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Carly Rae Jepsen revela fecha de nuevo disco, ‘The Loneliest Time’

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Carly Rae Jepsen acaba de anunciar la salida de un nuevo álbum, llamado ‘The Loneliest Time’, que saldrá el próximo 21 de octubre. Este nuevo disco sería el quinto LP de la artista canadiense y la continuación de su disco de 2019, ‘Dedicated’, y de su posterior ‘Dedicated Side B’. Este anuncio fue precedido por el single ‘Western Wind’, lanzado el pasado mayo.

Jepsen ha hecho el anuncio en redes sociales acompañado de un pequeño texto que podría indicar alguno de los temas principales de ‘The Loneliest Time’: «Me fascina mucho la soledad. Puede ser realmente preciosa cuando le das la vuelta y la miras. Exactamente como el amor, puede causar algunas reacciones humanas extremas».

No hay ninguna tracklist disponible de momento, pero todo parece indicar que el próximo single del LP se llamaría ‘Beach House’, ya que es la única otra canción que aparece en el pre-save del disco en Apple Music. Además, sabiendo esto, Jepsen publicó un tweet a finales de enero en el que se leía un mensaje que podría ser parte de la letra de la supuesta ‘Beach House’: «Tengo una casa en la playa en Malibú y seguramente voy a herir tus sentimientos».

Ana de Armas recibe críticas por su acento en ‘Blonde’

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Quedan prácticamente dos meses para que el biopic de Marilyn Monroe protagonizado por Ana de Armas, ‘Blonde’, sea lanzado en Netflix y ya hay una polémica a la orden del día. Esta vez, el problema se centra en el acento de la actriz cubana. En un sorprendente giro de los acontecimientos, los principales defensores de Ana de Armas han sido los herederos de la mismísima Marilyn Monroe.

Tras la salida del tráiler oficial de la película, ciertas personas han llevado a las redes su preocupación por la voz de la actriz, que según ellos no se parece a la de Marilyn, y por su acento, que tampoco les parece apropiado. Por ejemplo, un usuario recalcaba, en un tono más humorístico que algunos otros comentarios, que «el horrible acento americano de Ana de Armas en ‘Blonde’ es la venganza por el horrible acento cubano de Al Pacino en Scarface».

La firma Authentic Brands Group, poseedora de los derechos de imagen de Marilyn, ha salido a defender a la actriz de ‘Knives Out’: «Cualquier actriz que interprete ese papel sabe que tiene un listón muy alto. Basándonos solo en el tráiler, parece que Ana fue una gran elección, porque captura el glamour, la humanidad y la vulnerabilidad de Marilyn». Además, el trabajo de Ana de Armas como la actriz más famosa de la historia de Hollywood ha recibido alabanzas por todas las personas que han tenido el privilegio de ver la película antes de tiempo. Entre ellas, la mítica Jamie Lee Curtis: «Me caí muerta. No podía creerlo. Ana se había ido y era Marilyn».

‘Blonde’ está dirigida por Andrew Dominik, nombre detrás de películas como ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’ o ‘Killing Them Softly’ y de los dos documentales de Nick Cave, ‘One More Time with Feeling’ y ‘This Much I Know to Be True’. El biopic saldrá en Netflix el próximo 28 de septiembre.

Concierto sorpresa de Justin Quiles acaba en daños naturales

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Justin Quiles ofreció un pequeño concierto improvisado en La Tejita, al sur de Tenerife, como regalo de consolación tras la cancelación del Reggaetón Beach Festival que no terminó como se esperaba. El puertorriqueño anunció la propuesta en redes sociales y en apenas quince minutos las carreteras del sur de la isla se colapsaron, llegando a aparecer cientos de personas en la playa donde se encontraba Quiles y provocando daños en el entorno natural.

Al cantar tres canciones, el artista tuvo que pedir a sus seguidores que dejaran de acercarse a la localización debido a la excesiva afluencia de gente: “Que nadie vaya a la playa, llegó mucha gente y mucho tráfico. Revírense. Ya canté lo que iba a cantar. Los quiero, los amo, fue un regalito”. Para entonces, el daño ya estaba hecho.

La Asociación Ecologista Salvar La Tejita ha presentado una denuncia ante la Agencia Canaria de Protección del Medio Natural alegando que el mini concierto significó un «grave daño medioambiental» para la Reserva Natural de Montaña Roja, que es una zona protegida. Además, en los vídeos que han circulado en redes se ve que algunos asistentes pisotearon varios balancones, una planta protegida y fundamental para la formación y el mantenimiento de las dunas costeras. Salvar La Tejita ha exigido que se proceda a inspeccionar lo ocurrido y que se lleven a cabo las sanciones oportunas para el organizador del concierto, que sería el propio Justin Quiles.

Jack White y Leïti Sene entran en la lista de álbumes española

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Los discos de Bad Bunny, Rosalía y C. Tangana sigue siendo los reyes de la lista de álbumes española una semana más. El top 5 de álbumes apena sufre dos pequeñas alteraciones: el disco de Harry Styles sube al 4 y el de Duki baja al 5.

Esta semana, la lista principal apenas recoge dos entradas. La primera la representa ‘Entering Heaven Alive’, el segundo de los dos álbumes que Jack White ha publicado en 2022. Si ‘Fear of the Dawn‘ entró en el puesto 57 el pasado mes de abril, ‘Entering Heaven Alive’ lo hace en el 65 después de haber debutado en el 4 de Reino Unido y en el 9 de Estados Unidos.

En segundo lugar entra en lista el rapero y actor de ‘Élite‘ Leïti Sene (pareja de Sita Abellán) con su mini álbum de título imposible. ‘APO0€AL1P$¡ PT1’ entra en el puesto 91 gracias, en parte, a la aceptación que están teniendo sus temas más escuchados, ‘5:05 pm’ con iseekarlo y ‘Bitcoin’ con Trueno, Bexnile y Chineseguy2021.

La lista deja varias re-entradas. La más importante es la de ‘Sobredosis de amor‘ de Cupido, que reaparece en el número 12 después de alcanzar el número 1 en la lista de vinilos. También vuelven a la lista los nuevos discos de Mónica Naranjo (70) o Red Hot Chili Peppers (87), entre otros.

En cuanto a la tabla de vinilos, aparte de la entrada de Cupido cabe mencionar la de She & Him. Su disco tributo a Brian Wilson y los Beach Boys debuta en el 33. Además, ‘Colder Streams’ de los Sadies debuta en el 59 tras la muerte de su vocalista original Dallas Good, y ’22 Dreams’ de Paul Weller lo hace en el 70.

‘DESPECHÁ’, top 13 de singles en España con solo 1 día de conteo

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Bizarrap y Quevedo conservan el número 1 de singles en España con su colaboración ‘Bzrp Music Sessions, Vol. 52’, que acaba de entrar en el Billboard Hot 100 de manera insólita (sobre todo para un artista español como Quevedo). En el 2 permanece Bad Bunny con ‘Titi me preguntó’, y ‘La bachata’ de Manuel Turizo escala una posición, del 4 al 3.

La entrada más fuerte de la semana la firma Duki con su temita de trap con metales ‘Givenchy’, que entra directamente en el número 7, y en siguiente lugar vuelve a aparecer Quevedo con el dembow de ‘Sin señal’, su colaboración con Ovy on the Drums. Entra en el 10.

Sin embargo, la entrada más significativa de la semana la protagoniza Rosalía. ‘DESPECHÁ‘ debuta en el número 13 con tan solo un día contabilizado. El tema salió el jueves 28 de julio y la lista recoge lanzamientos desde el 22 de julio hasta el 28. En circunstancias normales, ‘DESPECHÁ’ habría debutado en lista en la semana del 8 de agosto, pero sus streamings son tan elevados que lo ha hecho en esta. Se espera que la siguiente sea número 1 de manera holgada. Además, otros dos temas de Rosalía vuelven a entrar en lista, ‘BIZCOCHITO’ (70) y ‘SAOKO’ (83), certificados como Disco de Oro y de Platino, respectivamente.

