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La canción del día: Caroline Rose emplea el humor y el pop para denunciar la misoginia en ‘Bikini’

Por
Raúl Guillén
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Aunque ‘LONER’, publicado hace un par de meses atrás, es el segundo disco de la norteamericana Caroline Rose, parece a todas luces su verdadero debut. Básicamente, porque suena más auténtico y personal que un ‘I Will Not Be Afraid’ más cercano al alt-country, facción cuqui. Con ‘LONER’, más cercano a referentes como Katy Goodman, Angel Olsen o Courtney Barnett, Rose abre su rock a un sonidos más eclécticos, desde la psicodelia al rockabilly, y, sobre todo, destaca por su querencia por el pop.

Tras varios singles como ‘Soul No. 5’ y la preciosa, un poco Cindy Lauper, ‘More Of The Same’, acaba de presentar su nuevo vídeo para una de las canciones más enérgicas del álbum, ‘Bikini’. Un tema vibrante, de gancho inmediato y espíritu juguetón, con ese riff de Moog (o similar) que contagia entusiasmo e invita, como dice su estribillo, a “menearlo” y “bailar”. Muy simpático si no fuera porque, en realidad, todo ese candor, esconde una sátira sobre la misoginia en el mundo del espectáculo. Ese “ponte este biquini y ¡baila, baila, baila!” esconde la cosificación a la que muchas mujeres son sometidas en el mundo del arte por la falocracia.

Un mensaje comprometido que se complementa ahora con su recién estrenado clip. Dirigido por ella misma e inspirado por el universo de Almodóvar (“es un maestro en el uso de elementos visuales para mejorar una historia seria”) y por los concursos televisivos de los 60 y 70 estilo ‘El precio justo’, se sitúa a sí misma como caricaturesco maestro de ceremonias de un show en el que se espera que las mujeres cumplan un papel ornamental. Sólo que, con ironía, sus modelos no se ajustan a los cánones de belleza más viles dando un toque cómico, pero también espeluznante cuando suelta eso de «vamos a ponerte en un avión y llevarte a Tokio, todo lo que tienes que hacer es ponerte este pequeño biquini». Un gran tándem música/visuales que pone la atención sobre esta interesante artista a la que, en breve, tendremos en nuestro país.

Y es que Caroline Rose, tras ser anunciada en la penúltima tanda de confirmaciones del FIB 2018 –junto con Rag’N’Bone Man, Metronomy, Anna Calvi…–, ha ampliado su periplo por España confirmando su presencia en el club Dabadaba de Donosti (el 20 de julio), y en el Barranco Festival de Fitero, Navarra (21 de julio).

Mitski se abandona a un amor tóxico en ‘Geyser’

Por
Raúl Guillén
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Hace un par de años Mitski Miyawaki deslumbraba con ‘Puberty 2’, un álbum de rock que equilibraba agresividad y emoción en canciones portentosas como ‘Your Best American Girl’ o ‘Happy’. Un disco que certificaba su ascensión en la escena y la hizo subir de división para codearse con artistas como Run The Jewels o Lorde, con los que ha estado compartiendo tour por Norteamérica. Ahora, al fin, ha llegado el momento de dar continuidad a aquella obra con ‘Be The Cowboy’.

Se publica el día 14 de agosto y se trata de su tercer disco en el sello independiente Dead Oceans (sus dos primeras obras fueron autoeditadas), de nuevo grabado junto a su colaborador Patrick Hyland. En el anuncio del disco realizado por el sello, Mitski asegura que ha tratado de dar en él un nuevo enfoque a su música: “He experimentado con la narrativa y la ficción. [Tenía en mente] una mujer fría, muy reprimida, que comienza a rebelarse. A causa del empequeñecimiento de las mujeres y que mostrar emociones es visto como una debilidad, este personaje se aferra al más mínimo resquicio de control que pueda tener. Aún así, hay algo primario en ella que intenta encontrar su camino para salir”.

Esto, literalmente, es lo que encontramos en la letra –y también en la música– de ‘Geyser’, primer adelanto de ‘Be The Cowboy’. Tras un tenso arranque envuelto en un órgano mientras ella canta “eres mi número uno, eres a quien quiero, y he rechazado que me ha invitado a marchar”, el tema va creciendo hasta lo explosivo, emulando ese “geyser” que en un momento de la canción, que “burbujea desde abajo” y le llama. “Incluso cuando me está haciendo daño, no es real, no es lo bastante real”. Un llamativo retorno que se complementa con un vídeo oscuro que discurre paralelo a la canción, con la propia Mitski encarnando ese personaje.

Tracklist de ‘Be the Cowboy’:
1. Geyser
2. Why Didn’t You Stop Me
3. Old Friend
4. A Pearl
5. Lonesome Love
6. Remember My Name
7. Me And My Husband
8. Come Into the Water
9. Nobody
10. Pink in the Night
11. A Horse Named Cold Air
12. Washing Machine Heart
13. Blue Light
14. Two Slow Dancers

Olly Alexander es la estrella en el homoerótico “cabaret humano” de Years & Years

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Raúl Guillén
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Tras las emociones encontradas que desencadenó en nuestra redacción (y también sus seguidores) ‘Sanctify’, el primer adelanto del esperado segundo disco de Years & Years, el pasado viernes presentaban un nuevo single del mismo. Se trata de ‘If You’re Over Me’, una canción ultrapopera, más luminosa que su predecesora, fiel a la mano de su productor Steve Mac (que recientemente trabajaba, por ejemplo, en el debut de Anne-Marie).

Hoy, además, el grupo británico muestra su vídeo oficial, que enlaza con la trama que comenzaba a desplegarse en el de ‘Sanctify’: una fantasía científica futurista en la que los androides gobiernan el mundo y someten a los humanos, que son juguetes para ellos. En el caso de Olly, juguete sexual para un humanoide de aspecto indoasiático, que en esta ocasión le convierte en la estrella del “cabaret humano” que dirige. Olly protagoniza con sus bailes y sus espatarres el espectáculo mientras, entre bambalinas y tocamientos, surge la chispa con uno de los bailarines de la compañía.

‘If You’re Over Me’ se ubica en el tracklist al principio de la segunda mitad de ‘Palo Santo’, ese nuevo disco de Olly, Mikey Goldsworthy y Emre Türkmen –por el momento, dejando todo el protagonismo estético al también actor– que se publica el próximo 6 de julio.

Delaporte / Uno

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Raúl Guillén
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Una cosa que no esperábamos en el regreso de ‘Fama A Bailar’ y que es digno de celebración es que hayan dado gran protagonismo a la música en directo. Y que su apuesta no (sólo) se limiten a los nombres cuya promo impulsan las grandes discográficas, sino también otros nuevos, frescos y audaces. Es el caso de Delaporte, semidesconocido dúo establecido en Madrid y formado por Sandra Delaporte, cantante y compositora, y Sandro Salvi, músico y productor italiano, que ha visto cómo su aparición en el programa para interpretar su canción ‘Un jardín’ le ha servido para darse a conocer a un público muy amplio, cambiando para siempre su carrera.

Sin embargo, aunque esta aparición suponga, previsiblemente, un felicísimo accidente de más de 1 millón de streamings en su carrera, la atención que ha desatado hacia ellos está más que justificada, a tenor de lo mostrado en sus dos primeros EPs, ‘One’ –publicado el pasado año– y su complemento reciente, ‘Uno’, ambos publicados en el sello independiente Mad Moon Music. Como dejan ver sus títulos, ambos EPs separan, a priori, sus canciones en inglés –salvo por la estupenda ‘Pájaro salvaje’ incluida como excepción a la regla en el primero– y castellano. Pero hay más diferencias que el mero lenguaje en ellos.

Y es que, mientras en aquel primer disco de 2017 mostraban una mayor querencia por el future bass o el footwork anglosajón, ‘Uno’ inclina también la balanza hacia ritmos de origen latinoamericano que conforman una entidad más singular para Delaporte. Así, no se trata solo de que podamos cantar y memorizar sus letras –cuando podemos distinguirlas, porque la mezcla vocal es a veces mejorable–, sino que su pop-soul-R&B electrónico pero sudoroso es claramente identificable. Aunque la potente exuberancia del funk brasileño que nutre la crucial ‘Un jardín’, la mezcla de delicadeza y bailabilidad de ‘Me encanta’, la electrocumbia elegante de ‘Cariñito’ (versión del popular tema de Los Hijos del Sol que también está en el repertorio de Novedades Carminha) conforman un bloque latino en su primera mitad, que contrasta (aunque no tanto como parece sobre el papel) con el trap-dance-pop sexual de ‘Tú y yo’, el homenaje a ‘Homework’ de Daft Punk que contiene ‘Otomanique’ o la outro-balada a lo James Blake ‘#1’, más universales y quizá con un punto menos de gancho que el inicio del disco.

