembre y volverá a colaborar con el productor Aaron Dessner, que ya lo acompañó en ‘Subtract’. Compuesto por un total de catorce canciones, será el primer disco del artista que se publique bajo su propia discográfica, Gingerbread Man Records.
The Vaccines han anunciado nuevo disco. ‘Pick-Up Full of Pink Carnations’ verá la luz el 12 de enero de 2024 y será, por tanto, uno de los primeros lanzamientos del nuevo año.
En ‘Pick-Up Full of Pink Carnations’, The Vaccines volverán a hacer «lo que mejor se les da», citando literalmente la nota de prensa, esto es, «guitar pop clasicista inspirado en los 60, pero filtrado con new wave, tan eufórico como melancólico».
El repertorio de 10 cortes incluye el primer single, ‘Heartbreak Kid’, ya disponible. Un «clásico instantáneo» de The Vaccines que te gustará si te gustan los Killers actuales. ‘Heartbreak Kid’ es una «llamada a la acción» y un «recuerdo de que en este mundo en que tantos nos sentimos aislados, enfrentarte a tus sentimientos te puede hacer sentir más vivo, aunque el mundo se esté acabando».
‘Pick-Up Full of Pink Carnations’, cuyo título es una frase que Justin Young escuchó mal de ‘American Pie’ de Don McLean (de «I was a lonely teenage broncin’ buck / With a pink carnation»), será el primer disco de The Vaccines desde 2021. Incluirá un repertorio de 10 temas que -esperamos- sea mejor que el de ‘Back in Love City‘, su anterior largo.
1. Sometimes, I Swear
2. Heartbreak Kid
3. Lunar Eclipse
4. Discount De Kooning (Last One Standing)
5. Primitive Man
6. Sunkissed
7. Another Nightmare
8. Love To Walk Away
9. The Dreamer
10. Anonymous in Los Feliz
Una colaboración entre Taylor Swift y Nicki Minaj es posible. Y no nos referimos a que las dos pusieran de su parte para resolver su desencuentro de hace unos años. Los «swifties» y los «barbz» están convencidos de que una canción conjunta se acerca.
Vayamos por partes. El 27 de octubre se publica ‘1989 (Taylor’s Version)‘, el nuevo disco regrabado de Taylor Swift. El disco traerá cinco temas inéditos y, para desvelar sus títulos, Taylor ha colaborado con Google y ha lanzado un curioso juego de 33 millones de puzzles que se activa cuando buscas el nombre de Taylor Swift en el buscador. A continuación, una caja fuerte y una llave aparecen en pantalla.
Los «swifties» han sido tan «veloces» como de costumbre y han resuelto el juego. Así, cuando buscas a Taylor en Google, la cantante ya te da la enhorabuena por haber desbloqueado el misterio (a pesar de que tú no lo hayas hecho) y procede a revelar los títulos de los temas inéditos de ‘1989 (Taylor’s Version), que son ‘Is It Over Now?’, ‘Now That We Don’t Talk’, Say Don’t Go’ y ‘Suburban Legends’.
Ahí es donde entra Nicki Minaj. Porque, como todo el mundo recordará, Taylor confirmó que serían cinco los temas inéditos, y ahí solo hay cuatro. También dijo que serían una «locura». Pero no es tan loco pensar que Taylor y Nicki tramen un tema conjunto.
Una de las respuestas del puzzle era «sagitario», el signo del zodiaco de Taylor (nacida el 13 de diciembre) y de Nicki (nacida el 8 de ese mes). Además, como recuerda Billboard, ambas han ido dejando pistas de esta supuesta colaboración. Cuando, la semana pasada, Taylor recogió un premio en MTV de mano de Nicki, Taylor clamó que Nicki era «su sagitario favorita». Pero fue Nicki quien, unos días atrás, alimentó más la especulación, cuando escribió que se estaba «comiendo las ganas de decir cosas de Sagitario ahora mismo». Además, reflexionaba que para los «barbz» debe ser «agotador ser fan de la anti-héroe». Y fue ese uso de la palabra «Anti-Hero» la que más llamó la atención de los fans de ambas artistas.
Como recordaréis, Taylor y Nicki tuvieron un rifirrafe en 2015 a raíz de las nominaciones de los MTV Video Music Awards de ese año. Finalmente ambas se disculparon la una con la otra y se reconciliaron encima del escenario.
NUEVO PREVIEW “BUENAS” 
MAÑANA 