Como hemos contado, el éxito de ‘DESPECHÁ’ no tiene precedentes para Rosalía. El tema es top 8 en Spotify Global después de haber entrado en el 6, y su debut ha logrado adelantar este fin de semana el de todo el disco de Beyoncé en la plataforma sueca. Vila Tobella acaba de rodar el videoclip de ‘DESPECHÁ’ en Mallorca.

La última entrada dentro del top 20 de la lista se la llevan Aitana, Emilia y Ptazeta con ‘Quieres’, que entra precisamente en el 20. A continuación hay que bajar la vista hasta el 56 para encontrar la siguiente entrada, ‘Contigo’ de Sebastián Yatra y Pablo Alborán, que debuta en el 56.

Ya en la parte baja de la tabla, el folk-pop en inglés de Rosa Linn con ‘SNAP’ entra de manera inaudita en el 99 y, finalmente, Trueno y J Balvin entran por los pelos con ‘Un paso’ en el 100. La subida más fuerte de la semana la firma Khaled con ‘Si tú te vas’, que sube del 81 al 38.






King Princess / Hold On Baby

King Princess es una artista que se rodea de los mejores. Publica en el sello de Mark Ronson, cuenta entre sus fans a Harry Styles y a Fiona Apple y, en su nuevo disco, el fallecido Taylor Hawkings de Foo Fighters toca la batería, en concreto, en la pista final, ‘Let Us Die’. Además, Aaron Dessner de The National aparece en otras dos pistas como autor y Tobias Jesso Jr. en otra (curiosamente, Dave Hamelin de los extintos The Stills también colabora). Todo ello invita a preguntarse por qué los discos de King Princess no son mejores, por qué no están incendiando las listas de éxitos como deberían.

‘1950’, el primer single de King Princess, es también su mayor hit hasta la fecha. Quizá llegó justo en el momento adecuado. Desde entonces, Mikaela Strauss parece haberse convertido sin querer en una artista de álbumes. ‘Cheap Queen’, su debut, era cohesivo y contenía temas estelares como ‘Ain’t Together’ o ‘Trust Nobody’. El conjunto no era magnífico, pero sí prometedor, y lo mismo se puede decir de ‘Hold On Baby’, un segundo disco en el que el R&B y el soul dan paso a las guitarras, pero no a una evolución significativa a nivel compositivo.

El germen de ‘Hold On Baby’ se encuentra en el confinamiento. La carrera de King Princess se encuentra en ascenso cuando el coronavirus le obliga a parar y a encerrarse en casa. Este encierro involuntario significa que Strauss está más en contacto consigo misma y con sus pensamientos que nunca, lo cual le hace reparar en sus problemas de autoestima. En la atmosférica pista inaugural, de título muy Xiu Xiu, ‘I Hate Myself, I Want to Party’, plantea un escenario patético de fracaso. Canta “quiero fingir que soy una estrella otra vez”, a la vez que juega a la PlayStation en bragas. Strauss lidia con la depresión también en el synth-pop de ‘For My Friends’, donde canta sobre su tendencia a desaparecer… solo para volver de nuevo.

La honestidad brutal de King Princess siempre ha sido una de sus bazas, incluso cuando va dirigida hacia otra persona. En el indie-pop de ‘Little Bother’ desafía a su ex a que recuerde el amor que ha dejado escapar “mientras te quedas mirando cómo se seca la pintura”, en el interludio de ‘Hold On Baby’ proclama no ser otra cosa que “una payasa que necesita atención”, y con ‘Change the Locks’ desea que la gente se sienta “como si estuviera menstruando en el festival Lilith Fair” al escucharla.

Sin embargo, ‘Hold On Baby’ genera dudas por las composiciones. Hay algunas estupendas. ‘Cursed’ es una canción 100% King Princess en el mejor de los sentidos, excelente. La miniatura de ‘Winter is Hopeful’, entre el soul y el dream-pop, aporta una necesaria capa de ternura a un álbum lleno de sentimientos agridulces. Tampoco están mal los singles ‘Little Bother’ y ‘For My Friends’, y la apesadumbrada balada ‘Crowbar’ sigue describiendo la depresión de King Princess con una melodía clásica muy bien construida.

Pero el disco pronto decae. La debilidad de las melodías de Strauss se hace especialmente patente en ‘Dotted Lines’ -pese a la participación de Ronson- o ‘Sex Shop’ y es una pena que una canción que versa sobre la “experiencia disfuncional sáfica de la co-dependencia” no sea mucho más impactante de lo que es ‘Change the Locks’. En ‘Hold On Baby’, King Princess mantiene la elegancia de su debut, especialmente en sus sensuales interpretaciones vocales, pero no termina de dar un paso más allá hacia la consolidación, pese a rodearse, de nuevo, de nombres muy queridos en la industria.

El álbum concluye con ‘Let Us Die’, otro buen single que cuenta con la colaboración del mencionado Hawkings y que habla sobre un amor masoquista. La producción busca un sonido crudo, pero termina sonando algo amateur, un problema que ya sufrían los singles de King Princess previos al lanzamiento de este álbum, temas como ‘Pain’ que transmitían que Strauss andaba algo perdida en lo musical. En ‘Hold On Baby’ se ha vuelto a encontrar. Falta que nos dé ese disco a la altura de la estrella que ella misma dice ser.

Beyoncé crea su fantasía de voguing en ‘ALIEN SUPERSTAR’

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Beyoncé ha sorprendido con ‘RENAISSANCE’ por varias razones: su dedicación a la pista de baile, su interesante cartera de samples e interpolaciones, su variedad estilística… y también su afán experimental. Quien sepa exactamente cuál puede ser el segundo single oficial después de ‘BREAK MY SOUL’ que lo diga. Yo no lo tengo nada claro.

No obstante, ‘RENAISSANCE’ cuenta con varios puntos álgidos, entre los cuales se encuentra ‘ALIEN SUPERSTAR’. Este título que parece totalmente «fan made» esconde una de las producciones más futuristas jamás firmadas por Beyoncé. El agresivo beat asemeja el del gqom sudafricano, pero si Beyoncé dijera que se inspira en Arca, a pocos les sorprendería.

‘ALIEN SUPERSTAR’ es también, la canción del disco que más se basa en el mundo del voguing. En los primeros segundos, el sample de ‘Moonraker’ de Foremost Poets advierte que «ni se os ocurra abandonar la pista». A continuación, Beyoncé se proclama la «número uno» de la «competición» y arrasa en la «categoría: bicha mala». En el estribillo, que se basa en el de ‘I’m Too Sexy’ de Right Fred Said, canta que es «demasiado elegante para este mundo» vestida con perlas, diamantes y tacones. Aquí, Beyoncé evoca los primeros años de la cultura voguing, los plasmados en ‘Pose’.

Con su sonido underground y estrofas recitadas, ‘ALIEN SUPERSTAR’ nos lleva a los tiempos en que el ballroom era la vía de escape de una sociedad marginada que imaginaba alcanzar el mismo estatus económico que los yuppies de la época. Personas negras, trans, queer… creaban en las ballrooms sus propias pasarelas hacia el éxito y el reconocimiento. No es casualidad que ‘Alien Superstar’ utilice un sample de ‘UNIQUE’ de Danube Dance y Kim Cooper, una producción de house 100% voguing que sonaba completamente adelantada a su tiempo en el año 1992, época dorada de la cultura que Beyoncé asimila en esta canción.

‘ALIEN SUPERSTAR’ es, específicamente, una celebración de la cultura negra, e incluye otro sample clave, el de la autora Barbara Ann Teer y su discurso ‘Black Theatre’. En 1968, Ann Teer fundó el primer instituto negro de arte en Estados Unidos y, en el mencionado discurso, describe las maneras en que la sensibilidad negra se diferencia de otras.

