Benidorm Fest acaba de dar el pistoletazo de salida, sin números espectaculares para ninguna de las canciones aspirantes, pero sí con varios nombres que van a dar que hablar. Uno de ellos es Nebulossa. La banda formada por María Bas y Mark Dasousa ya había publicado un álbum llamado ‘Poliédrica de mí’, gracias al que una de nuestras usuarias el año pasado los bautizaba como “los reyes del Synthware retro en castellano”. Y con sus últimos singles se han superado.
Está ‘Me pones a mil’, está el ingenioso ‘Me ha dado porno’ (que en realidad es “me ha dado por no”) y ahora ‘ZORRA’, la grabación con la que aspiran a representar a España en Eurovisión y que es nuestra Canción del Día hoy.
‘ZORRA’ va a necesitar tan sólo un par de días más para convertirse en la canción más escuchada de toda la carrera de Nebulossa, lo que se traduce en que ellos ya han salido ganando de la experiencia Benidorm Fest. Es una canción de electropop eficiente, que supera su título tan electroclash para dejar un mensaje feminista. Como Las Vulpes de ‘Me gusta ser una zorra’, como la Zahara de ‘PUTA’ o como los Lula de ‘Guarra’, ‘ZORRA’ se reapropia un insulto para lanzar un mensaje de liberación feminista:
«Si salgo sola soy la zorra
Si me divierto la más zorra
Si alargo y se me hace de día
Soy más zorra todavía»
La canción va más allá de su título llamativo con una buena melodía, especialmente en el puente agridulce “estoy en un buen momento”, añadiendo una producción bastante divertida cuando se entrega al Autotune en el clímax de la canción. ¿O es un efecto Amaia Montero?
No sabemos si el voto demoscópico estará muy por la labor de llevar a Eurovisión una canción llamada ‘ZORRA’, o incluso si el jurado la apoyará, pero en todo caso, ya una de las revelaciones de esta edición.
Anoche se celebraron los Premios Forqué 2023 y, entre los artistas invitados que se subieron al escenario, destacó la actuación de Ana Mena. La malagueña se atrevió con la interpretación de ‘Limosna de Amores’ y ‘A tu vera’, dos clásicos de Lola Flores.
Acostumbrada a pasearse por galas de premios cantando ‘Las 12’ y ‘Madrid City’, donde prima la coreografía y el petardeo, la artista ha dejado esta vez de lado sus dos principales hits del año. Lo ha hecho para rendir homenaje a Lola Flores con una delicada e intimista actuación donde solo ha sido necesaria su voz y los instrumentos que la acompañaban en el escenario.
La artista ha mostrado su emoción en redes sociales compartiendo extractos de su paso por los Forqué, cuya actuación ha sido principalmente aplaudida tras lo inusual que es ver últimamente a Ana Mena cantando copla; sin embargo, es bien conocido su respeto por el género y ya lo había interpretado cuando era más joven.
Poco a poco vamos conociendo a los concursantes de la próxima edición de Eurovisión, que se torna bastante prometedora. El último en ser presentado, dando la sorpresa, ha sido el representante de Reino Unido: Olly Alexander de Years & Years viajará a Suecia para luchar por el micrófono de cristal.
El artista, conocido principalmente por su gran éxito ‘King’, fue anunciado anoche como representante de UK en el Strictly Come Dancing. Y mucha atención porque la delegación de Reino Unido ya ha dado detalles sobre su candidatura. La canción no será una balada y, además, ha sido compuesta por Danny L Harle, quien ha trabajado para Charli XCX o para el mismo ‘Houdini’ de Dua Lipa. De hecho, según la BBC, «va a ser electrónico, algo con lo que puedas bailar».
«Qué difícil ha sido mantener esto en silencio, Dios. Estoy emocionadísimo de anunciar que representaré a Reino Unido en 2024. Llevo mucho tiempo queriendo hacer esto», ha escrito Olly Alexander en redes sociales. Asimismo, también ha desvelado que deja a un lado su proyecto musical Years & Years: «Siento que es el momento adecuado para empezar a sacar música bajo mi propio nombre».
A la espera de escuchar la canción con la que Olly Alexander luchará para otorgar a Reino Unido su sexta victoria en el Festival, estos son los ocho concursantes confirmados para Eurovisión 2024: Olly Alexander (UK), Marina Satti (Grecia), Silia Kapsis (Chipre), Joost Klein (Países Bajos), Slimane (Francia), Raiven (Eslovenia), Mustii (Bélgica) y Aiko (República Checa). El representante español será anunciado el 3 de febrero, cuando se celebre la final del Benidorm Fest 2024.
Sabrina Carpenter también canta a la Navidad. La artista, que ha publicado este año su tercer álbum de estudio, se dispone a cerrar uno de los mejores años de su carrera con ‘fruitcake’, el EP navideño que nunca falta en la discografía de cualquier cantante. Este, aunque en un principio pueda parecer tan olvidable como los demás, tiene un sabor tan Carpenter que hace que merecezca la pena.
Compuesto por 6 canciones, en ‘fruitcake’ hay lugar para la versión navideña de su hit ‘Nonsense’ de ‘emails i can’t send’, que ahora titula ‘A Nonsense Christmas’, o el clásico villancico de Bing Crosby ‘White Christmas’, que ella reversiona bajo ‘white xmas’. Sin embargo, lo más destacable son los temas originales. En concreto uno de ellos: ‘santa doesn’t know you like i do’, tercer tema del EP.
La canción, tan pop como la música que ya caracteriza a Sabrina Carpenter, es el lamento ante un amor no correspondido. Para el sonido, no obstante, recurre a instrumentales típicos de los villancicos y logra que la balada no sea tan balada gracias a una base bastante alegre. «Santa no te conoce como yo», canta en un estribillo en el que narra los motivos por los que su crush debería prestarle atención.
Carpenter toma ese sentimiento típico de desear ser pareja de alguien para pasar juntos unas fechas tan íntimas como las Navidades y lo transforma con éxito en una canción. Para el videoclip del tema, la artista aparece con la persona a la que quiere manifestando con imágenes aquellos momentos que imagina que podría pasar con este chico. Pero al final solo queda la incógnita nacida de la esperaza: «Bueno, tal vez esta Navidad / Finalmente te darás cuenta de que yo podría ser la indicada».
El EP navideño de Sabrina Carpenter no ofrece nada nuevo a lo que otros artistas hayan hecho anteriormente, aunque tampoco lo pretende. ‘fruitcake’ sirve como regalo ante un gran 2023 para ella. Puede que ‘santa doesn’t know you like i do’ se convierta en un clásico navideño o, como es más probable, puede que no, pero eso no quita que sea igual de disfrutable.
ML Buch es el alias de Marie Louise Buch, una cantante y compositora de Copenhague que con su segundo disco ‘Suntub’ se ha colado en el radar musical de muchos. Buch sacó un disco en 2020, ‘Skinned’, pero donde aquel exploraba el mundo de los ordenadores y las redes sociales, ‘Suntub’ se centra en el sonido de la guitarra eléctrica procesado digitalmente de diversas maneras.
Grabado a lo largo de cinco años, ‘Suntub’ es un ejercicio de composición pop basada en la guitarra eléctrica y en sus posibilidades, en sus diferentes tonos y texturas. Buch ha usado “plugins” que simulan su propia interpretación humana de la música, y ha grabado sonidos lo mismo al aire libre que dentro de una sauna. Las voces las ha registrado mayoritariamente dentro de su coche, viviendo en un pueblo muy próximo al mar, queriendo capturar la calma que el océano le ofrecía.
El tono de ‘Suntub’ es efectivamente soleado, calinoso, pero a su vez suena extrañamente alienígena, como si ‘Hejira’ de Joni Mitchell hubiera sido creado con inteligencia artificial, o algo así. Las canciones son melódicas y rara vez incorporan baterías, prefiriendo languidecer todo el tiempo que les apetece, mientras ML Buch pueda cantar o dejar las pistas instrumentales desnudas. Y pueden ser tan hermosas como ‘High speed calm air tonight’.
