En la tradición de “dúos de chicos que hacen electrónica”, marcada por el éxito de grupos que van de Chemical Brothers a Mount Kimbie pasando por Daft Punk o Plaid, Overmono ya han dejado su pequeña marca. ‘So U Kno’, su single de 2021, se ha convertido en un pequeño hit de las pistas tecno, y en los festivales del año pasado casi hubo hostias para verlos en directo.
Gracias a otros temas como ‘Diamond Cut’ o ‘Gunk’, Overmono han sabido construir un considerable “hype” en torno a su proyecto. Se lo han ganado: sus integrantes, los hermanos Tom y Ed Russell, ya eran estrellas por cuenta propia (el primero con el alias de Truss, el segundo con el de Tessela) y, en Overmono, casan felizmente sus propios intereses musicales, aunando breakbeat y tecno con una sensibilidad pop nada disimulada.
Esta faceta pop es palpable en ‘Good Lies’, el debut largo de Overmono, por varias razones: las canciones duran lo que una canción pop, están llenas de samples y ganchos infalibles y hasta las influencias a veces apuntan donde menos lo esperas: Céline Dion es una inspiración reconocida exactamente en el final de ‘Skulled’, por ejemplo.
‘Good Lies’ es uno de esos trabajos de electrónica esculpidos al milímetro. Su vocación es bailable, pero la artesanía digital se hace notar, por ejemplo, en las vibras rave-trance de ‘Calling Out’, la pista final. Y todo sin que Overmono caiga nunca en la mera reproducción de ideas ajenas. ‘Arla Fearn’ es como una versión criogenizada de Burial y ‘Walk Through Water’ hace pensar en James Blake solo para ofrecer algo diferente e igualmente excitante.
El disco contiene sus pequeñas maravillas. ‘Feelings Plain’ es una intro magnética inspirada en la música litúrgica, ‘Cold Blooded’ hace una revisión cyborg del dancehall que no esperas y, en ‘Sugarushhh’, el dúo parece directamente inventar la música rave de nuevo: es una pequeña obra maestra de contención aplicada al acid que probablemente tendría pegando gritos de emoción a Björk si viviéramos en 1993 y su “debut” se estuviera gestando.
Luego están los bangers. Aunque a Overmono no les ha salido un hit icónico como pueden serlo los primeros que se te ocurran de Jamie xx o Burial, ‘Good Lies’ sabe construir momentos de auténtica comunión. El insólito sample de Smerz en ‘Good Lies’ -integrado en un breakbeat- está estupendamente aprovechado, ‘Is U’ sigue sin renunciar a un gancho pop en mayúsculas y, claro, el grupo se acuerda de incluir ‘So U Kno’: otro acierto.
Jessie Ware lanzó su debut ‘Devotion‘ hace más de 10 años, en aquel primer momento siendo una cantante R&B influida por Whitney Houston, Janet Jackson y el R&B norteamericano. Su procedencia de las islas británicas le permitía ir incorporando otras influencias, consentir remixes con gente como Disclosure, y evolucionar hacia otros territorios. Su cuarto disco ‘What’s Your Pleasure?‘ fue un punto de inflexión. El trabajo que impidió su retirada tras el fracaso del tercer disco.
Tal álbum la relanzaba como diva de ritmos house y de la disco music, algo que ha confirmado el nuevo ‘That! Feels! Good!‘. Dada la buena aceptación de este entre nuestra audiencia -lleva como un mes siendo lo más votado de nuestro top semanal– le dedicamos el nuevo episodio de nuestro podcast REVELACIÓN O TIMO.
Nuestro compañero Fernando García, sobre todo crítico de cine, pero también puntualmente de música pop, nos visita para analizar su carrera junto a nosotros. Defiende la notaza otorgada a ‘That! Feels! Good!’, debate sobre la idoneidad del concepto de «diva» para hablar de nuestra protagonista, recuerda uno de sus conciertos en UK y nos cuenta cómo fue su entrevista con Jessie Ware para nuestra web.
Durante 1 hora, debatimos sobre qué tendría que hacer Jessie Ware para dar ese paso más que le falta para estar a la altura de las grandes. Y de los grandes también. Pese a las buenas críticas y algunos aciertos comerciales (la colaboración con Ed Sheeran en su segundo disco, alguna actuación televisiva medio viral, ese momentazo en que sonó en una semifinal de Eurovisión 2023…), Jessie Ware tiene dificultades para ser aceptada en playlists de hits, radios incluso británicas o escenarios grandes de festivales. ¿Es esto lo que se merece la autora de pepinacos como ‘Free Yourself’, ‘Save a Kiss’, ‘What’s Your Pleasure?’, ahora ‘Begin Again’… y así hasta una veintena de temazos?
Os recordamos que el segundo disco de Jessie Ware aparece en el libro editado por JENESAISPOP sobre los mejores discos de 2000-2019; y el tema ‘Free Yourself’ en el Anuario 2022.
Leticia Sabater vuelve a hacer que valga un poco más la pena estar en internet con la llegada de su nuevo single. Sin embargo, esta vez habrá que esperar para oírlo: ‘Barbacoa al punto G’ iba a salir este lunes pero Leticia ha decidido «postponer» su lanzamiento por misteriosas razones.
En un comunicado de prensa, Leticia ha informado sobre el retraso de su nuevo single: «Chicos y chicas me ha pasado una cosa que jamas hubiera imaginado, he recibido una llamada en el último momento y tengo que postponer el lanzamiento de mi nuevo temazo con videoclip!! BARBACOA AL PUNTO G!! Pero os prometo que se viene algo MUY GRANDE. Asi que tendréis que esperar solo un poquito mas para verlo, cantarlo y bailarlo como locos. Estoy segura de que os va a molar mogollon y de que la espera va a merecer la pena. Muy pronto podre informaros de más!! SEGUID ATENT@S QUE SE VIENEN COSITAS!!”.
Como la llamada recibida por Leticia, es todo un misterio el sonido que traerá ‘Barbacoa al punto G’, pero es muy probable que esté inspirado en el de ‘Punto G’ de Quevedo, artista en cuya obra Leticia se ha apoyado en el pasado, concretamente, en su último sencillo navideño.
Pensado evidentemente para petarlo en los próximos meses, ‘Barbacoa al Punto G’ promete adherirse dignamente al canon de hits veraniegos de Sabater vinculados a la gastronomía, en el cual se incluyen temas icónicos como ‘La Salchipapa‘ o ‘La Bananakiki‘.
Leticia ha sido noticia estos días por caerse en un escenario. Ha sido durante una pedida de mano, cuando se pone a saltar, mientras graba la escena, y resbala. Parece que sale ilesa del accidente.
Mujeres ha publicado estos días el primer adelanto de su nuevo disco. El sucesor de ‘Siento muerte‘, uno de los mejores discos de 2020, y de ‘Rock y Amistad‘, uno de los mejores discos de 2021 aunque era un epé, llega por fin este año.
La noticia es que con el nuevo disco de Mujeres parece llegar una reinvención. ‘Horizontal en llamas’, el primer single, derriba toda noción de lo que supuestamente es la música de Mujeres, pues es una balada atmosférica más próxima a Beach House que a la furia garajera de antaño.
El tema empieza apoyado en una melodía de guitarra eléctrica que remite al slowcore y en un fondo de sintetizador ambiental. Mujeres cantan sobre «volver a sentir» y «volver a perder» a la persona amada, y la parte del estribillo se la queda una preciosa melodía de sintetizador que no diremos suena a ‘Twin Peaks‘ porque sería caer en lo de siempre.
‘Horizontal en llamas’ repite la misma estructura en su siguiente tramo, dedicado a la necesidad de mantenerse instalado en el presente porque «antaño era presente, mañana también». De manera inaudita, el tema se despide con un «fade out», una práctica en desuso a día de hoy.
Con ‘Horizontal en llamas’, Mujeres han dado a conocer la apertura de su club de fans, ‘El Club de los Sentimientos’, un lugar «donde podréis escribirnos propuestas, preguntas y peticiones de consejos vitales, así como formar parte de un colectivo exclusivo de gente con sentimientos que tendrá acceso a eventos, cosas y sonidos especiales».
Es posible que te hayas topado con yavy en alguna de las playlists de ‘Sesión de control‘ que actualizamos cada semana. La artista canaria ha publicado su primer single este 2023, ‘Deja las drogas’, que ha abierto la puerta de un cancionero marcado por la cotidianeidad, un día a día atravesado de problemas no solo con las drogas, sino también mentales o emocionales.