Bizarrap y Quevedo entran por 1ª vez en el Billboard Hot 100

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Bizarrap y Quevedo han conseguido lo que ninguna otra «session» del productor argentino había conseguido hasta ahora: colocar su single conjunto en la competitiva lista oficial de éxitos estadounidense, la de Billboard Hot 100. Ambos ya habían aparecido en varias listas latinas o globales de Estados Unidos, pero nunca en la principal.

‘Bzrp Music Sessions, Vol. 52’ entra en una posición modesta en el Billboard Hot 100, el número 98, gracias exclusivamente a sus streamings, que Billboard cifra en 5,3 millones a nivel nacional. En cualquier caso, el tema continúa en el número 1 global de Spotify y ha subido al 46 de Spotify Estados Unidos tras entrar en el 130. Por supuesto, el tema es número 1 en las listas de Spotify de la mayoría de territorios latinoamericanos.

El número 1 global de Quevedo en Spotify era el primero para un artista español, lo que significa que Rosalía no lo ha logrado aún. Sí se ha quedado cerca con ‘DESPECHÁ’ (top 6). En Billboard, la catalana sí ha protagonizado diversas apariciones, la última con ‘LA FAMA’ con The Weeknd, pero entrar en el Billboard Hot 100 sigue siendo una tarea hercúlea para cualquier artista español, por lo que el éxito de Quevedo tiene mérito.

Nacido en Madrid pero residente en Islas Canarias, Quevedo lleva tiempo viralizando su música, y en los últimos meses ha protagonizado numerosas entradas en la lista de singles española, tanto en colaboración con otros artistas (‘Si quieren frontear’) como en solitario (‘Universitaria’). Su mayor éxito hasta la fecha había sido el remix de ‘Cayó la noche’… hasta que Bizarrap llegó a su vida.

En cuanto a Bizarrap, el productor ha triunfado recientemente con sus colaboraciones con Villano Antillano o Tiago PZK.

Alizzz y Mujeres, y no Primal Scream, levantan la última jornada de Low Festival

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Rafa Galán (Low Festival)

Los festivales con jornada de domingo normal, de 6 de la tarde a 6 de la mañana, parecen diseñados ya solo para los y las más valientes, y los lowers están entre ellos. El cansancio era visible desde primera hora de la tarde y no tanta gente como el sábado acudió en un momento temprano. El llenazo ya sí fue evidente antes de la medianoche, cuando actuaban Primal Scream y Delaporte.

La noche la comenzamos en nuestro caso con el bonito concierto de Sen Senra, cada vez con más tablas sobre el escenario, equilibrando poco a poco su timidez y sus cualidades de frontman, con las que hizo cantar a su público muchas de sus muy conocidas canciones. El repertorio del artista es excelente y la buena acústica desplegada -sobre todo si sabías evitar una posición desde la que se escucharan otros escenarios- lograba que conectaras con una voz y unos textos preciosos. ‘Wu Wu’, ‘Sublime’ y ‘Tumbado en el jardín viendo atardecer’ estuvieron esta vez entre los mejores momentos, que culminaron con la minimalista ‘Ya no te hago falta’, en la que Cristian rasgó unas pocas notas de su guitarra eléctrica, mientras otra sonaba desde algún otro lugar.

En plena coincidencia horaria con Sen Senra, uno de los artistas de moda en el panorama pop, Morreo llenaban el Escenario Radio 3, repasando en formato cuarteto las canciones de su debut y anticipando alguna nueva como la reciente ‘Mosquito’. Pude verles hacer un par de temas, justo mis dos favoritos, que interpretan seguidos, ‘Soy un rayo’ y ‘Pesadilla pop’, sonando más chillones, enérgicos y festivaleros y menos Brincos que en el estudio. Como si en directo dieran prioridad a la celebración y a la generación de vibraciones, y no tanto a la búsqueda de las armonías perfectas.

Cientos de noches Primal Scream levantaron muertos en festivales cuando sonaba ‘Swastika Eyes’, pero no fue el caso de este domingo en el Low, y eso pese a que la canción fue la primera del repertorio de la banda de Bobby Gillespie. Presumíamos a este muy crecido tras el éxito de crítica de su muy recomendable biografía, pero todo lo contrario: nunca le habíamos visto tan apagado y estático sobre el escenario. La versión rock de ‘Swastika Eyes’, mucho menos tecno y por lo tanto menos bailable que las dos incluidas en ‘XTRMNTR’, fue todo un bajón, anticipo de un set demasiado sosegado y tranquilo, que no era lo que esperábamos de Primal Scream.

Aunque bien sabéis que por aquí hemos defendido discos como ‘Green Light‘ (2013), ya hace 6 años de su último álbum, ‘Chaosmosis‘ y el grupo va necesitando una renovación de algún tipo. Su concierto se basa demasiado todavía en el recuerdo a ‘Screamadelica’, esto es, ‘Come Together’, ‘Loaded’ y ‘Movin’ On Up’, seguidas y con su coro de góspel sobre las tablas, y a su término adiviné que el concierto iba a acabar con ‘Country Girl’ y ‘Rocks’. ¿Nada nuevo que ofrecer? ¡Vamos, Bobby, que no sois los Stone Roses!

Al mismo tiempo que Izal realizaban su concierto de despedida durante una larga temporada en que se van a alejar de los escenarios, Esnorquel DJ (Monterrosa, el podcast ‘¿Puedo hablar?’) los contraprogramaba con una sesión de DJ en la zona VIP Pool que era la antítesis de lo que encontramos en el repertorio de Izal. Una sesión de música pop sin complejos de ningún tipo en la que no podían faltar ni Yurena ni la sintonía de ‘¿Qué apostamos?’. También este tipo de cosas forman parte de la experiencia lower, como es obvio, y esta sesión con la gente bailando en bañador, medio empapada de agua, medio empapada en sudor, abanico en mano, también forma parte de la historia de este año.

Fue difícil salir de allí dentro pero lo conseguimos para ver el enésimo concierto de la temporada de Alizzz. Ese disco con el que es tan fácil conectar desde que se abre con lo de «vamos a buscar, tiene que haber algo más» de ‘Todo me sabe a poco’. Un gran concierto de pop-rock en el que enseguida despunta la versión de ‘Amanecer’ sin Rigoberta Bandini, y que se cierra con 3 hitazos consecutivos como fueron la versión de ‘Antes de morirme’ en clave pop-rock, ‘El encuentro’ sin Amaia pues esta había actuado el día anterior y finalmente ‘Ya no siento nada’ como no podía ser de otra forma. Eran hits generacionales -de la de hoy, y de la de ayer- desde que se publicaron y se están asentando cada día más a raíz de estar apareciendo en todos los festivales.

Parece mentira que a las 4 de la madrugada de la noche del domingo al lunes quedaran ganas de mover un pie, pero como Alizzz, Mujeres están en festivales para insuflarnos toda la energía que nos pueda faltar y su concierto fue un hit tras hit, de los de no parar de pegar botes. ‘Un sentimiento importante’ representó, in crescendo, la resurrección de muchos asistentes, mientras ‘Tú y yo’ fue puro pogo desde el principio. En resumidas cuentas, el grupo, aparentemente siempre de un humor estupendo, volvió a representar sobre las tablas sus dos máximas: rock y amistad.

Gestor del patrimonio de Tupac Shakur, acusado de corrupción

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La hermana del fallecido Tupac Shakur, Sekyiwa Shakur, ha denunciado al administrador de la herencia de su hermano, Tom Whalley, acusándole de haber «desviado millones» de las ganancias del artista, que se estiman en más de 40 millones desde su asesinato en 1996. Además, Sekyiwa ha alegado que Whalley se ha quedado con objetos personales del artista, los cuales tendrían un «tremendo valor sentimental» para ella. Entre estos objetos se encuentran, supuestamente, discos de oro.

La propia Fundación Tupac Shakur, fundada en 1997 por Afeni Shakur, no ha dejado sola a Sekyiwa y ha interpuesto también una demanda contra Whalley: «Efectivamente, él ha desviado millones de dólares para su propio beneficio. Whalley se ha enriquecido injustificadamente, tomando compensaciones excesivas en una posición en la que hay un claro conflicto de intereses».