‘Pan over the hill’ abre hablando de un “sol cálido que pega en la cara”, pero la familiaridad que puede provocar su sonido, próximo al rock alternativo, se ve perturbada por la entrada de un arpegio electrónico que parece simular el efecto del viento. Las letras evocan una corporalidad, como ‘Flames shares goo’, que habla de «cuerpos temporales», o la pseudo-bossa de ‘Fleshless hands’, pero la música de ML Buch rara vez suena «sólida»; ella prefiere «derretirse en el flor de la alga» o ser un compuesto de «órganos vacíos».
Entre los momentos destacados, por diferentes, hay que mencionar la canción más próxima a lo que podría llamarse pop, ‘Well Bucket’, perfecta para iniciarse, o la producción más electrónica del largo, ‘Somewhere’, que se gana el calificativo de tropical y, además, es una de varias de las pistas instrumentales que el disco ofrece. Las texturas de ML Buch pueden llegar a ser tan hipnóticas como en ‘Dust beam’, pero ‘Suntub’ no es un disco de pop en el sentido clásico, ni pretende serlo.
Con sus guitarras, eléctricas, acústicas, procesadas, y también sirviéndose de sintetizadores, ML Buch explora tranquilamente su propio camino en ‘Suntub’, sin prisa pero sin pausa, dejándose iluminar por el cegador reflejo del sol sobre el mar, hasta completar un disco que supera la hora de duración. Los sonidos del soft-rock, el country o la Americana, más que influencias, son evocaciones, pero solo una mente como la de ML Buch puede hacerlas sonar a algo fuera de este planeta.
Con tan solo 23 años, Samara Joy se convirtió en la actual ganadora del Grammy a Mejor Artista Revelación y a Mejor Disco de Jazz Vocal (‘Linger Awhile’), alzándose como una de las voces con más futuro del jazz contemporáneo. Las comparaciones con Ella Fitzgerald, Sara Vaughan o Billie Holiday no paran de repetirse y cada día más personas de todas las generaciones descubren su talento gracias a plataformas como TikTok, en la que ya ha conseguido amasar casi 650.000 seguidores.
Con motivo del lanzamiento del EP navideño ‘A Joyful Holiday’, hemos podido hablar con la cantante estadounidense sobre la vida después de ganar dos Grammys, sus ambiciones profesionales y el lugar que ocupa un género como el jazz en la música actual.
Has tenido un año increíble. En la nota de prensa se refieren a ti como «la primera estrella del jazz de la Generación Z». ¿Te sientes así?
Es interesante. Siento que acabo de llegar aquí, y entiendo por qué la gente dice eso, pero creo que solo soy una de muchas. Hay muchas personas que están contribuyendo ahora mismo al género. No me siento como la estrella.
¿Cómo te estás tomando la exposición que viene con dos Grammys?
Es abrumador, pero sé quien soy, así que no me molesta demasiado.
¿Qué es lo que más recuerdas de esa noche?
Recuerdo bailar con mi hermano pequeño durante el tributo a los 50 años del Hip Hop, y ver a algunos de mis raperos favoritos, además de todos los artistas de los que estuve rodeada en la ceremonia. No conocí a mucha gente, pero los vi de lejos. Sabía que en algún punto íbamos a encontrarnos con Beyoncé, y tenía muchas ganas de verla en persona.
Domi & JD Beck también estaban nominados a Mejor Artista Revelación y están en el reino del jazz. Sería una colaboración loca, ¿no?
Lo sería, pero soy fan, así que me apunto.
Descubriste el jazz en la universidad. ¿Qué te hizo enamorarte de él?
Disfrutaba su sonido. Nunca había escuchado jazz antes de la universidad, pero me sorprendió cómo me hizo sentir su sonido. Y por su sonido, me refiero al de los músicos tocando juntos, en acústico, sin demasiada amplificación, pero creando sonidos cálidos y preciosos. Eso es lo que me enamoró.
¿Qué es lo que separa el jazz del resto de música?
Es difícil de decir, porque creo que el jazz tiene elementos de un montón de géneros diferentes, pero para mí lo que lo diferencia es la armonía. Creo que las personas pueden identificar una grabación o composición de jazz porque muchos de los músicos que contribuyeron al repertorio, fuera del cancionero estándar, lo hicieron con su propio concepto armónico. Diferentes tipos de acordes que normalmente no iban juntos, pero con los que consiguieron crear un sonido. Por eso, si escucho algo puedo decir que suena a Thelonious Monk, que suena a Duke Ellington o que suena a Charlie Parker. No es solo su sonido, sino también su concepción armónica.
«Para mí lo que diferencia al jazz es la armonía»
¿Has pensado en escribir canciones originales?
Sí, claro. También trabajo con compositores y arreglistas, así que poco a poco contribuiremos.
¿Popularizar el jazz entre la gente joven es uno de tus objetivos?
No. Me alegro de que haya plataformas en redes sociales en las que puedo conectar con personas de mi edad, pero el objetivo es compartir música con gente que le guste. Si le gusta a la gente joven, a los ancianos, a la gente de mediana edad… Perfecto. Creo que siempre se dice que los jóvenes no saben esto, que no saben lo otro, que no les va esto, y podría ser cierto, basándonos en ciertas estadísticas o números, pero creo que están más enterados de lo que creemos. Creo que están más informados sobre música de lo que pensamos. Así que, si simplemente seguimos compartiendo por el simple hecho de compartir, y tocando música por el simple hecho de disfrutarla, entonces la audiencia llegará.
Sería sorprendente encontrar una canción de jazz en el Top 50.
Ese no es el objetivo. Al menos no para mí. Tal vez para artistas pop, para artistas de R&B, solo para tener canciones en el top y conseguir, ya sabes, el mayor alcance posible. Pero el enfoque está en la música primero. Asegúrate de que la música sea buena y luego preocúpate por cómo vas a compartirla a través de la radio, entrevistas, ya sabes, ese tipo de cosas.
¿Por qué crees que el oyente medio no conecta tanto con el jazz?
Porque no es mainstream. No es lo que se promociona. Y aunque hay personas como locutores de radio y clubes o salas de conciertos que lo promocionan, no es mainstream. No se escucha universalmente, o quizás no es comprendido por todos. En algunos casos, creo que las personas quieren quedarse para sí mismas el género para que no se mezcle con otros. Si se volviese mainstream, ¿disminuiría la calidad? ¿Es mejor que sea para las personas que realmente lo disfrutan y lo aman en lugar de cambiarlo por completo? No lo sé.
Los que no te escuchan, seguramente te sigan en TikTok. ¿Crees que tener una presencia online o conectar con la gente es un requisito en la industria actual?
Parece que hoy en día debes tener ciertos seguidores para vender un show, o para que la gente venga. En los días anteriores a la tecnología se promocionaba con los vinilos, con los CDs, con los propios conciertos… Pero ahora puedes acceder a lo mismo online y sin pagar tanto. Supongo que es diferente para el que no le gusta postear todo, porque no todos los artistas son así. Todo el mundo tiene que encontrar su propia forma de navegar las redes sociales y averiguar cómo esto puede ayudar, porque de lo contrario podría convertirse en una carga.
Uno de tus clips más populares en TikTok es tu reacción a las palabras de Regina King comparándote con Sara Vaughan y Ella Fitzgerald. ¿Crees que es justo que te comparen todo el tiempo con ellas?
Creo que no hay ninguna manera de evitarlo. Personalmente, no pienso que suene como Ella o Sarah. No porque no quiera, sino porque tenemos influencias diferentes y, por eso, nuestras voces son inherentemente diferentes. Sin embargo, para el público general sueno como Ella. Esa es su referencia cuando se trata de una voz de jazz, así que no me importa. Aparte de ellas, tengo influencias en el R&B, el góspel, incluso el pop. Lo que esté sonando en la radio.
