«Cosas como esta (que expanden límites) me hacen emocionarme sobre el futuro de la música». Si me hubiesen dicho hace un mes que Questlove, líder de The Roots y uno de los mayores frikis musicales que existen, diría esto sobre el nuevo disco de Lil Yachty me lo habría tomado como un meme, especialmente tras el lanzamiento de ‘Poland’. Sin embargo, no hace falta más que escuchar el rompedor primer tema de ‘Let’s Start Here’ para, al menos, empezar a dar credibilidad a las palabras de Questlove.
‘the BLACK seminole.’, un bloque de 7 minutazos de prog/psych rock en el que Yachty canta sobre alcanzar la «igualdad a través de la avaricia» y sobre la transformación de chaval a hombre, definitivamente no es lo que nadie esperaba como intro a este nuevo LP del rapero de ‘Broccoli’.
Lo de prog rock no es porque el público lo haya etiquetado así, como sí que ha ocurrido con el resto del disco (encasillado frecuentemente como psych rock), sino porque Yachty realmente lleva el rollo Pink Floyd al máximo en este tema, siendo una mezcla (con gusto) de ‘On The Run’, ‘Dogs’ y ‘The Great Gig In The Sky’. Es la canción perfecta para situar al oyente en la atmósfera del disco, que envuelve y engancha hasta el impresionante final con ‘REACH THE SUNSHINE.’, la cual se podría calificar como la cima del LP.
He visto describir ‘Let’s Start Here’ como un disco de psych pop, space rock, synth pop y psych rock. Al final del día, el nuevo álbum de Lil Yachty es un disco de pop alternativo con influencias y elementos de todos los géneros que he citado, y más, como el R&B y el soul. Implementados perfectamente, cabe recalcar. El peso de artistas contemporáneos como Childish Gambino (‘running out of time’) y Tyler, the Creator (‘REACH THE SUNSHINE.’) también es innegable. Por otro lado, las huellas de Tame Impala son rastreables a lo largo de todo el proyecto.
‘Let’s Start Here’ tiene canciones tan sorprendentes y mágicas como ‘the ride-‘, con el prometedor Teezo Touchdown; ‘drive ME crazy!’, con la pena de que el estribillo de la brillante Diana Gordon solo aparece una vez; y la etérea ‘WE SAW THE SUN!’. En contraposición a esto, también hay temas como ‘sAY sOMETHINg’, ‘paint THE sky’ y ‘sHouLd i B?’, que además de tener títulos tremendamente difíciles de escribir, son de lejos las menos sorprendentes del largo, cambiando las letras psicodélicas/abstractas por unos versos de amor que rozan lo genérico. Especialmente ‘paint THE sky’, con una fórmula melódica ya vista en canciones como ‘Late Night Talking’ de Harry Styles o ‘Levitating’ de Dua Lipa.
Aun así, estas no desentonan sónicamente con el resto del tracklist y ganan al ser escuchadas en el conjunto del LP, lo cual es uno de los mayores aciertos del álbum. A esto le podemos sumar la presencia constante de Diana Gordon, Justin Skye y Fousheé; la producción, llevada por figuras como Magdalena Bay, Jake Portrait (Unknown Mortal Orchestra) y Patrick Wembley (Chairlift); y la pura sorpresa de que Lil Yachty haya lanzado un disco tan fresco y diferente, y que le haya salido bien.
La voz de Lil Yachty está pasada por el autotune de ‘Poland’ y adornada con reverb a lo largo de todo el disco. Esto probablemente es un «NO» directo para mucha gente, pero mi problema es que me gustaría disfrutar más de ello. Creo que en ocasiones la voz del artista está demasiada escondida, como si le faltara potencia o volumen. Fuera de ello, espero que Yachty convierta tal efecto en su marca personal, porque le va al pelo a su nuevo sonido.
‘Let’s Start Here’ no es tan brillante como parece en su primera escucha, pero es una obra indiscutiblemente refrescante, llena de melodías infecciosas y que sorprendentemente no aburre, pese a durar toda una hora. Sobre todo, y recordando las palabras de Questlove, emociona por los futuros lanzamientos de Lil Yachty. Recordemos que Miles Parks (su nombre real), pese a tener 7 álbumes a sus espaldas, solamente tiene 25 años.
El primer fin de semana de febrero está siendo intenso en cuanto a eventos musicales mediáticos. El sábado se ha celebrado la gala final de Benidorm Fest, y en la noche del domingo es momento de asistir a una igual de interesante, la de los Grammys, que seguimos viendo con rencor tras el vacío que le hicieron a The Weeknd en 2020. No, no se nos ha olvidado.
Hace unos meses defendíamos que esta noche debería ser la noche de Beyoncé. A la artista le han duchado a premios durante toda su carrera, pero muy pocos han sido realmente importantes. Nunca ha ganado el Grammy a Álbum del año, y Knowles tiene todas las papeletas para hacerlo esta noche… si Bad Bunny, autor del disco más exitoso de 2022, no se lo impide. La cosa está entre ellos dos. Apuesta: Bad Bunny, porque actuará y porque realmente ha firmado el disco más popular del año.
No hay que olvidar que Beyoncé es la artista más nominada en esta edición. Su disco ‘RENAISSANCE‘ aspira a nueve gramófonos. El de Álbum del año se le volverá a escapar mal que nos pese, pero se hará con el premio a Mejor disco de dance/electrónica. Por su parte, ‘CUFF IT’ ganará Mejor canción R&B y ‘Virgo’s Groove’ Mejor actuación de R&B.
En segundo lugar Kendrick aspira a ocho estatuillas. Parece evidente que ‘The Heart Part 5’ se agenciará al menos alguno de los Grammys específicos de rap, mientras el disco ‘Mr. Morale & the Big Steppers‘ nos atrevemos que tiene el premio a Mejor álbum de rap asegurado.
En cuanto a Canción del año, ponemos la mano en el fuego a que veremos a Harry Styles recogerlo, pues eso es lo que ha sido ‘As it Was’, la canción del año 2022 en cuanto a cifras. Su mayor competidora es Adele con ‘Easy on Me’, porque ni ‘BREAK MY SOUL’ de Beyoncé ni ‘About Damn Time’ de Lizzo se le acercan en lo que a repercusión se refiere (y nos referimos a Estados Unidos, no a nivel global, que también). Apuesta: ‘As it Was’ y no hay discusión.
Otro de los premios principales es el de Grabación del año, que se diferencia del de Canción porque premia la parte técnica en lugar de la composición. Ahí sí vemos a Beyoncé ganando con la Canción Del Año para JENESAISPOP, ‘BREAK MY SOUL’. El sample de Big Freedia es oro. Apuesta: Beyoncé.
¿Qué pasará con el Grammy a Artista revelación? Es difícil adivinar si se harán con él unos virtuosos como Domi & JD Beck (a los Grammys les encanta el jazz y ellos son jovencitos), o más bien las nuevas estrellas del rock Måneskin. Con menos opciones parten la brasileña Anitta y los británicos Wet Leg. Puede dar la sorpresa Omar Apollo o algún nombre desconocido tipo Tobe Nwigwe. Apuesta: Måneskin porque han triunfado en Estados Unidos siendo italianos.
Uno de los premios que más curiosidad nos genera cada año es el que distingue el Mejor álbum alternativo del año. Puede ser por fin la noche de Björk, aunque si no lo ha ganado nunca, ¿realmente lo va a hacer ahora? Creo que se lo disputan Arcade Fire y Big Thief. Apuesta: Big Thief.
Este lunes comentaremos los ganadores también en las categorías específicas de pop, rock, R&B, electrónica, en las que sí pueden destacar Adele, Lizzo, Doja Cat, Brandi Carlile, The Black Keys…
Por otro lado, la lista de performers de los Grammys es amplia. Estarán Bad Bunny, Harry tyles, Lizzo, Mary J Blige, Sam Smith y Kim Petras, Steve Lacey, Brandi Carlisle, Luke Combs y Stevie Wonder con Smokey Robinson y Chris Stapleton, y DJ Khaled con Fridayy, Jay Z, John Legend, Rick Ross y Lil Wayne. Además, Kacey Musgraves rendirá tributo a Loretta Lynn, Mick Fleetwood, Sheryl Crow y Bonnie Raitt recordarán a Christine McVie, y Quavo & Maverick City Music harán lo propio con Takeoff.
