Carlos Baute y Marta Sánchez lanzaron ‘Colgando en tus manos’ hace 15 años, alcanzando el número 1 en las listas españolas y convirtiéndose en la canción más exitosa de ambos artistas. No solo es un himno, sino que también sirve para calmar los nervios a los pasajeros de un avión.
El inolvidable dueto sonó a 10.000 metros de altura, en un vuelo en el que iban ambos cantantes y que sufrió unas inesperadas turbulencias. Tras el susto, el equipo a bordo pensó que sería buena idea pedir a Sánchez y Baute si podían relajar los ánimos de los pasajeros con música, tal y como muestra un vídeo en redes: «Tenemos la suerte de llevar dos grandes cantantes a bordo para amenizarles con una canción», comunicó una de las azafatas a través de los altavoces.
Carlos Baute, guitarra en mano, le deseó un «feliz viaje» a los presentes y comenzó a tocar los acordes del conocido tema junto a Marta Sánchez. Inmediatamente, la mayoría de los pasajeros se pusieron a capturar el improbable momentazo en vídeo. Entre estos, Teresa Ribera, la ministra de Transición Ecológica. Baute también lo inmortalizó en sus redes sociales, describiendo la situación como «algo muy loco»: «Marta y yo nos miramos y dijimos: ¿Por qué no?», escribió el venezolano en su post.
«Sólo 24 y con una propiedad / porque un día me cagué y me salió un tema viral» puede ser la rima del año. Con los precios de los alquileres disparados, y el porcentaje de jóvenes propietarios en España a la baja, LVL1 nos cuenta que su realidad es diferente, en uno de los varios pepinazos incluidos en su debut oficial, ‘PLAY’. Para que luego digan que de la música no se vive.
Hablando en serio, la música siendo un sector precario para la mayoría, por mucho que te marques un viral que sale hasta en Rolling Stone, y LVL1 no deja de reconocer que la repercusión lograda por ‘FVN!’ se ha debido, en parte, a la suerte. «No me quito mérito cuando la mierda es mía», apunta, no obstante, en ‘K1EN’, consciente de que el éxito tampoco le ha caído del cielo: elle se lo ha currado.
No es difícil adivinar la razón por la que ‘FVN!’ ha calado hasta sumar 40 millones de reproducciones en Spotify: su sonido de house-rap, que remite al de ‘1991’ de Azealia Banks, y su divertida letra «kat-kitty-kitty-cat» captan la atención desde el segundo cero. Además, LVL1 se ha ganado con él un considerable público entre los fans del hyperpop y la PC Music, un universo musical al que Luli se adscribe directamente colaborando con Danny L. Harle (en un remix de ‘FVN!) o con EASYFUN, que produce el electroclash de ‘CO1N’, otro de los éxitos del disco.
La guinda del pastel la pone ‘PLAY’, un trabajo de ocho pistas en el que LVL1 nos cuenta la historia de su vida «desde que se viraliza mi primer single hasta que compongo la última canción del disco». ‘PLAY’ también demuestra que la relación de LVL1 con el hyperpop es tangencial: su mirada está puesta en los clubs. ‘LVCKY’ puede contar con la colaboración de Rakky Ripper, pero en realidad es un banger de house que podría haber salido de la mano de COBRAH. Sin ir más lejos, ‘FAMOVZ’ -una co-producción de Baauer- abre el disco con un beat de freestlye que luego evoluciona hacia el house de los noventa.
Es la estética de ‘PLAY’ la que impide que el álbum caiga demasiado en la nostalgia. El pepinazo de ‘DERR1TETE’, tan divertido como ‘FVN!’, contiene esa pátina «glossy» y futurista de la PC Music en la producción, pero la base ravera nos lleva más bien a la obra de Die Antwoord, pues incorpora, de hecho, una referencia a ‘I FINK U FREEKY’ nada velada. Y ‘TRVZT’ recupera el «eurodance a lo Inna» para llevarlo a nuestro tiempo, con una melodía que Sharonne podría haber hecho suya de haber decidido llevar a Benidorm Fest algo menos viejuno.
Con apenas ocho pistas, a ‘PLAY’ no le da tiempo a decaer, y se guarda una sorpresa para el tramo final con el bombazo de ‘GOBL1N’, que sí nos lleva a los momentos más radicales y extremos de la PC Music. Su beat de caceroladas no habría asustado a SOPHIE… pero casi. ‘PLAY’ demuestra que, más allá de la «lotería» que le tocó con un tema viral, LVL1 tenía otros ases en la manga.
Desde Jaén, Los Mejillones Tigre han publicado un segundo disco muy divertido y lleno de canciones carismáticas, muy identificables, que están haciendo de su gira un éxito, como prueba su reciente «sold out» en Madrid. Al grupo parece darle igual la cumbia que la psicodelia que el garage o la guajira y así lo manifiestan en su nuevo trabajo ‘El Fuego’.
Un largo que van a presentar un varias comunidades autónomas ajenas a la propia como parte del ciclo Girando Por Salas, comenzando este mismo sábado 11 de marzo en Alicante, así como en otros espacios de la geografía española, en el que tiene que ser su año definitivamente.
Y es que cada una de las 10 canciones incluidas en ‘El Fuego’ es digna de algún tipo de comentario. «La NASA robó mis discos de cumbia» es una de las frases que hemos oído en ‘La cumbia es el nuevo punk’. El ritmazo de ’40 grados (o más)’ es en principio más bien funk. Lo mismo recuerdan a Tame Impala que a Los Brincos, en composiciones como ‘Radiación’. Esta ideal para todo aquel que ame a alguien, pero no lo suficiente como para escuchar Audios de WhatsApp.
Y entre singles como ‘La fábula del promotor y el trovador’ o la propia canción que les da nombre, ‘Mejillón tigre’, hay que rescatar una de sus varias guajiras. ‘Sunday guajira’ tiene que ser esa composición que cambie nuestra angustia existencial de los domingos para siempre, entre cafés y cigarros a lo ‘Un buen día’, y con ese propósito tan decidido que nos recuerda que querer es poder. «Todo es perfecto, no me pienso deprimir».
Los Mejillones Tigre presentarán estas nuevas canciones junto a algunas de su debut ‘Tropical y Salvaje’ (seguro que no faltan ‘La avioneta’ ni ‘Apocalipsis Zombie’), en una gira que como decimos recorrará todo el país:
MARZO:
11 marzo – Alicante, Sala Stereo (GIRANDO POR SALAS)
17 marzo – Córdoba, Ambigú Arxequia
18 marzo – Sevilla, Sala X
25 marzo –Jaén – Alameda Sound
ABRIL:
14 abril – Valencia, Rock City (GIRANDO POR SALAS)
28 abril – Huesca, Sala Edén (GIRANDO POR SALAS)
29 abril – Barcelona, Sala Wolf (GIRANDO POR SALAS)
MAYO:
5 mayo– A Coruña, Mardi Gras
6 mayo– Pontevedra, Sala Karma (GIRANDO POR SALAS)
12 mayo – Mahón, Es Claustre (GIRANDO POR SALAS)
13 mayo – Palma de Mallorca, Es Gremi Club
19 mayo – Murcia, La Yesería
25 mayo – Madrid, Sala Maravillas (GIRANDO POR SALAS)
JUNIO:
3 junio– Granada-Jardines de la Industrial Copera
JULIO
1 – La Nava (Huelva), Senderos de Música
Hoy llega al mercado ‘Endless Summer Vacation‘, el nuevo disco de Miley Cyrus. ‘Flowers’ abre la secuencia y será difícil que otro tema del disco iguale o incluso se acerque a su éxito, pues ha batido récords y sus escuchas diarias siguen siendo muy altas.
