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¡Milagro! La 1 de RTVE anuncia la emisión de un videoclip completo en prime-time

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Durante años se han alzado varias voces (las de Barei, Anabel Conde, Ramón) poniendo en duda que RTVE realmente quisiera ganar Eurovisión, casi 50 años después de la última victoria española. Pero parece que el éxito inesperado del regreso de Operación Triunfo está poniendo en tela de juicio esas dudas, y no parece que la peor posición espere a España en Lisboa como sucediera en Kiev. Se van conociendo más y más canciones aspirantes al festival y seguimos bien posicionados en las apuestas, donde ahora somos cuartos.

El próximo paso en el camino a Eurovisión será el estreno del vídeo de ‘Tu canción‘ de Amaia y Alfred en prime-time. Será este viernes después del Telediario y justo antes de un nuevo programa llamado ‘Dicho y hecho’, a cargo de Anabel Alonso. Se dará la circunstancia de que este anuncio a bombo y platillo supondrá el regreso del formato videoclip a la parrilla televisiva de La 1 por primera vez en años (¿o son décadas?). Lo más parecido que puede venirnos a la mente es la difusión de algún gag humorístico tipo Los Morancos o la emisión de fragmentos de actuaciones musicales que tiene lugar en ‘Cachitos’ en La 2, pero estas además son editadas, mientras que este vídeo podrá verse al completo.

El vídeo se emitirá en un programa presentado por Roberto Leal que contará con la presencia de los representantes Amaia y Alfred. Como adelanto, pueden verse 30 segundos del videoclip dirigido por Gus Carballo, quien también se ha encargado del videoclip de ‘Lo malo’, como nos revelaban Aitana War durante una entrevista.

10 canciones para celebrar la carrera de Rosendo (y lamentar su adiós a los escenarios)

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Rosendo Mercado ha anunciado hoy la última gira de su carrera, ‘Mi tiempo, señorías…’. Habrá quien piense que su nombre no es comparable con el de otros artistas que también se despiden de los escenarios este año, como Paul Simon, Slayer, Joan Baez o Elton John. Y, en términos globales, quizá tengan razón. Sin embargo, algo ha dolido especialmente al conocerse esta noticia. Fotografía de Sebastián Rocotovich, tomada de la web del artista.

Con la retirada de Rosendo se irá de las tablas uno de los artistas más talentosos, íntegros y carismáticos del rock español que, tan apartado de las apariencias como fiel a su idiosincrasia de barrio –es lo más parecido a un dios vivo en el barrio madrileño en el que se crió y que nunca ha abandonado, Carabanchel–. Rosendo es Madrid con melena, pitillos y narizota.

Por suerte sus canciones permanecerán, así que no hay mejor manera de lamentar y celebrar, a un tiempo, esta despedida que recordando algunas de las más significativas de cada etapa de su carrera, aunque sea una osadía dado lo vasto de su repertorio si sumamos sus trabajos con Ñu, Leño y en solitario.

El tren

Casi 40 años nos separan de este vídeo del programa Aplauso. Los recién formados Leño interpretaban esta canción que, dicen escribió Rosendo con José Carlos Molina durante su paso por el grupo de este, Ñu. Rosendo, con Tony Urbano y Ramiro Peñas personificaban la respuesta española al blues rock con toques glam y sinfónicos de grupos y artistas como Canned Heat, Deep Purple o Rory Gallagher –uno de sus mayores referentes– en esta metáfora, si no nos equivocamos, de algún tipo de sustancia estupefaciente.

Maneras de vivir

Curiosamente, uno de los grandes hitos del rock en castellano no fue grabada para un disco de estudio sino para un directo. ‘Maneras de vivir’ se registró en un concierto en la Sala Carolina de Madrid para el tercer disco de Leño, ‘En directo’ (1981). Su versión de estudio se grabó como un single previo, pero se convirtió en mucho más que el éxito más memorable del trío –producidos con por Teddy Bautista, que ponía teclados en ese disco–. Su riff de guitarra es el ‘Smoke on The Water’ cañí, y su letra es un reflejo de una época de depresión, confusión y despertar a otra realidad de una ciudad, de un país.

Sorprendente

Ya como algo parecido a unas estrellas –este disco se grabó en Londres y con muchos más medios–, Leño lanzaron su último disco ‘Corre corre’ en 1982, antes de separarse al año siguiente, tras la célebre gira comandada por Miguel Ríos ‘Rock de una noche de verano’. Aunque el single principal de aquel disco final fue el tema que lo da título, los años han situado otras canciones como las grandes composiciones de la época: Me refiero a ’¡Qué desilusión!’ y ’Sorprendente’ que habitualmente tienen reservado un lugar especial en sus conciertos. Con ‘Sorprendente’, además, sentaba uno de sus estándares líricos, con esa visión ácida que le permite mantenerse desafiante pero indiferente ante miradas celosas y recelosas.

Agradecido

El debut en solitario de Rosendo se publicó en 1985 y es uno de las obras capitales de la música contemporánea española, sin más retruécanos. Y eso que en su momento fue denostado por los factótums del heavy metal patrio, que no veían nada clara aquella producción un tanto nuevaolera de Carlos Narea (Miguel Ríos, Antonio Vega). de entre clasicazos como ‘Pan de higo’, ‘Loco por incordiar’, ‘… y dale’ o ‘Corazón’, tenemos que quedarnos con ‘Agradecido’, una canción bárbara en su sencillez y eficacia que, además, espanta moscones y chupópteros con una elegancia que ya querrían tener en los barrios bien. Aunque no lo pareciera, era el rasero con que medir todo lo que se llamó el rock urbano.

Por meter entre mis cosas la nariz

Tras ‘Fuera de lugar’ (1987), el tercer disco de Rosendo supuso su divorcio total con los rockeros de pro del país. ‘… a las lombrices’. Esta vez no cabía culpar al popular en aquellos días Joe Dworniak (Radio Futura, Jarabe de palo), bastante ortodoxa incluso para contener arreglos de metales. ‘El asa del cubo’ sigue siendo un tema frecuente en los directos de Rosendo, pero personalmente tengo debilidad con ‘Por meter entre mis cosas la nariz’, un boogie bastante clásico en el que destacan esos memorables giros vocales hacia el falsete.

Flojos de pantalón

Tras dejar RCA y fichar por Twins –luego absorbida por DRO, que luego fue absorbida por Warner–, Rosendo se desquitó de sus críticos con ‘Jugar al gua’, su disco más puramente rock –aunque contiene guiños al reggae, a partir de aquí frecuentes, como el de ‘Del pulmón’– en años, producido por él mismo. En él brilla la que quizá sea la mejor y más memorable canción de toda su carrera, ‘Flojos de pantalón’. Otro riff descomunal que esta vez le sirve para retratar la vida nocturna del foro a finales de los 80, la pose, el artificio, la decadencia, el desencanto tras las luces ilusorias y el exceso de maquillaje.

Majete!

Rosendo comenzó los 90 como terminó los 80 y como ha seguido siempre, yendo a lo suyo. Sin embargo, tras ‘Deja que les diga que no’ (1991), cuyo himno aún vigente es ‘Borrachuzos’, llegaba un ‘La tortuga’ en el que se mostraba permeable al sonido de la época, atreviéndose incluso a pseudo-rapear e incluir una intro casi rumbera en el hit ‘Majete!’, que caló más allá de la escena del rock. Uno de sus típicos retruécanos (“majete, no todo el que saca mete”) de barra de bar que tan bien funcionan.

Listos para la reconversión

Ya avanzados los 90, la integridad de Rosendo había logrado calar a aquellos que le veían con frecuencia en la tela cuando eran chiquillos y ahora estaban por el rollo del grunge. Una corriente que, a su vez, caló en los discos de la época del madrileño, ‘Para mal o para bien’ (1994) (con ‘¿De qué vas?’, otro himno de esa era), ‘Listos para la reconversión’ (1996) o la BSO de ‘Dame algo’ (Héctor Carré, 1998), que compuso íntegramente Mercado. El tema que bautizaba al segundo de estos destaca especialmente al mostrar esa querencia: los teclados desaparecieron en buena medida y bajos slap, de querencia funk. Un esfuerzo por sonar más contemporáneo que, al menos en este corte, no suponía ninguna merma en su pericia compositiva.

Masculino singular

Tras su etapa “alternativa” –entiéndaseme, es por acotar de alguna manera–, Rosendo volvió a la ortodoxia rock con ‘A tientas y barrancas’ (1998), ‘Canciones para normales y mero dementes’ (2001) y ‘Veo, veo… mamoneo’ (2002). Este último tuvo un considerable éxito gracias al single ‘Masculino singular’, que más allá de sus malabares para insultar con mano izquierda, a mí me gusta pensar que atiza al típico gallito machista cisgénero. Algo de lo que el rock va bien sobrado.

Harto

Tras publicar ‘Lo malo… es no darse cuenta’ (2005) y recibir la Medalla de Oro a las Bellas Artes en el año 2006, en 2007 publicó uno de sus discos más singulares, ‘El endémico y el incauto pertinaz’, que jugaba con la estética del medievo para mostrar su crítica con la clase política y las oligarquías. ‘Harto’ es, además de uno de las mejores canciones que ha escrito Mercado en la última década, una buena muestra de su desapego, que es el de buena parte de la sociedad, mostrando lo preclara, incisiva y directa que puede ser su escritura.

La segunda temporada de ‘Paquita Salas’ revela cameos, elenco y fecha aproximada de emisión

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Los Javis habían anunciado que tan pronto como concluyeran con su labor en Operación Triunfo se pondrían manos a la obra con el rodaje de la segunda temporada de ‘Paquita Salas’, para alegría de seguidores de la serie como James Rhodes o nosotros mismos. Paquita fue lo mejor de la última edición de Los Goya, merendándose en 5 minutos toda intervención de Joaquín Reyes y el equipo de Muchachada nuí, y hoy se conocen más detalles sobre cómo será esa segunda temporada.

Según informa la agencia de comunicación de Netflix, Brays Efe (Paquita), Belén Cuesta (Magüi), Lidia San José (Lidia), Álex de Lucas (Álex), Mariona Terés (Mariona), Anna Castillo (Belén de Lucas) y Yolanda Ramos (Noemí Argüelles) encabezan el reparto de los nuevos capítulos de esta segunda temporada, que llegará a Netflix «a nivel global en verano de este año». El rodaje ya ha comenzado y se ha compartido esta instantánea que veis en la que podemos observar a Javi Calvo, como siempre, con la boca semi abierta.