Has comentado que ‘Tight’ era una favorita de los fans en los conciertos. ¿Por qué decidiste lanzarla como single?
Me encuentro con que la gente escucha ‘Linger A While’ y no espera el espectáculo en vivo porque el disco, la grabación, es como si fuera un retrato de donde estaba ese día. Después de todo lo que ha pasado, estando de gira y demás, ya no sueno como ese retrato, sino completamente diferente. Me alegro de haber podido enseñar al público que así es como sueno ahora. Es otro retrato. No digo que no sea la misma cantante, pero es otra imagen de lo que puedo hacer y otra forma en la que me puedo expresar.
¿Te refieres a que eres más frenética en vivo?
Sí, y no es porque intente ser más reservada en la grabación, pero es el lugar en el que estaba. Tal vez era un poco menos segura y un poco más conservadora en mis elecciones de canto. Por otro lado, en vivo siento que puedo soltarme y ser más libre para expresar mis ideas.
¿Siempre habías querido hacer un disco navideño?
No, pero me alegro de que en este EP pueda compartir canciones populares y otras que no lo son tanto, de las cuales puedo hacer mi propia versión. Me gustaría hacer un disco completo con mi familia.
Tu familia colabora en ‘O Holy Night’. ¿Lo de cantar juntos es una tradición familiar?
Sí, lo hacemos todo el tiempo.
¿Cómo se siente compartir eso con el gran público?
Se siente como que ya era hora. Siento que he tenido este pequeño secreto durante mucho tiempo y que se ha mantenido un poco en la familia. Ahora por fin puedo compartir con el mundo lo que he estado escuchando toda mi vida.
¿Cómo te preparas antes de un concierto?
Me gusta calentar la voz con diferentes ejercicios. A veces estiro. Otras no.
¿Te refieres a estirar el cuerpo?
Sí, para liberar tensiones. A veces me doy cuenta de que cuando canto algo y estoy nerviosa hay mucha tensión, y quiero mantenerme suelta y flexible porque eso se traduce también en cómo canto.
¿Qué puede experimentar la gente en uno de tus conciertos?
Trato de coreografiar el espectáculo para que haya muchas subidas y bajadas, porque así es la vida. Llena de subidas y bajadas, cambio y emoción. Me gustan las sorpresas, las canciones profundas, las juguetonas… La gente puede esperar una experiencia musical diversa.
Una pregunta que te encantaría responder en una entrevista y otra que estés cansada de escuchar.
Me gusta responder qué es lo siguiente para mí y no me gusta responder cómo me siento. No es que no me guste, pero simplemente cambia de un día para otro y más o menos tengo que dar siempre la misma respuesta.
Entonces, ¿qué es lo siguiente para ti?
Lo siguiente es una gira familiar de Navidad y es la primera vez que hacemos algo así. Además, espero que mi próximo proyecto sea más representativo de donde estoy musicalmente, con una gran banda, composiciones originales, arreglos diferentes y quizás canciones en directo.
Este sábado Spotify ha publicado los streamings correspondientes al viernes 15 de diciembre, día en que se subieron a plataformas las canciones aspirantes a ganar Benidorm Fest. La canción ganadora de momento es ‘Amor de verano’. El dúo Marlena, como Lérica, llegaban al concurso con ya un millón de oyentes en Spotify, por lo que podemos entender que partían con la ventaja de tener una base de fieles.
Tanto Lérica como Miss Caffeina, que tienen casi medio millón de oyentes, figuran en este top 8 de lo más escuchado. ¿Por qué un top 8? Porque esas serán las formaciones que pasarán a la final del concurso. A falta de averiguar cómo evolucionan las canciones en los próximos días, entre los temas que más entusiasmo han despertado de momento están el muy Quevedo ‘Brillos platino’ de Almacor, el tema de Mantra que referencia a Álex y Christina, la vistosa ‘Zorra’ de Nebulossa, el tema producido por Nacho Canut de Sofia Coll, y el tema rockero de Angy. Entre los eliminados hipotéticos destacaría el bolero de St Pedro, en principio favorito de nuestra audiencia según esta encuesta.
Como sabéis, las reproducciones en Spotify pueden estar muy manipuladas por el apoyo de las playlists. En ese sentido, Nebulossa tienen que celebrar haber llegado al top 5 del primer día sin haber aparecido siquiera en Novedades Viernes España (300.000 suscriptores), donde sí se ha apoyado a este top 4 resultante o a Miss Caffeina. De hecho, las playlist que más están apoyando a Nebulossa son Benidorm Fest (22.000 suscriptores), Top Alexinos (11.000) y el Ready for the Weekend de JENESAISPOP (6.000). Insisto: tiene mucho mérito ese top 5 con este soporte tan modesto.
Por su parte, los de Alberto Jiménez tienen que celebrar que ‘Bla Bla Bla’ ha sido aceptada en Todo Indie, una playlist con 700.000 suscriptores, lo que puede ser determinante para su desarrollo durante los próximos días. ‘Dos extraños’ de St Pedro no ha aparecido en Novedades Viernes España, pero sí en una playlist llamada Mixto, que siguen otras 700.000 personas. Seguiremos atentos a la evolución: recordemos que el año pasado, la canción ganadora ‘EAEA’ de Blanca Paloma no era la más escuchada, y que el éxito de ‘Nochentera’ de Vicco, a la postre 5 veces platino, se cocinó muy poco a poco.
Lo más escuchado de Benidorm Fest:
1.-Marlena / Amor de verano 63.663
2.-Almacor / Brillos platino 51.034
3.-Mantra / Me vas a ver 50.501
4.-Lérica / Astronauta 45.830
5.-Nebulossa / Zorra 40.361
6.-Miss Caffeina / Bla Bla Bla 39.367
7.-Sofia Coll / Here to Stay 34.769
8.-Angy / Sé quién soy 33.329
9.-St Pedro / Dos extraños (cuarteto de cuerda) 31.639
10.-Noan / Te echo de – 26.613
11.-Yoly Saa / No se me olvida 26.400
12.-María Peláe / Remitente 24.342
13.-Jorge González / Caliente 24.286
14.-Dellacruz / Beso en la mañana 22.477
15.-Quique Niza / Prisionero
16.-Roger Padrós / El Temps 14.961
Selena Gomez ha hecho oficial su romance con Benny Blanco después de varias semanas llenas de especulaciones. La cantante de ‘Lose You To Love Me’ ha vuelto a enamorarse y, pese a las críticas, no ha dudado en contárselo a sus más de 400 millones de seguidores en Instagram.
La realidad es que esta no es la primera vez que Selena Gomez habla de su relación con Benny Blanco. La artista respondió hace unos días con «Facts» a una publicación de Instagram que hablaba de los rumores en torno al posible noviazgo entre Gomez y Blanco.
Esos no fueron los únicos comentarios que dejó Selena Gomez en Instagram. La cantante generó controversia revelando que «él es todo» lo que hay «en su corazón» y contestando a un usuario que la acusaba de «hacer todo lo posible» por su relación mientras que abandona las redes sociales cuando se le pide que apoye a Palestina: «Tienes razón».
A pesar de la lluvia de críticas que recibió por sus respuestas en Instagram y por quienes no apoyan su relación con Benny Blanco, parece que Selena Gomez está decidida a no esconder su relación. La artista ha publicado varias fotos en Instagram bajo el mensaje «Nueva York, mis momentos favoritos contigo este fin de semana». La última de ellas es un beso entre los dos músicos, que no ha tardado en viralizarse en la plataforma y ha servido para oficializar su noviazgo.
Paramore ha generado alboroto entre sus seguidores tras una story publicada en su cuenta de Instagram. El grupo conformado por Hayley Williams, Taylor York y Zac Farro, que ha tenido sus idas y venidas a lo largo de los años, parece que vuelve a crear incertidumbre en torno a su futuro.