Pero Miley no desiste y, con el lanzamiento del disco, presenta videoclip para otro de sus cortes, confirmando el segundo single. ‘River’ es su apuesta y es radicalmente diferente a la de ‘Flowers’, pues opta por un sonido de electropop que nos lleva a tiempos no tan lejanos.
Cuenta Miley en las historias de Spotify que ‘River’ nace de una mala época en su vida, un bache que decide remediar montando una fiesta con sus amigues. En esta fiesta la cantante estadounidense establece una regla: «cada amiga debe traer a su amigo gay, si no, no puede entrar».
Miley añade: «estábamos escuchando a Diana Ross, Whitney, Lindsay, Paris, Britney, a todas las leyendas». Y ‘River’ no tiene nada de Diana ni Whitney, pero sí mucho de la música que las Tres Marías hacían por aquel entonces. Aún con evidentes matices acid en la producción, ‘River’ no habría desentonado en el contexto del pop de 2006: pienso en ‘Dignify’ de Hilary Duff, en ‘Bossy’ de Lindsay, en el disco de Paris, en general a lo que se cocía poco antes del ‘Blackout’ de Britney y también poco después con las colaboraciones de RedOne con Lady Gaga o Jennifer Lopez. Es la época en que Miley se ponía alas en ‘Can’t Be Tamed’ y nos mostraba la primera de sus muchas evoluciones.
Aún con todas estas referencias, el vídeo de ‘River’ no se quita de ser aburridete, optando por el blanco y negro. Miley aparece alumbrada con un foco y termina «duchada» con esas «lluvias de abril» de las que habla en la canción, probablemente, la más gay de su carrera.
Bob Dylan ha anunciado una macrogira de 12 fechas en España. El cantautor estadounidense presentará su último disco, ‘Rough and Rowdy Ways‘, en ocho ciudades españolas, empezando por Madrid: los días 7 y 8 de junio estará en el festival Noches del Botánico.
Después, Dylan actuará en el Fibes Auditorium de Sevilla los días 10 y 11 de junio, el 13 de junio en el Teatro del Generalife de Granada, el 15 en la Plaza de Toros de Alicante, el 17 en la Plaza de Toros de Huesca, los días 19 y 20 en el Auditorio Kursaal de San Sebastián, y el 21 en el Palacio de los Deportes de La Rioja, en Logroño.
La gira de Dylan en España concluirá con otras dos fechas adicionales en el Teatre Liceu de Barcelona, los días 23 y 24 de junio.
Las entradas estarán a la venta a partir del próximo miércoles 15 de marzo a las 10:00 de la mañana, en la web de Bob Dylan y otros canales habituales.
Blanca Paloma ha estrenado el videoclip de ‘EAEA’, la canción que representará a España en Eurovisión (en torno a estas mismas fechas vimos por primera vez el vídeo de ‘SloMo‘ de Chanel). RTVE da detalles sobre el concepto del videoclip de ‘EAEA’, que ha dirigido Ángel Pastrana y producido la propia cadena.
El vídeo de ‘EAEA’ representa un trance, un «ritual entre mujeres» en la que estas «invocan a sus ancestros». Las velas, las cortinas, la coreografía y los juegos de luces y sombras simulan ese estado de hipnosis, mientras las sillas simbolizan la evolución artística de Blanca Paloma, que empezó a cantar sentada hasta que tuvo la «valentía» de hacerlo de pie.
Si te preguntabas dónde quedaba la yaya Carmen en todo esto, Blanca Paloma la ha representado en el videoclip de ‘EAEA’ a través de los estilismos. Especialmente los flecos que viste en el videoclip «representan un abrazo» que le da su abuela.
Visualmente bonito, elegante incluso, el vídeo de ‘EAEA’ quizá no hace crecer la canción como sí conseguía su espectacular directo presentado en Benidorm Fest: ¿puede ser una mezcla de ambos la actuación definitiva de ‘EAEA’?
A falta de conocer el resto de propuestas de Eurovisión 2023, por ahora las apuestas nos dicen que Suecia ganará a pesar de no contar con candidato oficial: se asume que Loreen volverá a representar al país escandinavo en el Festival de la Canción. Ucrania y Finlandia aparecen en segundo y tercer lugar en las apuestas de Eurovision World. Blanca Paloma va octava.
Hoy 10 de marzo es Día Miley Cyrus: sale su nuevo disco ‘Endless Summer Vacation’. No es la única que está de estreno: publican nuevo álbum también The Blaze, una Fever Ray que sigue sonando a The Knife para muy bien, Sleaford Mods y, en España, el grupo revelación Morreo saca su esperado segundo disco, Iván Ferreiro se protege en las ‘Trincheras pop’, y Nena Daconte publica su debut largo en Subterfuge.
Varios lanzamientos sueltos a comentar. Khalid se alía con PNAU para un nuevo single bailable, Meghan Trainor estrena su viral ‘Mother‘, Florence + the Machine versiona a No Doubt, Rels B saca tema, Calvin Harris se vuelve a juntar con Ellie Goulding y Tame Impala vuelve por la película de ‘Dragones y mazmorras’.
La semana ha venido cargada de novedades. Depeche Mode han sacado single sorpresa, Sen Senra ha dado el pistoletazo de salida a su nueva era, lo mismo ha hecho Róisín Murphy, Christine and the Queens les ha superado anunciado álbum triple, Azealia Banks ha dejado escuchar por fin ‘New Bottega’, Rufus Wainwright ha avanzado su disco de versiones…
Las novedades se han seguido acumulando en las últimas horas. Tenemos nuevo single de Renaldo i Clara, Angel Olsen ha anunciado EP, lo mismo ha hecho Queralt Lahoz, Mae Muller «ha escrito la canción» que representará a Reino Unido en Eurovisión, Lorena Álvarez ha vuelto con el primer anticipo de su nuevo proyecto, y hasta Robert Smith ha vuelto para remezclar a Noel Gallagher.
Además de todo esto hoy es posible escuchar novedades de María José Llergo, Cuco con The Marías, GAYLE, Emil et il, Grasias, Nation of Language, Xoel López, Peter Gabriel, El Columpio Asesino con Pucho de Vetusta Morla, Nia Archives, Meet Me & the Altar, Els Amics de les Arts con Eva Amaral, Becky G, The New Pornographers, Laura Pausini…
«Me interesan las historias detrás de los personajes». Esta frase de Ana Guerra, entre lágrimas debido a las muy poco originales historias de superación de los concursantes, viene a resumir ‘Cover Night’, el nuevo talent show que RTVE ha estrenado en torno a la medianoche de los jueves -ya sabéis que hace rato que no existe el primetime en España-.
El equipo de presentadores y jueces del formato no lucía tan mal. Presenta Ruth Lorenzo, y entre los jueces destaca el morbo de reencontrarnos con Miguel Bosé, suponemos que con el objetivo de hacernos olvidar su negacionismo como hemos necesitado olvidar por imperativo mental a la misma covid-19. Le acompañan Juan Magán, una Chanel con mucho por demostrar pese a su exitazo en Eurovisión (resituémonos: tiene 3 canciones en el mercado), y la infalible Mónica Naranjo. Entre los cuatro valoran si una lista interminable de unos seis mil concursantes a lo largo de 150 minutazos, versionan una canción bien o mal. Si les gusta, los meten en una cabina hasta la semana siguiente. Si no, les mandan a casa.