Además de contar con algunos secundarios como Andrés Pajares (Paco Cerdeña) y Secun de la Rosa (Fernando Canelón), presentes en la primera temporada, la audiencia podrá disfrutar de los cameos de Verónica Echegui, Ana Obregón o Pepa Charro “La Terremoto de Alcorcón”. Concluye la nota: «no obstante, habrá muchas otras apariciones sorpresa que no se revelarán hasta el estreno y colaboraciones muy especiales, como las de Roi y Alfred de OT».

El éxito de Madrid Popfest 2018 en 5 claves

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Madrid Popfest llegaba a su 8ª edición este fin de semana en Madrid con sus abonos agotados con antelación y también las entradas de día para su emplazamiento en Galileo Galilei, con capacidad para 500 personas. En este artículo repasamos el éxito de este festival autogestionado, realizado sin grandes patrocinadores y sin ánimo de lucro.

El conciertazo de BMX Bandits

La originalidad del cartel, enfocado claramente al indie pop, y teniendo como público objetivo a aquellos que tenían 15 años cuando salió ‘Súper 8’, es una de las claves de este festival. Huyendo de los mismos nombres de siempre tanto en el plano nacional como en el internacional, Madrid Popfest apuesta en su lugar por rescatar nombres olvidados, no tan frecuentemente reivindicados o también noveles. El gran acierto de este año ha sido contar el sábado con BMX Bandits, uno de esos grupos británicos que en el sello español Elefant han reivindicado más que en su propio país, si bien ellos tienen poco que ver con Camera Obscura, The School o The Yearning.

La banda de Glasgow liderada por Duglas T. Stewart ofreció un conciertazo basado en el encanto de temazos tan variados como ‘It’s In Her Eyes’, ‘Serious Drugs’, ‘And It’s You’ (dedicada a los románticos, porque «todos somos románticos, menos el teclista», bromeó Duglas), la melancólica y contagiosa ‘I Wanna Fall In Love’ (menuda maravilla), ‘Take Me To Heaven’ o una ‘Girl At the Bus Stop’ dedicada entre lágrimas a su autor, Daniel Tracey (Television Personalities). Duglas T. Stewart ejerció las veces de sobresaliente maestro de ceremonias: cada cara que ponía, cada gesticulación, cada presentación de cada canción era muestra de un enorme carisma que no debe pasar inadvertido para la historia del pop.

El buen concierto de Eggstone

Otro gran acierto del sábado fue la recuperación de Eggstone, un grupo sueco coetáneo y similar a los primeros Cardigans que como estos se miraba en el pop sesentero más jazzy y juguetón. Su concierto en formato sexteto osciló entre el indie de unos Smiths (el timbre de Per Sunding recuerda a Morrissey bastante de vez en cuando), las coloridas percusiones, arreglos de easy-listening y algún ramalazo bossa nova. Lamentablemente, tras una decena de canciones, Per (en la imagen principal) tuvo que anunciar que abandonaba el escenario por una indisposición, mientras sus compañeros le esperaban indicando que había pasado la tarde vomitando. Al menos pudo volver para interpretar, con total entereza, el gran hit de Eggstone, un celebradísimo y bailadísimo ‘Taramasalata’.

La paridad

El indie pop no era solo cosa de hombres, y eso se notó tanto entre el público como sobre los escenarios. Desconozco si contar con tantas mujeres artistas fue deliberado, casual o simplemente la organización no concibe las cosas de otra manera, pero tocaron varios grupos de chicas, como las rockeras The Tuts, que el viernes animaron a lo grande con su versión de ‘Wannabe’ de las Spice Girls; Melenas, cuya dicción y sonido es mucho mejor de lo que se comentaba hace unas semanas en nuestras páginas (podían seguirse sus letras bastante bien, teniendo en cuenta que se dedican al noise pop); y otros tantos grupos mixtos. Entre ellos, Soda Fountain Rag, con un original formato de cantante y batería en pie en primera línea; o Fever Dream, que no era la rapera que alguien metió en la playlist de Popfest de Spotify sino una banda post-grunge con momentos más Sonic Youth y My Bloody Valentine y otros más Clap Your Hands Say Yeah! sobre todo por la voz de su líder, único chico del trío.

La atención a los grupos españoles minoritarios

Festivales españoles, hay más bandas aparte de Love of Lesbian y Lori Meyers. Esta parece ser la máxima de Madrid Popfest, que ha contado con otros talentos como las mencionadas Melenas, Terry Vs Tori (perfecto aperitivo en sus largos pasajes instrumentales a los conciertos inminentes de Slowdive, como el día anterior había sido el caso de The BV’s) o Cosmen Adelaida. Estos, confiados de jugar en casa, renunciaron por supuesto a los éxitos de sus primeras maquetas pero también de manera inexplicable a ‘Becerro de oro’, dejando casi todo el peso en ‘Hermanos Wright’ y ‘Contra la pared’, reservadas para casi el final. Buen concierto, pero tienen repertorio para otro mejor incluso.

Pero el grupo nacional que más público congregó fue Ataque de Caspa, quienes actuaban el sábado a la hora del vermú de manera gratuita en la Nave de Terneras, una suerte de gimnasio con altavoces medio caseros sito en el Matadero de la ciudad. Mientras la gente poco a poco decidió irse a comer durante los shows de Soda Fountain Rag y Fakuta en formato dúo, quienes cerraron con su hit ‘Tormenta solar’ en lo que resultaba una necesaria contrapartida electropop a tanto indie de guitarras, Ataque de Caspa habían llegado a colgar el cartel de «aforo completo» dos horas antes.

Su show fue, no obstante, víctima de su deliberada recreación en el amateurismo, con las letras de Carmen volando de su atril durante ‘Sol’, o la posterior broma sobre si recordaría la letra de una canción que no encontraba. Al menos esta banda olvidada de los 80 que podemos considerar antepasada de Los Punsetes, no dejó de tocar las imprescindibles ‘Viaje a Egipto’ o ‘Nigeria’ y tampoco podemos decir que se ciñeran a la nostalgia de la nostalgia tras su revival de hace 6 años: tienen ya en la calle nuevo disco (!) y de él sonaron pistas como ‘Espejos’ o ‘Sistema solar’.

Popfest como acto social

Madrid Popfest, aparte de una reivindicación de indie pop, funciona como lugar de encuentro para un público entre los treinta y muchos y los cuarenta y pocos, melómano desde los años 90. En muchos sentidos es una fiesta antes que un festival, como muestra el hecho de que Galileo Galilei permaneciera abierto con DJ’s hasta más allá de las 5 de la mañana, cuando el alcohol llevaba corriendo de lo lindo desde las 7 de la tarde. Hubo algún momento de locura total (ese pelotón de gente haciendo cola en la barra el sábado durante el vermú nada más abrir puertas) y en ocasiones llegó a prevalecer el acto social sobre los conciertos, muy visiblemente durante el show de los monos St Christopher, también rescatados de los 80, con una considerable cantidad de gente que no callaba; pero especialmente el sábado ganó lo entrañable: el merchan de vinilos y camisetas estaba arrasado. Soda Fountain Rag vendieron los 32 discos que trajeron, Melenas también vendieron todo, y la sintonía que Cosmen Adelaida han creado para Madrid Popfest se ha convertido en himno para muchos. Está en Bandcamp.

Alaska recuerda en Cuarto Milenio la influencia de Aleister Crowley en los Beatles o Led Zeppelin

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Alaska, experta en ocultismo además de cantante, ha visitado este domingo el plató de Cuarto Milenio para hablar sobre el mago y ocultista inglés Aleister Crowley, conocido como la “gran Bestia” y por ser creador de la religión y filosofía esotérica Thelema, cuyo lema es “haz tu voluntad, el amor es la ley”. A través de esta religión, Crowley llevó a cabo polémicos rituales con la presencia de sexo y drogas.

Pero la religión Thelema influyó también a numerosos artistas de la música durante los 60 y 70, como David Bowie, que era un gran fascinado del ocultismo y llegó a mencionar a Crowley en su canción de 1971, ‘Quicksand’. Pero de quienes habla Alaska en su paso por Cuarto Milenio, ante un Íker Jiménez asombrado, es de los Beatles y Led Zeppelin.

Alaska atribuye en parte a Crowley los “influjos orientales” presentes en la contracultura de los 60, y recuerda que Crowley aparecía en la portada de ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ y que su filosofía transpiró en el viaje de los Beatles a la India y en la posterior creación de aquel disco.

Especialmente fuerte por la influencia de Crowley en Jimmy Page de Led Zeppelin. Como recuerda Alaska, Led Zeppelin desarrollaron una “imaginería” de ocultismo en su carrera y Page llegó a abrir una tienda de libros de ocultismo en Londres y a comprar Boleskine, la casa de Escocia donde Crowley residió, en el Lago Ness.

Los vídeos están disponibles en Cuatro.

Tame Impala entra de lleno en la pista de baile con ‘My Life’ junto a ZHU

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Tame Impala ha anunciado varios directos en 2018, entre ellos, en el festival Mad Cool de Madrid, por lo que es muy posible que su nuevo disco esté en camino. No sería de extrañar, ya que el último trabajo de Kevin Parker, ‘Currents’, se publicó en 2015, hace ya tres temporadas. ¡Qué grande fue y sigue siendo ‘Let it Happen’, la mejor canción de aquel año!

Pero Parker va asomando la cabeza al exterior poco a poco, y tras presentar recientemente en directo, junto a Mark Ronson, una canción nueva en la que han colaborado SZA, el músico australiano oficializa su “comeback” en ‘My Life’, la nueva canción de ZHU, el productor estadounidense autor de éxitos house como ‘Automatic’ con AlunaGeorge, ‘Working for It’ o ‘Faded’ y del álbum ‘GENERATIONWHY‘, editado en 2016.

La contribución de Parker en ‘My Life’ se limita a unas pocas frases, sobre todo “let me live my life”, que se repite ad nauseam a lo largo de la canción, creando un efecto hipnótico. El tema no es la panacea, pero desarrolla una atractiva tensión de principio a fin, incluye un arreglo feísta de saxofón y además supone la entrada de lleno de Parker en la pista de baile. ¿Irá el sucesor de ‘Currents’ por el mismo camino?