La banda publicó este comunicado en la plataforma sin ningún contexto: «Ahora que Paramore ha pasado un año de gira con su ‘This Is Why’ (y asegurándose de cuidarse bien mientras tanto), un capítulo de la carrera de la banda ha llegado a su fin. Han cumplido todas las obligaciones con la discográfica y son agentes libres. En cuanto al futuro de Paramore, los tres miembros han coincidido en que hay un nivel de incertidumbre».
El futuro del grupo podría estar pendiendo de un hilo tras cumplir su contrato con la discográfica. Sin embargo, la story que publicaba Paramore en Instagram es un extracto de una entrevista concedida a UPROXX. En esta entrevista, el texto es mucho más largo y continúa tras el extracto anterior: «Pero una cosa es segura: seguirán juntos y seguirán divirtiéndose. ‘Lo único que importa es que seguiremos siendo la comunidad del otro’, dice Williams. Farro está de acuerdo: ‘Solo espero que podamos seguir construyendo el imperio Paramore y después gobernar el mundo’. Y dondequiera que acaben, la enorme comunidad de fans que Paramore ha conseguido también estará ahí para ellos».
Si bien el texto completo es claro y niega cualquier posibilidad de una ruptura en un futuro cercano, es llamativo la selección del texto que ha hecho Paramore para publicar en Instagram, sin aclarar que forma parte de una entrevista más larga o explicar algún otro detalle. El grupo, no obstante, tiene todavía grandes objetivos en camino: el próximo verano servirán como teloneros del The Eras Tour de Taylor Swift en su paso por Europa.
Paramore have posted a story to their Instagram stating "there's a level of uncertainty" in regards to the future of the band… pic.twitter.com/8XIywMmorn
Si algo destaca en la nueva generación de artistas emergentes es la implicación en la composición de sus canciones. Es precisamente ese factor el que hace destacar a Noah Kahan en su álbum ‘Stick Season’, que le ha acabado valiendo una nominación a Mejor Artista Nuevo en los próximos Grammy. Y, si bien cuenta con éxitos como el tema que da nombre al disco, había joyas como ‘Everywhere, Everything’ que estaban pasando desapercibidas. Hasta ahora.
Kahan, que no tenía ninguna colaboración en el álbum, está invitando a artistas a cantar junto a él algunas de las canciones. Y, aunque en esa lista de invitados hay lugar para artistas de la talla de Post Malone o Kacey Musgraves, también hay cabida para novatos con los que quizá Noah Kahan pueda sentirse más identificado. Una de ellas es Gracie Abrams, nominada también a Mejor Artista Nuevo en los Grammy de 2024.
Dispuestos a unir fuerzas en uno de los momentos más importantes de sus respectivas carreras, Noah Kahan y Gracie Abrams cantan a dúo ‘Everywhere, Everything’, la séptima pista de ‘Stick Season’. Y, quizás mostrando la sabiduría que poco a poco se va adueñando de Kahan, la canción logra brillar de una forma que antes no lo hacía. Pese a que la original parecía perfecta, la nueva versión hace magia y se encoge de hombros ante la mera demostración de que sí necesitaba una voz femenina.
El tema es un canto al amor en su máxima expresión. En un mundo imaginario en el que todo se está derrumbando, o tal vez sirviendo como metáfora de esas etapas de la vida en los que parece que todo se desmorona, los artistas se aferran a su amante para seguir adelante. «¿Sobreviviríamos en una película de terror?», se pregunta Kahan. «Lo dudo, vamos demasiado lentos», se responde a sí mismo al comienzo de la canción. Pero Abrams lo tranquiliza más adelante: «Conduce despacio, conozco todas las rutas de este condado». «Quiero amarte hasta que seamos comida para los gusanos», gritan las dos voces entrelazadas encajando maravillosamente.
La canción, que parece compuesta para una banda sonora por su enorme capacidad para crear imágenes en el oyente, es una excelente representación de la discografía que se está construyendo Noah Kahan y su interés por querer destacar gracias a la composición. Respaldado por sus letras al igual que le ocurriera a Gracie Abrams en su ‘Good Riddance’, ambos competirán por convertirse en artistas premiados por la Academia de Grabación el próximo 4 de febrero.
‘Sledgehammer’ ha sido versionada por muchos artistas que jamás se conocerán entre sí, entre ellos, Jamie Woon, Dave Matthews Band y Harry Styles. Este último dijo que era «la canción mejor mezclada de la historia». Elton John aseguró que ‘Don’t Give Up’ le había «salvado la vida», acreditando en concreto las voces de Kate Bush. Cuando debutó como artista en solitario, Fever Ray versionó un anti-single de ‘So’ inspirado en la poeta Anne Sexton, ‘Mercy Street’. La piscina de su vídeo ‘When I Grow Up’ era casi tan tétrica como la que inspiró ‘Red Rain’. Tan diverso es el alcance del disco que nos ocupa hoy, con motivo del lanzamiento de ‘i/o’, nuestro Disco de la Semana.
Peter Gabriel había abandonado Genesis en 1975 alegando «decepción de la industria musical» y una «necesidad de pasar tiempo con su familia». Su carrera en solitario había pululado entre el folk pop (el hit ‘Solsburty Hill’) y el art-rock (la interesante segunda parte de ‘3’), con cierto carácter esquivo. Aprendió a tocar instrumentos nuevos, se interesó cada vez más por África y temas espirituales, y no titulaba sus discos siquiera. Le dijeron que sus portadas daban miedo y «alienaban al público femenino». Hasta que llegó ‘So’, el que sería su disco más vendido y, en general, el mejor considerado.
Su trabajo con Daniel Lanois en la banda sonora de ‘Birdy’ de Alan Parker le animó a continuar apostando por este productor, en lugar de otros que había considerado, como Nile Rodgers, finalmente relegado a las guitarras de ‘This Is the Picture’. La decisión fue muy acertada, pues Lanois entendió perfectamente ese carácter onírico que siempre había estado dentro de la cabeza de Peter, al tiempo que su interés por diferentes estilos y la música de diferentes países.
En cuanto a lo primero, la apertura del disco con ‘Red Rain’ no puede ser más significativa. Peter Gabriel había estado soñando de manera recurrente con una piscina llena de vino tinto, y con unas botellas con forma de personas, que saltaban desde un acantilado. «No hay sangre alrededor, ni señal de dolor», cantaba indicando que nos estaba narrando tan solo un sueño, como sugiere la producción, tan sumergida en aquellos 80 que a veces se pintaban irreales. También le inspiró un proyecto que él mismo pensaba realizar llamado ‘Mozo’, sobre un pueblo castigado por lluvia roja debido a sus pecados, y que ya había aparecido en sus primeras obras en solitario.
La canción emblema de este disco sería por supuesto ‘Sledgehammer’, ya solo por un premiado videoclip que resultaría pionero por su uso del stop-motion. Es el vídeo más pinchado de la historia de MTV. Fue, eso sí, la última adición al álbum, siendo una rara avis dentro del mismo por su carácter sexual y por su producción inspirada en la Motown y sobre todo en el sello Stax. El tema es una fantasía de trenes, aviones, abejas, frutas y otras formas fálicas. «Taladro», más que «mazo», podría ser su traducción en nuestros tiempos. «A veces el sexo puede romper barreras cuando otras formas de comunicación no han funcionado bien», solía defender, con muchísima razón.
En sonido, el artista pudo fichar a Wayne Yackson para liderar la sección de metales, tan característica de ‘Sledgehammer’. Y en 1986 la música no era ajena a las críticas tipo «apropiación cultural» e «imperialismo», de las cuales Peter Gabriel se defendía recordando que desde muy pequeño se había interesado por el soul, había formado una banda de versiones de R&B llamada Spoken Word, y había sido habitual en el Ram Jam Club de South London, fundamental en el desarrollo de la escena ska y R&B. «Creo que yo era el único blanco que había por allí. Y vi mi mejor concierto como espectador: Otis Redding cantando, Wayne Jackson a la trompeta. Fue ahí cuando conocí a mis ídolos».