De manera destacada, en los escenario de los Grammys se celebrará el 50 aniversario del hip-hop con una actuación llena de estrellas. ’50 Years of Hip-Hop’ contará con LL Cool J, The Roots, Big Boi, Busta Rhymes con Spliff Star, De La Soul, DJ Drama, DJ Jazzy Jeff, Missy Elliott, Future, GloRilla, Grandmaster Flash, Grandmaster Mele Mel & Scorpio/Ethiopian King, Ice-T, Lil Baby, Lil Wayne, The Lox, Method Man, Nelly, Public Enemy, Queen Latifah, Rahiem, Rakim, RUN-DMC, Salt-N-Pepa con Spinderella, Scarface, Swizz Beatz y Too $hort.
La 65ª de los Grammys se celebran de 5 p.m. a 8:30 p.m de Los Ángeles. En España se podrá ver desde las 2 de la mañana hasta las 5.30 del ya lunes 6 de febrero.
La gala final de Benidorm Fest se ha celebrado este sábado dejando como ganadora a Blanca Paloma, que representará a España en Eurovisión con su ‘EAEA’. Afortunadamente el público ha acompañado frente al televisor, aunque con peores cifras que en 2022. Algo que ya se podía intuir pues la segunda edición de Benidorm Fest ha contado con menos tirón que la primera desde las semifinales.
1.887.000 personas, el 14,7% de la audiencia, vio la gala final de Benidorm Fest, en datos que comparte VerTele. Esto significa que RVTE lideró el prime time, pero también que no igualó las cifras de la edición de 2022, la del fenómeno. El año pasado, 2.966.000, casi 3 millones de personas, fueron testigos de la victoria de Chanel, un 21% de cuota de pantalla. En su segunda edición, Benidorm Fest ha perdido más de un millón de espectadores.
RTVE ha conseguido convocar especialmente espectadores de entre 25 a 44 años, según Vertele, y también de entre 12 a 24, mientras el público mayor de 64 se le ha resistido. Aquí están las pistas de lo que podríamos encontrar en la edición del año que viene, pues la segunda edición de Benidorm Fest ha apostado claramente por el talento joven desde el primer momento, y también por un talento no consolidado, como es Blanca Paloma, que cuenta con tres canciones publicadas.
Pese a la calidad de la canción ganadora, pese al talento de los artistas participantes, a Benidorm Fest le ha faltado igualar el «hype» del año anterior con la presencia de artistas consagrados que se atreviesen a competir con otros noveles. Sin embargo, la clave parece ser la desconfianza que generó el sistema de votaciones el año pasado, sobre todo al enfrentar propuestas tan radicalmente opuestas como las de Chanel y Rigoberta.
No obstante, RTVE no se ha cansado de repetir que la segunda edición de Benidorm Fest ha sido la de la consolidación de la marca. Esperemos que en los años venideros vuelva la emoción de la primera edición, que tanto hemos echado de menos.
Entre los artistas que esta noche actúan en el escenario de los Grammy se encuentra Sam Smith, que acaba de publicar su nuevo disco, ‘Gloria‘. Smith cantará -presumiblemente- ‘Unholy‘, pues está confirmade junto a Kim Petras. Y es lógico, pues ‘Unholy’ sigue entre las canciones más escuchadas en todo el mundo (4ª en Spotify Global, por ejemplo).
Sin embargo, Smith ha dado que hablar recientemente con otro single. ‘I’m Not Here to Make Friends’ es el tema disco de ‘Gloria’ y su videoclip ha provocado una considerable polémica en redes por su componente sexualizado.
Empezamos por la canción. ‘I’m Not Here to Make Friends’ es una producción de Calvin Harris -con la participación de Stargate y Smith- que se inspira en la música disco de finales de los 70 y principios de los 80. Smith ha contado que la escribió cuando se hartó de que los chicos con los que tiene citas rechacen emprender una relación sentimental con elle. «No estoy aquí para hacer amigos, quiero un amante», clama en el estribillo. Jesse Reyez aparece puntualmente haciendo coros.
Todo un temazo disco, que pasa de la compostura de las estrofas a la desesperación en el estribillo, ‘I’m Not Here to Make Friends’ se abre con un sample de RuPaul y su famosa frase: «si no te puedes querer a ti mismo, ¿cómo demonios vas a querer a alguien?» Smith aplica este lema claramente en el videoclip de la canción, en el que demuestra que se quiere a sí misme sin importar el qué dirán, dándole otra vuelta a eso de «no he venido aquí a hacer amigos».
Bastantes enemigos se ha ganado Smith con el vídeo de ‘I’m Not Here to Make Friends’. Dirigido por Tanui Muino, experta en crear videoclips polémicos (‘MONTERO‘ de Lil Nas X) y sexuales (‘Wild Side’ de Cardi B y Normani), aunque también tan bonitos como el de ‘As it Was‘ de Harry Styles, el clip de «Friends» es un festín de looks entre lo extravagante y lo burlesque, eminentemente queer, en el que Smith expone su cuerpo gordo con toda la libertad y la sensualidad que le apetece.
El vídeo ha despertado la gordofobia y la LGBTfobia de muchos porque, más allá de que esté sexualizado (que tampoco lo está tanto), sigue siendo habitual que a las personas gordas se las tache de enfermas por el hecho de serlo. Más normalizada está la idea de que sus cuerpos no son deseables y mucho menos merecedores de recibir este tipo de trato artístico. Así que bien por Smith por apostar por sí misme y por darnos un vídeo tan liberador y divertido.
Blanca Paloma se ha proclamado ganadora de Benidorm Fest y representará a España en el festival de Eurovisión, después de ganar el voto del jurado y también el televoto, sumando un total de 169 puntos. Su actuación de ‘EAEA’ ha vuelto a impactarnos en todo su poderío vocal, en su emocionante mezcla de flamenco y electrónica, y en la elegancia de la puesta en escena. Como es habitual, hemos estado comentando la gala en Twitter y en los foros.
Agoney ha sido el siguiente artista más votado, quedando en segundo lugar con 145 puntos, y Vicco la tercera con 129, tras obtener la máxima puntuación en el voto demoscópico. Finalmente, Megara se ha impuesto a Alice Wonder consiguiendo 106 votos frente a los 89 de la intérprete de ‘Yo quisiera’.
Fusa Nocta, que partía como favorita antes de las semifinales gracias a su canción, ‘Mi familia’, que fue la más escuchada por un breve periodo de tiempo, hasta que ‘Nochentera’ le pilló por banda, finalmente ha quedado en última posición.
Blanca Paloma – 40 puntos (total: 169 puntos)
Agoney – 35 puntos (total: 145 puntos)
Vicco – 30 puntos (total: 129 puntos)
Megara – 28 puntos (total: 106 puntos)
Alice Wonder – 20 puntos (total: 89 puntos)
Karmento – 25 puntos (total: 80 puntos)
José Otero – 16 puntos (total: 75 puntos)
Fusa Nocta – 22 puntos (total: 71 puntos)
Chanel ha entregado el micrófono de bronce a Blanca Paloma y ha anunciado que pronto podremos escuchar su «nuevo proyecto como artista». Además se ha anunciado que será jurado del nuevo talent ‘Cover Night’ junto a Mónica Naranjo y Miguel Bosé. Ruth Lorenzo presentará el programa.
Karmento ha sido la primera concursante en actuar. Con su emocionante presentación de ‘Quiero y duelo’ ha vuelto a convencernos de la valía de su propuesta manchega, 100% española, que NO flamenca, en Eurovisión, en contra de quienes dicen que «no pega» (¿y por qué no?). Sin embargo, ha sido presa de la emoción en algún punto, y cuando Nina decía que algunos artistas se han descontrolado vocalmente, es difícil no pensar que se refería, entre otros, a Carmen Toledo.
También podía referirse a Fusa Nocta. La joven promesa partía con mucho margen de mejora respecto a su performance en la primera semi, y aunque ha pisado el escenario de manera mucho más segura que el martes, en el apartado vocal ha habido momentos en que ha sonado incontenida, mientras en otros la coreografía parecía llevársela por delante. Le ha pasado lo mismo a Vicco, a la que se ha percibido algo nerviosa, aunque está claro que ‘Nochentera’ ha conquistado al público.
Aunque la mayor oportunidad perdida puede ser la de Megara. Con una performance alucinante desde el segundo uno, el grupo merecía haber llevado el rock a Eurovisión gracias a su espectacular puesta en escena cyberpunk, a su soltura en el escenario y enfrentando las cámaras, a la garra y el carisma de su vocalista. Por supuesto, Agoney se ha impuesto a ellos y ha quedado en segundo lugar con una performance mejorada respecto al primer pase: vocalmente le ha quedado mil veces mejor el momento ‘La piedad’, aunque el grito final debería haber sido más épico. El canario, por cierto, ha confirmado que ‘Quiero arder’ es el primer single de su próximo disco.