Las personales –insinuantes, pero nunca evidentes– letras de Sandra también contribuyen a hacer de ‘Uno’ uno de los lanzamientos de pop contemporáneo más estimulantes y desacomplejados que hayamos disfrutado en mucho tiempo, y ardemos en deseos de saber cuán lejos pueden llevar su propuesta en el futuro. Una mezcla atractiva, tan valiente como cargada de inmediatez, que la escena, definitivamente, necesita.

Muestra de su amplitud de registros y públicos potenciales, Delaporte estarán presentando las canciones de ‘Uno’ en festivales como Paraíso, en Madrid, o Arenal Sound, en Burriana (Castellón). Pero antes de eso, este viernes 18 de mayo, actúan en Ochoymedio Club de Madrid.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Un jardín’, ‘Me encanta’, ‘Tú y yo’
Te gustará si te gustan: Chairlift, James Blake y Bomba Estéreo.
Escúchalo: Spotify

¿Es tan nefasta la “versión feminista” de ‘This Is America’ de Nicole Arbour como hace ver Internet?

Por
Raúl Guillén
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Horas después de conocerse que Donald Glover, en su alias musical Childish Gambino, conseguía su primer top 1 de Billboard Hot 100 con ‘This Is America’, uno de los acontecimientos musicales de las últimas semanas, la canción es noticia por motivos mucho menos positivos. Una cómica canadiense llamada Nicole Arbour, de cierta popularidad en Youtube por sus recurrentes polémicas, subía anoche una “versión feminista” del single de Childish Gambino.

En el vídeo, Arbour traslada el espíritu de la canción –un alegato contra el incipiente racismo y violencia en Norteamérica hacia las etnias más desfavorecidas– a un contexto de la opresión de la mujer. Tras numerosos comentarios negativos (los dislikes cuadruplican los likes), la youtuber ha decidido cerrar los comentarios y añadir un texto en la descripción del vídeo, declarando su admiración por la obra de Gambino (“la obra de arte más impactante de los últimos años”) y explicando que era “arrojar luz a experiencias de la mujer como la recriminación a las madres que amamantan, las violaciones bajo efectos de estupefacientes, las etiquetas de “santa o puta”, las presiones para tener familia, el acoso laboral, el techo de cristal”, etc. Pero Internet ha dictado sentencia y su vídeo está siendo masacrado… ¿con razón?

Ciertamente, las intenciones de Arbour parecían buenas, y ni mucho menos hay en su vídeo un tono de burla hacia el original. Además, se ha preocupado por reflejar a mujeres de distintas etnias y morfologías físicas en él. Pero tomar como referencia una obra que denuncia otro problema de sensibilidad social tan importante parece una decisión totalmente nefasta, máxime siendo una mujer caucásica bajo los cánones de belleza occidental prototípicos. No sólo porque se puede interpretar, como así ha sido, como una parodia a aquella denuncia, sino porque consigue precisamente el efecto contrario: como ella misma dice en un texto al final del vídeo, “si yo fuera un tío, no estaría pensando quién me ha escrito todo esto”, acompañado de una peineta. Por más suculenta que parezca la idea de emplear el vídeo viral más exitoso de la primera mitad del año, ¿no había más vídeos que emular para su denuncia? Directamente, esta nunca debería haber sido una opción.

Quizá el problema de Arbour es que este no es su primer vídeo polémico: en 2015, dio la vuelta al mundo un vídeo llamado “Querida gente gorda” que, disfrazado de sátira, resultaba insultante e hiriente para las personas con obesidad y sobrepeso, negando que hubiera discriminación hacia ellos por sus cuerpos. Aunque ella se esforzara por hacer ver que pretendía lo contrario, responder después con un vídeo patrocinado por unos productos supuestamente adelgazantes parecía otro insulto. En su colección hay una ristra de parodias que, obviamente, persiguen llamar la atención por la vía de la provocación, como “Queridos negros”, “Queridos refugiados”, “Queridos religiosos”, “Queridos transgéneros” o 4 pasos para librarte de la depresión. Esta vez, quizá a su pesar, ha conseguido lo que quería (el vídeo se acerca al millón de visualizaciones, frente a los ciento y pico mil habituales en su canal).

Muere Glenn Branca, icono de la no wave neoyorquina, víctima de un cáncer de garganta

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Raúl Guillén
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La esposa del músico neoyorquino Glenn Branca, Reg Bloor, ha comunicado en Facebook que su marido ha fallecido la pasada noche mientras dormía. Tenía 69 años y padecía un cáncer de garganta que, parece, ha terminado con su vida. Bloor, «devastada», dice en su comunicado que «se siente agradecida por haber podido vivir y trabajar con tamaña fuente de ideas y creatividad durante los últimos 18 años y medio. Su obra musical era una fracción de las ideas que tenía en un día cualquiera. Su influencia para el mundo de la música es incalculable».

Branca es uno de los nombres fundamentales en el underground neoyorquino de las 4 últimas décadas, como miembro de la banda no wave –un movimiento contracultural y experimental que surgió en Nueva York como reacción a la colorida new wave– Theoretical Girls, grupo que apenas existió 4 años (de 1977 a 1981), tiempo en el que dieron 20 conciertos y que no llegó a editar ningún álbum en ese plazo, sino un par de singles.

Sin embargo, su trabajo y su actitud resultaron toda una inspiración para artistas más jóvenes de la escena, como Sonic Youth, que dieron sus primeros pasos discográficos en el sello de Branca, Neutral Records. Thurston Moore y Lee Ranaldo, como Michael Gira (Swans), son algunos de los artistas que han alabado y tomado como referente su trabajo como guitarrista, tocando con él en diferentes ocasiones.

Tras Theoretical Girls, compuso y publicó varias sinfonías, construyendo sus propios instrumentos y erigiéndose en uno de los nombres fundamentales del panorama avant-garde, junto con Steve Reich o Philip Glass. ‘The Ascension’ es uno de sus trabajos más admirados, disco reeditado años atrás coincidiendo con su participación, por ejemplo, en Primavera Sound 2011.

‘Girls’ de Rita Ora ft Charli XCX, Bebe Rexha y Cardi B: «¿Esto es todo lo que ha reunido este grupo de 10 personas?»

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JNSP
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Parte de la redacción evalúa ‘Girls‘, el polémico nuevo single de Rita Ora junto a Charli XCX, Bebe Rexha y Cardi B, por el que la británica ha acabado pidiendo disculpas a la comunidad LGTBQ+.

«De Rita Ora y el supergrupo de heroínas pop que le acompañan esperaba más, muchísimo más. ‘Girls’ ahonda en los males de ‘Proud’, su anterior single. Es muy plana, carece de gancho (y ganchos), el estribillo es soso y no remonta el vuelo; el sample del coro que se escucha en segundo plano, en lugar de vestir a la canción, desconcierta (no encaja para nada, parece destinado a otra composición) y, para rematar, el puente recuerda el de ‘Thunder’ de Imagine Dragons (una de las canciones más feas del último año). Sinceramente, Rita parece confiar la fuerza de ‘Girls’ en su letra y su mensaje pero, si pretendía fabricar un gran himno de empoderamiento femenino y reivindicación de la bisexualidad, el tiro no le ha salido demasiado bien: hay voces que la han criticado como dañina a la causa LGTB e “ilustración de fantasías masculinas”. Y encima es tan aburrida…» Mireia Pería.