Tom Whalley se convirtió en albacea del patrimonio de Tupac en 2016, tras el fallecimiento de la madre del artista, Afeni Shakur, quien se había encargado de la herencia hasta ese momento. En los últimos cinco años, se estima que Whalley ha recibido más de 5,5 millones de dólares por gestionar el patrimonio de Tupac. Esto, según Sekyiwa Shakur y la Fundación nombrada tras su hermano, es mucha más cantidad de lo que le correspondería realmente.

Una pantalla gigante cae sobre dos bailarines en Hong Kong

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Dos bailarines de apoyo de la boy band Mirror, compuesta por 12 miembros, sufrieron un grave accidente durante un concierto en Hong Kong, al ser aplastados por una pantalla de vídeo gigante que se descolgó del techo. Ambos bailarines han sido hospitalizados y uno de ellos, al que el borde de la pantalla le cayó directamente en el cuello, está en cuidados intensivos. Según las autoridades, la pantalla medía casi 20 metros cuadrados y pesaba casi 600 kilos.

El monitor cayó del techo directamente sobre la cabeza de uno de los bailarines. Su compañero intentó rebajar la caída de la pantalla manteniéndola levantada, pero terminó cayendo bajo su propio peso. Al final de esta noticia hay un vídeo del momento del accidente, pero avisamos de que es realmente fuerte, gráfico y muestra a una persona sufriendo un accidente potencialmente fatal.

En el momento de la caída, los miembros de Mirror estaban actuando y no se dieron cuenta de lo que había ocurrido. Cuando el resto de los bailarines empezaron a levantar la pantalla para ayudar a sus compañeros, los miembros de la boy band comprobaron el estado de los bailarines. Acto seguido, fueron retirados del escenario para dejar paso a los servicios de emergencia.

‘Delante de ti’ es otra obra admirable y estimulante de Hong Sang-soo

El cine de Hong Sang-soo es un universo en sí mismo. El cineasta coreano lleva ya dos décadas puliendo un estilo personalísimo, cada vez más despojado de artificio, en el que solamente hace uso de los elementos más básicos para narrar: un guion y algunos actores. Lo que a priori puede parecer un cine muy rudimentario, esconde en realidad una riqueza y control de los medios fílmicos admirables.

En ‘Delante de ti’, una de sus últimas creaciones, el prolífico director presenta la historia de una actriz veterana que vuelve a su Corea natal para reunirse con un director de cine que quiere colaborar con ella para su próxima película, aunque ella ha denegado su oferta. Durante su estancia se quedará en casa de su hermana, a la que hace tiempo que no ve.

La cinta transcurre con fluidez entre conversaciones donde Hong muestra una vez más su habilidad para desvelar pequeñas pistas sobre sus personajes a través de los diálogos. Como siempre, es la sencillez y la falta de pretensiones lo que engrandece a ‘Delante de ti’. Su épica reside en todos esos detalles que no se ven y que invitan a reflexiones profundas sobre la vida desde la más absoluta cotidianidad. Temáticamente es posible que se trate de una de los filmes más tristes de su filmografía, aunque no renuncia a ciertos toques de humor, y por supuesto a conversaciones ebrias alrededor de una mesa.

En el aspecto formal, Hong es uno de los cineastas que mejor ha sabido adaptarse al formato digital, llevando años depurando su puesta en escena y haciendo de los zooms y los reajustes de los movimientos de cámara su marca de la casa. No es que visualmente su cine sea descuidado, es que simplemente no es lo más importante. Hong cree en la fuerza de sus imágenes desnudas y de su narrativa y no necesita más artificios.

‘Delante de ti’ también muestra una excelente visión en la dirección de actores. Por primera vez desde 2016 (hace ya 7 películas), su musa Kim Min-hee no aparece en el reparto, aquí la protagonista es una magnífica Lee Hye-young, una actriz muy respetada en Corea, en la que es su primera colaboración con el director. Su delicada interpretación es el alma de una película que poco a poco va construyendo un férreo núcleo narrativo hasta llegar a resultar muy emocionante en su final.

‘Delante de ti’ es, como toda película de Hong Sang-soo, un ejercicio de cine discreto y lleno de corazón, que no necesita grandes medios para erigirse como una obra relevante e intelectualmente estimulante.

El álbum NFT de Muse contará en listas en Reino Unido y Australia

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El próximo álbum de Muse, ‘Will Of The People’, se lanzará el próximo 26 de agosto, con una curiosa característica que podría ser importante para el posicionamiento en listas de música en los próximos tiempos. La edición NFT de ‘Will Of The People’ será el primer lanzamiento en este formato en aparecer en listas en el Reino Unido y en Australia. Además, será el primer nuevo formato en ser añadido a las listas desde 2015, cuando se añadieron los streams.

Los NFT de Muse serán vendidos a través de la plataforma Serenade a 20 libras y habrá un límite de 1000 copias globales. Los compradores recibirán una versión descargable del disco con pistas en alta definición y cada uno de los miembros de la banda lo firmarán digitalmente. Además, todos los propietarios tendrán sus nombres permanentemente publicados en la lista de compradores.

El fundador de Serenade, Max Shand, ha descrito este lanzamiento de Muse como «la camiseta negra de los NFTs»: «Lo que un fan quiere es algo sencillo y entendible, pero eso les da una sensación de proximidad respecto a un artista y un sentido de reconocimiento de otros fans». Además, Shand ha confirmado que, al contrario que con muchos NFTs, en este caso los compradores no requerirán un monedero crypto, sino que se creará un monedero digital en la web de Serenade.

Sebastian Simone, vicepresidente de audiencia y estrategia de Warner Records en el Reino Unido, ha confirmado que están preparando lanzamientos similares para otros artistas y que los NFTs serán un formato «más ampliamente extendido» y ha llamado a este disco de Muse como «el principio de la apertura de la puerta».

Miqui Puig / Miqui Puig Canta Vol. 7

Miqui Puig, héroe pop, ha abandonado, aparentemente, a la ACP (Associazione Ciclistica Popolare) y se ha tomado el lujo de editar su último disco a modo de recopilatorio. Un guiño jocoso “a las cintas de las gasolineras”, como explica en esta entrevista con El País.

Si ‘15 canciones de amor, barro y motocicletas’ quizás pecaba de ser un poco largo, aquí Miqui reconcentra las esencias en solo nueve canciones. Y si era más contenido musicalmente, ‘Miqui Puig canta, vol. 7’ es un disco de pop sintético, gloriosamente hortera. Puig agita y mezcla muchas de sus filias: música disco, soul satinado, algo de las caras B de los Pet Shop Boys de la era ‘Bilingual’, italo disco, synth-pop, canción italiana, acid-house, la visión agridulce de Carlos Berlanga… Todo regado con muchas de las obsesiones recurrentes en sus letras: costumbrismo, melancolía, el aire de romántico perdedor, la Barcelona odiada e idealizada, Madrid como refugio o agujero. Y, como guía, la voz de Miqui, reconfortante, dulce, vulnerable, cansada pero briosa a la vez…

El primer tema es una declaración de intenciones, musical y líricamente. ‘Pors Puig’ contiene leves aires de New Order. La letra, como bien reza el título, es reflejo de miedos e inseguridades del cantante, con la gran aportación de Queralt Lahoz, que tarda en aparecer, pero lo hace a lo grande (y vocodorizada). ‘Cadera de mimbre, la leyenda’ vio la luz en diciembre del año pasado y es un himno pop pluscuamperfecto. Como pluscuamperfecta es Irantzu Valencia cantando su estribillo tan rotundo, tan memorable: “miedo, cariño y cajas de ritmo”. Resumen inmejorable de la carrera de Puig.