Continuaba ya aquel año respondiendo a Spin: «A todos los músicos que tomamos ideas de otras culturas, nos acusan de imperialismo cultural. Hay cosas de los ritmos de Bob Diddley que he escuchado en patrones del Congo. Parte de lo que consideramos el rock’n’roll fundamental se originó en África. Es un proceso muy natural». El artista celebraba también que el público estuviera abrazando los experimentos de Echo and the Bunnymen con baterías de Burundi, o que Simple Minds se inspiraran en la ópera china. «Los cínicos del rock’n’roll dijeron que no habría audiencia para esto, que nos abuchearían y tirarían botellas y nada de eso ha pasado». Para cubrirse las espaldas, casi una década antes del hitazo ‘Seven Seconds’, el senegalés Youssou N’dour apareció en otro de los temas más populares de ‘So’, ‘In Your Eyes’, que siempre debió cerrar el disco, pero que en algunas ediciones primigenias aparecía a la mitad (su bajo, decían, no quedaba bien en medio del vinilo).
Mejor canción aún que ‘Sledgehammer’ era ‘Don’t Give Up’. Acreditada, como ‘Everybody Hurts’ de R.E.M., como una de esas composiciones que evitan suicidios, no es una simple canción de consuelo a un amigo, sino una canción de profundo carácter social. Muy indicativa de un disco en ocasiones muy político. La letra es así de explícita: «me he mudado a otra ciudad, he intentado por todos los medios asentarme, pero hay demasiados hombres por cada trabajo, demasiados hombres que nadie necesita». O también: «me enseñaron a pelear, y a ganar, nunca pensé que pudiera fallar».
Frente a toda esta frustración, la aparición de Kate Bush apresurando «no te rindas», es salvadora. Como curiosidad, Dolly Parton había rechazado ejercer esa función. Willie Nelson con Sinéad O’Connor, y Bono con Alicia Keys, son solo algunos de los muchos que han contribuido a fomentar tan bello mensaje en tiempos difíciles, como los correspondientes a Margaret Thatcher.
El esmero puesto en tan flotante y extraña producción, que hizo a algún despistado de Chicago Tribune, asegurar que en este disco no había «ningún tema tan asequible como ‘Biko'» (1980), no se va a ningún sitio en el resto de ‘So’. Otra de esas producciones que embelesan es la de la casi instrumental ‘We Do What We’re Told (Milgram’s 37)’, inspirada en el Experimento de Milgram, que trataba de probar si los ejecutores del nazismo podían haber actuado contra su propia voluntad (concluyendo que no). Atrapa tanto como la segunda parte de ‘Low’ de David Bowie, con tanta conciencia como los Pink Floyd de ‘The Wall’.
El mismo carácter nocturno lo encontramos en la mencionada ‘Mercy Street’, el mencionado tema inspirado en el poema de Sexton ’45 Mercy Street’, que narrando un sueño no puede encajar mejor en la imaginería de Peter Gabriel. Igual de extraña resulta ‘This Is the Picture (Excellent Birds)’, una colaboración experimental con Laurie Anderson, que ella ya había incluido en otra versión en su disco ‘Mister Heartbreak’ (1984), y que durante un tiempo fue solo un bonus track. Te gustará si te gusta la posterior pasión por la fauna y flora de Björk.
Otros temas son más inmediatos -aunque bastante lejos de los dos mejores-, como ‘That Voice Again’ o ‘Big Time’, poniendo en relieve que Peter Gabriel en verdad lo que quería era hacer un trabajo pop en este caso. «Aunque a mi manera», puntualizaba. Lo que implicó por ejemplo que el bajista Tony Levin colocara un pañal detrás de las cuerdas de su instrumento para amortiguar el sonido en ‘Don’t Give Up’. O que el guitarrista David Rhodes duplicara guitarras en «Milgram’s 37». La extraña percusión de ‘Big Time’ se logró con Tony tocando solo trastes de bajo mientras Jerry Marotta golpeaba cuerdas con sus baquetas. Inspirado por el batería de los años 40 Gene Krupa, Levin patentaría después los «funk fingers«, llevando sus demostraciones a la era Youtube.
Desde el estudio bucólico de la «Casa Ashcombe» en Somerset en que había trabajado otros discos antes de ya larguísimos parones, Peter Gabriel aunó inspiraciones tan dispares como la Sagrada Familia de Gaudí y un viaje a Senegal para realizar pistas como ‘In Your Eyes’. Supuestamente dedicada a Rosanna Arquette, con quien mantuvo una relación en la época, juega con su dedicación a la espiritualidad y a la religión, algo según sus propias palabras habitual en las canciones de amor senegalesas. A todo este entramado de ideas, decidió darle esta vez una portada en blanco y negro, de foto nítida y sencilla, con mirada fija pero inofensiva a la cámara, que no diera miedo «a las mujeres». Peter Saville, que había trabajado en icónicas portadas de New Order, tenía lo siguiente en mente, adivinando cómo se recordaría el disco: «contemporáneo, joven pero adulto, maduro».
PUTOCHINOMARICÓN es lo más votado tanto en JENESAISPOP como en la segunda ronda de Twitter. ‘tu padre es un facha y tu madre una terf’, de su nuevo disco paródico ‘pasadas de moda’, el mejor desde su debut, es por tanto número 1 en nuestra web. Es la primera vez que lo consigue. La semana en que os presentamos ‘Gente de mierda’ preferisteis votar por Javiera Mena y Lorde.
Otras entradas en el top 10 son las de Sistema Nervioso, Amatria y Xoel López. En el top 20 hallamos Isabella Lovestory con Villano Antillano y a Sanisidro, y más abajo el remix de cassö, The Last Dinner Party, The South Hill Experiment y Emily Burns.
‘La sociedad de la nieve’, ‘Maestro’, ‘Nyad’, ‘Rustin’… Como es habitual en Netflix, las últimas semanas del año las dedica a sacar toda su artillería pesada, los títulos más esperados y “oscarizables”. No por casualidad, todos los mencionados han recibido nominaciones a los Globos de Oro. Curiosamente, su mejor película de 2023, la extraordinaria ‘El asesino’, ha sido completamente ignorada en los premios (la ausencia de Fincher como mejor director es tan incomprensible como la de ‘Poker Face’ como mejor serie de comedia).
‘Dejar el mundo atrás’ era una de las películas más esperadas de su catálogo. Por el libro de Rumaan Alam (Salamandra, 2021), que fue un exitazo en EEUU; por su director, Sam Esmail, autor de ‘Mr. Robot’ y ‘Homecoming’; por sus productores, el matrimonio Obama; y por su potente reparto: Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha’la Herrold, Kevin Bacon… ¿Ha cumplido las expectativas?
Lo mejor de ‘Dejar el mundo atrás’
1. El fin del mundo desde los Hamptons. Ni aliens, ni zombis, ni catástrofes naturales. Tampoco políticos remangados, militares hipermotivados o héroes anónimos. El apocalipsis según Esmail (y Rumaan Alam) son dos familias bebiendo vino en un casoplón en un clima de inquietud, extrañeza y desconfianza. Un drama íntimo y existencial, con ecos del cine de burgueses de Haneke, más enfocado en la reflexión que en la acción. La película funciona muy bien como generador de debates y representación de los miedos, miserias y dilemas de las sociedades occidentales.
2. La puesta en escena: entre Shyamalan y un piloto de dron borracho. La cámara de Esmail da más vueltas que Bisbal en un concierto. Hay una acumulación de encuadres torcidos y planos cenitales que parecen más un ejercicio gimnástico que artístico. Sin embargo, conforme la acción avanza, adquieren significado. El director consigue crear una eficaz sensación de descontrol y desorientación, la representación formal de una realidad en plena desintegración, de un mundo que se está poniendo del revés. Esta decisión estilística, unida a una concepción del suspense heredera de Shyamalan con algunos toques de Jordan Peele, da como resultado un thriller apocalíptico-paranoico muy atractivo e interesante.
