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La canción del día: Fernando Alfaro vence a la muerte (y a la monotonía) en ‘Dominó’

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Fernando Alfaro, responsable de algunos de los mejores discos que se han hecho en el país durante los últimos 30 años, tanto al frente de Surfin’ Bichos como de Chucho como en solitario, tiene un nuevo largo preparado para publicar el próximo 23 de febrero, ‘Sangre en los surcos’. El primer single de este disco se llama ‘Dominó’ y fue un regalo para sus seguidores el pasado 5 de enero.

Este primer single desde luego no tiene nada que ver con ‘Velero’ ni con ‘Camisa hawaiana de fuerza’, y por el contrario muestra una faz mucho más áspera. La canción arranca, para empezar, casi a destiempo, con la voz de Alfaro entrando como una centésima de segundo tarde, reforzando la crudeza de la historia que narra. Como ya sucediera en ‘Extintor de infiernos’, el autor recuerda sus días de enfermedad, en los que pensaba que iba a morir, y cómo los afrontó retirándose al campo, recuperando dominó, perro y bastón familiares, pese a contar con tan solo 26 años. Su letra fue colgada hace un par de semanas.

La segunda estrofa revela cómo un viejo termina dando una paliza a sus atracadores («y además los atracó»), probablemente como metáfora de cómo Alfaro ha vencido a la muerte («ahora el tiempo ya pasó y aún estoy vivo, y mi perro ya murió y yo estoy vivo»), si bien la gran victoria de la canción es su capacidad para tocarnos la patata mucho más de lo que parecía en las primeras escuchas y sin los efectismos de canciones similares. Aquí los trucos son solo dos -dejando lo directo de la letra aparte-: el brillante cambio de acordes a la llegada del estribillo y ese arreglo de teclado tan sutil, emergiendo tan solo en el minuto final, en el segundo estribillo. Otra maravilla de Alfaro y van…

L’Impératrice pueden ser las nuevas estrellas francesas

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Francia lleva décadas alimentando la música popular, no siempre de una manera genuina y propia, pero sí inconfundible y muy influyente. Entre las numerosas nuevas propuestas que el panorama francés nos está deparando últimamente –Papooz, Agar Agar, Vendredi sur Mer, Polo & Pan…– hoy destacamos a L’Impératrice.

Este ambicioso nombre esconde en realidad a un grupo que comanda el músico Charles de Boisseguin y que lleva en activo desde 2012, cuando publicaron un primer EP homónimo en el que ya establecían sus pautas sonoras principales: música bailable pero elegante, arreglos exquisitos con querencia retro-funk y jazz y aspiraciones cinematográficas. Una propuesta que dejó atrás el rap esporádico y se adentraba en territorios propios de Air o los Daft Punk más paisajistas en ‘Sonate Pacifique’ (EP, 2014), con algún pasaje de pop folk a lo Kings of Convenience, si bien en ‘Vanille Fraise’, su canción más escuchada hasta la fecha (casi 5 millones de streamings en Spotify, más 3 de su cachondo vídeo en Youtube, son poca broma), adoptaban desde un prisma fresco la sampledelia de The Avalanches o Étienne De Crécy.

Ya en 2015 L’Impératrice ampliaban su formación con la presencia de Fleur, una vocalista proveniente de la escena parisina del jazz que ampliaba los registros en ‘Odysée’ (EP, 2015), como unos Yelle despojados de estridencia. Tras un par de años de singles esporádicos y de maduración, a finales de 2017 L’Impératrice anunciaban al fin la publicación de su primer álbum de estudio: ‘Matahari’, producido por Renaud Létang (Feist, Gonzales, Keren Ann, Mocky), verá la luz el próximo día 3 de marzo. Sus primeros adelantos, entre los toques jazz-funk del corte titular recién estrenado, la fascinación retro-electrónica de ‘Là-haut’ o el electropop con melodías 60s de ‘Erreur 404’, ya hacen vaticinar el posible nacimiento de unas nuevas estrellas del pop francés más exquisito.