El exceso no es solo de número de concursantes, sino de caras conocidas. Es bastante extraño poner a presentar el programa a Ruth Lorenzo, y no a Mónica Naranjo: básicamente esta hace lo que le da la gana como si el show fuera suyo. En un momento incluso se levanta para terminar ‘En el punto de partida’ de Rocío Jurado para indicar a una concursante a la que no ha aprobado cómo se hace. A otro le dice que tiene cara de trabajar en «una biblioteca o en una tienda de electrónica» y no de músico. Chanel, incapaz de rechazar a casi nadie ni apenas decir media palabra medio negativa, suele buscarla en busca de aprobación.
Más curtido en la industria, Juan Magán apenas deja más que una anécdota cuando se derrite en elogios frente a una versión ‘Creep’, y misteriosamente Mónica Naranjo y Miguel Bosé se suman. «Es un temazo» dice ella, mientras Bosé afirma que en la industria todo el mundo sintió que llegaba «algo nuevo» con la salida de Radiohead. Chanel es la única que calla ante el single que presentó ‘Pablo Honey’.
A fin de cuentas es Miguel -cuando su voz es audible- el único que arriesga de vez en cuando -junto con Mónica-. Sea acertado o no, ya le conocéis. A un concursante le dice que «no» por ser demasiado «hetero» para ‘I Will Survive’. «Hay que ser mariquita para hacerlo bien», llega a asegurar, bastante divertido. Sobre una mujer llorando porque se ha separado de sus hijas y se siente «mala madre» por ir al programa, concluye, tras su eliminación, y con una sonrisa de malicia: «al final vuelve con sus hijas».
Por si no fuera poco con todos estos famosos, Ana Guerra y Abraham Mateo pululan entre bambalinas buscando una chicha que ni existe ni la televisión pública parece dispuesta a consentir. Ni el criterio del jurado parece muy despierto (¿no hizo Lucía Moon una versión de ‘Roar’ de Katy Perry, demasiado asistida de coros?), ni sabemos cuánto va a dar de sí el carisma de El Charro de Triana, de insólitos 41 años de edad. En 2023, un programa como ‘Cover Night’ necesita edición, tijera, maldad, acidez y un poco de manipulación, como han probado ya sus mediocres primeros datos de audiencia. Y sobre todo los del segundo programa: de 1,1 millón de espectadores se ha pasado a la mitad, 556.000. El formato se parece demasiado a ‘La Voz’. Nadie que haya visto ‘Drag Race‘ será capaz de soportarlo.
«El amor nunca deja de ser; pero las profecías se acabarán, y cesarán las lenguas, y la ciencia acabará (…) Y ahora permanecen la fe, la esperanza y el amor, estos tres; pero el mayor de ellos es el amor». La lectura de las consideraciones sobre el amor del Libro de los Corintios de la Biblia ha fascinado a Fever Ray, propiciando una reflexión al respecto en su tercer disco en solitario. El proyecto de Karin Dreijer no enardece tanto el amor, como lo cuestiona. Según la nota de prensa de su equipo, aquí habla de la «lucha con el amor, o para ser preciso, del mito del amor».
Con un título tan irónico como ‘Radical Romantics’, esta obra nos recuerda que el amor es algo que nos hace «caer» -aprovechando la polisemia del término inglés- en el single ‘Carbon Dioxide’, uno de los mayores rompepistas que jamás haya publicado Fever Ray. ‘Shiver’ se recrea en el recuerdo de un primer contacto físico; el sexo es igualmente el objetivo del medio tiempo ‘North’, no sé si voluptuoso o todo lo contrario; y el amor es algo que no existe en ‘Looking for a Ghost’, en la que se busca «una persona con una sonrisa especial, dientes como navajas y dedos como especias». El amor como mito, sí. ¿De eso se reirá en la portada?
Puede ser: Fever Ray no solo osa citar a Henry Mancini y «la melodía más bonita del mundo» como nueva referencia, sino que esa perturbadora sonrisa está inspirada en un autorretrato del artista noruego Odd Nerdrum con el pene en erección. El autor es contemporáneo pero se inspira en Rembrandt. En Jezebel habla de la necesidad de que el humor esté presente en la música y en el arte en general, incluso en entornos oscuros o tristes. «No te lo tomes tan en serio», parece querer decirnos.
En lo musical, el tercer álbum de Fever Ray no termina de dejar atrás el legado de The Knife. La filosofía de una de las bandas más importantes e influyentes del synth-pop internacional de nuestro siglo, tanto por su característico sonido, como por su implicación tan primigenia en la lucha LGTB+ y feminista, continúa muy presente por aquí, hasta el punto de que su otro integrante, Olof Dreijer, hermano de Fever Ray, coproduce 4 de estos 10 temas, algunos sonando realmente a The Knife. Por ejemplo ‘Kandy’, para el que, después de atascarse durante el proceso creativo, terminaron rescatando el mismo sintetizador que habían utilizado en ‘The Captain’ de ‘Silent Shout‘ (2006).
Pero incluso cuando no es Olof quien coproduce los temas junto a Karin, las reminiscencias de The Knife son palpables. Siempre hubo en su música cierto gusto por las sonoridades orientales y africanas, y eso es algo que se mantiene en ‘Looking for a Ghost’, que en verdad es un trabajo junto a la productora portuguesa Nídia. La canción nos lleva a África, porque esta se ha especializado en ritmos como la batida, la kizomba, el funaná y la tarraxinha.
Otra cosa que se mantiene es la importancia de la familia, en este caso retratada a través de una crítica al bullying. Si ‘Even It Out’ suena a canción de patio de colegio, a broma tonta de rock’n’roll, es por motivos justificados. La letra dice «esta canción es para Zacarías, que acosó a mi hijx en el colegio / no hay espacio para ti y sabemos dónde vives». Se trata de una historia real de fondo «sexista y tránsfobo» en la que Fever Ray reflexiona sobre el 20% de Suecia que vota a un partido «fascista» de tendencias «neo-nazis». Además, Trent Reznor y Atticus Ross de Nine Inch Nails son los productores de esta composición, muy acertada en su incorporación de guitarras eléctricas. Podría haber un divertido featuring de Karen O, si a Fever Ray le interesaran las colaboraciones en absoluto.
Después de un tema de bajo tan marcado como ‘Tapping Fingers’, una producción con varias transiciones y letra ácida («todo es mejor que dormir» es la gran conclusión del álbum), ‘Radical Romantics’ se cierra con un tema que en principio se había creado para una adaptación de ‘La hora del lobo’ de Ingmar Bergman. Se llama ‘Bottom of the Ocean’ y son 7 minutos de Fever Ray repitiendo «oh-oh-oh», entre efectos ambient hipnotizantes, los más inquietantes quizá creados con cuerdas. Fever Ray es para entonces no alguien que necesite evolucionar, sino alguien que ha de volver cíclica y puntualmente -cada 4 o 5 años- para recordarnos que tiene un sonido único.
The Cure han anunciado su primera gira norteamericana en siete años, compuesta por 30 conciertos durante los meses de mayo, junio y julio. Esta incluye tres fechas consecutivas tanto en el Hollywood Bowl de Los Ángeles como en el Madison Square Garden de Nueva York. Además, podría significar que queda poco para saber más detalles sobre su esperadísimo nuevo disco.