Rosendo se suma a la lista de artistas que anuncian este año su despedida de los escenarios

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Solo un año después del lanzamiento de su último disco, ‘De escalde y trinchera’, Rosendo anuncia gira de despedida, ‘Mi tiempo, señorías…’, sumándose así a una larga lista de artistas veteranos que han anunciado sus conciertos de despedida recientemente, entre ellos Aretha Franklin, Elton John, Paul Simon, Neil Diamond, Lynyrd Skynyrd y Slayer.

Rosendo, de 64 años, pone punto y final a una larga carrera en carretera desde sus inicios en Ñu y Leño, y que sobre todo en su trayectoria en solitario le ha llevado a convertirse en una de las figuras más representativas e icónicas del rock español, gracias a canciones como ‘Agradecido’, ‘Flojos de pantalón’ y ‘Masculino singular’.

Estas son las fechas de la gira ‘Mi tiempo, señoría’, que comparte Get in Music y recorrerá toda España desde marzo hasta diciembre, cuando Rosendo realizará los últimos cuatro conciertos de su carrera en A Coruña, Bilbao, Madrid y Barcelona.

MARZO 16 Jerez de la Frontera- Festival Primavera Trompetera/ 24 Burlada Navarra Entradas agotadas

ABRIL 12 Cáceres- Festival Extremusika/ 28 Tarragona- Festival Tony Urbano

MAYO 12 Madrid- Rivas Rock/ 18 Cascante (Navarra)/ 19 Granada- Bull Music Festival

JUNIO 16 Ponferrada (León)/ 23 Jaén- Lagarto Rock/ 27 Orense- Jardín Do Posío/ 30 Getafe- Festival Cultura Inquieta

JULIO 7 El Bonillo (Albacete)- Alterna Festival/ 13 Quintana de la Serena (Badajoz)- Granirock/ 14 Manzanares (Ciudad Real)

AGOSTO 8 Villena (Alicante)- Leyendas del Rock/ 25 Las Mesas (Cuenca)

SEPTIEMBRE 8 Murcia

NOVIEMBRE 16-17 Santander- November food & rock

DICIEMBRE

14 A Coruña Información proximamente

15 Bilbao – Bilbao Exhibition Center (BEC!)

21 Madrid – WiZink Center

22 Barcelona – Sant Jordi Club

Lana Del Rey deslumbra con su versión de ‘You Must Love Me’ de ‘Evita’, cantada originalmente por Madonna

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Lana Del Rey se ha encargado de interpretar ‘You Must Love Me’, la canción principal de ‘Evita’, para ‘Unmasked: The Platinum Collection’, el nuevo recopilatorio de éxitos de Andrew Lloyd Webber, autor junto a Tim Rice de esta misma canción que cantó originalmente Madonna -que interpretó a Eva Perón en ‘Evita’-, logrando el Oscar y el Globo de Oro a Mejor canción en 1997.

El disco, anunciado a finales del mes de enero, complementará la biografía recién publicada de Andrew Lloyd Webber, ‘Unmasked’, y saldrá en ediciones de 2 y 4 discos conteniendo canciones de toda su carrera, lo que incluye la nueva versión de Lana Del Rey, así como de Nicole Scherzinger (‘Memory’, de ‘Cats’) y Gregory Porter (‘Light at the End of the Tunnel’, de ‘Starlight Express’). Lana ha dicho que ha sido un “sueño” cantar una canción de Lloyd Webber, una de sus “mayores inspiraciones”.

Andrew Lloyd Webber ‘Unmasked: The Platinum Collection’ Tracklisting:
CD ONE
01 Superstar • Murray Head & The Trinidad Singers
02 The Phantom Of The Opera • Sarah Brightman & Michael Crawford
03 Oh What A Circus • Antonio Banderas & Madonna
04 Love Changes Everything • Michael Ball
05 Stick It To The Man • Alex Brightman & The Broadway Cast Of School Of Rock
06 Memory* • Nicole Scherzinger
07 No Matter What • Boyzone
08 With One Look • Barbra Streisand
09 Buenos Aires • Glee Cast
10 Don’t Cry For Me Argentina • Julie Covington
11 Take That Look Off Your Face • Marti Webb
12 I’m Hopeless When It Comes To You • Joanna Riding
13 Light At The End Of The Tunnel* • Gregory Porter
14 The Music Of The Night • Michael Crawford
15 Gethsemane ( I Only Want To Say) • Ian Gillan
16 Any Dream Will Do • Donny Osmond
17 Amigos Para Siempre • Sarah Brightman & José Carreras
18 I Don’t Know How To Love Him • Yvonne Elliman

Cd Two
01 As If We Never Said Goodbye • Glenn Close
02 Theme And Variations 1-4 • Andrew Lloyd Webber
03 Unexpected Song • Sarah Brightman
04 You Must Love Me* • Lana Del Rey
05 Everything’s Alright • Yvonne Elliman, Ian Gillan & Murray Head
06 The Vaults Of Heaven • Tom Jones & The Sounds Of Blackness
07 Another Suitcase In Another Hall • Madonna
08 You’re In The Band • Broadway Cast Of School Of Rock
09 It’s Easy For You • Elvis Presley
10 Cold • The Everly Brothers
11 Come Back With The Same Look • Denise Van Outen
12 I Am The Starlight* • Mica Paris & George Ure
13 Mr. Mistoffelees • Paul Nicholas
14 Tell Me On A Sunday • Michael Crawford
15 Think Of Me • Emmy Rossum & Patrick Wilson
16 Rainbow High • Elaine Paige
17 All I Ask Of You • Cliff Richard & Sarah Brightman
18 Wishing You Were Somehow Here Again (Live At The Royal Albert Hall) • Sierra Boggess
Bonus Track Learn To Be Lonely* (Live At The Oscars) • Beyoncé & Andrew Lloyd Webber

Cd Three
01 Jacob & Sons/Coat Of Many Colours • Janet Metz, Donny Osmond, Michael Fletcher & The Canadian Cast
02 Close Every Door • Donny Osmond
03 Heaven On Their Minds* (Live – Arena Tour) • Tim Minchin
04 King Herod’s Song • Alice Cooper
05 Skimbleshanks • Ken Wells & The Original London Cast Of Cats
06 Macavity: The Mystery Cat • Wendy Edmead & Donna King
07 You’ve Never Had It So Good • Stephen Ward Original London Cast
08 I’d Be Surprisingly Good For You • Elena Roger & Philip Quast
09 Evermore Without You • Martin Crewes
10 I Believe My Heart • Duncan James & Keedie
11 If Only You Would Listen • The Broadway Cast Of School Of Rock
12 Sing • Military Wives
13 Hosanna • Jesus Christ Superstar London Cast
14 Hosanna • Plácido Domingo, Sarah Brightman & The Choir Of Winchester Cathedral
15 Pie Jesu • Sarah Brightman & Paul Miles-Kingston
16 By Jeeves • Steven Pacey, Simon Day & Nicholas Haverson
17 Where Did The Rock Go?* • Florence Andrews

Cd Four
01 Phantom Phantasy† • Original London Orchestra
02 Masquerade • Original Motion Picture Cast
03 ’Til I Hear You Sing • Ramin Karimloo
04 Love Never Dies Orchestral Suite† • Original London Orchestra
05love Never Dies•Sierra Boggess
06the Beauty Underneath*•Ben Lewis & Casey Lyons
07 Variations On Variations† • Andrew Lloyd Webber
08 Jesus Christ Superstar Overture • Original Jesus Christ Superstar Orchestra
09 Overture And The Beautiful Game† • Original Cast And Orchestra From The Beautiful Game
10 If This Is What We’re Fighting For • Josie Walker
11 Cats Overture • The Original London Orchestra
12 The Jellicle Ball • Cats Motion Picture Orchestra
13 Sunset Suite† • Original Broadway Orchestra
14 Sunset Boulevard • Kevin Anderson
15 Aspects Of Aspects • Orchester Der Vereinigten Buehnen Wien
16 Seeing Is Believing • Michael Ball & Sarah Brightman
17 Anything But Lonely • Sarah Brightman

Ariana Grande termina su “personal” cuarto disco ¿y prepara su gran papel en Broadway?

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Ariana Grande ha terminado su cuarto disco. Esta es, al menos, la información que comparte TMZ al respecto del nuevo trabajo de la cantante, que no hace tanto se dejaba ver trabajando en el estudio en las redes sociales.

El medio estadounidense asegura que Grande se ha reunido recientemente con su sello Republic Records y con su mánager Scooter Braun para ponerles el “álbum entero” y que este es el “más personal” que ha grabado hasta la fecha. De hecho, la artista habría participado en la composición de todas las canciones. Aunque la curiosidad de este álbum recae, de nuevo, en sus productores. Parece que se han repartido el trabajo sobre todo dos personas, Pharrell Williams y Max Martin.

En verano del año pasado, Pharrell reveló encontrarse trabajando en el “increíble” nuevo disco de Grande, además de en el de Justin Timberlake recientemente publicado. El productor ya colaboró con Grande en ‘Heartstroke’ de Calvin Harris. Por su parte, Max Martin ha participado en la producción de ‘Problem’, ‘Break Free’, ‘Love Me Harder’, ‘Dangerous Woman’ e ‘Into You’, entre otros.

Por otro lado, parece que Grande está a punto de realizar su gran papel en Broadway (Grande debutó en Broadway en 2008). El tabloide británico The Sun comparte que la intérprete de ‘Break Free’ ha conseguido el papel de la bruja Elphaba en ‘Wicked’, el musical de Stephen Schwartz y Winnie Holzman basado en la novela de 1995 del mismo nombre.

Buffalo Tom: 30 años ejerciendo de puente entre el indie rock y la americana

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El pasado viernes, Buffalo Tom publicaban ‘Quiet And Peace’, su 9º disco de estudio cuando, precisamente, se cumplen 30 años desde que se publicó su álbum de debut. La carrera de este trío, formado por Bill Janovitz –guitarra y voz–, Chris Colbourn –bajo y voz– y Tom Maginnis –batería y prestatario del nombre del grupo, combinado con el de Buffalo Springfield– podría ser una más entre la de tantos grupos de los 90 que obtuvieron notoriedad al amparo del grunge y lo alternativo pero, llegados al nuevo siglo y a su propia madurez, se esfumaron… o eso parecía.