«Será porque me siento extraña, quedamos y no paras de meterte rayas» es una rima que podría haber entonado Amaia en una realidad invertida. Con un sonido que podríamos asociar al bedroom-pop si quisiéramos ser holgazanes, pero que tiene también trazos de indie-pop clásico y del lo-fi-pop más artesano, ‘Deja las drogas’ era un single de debut completamente adorable que no dejaba de expresar un necesario mensaje sobre la adicción, más o menos en serio.
Entre los adelantos de ‘Nada que aportar’ se ha contado también ‘Nadie está muy bien’, de sublime título, un tema efectivamente dedicado a la precariedad psicológica que nos asuela en el siglo XXI. Con un beat cercano al electroclash -en modo artesano y casero-, yavy nos hace bailar a la vez que nos invita a reflexionar sobre nuestra salud mental.
Arrimándose a un estilo más funky-house, con ecos de boogie, ‘Te abandonaré (poco a poco)’ también acaricia la pista de baile. El sello Raso percibe ecos de una «Britney Spears triste» y también aires a las Julieta Venegas y Clairo más bailables, mientras la letra juega con el humor de abandonar a alguien sin que este se dé cuenta, en plan ghosting, sin que «note el viento» al cerrar la puerta.
El single más reciente de yavy es otro acierto. Acercándonos cada vez más a ‘Nada que aportar’, ‘Arruguitas’ -la Canción Del Día para hoy- versa sobre la vejez. «Te miento si te digo que de los errores se aprende» es una de las sabias reflexiones que deja la letra, mientras la música se deja empapar por una lluvia de sintetizadores que llevan la canción de menos a más, dejando una sorpresa para el final.
Kim Petras ha dado los detalles de su nuevo disco. ‘Feed the Beast’ sale el 23 de junio y supuestamente es su debut oficial, aunque Petras ya ha publicado varios discos, ‘Clarity‘ (2019) y ‘Turn Off the Light‘ (2020), además de sus singles iniciales. Aún así, Petras promete que con este nuevo disco «la historia comienza».
Entre los sencillos que han presentado ‘Feed the Beast’, ‘Alone‘ no ha conseguido ninguna repercusión pese a la participación de Nicki Minaj y pese a su atípico uso del sample de ‘Better Off Alone’ de Alice Deejay. Quizá por eso, Petras no renunciará a incluir ‘Unholy’ en el álbum a pesar de que ella es solo la artista invitada en la canción: suficiente para haberle valido un Grammy, claro.
Varias pistas que iban a estar incluidas originalmente en el disco perdido de Petras, ‘Problematique’, figuran en la secuencia, como el single ‘Coconuts‘, ‘Revelations’ o aquella ‘Hit it From the Back’ que la alemana estrenó en directo en los VMA.
‘brrr’, otro single reciente de Petras, aparecerá en ‘Feed the Beast’. Entre las inéditas, una colaboración con BANKS llamada ‘Bait’, y una canción titulada ‘Sex Talk’ que no has escuchado antes en ‘Slut Pop‘.
En otro orden de cosas, Petras acaba de ser noticia por aparecer en la portada de ‘Sports Illustrated‘: es la primera mujer trans que lo hace.
1.- Feed the Beast
2.- Alone ft. Nicki Minaj
3.- King of Hearts
4.- Thousand Pieces
5.- Uhoh
6.- Revelations
7.- Bait ft. BANKS
8.- Sex Talk
9.- Hit it From the Back
10.- Claws
11.- Minute
12.- Coconuts
13.- Castle in the Sky
14.- brrr
15.- Unholy ft. Sam Smith
Como hemos venido comentando, la balada de Shakira junto a sus hijos ha avanzado en popularidad y no solo protagoniza la entrada más fuerte, directa al top 3, sino que podría subir la semana que viene. Mirando Spotify España, el próximo número 1 en España está entre Shakira y ‘WHERE SHE GOES’ de Bad Bunny, que ha salido este mismo viernes y ha tenido una aceptación espectacular.
Recordemos también que Shakira mantiene otros temas en la lista: ’TQG’ es aún top 9 certificada como triple platino; y la Sesión con Bizarrap sobrevive en el puesto 33, quíntuple platino. Además, ‘Monotonía’ sigue en el 74 (triple platino) y ‘Te felicito’ en el 83 (6 platinos).
‘Tattoo’ no iguala a ‘Euphoria’ en España
Como previmos con su flamante top 2 en Reino Unido, con el que superaba el mejor dato en este país de ‘Euphoria’, ‘Tattoo’ de Loreen se sitúa en el top 25 español tras ganar Eurovisión. En otros países ya había sembrado una semillita en listas, pero aquí no ha entrado hasta la victoria.
En concreto ‘Tattoo’ llega al puesto 22, en nuestro caso ni de lejos igualando el macrohit que fue por aquí ‘Euphoria’. Llegó al top 2 en España, terminó en el número 9 anual y además fue single de platino por vender 40.000 copias. ‘Tattoo’ va a tener muy complicado superar tal techo.
Más temas de Eurovisión y uno que no
En sintonía con lo que encontramos en otros países, los temas de Finlandia y Noruega se cuelan en la lista española, aunque no en el top 10 como por ejemplo en Reino Unido.
Desde Finlandia es puesto 46 KÄÄRIJÄ con su ‘Cha Cha Cha’ y llega al número 59 ‘Queen of Kings’ de la noruega Alessandra. Quien se queda sin entrada al top 100 es Blanca Paloma con ‘EAEA’, tras haber pasado únicamente un par de días en el top 100 de Apple y en el top 200 de Spotify.
Morad coloca 6 temas en el top 100
A pesar de que la gente estaba concentrada en Eurovisión y sobre todo en los hits habituales de todas las semanas, el nuevo disco de Morad es top 2 en España y hasta 6 temas que lo componen llegan al top 100 de singles. Son los siguientes:
37(E) Andando, featuring Eladio Carrión, Beny Jr
39(48) Paz, ft Nicki Nicole
44(E) No estuviste en lo malo
77(E) Estopa
83(E) Soledad
99(E) Desespero, ft RVFV
Sebastián Yatra y otras entradas
Las entradas de la semana se completan con el merengue ‘Vagabundo’ de Sebastián Yatra, Manuel Turizo y Beéle en el puesto 28; ‘4 Prez’ de Cruz Cafuné en el puesto 62, ‘Un cigarrillo’ de Chencho Corleone en el puesto 70 y ‘MXFIX G5’ de Feid en el puesto 96,.
Quevedo continúa en el número 1 de Discos en España con ‘Donde quiero estar’, que justo acaba de presentar en Mallorca Live Festival. Pero hay 2 discos que pueden presumir de haber llegado al menos al top 3, cosa que no pudo decir Ed Sheeran la semana pasada. Disco, “Substract” de Ed Sheeran, que por cierto cae estrepitosamente del puesto 4 al puesto 18.
Morad protagoniza la entrada más fuerte de la semana al llegar al número 2 con ‘Reinsertado’. El disco de hasta 19 pistas incluye colaboraciones con Nicki Nicole y Eladio Carrion y Beny Jr. Hasta 6 canciones del álbum se han colado en el top 100 de singles, como analizaremos aparte, destacando ‘Andando’ en el puesto 37 y ‘Paz’ en el 39.
El cambio de tercio es total en el top 3 de álbumes en España, pues la banda de moda en el rock nacional, Arde Bogotá, logra colarse en el podio con ‘Cowboys de la A3’. Sin ser artistas de singles, hasta dos temas superan ya el millón de escuchas, ‘Los Perros’ y el titular. El disco anterior de Arde Bogotá, ‘La Noche’, fue puesto 22 en nuestro país (aún está en el top 100), por lo que su ascenso a la popularidad es claro.
Curiosamente la reedición ‘Parasiempre’ de Héroes del Silencio (top 6 en la lista general de álbumes) impide a Arde Bogotá ser número 1 en vinilos, y ‘Cowboys de la A3’ tiene que conformarse con el puesto 2 en la lista de LP’s. Y digo curiosamente porque Bunbury parece una referencia evidente en la música de Arde Bogotá.