Entre quienes han salido muy bien parados en la final se encuentran también Alice Wonder y José Otero, que han realizado presentaciones estupendas en lo suyo, aunque sin terminar de convencernos de que su propuesta era la más apta para Eurovisión. En especial, Alice Wonder podía haber dado la sorpresa debido a la belleza de su puesta en escena, tan onírica, y a su personal voz, pero su canción no tiene mucho gancho: es pura emoción desgarrada.
Ha abierto la gala uno de los artistas invitados, Manuel Carrasco, con un look muy 70s, tanto que por un momento parecía que había empezado un nuevo episodio de Cachitos. ‘Eres’ puede ser su canción más disco y más retro. Como colofón final, Ana Mena ha cantado su nuevo single ‘Un clásico’ y en ‘Las 12’ se le ha visto más divaza que nunca. Después, Mónica Naranjo ha recuperado su éxito ‘Sobreviviré’, en su look más Raffaella. El público gritaba «Mónica a Eurovisión»: ojalá.
Los canadienses Fucked Up se han convertido en uno de los grupos de hardcore más queridos fuera de la escena hardcore. Lo han logrado gracias al acercamiento a la ópera-rock que fue ‘David Comes To Life‘ (2011), a sus constantes devaneos con el power pop, con el glam, con el indie rock… y hasta nos atreveríamos a decir que con los ritmos disco, a su manera.
‘One Day’ es uno de sus lanzamientos más concentrados y presentables fuera de su base de fans: tiene tan solo 10 canciones que se extienden 40 minutos, es decir, menos de la mitad de lo que duraba ‘Dose Your Dreams’ (2018). Eso sí, no sería exacto decir que este es su primer álbum en 5 años, pues entre medias han seguido con ediciones paralelas como su «Zodiac Series» y además este álbum se gestó entre finales de 2019 y principios de 2020, siendo masterizado y mezclado definitivamente tan sólo en primavera de 2022, una vez superada la pandemia.
Han pasado 4 años, lo cual contrasta con el concepto que da título al disco: cada miembro del álbum tuvo que escribir y grabar sus partes en tan solo 24 horas. El guitarrista, productor y diseñador del arte Mike Haliechuk es el responsable de escribir todos los singles, como demostrando quién manda en la sombra (pistas 1, 2, 3, 8 y 9). Y el vocalista principal Damian Abraham pone todo su carisma en la interpretación -el propio de un grupo de hardcore- y además también entrega alguna de las composiciones más destacadas, como ‘Lords of Kensington’ y ‘Falling Right Under’.
Las historias que ambos nos cuentan se funden bajo la firma de Fucked Up. La inicial ‘Found’ habla sobre el colonialismo en Canadá, una cuestión que preocupa mucho últimamente en este país, como nos contó Basia Bulat. Esta canción recuerda «todos los nombres borrados, enterrados bajo una tierra que mi gente robó». Por su parte, ‘Lords of Kensington’ habla sobre la gentrificación: «Mienten a través de sus malditos dientes / Los arrestos no se detendrán y los precios no bajarán / Mientras, ven todas sus ganancias rodar».
Quizá en cuanto a textos Mike apueste algo más por lo imaginativo (el viaje en barco de ‘I Think I Might Be Weird’), y Damian por lo sentimental (‘Falling Right Under’, ‘Roar’), aunque lo relevante es que Fucked Up no serían lo mismo sin los coros del mismo Haliechuk y del batería Jonah Falco.
Y es que Fucked Up son una banda de hardcore peculiar, introduciendo detalles aventureros como los golpes de cuerda de ‘I Think I Might Be Weird’, la electrónica al final de ‘One Day’, el teclado al principio de ‘Nothing’s Immortal’, el susurro casi new-age de ‘Huge New Her’ o -ciertamente- la diversidad de voces en ‘Lords of Kensington’ y ‘Falling Right Under’. Sin necesidad de irnos a la canción a una cigarra dedicada que canta al completo Haliechuk, el efecto coral en algunos de los momentos clave del álbum es muy parecido al de los mejores R.E.M.
Tras dos semifinales que han sido mejor de lo esperado pero que no han captado enormemente la atención del público, lo cual se ha traducido en cifras de share bastante malas para RTVE y en la ausencia casi total de «hype», esta noche se celebra la final de Benidorm Fest. Karmento, Megara, Alice Wonder, Fusa Nocta, Agoney, Blanca Paloma, José Otero y Vicco competirán por ganar el certamen y lograr la oportunidad de representar a España en Eurovisión, y actuarán exactamente en este orden. El programa se emitirá a partir de las 22.00: por lo menos, como cantaba Lolita, mañana es domingo.
La gala final de Benidorm Fest contará además con dos artistas invitados. Ana Mena presentará -imaginamos- su nuevo single ‘Un clásico’, que ha sido Canción Del Día en estas páginas, y Manuel Carrasco también se dejará caer por el plató, con la distinción que le otorga ser uno de los artistas más vendedores de nuestro país desde hace décadas. Sin ir más lejos, fue el rey de ventas de las pasadas fiestas.
De momento, la final de Benidorm Fest se la disputan principalmente Agoney, favorito del jurado profesional y del televoto en la primera semifinal, y Blanca Paloma, favorita del jurado y del voto demoscópico en la segunda semifinal, y segunda en el televoto por detrás de Vicco. Según los votos de las semifinales ganaría la final Blanca Paloma, que obtuvo 167 puntos en total por encima de los 161 de Agoney. Pero todo puede pasar y está por ver si los artistas mejoran sus actuaciones.
La sorpresa la podrían dar Alice Wonder y Vicco, pues ambas quedaron segundas en sus respectivas semifinales; y, en menor medida, Karmento, salvada por la audiencia. Con menos posibilidades parten Fusa Nocta (que tendría que mejorar exponencialmente su actuación del pasado martes), Megara y José Otero. También el público de JENESAISPOP tiene claro que Blanca Paloma se impondrá en la final muy por delante de Agoney. Esta noche saldremos de dudas y, pase lo que pase, celebraremos.
De los que quedaron primeros y segundos en las semis de #BenidormFest ¿quién crees que se impondrá en la final?
En 1944, el Padre Castillejo escribió ‘Telegrafía rápida, la música eléctrica’, un libro en el que prácticamente se anticipaba a la música electrónica: con la intención de “acercarse a Dios” a través de la música, en sus páginas hablaba del “electrocompositor”, o de la idea de transformar, a través de un cable dispuesto en el fondo del océano, el movimiento de los bancos de peces en sonido… y convertir así la vida (marina) en una melodía. ¿Adivináis de dónde era este sacerdote? Sí, del mismo sitio que la Ruta Destroy, y sí, voy a evitar “bakalao”.
Lo que ha quedado de la Ruta en el inconsciente colectivo es más lo que ésta representaba en su decadencia que en su efervescencia (curiosamente, lo contrario de lo que ocurre con la Movida Madrileña). Sin embargo, en su historia hay un fuerte componente de fraternidad, esperanza y hasta de espiritualidad, dándole a esa anécdota del Padre Castillejo un punto profético que tiene su merecido guiño en ‘La Ruta’, la serie de Borja Soler y Roberto Martín Maiztegui (con dos firmas de lujo en dirección: Belén Funes y Carlos Marqués-Marcet) para Atresplayer Premium. Todas esas discotecas de pueblo presentes en la serie, como aquellas de las que nos hablaban nuestros padres, parecen más sci-fi que algo histórico, porque todo está cada vez más dominado por las ciudades y el empeño, no ya de sacar rédito, sino de que todo lo que no sea sacar el máximo dinero posible es un fracaso.
Pero, frente a esta dinámica de ocio nocturno, lo que se cuenta de esos primeros años -y que recogería gente como Joan M. Oleaque o Luis Costa– es que, por naif que parezca, muchas veces aquello se acercaba más a oasis que a un negocio. Salvando las distancias, algo parecido a lo que está ocurriendo con la resurrección (?) de la escena rave (si no has conocido estas navidades a las vecinas de La Peza, no esperes más). ‘La Ruta’ nos acerca a esto, y lo hace a través de un coming of age a la inversa, rodaje incluido: relata la evolución de una pandilla a lo largo de doce años, empezando en su capítulo piloto por el final en 1993, y acabando en 1981. Tanto por las antipatías que genera el “héroe local” Atresplayer como por la inusual manera de contar esta historia, ‘La Ruta’ requiere de cierta paciencia, pero pronto los temores respecto a ambos aspectos comienzan a calmarse. La serie parte de la conocida decadencia que se ve reflejada en el grupo de amigos, y va viajando en el tiempo hacia el luminoso principio de la Ruta y de ellos.