‘Mañana Infierno’ saquea alegremente la línea de bajo del ‘Everywhere’ de Fleetwood Mac y las elegantes cuerdas sintetizadas al estilo sonido Filadelfia cubren la estupenda repesca de ‘Mi amor miope’. La pequeña locura kitsch, trotona y muy pegadiza ‘Yo no quería estar ahí’ es puro tropicalismo ochentero, que explota entre coros femeninos acelerados. O todavía más hortera (pero igualmente estupenda) es ‘Propaganda’ con la participación de Harny Roots. Otra celebración: “Larga vida a la nada, viva la falsa propaganda”; Miqui canta a los orepeles del pop y contra la pretendida autenticidad rock.

Hay recuerdos al acid-house en el arranque de ‘Adiós Samurai’, donde aparecen Ferran Palau derritiendo al personal y El Petit de Cal Eril disertando sobre Gin Tonics, todo ello coronado por un desparrame góspel la mar de desenfadado: “Y un ángel cantará c’mon, c’mon”. Y ‘La casa Italia’ retrotrae a ‘Vente conmigo a Italia’ de Hidrogenesse, en versión disco y con un bonito estribillo: “todas las canciones serán de amor”. ‘Miqui Puig Canta Vol. 7’ es otro recorrido por las obsesiones sonoras y líricas de Miqui Puig, reconfortante e ideal para que lo bailen los (aparentemente) desencantados que aún llevan el romanticismo por bandera.

Beyoncé cambiará la letra de ‘HEATED’ tras las críticas recibidas

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Beyoncé está siendo objeto de críticas por usar un término capacitista en su nuevo disco, ‘RENAISSANCE‘. El término, «spaz», aparece en ‘HEATED’, el tema que co-escribe Drake. En concreto, la frase en la que aparece es «spazzin’ on that ass, spaz on that ass». Siguiendo el mismo camino que Lizzo, parece que la letra de ‘HEATED’ también será reemplazada por una versión más apropiada.

«Spaz» es un término coloquial que, en el mundo anglosajón, se usa de manera peyorativa hacia personas consideradas ineptas, torpes o estúpidas. Sin embargo, la palabra también alude a un movimiento espasmódico, parecido a las contracciones nerviosas que sufren las personas que padecen parálisis cerebral. El término procede de la palabra «spastic» y originalmente está relacionado con esta condición.

En redes, varias personas han expresado su decepción con Beyoncé y con su equipo de compositores y productores por haber aprobado el uso de esta palabra en ‘HEATED’. Algunas han hecho especial hincapié en el hecho que, hace solo seis semanas, Lizzo recibió críticas similares por usarla en su single ‘Grrrls’. Consciente de las críticas y dispuesta a representar un cambio en el mundo a mejor, Lizzo terminó regrabando el tema, el que ahora aparece en su último disco. Ahora, Beyoncé vivirá el mismo destino y reemplazará la letra de ‘HEATED’ por una más respetuosa. Su publicista ha declarado a Sky News que el término «spaz» no fue «usado intencionadamente de manera dañina».

Hannah Diviney, la periodista con parálisis cerebral que afeó el uso de la palabra «spaz» a Lizzo en un mensaje de Twitter viral, provocando que esta la eliminara de su canción, ha escrito un artículo en el que comunica su decepción con Beyoncé. Dice que Beyoncé debería haber estado atenta a la polémica de Lizzo y haber prevenido la situación actual, dado que es una de las artistas más influyentes del mundo. Al final escribe que está «cansada» y que la «gente con discapacidades merecemos algo mejor».

Al margen de la polémica, ‘RENAISSANCE’ va a ser un éxito. De momento, Pitchfork ya le ha plantado un 9 sobre 10 y, en cuanto a las ventas, se espera que el disco debute en el número 1 de Billboard con cifras superiores a las 300.000 copias equivalentes. Esta es la cifra que se estima de las ventas producidas solo en el primer día de lanzamiento, por lo que debería ascender -o, como mínimo, no cambiar mucho- durante la semana.

Nelly Furtado se sube a un escenario 5 años después

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Nelly Furtado se ha vuelto a subir a un escenario. La cantante ha aparecido estos días en el evento ‘OVO Presents: All Canadian North Stars 2022’ que organiza Drake anualmente en Toronto, dedicado al hip-hop canadiense, pero que no se celebraba desde 2019 debido a la pandemia.

El propio Drake actuaba cuando ha presentado a Nelly Furtado por sorpresa. «Necesito que cantéis todo lo alto que podáis, porque la persona que está a punto de salir cambió mi vida. La amo con todo mi corazón». A continuación, Furtado emergió en el escenario para cantar con Drake dos de sus éxitos más queridos, ‘I’m Like a Bird’ y ‘Promiscuous’.

‘OVO Presents: All Canadian North Stars 2022’ concluye hoy después de tres días, con las apariciones confirmadas de Nicki Minaj y Lil Wayne. Los artistas de Young Money (sello de Lil Wayne) se juntarán por primera vez en un escenario desde el año 2014.

La última vez que Nelly Furtado se subió a un escenario fue en octubre de 2017, cuando dio el último concierto de la gira de ‘The Ride‘ en Suiza. Desde entonces las noticias en torno a la autora de ‘Fly Like a Bird’ han sido escasas. El estupendo sample de ‘Afraid’ en ‘Only Human‘ de Four Tet ha mantenido a la artista en boca de los fans de la electrónica, pero poco más se ha sabido.

En cuanto a Drake, al que últimamente se le encantado de codearse con otros artistas como Backstreet Boys o HAIM, él artista ha dado una sorpresa estos días publicando un nuevo álbum que nadie esperaba. ‘Honestly, Nevermind‘ representa su incursión en producciones más bailables como el house o el amapiano, y ha vuelto a ser un éxito.

laura katze finge ser una «cantante de pop antigua» en ‘Un ritual’

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laura katze es uno de los nuevos nombres que has podido descubrir recientemente en la playlist ‘Sesión de control’ dedicada al pop nacional y/o en castellano y que actualizamos cada miércoles. Escrito así, en minúsculas, se trata del proyecto de una joven que vive entre Madrid y Barcelona y que no había publicado música anteriormente. ‘Un ritual’ es su primer single.

‘Un ritual’ es un tema de «bedroom pop» en tanto katze lo compone, graba e interpreta completamente en solitario en su habitación. Sin embargo, ahí se acaba su vínculo con este subgénero musical. El sonido de ‘Un ritual’ dirige hacia otras coordenadas. Melódicamente, el tema remite a la canción española clásica de Cecilia, Amaia o la última Anni B Sweet. Por otro lado, composición y producción evocan el costumbrismo surrealista, dream-pop y folclórico de rebe o Adiós Amores.

En ‘Un ritual’, katze canta sobre un chico de deseos indescifrables. El «ritual» es sinónimo de «canción». Ella quiere quedar con él, pero él no contesta los mensajes. Ella tiene una vida aburrida, él no. El costumbrismo de ‘Un ritual’ está definido en algunos de sus pasajes más cotidianos, como ese en que katze decide calmar su inquietud dando un paseo por el parque, donde observa a los patos antes de regresar a casa. En otro imagina un paseo con el parque con él, en silencio.

En un comunciado, katze explica que ‘Un ritual’ es «una canción hecha en mi habitación de Barcelona, en primavera, con el único objetivo de intentar sacar algo de provecho del desquicie extremo que me provocaba un chico que me estaba mareando un montón».

La artista añade: «Decidí que vale, que él tenía una vida entretenida y exitosa de persona funcional y yo no… pero yo soy capaz de hacer canciones y rituales sola en mi casa y pasármelo genial. La escribí y la produje toda yo sola porque tenía muy claro cómo quería que sonara: tenía que poder bailarla tambaleándome y fingiendo ser una cantante de pop antigua».

Sesión de control

Adiós a Nichelle Nichols, la icónica Uhura de ‘Star Trek’

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Nichelle Nicols, actriz que interpretó a la icónica Nyota Uhura en ‘Star Trek’, ha fallecido por causas naturales a los 89 años de edad, ha confirmado su hijo en Facebook. “Siento informarles que una gran luz del firmamento ya no brilla para nosotros como ha hecho durante tantos años», ha escrito. «Ayer por la noche, mi madre, Nichelle Nichols, sucumbió a causas naturales y murió”.