«Aunque quizá no soy yo quién para afear a Rita y amigas su actitud hacia otras mujeres, es evidente que ‘Girls’ es un patinazo. ¿De verdad a ninguna de ellas se le ha ocurrido otra manera más natural de cantar a la bisexualidad? ¿Ni siquiera el arrepentimiento de Katy Perry por ‘I Kissed a Girl’ les pareció una pista? Pero, ciñéndonos al plano estrictamente musical, peor aún es que este single resulte muy flojo, un forzado intento de crear el reverso bi de ‘Boys‘, pero sin nada que lo haga brillar, con un estribillo decepcionante y una producción plana en la que, a excepción del verso de Cardi B –flojito, rozando lo autoparódico–, hay que esforzarse para encontrar la personalidad de sus intérpretes. Y lo peor: da igual». Raúl Guillén.

«Como nos indicaban en un comentario hace unos días, lo peor de ‘Girls’ es que ha sido co-escrita por un montón de tíos, como Jonny Coffer, Jordan Thorpe, Brian Lee, Andrew Wotman o Benjamin Diehl. Si bien también hay que recalcar la autoría de alguna chica, además de alguna de sus cantantes, como la propia Rita Ora o Cardi B, la hitmaker Ali Tamposi. Al margen de su dudoso gusto, hay que reconocer que la mezcla de ‘Paper Planes’, a quien imitaba claramente la canción de Imagine Dragons arriba mencionada, con el muro de sonido de ‘Roar’ no es lo más apetecible cara al verano. ¿Esto es todo lo que ha reunido este grupo de 10 personas? A pesar de esto, una entretenida y coreable canción que parece tener todo en contra ahora mismo, pero que si consiguiera o hubiera conseguido triunfar (¿hablamos ya de ella en pasado?), tampoco me habría sorprendido lo más mínimo». Sebas E. Alonso.

Muere Margot Kidder, la Lois Lane más mítica del cine

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Raúl Guillén
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Según reportan diversos medios internacionales, la actriz Margot Kidder ha fallecido a los 69 años, sin que haya sido revelada la causa de su muerte. Kidder será recordada por siempre por su inolvidable papel de Lois Lane en la versión fílmica de los cómicas de Superman que tantísimo éxito tuvieron a finales de los 70 y primeros 80, las protagonizadas por Christopher Reeve. Ella encarnó a la periodista incisiva y sagaz del Daily Planet fascinada por el superhéroe, pero incapaz de ver a su álter-ego «humano», Clark Kent, en las dos películas que dirigió Richard Donner en 1978 y 1980, y en sus posteriores secuelas menores, ya sin Donner, de 1983 y 1987.

Kidder comenzó muy joven, con apenas 18 años, a trabajar en cine y televisión –logrando su primer gran papel en ‘Hermanas’ (1972), de Brian DePalma–, y así ha continuado hasta prácticamente sus últimos días. Además de ‘Superman’, ‘Superman II’, ‘Superman III’ y ‘Superman IV’, sus papeles más relevantes fueron en el slasher ‘Navidades negras’ (1974) y en ‘Maverick’ (1994), cuando Donner la recuperó para un pequeño papel en la película protagonizada por Mel Gibson y Jodie Foster. Y es que parece que no la benefició demasiado su implicación política: fue una de las pocas actrices de Hollywood que se manifestaron activamente contra la Guerra del Golfo.

Su biografía también explica que Margot Kidder padeció algún tipo de trastorno mental que le provocaba paranoias y la llevó a asegurar que su primer marido quería asesinarla, llegando a abandonar su casa y cambiar su aspecto físico. Una vez tratada, ha llevado una vida normal y ha estado implicada en la promoción de programas de salud mental.

Ha nacido una estrella: Violet, la hija mayor de Dave Grohl, maravilla con esta versión de Adele

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Raúl Guillén
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Fiel a su habitual implicación en causas benéficas, el pasado fin de semana Dave Grohl participó en un concierto en Oakland, California, que tenía como objeto recaudar fondos para un hospital infantil. Pero en lugar de ir acompañado de su banda Foo Fighters, como ha ocurrido en otras ocasiones, esta vez llevó consigo a sus dos hijas mayores, Violet, de 12 años, y Harper, de 9 años. Con la primera a la voz y la segunda sentada a la batería, interpretaron primero una versión acústica de ‘The Sky Is A Neighborhood’ (single de su último disco en cuyo vídeo oficial, curiosamente, ya aparecían ellas), destacando las armonías vocales de las niñas. Pero nada podía hacer presagiar lo que vino luego.

Ya sin Harper, Violet interpretó, con la única ayuda de la guitarra de su padre, una versión de Adele, ‘Where We Were Young’, uno de los momentos cumbre del último disco de estudio de la británica, ’25’. Y lo cierto es que, aunque resulten bien molestas, las repetidas ovaciones del público del teatro, su versión llegaba más lejos de lo que lo haría una mera aficionada: en muchos momentos, pese a algún despreciable patinazo vocal, la niña muestra una calidez y una capacidad para emocionar con su voz a la altura de grandes artistas. Ha nacido una estrella.

Tras publicar el pasado año el buen ‘Concrete & Gold’, Foo Fighters pasarán el próximo verano girando por muchos países europeos que esta vez no incluirán España, donde hace un año sí se les pudo ver en un evento secreto en Barcelona que terminó siendo un show de 3 horazas y en el festival Mad Cool.

Childish Gambino, número 1 directo del Billboard Hot 100 con ‘This Is America’

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Sebas E. Alonso
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El impacto que ha tenido Childish Gambino con el vídeo de ‘This Is America’, que diseccionamos hoy en la sección «Estética de videoclip», está claro desde que lo hemos visto viralizándose hasta en el Youtube español. La canción ha sumado más de 100 millones de streamings en 8 días en el visor de Google y muchos de ellos proceden de Estados Unidos, por supuesto.

Como consecuencia, ‘This Is America’ es el nuevo número 1 del Billboard Hot 100 desplazando a ‘Nice for What’ de Drake, y pese a haber sido lanzada un domingo en lugar de un viernes. Ha recibido 65 millones de streamings en USA en sus primeros días, el 68% de los cuales corresponden a su vídeo. Además, es número 1 también en descargas digitales con 78.000 copias vendidas en 5 días. Su audiencia en radio ha sido de 9 millones, muy lejos de la cima, pero con buena respuesta sobre todo en las emisoras de rap, donde ya es top 20. Este es el primer número 1 de Childish Gambino y de hecho es también su primer top 10. Hasta ahora su mayor hit era ‘Redbone’, que había sido número 12.

Lo próximo que podremos ver de Donald Glover es su participación en el vídeo de ‘Garden (Say It Like Dat)’ de SZA, correspondiente a su disco del año pasado, ‘CTRL‘. Así lo ha dejado caer ella mediante un teaser en las redes sociales compartido con motivo del Día de la Madre. Será una manera de devolverle el favor, pues SZA también aparece en el vídeo de ‘This Is America’.

Spring Festival, con Los Planetas, La Casa Azul, Izal, La Bien Querida… anuncia cartel por días y entradas a 15 euros

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Sebas E. Alonso
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Rufus T. Firefly cierran hoy el cartel de Spring Festival, que se celebrará los días 25, 26 y 27 de mayo en el Puerto de Alicante. Además, se anuncian las entradas de día, que costarán tan solo 15 euros en el caso de los mil primeros compradores. Los abonos, que cuestan 26 euros en Ticketea, cambiarán de precio esta noche.

Spring Festival, que celebra su 10º aniversario, cuenta el viernes 25 de mayo con Los Planetas, La Bien Querida, Dorian, Crookers, Varry Brava, Los Punsetes, Bea Pelea, y Delaporte, entre otros. El sábado 26 de mayo es el turno de Izal, La Casa Azul, WAS, los mencionados Rufus T. Firefly, Meneo y BSN Posse, entre otros.

Como veis, se alterna el nombre de algunos de los artistas más populares del país (Los Planetas estuvieron entre los 40 discos más vendidos de todo 2017, Izal han estado mes y medio en el número 1 de «streaming álbumes» con ‘Autoterapia’) con otros totalmente revelación. Bea Pelea ha estado recientemente entre los virales de Spotify, al igual que Delaporte.

Entre el indie y el latineo urban de gente como Beauty Brain o QWERT, Spring Festival busca consolidarse como festival de clase media para todo Levante y parte del resto del país, costando lo mismo o incluso menos de lo que ya vale el show de alguno de los cabezas de cartel.

¿De verdad ha vuelto a ser noticia cuánto cuesta a RTVE Eurovisión?