Hay un buen trabajo de guión (obra de los creadores junto a Clara Botas y Silvia Herreros de Tejada) y del reparto para mantener el complicado equilibrio entre que esto sea realista y que la historia y sus personajes no nos expulsen. Así, nos encariñamos con ellos y con ese grupo pese a que “grupo” sea un eufemismo en el inicio, y pese a que se suponga que está todo contado. El casting combina rostros jóvenes que debutaron en éxitos como Àlex Monner, Claudia Salas, Ricardo Gómez y Elisabet Casanovas con dos pesos pesados como Sonia Almarcha y Luis Bermejo (coprotagonistas de ‘El Buen Patrón‘ y ‘Magical Girl‘, respectivamente) y la gran revelación, Guillem Barbosa, que sale airoso de un personaje con el que fácilmente podría pasarse de rosca.
Crear una pandilla y una amistad (y que el espectador se lo crea) a partir de unos personajes que, según el caso, no se soportan, se resultan indiferentes, o directamente han muerto, es casi misión imposible, y el hecho de que aquí sea posible es uno de los motivos por los que recomendamos ‘La Ruta’, sobre todo por la secuencia en que algo hace “clic” y esto se consigue. Además de la mejor secuencia de la serie, puede ser una de las mejores de la ficción (no solo nacional) de este pasado año. Y lo que la hace tan especial no es solo la coreo o el diseño de producción en sí, sino que tiene algo aún más difícil de lograr: alma. Hay algo en el efecto catártico que puede tener la música en grupo y vivir un temazo con personas a las que quieres, hay algo en esa mezcla de amistad, hedonismo, inocencia y libertad… que hace que entendamos a qué se refería la frase “quiero morir en una discoteca llena de maricas”. O “quiero morir en los váteres de Spook”, como reza la pintada que se ve justo antes, y que al parecer existió.
Precisamente esa escena ocurre mientras suena ‘Nowhere Girl’, y la verdad es que tanto la banda sonora original de la serie (a cargo de Pional, Álex de Lucas, Raúl Santos y La Plata) como su selección musical son otro punto a favor. De Kraftwerk a Chimo Bayo (se llegó a intentar Nina Simone, como cuenta Antonio Rivera en El Confidencial), por ‘La Ruta’ desfilan ejemplos de la etapa noventera como ‘The dream is just in my mind’ de Piropo o ‘Es imposible’ de Megabeat, pero también clásicos algo olvidados como ‘Lady Shave’ de Fad Gadget o ‘Solidarity’ de Angelic Upstarts (imperdible su historia), junto a un megahit como ‘Fade to Grey‘ de Visage, siendo estas dos últimas parte de otros dos momentazos de ‘La Ruta’. El uso que le dio Xavier Dolan en ‘Laurence Anyways’ (¡algún día continuaremos esa serie!) pone el listón muy alto a la hora de meter ‘Fade to Grey’, pero es una digna elección para ejemplificar los discos que “mataba” Carlos Simó.
Y es que, aunque la serie no mantenga sus destellos de genialidad y no logre expresar del todo qué fue la Ruta, sí que hay multitud de guiños a sucesos reales (de “matar un disco” al suicidio de R.a.f.a DJ, pasando por el elefante, el batería de The Stone Roses o el “test de drogas” de Fran Lenaers), y un concienzudo trabajo de documentación sobre discotecas o distintos personajes de la época, como detalla Javier P. Martín en El País.
La pena es que se echa en falta la magia de secuencias como la de ‘Nowhere Girl’ o la de la playa, en general, más presencia de la música de una manera no tan accesoria. Quizás una historia como ésta pedía más momentos como esos, y menos de piruetas formales, de una seriedad que muchas veces resulta impostada y que parece querer “acercarla al cine” (really?), o de misterios y giros aprovechando la estructura que no terminan de cuajar. En cualquier caso, ‘La Ruta’ no deja de ser una serie recomendable, en la que se pueden ver bastantes paralelismos con la generación actual, y en la que hay un acercamiento al amor por la fiesta, especialmente en tiempos de incertidumbre. Ya lo dice Toni, el personaje de Claudia Salas, en un momento clave: “hay que vivir la vida”.
El Disco de la Semana ha sido ‘Diamonds & Dancefloors‘, el nuevo trabajo de Ava Max. Un disco que apuesta, como pocos hoy en día, por el pop puro y duro, por ese pop electrónico, bailable y pegadizo que asociamos a la época de Lady Gaga, Katy Perry y Kesha, y también al eurodance de los 90 y los 2000; y que no interrumpe el baile en ningún momento de sus 14 cortes.
Es difícil escoger un single entre todos los posibles que incluye ‘Diamonds & Dancefloors’. Por eso, Ava Max ha solicitado consejo a sus fans en Twitter. Entre los que han llegado incluso a ser «trending topic» se encuentra ‘Hold Up (Wait a Minute)’. Otro muy sugerido ha sido ‘Sleepwalker’. Nosotros apostamos por el «focus track» más reciente.
‘Ghost’ es el corte de ‘Diamonds & Dancefloors’ que se inspira de manera más evidente en el diva house de los 90. Un dardo pop que no falla en sus tres minutos de duración, y en el que no extraña encontrar en sus créditos de composición a Uzoechi Emenike, es decir, MNEK, productor asociado a dos recientes macrohits de house como son ‘Head & Heart‘ de Joel Corry y ‘Where Did You Go’ de Jax Jones. Sin embargo, MNEK contribuye en la composición, no la producción, que corre a cargo de Cirkut, colaborador habitual de Ava desde sus inicios.
Si ‘Diamonds & Dancefloors’ narra la disolución de una relación, ‘Ghost’ nos sitúa en el momento del enamoramiento obsesivo. La metáfora fantasmal es idónea para contarnos esa obsesión, pues Ava siente que esa persona le persigue por todas partes, que no se la puede quitar de la cabeza, y que esa persona «es a la que más amo y también a la que más temo».
No es la primera vez que Ava juega con la imaginería de terror: en el videoclip de ‘Freaking Me Out‘ visitaba una casa encantada. No estaría mal recuperar la idea para un posible vídeo de ‘Ghost’: con 4 millones de streamings, apunta a que será el siguiente single del disco.
Depeche Mode han anunciado que su nuevo single, ‘Ghosts Again’, verá la luz el próximo jueves 9 de febrero a las 17.00 horas (hora española). Es el primer adelanto de ‘Memento Mori‘, su nuevo álbum de estudio, que sale el 17 de marzo. Un adelanto del tema se puede escuchar ya en sus redes.
Se concretan al fin noticias sobre el nuevo trabajo de Depeche Mode, que, desde que anunciaran, el pasado mes de octubre, la llegada de su nuevo disco, han mantenido un silencio absoluto. Han pasado cuatro meses hasta que Dave Gahan y Martin Gore se han animado a anunciar el primer single, y la estrategia que han escogido no ha gustado a muchos de sus fans.
La semana pasada, Depeche Mode colgaron una cuenta atrás en sus redes que apuntaba al viernes 3 de febrero. Muchos de sus seguidores pensaron que este día podrían escuchar por fin ‘Ghosts Again’, pero la cuenta atrás solo dirigía a otra cuenta atrás, la que terminará con el lanzamiento de la canción el próximo jueves.
En Instagram son muchos los fans de Depeche Mode que han inundado el «feed» del grupo con críticas hacia la campaña de ‘Memento Mori’. Muchos cuestionan la estrategia del grupo, ventilan su frustración ante la interminable espera por nueva música, o les piden que contraten a un equipo de márketing nuevo «que esté en sintonía con los tiempos actuales, porque estamos a 2023».
Durante esta espera que ha durado meses, Depeche Mode sí han vivido un pequeño «hype» no relacionado con su nuevo disco: su viejo single de 1987, ‘Never Let Me Down Again’, aparecía en una escena clave de la nueva serie de HBO ‘The Last of Us‘. El tema no ha protagonizado un nuevo boom a lo Kate Bush, lo cual sería harto difícil, pero sí se ha viralizado brevemente.
Os recordamos que Depeche Mode presentarán ‘Memento Mori’ en España: el día 2 estarán en el Primavera Sound de Barcelona, y el 9 en la edición de Madrid.