Chica Sobresalto no repite su número 1
Chica Sobresalto fue número 1 en España con ‘Sinapsis’, aunque la segunda semana aquel disco bajó hasta el puesto 68. A falta de averiguar qué pasa en la segunda semana de ‘Oráculo’, al menos puede presumir de entrada en el top 10: es número 9. También es top 5 en la sublista de vinilos.
Marc Seguí, top 50 en Discos
Mientras ‘Tiroteo’ se acerca a los 500 millones de streamings en Spotify, Marc Seguí intenta seguir con su carrera al margen de aquel golpe de suerte. ‘AAAAAA’ protagoniza una entrada modesta en el puesto 50, pero hay que decir que el disco es tan sólo un EP de 6 canciones, lo que le hace competir en desventaja respecto a otros lanzamientos del top.
Alison Goldfrapp, top 75
El disco en solitario de Alison Goldfrapp, ‘The Love Invention’, nuestro “Disco de la Semana” la semana pasada, entra al puesto 74 en España. Los 3 últimos discos de Goldfrapp sí que llegaron al top 50 en nuestro país. En vinilos ha llegado al puesto 9.
En otros países, el álbum sola de Alison ha sido número 6 en Reino Unido, número 39 en Alemania y número 25 en Suiza. No se espera impacto alguno en Estados Unidos.
Modesta entrada de Jonas Brothers
Considerable fracaso de ‘The Album’ de Jonas Brothers en nuestro país, teniendo que conformarse con el puesto 56. Un dato similar a otros países europeos: top 42 en Holanda, top 99 en Alemania, top 55 en Irlanda.
Donde permanecen fieles a Jonas Brothers es en Reino Unido y Estados Unidos. En ambos países ‘The Album’ ha sido top 3.
Cráneo y Bejo, top 100
Un disco de rap nacional logra colarse en el top 100 español. Se trata de ‘El Tobogán’ de Cráneo y Bejo, directo al puesto 82. Bejo había llegado con el EP ‘Tripi Hapa’ al puesto 71, junto a Cookin Soul.
La Plazuela, subida más fuerte
No podemos dejar de comentar que por segunda semana consecutiva, La Plazuela protagonizan una subida espectacular en Promusicae. Esta es la más importante de la semana: pasan del puesto 46 al número 32. Y no, no se produce por venta de vinilos, donde no han protagonizado una subida significativa, sino que parece consumo orgánico de streamings. Ojito con el techo de ‘Roneo Funk Club’.
Daft Punk y reediciones
Otras entradas son la reedición de ‘Random Access Memories’ de Daft Punk en el número 8 y ’San Francisco Express’ de Los Suaves en el puesto 31.
Lana Del Rey está acostumbrada a ser una artista de álbumes, pero el lanzamiento de ‘Say Yes to Heaven‘ le está dando más alegrías de las que probablemente esperaba. Hay que recordar que la canción es un descarte de ‘Ultraviolence‘, su disco de 2014.
Gracias a TikTok, ‘Say Yes to Heaven’ está empezando a construir un pequeño hit para Lana Del Rey. En Spotify supera ya las 10 millones de escuchas entre la versión «normal» y la «sped up» (y eso que no se ha lanzado la versión «slowed and reverbed», la mejor de las tres). Ninguna otra canción de Lana -en solitario- había llegado tan rápido a esta cifra.
En otro de esos récords rebuscados que tanto se comentan en los foros de música pop, ‘Say Yes to Heaven’ es el tercer mejor estreno de 2023 por parte de una artista femenina solista: solo ‘Flowers’ de Miley Cyrus y ‘All The Girls You Loved Before’, la «inédita» de Taylor Swift, le superan en cifras. En el top global de Spotify, se mantiene en el número 21, a la baja.
Mejor aún es que el éxito de ‘Say Yes to Heaven’ se va a reflejar en las listas oficiales. UK Official Charts predice ya que ‘Say Yes to Heaven’ podría entrar en el número 6 de la lista de singles de Reino Unido, por encima del nuevo single de Kylie Minogue. Esta estimación solo tiene en cuenta las cifras de los primeros días, y todavía queda semana por delante, pero no es ninguna locura pensar que ‘Say Yes to Heaven’ pueda dar a Lana su primer single top 10 en Reino Unido en más de 10 años: el último fue ‘Born to Die’ en 2012, como recuerda UK Official Charts.
Cabe recordar que casi todo el tirón que está consiguiendo ‘Say Yes to Heaven’ en Spotify se debe a que la canción se ha viralizado previamente en TikTok. Allí parece que acabará y terminará su verdadera repercusión, pero quién sabe, puede que Lana tenga un auténtico hit entre manos, uno en el que no reparó cuando decidió que la canción no merecía ser publicada.
“No quieres que te cambie como me cambió a mí”. Esta es una de las frases más potentes de ‘Gag Order’, el nuevo disco de Kesha. La contiene ‘Eat the Acid’, uno de los singles de presentación, que no narra un viaje psicodélico, sino un despertar espiritual que experimentó Kesha durante el confinamiento. ‘Eat the Acid’ se apoya en una melodía de sintetizador de aires new age, sobre la que Kesha canta una preciosa melodía, la grabación no contiene base rítmica, y la frase citada se repite como un mantra a lo largo de la canción.
En la misma dirección apuntan varias pistas de ‘Gag Order’. “Nunca sabes que necesitas algo en lo que creer” es el mantra que abre el disco, “no quiero tener miedo nunca más” repite Kesha después en otra de las pistas. Aunque quizá la frase que mejor define ‘Gag Order’ es esta incluida en ‘Only Love Can Save Us Now’: “la tía que un día fui, está muerta, su tumba la han profanado”.
La Kesha de hoy está a años luz de la Kesha de ‘Tik Tok’, ‘We R Who We R’ y demás “bopazos” pop de los dosmiles. Su batalla judicial contra el productor Dr. Luke, a la que aluden nada sutilmente el título del disco (“orden de mordaza”) y la portada, la ha dejado emocionalmente exhausta. En su anterior disco, ‘High Road’, ese cansancio se percibía también en el aspecto creativo. ‘Gag Order’ es otra cosa.
La transformación espiritual de Kesha llega con una transformación musical. Y lo cierto es que sus canciones están en buenas manos: produce Rick Rubin, el Walt Whitman de la producción musical, una persona a la que se atribuyen cientos de citas inspiradoras que a las estrellas del pop les encanta compartir en redes (por ejemplo, a C. Tangana). En ocasiones ‘Gag Order’ se parece a una de esas citas, sobre todo cuando samplea un discurso del líder espiritual Ram Dass, pero las letras de Sebert no endulzan su historia -algo imposible- y tampoco la música lo hace.
No es que ‘Gag Order’ sea un puzzle musical indescifrable, pero, como producto de música pop, no renuncia a resultar ligeramente incómodo o extraño. No es ‘Rainbow‘. Es revelador que los singles publicados, ‘Eat the Acid’ y la balada al piano ‘Fine Line’, cuya estructura es más abstracta si cabe, prescindan de beat, anteponiendo la atmósfera y la expresión. La música muchas veces apunta a la new age, como los teclados de ‘Something to Believe In’, en la que sí escuchamos una animada base rítmica de tintes folk, o de la menor ‘The Drama’, que parecen extraídos de un videojuego.
Otras veces Kesha entrega canciones que son directamente folk, acústicas: tanto ‘Living in My Head’ y ‘Happy’ anhelan la llegada de una felicidad plena, guiadas por el sonido de la guitarra acústica, pero Kesha o bien no puede dejar de “vivir dentro de su cabeza”, atrapada en la ansiedad, o bien no puede dejar de pensar en todos aquellos “y si” que podrían haber llevado su vida por otro camino.
A la Kesha que conocimos no se la echa de menos cuando las canciones cumplen. ‘Something to Believe In’ y sobre todo ‘Eat the Acid’ representan excelentemente la nueva faceta espiritual de la artista californiana. El disco, al contrario que ‘High Road’, se sostiene dentro de una coherencia estética muy lograda, con las patas puestas en el pop experimental, el folk-pop y la electrónica minimalista, en una extraña mezcla que funciona.
Por otro lado, el componente personal de las letras de ‘Gag Order’ abre un canal en la música de Kesha que antes permanecía cerrado. Son importantes sus reflexiones sobre la ansiedad, el miedo, la necesidad de encontrar un sentido a la vida, la añoranza por aquella persona que un día fue, su incapacidad para estar sola, sus propias contradicciones sobre sentirse fuerte y débil al mismo tiempo… y aunque a veces la influencia de Rubin se percibe en el gusto de ambos por dar pie a esas frases inspiradoras un tanto vacías (por ejemplo en los primeros segundos de ‘Happy’), es evidente que Kesha lo ha dado todo aquí.