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Sebas E. Alonso
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Como cada año, tras la mala posición española en Eurovisión, son muchos los medios que recuerdan en sus titulares cuánto cuesta a RTVE Eurovisión. Ayer el coste de la edición de 2017, 445.000 euros, aparecía en la portada de Menéame, con algunos usuarios pidiendo que ese dinero público se dedicara a las pensiones. El asunto llegó anoche a El Objetivo de laSexta, donde el equipo de Ana Pastor recopiló que el coste de Eurovisión suele rondar todos los años los 400.000 euros, si bien la cifra de la edición 2018 aún no se conoce. La mayor parte de esos costes, 300.000 euros, corresponde a los derechos de retransmisión.

Ana Pastor y una de sus compañeras criticaron la falta de transparencia de RTVE al negarse a hacer este dato público, pues solo se reveló en una ocasión cuando el Tribunal Supremo lo reclamó tras una petición de un periodista al Consejo de Transparencia. Suponemos que RTVE considera que parte del público no va a entender los 31.000 euros desempeñados en alojamiento y dietas por parte de la delegación española, pero RTVE no tiene de qué avergonzarse de este evento en particular, en comparación con otros eventos o series emitidos por la cadena.

Ya en 2015 varios medios recordaban que cada uno de los capítulos de ‘Cuéntame’ y ‘Águila Roja’ costaba entonces entre 700.000 y 800.000 euros, obteniendo en ambos casos una audiencia menor que Eurovisión. La emisión de un partido de la Selección puede costar 2 millones de euros.

Además de ofrecer como posibilidades los patrocinios, durante muchos años abiertamente la emisión de publicidad en el descanso, funcionar con un sistema de televoto a más de 1 euro cada voto, o representar reclamo turístico para cada uno de los países (ahí está el caso extremo de Azerbaiyán, siempre tan esforzado por promover el turismo hacia el país), Eurovisión demuestra edición a edición el interés general que genera en la audiencia. El número de espectadores alcanzado el sábado solo en España (7 millones las canciones, 8 millones las votaciones, más el millón largo que vio las semifinales) está al alcance solo de eventos deportivos de primer nivel, y será en este caso uno de los programas más vistos de todo el año.

Es muy necesario saber dónde va el dinero que pagamos todos, pero por qué este es el único evento cuestionado de toda la cuestionable parrilla de la cadena pública es un verdadero misterio… ¿Nadie piensa preguntarse cuánto cuesta, por decir algo, el programa diario de «humor y diversión» de Javier Cárdenas? ¿Sabe el que pedía más pensiones en Menéame que el gasto en pensiones fue de casi 9.000 millones de euros solo durante el mes de marzo? ¿De verdad Eurovisión, y los 1.000 euros que podría dar tan solo un mes al año a 445 pensionistas del país, es la clave de todo?

Las 5 canciones de Eurovisión 2018 que más están triunfando en las listas internacionales

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Sebas E. Alonso
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La exposición frente a una audiencia millonaria de las canciones del Festival de Eurovisión (solo en nuestro país las actuaciones fueron seguidas por una media de 7 millones de espectadores) empieza a dar sus frutos. Pese a que hay quien prevé que la chipriota ‘Fuego’ pueda tener más recorrido que la propia ganadora a medio plazo, al menos de momento no está siendo así.

’Toy’ de Netta, tras un par de meses de hype en que ha sumado 36 millones de reproducciones en Youtube, aparece al fin en el top 200 global de Spotify. Según los datos del domingo 13 de mayo (un día después del festival), es número 52 a nivel global tras haber sumado ayer domingo 1 millón de reproducciones en esta plataforma. 200.000 de ellas provienen de Suecia, donde ‘Toy’ es número 1 de Spotify y también destacan los números aportados por Alemania (154.000, número 23 en Spotify), España (134.000, número 11 en Spotify) o incluso la siempre reticente para una canción extranjera Reino Unido (100.000, top 66).

‘Fuego’ de Eleni Foureira llega al número 115 a nivel global en Spotify, gracias también a los buenos números obtenidos en Suecia (top 8), España (top 15) o Reino Unido (nº106). El checo Mikolas Josef, pese a no haber quedado 3º en Eurovisión, tiene en ‘Lie to Me’ la 3ª canción más exitosa de este año, apareciendo en el número 119 del global de Spotify. El 4º mayor beneficiado es Michael Schulte con ‘You Let Me Walk Alone’. El alemán es número 126 en el global de Spotify, destacando por supuesto su buena posición en Alemania. De los 677.328 streamings que tuvo ayer domingo, 254.402 provienen de su propio país, donde es top 8.

La lista de artistas de Eurovisión 2018 que se han colado en el top 200 global de Spotify se cierra con el sueco Benjamin Ingrosso, ‘Dance You Off’, que entra al puesto 198 con más de medio millón de reproducciones generado en un solo día. Algo bastante curioso porque esta canción fue especialmente castigada por el televoto. La canción es número 1 en el Spotify de Lituania y también obtiene buenos números en grandes mercados como España (top 59 de Spotify) o Alemania (top 106 de Spotify).

Curioso, pues, comprobar cuáles son las canciones que mejor están funcionando sin el tan criticado componente visual que ofrece el festival o después Youtube. No hay tanta diferencia con respecto al resultado final…





Zahara lanza ‘Primera temporada’, EP dedicado a sus series televisivas favoritas

Por
Raúl Guillén
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Este lunes pre-San Isidro nos trae una noticia tan inesperada como feliz: Zahara vuelve a la música y lo hace tal que ya. Esta mañana, vía Twitter, anunciaba la publicación el próximo viernes 18 de mayo de un nuevo EP, titulado ‘Primera temporada’, una obra que servirá de preámbulo al nuevo álbum en el que ha estado trabajando. En él se contienen cuatro canciones, que en realidad son cuatro versiones de las sintonías o bandas sonoras de sendas series de televisión, favoritas de la cantautora jienense: ‘Narcos’, ‘El Joven Papa’, ‘House’ y ‘Por 13 razones’.

A esta última pertenece el primer tema que conocemos del EP: se trata de una personal adaptación de ‘The Night We Met’, el tema del grupo Lord Huron que se ha popularizado gracias a su inclusión en la BSO de la serie de Netflix –que, precisamente, anunciaba su espectacular nueva banda sonora días atrás–. La versión de Zahara, que produce Sergio Sastre de Miss Caffeina y en la que han colaborado músicos como Manuel Cabezalí (Havalina, Christina Rosenvinge) o «Chapo» González (Amaral, M-Clan), puede decepcionar al no implicar una adaptación de su letra al castellano, pero en lo musical traslada esta canción a un lugar completamente nuevo, más sintético y expansivo que la original. Tras estrenarse en el programa 180 Grados de Radio 3, ya está disponible en su canal de Youtube.

Este será el primer disco de Zahara desde que publicara en 2015 un ‘Santa’ que supuso un notable éxito comercial y crítico. Desde entonces, y tras una larga gira de presentación, no sabemos si ha plantado un árbol, pero sí que Zahara ha tenido un hijo y ha escrito un libro, ‘Trabajo, piso, pareja’. También ha sido actualidad en un par de ocasiones después de que Amaia y Aitana de Operación Triunfo 2017 versionaran en una de las galas su canción ‘Con las ganas’, que luego ha interpretado con Amaia en directo, días antes de la fallida participación de la última con Alfred en Eurovisión 2018.

Leon Bridges / Good Thing

Por
Jordi Bardají
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Leon Bridges podría haber hecho un disco igual que el anterior, pero corría el riesgo de que su sonido retro, que se consiguió grabando los temas con equipo de los 50 y 60, perdiera el elemento sorpresa, que es lo que habría pasado. Así que, aprovechando el éxito que aquel álbum consiguió, para su segundo largo, ‘Good Thing’, el cantante de Texas se ha juntado con un productor de Maroon 5 (Ricky Reed) y un compositor de Selena Gomez (Justin Tranter) para hacer un disco más contemporáneo. Y la jugada le ha salido redonda.