Nacida en 1932 en Illinois, Nicols será para siempre recordada por representar uno de los primeros personajes afroamericanos de relevancia en una serie de televisión en Estados Unidos. Su papel de Uhura -traductora especializada en lingüística, criptografía y filología- fue uno de los principales de la serie, signo de que la cultura empezaba a reflejar los cambios políticos y sociales que la sociedad demandaba.

El propio Martin Luther King, quien, solo cuatro años antes del estreno de ‘Star Trek’, había ofrecido su icónico discurso ‘Yo tengo un sueño’ por los derechos civiles de la población afroamericana, era fan de Nichols y le convenció de seguir en ‘Star Trek’ cuando ella ya había decidido abandonar la serie para empezar a actuar en una obra de teatro, destacando su papel clave en la lucha contra el racismo.

Nicols también fue conocida por haber protagonizado el que muchos consideran el primer beso interracial que emitió la televisión estadounidense. En una escena de ‘Los hijastros de Platón’, emitida en 1968, Nyota Uhura y Capitán Kirk (William Shatner) se funden en un beso. Sin embargo, 10 años atrás, el propio Shatner ya besó a la modelo y actriz asiática France Nuyen en televisión.

Al margen de su carrera interpretativa, Nicols dedicó su vida a trabajar en programas de la NASA y, además, llegó a tener una pequeña carrera musical. En concreto publicó dos álbumes, ‘Down to Earth’, en 1967, y ‘Out of this World’, en 1991.

Fangoria, en su salsa en el Low, el otro Benidorm Fest

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25.000 personas acudieron al Low Festival durante una segunda jornada amenazada a última hora por una tormenta programada para las 21 horas, que felizmente no se produjo. Habría sido un tanto poético que cayera justo durante el concierto de Amaia, a las 21.30, el cual incluye un tema llamado ‘Relámpago’. El relámpago sonó y hay un momento de la canción en el que de hecho parece caer, efectista, sobre el escenario, pero ese fue el único altercado vivido durante la jornada de sábado en el festival de Benidorm.

Tan encantadora como siempre, Amaia lamentó no poder hacer un concierto más largo como está mandado en todo festival. Por ella se habría quedado más tiempo. Sin embargo, sí hubo ocasión de repasar muchas de las canciones contenidas en su segundo disco ‘Cuando no sé quién soy’, como fue el caso de una emocionadísima ‘Yamaguchi’, dedicada a su familia allí presente; la genial ‘Quiero pero no’, igual de coreable sin Rojuu o la versión de Los Planetas ‘Santos que yo te pinte’. Hay que hacer especial hincapié en esta porque resulta una de las cumbres del concierto de Romero. Su voz es todo expresividad, con una calidad en directo que hasta a veces parece playback, y en este caso la cantante agitó los brazos al ritmo de la percusión como si fuera ella misma la persona sentada a la batería.

El concierto de Amaia incluyó también la comentada versión de ‘Fiebre’ de Bad Gyal, que compite por ser mejor que la original en su reducción a piano. Viene a demostrar que la melodía siempre estuvo entre lo mejor de las canciones de Alba, por si hay algún sordo que todavía lo dudara, y vaticino un pequeño éxito si se decide sacar esta versión a las plataformas de streaming. ‘El encuentro’ sin Alizzz y ‘La canción que no quiero cantarte’ sin Aitana cerraron un set que no necesita featurings para brillar. Amaia moviéndose de lado a lado del escenario, con su preciosa voz, es más que suficiente.

Hubo un momento en el que si Amaia y Carolina Durante actuaban el mismo día en un festival, la colaboración estaba garantizada, pero no fue el caso. Los tiempos cambian. Los de Diego Ibáñez actuaron en el mismo Escenario Benidorm, presentando las canciones también de su segundo disco, destacando ‘Famoso en 3 calles’ poco después de que ‘Cayetano’ volviera a dar todo a los asistentes, ahora remozada con un dardo envenenado a VOX, ahora que Ciudadanos ya no existe. Diego actuó con una camiseta de John Maus, estrella perdida donde las haya.

El escenario grande fue el espacio para White Lies a primera hora de la noche, Editors en torno a la medianoche y Fangoria en prime-time. Fangoria se encargaron de recordar que la reivindicación de Benidorm les pertenece desde mucho antes de que Alaska presentara Benidorm Fest y desde mucho antes de que María Jesús hiciera aquel inverosímil spot para promocionar el festival. El grupo de Olvido Gara y Nacho Canut ha hecho de lo kitsch una virtud, y hay que reconocer que la extraña ciudad de los rascacielos es el sitio perfecto para disfrutar de canciones de su repertorio tan deliberadamente sobrecargadas y barrocas como ‘Espectacular’, ‘Fiesta en el infierno’, ‘Geometría polisentimental’ y ‘Dramas y comedias’, definitivamente la mejor canción de su carrera.

Otras decisiones más arriesgadas en su setlist, para bien o para mal, fueron la inclusión de una versión de Ríos de Gloria, la reivindicación de ‘Satanismo, arte abstracto y Benidorm’ y las nuevas versiones de ‘Electricistas’ o ‘Retorciendo palabras’. Esta última es un poco metalera y prescinde de ese puente tan complicado de aprender. ‘Electricistas’ siempre es una alegría, pero si ya la gente la desconoce por alguna razón, su versión tecno la verdad es que no ayudó. Por el contrario, ‘A quién le importa’ y ‘Ni tú ni nadie’, las reivindicaciones de Dinarama (también sonó ‘Bailando’ de Pegamoides) son coreadas y celebradas en cualquier manifestación. De manera fascinante, Fangoria lucen en su mejor momento en vivo.

El Escenario Radio 3 acogió los conciertos de gente como Biznaga -infalible su himno ‘Madrid nos pertenece’, qué ilusión escucharlo fuera de Madrid-, El Último Vecino de pésimo humor (lamentó empezar tarde, abroncó a alguien por un micrófono que sonaba perfectamente, en un momento dado proclamó «Esto es un infierno» quizá en referencia al calor, pero no hacía tanto) y el curioso show de [VVV]Trippin’ You. El grupo de neo-bakalao agradeció a la multitud asistente su presencia pese a coincidir con La Habitación Roja -fue un shock que les mencionaran siquiera, dada su diferencia estilística-. Adri es un curioso frontman, que tan pronto parece perdido como confiado sobre el escenario, disfrutando de un segundo plano o de tratar de escalar sin éxito; y fueron curiosas sus maneras de dirigirse al público, de «os estáis portando debuti» a «no os hagáis pajas mentales, no somos nazis». Un clásico en el post-punk que en este caso se decora con beats de drum&bass y trance, culminando el set como no podía ser de otra manera con ‘Odiar frontal’, tan angustiosa como saltarina.

De manera insólita, Low Festival ha programado una serie de grupos nacionales como a las 4 de la madrugada, como fue el caso el viernes de la verbena de Ginebras, este domingo de Alizzz o el sábado de Ojete Calor. Lo del dúo salido de ‘Muchachada nuí’ es para verlo, una locura total de desvaríos e idas de olla celebrada en todo momento por las masas pese a ciertos visos misóginos (‘Mocatriz’, ‘Eres tonta y eres gilipó’). No es cuestión tampoco de sacarles punta porque están en este mundo para hacerlo un poco mejor y fueron muchos los momentos tronchantes, como la obligatoriedad de cantar «O-JE-TE-CA-LOR» con la melodía de ‘7 Nation Army’ de White Stripes, la reivindicación de ‘Eres tú’ de Mocedades, pinchada tal cual, o la presentación con Laura Palmer. No nos los merecemos.

BLACKPINK: gira mundial en octubre y nuevo LP, ‘BORN PINK’

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BLACKPINK vuelve en 2022. El portal dedicado al k-pop Soompi informa que un representante de YG Entertainment ha confirmado que la girl band surcoreana volverá oficialmente el próximo mes de agosto con nueva música, una canción que significará el single de pre-lanzamiento del próximo LP de la banda, recién anunciado con el nombre ‘BORN PINK’. El próximo álbum de BLACKPINK saldrá en septiembre, pero no hay fecha exacta confirmada.