A veces la Kesha de antaño se deja asomar para contarnos que se ha convertido en un gato (‘All I Need is You’) y sobre todo para divertir, como sucede en el animado himno ‘Only Love Can Save Us Now’. Se echa en falta que las canciones de la segunda mitad estén mejor definidas, pues la producción de ‘The Drama’ no puede molar más, pero la melodía queda un poco en un segundo plano. Además, ‘Hate Me Harder’ no necesita ser tan gritona por mucho que hable de los haters. Sin embargo, en general podemos hablar de éxito, no solo porque ‘High Road’ decepcionara, sino porque ‘Gag Order’ propone un cambio radical y convence.
Kylie Minogue ha empezado la promoción de ‘Tension’, su nuevo disco, y ha cantado el single ‘Padam Padam‘ por primera vez en un plató de televisión. En concreto, Kylie ha visitado el plató de ‘American Idol’, en Estados Unidos, para cantar en la final.
Kylie ha interpretado solo la primera parte de ‘Padam Padam’ en directo, apoyada por una pista pregrabada y vestida completamente de negro, en representación de la malicia sexy que transmite la canción. Después ha pasado directamente a cantar ‘Can’t Get You Out of My Head’ acompañada de una de las finalistas del talent, Nutsa Buzaladze.
Estados Unidos es un mercado que tradicionalmente se ha resistido a Kylie. ‘The Loco-Motion’, su primer single, alcanzó el número 3 pero no fue hasta 2001 cuando Kylie volvió al top 10 del Billboard gracias a su mítico «la la la». Después, ni ‘Slow’ funcionó especialmente bien en este mercado, y mucho menos ‘Dancing’ pese a su querencia country, pues ni entró en lista.
Cabe destacar que Kylie ha logrado buenas posiciones en Estados Unidos con otros singles que no han sido el de presentación de su disco. Por ejemplo, ‘Love at First Sight’ alcanzó el número 23 e ‘It’s No Secret’ el 37. ‘I Should Be So Lucky’, el «lead single» de su álbum debut, en realidad el segundo single de su carrera, llegó al 28, y ‘Higher’, su colaboración con Taio Cruz, al 24.
Así quedan los picos de todos los primeros singles de Kylie en Estados Unidos:
1.- The Loco-Motion, top 3
2.- ‘I Should Be So Lucky’, top 28
3.- Better the Devil You Know, top 62
4.- Can’t Get You Out of My Head, top 7
5.- Slow, top 91
6.- 2 Hearts, top 93
7.- All the Lovers, top 59
Poco después de actuar en San Isidro, Melenas han compartido los detalles de su nuevo disco. ‘Bang’ saldrá el 29 de septiembre a través del sello de Chicago Troubled in Mind (Mikal Cronin, Guardian Singles). En España editará el disco Mushroom Pillow.
El tercer disco de Melenas, ‘Ahora’ ofrecerá una propuesta de «jangle pop y garage rock hecha con sintetizadores» y, conceptualmente, se dedicará a «la importancia del tiempo para reflexionar sobre cómo vivimos nuestro día a día, con quién compartimos nuestros momentos y cómo queremos hacerlo». El disco se sumergirá en una «exploración de la identidad, de nuestras relaciones con los demás y de la importancia de estar unidos, de compartir sentimientos y de la acción conjunta».
El primer single, ‘Bang’, es sorprendente, pues llega con un beat propulsivo típico del krautrock, aquello que se llamó «motorik». Un tema por tanto que puede remitir a Neu! o en cierta medida a Kraftwerk, pero cuyos sintetizadores perforantes y ácidos pueden recordar al trabajo de Stereolab o Broadcast, todo ello sin que Melenas por supuesto dejen de cantar en castellano.
‘Bang’ llega además con un pedazo de gancho que sirve como oda a la palabra «NO», en torno a la cual gira la letra de la canción. Melenas cuentan que ‘Bang’ reflexiona sobre «lo liberador que es decir NO» porque la palabra «NO» es un «acto poderoso contra aquello que no nos beneficia y que nos desvía de nuestro camino». «Ni un segundo más te doy» puede ser el gran lema.
Melenas es uno de los grupos del underground nacional más internacionales, pues Troubled in Mind también editó sus anteriores discos, ‘Días raros‘ (2020) y ‘Melenas‘ (2018).
Low Festival vuelve a celebrarse en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor de Benidorm los días 28, 29 y 30 de julio. Lori Meyers, Xoel López (que ya estaba confirmado como Deluxe), Confeti de odio, INNMIR, Gran angular, Ainda, Cora Yako y Judeline se añaden desde hoy al line-up del festival.
Estos ocho nuevos artistas se suman a los más de treinta ya confirmados hasta el momento, entre los cuales encontramos cabezas de cartel como Placebo, Vetusta Morla, Viva Suecia, Django Django, The Vaccines o Bombay Bicycle Club.
Un cupo muy limitado de entradas de día, para viernes, sábado y domingo, saldrán a la venta este domingo a partir de las 10 de la mañana. Los abonos generales, VIP o VIP POOL están disponibles en la web del festival solo hasta este domingo, cuando subirá el precio.
Por otro lado, Low ha desvelado el cartel por días, que queda así:
Viernes 28 de Julio:
Interpol
Viva Suecia
The Vaccines
Arde Bogotá
Natalia Lacunza
Catnapp
Depresión Sonora
Niña Polaca
Ralphie Choo
pablopablo
Confeti de Odio
INNMIR
Sábado 29 de Julio:
Placebo
Lori Meyers
Django Django
Iván Ferreiro
Second
Xóel López
Ladilla Rusa
La Élite
Karavana
Judeline
Pablo Lesuit
Pipiolas
Domingo 30 de Julio:
Vetusta Morla
Bombay Bicycle Club
Deluxe
Iván Ferreiro
Cupido
Cariño
Lynks
Queralt Lahoz
La Paloma
Trashi
Margaritas Podridas
Cora Yako
Ainda
Flash Show
Foo Fighters ha desvelado que Josh Freese es su nuevo batería. Freese reemplaza por tanto a Taylor Hawkings, fallecido el año pasado. Freese tocó la batería en los conciertos en tributo a Hawkings y ahora se une oficialmente a la formación.
El «batería de las estrellas», Freese ha salido de gira con Gun’s N Roses, Nine Inch Nails, Sting, Weezer, A Perfect Circle o Paramore y ha tocado la batería en cerca de 400 grabaciones. Está acreditado por ejemplo en ‘Bring Me to Life’ de Evanescence, ‘Complicated’ de Avril Lavigne, ‘Bitch’ de Meredith Brooks, en varios discos de Katy Perry, The Offspring o Kelly Clarkson y, últimamente, ha tocado en el disco de 100 gecs.
Freese, que también ha trabajado con Danny Elfman, Devo, Ricky Martin, Bruce Springsteen o Ra Ra Riot, además tiene créditos como autor en temas de Queens of the Stone Age, A Perfect Circle, Sting o los propios Devo, además de los Vandals, banda de la que es miembro desde 1989.
Foo Fighters ha anunciado a su nuevo miembro en un concierto que se ha retransmitido por internet. En el concierto, Foo Fighters -ya con Freese en la formación- ha tocado tres canciones nuevas, entre ellas la inédita ‘Nothing at All’. Su nuevo disco, ‘But Here We Are‘, sale el 2 de junio.
Renovamos nuestra playlist que recopila lo mejor del mes. Como sabéis los 4.700 suscriptores, Las Mejores Canciones del Momento anticipa qué encontraréis en nuestra lista con lo mejor del año. 2023 nos está dejando grandísimos singles de Sen Senra, Amaarae, Arlo Parks, Bad Bunny, Kylie Minogue, Róisín Murphy, PJ Harvey, Blur o ANOHNI and the Johnsons, en anticipo de sus próximos trabajos largos.
También es momento de recordar cuáles han sido nuestros últimos «Discos de la Semana» y ahí podemos hablar de Kara Jackson, Jessie Ware, Surfin’ Bichos, Alison Goldfrapp… mientras seguimos disfrutando de los éxitos de otros álbumes notables que han salido recientemente, como ha sido el caso de Simona, Kali Uchis, PUTOCHINOMARICÓN o Miss Caffeina, que recuperan fuelle con un muy buen EP.