Grabado en mayor parte junto a Reed y con las colaboraciones también de sus habituales Niles City Sound, ‘Good Thing’ es un disco de R&B mucho más aventurero que ‘Coming Home’, hasta el punto de que ninguna de sus pistas, un total de 10, es exactamente igual a la anterior. El álbum empieza y termina con una balada, pero mientras ‘Bet Ain’t Worth the Hand’ presenta una pomposidad muy Disney, ‘Georgia to Texas’ es lúgubre y disonante, y a lo largo del álbum la variedad es tal que, cuando durante la secuencia parece asomar un guiño post-punk (Forgive You’) y otro new wave (You Don’t Know’), o cuando ‘Lions’ parece replicar una improvisación de jazz en una taberna de mala muerte, los experimentos resultan totalmente naturales.

Este apertura de miras juega muy a favor de Bridges, un cantante mucho más versátil de lo que las interminables referencias a Sam Cooke que obsesionaron a la prensa (y atormentaron a Bridges) en 2015 nos dejaron ver y que, a través de una voz cremosa y expresiva, a lo largo de ‘Good Thing’ va hilvanando un exquisito repaso por la historia del R&B que se ajusta al talento de Bridges tanto como a su cuerpo esos modelos de alta costura que presume en las sesiones de fotos. Su fuerte son las baladas tiernas, como demuestran la conmovedora balada ‘Bet Ain’t Worth the Hand’, que bien podría ser su mejor canción, la preciosa ‘Shy’ o ‘Beyond’, tan clásica y entrañable como su estribillo “oh me, oh my, I can’t explain, you might just be my everything”.

Ausente ya el buscado efecto vintage de ‘Coming Home’, no hay que olvidar que frente a este proyecto sigue la misma persona y si algo hacía distintivo el estilo de Bridges era su romanticismo sin filtros y muy propio de la vieja escuela. Si en aquel disco nos hablaba de cruzar “el río de Misisipi” para encontrarse con su amor, en ‘Good Thing’ hay pasajes tan cinematográficos como “bésame antes de que me vaya” (‘Bet Ain’t Worth the Hand’) o incluso una referencia velada a ‘La cenicienta’ (‘Beyond’), una canción titulada “Señorita” y otras líneas tan típicas del viejo soul como la que da inicio a ‘Bad Bad News’ (“no tengo dinero, ni una buena educación, pero sí un gran corazón”) o esa en la que Bridges, cual adolescente, recuerda a su chica: “te di mi amor y ternura, te cuidé, y no lo fui pregonando, tu madre no sabía que yo estaba ahí”.

Curiosamente, Bridges busca conjugar ese romanticismo old school con el top 40 americano, y en las entrevistas reconoce abiertamente que pretende jugar en la misma liga de Bruno Mars, Anderson .Paak o Usher (uno de sus mayores ídolos). Aunque ‘Good Thing’ lo sitúa más en el equipo de Aloe Blacc o John Legend (Bridges no es tan moderno), no se puede negar que las incursiones bailables del disco son muy buenas: ‘Bad Bad News’ es irresistible, ‘If It Feels Good (It Must Be)’ crea efectivamente una atmósfera “más caliente que Texas” y ‘You Don’t Know’ se sumerge de lleno, y con éxito, en las pistas de baile de los ochenta, haciendo a Bridges adelantarse varias décadas respecto al sonido de su primer disco. Era el paso necesario, pero Bridges, al contrario que, ejem, Duffy, ha salido de él totalmente airoso, y con ‘Good Thing’ tiene ante él un abanico de posibilidades con el que sorprendernos en el futuro. No cabe duda de que lo logrará.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Bet Ain’t Worth the Hand’, ‘Bad Bad News’, ‘Shy’, ‘Beyond’
Te gustará si te gusta: John Legend, Jamie Lidell, Aloe Blacc
Escúchalo: Spotify

Azealia Banks insulta y saca de sus casillas a Cardi B, que decide aislarse de las redes sociales

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Raúl Guillén
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Fiel a su política de caldear la promoción de sus obras sacándose beefs de donde no los hay, Azealia Banks se dispone a lanzar ‘Fantasea II: The Second Wave’ y, por tanto, tenía que faltar el respeto a alguien para que nos enteremos bien, ya que la estupenda ‘Anna Wintour’ no parece estar sonando más allá de círculos muy especializados. Y no podía tener mejor objetivo que la rapera más exitosa del momento, Cardi B.

Durante un programa de radio, Banks despreció a la autora de ‘Invasion of Privacy’ diciendo que tras la cumbre de la cultura negra femenina que fue ‘Lemonade’ –curioso que ahora diga esto, cuando hace 2 años cuestionaba el feminismo de Beyoncé y la tildaba de oportunista por aquel disco, entre otras lindezas– ha decaído hasta Cardi B. Para, a continuación, llamar a esta última “analfabeta” y “caricatura de una mujer negra”. “Si mi gramática fuera así de mala, estaría acabada. Si Nicki Minaj pronunciara así de mal, estaríamos diciéndole de todo”, añadió, posicionándose en favor de la autora de ‘The Pink Print’ en el mal rollo que mantiene con Cardi. No era esta la primera vez que Azealia atacaba a Cardi, puesto que tras el éxito de Bodak Yellow la definió como una “Nicki Minaj para pobres”.

Cardi, por su parte, ha respondido a Banks a través de su cuenta de Instagram, subiendo un largo texto en el que se defendía diciendo que, si se creía tan lista, cómo podía llamarla analfabeta cuando ella sabe perfectamente leer y escribir y habla de manera fluida dos lenguas. También defendía su autenticidad, pues ella nunca ha escondido que es hija de un padre hispano y una madre caribeña, de lo que se siente orgullosa. Aunque donde realmente atina Cardi es diciéndole que cómo puede erigirse en portavoz de las mujeres negras la misma que empequeñece a algunas de ellas como Beyoncé, Rihanna o Remy Ma. Sin embargo, el airado texto de la rapera –rescatado por un fan, como veréis más abajo– ha desaparecido de Instagram junto con el resto de su cuenta, que también ha hecho privada su cuenta de Twitter.

Mientras Cardi B ha cancelado su gira de presentación de su exitoso álbum debut por Estados Unidos debido a su avanzado estado de gestación, Azealia encabezaba una nueva tanda de confirmaciones en el Arenal Sound 2018 que se celebrará en Burriana. La cuestión es si, fiel a la tradición, terminará por cancelar también esa cita.

Lykke Li emociona con ‘utopia’, un homenaje a su madre fallecida el pasado año

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Raúl Guillén
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Cada vez es más frecuente que artistas de todo pelaje lancen nuevas canciones durante el fin de semana, uno o dos días después del día oficial de lanzamiento. Si en semanas previas han sido Kanye West o Childish Gambino, esta vez ha sido Lykke Li la que ha estrenado un nuevo single de ‘so sad so sexy’, el álbum que muchos aguardamos tras los 4 años transcurridos desde ‘I Never Learn’.

La nueva canción presentada se titula ‘utopia’ y, para solaz de aquellos que no disfrutaran del giro hip hop que mostraban los dos singles previos ‘deep end’ y ‘hard rain’, supone un reecuentro con su faceta más baladista. Aunque aparenta sencillez, basada en una guitarra y un piano, la canción se va haciendo cada vez más compleja, sumando en su estribillo un coro infantil, adornando con efectos vocales apitufados a lo Frank Ocean o añadiendo loops rítmicos en su puente.

Pero lo más potente de la canción es el trasfondo lírico de la misma: Lykke dedica ‘utopia’ a su madre, la cantante y fotógrafa Kärsti Stiege –fallecida el pasado año–, y a la vez a su hijo Dion (muy apropiadamente, este pasado domingo se celebraba el Día de la Madre en Estados Unidos). “De madre a madre a madre”, dice la descripción del vídeo oficial, que añade “‘utopia’ es todo lo que mi madre siempre quiso para mí y todo lo que yo quiero para él”, refiriéndose a su hijo. El clip firmado por Clara Cullen, alterna imágenes de Lykke tomadas por su madre en su infancia con otras de la artista junto a su pequeño, estableciendo un paralelismo que también se traslada a su letra y que emociona recordando la educación recibida por su madre: “Veo un sueño en tus ojos y yo lo deseo / Arde brillante como el fuego de un cometa / Si hay una bombra en tu corazón yo la desactvaré / Si tú lo quieres, yo lo quiero”, dice el segundo verso de esta canción que cerrará el cuarto álbum de estudio de Lykke Li y que presentará a finales de este mes de mayo en Barcelona, en Primavera Sound 2018.