3. La secuencia de los Tesla. Y que Elon Musk, según lo que ha escrito en su red social (“Teslas can charge from solar panels even if the world goes fully Mad Max and there is no more gasoline!”), no se haya enterado de qué va esa escena.
Lo peor de ‘Dejar el mundo atrás’
1. Los subrayados verbales. Hay partes de la película que parecen una mala obra de teatro. Personajes que más que dialogar entre ellos, da la sensación de que están hablando al espectador, explicándonos de forma poco sutil, casi aleccionadora, lo que nos espera si seguimos así.
2. La metáfora de los animales. Sobre todo el abuso de las escenas con ciervos. Si actuaran así por alguna anomalía medioambiental, tendría un pase. Pero si, como parece, se utilizan como señal de advertencia ¿divina?, incluso, estirando el hilo interpretativo, como forma de reforzar el discurso del filme (jugando con la idea de que somos menos vulnerables en manada), como alegoría no está muy lograda.
3. Lo inverosímil de la premisa inicial. No voy a desvelar demasiado. Solo dejo una pregunta: ¿de verdad alguien que tiene una mansión como esa, en la zona más pija de Nueva York (y del mundo), tiene necesidad de alquilarla a precio de familia de clase media de Brooklyn?
Arcade Fire sigue confirmando nuevos conciertos en nuestro país para el año que viene. Si bien hace unas semanas conocíamos que eran cabezas de cartel en el Bilbao BBK Live, ahora el Icónica Sevilla Fest los confirma para su próxima edición.
El grupo se recorrerá norte y sur de nuestro país en tan solo dos días. Al concierto que darán en Kobetamendi el 11 de julio de 2024 le seguirá el concierto en la localidad sevillana el 12 de julio. Su actuación, además, tendrá lugar en la Plaza de España de la ciudad.
Las entradas saldrán a la venta a las 12:00h del próximo lunes 18 de diciembre a través de iconicafest.com. Jamie Cullum, Siempre Así, Take That, Marc Anthony, Tom Jones, Loreena McKennit, Vetusta Morla y Keane son otros de los nombres confirmados como parte del cartel del ciclo Icónica Sevilla Fest 2024, que se celebrará en diferentes días.
Desde que Måneskin ganara Eurovisión en 2021, el grupo se ha convertido en uno de los mayores referentes de rock de la actualidad. Sin embargo, quizás pronto veamos cómo algunos miembros de la banda empiezan a hacer música por su cuenta. El primero que se ha abierto a ello es Damiano en una entrevista para Allison Hagendorf Show.
El vocalista del grupo ha dejado abierta la posibilidad a embarcarse en un proyecto en solitario: «¿Por qué no? Creo que puede ser algo muy sano y algo muy destructivo. Lo único que importa es que te pongas de acuerdo con la banda, porque la banda siempre va a ser lo que me ha dado todo lo que tengo». El artista ha confesado que, si «alguna vez» tiene la «oportunidad de hacer un proyecto en solitario», tendrá en mente que es «gracias» a lo que hizo con «la banda».
«Creo que el arte debería consistir en probar siempre cosas nuevas y nunca detenerte en tu zona de confort. Cuando algo se vuelve demasiado cómodo, significa que no es el asiento adecuado», comenta Damiano. «Siempre tienes que desafiarte a ti mismo. Así que si estar solo me asusta, estemos solos. Pongámonos en esa situación incómoda porque es el único entorno en el que puedo crecer de verdad. Y si yo crezco, mi banda puede crecer. Si dejo de desarrollarme, mi banda dejará de desarrollarse», sentencia.
Aunque aún no sepa qué será lo que le depare el futuro, Damiano refuerza el sentimiento de unión de Måneskin: «Son tres personas que siempre me apoyaron y siempre me cubrieron las espaldas en el escenario respaldándome. Y siempre tuve el escudo de mi banda, mis músicos. Si la cago, ellos me salvan. Si ellos la cagan, yo los salvo a ellos».
Patti Smith se encuentra en reposo tras su inespero ingreso en el hospital hace unos días. La artista, que se encontraba en Italia para unos conciertos, tuvo que cancelarlos por motivos de salud según informaron los medios locales.
«Estoy en reposo, como ordenó el médico, agradecida de haber tenido esos cuidados, aunque siendo dolorosamente consciente de que muchos no son tan afortunados», escribió Smith en Instagram horas después de que se diese la noticia de su alta. «Esto es para agradecer a todos en el hospital por su ayuda y asesoramiento», dice también el mensaje, que la artista acompaña de una imagen de ella acompañada de los médicos que la atendieron.
Los medios de comunicación italianos informaron de que Smith fue trasladada el martes al Hospital Maggiore debido a una «enfermedad repentina» que provocó la cancelación del concierto que tenía previsto ofrecer esa noche en el Teatro Duse de Bolonia. Asimismo, también se vio obligada a cancelar el que tenía programado en el Teatro Malibran de Venecia anoche.
«Siento mucho que hayamos tenido que cancelar los conciertos de Bolonia y Venecia. Volveré para cumplir con mis felices obligaciones», escribió Patti Smith en su publicación de Instagram. «Quiero agradecer a todos por enviar mensajes de amor y preocupación», añadió.
No se sentiría como una verdadera semana de lanzamiento de Nicki Minaj si no hubiera polémicas girando alrededor de la rapera. Así que, apenas unos días después del lanzamiento de ‘Pink Friday 2’, la artista no solo ha sido acusada de posponer el nuevo álbum de Kanye West, sino que también ha despotricado abiertamente de Billboard.
En cuanto a lo primero, se suponía que Kanye West iba a sacar este viernes el disco colaborativo ‘Vultures’ junto a Ty Dolla $ign. En el tracklist se encontraba ‘New Body’, un tema que data de 2018 y en el que también participa Nicki Minaj. Poco después de que diera la medianoche y se confirmara que West no había lanzado el álbum, publicó una captura de pantalla en Instagram en la que se podía leer el mensaje que había enviado a Minaj: «¿Puedo llamarte para meter ‘New Body’ en el nuevo disco?».
Más tarde, la rapera hizo un directo en la misma plataforma en la que pudo hablar con algunos de sus fans, respondiendo así a uno que le preguntaba directamente por la canción con Kanye West: «Ese tren ya ha pasado, ¿vale? Sin faltar el respeto. Acabo de sacar un nuevo álbum. ¿Por qué iba a sacar una canción que lleva ya publicada 3 años? Anda ya, chicos». West respondió luego: «Hice que esa chica reescribiera 3 veces su estrofa para ‘Monster’. Apoyé su carrera. Así que no sé lo que pasa».
En cuanto a la segunda polémica, quizás tengamos continuación del drama el próximo domingo. La rapera ha mostrado su descontento en X, antes Twitter, con respecto a una decisión tomada por Billboard, la principal fuente de listas de éxitos en Estados Unidos. «Billboard se ha puesto en contacto conmigo para decirme que me van a quitar ventas por contaros lo de los 100 Barbz». Lo de «los 100 Barbz» es un concurso en el que cualquier fan de la artista puede participar publicando una foto que demuestre que ha comprado las 4 versiones de su álbum. De entre todos ellos, Minaj elegirá a 100 para que la conozcan en su propio estudio.
Según ha confirmado la rapera en un tuit ahora eliminado, Billboard descontará hasta 100.000 ventas de las 300.000 que había generado ‘Pink Friday 2’. Las predicciones, sin embargo, ya situaban un debut de en torno las 200.000 ventas. «Me están castigando por no firmar un 360, hacer buena música, tener grandes fans y por no abandonar mi carrera para que sus nuevas Nicki (que firmaron contratos 360) puedan ser impulsadas y parezca que tienen mucho más éxito del que realmente tienen», ha escrito en X.