Entre lo mejor del pop nacional, hay música para todos los gustos, desde el pop ochentero de Vicco a la resistencia indie de El Último Vecino y airu, Rodrigo Cuevas completamente a lo suyo o Samantha Hudson, que ídem.
Sen Senra, Sky Rompiendo / Uno de eses gatos
Amaarae / Co-Star
Arlo Parks / Blades
Bad Bunny / WHERE SHE GOES
Kylie Minogue / Padam Padam
Róisín Murphy, DJ Koze / The Universe
Young Gun Silver Fox / Moonshine
Alien Tango / Song for FIFA
Jessie Ware / Begin Again
Chanel, Abraham Mateo / Clavaíto
Surfin Bichos / Luz del Mediterráneo
NATHY PELUSO / TONTA
SIMONA / MELONI
Romy / Enjoy Your Life
Blur / The Narcissist
ANOHNI and the Johnsons / It Must Change
Kara Jackson / why does the earth give us people to love
PJ Harvey / A Child’s Question, August
Sarah Kinsley / Lovegod
Lana del Rey, Jon Batiste / Candy Necklace
Kali Uchis / Moonlight
Vicco / Todo me da igual
Miss Caffeina / Y de repente
PUTOCHINOMARICÓN / síndrómé dél ímpóstór…
Alison Goldfrapp / NeverStop
Dagny / Heartbreak in the Making
Kesha / Eat the Acid
Samantha Hudson / Adicta al sonido
Vosotras veréis / Que te vaya mal
Bueno Perdona / Las plantas se están muriendo
El Faro / Sal de mi casa
Bebe Rexha / Satellite
Ana Mena / Ben & Jerry’s
Ona Mafalda / Calor
Remi Wolf / Prescription
Victoria Monét, Buju Banton / Party Girls
Susanne Sundfør / alyosha
Rodrigo Cuevas, iLe / Más animal
El último vecino / Demasiado
airu / Es todo un encierro
Fred again.., Brian Eno / Enough
Lola Indigo ha concedido una entrevista a S Moda, suplemento en El País, en la que habla sobre el éxito de ‘El Tonto‘, que ha sido número 1 en España, y de su disco ‘El Dragón’, que también ha alcanzado la cima. La cantante se muestra emocionada: «nunca había sido número 1. Y es increíble tener esa recompensa después de cinco años. Lo digo desde el trabajo y no desde la arrogancia: me he esforzado mucho para conseguirlo. Me tiro muchas horas de estudio perfeccionando cosas».
Sin embargo, el punto más relevante de la entrevista es cuando habla de sus desórdenes alimenticios, pues un comentario que le dejaron hace poco, bienintencionado, le llamó mucho la atención. El comentario era algo así como “Qué bien que Lola Índigo, que no tiene un cuerpo normativo, se atreva a ponerse esa clase de ropa». La cantante explica: «Es que a mí, que hago campañas de biquinis, me dicen que no tengo un cuerpo normativo. ¿Qué van a pensar el resto de chavalas que lo lean? ¿Entonces, qué es un cuerpo normativo? ¿Una chavala que está muriéndose de hambre o una chavala superdelgada por constitución y que tú nunca vas a conseguir esa constitución porque no la tienes y punto? No, amor, tú come lo que te apetezca, sobre todo tienes que estar feliz».
Mimi Doblas recuerda que su adolescencia no fue fácil, en parte porque no tenía referentes: «A mí ahora la que me inspira es Rihanna, Nathy Peluso… A lo mejor si niñas como yo hubiéramos tenido esos ejemplos no nos hubiéramos obsesionado con la comida. Aunque lo mío empezó en China. Allí hay otra mentalidad. Me dijeron que si quería seguir trabajando tenía que estar delgada como un palillo. Me echaron de trabajos porque para ellos estaba gorda. En China te vuelven bastante loca con el físico a niveles que no te puedes ni imaginar. No he sido yo la única que me he sentido así allí, pero ahora tengo más referentes. El problema es que, cuando yo era una niña, de Kate Winslet, que para mí era la mujer más guapa del mundo, se decía que estaba muy gorda y que se la veía muy grande al lado de Leonardo DiCaprio. Pues vaya».
Respecto a su bisexualidad, explica: «Me sale de dentro, como el feminismo. No hay demasiada visibilidad hacia la bisexualidad. En mi casa nunca tuve problemas con estas cosas. Hasta a mi abuela, que en paz descanse, le dije tranquilamente que estaba harta de los hombres, y que algún día me echaría una novia. También es cierto que las pocas relaciones largas que he tenido han sido con hombres, y no puedo contar la experiencia de haberle presentado una novia a mi familia».
En otros puntos de la entrevista, la cantante expresa lo importante que es para ella la balada ‘El Dragón’ o subraya que sus quejas feministas de la industria no son victimismo sino «datos». Indica: «Hoy he visto un cartel de un festival y he dicho: “Esto es una vergüenza”. La presencia de mujeres era mucho menor. Qué impotencia cuando luego tenemos que escuchar que exageramos o que estamos locas».
Las aplicaciones para ligar normalmente son una gran pérdida de tiempo: silencios eternos tras hacer match, conversaciones banales que nunca pasan del “Hola, ¿qué tal? Bien y tú” o citas incómodas con personas que no sabes muy bien de qué cueva se han escapado. A veces, muy pocas, los astros se alinean y uno encuentra a su media naranja, o al menos a alguien que vale la pena. La existencia de Brutalismus 3000, el dúo techno más prometedor del momento, se la debemos por completo a Tinder, donde sus integrantes, Viktoria Vassiliki Daldas y Theo Zeitner, se conocieron en Berlín.
El resultado, traducido en varios estupendos EPs como ‘Amore Hardcore’ y ‘Eros Massacre’ o el exitoso sencillo ‘Satan Was A Babyboomer’, inmediatamente llamó la atención en una escena techno necesitada de nuevas voces. El proyecto se consolidó en plena pandemia y desde ese momento, no han dejado de ser invitados a festivales importantes, entre ellos el inminente Primavera Sound.
Ellos mismos se definen, de manera bastante acertada, como “nu gabber post techno punk”. Este cóctel de estilos e influencias no solamente se presenta con un sonido fresco y novedoso, sino que también revela su amplio conocimiento musical dentro de un género cuyo valor artístico a menudo se menosprecia.
Zeitner, que empezó a producir música en 2012, cuenta en una entrevista para Playful Magazine que en un principio detestaba el techno y que el único motivo por el que se acercó a él era porque quería demostrar que podía hacerlo fácilmente. Al final acabó cogiéndole el gusto acercándolo al punk que siempre le había interesado. Por otro lado, Daldas aprendió de pequeña a tocar el piano e iba a clases de coro. Poco a poco se fue acercando también al punk y, al mudarse a Berlín, las raves y la cultura underground de la ciudad la llevaron a interesarse por el techno. En ‘ULTRAKUNST’, su álbum debut, Brutalismus 3000 coquetean además con el trance, el electroclash o incluso el hyperpop.
Precisamente la capital alemana está presente a lo largo de todo el álbum a través de sonidos estridentes, distorsiones y oscuros beats que transportan directamente a naves industriales y fiestas clandestinas. “Por favor, espere (Bitte Warten)”, son las primeras palabras que escuchamos en el disco a través de un megáfono en distintas voces antes de que Daldas irrumpa en la mezcla con una desesperada urgencia en ‘ALL DIE LIEBEN MENSCHEN’. ‘GR3Y’, cantada en eslovaco, es una irresistible reinterpretación de ‘Fade to Grey’ de Visage en versión hardcore techno. Le sigue ‘CRY B3B3’ que es pura euforia con sus electrizantes sintetizadores industriales y su melodía pegadiza.
Brutalismus 3000 juegan constantemente con las expectativas del oyente, y su música a menudo toma caminos sorprendentes e inesperados. En ‘PONTIAC PARISIENNE (SKIT)’, uno de los cortes más experimentales del proyecto, samplean el llanto de un bebé mientras una voz aniñada -probablemente la de la propia Daldas- narra una inquietante historia de una familia en los suburbios justo antes de desembocar en un extraño número eurodance que termina sentenciando que “el hyperpop es dios”.