Las claves visuales de los vídeos de Childish Gambino, Ariana, La Prohibida, Kim Petras y Father John Misty

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Joric
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Elegimos cinco vídeos musicales entre las novedades más destacadas de las últimas semanas, y analizamos sus referencias estéticas y narrativas: el viral del momento, el regreso de Ariana Grande, el ardiente clip de La Prohibida, el cuento de hadas de Kim Petras y la pesadilla circular de Father John Misty.

‘This is America’, Childish Gambino

“Esto es América” en cuatro set pieces. En la primera, Childish Gambino, alter ego musical del actor, guionista y director Donald Glover (‘Spider-Man: Homecoming’, ‘Rockefeller Plaza’, ‘Atlanta’), nos deja a todos pasmados cuando en medio de un festivo bailecito saca una pistola y dispara a bocajarro al guitarrista. ¿A qué recuerda la afectada pose en la que lo hace? A Jim Crow, claro, el personaje vodevilesco decimonónico (tipo blackface, como aquí las cabalgatas con el rey Baltasar) que se convirtió en un estereotipo racista e icono de la segregación racial durante el pasado siglo. Ese disparo marca un punto de inflexión en el vídeo. Por un lado, nos invita a seguir tirando del hilo de las referencias: los bailes africanos, la matanza de la iglesia de Charleston, el caballo blanco de uno de los jinetes del Apocalipsis, el reciente asesinato de Stephon Clark, tiroteado por la espalda por la policía al confundir el móvil con el que estaba hablando con un arma. Y, por otro, apuntala su discurso narrativo basado en el choque de contrastes entre lo que se ve en primer plano (Gambino bailando divertido junto a varios adolescentes), y al fondo (persecuciones, enfrentamientos con la policía); entre el negro “aceptado” por la América blanca (el que baila) y el perseguido (el que protesta).

‘No Tears Left to Cry’, Ariana Grande

Entre las arquitecturas imposibles de Escher, los espacios mentales de ‘Origen’, el célebre baile de Fred Astaire en ‘Bodas reales’ y un jardín vertical. Así se presenta el nuevo vídeo de Dave Meyers para Ariana Grande (el anterior fue el de ‘La bella y la bestia’). La cantante desafía las leyes de la gravedad inmersa -¿atrapada?- en una ciudad nocturna y cambiante, en una tela de araña urbana, casi como una Gotham onírica (incluye hasta elementos neogóticos, como los rosetones), que le sirve al director como eficaz metáfora sobre la desorientación. A través de una cámara rotatoria, en sintonía con los espacios arquitectónicos por los que fluctúa, vemos un mundo físicamente caótico, un universo sin puntos de referencia espaciales a los que agarrarse. Tras precipitarse al vacío como la mayor Motoko en ‘Ghost in the Shell’, la desorientación se transforma en crisis de identidad. El rostro de la cantante se multiplica en una imagen caleidoscópica y se materializa en diferentes máscaras. Al final, amanece en la ciudad imposible y una abeja levanta el vuelo. ¿Un guiño a la busy bee de Manchester?

‘La pubblicità’, La Prohibida

Casualidades de la distribución. Cuando está a punto de estrenarse la nueva adaptación de ‘Fahrenheit 451’ que ha producido la HBO (el 20 de mayo), La Prohibida lanza un vídeo inspirado en la versión que hizo François Truffaut de la novela de Ray Bradbury. La lectura que hace Marc Ferrer de este clásico de la ciencia ficción es muy sugerente. El director de los clips de Papa Topo mezcla el melodrama a lo Fassbinder con la retórica visual de las coreografías del Ballet Zoom, para narrar una novelesca historia de adulterio en clave pop. Para ello invoca el espíritu de Heinz G. Konsalik, el olvidado autor de best-sellers que aparece aquí proporcionando una de las claves del vídeo: ‘Un matrimonio felice’ (‘Corazones perdidos’ en la edición española) es el libro que arde al principio y al final de esta historia. Tras este guiño irónico, vemos la dolorosa realidad. Un matrimonio “infelice” del que la protagonista escapará a través de un doble descubrimiento: el amor y los libros. La mujer abre un ejemplar en mitad del vídeo y se le ilumina el rostro como una aparición mariana. La decisión está tomada. La Prohibida hace las maletas y huye hacia los bosques como hacen los fugitivos de la película.

‘Heart to Break’, Kim Petras

Kim Petras como la nueva Rapunzel, una princesa pop encerrada en su torre de cristal. Con una estética colorista a medio camino entre el Disney más chillón, los vídeos de j-pop, el final de ‘El cristal oscuro’ y el universo de Mi pequeño pony, la cantante reinterpreta el clásico de sus compatriotas los hermanos Grimm en clave de fantasía adolescente. La torre de cristal y la habitación como de piso del Pocero, a medio acabar, con la cama embalada y las paredes sin terminar de pintar, se podría interpretar como un alegoría del estado emocional de la princesa, frágil y “en construcción” a la espera de que la desembale su príncipe azul. Como en el mito de Orfeo, el príncipe busca a su Eurídice por los pasillos del inframundo. Cuando la encuentra, la “rompe” en mil pedazos tras mirarla a los ojos. Pero el epílogo muestra una versión diferente. ¿Y si fuera él quien le da el “corazón para romperlo”?

‘Mr. Tillman’, Father John Misty

Una pesadilla kafkiana (o, mejor, kaufmaniana), aderezada por el sentido del humor del primer Spike Jonze (‘Cómo ser John Malkovich’, ‘Adaptation’). Así podíamos definir el nuevo vídeo de Father John Misty. Un bucle onírico donde se mezcla la autoficción (el cantante vivió dos meses en un hotel tras una crisis personal) con el cine dentro del cine (esas claquetas que funcionan casi como despertadores, la aparición “asesina” del micrófono), lo cotidiano (los transeúntes) con lo perturbador (sus miradas), los espacios físicos con los mentales, el desarrollo del relato con su imposibilidad (los espacios en blanco), el mundo y su maqueta. Los directores Jeff Desom y Carlos López Estrada utilizan varios recursos estilísticos que contribuyen a crear esa sensación de estar atrapado entre el sueño y la vigilia: el desenfocado de la secuencia de apertura y de los bordes del encuadre, la suavidad de los movimientos de cámara, la iluminación tenue, y un montaje que privilegia las rimas visuales y las asociaciones inesperadas: la maqueta del hotel con la fachada del edificio, la puerta de la habitación que en realidad da a la azotea…

La canción del día: Arctic Monkeys ironizan sobre el consumo extremo en ‘Four Out of Five’

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Raúl Guillén
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El pasado viernes Arctic Monkeys editaban ‘Tranquility Base Hotel + Casino’, su sexto álbum de estudio y el primero tras 5 años desde que publicaran ‘AM’, su álbum más vendedor hasta la fecha. En una entrevista previa, Jamie Cook, su guitarrista, advertía de que no se trata de un álbum de fácil “digestión”, y que requiere varias escuchas para comenzar a disfrutarlo previamente. Como vimos en nuestra crítica, aunque tiene parte de razón, no estamos ante un álbum tan experimental (sí, quizá, para un público más casual) y, desde luego, tiene canciones muy atractivas.

La primera en asentarse en nuestra memoria es, claramente, ‘Four Out of Five’, y por eso no es ninguna sorpresa que el cuarteto de Sheffield la haya elegido para protagonizar el primer videoclip de esta era. Dirigido por Ben Chappel y Aaron Brown –que ya habían trabajado con Alex Turner para The Last Shadow Puppets– y filmado en el castillo Howard de Yorkshire –una mansiçón palaciega británica en la que se filmó buena parte de ‘Barry Lindon’ y ‘Retorno a Brideshead’, por ejemplo–, al principio el clip parece evocar la grabación del álbum en los estudios parisinos de La Frette –una casa palaciega reconvertida, aunque más modesta– donde Arctic Monkeys registraron su nuevo álbum. Sin embargo, en este estéticamente estupendo vídeo pronto se establece una especie de trama con elementos desconcertantes –esos umpa lumpas que deambulan esmerándose por perfeccionar los planos– en la que Turner parece vigilar a un álter-ego (sin barba, y con el cabello algo más corto) que viviría en esa maqueta del hotel y casino imaginariamente instalado en el área lunar donde alunizó el Apolo XI el 16 de julio de 1969.