Además de la confirmación de que hay nuevo single y disco de BLACKPINK en camino, el representante ha confirmado que la banda se encuentra preparando una gira mundial para presentar dicho álbum que será histórica y que comenzará en octubre de este año. «Con intención de expandir la conexión emocional con sus fans, (BLACKPINK) emprenderá la gira de mayor envergadura que jamás ha realizado una girl band surcoreana», ha dicho. La fuente promete «más proyectos grandes» acorde al «estatus» de la formación.

El «comeback» de BLACKPINK es a todas luces uno de los más esperados del año en el mundo del pop. El cuarteto formado por Jisoo, Jennie, Rosé y Lisa no publica disco desde octubre de 2020, cuando llegó al mercado su debut oficial ‘THE ALBUM‘, que contenía macrohits del tamaño de ‘How You Like That’ o ‘Ice Cream’ con Selena Gomez dentro de una secuencia de apenas 8 cortes. Ese mismo año, BLACKPINK colaboraba con Lady Gaga en ‘Sour Candy’, incluido en ‘Chromatica’.

En los últimos tiempos, dos integrantes de BLACKPINK han hecho sus pinitos por separado. Especialmente Lisa arrasaba en las plataformas con ‘MONEY’, mientras Lisa triunfaba con ‘On the Ground’. La pionera Jennie sacó single sola hace unos años. Curiosamente, Jisoo, vocalista principal de BLACKPINK, todavía no ha publicado música en solitario, aunque no lo descarta.

Recientemente, BLACKPINK ha sido noticia por ser el primer grupo musical que supera la cifra de 75 millones de suscriptores en su canal de Youtube.

Taylor Swift, señalada como la celebridad que más contamina

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Durante este fin de semana, la firma británica de sostenibilidad Yard publicó un informe que enumeraba los famosos con las emisiones de CO2 más fuertes provenientes de jets privados. La sorpresa fue cuando en lo más alto de la lista se encontraba Taylor Swift, cuyo avión supuestamente ha efectuado 170 vuelos solo este año. Esto equivale a casi 16 días en el aire con un tiempo medio de vuelo de 80 minutos. Los siguientes en la lista son Floyd Mayweather, Jay-Z, A-Rod y Blake Shelton.

La noticia ha llenado las redes tanto de memes como de furiosas críticas hacia la artista estadounidense. Todo forma parte de una conversación entorno a las emisiones de CO2 de los famosos que ha estado dominando las redes durante las últimas semanas. Esto comenzó hace un par de años con una cuenta de Twitter que seguía los movimientos del avión personal de Elon Musk. Ahora, hay una cuenta de Twitter para prácticamente cualquier jet de cualquier celebridad. Mismamente, la semana pasada Drake fue acusado de supuestamente usar su jet para un viaje de 14 minutos.

Todo el asunto ha causado que el equipo de Taylor Swift se viese obligado a emitir una aclaración, lo cual hicieron a través de la revista Rolling Stone: «El avión de Taylor es alquilado regularmente por otras personas. Atribuirle a ella todos estos viajes o la mayoría de ellos es descaradamente incorrecto». Cabe decir que los datos de estos jets están disponibles al público, pero en ellos no se especifica quién está exactamente usando el avión.

Gorillaz nos reclutan para su secta en ‘Cracker Island’

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Damon Albarn y Jamie Hewlett fundaron la banda virtual favorita de todos en 1998. Casi 25 años más tarde, Gorillaz nunca han dejado indiferente a nadie. Su último single, y nuestra canción del día de hoy, es ‘Cracker Island’, el sectario primer capítulo de la nueva etapa de 2-D, Noodle, Murdoc y Russel tras la salida de ‘Song Machine, Season One: Strange Timez’ y del posterior ‘Meanwhile EP’.

En ‘Cracker Island’, Gorillaz reclutan a Thundercat y hacen uso de su virtuoso bajo de seis cuerdas y de su voz de falsetto. Con el largo historial de Gorillaz con las colaboraciones, era cuestión de tiempo que esto ocurriese, dado que además el propio Thundercat está también muy acostumbrado a colaborar constantemente con diferentes artistas de diferentes géneros (Kendrick Lamar, Silk Sonic, HAIM, Flying Lotus…).

Musicalmente, ‘Cracker Island’ es adictiva desde el primer segundo. Los sintetizadores y el ritmo «club-made» navegan en la dirección de la corriente musical actual y Gorillaz consiguen salir victoriosos con este sonido. Nadie puede anticipar como va a sonar una nueva canción de Gorillaz. Especialmente, y como ocurre en este caso, si representa un nuevo horizonte para el grupo. Al mismo tiempo, sin importar a cuantos fans de la banda preguntes, nadie es capaz de describir cómo suena una canción estereotípica de Gorillaz.

Han acostumbrado a sus oyentes a no esperar nada dos veces, y siguen cumpliendo después de tanto tiempo. La primera canción de Gorillaz que se me ocurre que podría ser similar a ‘Cracker Island’ es ‘Rhinestone Eyes’, del disco ‘Plastic Beach’, aun teniendo elementos mucho más electrónicos.

«Forever cult» probablemente sea la frase más repetida de la canción, y tiene una razón de ser. Según una entrevista en la BBC del propio Damon Albarn, la canción parte de la idea de que «todas las personas que tienen ideas locas pueden vivir juntas y felices en su propio recinto apartado llamado ‘Cracker Island'». A su vez, la palabra «cracker» en inglés británico significa «loco» o «chiflado».

De esta forma, la letra parece hablar de una especie de secta o culto, formada entre los locos a los que se refería Albarn en la entrevista. Naturalmente, este es el significado más literal, y la letra se podría interpretar de diversas formas. Por ejemplo, relacionándolo con la «stan culture» o incluso con los medios de comunicación («Where the truth was auto-tuned»). Hasta que no tengamos la canción dentro del contexto de un álbum, será difícil desentrañar todo su significado.

El videoclip de la canción parece seguir el significado más literal, partiendo de la banda siendo llevada por la policía a un hospital de Los Ángeles y con múltiples referencias a la idea de una secta oculta a la que parece haberse unido Murdoc. Al mismo tiempo, podemos ver en varios momentos noticias en una televisión sobre un «gran incidente bajo el cartel de Hollywood» en el que está interviniendo la policía para parar «una ceremonia oculta». El vídeo cierra con estas imágenes, que podrían ser más desarrolladas en el futuro o no, y con una frase de Groucho Marx: «Blessed are the cracked, for they shall let in the light…»

Pusha T / It’s Almost Dry

Superar a ‘DAYTONA’ no era un encargo sencillo, pero Pusha T ha demostrado que incluso en su punto más alto, es capaz de seguir evolucionando. Desde que se anunció que la mitad de ‘It’s Almost Dry’ estaría producida por Kanye West y la otra mitad por Pharrel Williams, y conociendo el pasado de ambos con Pusha T, quedó claro que el álbum prometía mucho. Esto se confirmó totalmente cuando salieron los singles ‘Diet Coke’ y ‘Neck & Wrist’, dos de las mejores canciones de la carrera de Pusha T.

La primera, con una producción de West que encapsula a la perfección el término «luxury rap» y con un nuevo juego de palabras de Pusha para hablar sobre la cocaína, lo cual, de alguna forma, sigue haciendo a lo largo del disco sin ser repetitivo. Vaya, lleva haciéndolo con éxito toda su carrera. La segunda, con una adictiva base marca Pharrell, un flow de Pusha único y un verso de Jay-Z con lección de historia incluido, al mencionar a The Commission, el supergrupo de rap liderado por Jay-Z y The Notorious B.I.G. que nunca llegó a materializarse.