Sin embargo, Buffalo Tom no son unos más, puesto que su carrera está cargada de buenos discos (algunos, mucho más que eso) y su sonido ha servido de inspiración para muchas otras bandas posteriores, quizá sin ser nunca aludidos de manera explícita o frecuente. Pero es que además tampoco hay tantas bandas que hayan resistido 30 años de vida manteniéndose fieles a sí mismos, lo cual incluye su formación –sin variaciones desde su origen– y su estilo, lo cual es directamente heróico. Porque si de algo puede presumir ‘Quiet And Peace’ es de que, ya sus dos avances ‘All Be Gone’ y ‘Roman Cars’ dan muestra de que no han perdido ni la personalidad (en lo que las voces alternas de Bill y Chris tienen mucho que ver) ni la fuerza de antaño.

Pero vayamos algo más atrás, a sus inicios: el trío se formó en 1986 en Boston, en medio de aquel bullir de bandas de finales de aquella década en la que nombres como Pixies y Throwing Muses estaban inmersos –aunque ellos estaban estilísticamente más próximos a Hüsker Dü, a decir verdad–. Bill, Chris y Tom se hicieron amigos en la Universidad de Massachusets –Buffalo Tom fue uno de aquellos grupos cuyo éxito se basó en buena medida en el apoyo de las radios universitarias– y pronto formaron un grupo en cuya gestación tuvo mucho que ver J Mascis, de Dinosaur Jr. Mascis impulsó la grabación de su debut homónimo de 1988: lo co-produjo e incluso tocó la guitarra en uno de sus temas, ‘Impossible’.

Ese sonido eléctrico, tan cargado de fuzz como de melodía, a medio camino del pop y el punk, impregnaba canciones como aquella o ‘Sunflower Suit’, aunque en ‘The Bus’ también mostraban esa faceta más de balada/medio tiempo que les ha caracterizado siempre y les conectaba, en cierta medida, con la canción tradicional norteamericana. Y es que, aunque no sean unos referentes tan evidentes como Uncle Tupelo, Buffalo Tom son, a mi juicio, culpables en buena parte de la posterior eclosión de la nueva Americana.

Algo que se evidencia a partir de su primera obra maestra, ‘Let Me Come Over’ (1992), que llegaría tras la mejora de sonido en ‘Birdbrain’, su segundo disco. Producido por el tándem Paul Q. Kolderie/Sean Slade (que por entonces también produjeron ‘Pablo Honey’, debut de unos chavales británicos llamados Radiohead), ‘Let Me Come Over’ establecía un nuevo estándar no solo para el propio grupo sino también en el rock alternativo yanqui, con una colección de canciones soberbia en la que brillaban los singles ‘Taillights Fade’ y ‘Mineral’, pero en la que ni uno de sus otros 11 cortes quedaba a la zaga: ‘Staples’, ‘Velvet Roof’, ‘Frozen Lake’, ‘Porchlight’… Todo un discazo que reflejaba un momento de la historia de la música y que a cualquier otro grupo le hubiera pesado.

Pero no a ellos, que respondieron a la primera de cambio –apenas un año después– con otro disco sobresaliente. ‘Big Red Letter Day’ es otro álbum inapelable en el que afinaron con los ganchos y limpiaron un poco su sonido (co-produjeron ellos mismos con The Robb Brothers, que por entonces trabajaban con otras grandes estrellas de la época, Lemonheads). Esa limpieza no fue muy bien vista en círculos alternativos –en aquellos momentos, no molaba nada que tu grupo favorito se hiciera masivo, ¿saes?– pero a su vez ayudó enormemente a que pegaran muy fuerte en las listas norteamericanas: temas como ‘Sodajerk’, ‘I’m Allowed’ o el baladón ‘Late at Night’ se acercaron a ser hits. Esta última, además, obtuvo especial repercusión cuando apareció en la por entonces popular serie televisiva ‘Es mi vida’ (‘My So-Called Live’), donde ponía base musical al amor adolescente de, atención, Jared Leto y Claire Danes. Un momento de esos que marcan a una generación.

En 1995 Bill, Tom y Chris, algo arrepentidos de sonar tan pulidos, recurrieron a John Agnello para volver a su lado más enérgico y desmelenado. Eso es lo que contiene ‘Sleepy Eyed’, otro gran disco de rock melódico con muy buenas canciones que, cosas de las modas, fue algo peor acogido pese a comenzar como un tiro con ‘Tangerine’, ‘Summer’, ‘Kitchen Door’. Quizá no andaba tan sobrado de canciones redondas, pero no supone ninguna tacha en su carrera, ni mucho menos. Como un signo, quizá, de madurez, Bill Janovitz vio que sus nuevas canciones pedían teclados, y trabajó con Tom Gorman de Belly para arreglarlas. El resultado fue ‘Smitten’ (1998), un disco que, de manera inequívoca, sonaba a tradición norteamericana y, a la vez, resultaba más espeso y menos inspirado que sus antecesores. Parecía abocado a marcar un cierre de ciclo para el grupo que, por aquel entonces, pareció una separación.

Tras los inevitables recopilatorios de caras As y Bs, algún directo y varios discos en solitario de Janovitz (aunque su trayectoria comenzó antes, en 1996, y aún prosigue intermitentemente), Buffalo Tom reaparecieron actuando en el SXSW de 2007, como uno de los grandes atractivos de la edición. Ese mismo año publicaron su primer disco en casi una década, ’Three Easy Pieces’, un nuevo regreso a su cara más fiera y aguerrida, y con un buen puñado de canciones (‘Bad Phone Call’, ‘September Shirt’ o ‘You’ll Never Catch Him’ al frente) con las que reivindicarse como autores.

Una política y estética que extendieron en el igualmente notable ‘Skins’ (2011) y que, parece, persiste en su nuevo disco. Resulta un placer que, aunque lo tengan que hacer desde la discreción de una teórica segunda fila, tengan la generosidad de seguir escribiendo canciones notables que sobrevivan tendencias y, ojalá, calen en nuevas generaciones. Porque no merecen menos que su nombre sea reivindicado como unos de los más dignos (y escasos) supervivientes de su época. ¿Cómo es posible que su nombre, con semejante repertorio y disco nuevo bajo el brazo, no esté en la mitad de los festivales del mundo este verano?

Hookworms / Microshift

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Quisiera reaccionar ante las desgracias como lo hace Matthew Johnson (MJ), compositor y productor de la banda Hookworms: con determinación, coraje y energía. Y no ha padecido precisamente desgracias desdeñables. Antes de grabar ‘Microshift’ (el Boxing Day de 2015: 26 de diciembre), tercer álbum del quinteto de Leeds, el músico sufrió una terrible inundación en su estudio de trabajo, perdiendo de golpe equipo musical, instrumentos, material, infinidad de objetos personales, ropa, libros y recuerdos, además de su coche. La banda siguió adelante, rehizo el local gracias a donaciones y contribuciones, y el disco, obviamente, ha acabado viendo la luz; pero la cosa no acabó ahí. Porque además de este hecho (‘Boxing Day’), MJ también afronta mediante el álbum el inesperado y reciente fallecimiento de un amigo muy cercano (‘Negative Space’), una especie de miembro extra de la banda, la cruel enfermedad –Alzheimer– de su padre (‘Ullswater’) y sus propios problemas psicológicos (‘Static Resistance’, ‘Opener’, etc.). Todo con una valentía y un ímpetu realmente encomiables, y desde un lenguaje musical que se ha simplificado y aclarado lo suficiente como para que su fórmula resulte ahora más accesible, directa y efectiva que nunca.

La receta maestra de ‘Microshift’ mezcla algo de rock psicodélico (en retroceso) con algo de drone industrial, noise pop, garage e incluso con algunas trazas selectas del dance-punk de LCD Soundsystem, dando vida y accionando un tipo de motor lleno de combustible explosivo que, al menos a lo largo de los casi 20 minutos que duran las tres primeras canciones, parece que no va a detenerse nunca. Sobre todo en el final robusto y victorioso (en lo formal) de ‘Ullswater’, amargo y alentador (en lo lírico), que grita eso de “So stay strong / Stay strong / Yeah, stay strong”. Así culmina el tremendo tema dedicado a la enfermedad de su padre: un trote que intensa y progresivamente se va transformando en musculoso galope, regado con duras y emotivas reflexiones como “You see, this man before / Taught me how to be tender / I’m so glad it’s still a part of you / I shouldn’t ask for more / I shouldn’t chase the past, but / There’s so much I wanna show you, too / (There’s no chance, now)”, “You’re long gone away, you’ve long lost the truth / If that’s hard for me to say, it must be awful for you” o “Oh, one day you’ll forget / That I’ll always love you”. Para llorar apretando los puños al cielo de manera eufórica. ¡Chapó, MJ!

Así culmina también la primera fase del disco, ese inicio arrollador protagonizado por ‘Negative Space’, donde Hookworms logran trazar ante la muerte de su amigo un espacio épico-bailable delimitado por LCD Soundsystem, Kasabian, Klaxons, Death From Above o TV on the Radio (llamadme loco pero, ¿los primeros Arcade Fire?), por la imparable ‘Static Resistance’, una catarata de power pop y psicodelia translúcida al estilo King Gizzard & the Lizard Wizard, y por la propia ‘Ullswater’. El resto del álbum a partir de aquí no mantiene el nivel de carburación ni de estimulación porque prácticamente alterna canciones agarrotadas con otras dilatadas, pero el traca-traca ha inoculado y el motor sigue funcionando por empuje e inercia.

Así, tras la semi-pausa etérea y volátil de ‘The Soft Season’ –que podría ser una intro de Phoenix–, recuperan el ímpetu en ‘Opener’, aunque ya con menos mordiente. Un tema que trata sobre la fragilidad y la inseguridad personal, y que se va abriendo en una progresión lineal pero fuerte del tipo Preoccupations. Del mismo modo, después de una acolchada y anestésica (y un poco dreampop alternativo rollo Broadcast) ‘Each Time We Pass’ llega la claustrofóbica y oscura ‘Boxing Day’, donde no es posible percibir ni una brizna de luz y la energía parece estancarse hasta pudrirse. Y tras la instrumental, ambiental y arrítmica ‘Reunion’, ‘Shortcomings’ cierra el álbum recuperando el enfoque optimista, ya con menos impulso en las ruedas pero con el final del túnel a la vista.