Kanye West speaks on Nicki Minaj not clearing “New Body”:
“I made that girl rewrite her verse 3 times for “Monster.” I supported her career. So I don’t know what it is.” pic.twitter.com/gIamSCBr36
Nicki Minaj says her album ‘Pink Friday 2’ has already sold 300k units in its debut week but Billboard is planning on filtering out 100k. pic.twitter.com/99grcbTRjo
El ciclo Escenarios Madrid de Vibra Mahou continuará dejando en la ciudad conciertos de pop, rock, jazz, blues o soul durante las próximas semanas.
Entre las citas de esta quincena destacamos dos: el sábado 16 de diciembre Papa Topo estarán actuando en el Café La Palma. El grupo está de actualidad por su aparición estelar en ‘La Mesías’ adaptando su viejo hit ‘Sangre en los zapatos’ a los cánones religiosos de la serie. Y también por haber adelantado su nuevo disco con un tema llamado ‘Dime mentiras’ que ha calado especialmente entre nuestro público. La entrada anticipada por 12 euros está disponible aquí.
Los Saxos del Averno también actuarán el 16 de diciembre, y ya la semana que viene será el turno de Grises. El grupo se está despidiendo con una gira y su paso por Madrid será el día 22 en Independance Club. Las entradas para este show están disponibles en WeGow también por 12 euros.
El grupo explicaba así su despedida a finales de 2022: «Todo llega a su fin y el fin de Grises ha llegado. Han sido veinte años tocando juntos, once desde la salida de nuestro primer disco “El hombre bolígrafo”. Veinte años increíbles de nuestras vidas: seis discos y cientos de conciertos en varios continentes, un millón de experiencias y miles de sueños cumplidos gracias a Grises. Hemos conocido a muchísima gente y hemos vivido experiencias inolvidables juntos. ¡Ha sido brutal!».
Grises aparecieron en nuestra lista de las mejores canciones de 2018 con ‘Comida para insectos’. Con ella y su hit ‘Animal’ os dejamos.
Damon Albarn ha protagonizado una de las polémicas de los últimos días, al cuestionar el buen gusto de los Rolling Stones para el vídeo de ‘Angry’ y al criticar la ausencia de versatilidad en el catálogo de Mick Jagger y Keith Richards. Con toda la razón que pueda tener, con las cifras sobre la mesa, hay quien podrá argüir que lo que tiene Albarn es un poco de envidia. El último disco de Gorillaz ha sido un fracaso. El de Blur, también. Y el de los Rolling no es que se esté vendiendo como rosquillas, pero desde luego sí conserva un público que les está manteniendo en las listas internacionales al menos hasta Navidad. Lo detallamos.
‘Hackney Diamonds’ fue número 1 en su semana de salida en Reino Unido, Australia, Francia, Alemania, Argentina, Bélgica, Dinamarca, Holanda, Noruega y Portugal, entre otros territorios. Además, fue número 2 en España e Italia y número 3 en Estados Unidos. Pero lo bueno no es todo esto, sino cómo se ha mantenido el álbum durante las semanas siguientes y aún hasta hoy.
Casi 2 meses después de su edición, el disco de los Rolling continúa en el top 5 en Reino Unido y Alemania, en el número 12 en Italia, en el número 2 en Holanda… Incluso en el absurdo Billboard 200, tomado por el streaming de hits sueltos y las playlists de Spotify, el primer disco de los Rolling en 28 años logra mantenerse en el puesto 136. Y ojo, en el top 20 de ventas.
Esto supone que el álbum ya ha recogido el disco de oro en territorios tan potentes como Reino Unido, Holanda, Alemania o Francia. Según las estimaciones del portal Mediatraffic sus ventas estaban en 850.000 unidades hace unos días. Despachando aún 50.000 copias a la semana y con la Navidad por delante, ‘Hackney Diamonds’ cerrará el año en torno al millón de unidades. Todo un mérito para un disco de rock y en los tiempos en que llegar a esta cifra es muy difícil, ¿verdad, Madonna, Bruce Springsteen, Bob Dylan, Depeche Mode?
La edad de su público, las colaboraciones llamativas con Paul McCartney, Stevie Wonder y Lady Gaga, más el hecho de que hayan editado un vídeo a diferencia de Blur, estarían entre las claves del éxito, al margen de la calidad del álbum.
Flops
Nada de esto ha sucedido con Blur, que siguen llenándote un estadio en UK, y convocando a miles en festivales (en Primavera Sound Madrid aún se recuerda el drama de que sus fans no cupieran en La Riviera en un día de lluvia), pero no han conseguido llevar a su público a las tiendas a comprar su primer disco en 8 años, ‘The Ballad of Darren‘. Ni siquiera con un single tan apañado como ‘The Narcissist’. El disco de Blur fue número 1 en UK e Irlanda, entró bien en Alemania y Dinamarca (top 3), Francia (top 4) y Holanda (top 5). Incluso llegó al número 7 en España e Italia. Peor fue el dato de Estados Unidos, donde nunca lo terminaron de petar (puesto 94 esta vez), aunque lo malo de verdad es que el disco no ha tenido longevidad en ningún territorio.
Si al menos hubieran conservado el público británico, como Depeche Mode conservan el alemán, podríamos no hablar de fracaso, pero no ha sido el caso. La OCC nos muestra que ‘The Ballad of Darren’ solo aguantó 5 semanas en el top 100 británico, empeorando el dato del disco anterior, que ya era malo (13 semanas para ‘The Magic Whip’), y haciendo parecer que las 119 semanas que ‘Parklife’ estuvo en lista, fueron un sueño.
Con una certificación de plata (60.000 copias) en Reino Unido, y ninguna fuera de su país, podemos concluir que Blur han vendido una décima parte que los Rolling Stones con su disco de este año.
Evanescence visitará España el próximo año. La banda, conocida sobre todo por sus éxitos de los 2000, hará una única fecha en el país, que tendrá lugar en ALMA Festival Madrid el 14 de junio.
La banda de Amy Lee se completa actualmente con cinco miembros: Troy McLawhorn, Will Hunt, Tim McCord y Emma Anzai. Su último proyecto, lanzado el pasado mes de noviembre, ha sido la edición deluxe de ‘Fallen’, compuesta por canciones remasterizadas, versiones en directo o demos.
De esta forma, Evanescence se une a Deep Purple, Jamie Cullum y Valeria Castro como las primeras confirmaciones para la primera edición de ALMA Festival Madrid, que se celebrará en el parque Enrique Tierno Galván del 30 de mayo al 17 de junio de 2024.
Todas las entradas ya están disponibles en la web del festival, salvo las de Evanescence, cuya preventa privada será el martes 19 de diciembre a las 12h, y la venta oficial el miércoles 20 a las 12h en la web de ALMA Festival Madrid.
Hablas de letras “existencialistas”, aludes al “desencanto” de una “generación perdida”, y citas a Joy Division y a Crystal Castles, y ya tienes la receta para escribir la crítica de un disco de post-punk. En todo lo necesario que es que los grupos expresen por la vía de este sonido la angustia inherente a la experiencia de la vida moderna, muchos pueden caer tanto en el cliché como las críticas que los analizan.
No es el caso de VVV [Trippin’you], un grupo que ni cumpliendo con todos los tics esperados del post-punk y de sus géneros derivados (lo suyo cae más bien en el paraguas del synth-punk) parece capaz de publicar un mal disco. ‘Turboviolencia’, publicado en 2021, ya supuso su consolidación en términos de popularidad pero también de evolución creativa, y sus directos eran -y siguen siendo- apabullantes.
‘Vaciador’ puede ser el mejor disco de VVV [Trippin’you] hasta la fecha. Y la razón principal es que Adrián Bremner, Elinor Almenara y Salvador Urbaneja se han vuelto a preocupar por enriquecer su discurso de manera muy personal e interesante.
El título de ‘Vaciador’ es un homenaje a Vaciador 34, el centro cultural autosugestionado de Madrid que tras la pandemia cayó a los brazos del capitalismo salvaje, convirtiéndose en un complejo de oficinas. Las letras de ‘Vaciador’, sin embargo, no se conforman con criticar el capitalismo sin más. Qué aburrida habría sido esa propuesta a estas alturas. Sus historias concretan en personajes con “ojos vidriosos” que bailan en la discoteca “con una pena que ocultar”. Esto cuando no se entretienen explorando referencias mucho más profundas e intelectuales.