Estos dos adelantos no solo aumentaron el hype por ‘It’s Almost Dry’, sino que, junto con el lanzamiento de ‘Hear Me Clearly’, dejaron claro que el nuevo LP no sería tan sónicamente homogéneo como ‘DAYTONA’. La principal razón de esto es la obvia diferencia entre la producción minimalista y basada en samples de Ye y la versátil y melódica producción de Pharrell. Pese a esto, ‘It’s Almost Dry’ es una colección de canciones coherente, pero, no tan constante en su segunda mitad. En gran parte, por lo tremendamente buena que es la primera.

‘Brambleton’ es un inicio fuerte para el álbum. Una introducción que, líricamente, trata temas bastante personales para Pusha, tomando su relación con su exmánager como punto central, y que suena como la introducción a una película de Scorsese o Coppola. ‘Let The Smokers Shine The Coupes’ muestra el lado más old-school de Pharrell con una base llena de chopeos, y deja una de las frases más citables del LP (I got ‘em, baby, I’m Jim Perdue/ Cocaine’s Dr. Seuss).

‘Dreamin Of The Past’ es un inspirador festival de barras nostálgicas -nótese el énfasis que le pone Pusha a sus frases- sobre una prototípica pero magnífica base de Kanye, con un sample del ‘Jealous Guy’ de Donny Hathaway. Esta, además, es una de las canciones del disco en las que Pusha se atreve a entonar mínimamente, saliendo muy bien parado en todas las que lo prueba. Kanye suelta algunas frases sobre su extensa cantidad de dinero y sobre su actual situación matrimonial, pero su parte no es lo suficientemente larga como para arruinar la canción, a diferencia del infame verso de ‘What Would Meek Do?’ en ‘DAYTONA’.

La segunda mitad del álbum comienza con ‘Rock N Roll’, la única canción del disco que contiene producción de tanto Kanye como Pharrell. Pese a este esperanzador dato, a este tema con Kid Cudi le ocurre lo mismo que a canciones como ‘Scrape It Off’ y ‘Hear Me Clearly’. Están bien, pero no mantienen el nivel. En especial, el estribillo de Kid Cudi en ‘Rock N Roll’ y la simpleza comercial de ‘Scrape It Off’, ganadora al beat más olvidable del proyecto, son dos puntos que no actúan a favor del LP. De todas formas, esta segunda mitad sigue teniendo highlights, como el original flow de ‘Call My Bluff’, toda ‘Open Air’ y la reunión de Clipse en ‘I Pray For You’.

‘It’s Almost Dry’ es una escucha mucho más variada que ‘DAYTONA’. Diferentes estilos de producción, nuevos flows, canciones más redondas estructuralmente y la demostración de la gran versatilidad de Pusha a la hora de aproximarse a un tema. ‘DAYTONA’ duraba 21 minutos y todos nos quedamos con ganas de más. ‘It’s Almost Dry’ es definitivamente más y, sorprendentemente, muchas veces mejor. Es un proyecto que comienza a construir sobre los elementos que hicieron grande a ‘DAYTONA’ y avanza sobre ellos, acabando con una colección de canciones que, esencialmente, es un desarrollo hacia adelante.

A Harry Styles se le queda pequeño el salón de su casa en Madrid

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Anthony Pham (Colonia)

Harry Styles viene de donde viene y, aunque en sus dos primeros discos en solitario se le percibía atormentado y obsesionado con hacer lo que yo llamo “música para músicos” -no en el más estricto sentido del término, porque no dejaban de ser canciones pop- con su último trabajo, ‘Harry’s House‘, ha abrazado la realidad sin complejos y disfruta de lo cosechado.

El británico se encuentra inmerso en su ‘Love on Tour’, que anoche hacía parada en el WiZink Center de Madrid. Al llegar allí, en las inmediaciones del recinto te podías encontrar a sus fans en corros masivos, portando boas de todos los colores chillones imaginables y coreando las canciones mientras veneraban figuras de cartón con la cara del artista. Estaba claro que allí habíamos ido más a una misa que a un concierto.

Con apenas 10 minutos de retraso, la banda de Harry saltaba al escenario tras una intro delicada y larga de piano. Sin duda, iba a estar muy bien acompañado con Mitch Rowland a la guitarra, Pauli Lovejoy a las percusiones, Elin Sandberg al bajo, Ny Oh como multiinstrumentista, Yaffra a los teclados y la genial Sarah Jones a la batería. Todos situados sobre una plataforma de distintos niveles de colores diversos en tonos pastel.

Pero el antiguo Palacio de los Deportes se vino abajo cuando el ex One Direction saltaba al escenario para arengar a las masas e interpretar ese ‘Music for A Sushi Restaurant”, que también abre su último trabajo. La cosa estaba encendida y todos los que estaban sobre el escenario, incluyendo al propio Harry Styles, dejaban claro desde el principio que no eran unos principiantes y que podían ofrecer una calidad musical sobresaliente.

El británico dio un recital de hora y media, aproximadamente, donde tuvieron cabida canciones como ‘Adore You’, ‘Cinema’, ‘Treat People With Kindness’ o el guiño a One Direction con ese coreado ‘What Makes You Beautiful’, en versión más guitarrera. Aunque nada sonó mejor en la velada que esas versiones minimalistas de ‘Matilda’ y ‘Boyfriends’, mucho más pequeñas -y preciosas bajo mi punto de vista- que en la grabación del disco, creando una atmósfera muy íntima.

Durante todo el concierto tuve la sensación de que a ratos el público conectaba más con Harry que con sus canciones -aunque fue un karaoke constante- y él lo explota a la perfección interactuando constantemente, cogiendo los regalos que le tiran al escenario, lanzando besos e incluso, si es necesario, interrumpiendo el ritmo del show para contentar a una fan que estaba en primera fila y que había mandado a su padre a lo más alto de la grada, cantándole el cumpleaños feliz. Pero esa sensación desapareció cuando en el primer y único bis encadenó ‘Sign of the Times’, ‘Watermelon sugar’, la celebrada ‘As it Was’ y ‘Kiwi’. No había espacio para la duda, porque Harry nos había invitado al salón de su casa y nos había ofrecido lo mejor. Un cóctel de carisma y descaro que nos volvió locos, haciéndonos ver que el WiZink como recinto, se le queda pequeño a un artista de su talla.

Anthony Pham (Colonia)

No sonó ‘Medicine’ -canción que jamás ha sido publicada pero que alguna vez ha interpretado en directo y vuelve locos a sus seguidores- pese a que todo el mundo se unió en un grito unánime para pedir. Pero sí que hubo, al final de ‘Kiwi’, bautizo: Harry tiene la costumbre de bañar a algunos de los fans de primera fila y ya se ha convertido en toda una tradición que a él le tiren agua en los últimos compases del show para pedirle ser los elegidos. También hubo lo que sus seguidores han denominado “La Ballena”, una performance en la que Harry se llena la boca de agua y la escupe pulverizándolo mientras mira hacia el techo, significando el fin del show. Sin duda, lo de mojar a sus fans, es lo suyo.

Cuando al principio de la crónica decía que el artista viene de donde viene, no lo decía como una crítica, sino como introducción a la explicación del camino que el bueno de Harry ha tomado y que no es más que el fiel reflejo de una sociedad obsesionada con denostar lo pop y una prensa “especializada” que se esfuerza diariamente en demostrar lo elevadas que son sus ideas, sin entender los nuevos formatos ni que la cultura es un retrato más de las múltiples realidades que existen en nuestro tiempo -porque sí, no solo hay una forma de hacer y ver las cosas-. Con todo esto, más que una elevación a la cima del mayor de los clasismos, lo único que consiguen es dejar a la vista sus inseguridades y sus miedos; inseguridades y miedos que se tratan en terapia, no en las redes sociales y en las crónicas sin criterio.

La verdad es que anoche Harry Styles ofreció la más colorida de las misas llevándonos el salón de su casa a Madrid, y sus fans, como buenos fieles, acudieron a comulgar y salieron de allí con la sensación de haber expiado todos sus pecados -si es que los tenían-. Y no me extraña.