Lo extraordinario del disco, por tanto, es ese motor, ese impulso y empuje energéticos, esa inercia que mantiene viva la fuerza, el valor y el arranque del principio, sostenida incluso en la fase del álbum en la que el desboque ha dado paso a un cierto equilibrio de fuerzas (todas ellas entendidas de forma psicológica y formal, musicalmente hablando). Su procesamiento de la desgracia es, en ese sentido, ejemplar, entregándonos ‘Microshift’ como receta y medicina a la vez. Ojalá la vida fuera un plácido valle donde todo va rodado, pero como no lo es, los discursos y los discos así resultan tan valientes como necesarios.

Calificación: 8,2/10
Te gustará si te gustan: Stereolab, King Gizzard & the Lizard Wizard, LCD Soundsystem, TV on the Radio, Preoccupations, Protomartyr.
Lo mejor: el inicio arrollador de ‘Negative Space’, ‘Static Resistance’ y ‘Ullswater’, 20 de los mejores minutos musicales de lo que va de año.
Escúchalo: Spotify

Alex Kapranos, The Cribs, Frankie Rose… despiden a Patrick Doyle de Veronica Falls, fallecido a los 32 años

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Patrick Doyle, batería de Veronica Falls e integrante único de Boys Forever y Basic Plumbings, ha fallecido este domingo 4 de marzo a los 32 años de edad. La causa de su muerte se desconoce por el momento. La página de Boys Forever ha dado la noticia en Facebook, escribiendo que Doyle fue “un querido hijo, hermano, tío y amigo, y [que] su familia está inmensamente orgullosa de lo que ha conseguido”.

Son varios los compañeros de profesión que han despedido a Doyle en redes sociales, entre ellos su compañera de banda Marion Herbain: “todo duele y ha sido difícil encontrar las palabras adecuadas para enfrentar sentimientos que van desde la máxima angustia al remordimiento”. También Alex Kapranos de Franz Ferdinand y Bright Light Bright Light lamentan la muerte de su amigo. The Cribs y Frankie Rose, entre otros, le recuerdan asimismo en Twitter.

El último disco de Veronica Falls fue ‘Waiting for Something to Happen‘, de 2013. El disco contenía su mayor éxito en streaming, ‘Teenage’. Recientemente, Doyle publicaba un nuevo tema a través de su alias Basic Plumbings, ‘When You Disappear’, pidiendo a sus fans que, en lugar de pagar por la canción, donaran lo que pudiesen a Los Angeles LGBT Center.

Kylie Minogue prepara single latino con Gente de Zona, ‘Stop Me from Falling’

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‘Dancing’ de Kylie Minogue se está quedando muy lejos de lograr la repercusión esperada en listas: en Reino Unido no ha ido más allá del puesto 47 y en Australia ha registrado un número parecido. El éxito del tema en Europa está siendo ultra moderado, y en Estados Unidos, que nunca ha sido un gran mercado para Minogue, inexistente.

Pero la australiana tiene un as en la manga. Debido a que el sonido country-dance de moda de ‘Dancing’ no ha funcionado, Minogue aprovecha el tirón de ‘Despacito’ y prepara un nuevo single latino junto al dúo de reggaetón cubano Gente de Zona, al que recientemente has oído en ‘Ni tú ni yo’ de Jennifer López. Junto a Alexander Delgado y Randy Malcom Martinez ha sido Minogue vista en La Habana rodando el vídeo para esta canción que aspiraría a ser la canción del verano.

Eran varios los datos que apuntaban a que ‘Golden’ sería el disco country de Kylie Minogue, y de hecho en los créditos publicados del disco no hay rastro de Gente de Zona. ‘Stop Me from Falling’ es una composición de Steve McEwan (Carrie Underwood, Keith Urban) y Danny Shah (Zak Abel) y una producción de Sky Adams que apuntaba más bien a una canción similar a ‘Dancing’. Parece que, en cualquier caso, ahora tendrá también su punto latino.

Fru Katinka, ¿los iamamiwhoami de la costa levantina?

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Una de las posibles próximas sensaciones del pop nacional (y, dado que cantan en inglés, puede que también internacional, ¿por qué no?) se llaman Fru Katinka. Por raruno que suene el nombre –inspirado por un cuadro de Hans Heyerdahl, al parecer–, detrás de él está un dúo de nombres tan de aquí como Marta Domingo y Álex Vidal, conocidos anteriormente por separado: la primera es también 50% de Meridian Response, mientras que el segundo es el también conocido como Guardabosques –aquel al que vimos participar en First Dates–, del grupo Alien Tango que, por cierto, el pasado viernes publicaban su nuevo EP.

El dúo de Valencia ha grabado un álbum completo que está próximo a editarse y del que ya han presentado dos singles, ‘Green’ e ‘Inside’. A tenor de estos, podemos decir que su sonido se debate entre el dream pop de Beach House, el post-pop de Dirty Projectors y el psico-pop delirante de Connan Mockasin. Aunque también, gracias al sentido de unidad que ofrecen sus vídeos, imágenes promocionales y vídeos, podríamos verles como una suerte de iamamiwhoami mediterráneos (y modestos).

Si el clip de ‘Green’ –en la que Marta presenta un registro vocal próximo al de Joanna Newsom– es una concatenación de imágenes de fauna que plasman su preocupación por el medio ambiente, el de ‘Inside’ es más metafórico: producido por 808 Audiovisual, dirigido por Rubén Segovia y protagonizado por Paula Sahuquillo, muestra un universo lleno de color y artificiosidad que se pone en contraste con, de nuevo, la Naturaleza. Veremos cuánto da de sí este concepto en ese debut que, de momento, ya resulta estimulante por lo atípico que resulta en la escena underground estatal.

Oscars 2018 en memes y GIFs: los “invitados” sorpresa de la ceremonia

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Frances McDormand hizo levantar a todas las mujeres nominadas en los Oscar y Emma Stone presentó a Greta Garwig y a los otro “cuatro hombres” nominados a Mejor dirección en una ceremonia de los Oscar marcada por #MeToo, y en la que Guillermo del Toro se hizo con el premio más prestigioso, el de Mejor película, por ‘La forma del agua’.

Pero la última ceremonia de los premios de la Academia dejó otro tipo de sorpresas relacionadas con el vestuario de los asistentes (St. Vincent fue de emoji, Salma Hayek de lámpara) y varios “invitados” inesperados de la gala, entre ellos, “Jorge Javier Vázquez y Pad Padilla” (en realidad, el Oscarizado Jordan Peele y su mujer, Chelsea Peretti) y la “madrina de Shrek” (en realidad, Meryl Streep).

No, finalmente Sufjan Stevens no ganó el Oscar a Mejor canción, pero no dejó de ser una alegría verle en la ceremonia cantar ‘Mystery of Love’ junto a su grupo de músicos, entre ellos St. Vincent y Moses Sumney. No sabemos si se llegó a cruzar con Jennifer Lawrence, pero la actriz subiéndose por las butacas, copazo en mano, fue también uno de los momentazos de la noche.

Jorge Javier Vázquez y Paz Padilla, en los Oscar

El amarillo de Eiza González

St Vincent es un emoji

Sofia Carson, de misa

La gran Rita Moreno

SUFJAN

Sí, Guillermo, ¡has ganado el Oscar!

Meryl Streep es la madrina de Shrek

Meryl 2.0

La revelación de Jennifer Gardner

El momento feminista de Emma Stone

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La teletienda de Helen Mirren

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Salma gonna swing like a chandelier

El copazo de Jennifer Lawrence

Frances McDormand, por la igualdad

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Meryl aplaude a Frances

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Timothée <3

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Las miradas de Lawrence y Jodie Foster

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‘La forma del agua’, gran ganadora de los Oscars 2018

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La forma del agua‘ ha resultado la gran ganadora de los Oscars 2018 al hacerse con el premio a mejor película y mejor director. La cinta de Guillermo del Toro fue estrenada en España en el festival de Sitges el pasado otoño, varios meses antes de llegar a las grandes pantallas del país. ‘La forma del agua’ también se ha hecho con el premio a mejor diseño de producción y mejor banda sonora.

La mejor canción ha sido ‘Remember Me’ de ‘Coco’, interpretada en la ceremonia por Miguel, Gael García Bernal y Natalia Lafourcade, lo que ha dejado sin premio a Sufjan Stevens, quien, como se había anunciado, ha interpretado ‘Mystery of Love’ en compañía de St Vincent, entre otros artistas. La composición de ‘Call Me By Your Name‘, película que ha logrado arañar el Oscar a Mejor Guión Adaptado, era interpretada con los artistas elevándose desde una plataforma subterránea. Esta es la actuación de la versión reducida de la canción.

No ha habido sorpresa en cuanto a los actores, por Gary Oldman ha ganado el galardón por ‘El instante más oscuro’ y Frances McDormand lo ha hecho por ‘Tres anuncios en las afueras’. Los mejores secundarios han sido Sam Rockwell también por ‘Tres anuncios en las afueras‘ y Allison Janney por ‘Yo, Tonya’. La excelente ‘Déjame salir‘ ha conseguido quedarse con el premio a mejor guión original, merecedísimo. Para ‘Dunkerque‘ han sido varios de los Oscars técnicos (sonido, efectos sonoros), además del de mejor montaje.

MEJOR PELÍCULA
‘La forma del agua’

MEJOR DIRECTOR
Guillermo del Toro por ‘La forma del agua’

MEJOR ACTOR
Gary Oldman por ‘El instante más oscuro’

MEJOR ACTRIZ
Frances McDormand por ‘Tres anuncios en las afueras’

MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Sam Rockwell por ‘Tres anuncios en las afueras’

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Allison Janney por ‘Yo, Tonya’

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
James Ivory por ‘Call Me by Your Name’

MEJOR GUIÓN ORIGINAL
Jordan Peele, por ‘Déjame salir’

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
Una mujer fantástica (Chile)

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Coco

MEJOR DOCUMENTAL
Icarus

MEJOR FOTOGRAFIA
Roger Deakins por ‘Blade Runner 2049’

MEJOR SONIDO
Dunkerque

MEJORES EFECTOS SONOROS
Dunkerque

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
La forma del agua

MEJORES EFECTOS VISUALES
Blade Runner 2049

MEJOR VESTUARIO
El hilo invisible

MEJOR BANDA SONORA
Alexandre Desplat por ‘La forma del agua’

MEJOR CANCIÓN
‘Remember Me’ de ‘Coco’

MEJOR MONTAJE
Dunkerque

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
El instante más oscuro

MEJOR CORTO DE ANIMACIÓN
Dear Basketball

Mejor Corto de Acción Real:
The Silent Child

MEJOR CORTO DOCUMENTAL
Heaven is a Traffic Jam on the 405

La Canción del Día: ‘Soy un macarra’ sigue siendo una necesaria parodia de la España fitipaldi

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En el variadísimo segundo disco de Papaya, que incluye country, tropical, salsa, trap y rock surfero, una de las canciones que destaca por su diversión es ‘Soy un macarra’. Su estribillo resuena y se pega desde la primera, proclamando: «soy un macarra, soy un hortera, voy a toda hostia por la carretera», si bien la composición es en verdad de Ilegales, en concreto extraída de ‘Agotados De Esperar El Fin’ (1984) y de hecho es la canción más escuchada de estos en Spotify.