‘Four Out of Five’ es también una de las piedras angulares de ‘Tranquility Base Hotel + Casino’ en el aspecto lírico, relacionada con esa distopía lunar. En su letra, Turner parece encarnar a un vendedor de las bonanzas del emplazamiento lunar que, hipotéticamente, ocuparán los humanos más pudientes en un futuro catastrófico –“podrías conocer a alguien que te guste durante el impacto del meteorito, es así de fácil”–. Una taquería con “cuatro de cinco estrellas” o un local llamado “The Information-Action Ratio” –guiño a las teorías de consumo contemporáneo de Neil Postman en ‘Divertirse hasta morir’– son algunos de los “bonitos lugares” que “no dejan de aparecer” alrededor de Clavius, un cráter del satélite terrestre. “Después del éxodo, todo se está gentrificando”, dice Alex en su estribillo, una directa alegoría a la uniformidad de carácter –en beneficio, sobre todo, del aspecto económico– que padecen las grandes urbes de occidente.

Musicalmente, ‘Four Out of Five’ es uno de los numerosos medios tiempos que pueblan esta nueva obra de los Monkeys y, además de su magnetismo, puede presumir de establecer el estándar de sonido actual: teclados y sintetizadores de sonido añejo que nutren el cuerpo de la canción, con las guitarras –en este caso, muy Nino Rotta– como elemento ornamental y las armonías vocales tomando gran protagonismo. El apabullante sonido de la batería de Matt Helders –curiosamente ausente en algunos de los cortes del disco– contribuye a vertebrar el conjunto y conducirlo hasta ese final coral, hipnótico.

Merece la pena, igualmente, ver la actuación que el grupo realizaba en la noche de salida del disco en el famoso programa de Jimmy Fallon, con una formación ampliada con Cameron Avery, James Righton (Klaxons), Tom Rowley y Tyler Parkford (Mini Mansions), dando una riqueza fantástica a su renovado sonido.

Orbital contemplan la gran ciudad en el adelanto de su nuevo disco, ‘Monsters Exist’

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Sebas E. Alonso
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Orbital han sorprendido anunciando su nuevo disco. Y decimos “sorprendido” porque este va a ser su primer álbum en seis añazos, pues corría el año 2012 cuando salía ‘Wonky‘, incluyendo en aquel momento la colaboración de Zola Jesus. Y también porque la fecha de edición no es precisamente inmediata. Hasta 4 meses vamos a tener que esperar para tener entre manos ese nuevo álbum que han anunciado bajo el nombre de ‘Monsters Exist’: saldrá el 14 de septiembre.

Como consolación, nos vale el single de adelanto, ‘Tiny Foldable Cities’, un tema de 4 minutos en el que no por continuar entregándose a la electrónica han descuidado una melodía que podía haber firmado el mismísimo Wim Mertens. La canción la conocemos al mismo tiempo que un videoclip dirigido por Felix Geen en el que Orbital contemplan la gran ciudad desde arriba. También podemos mostraros ya la portada del álbum, a cargo de John Greenwood, y el tracklist. En este podemos observar que el single es justo la canción central y que el largo se cierra con una colaboración de Brian Cox. Después, habrá edición deluxe.

01 Monsters Exist
02 Hoo Hoo Ha Ha
03 The Raid
04 P.H.U.K.
05 Tiny Foldable Cities
06 Buried Deep Within
07 Vision One
08 The End is Nigh
09 There Will Come a Time [ft. Brian Cox]

Edición Deluxe
10. Kaiju
11. A Long Way from Home
12. Analogue Test Oct 16
13. Fun with the System
14. Dressing Up in Other People’s Clothes
15. To Dream Again
16. There Will Come a Time
17. Tiny Foldable Cities (Kareful Remix)

Selena Gomez, HAERTS, New Order, Siouxsie… en la banda sonora de ‘Por 13 razones 2’

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Sebas E. Alonso
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A falta de un anuncio de un nuevo disco de Selena Gomez o de single que llame la atención de los medios como ‘Bad Liar’, la cantante ha estrenado una canción para la banda sonora de la serie ‘Por 13 razones’, de la que es productora ejecutiva y que presenta segunda temporada. El 18 de mayo es el día que se subirán sus nuevos episodios.

Este ‘Back to You’ es comercial a más no poder, usando esos estribillos instrumentales tan de moda hace dos años y que tan bien le fueron en su tema colaborativo ‘It Ain’t Me’. La cantante ha declarado en la BBC que con este tema quiere mandar un mensaje bonito pero divertido, quizá en referencia al trasplante a que se sometió el año pasado.

La banda sonora incluirá temas de HAERTS, New Order, Years & Years, Siouxsie o Tears for Fears.

1. Back To You (Selena Gomez)
2. lovely (Billie Eilish featuring Khalid)
3. Start Again (OneRepublic featuring Logic)
4. Falling Skies (YUNGBLUD featuring Charlotte Lawrence)
5. The Night We Met (Lord Huron featuring Phoebe Bridgers)
6. Tangled Up (Parade of Lights)
7. Time (Colouring)
8. My Kind of Love (Leon Else)
9. Your Love (HAERTS)
10. Love Vigilantes (New Order)
11. The Killing Moon (Echo & The Bunnymen)
12. Promise Not To Fall (Human Touch)
13. Sanctify (Years & Years)
14. Tin Pan Boy (YUNGBLUD)
15. Souvenir (Orchestral Manoeuvres In The Dark)
16. Watch Me Bleed (Tears for Fears)
17. Cities in Dust (Siouxsie and the Banshees)
18. Of Lacking Spectacle (Gus Dapperton)
19. Falling (In Dreams) (Telekinesis)
20. Strength (The Alarm)

Lindsey Buckingham critica duramente la reunión sin él de Fleetwood Mac

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Sebas E. Alonso
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Fleetwood Mac han sorprendido al mundo recientemente anunciando una gira mundial que no incluye en sus filas a uno de sus compositores históricos, el mítico Lindsey Buckingham, autor de hits como ‘Go Your Own Way’ o ‘Big Love’. Finalmente el legendario guitarrista ha hablado sobre esto y lógicamente las palabras que ha pronunciado no son precisamente bonitas.

«No ha sido algo en lo que yo haya hecho algo o mi decisión», ha indicado entre canción y canción de un evento político en California. «Creo que hay facciones dentro de la banda que han perdido la perspectiva. Daña el legado de 43 años del grupo, que tanto hemos trabajado para construir. Ese legado era sobre alzarse sobre las dificultades con el objeto de alcanzar una verdad superior o un destino más elevado».

Pitchfork también recoge que Stevie Nicks ha dicho recientemente que su relación con Lindsey siempre ha sido «volátil» (fueron pareja) y que le parecía «triste» la situación. «Sin embargo, quiero que los próximos 10 años sean divertidos y felices», añadía.

Os recordamos que Lindsey Buckingham ha publicado recientemente un álbum junto a Christine McVie, que también se ha perdido algunas reuniones de Fleetwood Mac aunque en su caso porque no quería hacer giras, en términos más amistosos.

Amaia declara que el puesto de España en Eurovisión es «un poco mierda, pero no pasa nada»

Por
Sebas E. Alonso
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No hubo especial Eurovisión programado por RTVE para escuchar ni siquiera durante 30 segundos a Amaia y Alfred opinar sobre su mala posición en Eurovisión, pero ambos sí atendían a los medios al término del festival. Vertele está entre los medios que ha colgado el vídeo en el que durante casi 8 minutos responden preguntas de los medios de comunicación. Amaia, haciendo alarde de su espontaneidad habitual (hay que recordar aquel día que decidió terminar OT recordando lo mal que lo pasó durante su semana con diarrea), ha dejado como titular que el puesto de España en Eurovisión le parece «un poco mierda, pero no pasa nada».

El dúo declara que lo tenía asumido («me lo esperaba un poco» dice uno de ellos) y se muestra algo tenso cuando le preguntan por la victoria Israel, especialmente Alfred, que recuerda que ya habían hablado de sus favoritos en las entrevistas (eran Portugal, Francia, República Checa). Amaia ha elogiado la actuación de SuRie desde Reino Unido, pues era la que se veía interrumpida por un espontáneo y ha apoyado su decisión de no repetir el show «para no dar el gusto a esa persona»: «ha terminado la actuación con más fuerza que nunca».