Como en el Global de Spotify, en nuestro humilde top 40 Miley Cyrus no ha sido top 1 directo, pero sí lo ha conseguido con el paso del tiempo. ‘Flowers’ asciende a la primera posición, en el que supone el 4º número 1 en nuestro top 40 para Miley. Antes llegaron ‘Midnight Sky’, ‘Malibu’… y ‘Do It’ con Flaming Lips. Qué tiempos aquellos en que la cantante parecía necesitar la validación del público indie. ¿Alguien lo recordaba?
La entrada más fuerte de la semana está protagonizada por Ladytron, seguidos por Yaeji, una de nuestras favoritas ahora mismo, Carolina Durante, Stephen Sanchez, dani y Roy Borland.
Francisco Rabaneda Cuervo, conocido mundialmente como Paco Rabanne, ha fallecido a los 88 años en su casa de Portstall, en Francia. Rabanne deja tras su muerte una marca reconocida internacionalmente en la moda y en el mundo del perfume, y un legado difícil de igualar.
Nacido en Gipuzkoa en 1934, su familia se afincó en Francia desde que este tenía cinco años, en 1939, en plena ocupación nazi. Vivió allí hasta 1947, donde empezó a llevar a cabo su revolución en la moda, caracterizada por su modernidad y futurismo. La madre de Paco Rabanne trabajó como costurera jefe para Balenciaga, por lo que desde pequeño tuvo claro a qué se dedicaría, pese a haber estudiado arquitectura.
En 1966, la primera colección de Paco Rabanne vio la luz, compuesta por 12 vestidos en los que usaba materiales inverosímiles en la época como el metal, el papel o el plástico. Por esto, Coco Chanel le definió como el «metalúrgico de la moda». En esta década ya consolidó su nombre totalmente, diseñando el vestuario de la película ‘Barbarella’ (1968), protagonizada por Jane Fonda, y vistiendo a figuras de la época tan importantes como la cantante y actriz Françoise Hardy o Audrey Hepburn.
En esta década también comenzó sus andanzas en el mundo del perfume con el lanzamiento de una fragancia llamada ‘Calandre’, que se traduce como «parrilla de automóvil», que se convirtió en un icono de la feminidad moderna. En los 80, experimentó con tejidos luminiscentes, papeles metalizados, cuero… Sin embargo, en 1999 Paco Rabanne se retira de la moda y su marca con él. Es en 2011 cuando la marca resurge gracias al diseñador Julien Dossena, quien ha devuelto la marca al éxito de los tiempos de su fundación.
Este 4 de febrero se cumplen 40 años desde el fallecimiento de Karen Carpenter. La cantante de los Carpenters moría a los 32 años a consecuencia de un paro cardiaco relacionado con la anorexia que había arrastrado desde los inicios de su carrera, y que se acrecentó con la llegada de la fama. Ella siempre negó padecer la enfermedad, mientras la gente de a pie, ante la incerteza, pensaba que se enfrentaba a algún tipo de cáncer, debido a su delgadez. En realidad, Karen pasaría a la historia por ser una de las primeras celebridades que fallecieron a causa de este desorden alimenticio entonces bastante desconocido.
Aunque para hablar de Karen es imposible no mencionar sus sombras, muy poco del drama que salpicó su vida está presente en sus canciones, las alegres y románticas canciones de Carpenters que tanto marcaron el pop de los años 70. Acaso alguna joya escondida como ‘When It’s Gone (It’s Just Gone)’, incluida en el disco final del dúo, ‘Made in America‘ (1981), podía aludir a la muerte del amor o de la vida misma de manera un tanto tétrica, gótica incluso… y aún así la música, su forma de country-pop luminoso y relajado, nos seguía llevando a un lugar de confort, el mismo que sentíamos al escuchar la cálida y maternal voz de Karen, que tanto convirtió a Carpenters en lo que fueron, en lo que son.
Para entender cuán esencial era la voz de Karen en las canciones del dúo, solo hace falta recordar cuánto hemos ignorado siempre que ellos no fueran autores de muchos de sus hits más emblemáticos: ‘Close to You’, ‘We’ve Only Just Begun’, ‘Rainy Days and Mondays’, ‘Superstar’, la súper feliz ‘Sing’, ‘Hurting Each Other’ (recientemente rescatada por los Avalanches) o ‘I’ll Never Fall in Love Again’ las escribieron otras personas (nadie ha olvidado nunca que ‘Ticket to Ride’ y ‘Please Mr. Postman’ eran versiones). Richard arreglaba, producía, tocaba el piano y el teclado, cantaba, por supuesto elaboró esas capas armónicas tan característicos de la banda, y componía, pero hacía otras cosas y a veces delegaba esta labor en terceros. Karen empezó tocando la batería, instrumento que nunca abandonó del todo, pero nunca escribió una canción: su rol era el de vocalista (como dato, el primer single asociado a los Carpenters, ‘Looking for Love’, estaba a su nombre).
Eran otros tiempos para la industria y los cantautores nos importaban un poco menos, pero Richard sí firmó, mano a mano con John Bettis, cuatro éxitos inmortales de Carpenters como son ‘Yesterday Once More’, ‘Only Yesterday’, ‘Top of the World’ y ‘Goodbye to Love’, este último, adaptado no hace mucho por la omnipresente Phoebe Bridgers. Las dulces melodías de Carpenters, empalagosas como una nube de azúcar; su imagen de niños buenos, que Richard odiaba porque era una imposición de la discográfica; y sus poéticas letras sobre amor, desamor o nostalgia perduran a día de hoy en la imaginería popular, y lo hacen gracias a la voz de Karen, que tanta alma insuflaba a las canciones. Una voz cristalina, poderosa y llena de sentimiento, que encarnaba la música pop misma. Las canciones eran excelentes, pero también se adaptaban a su voz (Richard jugaba mucho con el registro bajo de su hermana), e incluso cuando Karen cantaba una pieza que no le gustaba, como ‘Solitaire’, lo hacía con todo el candor del mundo. Es a Karen a quien queremos escuchar cuando nos ponemos a los Carpenters.
También las canciones, claro, que tanto nos han seguido acompañando a través de las generaciones. Como el repertorio de los Beatles, de ABBA o de Elvis Presley, o en España el de Rocío Jurado o Julio Iglesias, el de Carpenters conforma su propio estándar de excelencia y se ha seguido vendiendo y escuchando a lo largo de las décadas. Los streamings de ‘Close to You’ y ‘Top of the World’ se cuentan por los cientos de millones, pero mi favorita personal es ‘We’ve Only Just Begun’. Desde que empieza, taciturna, con la voz tristona de Karen, hasta que eleva el espíritu con la entrada de baterías y coros, siempre me ha parecido una canción perfecta de Carpenters en todo su conjunto. Fue una de mis primeras aproximaciones a su repertorio, cuando la radio de Last.FM te podía descubrir muchos de sus éxitos incluidos en el recopilatorio ‘Gold’ (más tarde descubrí que previamente ya había escuchado el trabajo de Richard Carpenter en un single de las rusas t.A.T.u.: él orquestó ‘Gomenasai’ y no, no me lo estoy inventando, lo dijo él mismo).
La definición de clásico atemporal, como tantos que escribieron Burt Bacharach y Hal David, ‘Close to You’ la han adaptado desde Rumer hasta Frank Ocean y se ha usado lo mismo en bodas que en funerales. Es otro de los grandes hitos de los hermanos. «Desde que descubrí ‘Close to You’, siempre ha sido una de mis canciones favoritas, siempre me la he sabido de memoria», cuenta mi compañero Sebas. «Me encantaría decir otra cosa, pero la descubrí en ‘Cosas de Casa‘, cuando Carl Winslow se la dedicaba en una escena a su esposa. Por suerte, pronto descubrí que «la original» (antes de los Carpenters la grabaron otros artistas) era mucho mejor. Karen Carpenter, habitual en la VH1 de la época, era todo magnetismo mirando a cámara o tocando la batería. Siempre me han gustado las voces así: dulces, expresivas y poco chillonas. Seguro que inspiró a muchas de mis voces favoritas de los 90, como Nina Persson o Sarah Cracknell. «Close to You» es también uno de los mejores trabajos de Burt Bacharach y Hal David. Es uno de mis primeros contactos con una canción sin estribillo, algo que suplen el cambio melódico en el puente («So they sprinkled moon dust in your hair…») y la outro llorica con todos esos «wah-wahs»».