‘Songs Of A Lost World’ será el primer LP de The Cure desde la salida de ‘4:13 Dream’ en 2008 y la banda ya ha adelantado algunos temas del proyecto en vivo. En concreto, cuatro de ellos: ‘Alone’, ‘Endsong’, ‘And Nothing Is Forever’ y ‘A Fragile Thing’. Además, Robert Smith describió el disco a NME como una pieza «oscura, despiadada e implacable», con un «espíritu similar» al querido ‘Disintegration’. Por el momento, esto es todo lo que se conoce sobre el álbum.
Smith ha hablado sobre la cuestión de los precios de las entradas, aclarando que «The Cure han acordado todos los precios de los tickets, y aparte de algunos asientos benéficos en el Hollywood Bowl, en esta gira no habrá entradas ‘Platinum’ ni con ‘precios dinámicos'», ha escrito el frontman en un email enviado a sus fans. Las entradas para el tour ‘Shows Of A Lost World’ saldrán a la venta el 15 de marzo.
Depeche Mode han lanzado el segundo adelanto del disco ‘Memento Mori’, que estará disponible el próximo 24 de marzo, sin anuncio previo ni nada. Su nombre es ‘My Cosmos Is Mine’ y llega tras la salida de ‘Ghosts Again’, el primer sencillo del grupo sin la presencia de Andy Fletcher.
A diferencia de ‘Ghosts Again’, ‘My Cosmos Is Mine’ se trata de un adelanto con un sonido más oscuro y reposado, en el que Dave Gahan nos pide que no juguemos con su «corazón» o que no miremos a su «alma». Además, incluye un puente en el que los británicos abanderan el «no» a la guerra y desean el fin de las «muertes sin sentido».
Os recordamos que Depeche Mode presentarán su nuevo trabajo tanto en el Primavera Sound de Madrid como en el Primavera Sound de Barcelona. La edición barcelonesa tendrá lugar del 1 al 3 de junio en El Parc del Fòrum, y la madrileña del 8 al 10 de junio en la Ciudad del Rock de Arganda del Rey.
Bilbao BBK Live acaba de sacar a la venta sus entradas de día, que subirán de precio el próximo 16 de marzo. JENESAISPOP vuelve a ser medio oficial del evento, que tiene lugar entre los días 6 y 8 de julio, por lo que nos sumergimos ya en las recomendaciones imprescindibles de un cartel recién cerrado.
Además del «greatest hits» que suele constituir el «live» de Chemical Brothers, y a falta de lo que nos tenga que ofrecer este año Róisín Murphy -el single ‘CooCool’ nos acaba de poner los dientes bien largos-, en este primer artículo nos centramos en otra cosa. 10 grandes álbumes que a buen seguro sonarán en los grandes escenarios de Bilbao BBK Live. Hemos consultado setlists, hemos reescuchado mucho de lo que sonó en 2022, hemos escuchado también algunos de los álbumes que van a salir en próximas semanas, y estos son 10 discazos que puedes ir descubriendo o repasando antes de hacer las maletas rumbo a Kobetamendi.
‘AM’ de Arctic Monkeys
Sí, Arctic Monkeys han sacado un álbum nuevo muy interesante, ‘The Car‘, influido por la música italiana y francesa de los años 70: estuvo en las listas de los mejores discos de 2022. Pero lo que continúa escuchando la gente es ‘AM’, como muestran las listas de éxitos y de streaming. Con el despegue de ‘I Wanna Be Yours’ en TikTok, ya serán 3 las canciones de este largo las que superen los 1000 millones de reproducciones en Spotify. Los Arctic Monkeys lo saben y en su repertorio actual figuran aún más canciones de ‘AM’ que de ningún otro largo. En concreto, hasta 5 temas por noche de ‘AM’ suelen ser habituales de su setlist, por solo 3 de ‘The Car’.
‘Dance Fever’ de Florence + the Machine
Quien sí está confiando en su obra magna de 2022 es Florence + the Machine, que por ejemplo anoche en Australia, tocó hasta 11 canciones del excelente ‘Dance Fever’. Puede ser por su carácter extático y expansivo, realmente una de las obras más abiertas de su carrera, y más propicias para ser tocadas delante de decenas de miles de personas. El disco estaba inspirado en la danza más kamikaze de nuestros ancestros y es seguro que veremos a Welch bailar temas recientes como ‘Free’ o ‘My Love’, desde ya entre los mejores de toda su discografía, junto a sus grandes éxitos de siempre.
‘Crooked Rain, Crooked Rain’ de Pavement
Otros que están este mes de gira por Australia son Pavement, el último cabeza de cartel confirmado por Bilbao BBK Live. Lo que están interpretando ahora mismo son unas 5 canciones de cada uno de sus discos de los 90, muy especialmente de los 4 primeros. No faltan los mejores temas de ’Slanted and Enchanted’, que podría haber sido nuestra selección perfectamente, pero nos decantamos por ‘Crooked Rain, Crooked Rain’ por lo que se va a tararear este ‘Cut Your Hair’ en la noche del viernes… y los días posteriores.
‘Radical Romantics’ de Fever Ray
Este mismo fin de semana se pone en circulación ‘Radical Romantics’, el primer disco de Fever Ray en 4 años. Un álbum cuyo sonido nos da todo lo que necesitamos a los seguidores de The Knife, y cuyos textos reflexionan sobre lo que es el amor y lo que significa en nuestras vidas. ‘Carbon Dioxide’ está entre los temas más accesibles que nos haya entregado jamás Karin Dreijer y el final ‘Bottom of the Ocean’, de 7 minutazos de bucle, entre los más hipnóticos.
‘Fantasy’ de M83
Otro disco que podremos escuchar este mismo mes de marzo es el nuevo de M83, ‘Fantasy’. La primera mitad del disco, en el orden definitivo, se ha dado a conocer como si de un EP se tratara, y revela una nueva recreación del muro de sonido con el que identificamos a Anthony Gonzalez, antes de que lo petara con ‘Midnight City’. Programadas bien entrada a la noche, canciones como ‘Oceans Niagara’ y ‘Amnesia’ llegarán a abrasar, y aún nos queda por descubrir alguna sorpresa medio disco y medio synth-pop. No sabemos (eso sí) si habrá espacio en un festival para la parte más ambient o cinética (que también es preciosa).
‘Alpha Zulu’ de Phoenix
Entre los discos que infravaloramos en 2022, ya podemos hablar de ‘Alpha Zulu’ de Phoenix, lanzado a finales de año, cuando las listas con lo mejor están casi finiquitadas y los primeros avances de la música de 2023 abruman. Pero ‘Alpha Zulu’ supuso una vuelta a la frescura por parte de la banda francesa que un buen día optó por complicarse demasiado la vida. ‘After Midnight’, ‘Tonight’, ‘Winter Solstice’, ‘Artefact’ y la misma ‘Alpha Zulu’ no van a deslucir nada junto a algunos de los mejores temas de su carrera.
‘Profound Mysteries’ de Röyksopp
Uno de los discos que sí encontrasteis reseñados en nuestro Anuario con lo Mejor de 2022 fue ‘Profound Mysteries’. ¿Por qué volumen nos decantamos entre las 3 obras de 10 canciones cada una que Röyksopp publicaron el año pasado? Por la Caja que reunía todo, las 30 canciones. Por lo interpretado recientemente en Oslo o Berlín, el dúo noruego está realizando una excelente selección de 3 o 4 temas cada uno de los 3 discos, junto a sus grandes éxitos pasados. No faltan en su repertorio, por tanto, maravillas recientes como ‘Me&Youphoria’, ‘Stay Awhile’, ‘Oh, Lover’, ‘Impossible’ o ‘Breathe’.