La editora de Radiohead niega la demanda a Lana del Rey y la petición del 100% de ‘Get Free’

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El parecido entre ‘Get Free’, el tema que cierra el último disco de Lana del Rey, y ‘Creep’, de largo la canción más exitosa de Radiohead, parece no haber llegado a los tribunales al contrario de lo que leíamos este fin de semana. La noticia saltaba a través de un tabloide, pero era la misma Lana del Rey la que acudía a las redes sociales para asegurar que la denuncia existía y que el equipo de Radiohead la estaba atosigando para quedarse con el 100% de los derechos de ‘Get Free’, cuando ella había ofrecido una co-autoría del 40%. «Aunque sé que mi canción no se inspiró en ‘Creep’, Radiohead creen que sí y quieren el 100% de la publicación», aseguraba.

Ahora un representante de Warner/Chapell ha hablado como editora de Radiohead para negar que haya denuncia alguna. «Es verdad que estamos en conversaciones con los representantes de Lana del Rey desde agosto del pasado año. Está claro que las estrofas de ‘Get Free’ usan elementos musicales de las estrofas de ‘Creep’ y hemos pedido que esto se reconozca en favor de los autores de ‘Creep’. Para que quede claro, no hay demanda y Radiohead no han dicho que «solo aceptarán el 100%» de la publicación de ‘Get Free'».

¿Quién miente o manipula la información, pues? Radiohead no publicaron en Warner/Chapell como discográfica ‘Pablo Honey’, sino en Parlophone Records (parte de EMI). Recordando lo mal que acabaron con EMI y lo mal que acabó la propia EMI (se la compró Universal, pero Warner adquirió Parlophone), seguramente haya un grave problema de comunicación entre grupo, discográfica y editora encargada de gestionar los derechos de la canción (y también entre los responsables de Lana, muy poco hábiles consintiendo que el tema llegue, visiblemente manipulado, a Twitter).

Y es que solo hay que irse a octubre de 2015 para recordar que Radiohead denunciaron a su propio ex sello Parlophone por desajustes en los beneficios de las descargas de sus primeros trabajos. En 2016, el catálogo del grupo pudo pasar a manos de XL Recordings, su último y actual sello tras la autoedición de ‘In Rainbows’, si bien parece que los derechos como editora de las viejas canciones siguen perteneciendo a Warner como editora.

The Weeknd rompe con H&M tras un anuncio racista; la marca retira spot y prenda

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The Weeknd, que ha colaborado con H&M en el pasado, desfilando para ellos en 2017 o incluso contribuyendo a sus diseños bajo la marca XO, ha anunciado esta semana que no volverá a trabajar con la marca tras topar con un anuncio de la compañía en el que podía verse a un niño negro portando una sudadera en la que podía leerse el eslogan «Coolest Monkey in the Jungle» («el mono más guay de la jungla»). Esto escribía Abel Tesfaye: «Me he levantado esta mañana y he sentido mucha vergüenza y me ha impresionado esta foto. Me siento profundamente ofendido y no trabajaré más con H&M».

Tras la polémica generada, H&M ha emitido un comunicado: «Pedimos sinceras disculpas por ofender a la gente con esta imagen. Creemos en la diversidad e inclusión en todo lo que hacemos, por lo que revisaremos nuestra política interna para evitar que esto se repita en el futuro». Además, un representante ha respondido a Pitchfork yendo más allá: «Comprendemos que mucha gente esté molesta con esta imagen. Todos los que trabajamos en H&M solo podemos estar de acuerdo. Sentimos muchísimo que esta imagen se haya hecho, y también difundido. Por tanto, no solo vamos a retirar la imagen de todos los canales, sino también la prenda a nivel global. Es obvio que nuestras rutinas no se han seguido de manera apropiada. Sin duda. Vamos a investigar lo que ha pasado para impedir que este error vuelva a suceder».

Entre los artistas que se sumaban a las quejas de The Weeknd, estaba Questlove, que afirmaba estar seguro de que una disculpa se avecinaba, como así ha sido.