La televisión también ha contribuido a inmortalizar el catálogo de los Carpenters. «Supongo que como mucha gente de mi generación, mi primer contacto con (ellos) fue a través de los Simpsons», cuenta Mireia. «‘(They Long to Be) Close to You’ era la canción de Marge y Homer… y en casa teníamos el single. La edición española, que en la cara B traía ‘Ticket to Ride’. Y esa era la canción que realmente le chiflaba a mi padre, el motivo fundamental de que el single estuviera en casa. Y no me extraña: no suelo ser muy fan de las versiones de los Beatles, pero es que la de los Carpenters es exquisita, con su introducción a piano que puede confundir un poco, su sobreproducción, con la angustia post-adolescente de Lennon convertida en un canto quedo, maduro, de resignación… O no. Porque así como la versión original me genera simpatía hacia la muchacha fugitiva (¡sé libre! ¡Huye del plasta de Lennon!), si lo canta Karen odias profundamente al prófugo. “He’s got a ticket to ride. And he don’t care”. Esos “don’t care”, en la voz dulce, emocionante, perfecta de Karen, se clavan como dagas. ¡Maldito! ¿Cómo has podido dejarla?»
Rizando el rizo, también era posible descubrir a Carpenters a través de las versiones que otros artistas hacían de las canciones que ellos mismos habían versionado… o también escrito. Es el caso de ‘Yesterday Once More’, de la que Raúl Guillén guarda una curiosa memoria. «Recuerdo muy bien cuando fui consciente de la existencia de Carpenters y de su increíble catálogo de canciones: en la explosión post-grunge, ‘If I Were a Carpenter’ (1994) reunía a nombres del relumbrón de Sonic Youth, The Cranberries, Sheryl Crow, American Music Club, Babes In Toyland o Shonen Knife para celebrar el repertorio del dúo, interpretando con libertad canciones como ‘Top of the World’, ‘Superstar’, ‘Close to You’ y revelaban a una (otra) generación esas gemas de Richard y Karen Carpenter… cuando ya se había estrenado y retirado ‘Superstar’, el documental del luego idolatrado Todd Haynes que revelaba el lado oscuro de la carrera del dúo, que culminó con la trágica muerte de Karen».
Continúa: «En ese homenaje coral unos Redd Kross que por entonces vivían su pico de fama tras publicar el gran ‘Phaseshifter‘ interpretaban con ramalazo hardrockero ‘Yesterday Once More’ (¿cuánto habría molado ver a Karen romper las baquetas, su instrumento-fetiche, en esta transformación desgreñada?). En el momento que escuché la versión de los californianos me di de bruces con un vívido recuerdo de mi infancia, cuando Carpenters triunfaban (sí, también en nuestra Españita) con melodías radiantes como esta. Una balada alucinante, con una interpretación vocal excelsa por parte de una de las mejores cantantes de la historia del pop y unos arreglos celestiales -que no excesivos-, que nos habla de los «shalalalas», «uoh-uooohs», de «shing-a-ling-a-dings» que sonaban en viejas canciones que ponían los pelos de punta y hacían brotar irrefrenables lágrimas a su intérprete… Un stendhalazo que, en un maravilloso giro metamusical, a mí también me hacía sentir (y aún lo hace) no ya que Karen cante para mí, sino que yo mismo soy Karen y que vuelve a ser ayer.»
Los recuerdos permanecen y lo demás, como cantaba Karen precisamente en ‘When It’s Gone (It’s Just Gone)’, en la que tocó la batería por última vez, se va:
Where’s the word for the sadness
Where’s the poetry in the pain
Where’s the color in the stain where the tears have fallen
It’s gone, it’s just gone
Karol G ha publicado hoy el primer sencillo tras el anuncio de su próximo disco, ‘Mañana será bonito’, del cual todavía no sabemos fecha de lanzamiento. ‘X SI VOLVEMOS’ se trata de la primera colaboración de la colombiana con Romeo Santos, está producida por Ovy On The Drums (‘Tusa’, ‘MAMIII’, ‘PROVENZA’) y lo tiene todo para convertirse en el próximo hit de Carolina Giraldo.
‘X SI VOLVEMOS’ tiene una fórmula sencilla, en la que Karol y Santos le cantan al sexo post relación («A nadie de confianza se le niega un polvo de despedida») sobre una base de reggaetón adornada con unos dulces acordes de guitarra. No inventa la rueda, ni pretende hacerlo, pero sí que es tremendamente pegadiza y las voces de tanto Karol como Santos brillan por sí solas.
Tiene una temática similar al clásico ‘Noche de Sexo’ de Wisin & Yandel, en colaboración con el propio Romeo Santos. De hecho, Karol G hace un guiño a este tema al final de la canción. Por el momento, ‘X SI VOLVEMOS’ no dispone de videoclip pero es muy probable que se publique uno en algún momento, dado que todos los singles que ha sacado Karol G en los últimos meses han recibido uno.
A su vez, es de esperar que ‘PROVENZA’, ‘GATÚBELA’ y ‘CAIRO’ estén incluidas junto a ‘X SI VOLVEMOS’ en el nuevo disco de Karol G, que llegará dos años después de ‘KG0516’ y será el cuarto LP de su carrera. Giraldo le contaba a la revista Rolling Stone que el título del largo, ‘Mañana será bonito’, viene de una frase que se repetía a sí misma en los días malos, cuando se sentía «desconectada de mí misma y de mis amigos».
Si sueles escuchar Sesión de Control, quizá te suene ‘Ritmo’. El tema estrella del EP de Teo Lucadamo celebra ya haber superado la cifra de un millón de streamings en Spotify desde su edición el pasado otoño. Además, lo ha logrado sin el apoyo de Novedades Viernes España, Éxitos España, Novedades Indie, ni ninguna playlist tan poderosa: tan solo ha aparecido de manera orgánica en las virales de nuestro país.
‘Ritmo’ es un tema influido por el hip-hop, el funk y el house, pero todo en él es esclavo de una letra que se jacta de tener aquello de lo que se presume en el título. Alguien con un beat tan metido dentro que debería ser «cardiólogo», que es un auténtico «metrónomo», que es casi una pena que no sea el beatmaker más conocido del país.
La simpática canción se acompaña de otras composiciones como ‘Droga para ricos’, ‘Cochecama’ y ‘Capa’ en el EP ‘El humano’, entre más ritmos noventeros como el acid, voces femeninas y no sé si decir spoken word. “Esa copa rota espero que no sea mi copa” es el leit motiv de la última. Lo que quizá no sabías es que Teo Lucadamo es uno de los hijos de Aitana Sánchez-Gijón con el pintor, fotógrafo, dibujante y escultor argentino Alejandro «Papin» Lucadamo. Un nepobaby de manual, lo que esperemos no sea decisivo para la eterna disyuntiva en esta sección: Revelación o Timo.
REYKO nos hablan en su tercer disco de una «fantasía multi-color» como coartada para justificar la variedad de géneros que encontramos. Podemos pensar que el fuerte del dúo español sito en Londres es la pista de baile underground. Una en la que cabe su macrohit de tropical house ‘Spinning Over You’ y también los escarceos electroclash de su segundo álbum, ‘Pulse’.
Estoy seguro de que los temas nuevos más esperados en su gira serán ese ‘Tú y yo’, un rock underground lo-fi que conecta con gente como The Strokes; lo mismo que la feliz ‘Already There’. La abrumada ‘Leaving Station’, sobre las presiones del mundo moderno, una de las temáticas del disco, tiene un estribillo intrigante.
Pero la Velvet era una influencia gigante en The Strokes y Lou Reed también es un nombre reivindicado aquí a través de baladas a la guitarra retro, como ‘All I Ever Do’. Es esta una canción de devoción, entonada excepcionalmente por Igor, que habla de «huir de las fotos y todo eso», de declararse en plan «old school», de «mirar a los ojos y decir que solo puedo pensar en ti». Las guitarras eléctricas distorsionadas también remiten a los R.E.M. de mediados de los 90, los de ‘Monster’ o ‘Be Mine’.
Es una sorpresa que las baladas sean lo mejor de un disco de REYKO -y ahí está la deliciosa ‘Siempre estaré contigo’-, porque no es lo que esperamos de un disco de REYKO, pero hay dos posibles explicaciones para ello. De un lado, esa ambición «multicolor» de que presume el álbum echa de menos un poco más de riesgo en la parte más hedonista. Digamos que en un mundo de hyperpop, drill y filtros de TikTok, ‘Fantasía’ no es todo lo «fantasía» que podría ser.