‘Kick’ de ARCA
Una estrategia parecida seguirá ARCA, que no ha sacado un disco en 3 volúmenes, sino en 5. Entre sus favoritas para tocar en directo de ese cajón de sastre llamado ‘KICK’ encontramos ‘KLK’, ‘Time’, ‘Prada’ ‘Rakata’, ‘Incendio’ o ‘Tiro’. Ahora mismo hace unos meses que la productora no actúa, por lo que ardemos en deseos de comprobar si también incorpora a su repertorio, aunque sea algún fragmento, de su pequeño viral ‘El alma que te trajo’.
‘Heavy Heavy’ de Young Fathers
Entre los álbumes notables que nos ha dado 2023, hay que hablar de Young Fathers. El cuarto disco de los otrora ganadores del Mercury Prize, que se llama ‘Heavy Heavy‘, vuelve a ser un trabajo cosmopolita que incorpora frases en yoruba, en concreto cuando Kays Bankole no encuentra las palabras adecuadas para expresarse en inglés. No obstante, el lenguaje de temas como ‘Drum’, ‘Tell Somebody’ o ‘I Saw’ es universal y es por eso que este disco está inundando el listado de sus temas más escuchados en Spotify. Incluso hay medios como Pitchfork que afirman que este podría ser su mejor álbum.
‘KOR KOR LAKE’ de Rojuu
No vamos a dejar de recomendar a algún artista nacional en este artículo, y como a Amaia y a Love of Lesbian hay que vivir en Marte para no conocerlos, volvemos sobre ‘KOR KOR LAKE’ de Rojuu, otro de los grandes álbumes de 2022. Quizá para cuando llegue este verano, el artista barcelonés haya sacado ya 2 nuevas mixtapes y 7 singles sueltos, pero hoy por hoy cuesta pensar en un setlist de Rojuu sin que por él aparezcan temazos como ‘NEZUKO’, ‘NANA’, ‘100XPRE A TU LADO STARE’ o ‘UN PASEO MÁS’.
Desde el underground barcelonés ha despuntado últimamente el nombre de Kora. La cantante y compositora le ha dado una vuelta a eso del bedroom-pop sacando un repertorio de canciones bonitas e intimistas que suenan empapadas de R&B, neo-soul y jazz, amasando un considerable público a su paso. Los 5 millones de streamings de ‘Paciencia’ lo corroboran.
Los éxitos que cuenta Kora ya son varios. ‘Marte’ traía un ligerito ritmo bailable por la vía del guitar pop y suma 4 millones de reproducciones, y el R&B alternativo de ‘La luna’ se le acerca en escuchas. No extraña que Kora llamase la atención de Fangoria, quienes le encargaron una remezcla electrónica de ‘Satanismo, arte abstracto y Rock ‘N Roll’.
En esas se encuentra Kora. En 2022 publicó su debut largo ‘fuera de lugar’, que contiene otro de sus temas estrella, ‘Como si nada’. Lo siguiente estará inspirado en el house y la música francesa: será una mixtape de la que Kora ya ha sacado varios adelantos, el último de ellos, ‘olvido’. Lo presentará por toda España de la mano de Girando por Salas. Así queda la agenda:
10/03- Santiago
11/03- Vigo
24/03- Castellón
25/03- Valencia
13/04- Barcelona
14/04- Tenerife
28/04- Madrid
29/04- Toledo
Anitta ha fichado por ‘Élite’, ha confirmado Netflix, y aparecerá en la séptima temporada de la popular serie española. Así lo ha anunciado hoy la plataforma: «Una «girl from Rio» que ya conoces está a punto de llegar a Las Encinas… Anitta se incorpora al cast de #Élite7″.
Una "girl from Rio" que ya conoces está a punto de llegar a Las Encinas… @Anitta se incorpora al cast de #Élite7 💥
Uma garota do Rio que você já deve conhecer… está prestes a fazer uma entrada em Las Encinas. @Anitta está se juntando ao elenco #Élite7 💥 pic.twitter.com/FfIQjoVQnS
Por otro lado, Anitta se ha sumado a la larga lista de artistas que se han pronunciado en contra del sello discográfico para el que trabajan. En su caso, Warner Records. Recientemente, un fan ha expresado que «mi sueño es que Anitta salga de Warner y se vaya a un sello que le valore», a lo que Anitta ha respondido: «ya somos dos».
En el mensaje siguiente, Anitta ha ido más allá declarando que «si hubiera una multa que pagar, ya habría subastado mis órganos para salir del contrato, sin importarme lo caro que fuera. Desafortunadamente, esa multa no existe. Cuando eres joven y no estás informada, debes prestar más atención a las cosas que firmas. Si no lo haces, pagarás por tu error toda tu vida».
Anitta se ha quejado del trato que recibe por Warner en el pasado. La brasileña ha acusado al sello de no apoyar su trabajo y de no financiar sus videoclips (algunos los ha pagado Anitta de propio bolsillo). También ha hablado de la obsesión de Warner con los virales y TikTok («si no consiguen un hit inmediatamente, pasan a otra cosa) y ha expresado que el sello se resistió a publicar ‘Envolver‘ inicialmente porque no estaba convencido de que fuera a triunfar sin un «featuring». Estaban equivocados: ‘Envolver’ convirtió a Anitta en la primera mujer latina en alcanzar el top 1 de Spotify Global, y en solitario.
Pero quizá no haya mejor reflejo de la mala relación de Anitta con Warner que el pobre resultado de ‘Versions of Me‘, el álbum que publicó en 2022. Un disco que tardó años en llegar y que nos presentaba a una Anitta «diversificada» y que sonaba demasiado a otros artistas.
Cuando una fan ha elogiado a Anitta por su «valentía», la brasileña se ha mostrado abatida: «Ni siquiera tiene que ver con la valentía… es que toda esta situación es tan mierda que ya no puede ir a peor. Desde los shows más poderosos implorando que me apoyen y nada… Si va a peor ya no voy a fingir que todo va bien porque ya se me han agotado las fuerzas».
Sen Senra ha vuelto con nuevo single. ‘No quiero ser un cantante’ es su primer lanzamiento en solitario de 2023, sucede a la colaboración reggaetonera de ‘1000CANCIONES‘ con Alvaro Díaz y es -presumiblemente- el primer adelanto de su «nueva fase» profesional, en esclarecedoras palabras de la nota de prensa. Una etapa que representa el «asalto de Senra al estrellato global».
‘No quiero ser un cantante’ es inmediatamente una de las mejores canciones de Sen Senra. También es una de las más inclasificables. Producida por su mano derecha, Anxo Ferreira, y por el propio Senra, ‘No quiero ser un cantante’ es una producción innovadora en su mezcla de diferentes sonidos, tan libre como el propio Senra quiere ser en su carrera.
Los primeros segundos de ‘No quiero ser un cantante’ introducen la voz de Senra acompañada únicamente por un acorde de piano que suena a Brill Building. Después las cosas se van complicando con la entrada de un beat que palpita como el latido de un corazón, el staccato de unos violines sintetizados, teclados «space age», extraños efectos de sampler… Si ‘Tumbado en un jardín viendo amanecer’ te parecía un viaje, espera a escuchar esto.
Con ese rap entonado que le caracteriza, en ‘No quiero ser un cantante’, Senra nos viene a decir que se considera artista y no cantante o pop star. «No quiero ser un cantante, quiero ser algo mejor» es el lema de la canción, en la que Senra plantea que prefiere darnos «poco y de calité», al tiempo que confiesa que no habla «con nadie de la profesión».