Jack Antonoff y Lena Dunham han roto

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Lena Dunham y Jack Antonoff, más conocido como Bleachers y también por ser parte de los más exitosos todavía fun., han roto. El nombre de Jack Antonoff es uno de los que más ha sonado en el mundo del pop en 2017 después de haber ejercido de co-autor y/o co-productor de discos tan importantes en críticas y ventas como ‘Melodrama’ de Lorde, ‘MASSEDUCTION’ de St Vincent y ‘reputation’ de Taylor Swift. Además, con su propio proyecto Bleachers alcanzaba una considerable relevancia. Para nuestra redacción, ‘Don’t Take the Money’ fue una de las mejores canciones de 2017.

Jack Antonoff había además hablado con naturalidad en las entrevistas promocionales de cómo él y Lena Dunham, que el año pasado presentaba el final de ‘Girls’, llevaban su relación en medio de la fama. En cierta ocasión ella escribió un artículo llamado «novio judío o perro» bromeando sobre su ascendencia y generando cierta polémica, algo que él excusaba asegurando que ambos se respetaban profundamente. “Los dos confiamos en el proceso creativo del otro, y nunca nos dejamos mal, a la vez que seguimos creyendo en la idea de que tenemos que escribir sobre lo que sentimos. Nunca le pediría no escribir algo, pero también confío totalmente en que nunca me deje en una posición rara. Escribamos canciones o guiones de televisión, hay una comprensión mutua”, decía en 2015.

Según una fuente ha indicado a E! News, la separación ha sido de mutuo acuerdo, pues ambos simplemente se han distanciado, y se desean lo mejor el uno al otro. Sus representantes han confirmado la ruptura, que se produce 5 años después, casi 6 como puede comprobarse en esta foto de Instagram, de que empezaran a salir.

5 years today ❤️ what a fucking glorious ride!

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Playlist semanal actualizada: Bowie, Breeders, Belle & Sebastian, David Byrne, Car Seat Headrest…

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Actualización 9 de enero: sumamos a nuestra playlist de novedades del viernes pasado una decena de canciones que se han editado desde entonces: el regreso de The Breeders, el de David Byrne extraído de su próximo disco, el tema que hoy han sacado Black Eyed Peas, un nuevo single de Franz Ferdinand, ‘Princesas’ de Ladilla Rusa, un tema del próximo EP de Belle & Sebastian, una nueva demo de Bowie coincidiendo con su cumpleaños, y los protagonistas de nuestro último Revelación o Timo, L’Impératrice. También el excelente ’Nervous Young Inhumans’, un atractivo rework del tema que Car Seat Headrest editaba en 2011.

Actualizamos nuestra playlist de novedades semanales «Ready for the Weekend», en la que sin duda el rey es Justin Timberlake, estrenando single justo la primera semana del año, intentando emular la estrategia (y el éxito) del año pasado Ed Sheeran con ‘Shape of You’, aunque evidentemente va a estar complicado siquiera acercarse.

También presentan canción de los discos que editarán este año Fernando Alfaro, MGMT, The Vaccines o The Go! Team. Además, incluimos nuevos singles de gente como Rae Morris, Rita Ora (ahora junto a Liam Payne), Joan As Police Woman, Mikel Erentxun, Fetty Wap, cupcakKe o Black Rebel Motorcycle Club. Hay una versión primigenia de esa obra maestra de Fleetwood Mac llamada ‘Landslide’, con motivo de la reedición de ‘Fleetwood Mac’. También hay nuevas versiones de temas de The Shins, Noah Cyrus o Pavvla, quien saca disco de demos.

En días pasados, los primeros de 2018, os hemos hablado de los sencillos nuevos de Superorganism, Charli XCX mezclando y cantando sobre Wolf Alice, Kendrick Lamar con SZA, Charlie Puth vs Boyz II Men, Bruno Mars vs Cardi B, Titus Andronicus o Børns con Lana del Rey. Naturalmente, todos están aquí. Entre las versiones, una de las que más ha dado que hablar esta semana, la de Amaia Romero de Florence and the Machine, y una de ‘Halo’ de Beyoncé de Jono McCleery.