De otro, la voz de Soleil se sitúa en el lado más exquisito del indie pop. Black Box Recorder siempre me parecieron una referencia para REYKO, más que Diplo. Así que hay varios momentos en esa línea en los que el grupo suena especialmente confortable. ‘Josephine’, un ánimo para que una amiga pase de los cabrones, puede comenzar en plan ‘The Passenger’ de Iggy Pop, pero lo mejor es que deriva a una bossa pop que ni Astrud Gilberto o los primeros Cardigans. La suave ‘North to South’ suma en esa línea, mientras la calidad de los dos instrumentales -‘Bienvenidos’ hacia la mitad y el contemplativo ‘6pm’ al final- contribuyen a que este sea el álbum más dinámico del dúo.
REYKO actúan en Barcelona el próximo 24 de febrero (Laut), en Madrid el 2 de marzo (El Sol) y en Valencia el 10 de marzo (La Salà).
REVELACIÓN O TIMO, el PODCAST de JENESAISPOP, anuncia su primera edición con público en directo. Será el domingo 5 de febrero a mediodía. Casualmente la mañana después de la final de #BenidormFest.
Os esperamos en Moby Dick (Madrid) el 5 de febrero a partir de las 12.00 horas para tomar el vermú. Las entradas cuestan 10 € e incluyen consumición (vino, cerveza, refresco). Están a la venta en DICE. En taquilla serán 12 euros.
Al término de la grabación del podcast, escucharemos buena música, seguiremos tomando algo, escucharemos vuestras opiniones, y firmaremos Libros y Anuarios si alguien lo requiere. ¡Nos vemos!
Os recordamos que podéis suscribiros a nuestro podcast en ivoox, Spotify y otras plataformas, así como colaborar en su desarrollo a través del Paypal tienda@jenesaispop.com.
Conocimos a Jonas Blue allá por 2015 con ‘Fast Car’, una adaptación al tropical house del éxito de Tracy Chapman que alcanzaba el número 2 de la lista de singles británica, es decir, superaba el desempeño comercial de la canción original, que «solo» llegó al quinto puesto. Después, el británico Guy James Robin triunfaba con ‘Perfect Strangers’ antes de colaborar con gente de todo tipo como Joe Jonas, Liam Payne, Rita Ora, Juan Magán o Ava Max: él es co-productor de ‘My Head & My Heart’.
Dispuesto a hacer bailar a las masas (o a hacerlas sudar en el gimnasio) con sus pulidos ritmos de house y EDM, Jonas Blue ha publicado un puñado de singles en el último año, entre los cuales destacan ‘Perfect Melody’ con Julian Perreta, ‘Don’t Wake Me Up’ con Why Don’t We o ‘Always Be There’ con Louisa Johnson.
Hoy, Jonas protagoniza una de las novedades del viernes con el que puede ser su single más divertido hasta la fecha. ‘Weekends’ es un hitazo de house espídico que suena efectivamente diseñado para petarlo en fin de semana. El tema no necesitaría, en este caso, una versión acelerada, pero visto que hasta ‘Miss You’ de southstar (a la que se parece por bpm), tiene una, todo es posible.
En este tema que nos habla de echar de menos a alguien «sobre todo los fines de semana», Jonas Blue colabora con otro rey del house: recordarás a Felix Jaehn por su remix de ‘Cheerleader’ de OMI, que fue número 1 en Estados Unidos, y un macrohit a nivel global, también en 2015.
Co-producida por el dúo berlinés BLYNE, ‘Weekends’ es una entre la montaña de novedades musicales que reunimos hoy en la playlist «Ready for the Weekend«.
Hoy Mallorca Live Festival suma nuevos nombres a los que ya se conocían, entre los que estaban Chemical Brothers, Moderat, Vetusta Morla, Bomba Estéreo y Viva Suecia, entre muchos otros. Interesante, especialmente, es una línea media en la que están algunos de los nombres clave del nuevo pop español, como rusowsky, Rojuu, Jimena Amarillo, Ralphie Choo, Blanco Palamera, La Plazuela, Irenegarry, Brigitte Laverne, Judeline, Alien Tango, Carlangas… En otras palabras, lo mejor del underground español en este momento.
A todos esos artistas que ya habíamos visto en el cartel del Mallorca Live Festival se añaden hoy The Kooks presentando su disco de 2022 ’10 Tracks To Echo In The Dark’; Quevedo, nada menos que el número 1 actual en Discos España con ‘DONDE QUIERO ESTAR‘; y Ginebras, que presentarán su álbum de 2023, el que incluye ese hitazo llamado ‘Alex Turner’.
Os recordamos que la sexta edición de Mallorca Live Festival tendrá lugar de jueves a sábado, los días 18, 19 y 20 de mayo de 2023, en el Antiguo Aquapark de Calvià. Las entradas de día y los abonos están disponibles desde 59€ en www.mallorcalivefestival.com y la ticketera oficial del festival, See Tickets. Además, sabéis que hay packs especiales con vuelo y hotel para ir desde la península a través de Logitravel.
En cuanto al día en que actuará cada artista The Kooks liderarán la jornada del jueves 18 de mayo. Será también el día de Ginebras. Quevedo actuará el viernes 19 en la que será su primera visita a la isla.
Otros confirmados son tan variados, del rock al pop actual, como Black Rebel Motorcycle Club, Natos y Waor, The Dandy Warhols, Ayax y Prok, Second, The Reytons, León Benavente y Helena Hauff. Además, Cocoon será el host del escenario de electrónica el jueves 18 de mayo. A Sven Väth le acompañará el DJ de música electrónica y dance Gregor Trasher, así como Emanuel Satie, Maurizio Schmitz, Sara de Araújo y Enric Ricone.
Este 3 de febrero no sale una gran cantidad de discos al mercado, pero sí algunos que pueden ser clave a lo largo del año, como el debut largo de RAYE, muy esperado por los fans del pop. Además, vuelve una grande, Shania Twain, con nuevo trabajo, y editan disco Young Fathers, The Go! Team, John Frusciante, LUIS BREA o dos nuevos valores del underground nacional: María Escarmiento y 30s40s50s, el nuevo proyecto de David Otero y Bely Basarte, que ya no esconden su identidad.
Son abultadas las novedades en el apartado de singles. Entre las destacadas hay que comentar la colaboración de Ptazeta y Lola Indigo, el posible nuevo hit de Rels B, el regreso disco de Jake Shears, la alianza de Iván Ferreiro y Tanxugueiras, el bombazo discotequero de Jonas Blue y Felix Jaehn o lo nuevo de Najwa.
Abre la playlist la nueva maravilla con gaita de Caroline Polachek, solo una de tantas artistas que siguen avanzando sus inminentes trabajos. Es el caso de CARLANGAS, la artista revelación DEBBY FRIDAY, Unknown Mortal Orchestra, Ellie Goulding, Westerman, Yves Tumor, los brutales Model/Actriz, Skrillex o The Tallest Man on Earth.
Entre los nuevos valores por descubrir subrayamos el disco chic de Girl Ray, el indie de Geese, la revisión de ‘Stars are Blind’ de Paris Hilton por Peach PRC (foto), el hyperpop de sadie, el guitar pop de Maïa, el folk de Shana Cleveland (integrante de La Luz), la cumbia de Y La Bamba…
No os perdáis tampoco novedades de Nia Archives, Whitney, Recycled J, Terrace Martin, Claire Rosinkraz o Rocío Saíz, ni las que has podido escuchar estos días en la playlist dedicada al pop nacional Sesión de control, con temas frescos de Marta Movidas, Vecinos o Vermú.
Las cifras no están acompañando a Benidorm Fest este año. Ha faltado un himno icónico y transversal a lo ‘Ay mamá’. Una polémica política. Un poco de salseo. Alguna cara más conocida. Sin embargo, ya las semifinales han dejado propuestas muy dignas en cuanto a creatividad. En las redes encontraréis muchas críticas hacia el sonido, a lo amateur de algunas presentaciones, al aire que parecía faltarles a casi todos.
Sí, los hemos oído respirar una y otra vez al principio de cada frase. Pero la final va a reunir varias grandes actuaciones, demostrando que hay un antes y un después de Chanel. Que mientras haya Benidorm Fest, España ya jugará a otro nivel en Eurovisión. Que, como vaticinábamos el año pasado, si seguimos así, pronto ganaremos.
En esta segunda semifinal ha dejado sin habla la propuesta de Blanca Paloma. ‘Eaea’, que parece una producción de Bronquio y Rocío Márquez, fue «Canción del Día» en esta casa en cuanto salió. «Puede dar el Chanelazo» fue aquel titular… et voilà. Su puesta en escena minimalista y un tanto lorquiana no ha tenido nada que ver con la de la misma artista el año pasado. La mejora ha sido substancial y por supuesto ha ganado la semifinal. Si es una enchufada de RTVE, queremos más enchufados así en 2024.