Crystal Castles -ya estamos- pueden ser una influencia obvia en ‘Zugzwang’ por el tipo de sintetizadores usados, no tanto por su título extraído de una posición del ajedrez que consiste en hacer que el rival realice un movimiento que le perjudique a sí mismo. ‘El ángel de la historia’ demuestra que es posible crear un trallazo de hardcore tecno sampleando ‘Cowboy Bebop’ y evocando la teoría de la historia de Walter Benjamin. Hasta el posible homenaje a The KLF llamado ‘KLF’ no suena a lo que esperas: es una de las producciones de VVV [Trippin’you] más extremas.
Es de agradecer que un grupo, a través de sus letras o videoclips, invite a descubrir sus referencias, cree un imaginario. Un sample de ‘Crashing Down from the Sky’ de Nikki Stanely, una canción que no sabías que existía, de repente parece una decisión increíble, sobre todo insertada dentro de un trallazo desolador que describe crudamente a “una amiga que se intenta matar, un amigo que no sale del bar” o a “uno que folla solo si hace cristal”. A lo largo del disco, los ritmos feroces del drum n’ bass se encargan de crear rupturas inesperadas en el camino, pero nunca suenan impostadas, sino que reflejan la misma desesperación impresa en las letras.
Aunque también invitan a la liberación, por supuesto. Las canciones de ‘Vaciador’ no renuncian a ese objetivo en absoluto. ‘Hikutsu’ es otro de sus trallazos, un asedio industrial como pocos. “Si no existe el infierno, el día que muera tendrán que inventarlo” suena misteriosamente a una maravillosa invitación. ‘Rush’ es pura distopía sonora, solo que VVV [Trippin’you] te vuelven a sorprender de nuevo entregando un homenaje al Popper mucho más literal que el de Troye Sivan: “Soy un puto somelier de los poppers / Un auténtico connoisseur”, se escucha decir a uno de sus integrantes. Y ‘La Grieta’ invoca una liberación mucho más emocional, emotiva, desgarradora.
Esa capacidad para darle la vuelta a los tópicos del post-punk hace a VVV [Trippin’you] You superarse en ‘Bellver’, donde un riff de sintetizador engañosamente alegre decora una letra que habla de un “genocidio en los años noventa” o menciona la guerra de manera general, resultando tristemente relevante hoy; pero también de un “un centro de drogodependencia” que su narrador conoce de primera mano, pero que no ha sido capaz de “solucionar” su “problema”. El disco acaba con el breve instrumental de ‘Ctrl + Alt + Supr’, pero no le hagas mucho caso: el disco invita más bien al «repeat».
Daniela Costa, actriz conocida por su papel de Alejandra Agustín en la serie ‘Al salir de clase’, ha muerto a los 42 años de edad. El actor Miguel Angel Muñoz, quien fuera compañero de reparto de Daniela en ‘Mis adorables vecinos’, ha comunicado la triste noticia en Instagram: «No doy crédito con la vida. Mi más sentido pésame a toda su familia y amigos más cercanos». Muñoz ha recordado que Costa y él «nos lo pasamos muy bien haciendo ‘Mis adorables vecinos’ juntos».
Además de ‘Al salir de clase’ o ‘Mis adorables vecinos’, Costa destacó con otros papeles televisivos en ‘Hospital Central’ o ‘Lalola’, aunque sus primeros pasos en el mundo de la interpretación los dio en el cine, en películas como ‘No se puede teneer todo’ o ‘Me llamo Sara’. Su primer papel lo logró en un largometraje, ‘Subjúdice’, poco antes de dar el salto a la televisión y triunfar con ‘Al salir de clase’.
Entre los últimos trabajos de Costa se encuentran películas de autor como ‘Caleidoscopio’, si bien ella llevaba tiempo retirada de la interpretación, y se dedicaba a dirigir eventos artísticos en Barcelona, la ciudad que la había visto nacer.
Madrid Popfest celebrará su 12ª edición el fin de semana del 1 y 2 de marzo de 2024 en la sala Galileo Galilei de Madrid. La filosofía original del festival, fundamentada en la autogestión y la ética DIY, sigue siendo su esencia.
El primer avance del cartel de Madrid Popfest descubre, como ha sido habitual, varios nombres internacionales. Es el caso de la banda británica de noise pop Comet Gain, el grupo escocés de «butch synth pop» Brenda y la formación de indie-pop de San Francisco The Umbrella y el solista Milky Wimpshake, que, desde Newcastle, practica una mezcla de punk el indie pop.
En cuanto a las confirmaciones nacionales, poca presentación necesitan los barceloneses Doble Pletina, últimamente autores de una película y de su banda sonora. También están anunciados la banda de jangle-pop bilbaína Lava Rosa, el shoegaze de Las Retamas, de Madrid, y los adorables dalsi, de Galicia.
Madrid Popfest informa que la fiesta de presentación del festival, programada para el próximo 27 de enero en la sala Galileo Galilei, contará con la actuación de los británicos Heavenly, tras más de dos décadas sin pisar Madrid. Los ingleses Would-be-goods están asimismo confirmados, así como el barcelonés Neoleonard, dentro de este programa especial.
Las entradas a Madrid Popfest están «a punto de agotarse», informa el festival. Los abonos están disponibles en DICE por 40 euros.
Lola Indigo publica nuevo epé, ‘GRX’, en el que colabora exclusivamente con artistas que, como ella, provienen de Granada. DELLAFUENTE, Saiko o Pepe y Vizio se encuentran en el elenco de artistas granaínos invitados al nuevo proyecto de la autora de ‘EL DRAGÓN‘, aunque parece que el tema de Saiko no saldrá hasta 2024.
Otra de las estrellas invitadas es La Zowi. Mimi y La Reina del Sur entregan ‘Yo tengo un novio’, una canción increíble por exactamente dos motivos. El primero es que ‘Yo tengo un novio’ es a todas luces una canción respuesta a ‘Tití me preguntó’, la lista de novias interminable de Bad Bunny. El segundo es que es igual de divertida que esa… o más.
¿Cuántas cosas pueden pasar en una canción que no llega a los tres minutos? Ese era el reto que parecía ponerse Lola Indigo en ‘La Santa’, una de las mejores canciones de 2023. En ‘Yo tengo un novio’ va más allá pasando del reguetón al club, pero dejando un sinfín de caramelos por el camino. Lo mismo te invoca a Los Ángeles Azules, que a Hannah Montana, que te mete un efecto de somier como el de ‘Mi cama’ de Karol G.
Eso por no hablar del efecto «bling» que aparece en ‘Yo tengo un novio’ (similar al de ‘Kiss Me More’ de Doja Cat y SZA) cuando La Zowi canta que ella tiene un novio al que le «saca los cuartos», cuando no se entretiene con otro que, sí, le «come el coño». Lola Indigo tiene un novio para «cada día de la semana», uno «la tiene chica, el otro mediana», canta. Eso sí, parece feliz con un «gringo» que la tiene «doblá como el cuello de un flamingo». Bingo.
Y, como para asegurarse de que ningún DJ se olvida de pinchar ‘Yo tengo un novio’, la canción pone el turbo en el tramo final metiendo un beat de house, con el que los productores Tunvao y GARABATTO se vuelven ya locos «choppeando» la frase «tengo un novio que me come el coño, que me come el coño, que me come el coño, que me agarra el moño, que me agarra el moño». Ganas de bailar esto, la verdad.
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Nada de esto ha sucedido con Blur, que siguen llenándote un estadio en UK, y convocando a miles en festivales (en Primavera Sound Madrid aún se recuerda el drama de que sus fans no cupieran en La Riviera en un día de lluvia), pero no han conseguido llevar a su público a las tiendas a comprar su primer disco en 8 años, ‘