En España llamamos «fitipaldis» a este tipo de conductores imprudentes en honor al corredor Emerson Fittipaldi, y la canción tiene un componente autoparódico según se desprende de las palabras de su autor Jorge Martínez: «‘Soy Un Macarra’, por ejemplo, habla de ese tipo que nos mira desde el espejo y que puede ser un ejercicio muy peligroso reconocerse en él. A mí nunca me ha dado miedo nada, en esto hay que meterse a fondo, hasta donde sea».

Eso sí, paradójicamente la pista es apta para escuchar a todo volumen mientras conduces. Esto decía Jorge Martínez «Ilegal» en otra entrevista: «‘Soy un macarra’ era ya un canturreo que cantaba cuando llevaba a reparar los bafles y todos los altavoces. Cogíamos el coche del padre de un amigo y llevábamos todos los altavoces a que nos los repararan después de todo un fin de semana. Así se compuso esa canción, a un volumen en el que te pitaban los oídos en locales con capacidad para unas 500 personas, que se ponían hasta arriba. Perjudicial».

Papaya han reivindicado la vigencia de la canción más de 30 años después, ralentizando ligeramente la composición, haciéndola a pesar de ello más pop, y dándole a su vez un aire tarantinesco. Ya había aparecido en sus directos en alguna ocasión y seguramente no falte en el futuro: ya es la segunda más escuchada de ‘Corazón abierto’ pese a ser solo pista 11.

¿Será hoy el gran día de Sufjan Stevens?

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Una nota de prensa enviada a los medios advierte de que St Vincent subirá al escenario de los Oscar 2018 junto a Sufjan Stevens, Moses Sumney y Chris Thile para interpretar en conjunto ‘Mistery of Love’, la canción que Sufjan ha escrito para ‘Call Me By Your Name‘, nominada a Mejor Película. Aunque la cinta no parte entre las favoritas, pues es ‘Tres anuncios en las afueras‘ la que va mejor situada en las apuestas; y aunque Sufjan tampoco es el favorito de las casas de apuestas para hacerse con el Oscar a mejor canción, sin duda se ha puesto toda la carne en el asador para que sea una gran noche para Stevens.

‘Mystery of Love’ es una canción breve, que será interpretada con seguridad de manera concisa en la ceremonia, pero servirá para recordar a los millones de espectadores de la gala lo buena composición que es, y también los días en que St Vincent era miembro de la banda en vivo de Sufjan Stevens antes de desarrollar su carrera en solitario, con discos tan destacados como el premiado ‘St Vincent‘, o recientemente ‘MASSEDUCTION‘.

Sufjan Stevens rechazó la propuesta de Luca Guadagnino, director de ‘Call Me By Your Name’, de narrar la película, pero a cambio le entregó dos canciones originales y un remix de ‘Futile Devices’. Entre estas pistas, la que más ha gustado es ‘Mystery of Love’. La música del artista tiene una importancia vital en la película, como muestra su final, y así, ‘Mystery of Love’ tiene toda la pinta de ser una de las canciones más populares que conocerá la carrera de Stevens. Ya antes de lo que pase esta noche, el tema suma 11 millones de streamings en Spotify.

Para el desarrollo de la canción, Sufjan se ha leído muy claramente el libro que inspiró la cinta: en Genius sus seguidores han rebuscado varias referencias a palabras características que aparecen en la novela. Además, aunque no conozcas ningún ‘Call Me By Your Name’, la canción es disfrutable como retrato del primer amor o del gusanillo que produce el amor, muy claro en esa insistencia a «la primera vez que me besaste», «la primera vez que me tocaste» o, finalmente, «la última vez que me tocaste».

Ese «elevar» los pies del suelo, ese «flotar» en el aire del amor adolescente se corresponde con la suave interpretación vocal de un susurrante Stevens, y unos arreglos minimalistas entre los que despunta un banjo que por momentos parece un arpa. Ese intimismo se ve reforzado por el uso de la palabra «riverbed» («lecho»), jugando con su raíz de «río», de «amor» que se va -literalmente- secando. Por último, el artista no se ha quedado en lo fácil y ha querido hacer un guiño a los personajes homosexuales de la película, mencionando la relación entre Alejandro Magno y Hefestión, y añadiendo además puntuales guiños a su carrera (aparece su sobrina, sí, la de ‘Should Have Known Better’, y también hay una cita de ‘Eugene’, entre otras), que han hecho las delicias de sus fans.

Puede que Sufjan Stevens no se lleve el Oscar, viéndose derrotado por ‘Coco‘ o ‘The Greatest Showman’, pero ha sabido trabajar una canción que funciona dentro de su repertorio, comprensible para quien no conozca su trabajo y además estrechamente vinculada a la temática de la película y la de la novela. Seguramente deje un momento tan bonito o más como el de Karen O y Ezra de Vampire Weekend haciendo ‘The Moon Song’, que, si no forma parte de la historia es por la negativa de la Academia a subir sus cosas a Youtube…

5 películas que ver en Netflix y 5 películas que ver en Filmin

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La llegada de las plataformas digitales a nuestro día a día ha revolucionado la forma de ver y entender el cine en la industria. Están quienes reciben el hecho de que una película no pueda verse en salas de cine como insultante, pero también quienes piensan que los tiempos cambian y que hay que ajustarse a ellos. Netflix produce películas que estrena en exclusiva y directamente en su plataforma. Sonados y polémicos fueron los casos de ‘Okja’ y ‘The Meyerowitz Stories’, ambas compitiendo por la Palma de Oro en Cannes el año pasado. Sin embargo, esta especie de videoclubs online también ayudan a visibilizar películas que, de otro modo, nunca llegarían a nuestras carteleras. Filmin, especializada en cine de autor, ha estrenado en España muchas propuestas arriesgadas, diferentes o demasiado pequeñas para que ningún distribuidor haya querido -o podido- darles la oportunidad.

Estas diez películas de las que hablamos a continuación, no se vieron en salas de cine comerciales, por lo que no tuvieron un recorrido tan visible como las demás, pero no merecen caer en el olvido ni quedar enterradas en el amplio catálogo de sus respectivas plataformas.

Good Time

Una de las películas más aclamadas del último Festival de Cannes fue esta odisea nocturna a ritmo de la hipnótica música de Oneohtrix Point Never que presentaron los directores neoyorquinos Benny y Josh Safdie. El peculiarísimo y muy efectivo estilo claustrofóbico de los hermanos, autores de la magnífica ‘Heaven Knows What’ (disponible en Filmin), vuelve a poner su foco en la white trash americana, narrando la historia de un delincuente de poca monta que debe conseguir dinero en una noche para pagar la fianza de su hermano discapacitado mental, que fue arrestado mientras atracaban juntos un banco. Un ritmo frenético, luces de colores y un gran reparto liderado por un espectacular Robert Pattinson, han convertido a ‘Good Time’ en un nuevo referente del cine underground.

Lovesong

Esta pequeña joya estrenada en el festival de Sundance de 2016, que no ha tenido el reconocimiento que merece, fue incluida en el catálogo de Netflix España hace unos cuantos meses. Dirigida por la coreano-americana So Yong Kim, muestra la relación de amistad entre los personajes interpretados por una impresionante Riley Keough y Jena Malone. Rara vez en una película se ve reflejada con tanta sensibilidad y delicadeza la delgada línea que en ocasiones puede separar la amistad del amor romántico. Contada a base de silencios, miradas y pequeños gestos, compone una bellísima reflexión sobre las relaciones humanas.

Blue Jay

Otra película tan diminuta (en presupuesto e intenciones) que ni siquiera con tener de protagonista a Sarah Paulson ha logrado distribución en salas. La película de Alex Lehmann -que conformaría una buena sesión doble con ‘Lovesong’- narra el reencuentro de dos viejos conocidos. Cada uno marcó la vida del otro, pero llevan veinte años sin verse y sin ningún tipo de contacto. ‘Blue Jay’ se compone principalmente por diálogos ingeniosos, y construye dos buenos personajes con los que empatizar. Un drama romántico indie capaz de llegar hondo con muy pocos medios.

Holy Hell

Si algunas películas de ficción ya lo tienen complicado para llegar a los cines, para la no ficción es casi imposible. Pero Netflix se caracteriza por tener una gran cantidad de documentales para elegir. ‘Holy Hell’ no es el mejor de ellos, pero es bastante poco conocido y merece la pena, ya que cuenta una historia realmente apasionante sobre una secta creada en Los Angeles en los 80 que duró veinte años. El documental cuenta con entrevistas a los miembros a la vez que repasa la escalofriante historia alrededor de su líder.

Las elegidas

La segunda película del mexicano David Pablos, ‘Las elegidas’, tras pasar por la sección Una cierta mirada en Cannes 2015 y por varios festivales como el de San Sebastián, tuvo su estreno en España directamente en la plataforma digital. El filme denuncia la violencia y la mala situación social mexicana centrándose en un adolescente que seduce a una chica para engañarla trabajando, a la fuerza, en un prostíbulo. La mirada del director no nos permite ver escenas explícitas, pero sí primeros planos llenos de dolor reforzados por un interesante uso del sonido. Una muestra austera y cruda de cine social.

Heaven Knows What

Esta película de los hermanos Safdie estrenada en España directamente en Filmin, como comentaba arriba, narra la historia de una heroinómana indigente en Nueva York. Los cineastas encontraron por la calle a Arielle Holmes -protagonista de la cinta-, una joven drogadicta que les llamó la atención y le ofrecieron presentarse a un casting para un proyecto. Ella fue, pero les confesó que tenía un problema con las drogas. Los Safdie la animaron a rehabilitarse y a escribir un libro contando su historia que se llamaría ‘Mad Love In New York City’. Cuando lo terminó, hicieron la película, interpretada por ella misma (completamente rehabilitada, claro). ‘Heaven Knows What’ es uno de los retratos más veraces sobre el mundo de la droga que se han filmado, y una película excelente.