‘JE N’EXISTE PAS’ destaca por sus complejas texturas electrónicas con un beat profundo y oscuro que se mete dentro del cuerpo. Mientras que la sugerente producción de ‘DIE LIEBE KOMMT NICHT AUS BERLIN’ (el amor no viene de Berlín) la convierten en el single más evidente, una canción que se mueve con soltura entre el hyperpop y el gabber y cuenta con una energética interpretación vocal punk en eslovaco y alemán. El trilingüismo de Daldas también da lugar a temas completamente en inglés como el hard house de ‘IS U CHEMICAL?’, cuya melodía se construye a partir de frases entrecortadas; o el potente hardcore del penúltimo corte, la angustiosa ‘SUKA SUKA’ con sus “Gimme stress / Gimme ket”. En cambio, la pareja decide culminar su debut en un tono más festivo con ‘GEWALT GEWALT’, un divertido trance que contrasta con la agresividad del resto de la propuesta.
Es posible que ‘ULTRAKUNST’ sea menos conciso que sus EPs, pero es un trabajo cohesionado, coherente y, lo más importante, lleno de ideas ingeniosas y melodías excelentes. Brutalismus 3000 declararon una vez que la escena techno les parecía que no tenía estilo, pero su irrupción en ella sugiere lo contrario: aquí no falta nada de personalidad ni de estilo, representando -y con suerte, abriendo camino- a una nueva generación con imaginación de sobra para hacer del salón de tu casa el mismísimo Berghain.
Mallorca Live ha celebrado su última jornada sumando un total de 65.000 asistentes entre sus tres días. El público, a simple vista, mayoritariamente mallorquín, ha confirmado una vez más que Mallorca Live es el evento musical del año en las islas, un punto de encuentro para seguidores de la música y curiosos por igual que buscan pasar un buen rato de conciertos.
Entre esos buenos ratos hay que contar el de La Plazuela. Su concierto está lleno a eso de las 19.30 de la tarde, algo poco habitual, pero que concuerda con el “hype” que gira alrededor de este grupo. Es cierto que el sábado acude más gente a Mallorca Live que en días previos, pero también lo es que a esa hora de la tarde no es fácil llenar un concierto y que en la programación no deja de haber otras propuestas. Está claro que son muchos los asistentes que optan por acudir pronto al festival para no perderse el directo de este dúo de Granada que mezcla flamenco y electrónica de baile con bastante gracia, y que sabe convertir su show en un DJ set de acid house cuando menos lo esperas y, a la vez, cuando más toca.
En uno de varios reencuentros que dejará el sábado en Mallorca Live, Putilatex tocan en Mallorca por primera vez en toda su carrera y presentan las canciones míticas de su repertorio, recuperando ese electroclash rematadamente macarra y endiablado que tantas risas provoca por sus geniales letras y, de paso, reventando tímpanos con un sonido pasado de decibelios. Antes, a la Terremoto de Alcorcón le da tiempo de cantar ‘Muévelo perra’ para despedir a Mueveloreina, que han tocado antes.
Para recuperarnos del sonido -entiendo que- deliberadamente fulminante del show anterior, nos pasamos por otro de los conciertos más masificados de la jornada, el de Viva Suecia. En un contexto musical polarizante, en el que los grupos «indie-mainstream» generan amor y odio a partes iguales, Viva Suecia se entregan al poder arrollador de su música, con un Rafa Val inundado de sudor, elevando a la gente al suelo con himnos como ‘El bien’ o ‘Todo lo que importa’.
Cuando ya ha anochecido es el momento idóneo de acercarse al concierto de Blanco Palamera. Su escenario está sorprendentemente poco concurrido, aunque aún se dejan ver unos cuantos curiosos y personas en las primeras filas. Manuel Blanco actúa al micrófono, Xoán toca la batería y la banda se completa con un bajo y un teclado. Juntos llevan al directo la atmósfera calurosa y sensual de las canciones de ‘INTIMIDADE’ y de proyectos previos, llenos de ritmos de funky y R&B sofisticados, con Manuel actuando algo distante del público, a la manera de su colega Sen Senra, de cuya banda forma parte.
Chemical Brothers vuelven a arrasar. Foto de Javier Bragado
Uno de los platos fuertes de la noche, Bomba Estéreo confirman que muy mal lo tiene que hacer para decepcionar a alguien. Su espectáculo es llamativo desde todos los puntos de vista: la escenografía floral es preciosa, un pequeño paraíso; las pantallas proyectan imágenes psicodélicas que no pueden ir mejor con el sonido de la música, Li Saumet es un espectáculo en sí misma vistiendo sus típicos atuendos tradicionales ultracoloridos, y las canciones se mueven entre la elevación espiritual y el pepinazo total. De ‘To My Love’ a ‘Fuego’, básicamente, con ‘Ojitos lindos’ proporcionando el momento más emotivo. Pero aún les cabe la reciente ‘Champeta colombiana’, con la que aceleran el ritmo del show en un 200% mientras una luz azul con forma piramidal preside el escenario, de repente instalado en el futuro… claro que de eso va Bomba Estéreo, de traer la tradición al mañana.
Posiblemente la gran sorpresa de la noche la da Locomía. La nueva formación, claro, compuesta por Ricky, Edén, Ferry y Félix y supervisada por Xavier Font, creador de Locomía y uno de los integrantes originales. El cuarteto, cargado con sus míticos abanicos, hace pleno en el show, hasta el punto de que el escenario parece quedársele pequeño, y confirma que quizá el producto puede seguir teniendo vigencia en 2023 representado por nuevas caras. No cabe duda de que son muchos los curiosos que se acercan al escenario preguntándose qué diantres hacen Locomía confirmados en un festival, pero lo mejor es que la gente se queda, asombrada por una propuesta que sigue siendo única en su mezcla de pop y moda, de eurodance, hombreras y golpes de abanico fabulosos. Da igual que todas las canciones parezcan la misma, el show te deja embobado y ellos actúan sonrientes y encantados de la vida. ¡Locomía a Benidorm Fest!
Xavi Torrent
Otra de esas propuestas que se crecen absolutamente en directo, que de hecho existen para el directo y encuentran en este contexto su razón de ser, su verdadero hogar, es la de !!!. También conocida como “Chk Chk Chk”, la banda de Nueva York saca su artillería pesada pareciendo la versión de LCD Soundsystem a la que se le ha caído un pote de pintura encima. El dance-punk colorido y desinhibido de !!! queda mejor representado imposible en el carisma del frontman Nic Offer, que se pavonea de un lado al otro del escenario, completamente fuera de sí mismo, bailando como si no hubiera un mañana vestido con sus habituales pantalones cortos que más que cortos son cortísimos. ‘Shake the Shudder’ es un disco que descubrir en vivo y en directo, pura éxtasis con la que “vengarse bailando”.
Y por supuesto llegan los reyes de la noche. Los Chemical Brothers ya han presentado su apabullante show por varios festivales españoles, hace uno, dos, tres, cuatro y cinco años fácilmente. El espectáculo es exactamente el mismo, sin cambios aparentes, pero es que pocos espectáculos de electrónica se apoyan de manera tan lograda en los visuales, protagonizados por extraños humanoides que adoptan mil formas y que nos cuentan mil historias, entre la ternura, el terror y todo lo que hay en medio. La música es electrizante, tanto como para tener poseída a una asistente desde el segundo cero, que baila como loca hasta en los momentos de descanso, extasiada. Tom Rowlands y Ed Simons, tocando botones, pasan a ser invisibles, mientras los altavoces disparan auténticos cañonazos de electrónica bailable con la que la gente entra en otra dimensión.
Entre las propuestas que descubrir en las siguientes horas de la noche se encuentra la de Morreo, a los que no acompaña el mejor sonido… pero sí toda la energía que dos personas pueden despedir en el escenario, en su caso, presentando las canciones de su divertido segundo disco, ‘Alegría‘.
En España el tema ha sumado 1.072.368 de streamings solo en Spotify, desplazando al top 2 ‘Acróstico’ de Shakira. La balada que esta entona junto a sus hijos aspiraba a ascender al número 1 en su segunda semana oficial, pero ahora lo tendrá muy difícil debido a la llegada de lo nuevo de Benito. Lo que pase en días venideros -si lo de Bad Bunny se hunde o se mantiene- será fundamental.