La misma idea explora el vídeo de ‘No quiero ser un cantante’, que, producido por una conocida marca de cervezas, se ha rodado en Presqueiras, la localidad pontevedresa de la que Sen Senra procede. El gallego se deja ver cantando entre ovejas, a la vez que se deja dirigir por Torso, que han trabajado con gente como Kali Uchis, Nicki Minaj o Shakira.
Renovamos nuestra playlist Sesión de Control, dedicada al pop en castellano, comenzando con la espectacular nueva canción orquestada de Maren, dedicada al cambio climático. “Amaiera” significa “final” en euskera. Estos días también han vuelto AMA, escisión de La Buena Vida, que anuncian disco con el single ‘Si un día fui’.
El cuarteto de punk Error 97 comparte un nuevo single, uno de los más carismáticos que tenían de momento, ‘Nunca vuelvas a pisar Madrid’. The Niftys han estrenado ‘Siempre vivas’ con motivo del 8M, y también hay una enorme reivindicación en ‘Cartel precioso’ de Tiburona, donde se burlan de los festivales organizados por “mafiosos”.
Marta Movidas tiene un nuevo EP llamado ‘Yunque’, del que seleccionamos su colaboración con Medalla ‘Por el humo se sabe dónde está el fuego’. Otro EP que merece la pena es el de Califato 3/4. Con motivo del centenario del nacimiento de Lola Flores y del Día de Andalucía, han sacado un EP con sus versiones de La Faraona. Entre ellas está ‘¡Ay, Alvariño’, ese momento en que se dejó seducir por los ritmos de moda de 1990, en compañía de Luis Miguélez. Hay nuevo álbum de Monteperdido y también de Ven’nus, el proyecto de Valèria N. Saurí. Escogemos el tema que cierra el disco, que es una colaboración con Flashy Ice Cream.
Tras su disco ‘Insecto’ el joven artista from presenta un single llamado ‘tan frágil’ influido por el David Bowie más jazz, el del último disco. La canción electrónica de Kora se llama “olvido” en homenaje a Neruda. El grupo de post-punk LA MILAGROSA ha publicado un single doble con 2 temas, 1 de los cuales es ‘Cervezas, colillas, rayadas, pesadillas’.
Finalmente, hay nuevos temas de Amor Butano, Supermeganada, los vascos Mirua, MEDASAWA, Delaporte (que han versionado ‘Los tontos’ para una serie de Amazon) y Suko Pyramid, el proyecto basado en Madrid de Adrián Suchowolski.
Se cumplen 20 años del estreno de ‘Kill Bill’, un díptico que supuso un antes y un después en la forma de integrar la cultura pop en el cine de Hollywood: canciones, ropa, subgéneros cinematográficos, anime… Una obra maestra del posmodernismo, un gozoso picoteo de referentes, mezclados por Tarantino con espíritu lúdico, pasión y erudición cinéfila (o cinéfaga), maestría narrativa y enorme brillantez estilística.
Mientras esperamos (bien sentados, porque no sabemos si llegará algún día) el anunciado volumen 3, SZA nos ha traído este atractivo homenaje en forma de videoclip para la canción que ha sido número 1 global.
Christian Breslauer, autor de clips para The Weeknd o Bebe Rexha, reinterpreta el clásico de Tarantino en clave de venganza conyugal. La cantante encarna a una nueva versión de la Novia quien, tras sobrevivir a un tiroteo ordenado por su pareja, preparará su particular vendetta a través de un entrenamiento en artes marciales que remite al de Uma Thurman en la película.
El vídeo recrea la famosa secuencia de la pelea contra los “88 maníacos» de O-Ren Ishii en la Casa de las Hojas Azules e incluye una escena narrada en forma de anime como la célebre secuencia de la infancia de O-Ren realizada por Kazuto Nakazawa. También “resucita” al personaje de Vernita Green (Vivica A. Fox), interpretando a la amiga que la recoge en la camioneta tras el tiroteo en la caravana (una roulotte inspirada en la que vivía el personaje de Budd).
En el epílogo, el videoclip se aleja de ‘Kill Bill’, aunque no de la cultura nipona. Mientras suena un fragmento de ‘Seek and Destroy’, SZA aparece colgada según la técnica shibari, una forma japonesa de bondage muy habitual en el género pinku eiga gracias a una saga tan popular como ‘Flower and Snake’.
El nombre Masego quizá no llame mucho la atención, pero lo cierto es que el músico jamaicano-americano es uno de los artistas más talentosos del gremio. Cantante, compositor, productor, DJ, saxofonista y aprendiz del DJ Jazzy Jeff, Masego propone una deliciosa mezcla de R&B, dance y hip hop con toques modernos y ahora ha usado sus virtudes para realizar una especial cover de ‘Lost’, uno de los temas más queridos de Frank Ocean.
Como calentamiento para el lanzamiento de su homónimo tercer disco, publicado el pasado viernes bajo el nombre de ‘Masego’, el artista de 29 años subió su particular versión del tema, con su querido saxofón en mano. Esta reinventa totalmente la original, que tenía un sonido inclinado al pop, convirtiéndola casi en lo que sonaría en el salón de recepción de un lujoso hotel, con un sabor mucho más jazz y soul.
Con esto, Masego está un paso más cerca de conseguir su ansiada colaboración con el autor de ‘Channel Orange’: «Trabajar algún día con Frank Ocean está en mi lista de colaboraciones soñadas, si alguien se lo pregunta», escribía el saxofonista en la descripción del vídeo.
Masego lanzó su debut en 2018 (‘Lady Lady’) y consiguió su primer single de diamante con ‘Tadow’, que acumula en estos momentos alrededor de 350 millones de escuchas en Spotify. En 2020, lanzó su segundo LP (‘Studying Abroad’) y, otra vez más, consiguió otro hit con ‘Mystery Lady’, en el que colaboraba Don Toliver. El talento de Masego fue apreciado indirectamente por todo el mundo en 2021, cuando Drake sampleó ‘Navajo’ y su particular flip de los Beatles en ‘Champagne Poetry’.
Casi cuatro meses después del lanzamiento de su último disco, ‘Redcar les adorables étoiles’, Chris (también conocido como Christine and the Queens y, más recientemente, como Redcar) acaba de lanzar el primer single de su nueva etapa. Es una balada sintetizada titulada ‘To be honest’ y se trata del primer adelanto de ‘PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE’, disponible el 9 de junio.
Chris ha contado que ‘PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE’ es «la segunda parte de un gesto operístico que también incluía al ‘Redcar les adorables étoiles’ de 2022» y que toma inspiración de la «gloriosa dramaturgia de la icónica obra de Tony Kushner, ‘Ángeles en América'». Las colaboraciones no decepcionan: Madonna está presente en tres canciones, 070 Shake en otras dos y el productor Mike Dean en otra.
Este será el cuarto disco del compositor francés tras su entrega de 2022, ‘La vita nuova’ de 2020, ‘Chris’ de 2018 y ‘Chaleur Humaine’, su debut de 2014.