The Lure

Un musical original polaco sobre dos sirenas contratadas por un club de noche para hacer espectáculos. ¿Suena raro? Lo es, y mucho. Y está bien verlo precisamente por eso. Hay quienes han encontrado en esta película algo verdaderamente atractivo y les ha atrapado por completo su mundo surrealista y absurdo. A otros les ha irritado desde la primera secuencia. Y hay quienes nos quedamos a medias, los que apreciamos el intento de hacer algo nuevo aunque finalmente no termine de resultar efectivo. El motivo por el que está en esta lista es porque, independientemente de todo, no vais a encontrar nada ni remotamente parecido a esto.

Porto

Gabe Klinger debutó en 2013 con un documental llamado ‘Double Play: James Benning y Richard Linklater’, sobre los dos cineastas. En 2016 debutó en la ficción con la singular ‘Porto’, un drama romántico dividido en tres partes que funciona como un homenaje al séptimo arte a la par que recuerda a la trilogía ‘Antes de…’. Una película interesante y romántica, que además cuenta con una de las últimas interpretaciones de Anton Yelchin (a quien está dedicada la película).

Queen of Earth

queenofearthAlex Ross Perry no ha conseguido estrenar ninguna película en nuestro país. El director, que empezó en el mumblecore (movimiento cinematográfico que se caracteriza por presupuestos muy bajos, tener diálogos improvisados y retratar a gente de entre 20 y 30 años), contó con Elisabeth Moss y Katherine Waterson para esta suerte de revisión de ‘Persona’ pasada por el filtro indie americano y el característico estilo del autor, que ya recomendamos en Halloween. Así, dos amigas van a pasar unos días a una casa retirada en la playa. Ross Perry indaga en cómo se ha ido enfriando la relación entre ambas hasta no soportarse la una a la otra. Un thriller psicológico repleto de violencia verbal.

Ensayo para una revolución

Es el título con el que Filmin ha estrenado ‘Those Who Make Revolution Half Way Only Dig Their Own Graves’, es decir, “aquellos que hacen la revolución a medias solo cavan sus propias tumbas”. Una película de tres horas de duración que cuenta con apertura, intermedio y cierre y en la que se cambia con frecuencia de formato cinematográfico. Es una especie de ensayo, a veces muy excesivo pero siempre interesante, sobre la rebeldía, la juventud y la transgresión. No ha dejado a nadie indiferente y ha dividido a la audiencia allá donde ha sido proyectada.

Fernando Alfaro / Sangre en los surcos

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Lo miremos por donde lo miremos, este ‘Sangre en los surcos’ no es un “grandes éxitos” como tal –para colmo, esa etiqueta no podría ser más paradójica– de Fernando Alfaro ni cabe acusarle de oportunismo por querer revivir –uno no puede menos que, dado el autor de este disco, intentar emular sus juegos con la semántica– canciones de los distintos proyectos de sus 30 años de carrera en un formato distinto al de sus originales. Puede que esa apariencia pueda despertar algún reparo en quienes ya conocen bien su historia musical, y en parte vital, pero ellos, tanto como los neófitos, encontrarán sobradas razones para sumergirse en este álbum que se mira y suena en blanco y negro.

Aunque la nota de prensa dice que ‘Sangre en los surcos’ se inspira en la serie ‘American Recordings’ de Johnny Cash –solo que el Hombre de Negro interpretaba en formato mínimo canciones ajenas y contemporáneas, no solo propias–, en realidad este doble álbum de 21 cortes parece más una traslación al estudio de esos conciertos en solitario que estuvo haciendo cuando presentaba su último disco solo, ‘Saint-Malo’, o celebraba los 25 años del capital ‘Hermanos carnales’ de Surfin’ Bichos. Pero solo lo parece: porque es mucho más.

Para empezar, los expertos en fernandoalfarismo tendrán razones de sobra para empaparse de «Sangre». Aunque solo sea porque contiene cuatro canciones nuevas que refrendan que la creatividad de Alfaro está muy viva 30 años después. Ya conocíamos ‘Dominó’, esa espeluznante historia personal entre la ficción y la realidad –algo inherente, en realidad, a toda su obra– que se eleva a la altura de sus grandes clásicos; pero es que ‘Sangre en los surcos’, otra visión sobre ese amigo muerto cuyo fantasma deambula por sus discos desde hace décadas, empata con aquella como uno de los momentos más brutales del disco –¡y eso que contiene muchas de sus mejores canciones!–. ‘Barbaridades’ –al menos en este formato– no brilla tanto pero, de nuevo, ‘Trozos que un día’ se muestra como una joya delicada desde el punto de vista musical, y una lección vital desde el punto de vista lírico. Espantada así la sospecha de que su intención sea hacer de este álbum un simple ejercicio de nostalgia.

Por supuesto, esos conocedores de sus distintas etapas –o alguna de ellas–, con Surfin’ primero, Chucho después y ya en solitario (o con Alienistas), se saben estas canciones de sobra. Cabe pensar que, dado que están representados todos y cada uno de sus álbumes oficiales –salvo, curiosamente, ‘Los años luz’–, Fernando ha pretendido tratar una especie de autobiografía musicada, pero la idea se resquebraja también al verificar que no hay un orden cronológico, o que un disco tan lejano y poco popular como ‘Fotógrafo del cielo’ es de largo el más representado, con ‘¿Qué clase de animal?’ y hasta ¡tres! outtakes de la época, casi encadenados: ‘Un alud en septiembre’, Mi refugio’ y ‘Siempre lo mismo’ –con unos inesperados aires folk–.

Sus temas más conocidos e imprescindibles –‘Gente abollada’ (¡qué versionaza!), ‘Fuerte!’, ’Magic’ o ‘Camisa hawaiana de fuerza’– son tan grandes que no necesitan más coartada que esa para estar aquí. Pero ‘Sangre en los surcos’ ofrece además la oportunidad de redescubrir canciones menos obvias, casi perdidas en su vasta discografía –‘Su mano sobre la mía’, ‘El último día que me verás’–, y “redisfrutar” las inventivas recreaciones de otras: los espíritus que se hacen presentes en ‘¿Qué clase de animal?’ o ‘Mi anestasia’; el banjo de ‘Saariselkå Stroll’; las alegres palmas en ‘Ricardo ardiendo’; o el formato dark country –aquí sí que es muy ‘American Recordings’– de ‘Qué condenadamente negra’ o ‘Mis huesos son para ti’ justifican la existencia de este disco.

Pero, además de para aquellos, se percibe también en el carácter de glosario de este largo una vocación tanto didáctica como reivindicativa hacia nuevas generaciones, que no conocieron los discos de Alfaro en su momento y necesitan –aunque no lo sepan– un punto de partida, un volumen de “1º de Alfarismo” para poder empezar a tirar del hilo. En ese sentido, sí veo en ‘Sangre en los surcos’ la conexión con las “American Recordings” que, para muchos, supusieron nuestra forma de engancharnos y comprender a Johnny Cash. Si alguien quiere adentrarse en el vasto y rico universo de uno de los mejores autores en la historia del pop rock en español, esta puede ser la mejor forma de empezar.

Fernando Alfaro presentará ‘Sangre en los surcos’ en formato «dark folk trío» en distintas fechas. Las próximas son el 7 de abril en la Sala Clandestino de Albacete, el 12 de abril en la Sala 0 (Palacio de la Prensa) de Madrid y el 28 de abril en La [2] de Apolo, en Barcelona.

Calificación: 8,1/10
Lo mejor: ‘Dominó’, ‘Sangre en los surcos’, ‘¿Qué clase de animal?’, ‘Trozos que un día’, ‘Gente abollada’
Te gustará: tanto si conoces bien el universo de Alfaro como si deseas adentrarte en él por primera vez.
Escúchalo: Spotify

A ’50 Shades Darker’ se le escapa el Razzie a peor película del año, pero araña el de peor secuela y peor actriz secundaria

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‘The Emoji Movie’ ha sido la gran «ganadora» de los Razzies a lo peor del año al hacerse con el premio a peor película y peor director, entre otros. La gran «derrotada» podríamos interpretar por tanto que era ‘Fifty Shades Darker’, pero la segunda parte de la saga ‘50 sombras de Grey‘ ha podido arañar el premio a peor película y el premio a peor actriz secundaria para Kim Basinger. Entre lo peor del año también encontramos a Tom Cruise y Mel Gibson, lo cual significa que Javier Bardem se ha quedado con las manos vacías, pese a estar nominado a peor actor secundario por ‘Mother!‘ y «Piratas del Caribe».

Bajo estas líneas podéis encontrar el «palmarés» vía Cadena Ser, destacando la divertida categoría de peor dueto, donde encontrábamos, por ejemplo, a Johnny Depp y su papel de borracho, aunque al final la ganadora ha vuelto a ser ‘The Emoji Movie’.