Los países que mejor han acogido ‘WHERE SHE GOES’ aparte de España son Chile, Venezuela, varios latinos pequeños como Costa Rica o República Dominicana, pero también Estados Unidos. Lo nuevo de Bad Bunny también es número 1 directo en el Spotify de Estados Unidos.
En México ha tenido que conformarse con el puesto 3 y los más reticentes han sido como siempre los países europeos anglosajones: número 81 en Spotify Alemania, número 116 en Spotify Francia, número 160 en Spotify Holanda… y fuera del top 200 en Reino Unido.
En cuanto al resto de plataformas, ’WHERE SHE GOES’ también es número 1 en Apple Music España, mientras en Estados Unidos, en este caso lo encontramos en el puesto 3 por detrás de Lil Durk con J Cole y de Morgan Wallen. No obstante, de cara al Billboard Hot 100, el mayor lastre para Bad Bunny serán, como siempre, los puntos de radio.
Javier Giner publicaba hace un par de años uno de los libros sobre adicciones más importantes, como mínimo, para la comunidad LGTB+, ‘Yo adicto’. Estos días ha informado a través de sus redes sociales de que el proyecto va a ser serie, también.
En concreto serán 6 episodios que podrán verse a través de Disney+, una plataforma que continúa arriesgando mucho más allá de lo que hubiéramos imaginado en Disney.
‘Yo adicto’ ha sido adaptada a serie por el propio Javier Giner junto a Aitor Gabilondo (‘Patria’). Laura Rubirola es co-productora ejecutiva, mientras los directores de los episodios serán Giner y Elena Trapé. El protagonista es Oriol Pla (‘Merlí‘), y también ha trascendido una prometedora escena de rodaje con Omar Ayuso.
Giner ha declarado: “Nunca imaginé que mi historia más íntima llegaría a convertirse en una serie de alcance internacional gracias a Disney+ y de la mano de profesionales y personas tan admiradas por mí como Aitor Gabilondo y Laura Rubirola. Espero y deseo que nuestro trabajo abra debates, desestigmatice al enfermo y arroje luz sobre las cosas que nos ocurren como seres humanos, pero de las cuales solo hablamos en susurros porque nos producen dolor y vergüenza. Y que, por encima de todo, ilumine todos esos rincones oscuros con un mensaje claro: del infierno de la adicción, con ayuda, con trabajo y esfuerzo, se puede salir».
Nora Navas, Ramón Barea, Marina Salas, Itziar Lazkano, Bernabé Fernández, Catalina Sopelana y Vicky Luengo completan el reparto. De momento, no hay fecha de estreno aproximada para el proyecto. Solo se sabe que el rodaje ha echado a andar este mismo mes de mayo de 2023.
Por primera vez, Blur y Gorillaz publicarán disco en un mismo año. Así de inspirado parece sentirse Damon Albarn. Cuando todavía estábamos debatiendo sobre si ‘Cracker Island‘ era uno de los mejores álbumes de Gorillaz o todo lo contrario, o sobre si la canción con Bad Bunny era lo mejor o lo peor que han hecho; hemos topado con la noticia de un nuevo disco de Blur, el primero en 8 años, cuya existencia se desconocía por completo.
La estrategia del secretismo ha sido de lo más inteligente. Blur, al fin y al cabo, siempre han sido chicos listos. Quizá si nos hubieran hypeado durante meses con este disco que presentarán en Primavera Sound, nos habríamos quedado indiferentes ante el sencillo que presenta ‘The Ballad of Darren‘. Quizá por la emoción de lo inesperado, ‘The Narcissist’ suena como un buen «comeback» que escogemos como «Canción del Día» para este domingo.
Armada con un riff de Graham Coxon y su voz a los coros subrayando algunas de las ideas clave de la letra, como esa contraposición entre «el Pierrot» y «el cuarto oscuro» («tú fuiste el Pierrot, y yo el cuarto oscuro»), ‘The Narcissist’ es una canción abierta a las interpretaciones. Sin duda habla de adicciones, a través de esa mención «al ácido», y de un contraste entre luz y sombra, que se desarrolla de manera clara en el estribillo.
Es el mismo un canto a la resistencia: «Seré la luz que brille en tus ojos / y probablemente tú me devolverás ese brillo / Pero no me caeré esta vez. Con Dios, haré caso de las señales». El cambio de acordes en medio del mismo y el post-estribillo instrumental de 4 notas que da paso a las estrofas son lo mejor del tema. Le dan un punto evocador.
Luego, el título «El Narcisista» da un doble sentido al tema. Es un giro casi cómico. El «ego» aparece en la letra, poniendo ese toque irónico tan inherente a los autores de ‘Charmless Man’. Es como si ‘The Narcissist’ fuera un tema retrospectivo en el que se miran a sí mismos a un espejo, algo que sucede literalmente, pero solo para quitarse hierro e importancia. «Fueron tiempos duros y bonitos los de Blur, pero como los de cualquier persona», parecen estar diciéndonos. Y con lo que se quedan hoy está claro: «Conéctanos con el amor, y mantennos en paz durante un rato». Al menos, hasta que acabe esta gira…
“No hay riqueza inocente”, decía Rafael Chirbes en ‘En la orilla’. “Toda fortuna procede de una injusticia originaria, cuando no de un crimen, que es lo más probable”. Esa injusticia tiene muchas caras: esclavismo, colonialismo, explotación laboral, especulación financiera, corrupción política, patriarcado… Y para legitimizar social y moralmente esa riqueza, así como las estructuras que las mantienen, hay que construir relatos, narraciones épicas de señores “hechos a sí mismos”, discursos narcisistas de superhéroes del capitalismo.
Sobre el poder de estas narrativas, sobre cómo “torcer la realidad para alinearla según mis intereses” –como dice el protagonista de la novela-, escribe Hernán Díaz en su monumental ‘Fortuna’ (Anagrama). Argentino criado en Suecia y residente en Nueva York, Díaz ha confirmado las expectativas que había creado con su debut, el (neo)western ‘A lo lejos’ (Impedimenta, 2020). Su nueva novela, galardonada con el Premio Pulitzer, es un impresionante rascacielos metaliterario levantado por medio de un exuberante dispositivo narrativo que combina varias voces y estilos.
El libro se compone de cuatro partes. La primera es una novela dentro de la novela. La historia de un magnate de las finanzas de los años 20, su mujer y su fortuna, escrita por un novelista ficticio a la manera de Edith Wharton o Henry James. La segunda es la autobiografía anotada e inconclusa del magnate al que alude la novela anterior escrita por su secretaria y escritora fantasma. Una hagiografía que pretende refutar ese texto anterior. La tercera y la cuarta… mejor no desvelarlas. Solo decir que están articuladas por medio de una serie de deslumbrantes piruetas narrativas que añaden más y más capas de significado al relato original.
El resultado de esta superposición de relatos es un fascinante puzle literario armado a través de una prosa cautivadora, desbordante de ideas, riqueza formal y sorprendentes giros dramáticos. ‘Fortuna’ es una exploración de las entrañas del capitalismo, del funcionamiento del mundo de las finanzas del que dependemos todos. Pero también un viaje estilístico de la novela de finales del siglo XIX hacia la modernista, de la mencionada Wharton a Virginia Woolf. Y, por último, un combate de voces narrativas: de la más estentórea, la que tiene todos los altavoces a su disposición, a la más imperceptible, la que ha sido amordazada pero termina encontrando su modesta vía de escape. Novelón.
La serie sobre La Veneno, ‘Veneno’, fue un éxito internacional en plataformas, llegando a conseguir su público underground incluso en un país tan competitivo para la ficción como es Estados Unidos. Quizá por eso ahora nos llega, en inglés, la información sobre la reedición del sencillo ‘Veneno pa tu piel’, de cara al próximo Orgullo.
El correspondiente Bandcamp nos explica cómo «la estrella transgénero más querida de la televisión española» era una trabajadora del sexo en el Parque del Oeste de Madrid cuando fue descubierta por Esta Noche Cruzamos el Mississippi. Su tema ‘Veneno pa tu piel’ fue una sensación en las listas españolas, llegando a vender 50.000 unidades en los tiempos dorados para la industria según algunas fuentes. En listas oficiales, llegó a figurar en el número 8 de la lista de maxi singles de 1996.