Tracklist:
1. ‘Overture’
2. ‘Tears can be so soft’
3. ‘Marvin descending’
4. ‘A day in the water’
5. ‘Full Of Life’
6. ‘Angels crying in my bed (feat. Madonna)’
7. ‘Track 10’
8. ‘Overture (feat. Mike Dean)’
9. ‘He’s been shining for ever, your son’
10. ‘Flowery days’
11. ‘I met an angel (feat. Madonna)’
12. ‘True love (feat. 070 Shake)’
13. ‘Let me touch you once (feat. 070 Shake)’
14. ‘Aimer, puis vivre’
15. ‘Shine’
16. ‘We have to be friends’
17. ‘Lick the light out (feat. Madonna)’
18. ‘To be honest’
19. ‘I feel like an angel’
20. ‘Big eye’
Miley Cyrus lanzará su esperadísimo ‘Endless Summer Vacation’ este viernes 10 de marzo. Recientemente, la superestrella estadounidense lanzó la demo de la gran ‘Flowers’, que figurará como la última canción del álbum, y ahora ha sido el productor Mike WiLL Made-It quien ha publicado un adelanto de un nuevo tema. Suena festivo, ochentero y en la línea pegadiza de ‘Flowers’.
El superproductor estadounidense ha revelado el snippet en un nuevo post de Instagram, en el quinto slide de la publicación, concretamente. Mike tiene créditos en tres de los 13 temas de ‘Endless Summer Vacation’: ‘Violet Chemistry’, ‘Muddy Feet (con Sia)’ y ‘Thousand Miles (con Brandi Carlile)’, por lo que no está claro a cuál de estos pertenece el adelanto. En él, Miley repite la frase «quédate un rato conmigo’ en lo que parece un bailongo estribillo con toques retro.
Mike WiLL Made-It, pese a ser conocido como un productor de hip hop principalmente, ya ha colaborado con Miley en los hits ‘We Can’t Stop’ y ’23’. Junto con el nuevo LP, este viernes también saldrá el videoclip de ‘River’, la pista 7 del álbum, y volverá el especial de ‘Backyard Sessions’, solo disponible en Disney+.
2023 es un año importante para Primavera Sound, pues por primera vez en su historia se celebra tanto en Barcelona como en Madrid. La edición barcelonesa tendrá lugar del 1 al 3 de junio en El Parc del Fòrum, y la madrileña del 8 al 10 de junio en la Ciudad del Rock de Arganda del Rey. JENESAISPOP es medio colaborador del evento y, durante las próximas semanas, desgranaremos su programación en diferentes artículos. Hoy nos centramos en sus grandes reclamos.
Los reyes de 1987
New Order: El último grupo en sumarse a Primavera Sound completa el triunvirato de bandas legendarias que en 1987 lo fueron todo. Fue el año en que New Order editó ‘Substance’, su famosa recopilación de singles: Peter Hook y los suyos venían de triunfar con ‘Blue Monday’, ‘Temptation’, etc. Con el siguiente disco, ‘Technique‘, editado en 1989, el grupo alcanzaría el número 1 de álbumes en Reino Unido por primera vez.
Depeche Mode: 1987 también fue un gran año para Depeche Mode. Terminada la gira de ‘Black Celebration’ en agosto de aquel año, solo pasaría un mes hasta el lanzamiento de su siguiente disco, el aclamado ‘Music for the Masses‘, el mismo que contenía ‘Strangelove’ y ‘Never Let Me Down Again’. En sus únicas fechas en España, Dave Gahan y Martin Gore presentarán nuevo disco, ‘Memento Mori’, que sale a finales de este mes.
Pet Shop Boys: El cabeza de cartel en la jornada gratuita de Primavera Sound es Pet Shop Boys, banda que sigue trayendo un show impecable y que, además, es asidua de los escenarios españoles. En 1987, el dúo formado por Neil Tennant y Chris Lowe se consagró con el lanzamiento del álbum ‘Actually‘ y con el primer número 1 en singles de su carrera, el de ‘It’s a Sin’.
Los novatos
Calvin Harris: No se puede decir que Primavera Sound no haya arriesgado con el cartel de este año. Entre los artistas a los que no esperábamos ver nunca en la letra de grande del festival se encuentra Calvin Harris, el rey de la EDM que en realidad ya no hace EDM: ahora le da al funk y sus últimos dosdiscos han sido estupendos. Suponemos que en el show habrá tralla.
Halsey: Aunque ha actuado en España alguna vez, nunca lo ha hecho como headliner de un festival, pero Primavera Sound ha apostado por Halsey, una de las reinas del pop alternativo actual. Lo de alternativo es un decir, pues sus cifras de streaming son monstruosas, pero Halsey es probablemente la única artista que tiene un single con Chainsmokers y, a la vez, un disco con Nine Inch Nails. Esperamos que se deje caer por el show de Calvin para cantar juntos ‘Stay with Me’.
Måneskin: Pitchfork los odia, el resto del mundo los ama. Los ganadores de Eurovisión 2021 actuarán en Primavera Sound por primera vez convertidos en uno de sus mayores atractivos gracias a su recuperación del rock de los 70, al carisma de sus integrantes sobre el escenario y a su colección de éxitos. Probablemente nunca un grupo ganador de Eurovisión ha ocupado un espacio tan importante en Primavera Sound, pero este es el timeline en el que yo quiero vivir.
Los nuevos iconos
Rosalía: Pocos artistas producen un impacto en la cultura popular como ha logrado ella en unos pocos años: no hay consenso en si ‘MOTOMAMI‘ es una obra maestra o todo lo contrario, ni en si el MOTOMAMI Tour era innovador o para nada merecedor de ser imitado… y, en esa división, Rosalía florece y congrega multitudes millonarias delante de un escenario. ‘MOTOMAMI’ fue el mejor disco de 2022 por más razones que la artística, la cual ya sería suficiente. Lo mejor es que es imposible saber qué vendrá después.
Kendrick Lamar: Parecía que su disco ‘Mr. Morale & the Big Steppers‘ no había tenido el tirón de los anteriores, pero luego le vimos en directo en París. Uno de los artistas más influyentes de su generación, capaz de entregar en cada álbum una obra maestra que seguir analizando con el paso del tiempo, a Kendrick no nos lo perderíamos por nada del mundo, pues no suele venir a España. Y este año hay dos oportunidades.
Baby Keem: Da la casualidad que Baby Keem es el primo de Kendrick Lamar. Se puede decir que es la respuesta Gen Z a la generación millennial de Kendrick. Juntos han firmado el éxito ‘family ties’, cuyos streamings dan verdadero vértigo. De todos los raperos que actúan en Primavera, aparte de Kendrick, Baby Keem es el que más tirón tiene entre el público hip-hopero del festival, y su concierto promete ser uno de los más multitudinarios, más incluso que los de Pusha T o Rema, que también mueven masas.
Los grandes guitarreros
Blur: En otro artículo comentaremos otros regresos destacados de Primavera Sound. De momento es imperante mencionar el de Blur, que no toca en directo desde 2015. A Damon Albarn le tenemos hasta en la sopa gracias a Gorillaz, a la postre su proyecto más exitoso, pero Blur, grupo icónico del brit-pop en su momento de mayor apogeo, es evidentemente uno de los grandes headliners del cartel, e iniciará su nueva gira precisamente en Barcelona.
Sparks: Pero para leyenda la que representa Sparks: el dúo de art-rock formado por los hermanos Ron y Russell Mael lleva cincuenta años en activo. En todo este tiempo, discos como ‘Kimono My House’ o ‘Angst in My Pants’ han influido a generaciones y generaciones de artistas, entre ellos esos Franz Ferdinand con los que terminaron sacando un disco. Últimamente su trabajo en ‘Annette‘ nos ha emocionado. El nuevo trabajo de Sparks, ‘The Girl Crying in Her Latte’, sale en mayo, y el vídeo del single titular cuenta con bailecito de Cate Blanchett.