Amaia ha comparado la puesta en escena del festival con ‘Los juegos del hambre’ y ha vuelto a hablar de «postureo» respecto a la escenografía en general. Preguntada por un periodista qué quería decir porque quizá se estaba «malinterpretando», bromeaba: «Si se malinterpreta es correcto. No, qué horror. ¡Que lo digo en broma!», exclamaba, apuntando que hay en el festival «cosas ajenas a la música», pero recalcando: «me lo he pasado muy bien». Amaia ha dicho que ha sido «una experiencia increíble» en la que ha podido conocer «un montón de culturas y a un montón de gente» y Alfred ha recomendado al representante de 2019 «que se lo tome con calma». También ha revelado que han «recibido mensajes de Manel Navarro, Soraya, Antonio Orozco o Alejandro Sanz», indicando que estaban «súper contentos». Finalmente, Ana María Bordás de RTVE indica que están «decepcionados con el puesto», pero que “no es culpa de ellos” porque han «cantado muy bien».

La gala de Eurovisión 2018 fue un exitazo de audiencia siendo seguida por 7.170.000 espectadores y el 43.5% de share. Las votaciones ascendieron a 8.111.000 espectadores con el 51,2% de share. Se ha subido 3 millones en audiencia respecto a Manel Navarro y ha sido la gala eurovisiva más vista desde la edición Chikilicuatre, como recopila Vertele.

Como es habitual, hoy se han publicado los resultados de las semifinales de Eurovisión, que dejaron como ganadoras a Israel el martes con 283 puntos frente a los 262 de Chipre y a Noruega con 266 puntos frente a los 254 de Suecia el jueves. Curiosamente, Alexander Rybak se hundía finalmente en la gala definitiva del sábado hasta el puesto 15. Los resultados, que revelan que las reivindicables Bélgica y Letonia fueron 12ª, pueden consultarse en Eurovision-Spain.

Por otro lado, Javi Calvo, que acompañaba a Amaia y Alfred, ha revelado en Twitter que anoche sufrió una agresión en Lisboa después de la gala, pero sin explicar los detalles. Sí ha bromeado con el hecho de tener el labio hinchado.

Los Hermanos Cubero / Quique dibuja la tristeza

Por
Mireia Pería
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Los Hermanos Cubero, Enrique y Roberto, han sido una feliz anomalía en el panorama musical español durante los últimos años. Un dúo de folk completamente acústico (guitarra y mandolina a pelo), que mezclaba con desparpajo y sabiduría los cantares tradicionales de su Alcarria natal con sonoridades de la Norteamérica profunda -especialmente el bluegrass-, muy escuchados principalmente en los círculos indies. La suya era una música de raíces, fuera del tiempo, que se hundía en el imaginario popular, que cristalizaba en tonadas populares, canciones sobre el terruño y letras contestatarias para narrar el presente con sentido del humor.

Hablo en pasado porque ‘Quique dibuja la tristeza’ es otra cosa. Ya no hay versiones de cantos antiguos, referencias a la tierra ni puyas laborales. Este es un autorretrato íntimo de Enrique Cubero en un momento terrible. Como explica El Segell del Primavera, que los edita, este disco forma parte de la misma categoría del ‘Carrie & Lowell’ de Sufjan Stevens o del ‘Skeleton Tree’ de Nick Cave, de las obras alumbradas para explicar y explicarse el dolor infinito causado tras la pérdida de un ser querido. Porque este álbum es un monumento a la memoria de Olga, la esposa de Quique, fallecida a causa de un cáncer. Y de todo esa aflicción –enfermedad, muerte, soledad- surge un diálogo continúo de Quique con su mujer. Casi todas las canciones se las canta, se las cuenta a ella, tratando de exorcizar el dolor, de entender la pérdida, de sobrellevar la pena insondable por su partida, por ese amor que no desaparece, pero cuyo objeto ya no está. También es un homenaje, de manera implícita, a la música como asidero y refugio en los momentos más duros.

Grabado en directo y sin instrumentos eléctricos, como es habitual en ellos, esta vez se les han unido Jaime del Blanco a violín y viola y Oriol Aguilar al contrabajo, acabando de dotar de toda la profundidad emocional a unos temas grabados en directo en una bodega de Valladolid. Más bluegrass, pop y country que nunca, esta vez el elemento más castellano se ciñe a la lírica de las canciones, que continúa asemejando a cantares y romances, pero con letras que parten el alma, que Quique canta sin dramatismo, con su habitual sobriedad. Precisamente es ese contraste entre la música, extrañamente ligera, casi luminosa, con la melancolía de las melodías, las letras sencillas, directas y dolientes, la insondable nostalgia con la que Quique las entona, lo que hace que se te ponga el corazón en un puño.

Ya la primera canción, ‘El tiempo pasó’, pone el alma en vilo sólo por cómo entona Quique y cómo le acompaña la mandolina de Roberto, esa pequeña pausa en que apenas pellizca tres veces las cuerdas. Suficiente para quebrarte. La más bluegrass es ‘Sonrisa inabarcable’, cuya cadencia te acompaña, a pesar de la triste confesión de Quique: “nunca había llorado escribiendo una canción / pero esta me hace daño / me encoge el corazón”. ‘No veo donde reposar’ casi parece arrancarse en un baile, pero es otro mazazo. ‘Lo que ni yo soñara’ narra el desconcierto de Quique tras el fallecimiento de Olga, la solemnidad que le otorgan los redobles de la guitarra se aligeran con un violín muy country: “No la puedo besar, siendo lo que más deseo/lo que más”, se lamenta. Tan sencillo y, a la vez tan sobrecogedor. La estupefacción por la viudez reciente se refleja en ‘No nos despedimos’: las cartas que aún llegan, el nombre en el buzón… Y lo vivaracho de la melodía, trastocada por una letra tan sentida, te rompe.

Escuchar este disco es un continuo intento de contener (inútilmente) las lágrimas. Porque ‘Un suspiro y un beso’ es un vals tristísimo. ‘Quisiera poder rezar’ llega a los mismos territorios que R.E.M. alcanzaron en ‘Automatic for the People’. Pop enorme sobre el duelo y el pesar, quizás la única pieza en que Quique se deja llevar (sus “ohhh” se clavan en el corazón), coronado por los majestuosos arreglos de violines. ‘Tenerte a mi lado’ es la pieza más devastadora, donde Quique salta del pasado (la foto que se hizo con Olga en París) al presente, con una confesión que pone la piel de gallina: “Ya hace un año desde partiste / Me iría contigo, si no fuera por Abril / Dentro de muy poco ella habrá crecido / y nada necesitará de mí”.

Hay algún espacio para la esperanza también. El aliento reviste ‘Tu recuerdo es mi consuelo’; en su estribillo Quique levanta el vuelo, en un juego de contrastes, de cómo el recuerdo de la amada es consuelo, sí, pero también sufrimiento. La balada ‘Qué haré el resto de mi vida’, la pieza más lenta, se plantea cómo afrontar el futuro. Y la luz que se filtra, el optimismo que se cuela en la final ‘Me quedo con lo bueno’, sabiduría y sentimiento, pragmatismo y sensibilidad, en una pieza redonda de pop.

Pero si soy realmente sincera, no soy capaz de juzgar objetivamente este disco. He intentado explicar cómo son las canciones –las letras, los géneros, instrumentos…-, pero estas van más allá de lo que yo pueda describir. Porque ‘Quique dibuja la tristeza’ me apela demasiado a algo muy profundo. Porque este álbum procede del interior del alma. Porque lo escucho con un permanente nudo en la garganta. Porque es imposible no sentirse identificado (todos tenemos a alguien que se nos fue demasiado pronto). Porque es una obra de arte. Y porque, sinceramente, me jode que exista. Ojalá no hubieran tenido que sacarlo nunca.

Calificación: 8,5/10
Lo mejor: ‘El tiempo pasó’, ‘Un suspiro y un beso’, ‘Quisiera poder rezar’, ‘Tenerte a mi lado’, ‘Tu recuerdo es mi consuelo’
Te gustará si te gusta: Los discos que duelen.
Escúchalo: Spotify

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