Ahora el single se edita en un vinilo especial, que ya se puede encargar en el correspondiente Bandcamp. Saldrá el 30 de junio con motivo del Orgullo, incluyendo 4 pistas: 2 temas y 2 remezclas. En la web de Dark Entries también podéis ver la contraportada.
1. Cristina La Veneno – Veneno Pa Tu Piel (Xtended Version)
2. Cristina La Veneno – Veneno Pa Tu Piel (Single Version)
3. Cristina La Veneno – Rap De La Veneno (House Mix)
4. Cristina La Veneno – Rap De La Veneno (Digo Dub Mix)
Más afónico que Natos acudo a la segunda jornada de Mallorca Live para no perderme un minuto del bolo de Jimena Amarillo. La valenciana dedica todas y cada una de sus canciones a “sus lesbianas” porque por fin “la música para lesbianas tiene cabida en los festivales”.
Sobre todo, Jimena se muestra divertida y deslenguada: cuando toca una versión de ‘Tu sangre de la mía’ se pone a bailar “como Diego de Carolina Durante”, cuando toca un tema house apunta que “Aitana ha hecho muy bien” este género y, en el mejor más inenarrable del show, saca un violín y se pone a tocar Pachelbel mientras su corista canta el estribillo de ‘Get Lucky’ con deje aflamencado. Y todavía no ha interpretado su versión “fea, porque chica” de ‘I Follow Rivers’. Cuando canta ‘Jugando a Los Sims’ afirma que “por fin tocamos una canción indie, manda huevos”, y aún le queda por hacer un popurrí inexplicable de ‘Cómo quieres que te quiera’, ‘Nueva York (Toto)’ e ‘Hija de la luna’.
El concierto de Amarillo aún admite un pequeño momento emotivo cuando la artista agradece poder tocar en Mallorca Live y en un escenario “tan grande” que escuchar sus propias canciones a un volumen tan alto le abruma. Dice estar “a punto de llorar porque este año me han pasado muchas cosas”.
En el escenario pequeño -que acomoda DJ sets- ocurre un momento mágico cuando empieza a llover mientras La Calor pincha sus agradables cumbias electrónicas. Da gusto verle mezclar en vivo y en directo, tras los platos, poniendo la mejor banda sonora a un día gris.
Javier Bragado
Si atraviesas el espejo de Natos y Waor aparecen al otro lado Ayax y Prok. De alguna manera son dos caras de la misma moneda: ambos son dúos de raperos salidos de aquello que se llama “la calle” y ninguno de ellos renuncia a meter bases bailables de house en sus conciertos festivaleros. Sin embargo, Natos y Waor son comedidos y Ayax y Prok… no. En absoluto. Los gemelos granadinos aparecen sobre el escenario agitados y sobreestimulados, saltando de un lado a otro, berreándole al micrófono y dotando a su show de cierto componente cómico gracias a su gracejo natural (“qué mareo, la virgen”, dice uno de ellos en un momento de descanso), no se sabe si intencionado o no. En lo musical, cuando no se ponen a recitar sus versos sobre bases de hip-hop, directamente traen un show de EDM, y especialmente Ayax exhibe una pasión desbordante sobre las tablas o debajo de ellas: en un momento del show baja a la pista e incluso agarra de la mano a un fan de la primera fila. Por poco le cruje los dedos.
La «fiestuqui» de Black Eyed Peas
Lo peor de la sociedad mallorquina puede reunirse en la zona VIP viendo a Black Eyed Peas, fácilmente. Ya lo dice Juan Sanguino: Black Eyed Peas gusta a la gente que dice “fiestuqui”. Lo compruebo en Mallorca Live. Aquí hay influencers de medio pelo, pijos con pinta de tener yates y clínicas de cirugía estética, jovencitas con los morros de Carmen de Mairena, muchachos repeinados que gritan “let’s go, motherfuckeeers!” cuando Will.I.Am. dice algo.
Ver a Black Eyed Peas en acción es surcar el tiempo a través de la historia del pop de los últimos 20 años. Con el hip-pop de ‘Let’s Get Started’ viajas a 2003, con el electro de ‘Boom Boom Pow’ a 2009, con la EDM de ‘Don’t You Worry’ a 2010 aunque sea de 2022. Su repertorio contiene tantos macrohits que algunos los habías olvidado necesariamente por falta de espacio en el cerebro.
Black Eyed Peas es el ejemplo de grupo pop capitalista por antonomasia, una franquicia musical que básicamente hace su trabajo, esto es, fagocitar modas y escupirlas masticadas, reciclar hits clásicos como hace Hollywood con todos sus “blockbusters”, colaborar con distintas marcas (véase Shakira o Daddy Yankee) o abrir filiales como la carrera de Will.I.Am. en solitario a la que se asocian otros marcas (véase Justin Bieber o Britney Spears). Black Eyed Peas es un universo pop comprimido en tres raperos y una cantante -J. Rey Soul- cuyo parecido a Fergie no es disimulado. Todo parecido con la (antigua) realidad es buscado e intencionado.
El público recibe desbordado, eufórico, fuera de cuerpo, el remix reggaetonero de ‘Let’s Get Started’, el tobogán surfero de ‘Pump It’, los breakdance random de apl.de.ap, las referencias de Will.I.Am. a las “mamacitas” y a “mis chicas latinas”, el “Britney bitch”. La pista se viene abajo con el house sísmico de ‘This Time (Dirty Bit)’ y directamente implosiona en ‘I Gotta Feeling’. Mientras, en el escenario, la energía es caótica, los cuatro integrantes actúan sin orden ni concierto (al final son MCs, no una boyband) y la energía navega entre la pachorra extrema de Will.I.Am. que coge el micrófono como quien agarra el mando de la tele mientras se está quedando dormido, la pose pseudo-heroica de Taboo, la vibra adolescente de apl.de.ap. y la presencia de J. Rey Soul, simplemente agradecida de estar ahí, existiendo. Le ha tocado el gordo cantando para un grupo que se mantiene imparable, pese a quien pese.
Para recuperarnos del chute ultrapop de los BEP nos pasamos brevemente por el show de Black Rebel Motorcycle Club, una exhibición de virtuosismo rock que resulta fascinante en su búsqueda de diferentes ángulos y texturas. Me habría quedado de no ser porque tocaba descubrir otro de los platos fuertes de la jornada.
Xavi Torrent
Me muero de curiosidad por ver a Quevedo en directo. Su show, supuestamente donde quiere estar, no se sostiene demasiado: las canciones son disfrutonas, su disco no está mal entero, pero es evidente el apoyo del directo en los efectos escénicos, en los chorros de humo constantes, más pesados que la alarma del “soundsystem” jamaicano en un concierto de Bad Gyal (con la que ha colaborado), mientras el canario actúa con más o menos energía, evidentemente encantado de estar allí, pero sin ofrecer mucho más que su mera presencia. El show de Quevedo es una “listening party” de su disco llevada al contexto de macroconcierto festivalero.
Pero al César lo que es del César: como dice Lola Indigo, Quevedo es un “hitmaker” y de hits su show va sobrado, aunque ‘Playa del Inglés’ o ‘Vista al mar’ son meros peajes para llegar a LA CANCIÓN. Después de un intento de bis que dura lo mismo que un audio de TikTok, es momento de que la pista colapse con la sesión de Bizarrap. Presenciarla en directo es presenciar el fenómeno -porque no tiene otro nombre- en su envergadura real. Es impresionante la comunión que crea el estribillo de “Quéeedateee” y a Quevedo se le dibuja media sonrisa en la cara, como atónito por semejante éxito. La verdad es que no me parece la mejor sesión de Bizarrap, pero a Quevedo hay que hacerle la ola por todo lo que está consiguiendo: ahora mismo sus cifras superan las de Rosalía.
Poco después de la madrugada Moderat ofrecen su concierto en Mallorca Live. Su propuesta es tan atípica que ni viendo el show cinco veces te deja de sorprender el éxito que ha alcanzado: no todos los grupos que hacen electrónica «fina» son tan masivos, pero claro, ellos han sabido respetar la seriedad de su música sin renunciar a los subidones populistas que requiere una presentación festivalera. Apparat sigue desempeñando con gran habilidad ese papel de «frontman» a lo Dave Gahan del siglo XXI que le ha caído del cielo casi sin quererlo, y la magia que crean él y Modeselektor sobre el escenario sigue siendo incuestionable: pura brujería electrónica que no renuncia a las grandes emociones.