Bad Religion: Cada vez que analizamos la lista de éxitos españolas constatamos cuántas ventas mueve el rock, así que no es descabellado pensar que Bad Religion puede haber tenido una influencia parecida con su presencia en el Primavera. En activo desde 1980, es evidentemente una de las bandas de punk-rock más influyentes de la historia, todo un precedente de Green Day o NOFX. Y anda que no pega escuchar «skate rock» en el Parc del Fòrum…
«Daría todo por una sonrisa», canta slowthai de capa caída en ‘HAPPY’, el corte que él mismo ha descrito como el «himno» de ‘UGLY’, su tercer disco. La búsqueda de la felicidad, entendida como la exploración de aquello que le falta a uno para sentirse pleno, es un tema que el rapero británico ya trataba en sus dos anteriores esfuerzos: a través del descontento popular en ‘Nothing Great About Britain’ y de la introspección en ‘TYRON’.
‘UGLY’ se aproxima a ello de frente, con lo mejor de los dos mundos: tiene la energía caótica e inestable de su debut y sus colaboraciones con Mura Masa (‘Deal Wiv It’ y ‘Doorman’), junto con la naturaleza orgánica y honesta que encontrábamos en la segunda mitad de ‘TYRON’. Todo magistralmente encajado en un apartado musical que baila entre el post-punk, la electrónica industrial y el rock alternativo, y que permite a slowthai convertirse en el artista que siempre ha estado destinado a ser.
Partiendo de unas influencias que él mismo ha querido reflejar en una playlist de Spotify, en la que aparecen nombres como Elliot Smith, Black Sabbath, Blur o Portishead, Tyrone Frampton se ha rodeado de un equipo de colaboradores ideal para la ocasión. Este está liderado por el productor Dan Carey y completado por Fontaines D.C. (‘UGLY’), Shygirl (‘Feel Good’), Ethan P. Flynn (‘Sooner’, ‘Never Again’) y Taylor Skye (‘Tourniquet’), además de Kwes Darko, que ha colaborado con Thai durante toda su carrera.
En ‘YUM’, el opener del álbum, slowthai retrata una espiral de excesos, centrados en el sexo («Ella dijo que quería una lluvia dorada») y las drogas («No pararé hasta que esté en coma»), que contrasta con los consejos de su terapeuta personal («Respira»). Los industriales y abrasivos sintetizadores del tema llegan a su cénit en el momento justo en el que Tyrone decide parar y finalmente respirar, liberando toda la presión acumulada con un desgarrador grito que fluye hasta ‘Selfish’, el primer gran banger de ‘UGLY’.
Y de gritos ‘UGLY’ tiene bastante, en el buen sentido. Al mismo tiempo que abraza las guitarras eléctricas, Tyrone también se mete de lleno en su faceta de cantante, desplegando las mejores y más crudas performances de su carrera y, probablemente, de lo que llevamos de año. Desde las épicas ‘UGLY’ y ‘Falling’ hasta ‘Tourniquet’, el clímax emocional del disco, slowthai demuestra que no hace falta técnica vocal si te sobra sentimiento.
Canciones como ‘Sooner’, la aproximación al pub rock de slowthai, o ‘25% CLUB’, el dulce epílogo del LP, se inclinan mucho más hacia lo melódico. Por otro lado, el rap tampoco se abandona totalmente. ‘Never Again’ es un devastador ejercicio de storytelling en el que el británico rememora sobre personas de su vida pasada y el terrible destino que encontraron, y ‘Wotz Funny’ es su particular versión del ‘Ironic’ de Alanis Morissette, siniestra y divertida a partes iguales.
‘UGLY’ (U Gotta Love Yourself) es visceral, reflexivo, caótico y profundamente emocionante, pero sin dejar de lado el carisma y el ingenio por los que siempre se ha caracterizado slowthai. En este sentido, tanto los fans de la agresividad de ‘Nothing Great About Britain’ como los que disfrutaron de la vena sensible de ‘TYRON’ estarán contentos con esta tercera entrega. Es el mejor proyecto de slowthai hasta la fecha y, pese a no ser un disco optimista, muchos encontrarán terapia en su interior.
Róisín Murphy es una de las artistas que deciden publicar nueva música en una fecha tan señalada como el 8 de marzo. La irlandesa presenta el primer adelanto de su nuevo disco, ‘Hit Parade’, un trabajo que ha producido mano a mano con DJ Koze.
Decía Róisín hace meses en entrevistas que ‘Hit Parade’ sería su disco más americano (más estadounidense, en concreto), y apuntaba que traería influencias del hip-hop. «A estas nuevas canciones les corre el hip-hop por todo su ADN» es una declaración que dejó a este mismo medio.
El sonido de ‘CooCool’ confirma esta observación. Estamos ante un corte inspirado en el hip-hop clásico, cuyo espíritu veraniego y «chill» podemos asociar a artistas como Thundercat o el primer Kanye West. La «vieja magia» que propone ‘CooCool’ la encontramos en su arreglo de trompetas, sampleadas de un viejo tema de R&B de Mike James Kirkland, quien aparece acreditado como autor.
‘CooCool’ es el primer single que conocemos de ‘Hit Parade’, pero Róisín prepara el lanzamiento de otro para finales de marzo: ‘Can’t Replicate’ puede pedirse por anticipado solo en formato físico. Desconocemos si saldrá en plataformas de streaming, pero se sabe que formará parte del disco.
‘Hit Parade’ será el primer álbum de Róisín desde 2020, año en que editó ‘Róisín Machine’. Como quizá recordaréis, la irlandesa ya colaboró con DJ Koze hace unos años, en su disco ‘Knock Knock‘. Juntos firmaron ‘Illumination’ y ‘Scratch That’.
Desahogada ha vuelto. La youtuber, conocida por sus divertidos vídeos y doblajes de divas del pop, como los de Beyoncé «comprando en el Mercadona», Ariana Grande «en la feria de Albacete» o «La Gagui trapera», no sacaba ningún vídeo desde 2019, cuando volvió por Rosalía. La ocasión lo merecía, pero entonces aquel vídeo ya se había hecho esperar.
Esta vez tenemos Desahogada por partida doble. Su último vídeo, publicado hace unas horas, nos cuenta el viaje de Bad Gyal a Kingston, Jamaica. Cuando la catalana aún no había colaborado con Sean Paul, viajaba a la cuna del dancehall para inspirarse. En el doblaje de Desahogada, Bad Gyal se coge un ALSA destino a Jamaica, se destruye los huesos haciendo twerking y se compra una malla de naranjas en el mercadillo para usarla de camiseta.
Pero el regreso de Desahogada después de cuatro años lo motivó Lana Del Rey, en concreto, su reciente vídeo-entrevista para Interview, que ya apuntaba maneras por su inspiración en el documental ‘En la cama con Madonna’. En el vídeo, Lana aparecía venida como de otra época, redactando en una máquina de escribir o metida dentro de una bañera completamente vestida.
En el mundo paralelo de Desahogada, Lana trabaja en su disco ‘¿Sabías que hay un túnel debajo de la Gran Vía?’, cuida de sus gatos Froilán y Victoria Federica y cita frases profundas de su amiga, Jedet. Después, la artista se va de «parkineo» con las amigas a hacerse unos tiktoks. «De vez en cuando un petardo pa calmarme» ya forma parte de las grandes frases de la historia de Desahogada.