PEOR PELÍCULA
“Baywatch”
“The Emoji Movie”
“Fifty Shades Darker”
“The Mummy”
“Transformers: The Last Knight”

PEOR ACTRIZ
Katherine Heigl, “Unforgettable”
Dakota Johnson, “Fifty Shades Darker”
Jennifer Lawrence, “Mother!”
Tyler Perry, “Boo! 2: A Madea Halloween”
Emma Watson, “The Circle”

PEOR ACTOR
Tom Cruise, “The Mummy”
Johnny Depp, “Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales”
Jamie Dornan, “Fifty Shades Darker”
Zac Efron, “Baywatch”
Mark Wahlberg, “Daddy’s Home 2” & “Transformers: The Last Knight”

PEOR ACTOR SECUNDARIO
Javier Bardem, “Mother!” y “Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales”
Russell Crowe, “The Mummy”
Josh Duhamel, “Transformers: The Last Knight”
Mel Gibson, “Daddy’s Home 2”
Anthony Hopkins, “Collide” & “Transformers: The Last Knight”

PEOR ACTRIZ SECUNDARIA
Kim Basinger, “Fifty Shades Darker”
Sofia Boutella, “The Mummy”
Laura Haddock, “Transformers: The Last Knight”
Goldie Hawn, “Snatched”
Susan Sarandon, “A Bad Moms Christmas”

PEOR DÚO EN PANTALLA
Cualquier combinación de dos personajes, dos juguetes sexuales o dos posiciones sexuales, «50 Shades Darker”
Cualquier combinación de dos humanos, dos robots o dos explosiones, “Transformers: The Last Knight”
Dos emojis desagradables, “The Emoji Movie”
Johnny Depp y su interpretación de borracho, “Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales”
Tyler Perry y su peluca o vestido, “Boo! 2: A Madea Halloween”

PEOR REMAKE O SECUELA
“Baywatch”
“Boo! 2: A Madea Halloween”
“Fifty Shades Darker”
“The Mummy”
“Transformers: The Last Knight”

PEOR DIRECTOR
Darren Aronofsky, “Mother!”
Michael Bay, “Transformers: The Last Knight”
James Foley, “Fifty Shades Darker”
Alex Kurtzman, “The Mummy”
Anthony Leondis, “The Emoji Movie”

PEOR GUION
“Baywatch”
“The Emoji Movie”
“Fifty Shades Darker”
“The Mummy”
“Transformers: The Last Knight”

Las canciones del setlist de la gira de Operación Triunfo

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Esta noche comienza la gira de Operación Triunfo, que llevará a los 16 concursantes por varios recintos de todo el país. La primera cita será en el Palau Sant Jordi de Barcelona y gracias al ensayo que se ha producido con miles de fans y medios asistentes como Vertele, ya se han conocido las canciones del setlist, casi 40 pistas con algunos de los momentos icónicos de esta edición que se vieron en el programa especial final (‘Lo malo’ de Aitana War, ‘Tu canción’, ‘Shape of You’, ‘City of Stars’…) y muchas de las que faltaron y muchos de sus seguidores reivindicaban (‘A-YO’ de Lady Gaga, ‘La bikina’). No faltarán ni ‘A quién le importa’ ni ‘La revolución sexual’ como podéis ver bajo estas líneas.

La gira también ha sido noticia porque en el backstage a algún lumbreras se le ha ocurrido poner una PlayStation en el camerino de los chicos, y en el de las chicas, no. Amaia Romero ha protestado contra esta circunstancia a través de un Instagram Stories de Ricky, indicando que ellas tenían «un espejo». «Los chicos en su camerino tienen tele con Play y nosotras no tenemos una mierda». «¿Y vosotras qué tenéis?», repreguntaba Ricky. «Un espejo, ¿se puede ser más triste?».

Os dejamos con las canciones preparadas y con el vídeo de Amaia.

Grupales
Camina
La revolución sexual
A quién le importa
I’m Still Standing

Amaia
Miedo
Shake It Out
City Of Stars – Amaia y Alfred
Con las ganas – Amaia y Aitana
Todas las flores – Amaia y Ana Guerra
Tu canción – Amaia y Alfred
Shape Of You – Amaia y Roi

Aitana
Chandelier
Issues
No puedo vivir sin ti – Aitana y Cepeda
Con las ganas – Aitana y Amaia
Lo malo – Aitana y Ana Guerra

Miriam
Invisible
What About Us
Euphoria – Miriam y Thalía

Alfred
Que nos sigan las luces
City Of Stars – Alfred y Amaia
Tu canción – Alfred y Amaia
Don’t Dream It’s Over – Alfred y Marina

Ana Guerra
La Bikina
Lo malo – Ana Guerra y Aitana
Todas las flores – Ana Guerra y Amaia
Don’t You Worry About A Thing – Ana Guerra y Mimi

Agoney
Eloise
Manos vacías – Agoney y Raoul
Symphony – Agoney y Nerea

Roi
Heaven
Shape Of You – Roi y Amaia

Nerea
Quédate conmigo
Symphony – Nerea y Agoney

Cepeda
Say You Won’t Let Go
No puedo vivir sin ti – Cepeda y Aitana

Raoul
Million Reasons
Manos vacías – Raoul y Agoney

Mireya
Ni un paso atrás
Madre tierra – Mireya y Ricky
Corre – Mireya y Juan Antonio

Ricky
Let Me Entertain You
Madre tierra – Ricky y Mireya

Marina
The Voice Within
Don’t Dream It’s Over – Marina y Alfred

Thalía
Cenizas
Euphoria – Thalía y Miriam

Juan Antonio
A puro dolor
Corre – Juan Antonio y Mireya

Mimi
A-YO
Don’t You Worry About A Thing – Mimi y Ana Guerra

Este es el orden según RTVE:

1. I’m still standing – TODOS
2. Let me entertain you – RICKY
3. Todas las flores – AMAIA y ANA G.
4. ¡Corre! – MIREYA y JUAN ANTONIO
5. The voice within – MARINA
6. What about us – MÍRIAM
7. A puro dolor – JUAN ANTONIO
8. Don’t you worry ‘bout a thing – ANA y MIMI
9. Don’t dream it’s over – ALFRED y MARINA
10. Manos vacías – RAOUL y AGONEY
11. Quédate conmigo – NEREA
12. Miedo – AMAIA
13. Con las ganas – AITANA y AMAIA
14. Euphoria – THALÍA y MÍRIAM
15. Million reasons – RAOUL
16. Symphony – NEREA y AGONEY
17. Cenizas – THALIA
18. Madre tierra – RICKY y MIREYA
19. Issues – AITANA
20. No puedo vivir sin ti – AITANA y CEPEDA
21. Say you won’t let go – CEPEDA
22. Ni un paso atrás – MIREYA
23. A-YO – MIMI
24. A quién le importa – TODOS
25. Heaven – ROI
26. Shape of you – AMAIA y ROI
27. Eloise – AGONEY
28. Invisible – MÍRIAM
29. Que nos sigan las luces – ALFRED
30. Shake it out – AMAIA
31. City of stars – AMAIA y ALFRED
32. La Bikina – ANA
33. Chandelier – AITANA
34. Lo malo – ANA y AITANA
35. Camina – TODOS
36. Tu canción – AMAIA y ALFRED
37. La revolución sexual – TODOS

La Canción del Día: el bromance ‘Me and Michael’ es lo más pop que han hecho MGMT desde ‘Kids’

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Es una pena que los resultados comerciales del nuevo disco de MGMT, ‘Little Dark Age‘, estén siendo tan malos, porque en muchos sentidos, el álbum recupera el espíritu pop que su música había esquivado deliberadamente desde que se acabó la promoción de ‘Time to Pretend’ y ‘Kids’, canciones ambas tradicionalmente maltratadas o ignoradas en sus giras posteriores.

Y después de ‘Congratulations’, para algunos de sus fans su cima creativa, y del curioso ‘MGMT’, el grupo ha vuelto con algunos de los sencillos más inmediatos que ha grabado. Entre ellos está ‘Me and Michael’, que se presentaba justo antes de la edición del disco, pero que por su capacidad contagiosa -se ha dejado caer un par de veces entre los virales de Spotify-, quizá debería haber llegado antes del tema titular, de ‘Hand It Over‘ y de ‘When You Die’. Además, acaban de presentarla en la tele, en el programa de Stephen Colbert, como podéis ver bajo estas líneas.

La canción se inspira en el italo disco ochentero con resultados más explosivos que el último disco de Phoenix, con el estribillo más reluciente que se recuerda a cualquiera de las dos bandas en al menos un lustro. La letra parece la culminación de todo un “bromance” que no puede dejar de recordar al himno gay de Franz Ferdinand, que de hecho también se llamaba ‘Michael’. MGMT han revelado en entrevista con la revista Q que la canción iba a llamarse “Me and my girl” pero a Andrew VanWyngarden le pareció “demasiado aburrido”, por lo que decidió cambiar a “su chica” por un chico, “Michael”.

El vídeo, en el que ya ahondamos, es la habitual fantasía de humo 100% MGMT: muestra cómo descubren esta canción, en el vídeo original de la banda filipina True Faith (guiño a New Order) y entonces, asegura la nota de prensa: “MGMT deciden grabarla como propia llevando a un éxito sin precedente a la banda, seguido de una gran caída cuando les acusan de plagio”. El final es para verlo.

Mientras la línea de guitarra referencia el indie pop ochentero de The Smiths y algunas de las voces y teclados tratados a Pet Shop Boys o Depeche Mode a finales de los 80, la letra es tan mónguer como cabría esperar: “en todas partes, estamos Michael y yo / Bombas imaginarias cayendo de las nubes / Parece que los signos de peligro no dejarán morir los sentimientos / cuando todos los mejores y los más brillantes hayan desaparecido”.


El físico importa: Christina Rosenvinge, a punto de agotar los vinilos de ‘Un hombre rubio’

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Recuperamos la sección «El físico importa» en la que destacamos ediciones físicas que merecen la pena. Christina Rosenvinge actúa hoy sábado 3 de marzo en Joy Eslava de Madrid para presentar las canciones del excelente ‘Un hombre rubio‘. La cantante ha anunciado que no habrá vinilos de ‘Un hombre rubio’ disponibles hoy a la venta en el tenderete habitual de esta sala, pues se han agotado. A falta de que El Segell decida si hace una nueva tirada de vinilos o no, no se distribuirán más. Eso significa que en algunas tiendas puede quedar alguno, lo que esté distribuido ya, pero una vez terminado ese stock, no habrá más, al menos durante una larga temporada.

Que el disco se haya agotado en apenas un par de semanas no es una sorpresa mayúscula: Christina Rosenvinge ha cuidado con muchísimo mimo la edición física de sus últimos discos tanto en su etapa en Warner como ahora en El Segell. El vinilo es de color dorado en honor al «rubio» del título de este disco en el que la artista, partiendo de un homenaje a su padre muerto, toma la postura de un hombre (rubio) para hablar de los roles de género (algo muy claro en ‘La flor entre la vía’) o para posicionarse como un «crooner» con el que siempre había soñado ser.

El vinilo incluye un libreto desplegable (en la imagen) en el que encontramos las letras y, tras ellas, una instantánea de Christina y otra de su padre. En el reverso, hay un collage entre Christina y su padre realizado por Susana Blasco sobre la foto restaurada por Jorge Rosenvinge (sí, el de ‘Jorge y yo’ de ‘La joven Dolores’, hermano de Christina). El CD a la venta aparte también incluye este encarte, si bien lógicamente en versión más reducida. Fnac.es ha estado vendiendo, solo a través de la web, discos firmados por la artista, lo que seguramente haya contribuido al éxito de este disco en formato físico, alcanzando el puesto 13 de la lista española de ventas.