También ha deslumbrado la apuesta campestre y familiar de Karmento, en la que al final ha presentado a un coro manchego en honor a su tierra. Su nombre ha sido de los más coreados de la noche, pero ha sido castigada por el jurado, quizá por la presencia internacional. Nunca lo habríamos adivinado, pero ha sido el público quien la ha salvado.
Curradísima ha sido también la propuesta retro de Alfred, que ha pasado de conducir un coche tipo años 50 a cantar en el Benidorm Fest de 1962 junto a un colaborador de aquellos tiempos, Andrés, de 91 años. Un tanto confusa la presencia de varios micrófonos, quizá también algo sobrecargada, pero muy entretenida. Por alguna razón, ha quedado fuera de la final, en favor de José Otero, un baladista a una inexplicable gabardina pegado.
Vicco, que acude con ‘Nochentera’, la canción más popular de momento, ha apostado por el color en su reivindicación de los 80, muy Aitana y muy simpática, quizá poco exportable. No ha logrado brillar ni siquiera en el televoto, por lo que la final se cocerá seguramente entre Agoney y Blanca Paloma, pero tendrá una nueva oportunidad el sábado.
No así Rakky Ripper, que ha salvado los muebles con la papeleta de no poder contar con AutoTune, pero ha carecido de crescendo tras lo mejor: el principio en el suelo. Ha quedado última, pero con todo, ya ha hecho historia poniendo el hyperpop en el mapa. No le faltarán festivales.
Entre las sorpresas de la noche, los catalanes Siderland, que han ideado una gran puesta en escena, pasando de estar encerrados en una habitación a comerse el escenario con su tema tipo Fiesta Mayor. Han quedado cerca de clasificarse.
Sin opciones quedaban Famous o E’Femme, el primero sin demasiada canción y las segundas con pocos más méritos que querer ser las Blackpink españolas. Seguimos comentando todo en el foro de Benidorm Fest de JENESAISPOP, en Twitter, y este domingo 5 de febrero lo haremos en un podcast en directo en Moby Dick, Madrid. Las entradas son 10 € con consumición.
Hay que ver lo que le gusta a la cinefilia estadounidense el costumbrismo irlandés. Es ver un prado verde, unos parroquianos toscos y simpáticos bebiendo pintas y peleándose amigablemente en un pub, una pelirroja-de-armas-tomar y una cancioncilla tradicional sonando de fondo y se les aparece el espíritu de John Ford en la butaca. ‘Almas en pena de Inisherin’, que tras “quitarle” el Globo de Oro a ‘Todo a la vez en todas partes’ podría acabar ganando el Oscar, sigue al pie de la letra todos estos tópicos, la mayoría grabados a fuego en el imaginario colectivo gracias a ‘El hombre tranquilo’ (1952). Si hasta el nombre del pueblo remite al mítico Innisfree fordiano.
Martin McDonagh, londinense pero con orígenes irlandeses, demuestra una vez más que es mejor dramaturgo (empezó como reputado autor teatral) que director de cine. Como ya ocurría en ‘Tres anuncios en las afueras’, el texto y las interpretaciones de ‘Almas en pena de Inisherin’ (los cuatro actores principales han sido nominados al Oscar) están muy por encima de la puesta en escena, bastante funcional e incluso rutinaria, teatral en el peor de los sentidos.
Este tipo de caligrafía fílmica invisible funciona bien cuando el guión es brillante y los actores lo interpretan a la perfección. Pero no es el caso. Si bien la premisa argumental es muy meritoria –no es fácil plantear un relato basándose en un conflicto tan simple como “pues ya no te ajunto”- su desarrollo no lo es tanto. El filme comienza como una comedia costumbrista con un sentido del humor y de la camaradería masculina más pasado que una parodia de los Morancos. Si algo ha envejecido mal en las películas de John Ford es precisamente ese tipo de humor. Y McDonagh parece haberlo rescatado tal cual, como si estuviéramos en los años 50.
Luego McDonagh se pone serio. La comedia se transforma en tragicomedia con discurso antibelicista al fondo (la historia está ambientada en 1923, durante la guerra civil irlandesa). Una fábula oscura y grotesca sobre la amistad masculina que pretende resultar conmovedora y servir como metáfora sobre la división de Irlanda. Ni una cosa ni la otra. ‘Almas en pena de Inisherin’ es un filme más o menos simpático, más o menos triste, con personajes curiosos, buenas actuaciones, paisajes bonitos, un cambio de tono interesante y una banda sonora estupenda a cargo de Carter Burwell, compositor habitual de Todd Haynes y los hermanos Coen. Pero ya está.
¿Será ‘Almas en pena de Inisherin’ la ‘Green Book’ de este año, película con la que tiene más de un punto en común, tanto en el tono como en el duelo actoral a lo buddy movie? El 12 de marzo saldremos de dudas.
Un nuevo informe realizado por la Universidad de California del Sur, denominado como Informe de la Iniciativa de Inclusión y basado en la lista Billboard Hot 100 de 2022, ha establecido que las mujeres (cantantes, compositoras y productoras) siguen siendo poco representadas en la industria. Concretamente, se descubrió que la cantidad de artistas femeninas con grandes ventas había aumentado durante ese año en Estados Unidos, pero la proporción de compositoras con impacto comercial seguía siendo escasa.
El porcentaje de mujeres representadas en la lista fue de un 30%, mientras que solamente el 14% de los compositores eran mujeres. Por otro lado, el dato más bajo se obtuvo al calcular el porcentaje de productoras: de un total de 232 productores, solo el 3,4% se trataba de mujeres. Un productor se identificaba como no binario. El 30% de mujeres en lista representa una mejoría respecto a los años anteriores, pero los datos sobre compositoras y productoras no han variado demasiado durante la última década.
El dato más alto desde que se empezó a publicar este informe, en 2012, en cuanto a la cantidad de compositoras en el Billboard Hot 100 fue de un 14,4% en 2019, solo 0,4% más que en la última entrega. Además, fue también en 2019 cuando las productoras obtuvieron su dato más generoso, con un 5% de mujeres en la lista de final de año. La única manera para cambiar esto, según la doctora Stacy L. Smith, que dirigió el informe, es «identificar el talento y contratar mujeres para estas funciones».
La conclusión del documento establece que mientras que los datos de las artistas representadas en la lista son esperanzadores, las mujeres que se encuentran entre bambalinas, en los campos de composición y producción, todavían siguen siendo infrarrepresentadas. Además, sugieren que las mujeres son «estereotipadas» y «sexualizadas», mientras que su talento y experiencia resulta «rebajado».
Ozzy Osbourne anunciaba ayer a través de un doloroso comunicado en redes que sus «días de gira» han llegado a su fin, y con ellos, el concierto que iba a realizar junto a Judas Priest el 10 de mayo en Madrid como parte de ‘No More Tours 2’, el cual llevaba retrasándose desde 2019. Sin embargo, por problemas derivados del accidente que sufrió hace cuatro años en la columna vertebral, finalmente el británico se ha visto obligado a cancelar su tour europeo, y todo indica que no podrá volver a celebrar más.
Lo explicaba en un comunicado de Instagram, en el que empezaba admitiendo que «esta es probablemente una de las cosas más duras que he tenido que compartir con mis leales fans». Osbourne recordaba el accidente que sufrió en la columna, del cual se cumplen cuatro años este mismo mes y que ha sido el causante de su retirada de los conciertos: «Mi único propósito durante este tiempo ha sido volver a los escenarios. Mi voz está bien. Sin embargo, después de tres operaciones, tratamientos con células madre, infinitas sesiones de terapia física y, más recientemente, un innovador tratamiento, mi cuerpo sigue físicamente débil», comunicaba el exvocalista de Black Sabbath.
«He comprendido que no soy físicamente capaz de llevar a cabo mis fechas para la gira de Europa y Reino Unido, ya que sé que no podría lidiar con el viaje requerido. Creedme cuando digo que el pensamiento de decepcionar a mis fans realmente ME JODE, más de lo que nunca entenderéis», continuaba Osbourne. Aun así, dejaba abierta una pequeña ventana de esperanza, asegurando que «mi equipo está ideando maneras de actuar sin que tenga que viajar de ciudad en ciudad y de país en país».
«Nunca habría imaginado que mis días de gira se terminarían de esta manera», admitía el cantante antes de dar las gracias a su familia, banda, equipo y amigos, entre los que nombra a Judas Priest, por el apoyo recibido y por «darme la vida que nunca soñé que tendría».
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