The Breeders anuncian su primer disco en 10 años y estrenan single

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The Breeders actuaban recientemente en Madrid por sorpresa, y el grupo de Kim Deal vuelve a sorprender hoy también anunciando nuevo disco, su primero en 10 años. ‘All Nerve’ se publica el 2 de marzo a través de 4AD y se presenta ahora con el tema titular, un número de rock crudo que encantará a los fans de toda la vida. El disco incluye además otro single anterior, ‘Wait in the Car’.

‘All Nerve’ se ha grabado entre Dayton (Kentucky), Chicago y Dayton (Ohio) con la formación original de The Breeders y saldrá en CD, vinilo negro, en una edición limitada en vinilo naranja solo para tiendas de discos independientes, y en formato digital. 4AD ofrece a sus socios añadir a la compra de ‘All Nerve’ la nueva edición del 7″ de ‘Wait in the Car’, que viene con una versión de ‘Joanne’ de Mike Nesmith.

La colaboración estrella de ‘All Nerve’ es de Courtney Barnett, autora de uno de los mejores discos de 2015, que hace coros en la pista 7, ‘Howl at the Summit’.

‘All Nerve’:

01 Nervous Mary
02 Wait in the Car
03 All Nerve
04 MetaGoth
05 Spacewoman
06 Walking with the Killer
07 Howl at the Summit
08 Archangel’s Thunderbird
09 Dawn: Making an Effort
10 Skinhead #2
11 Blues at the Acropolis

Black Eyed Peas vuelven a sus inicios para rapear sobre racismo en ‘Street Livin’

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Black Eyed Peas han vuelto a sus inicios, tanto que ahora mismo son un trío, sin Fergie. Este regreso a las raíces se materializa hoy en un nuevo single de hip-hop clásico titulado ‘Street Livin’ que, lejos de los ritmos electro-pop de ‘I Gotta Feeling’, podría haber aparecido en el primer disco de Black Eyed Peas o, si usamos un ejemplo más reciente, en el último disco de Jay-Z.

‘Street Livin’ habla del racismo en Estados Unidos, de manera especialmente directa en frases como “hay más negros pudriéndose en las prisiones ahora mismo, de los que hubo recolectando algodón” o menciones al Ku Kux Klan. El grupo escribe: “El complejo industrial penitenciario. La inmigración. La violencia con armas. La brutalidad policial. Estos problemas son cruciales para nuestras familias, amigos, comunidades, y para el mundo”.

El vídeo de ‘Street Livin’ presenta a los integrantes de Black Eyed Peas -will.I.am., Taboo y apl.de.ap- “dando vida” a imágenes históricas del racismo en Estados Unidos. Vemos, por ejemplo, la cara de will.I.am. pegada a un retrato de Malcolm X o al cuerpo de un esclavo.

Black Eyed Peas publicaron su último disco en 2011, aunque en 2015 presentaron un single como trío titulado ‘Yesterday’ cuyo videoclip se parecía al actual. Esperemos que nadie les acuse de plagio esta vez.

Arranca la X Edición de los Premios MIN: descubre todas las fases

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Los Premios MIN, que a lo largo de los últimos 10 años (antes se conocían como UFI) se han celebrado premiando a los artistas que desarrollan sus carreras en la independencia al margen de las multinacionales, arrancan hoy su nueva edición. Los artistas y profesionales de la industria musical podrán presentar sus candidaturas del 9 al 19 de enero a través de la web www.premiosmin.com. JENESAISPOP forma parte de los medios colaboradores de esta edición, que culminará en una ceremonia el próximo 14 de marzo.

Los Premios MIN, en su momento creados como respuesta a los extintos Premios Amigo y a los Premios de la Academia de la Música, se han consolidado poco a poco como una de las citas imprescindibles de la música española, reconociendo la labor de artistas como Vetusta Morla, Triángulo de Amor Bizarro o Gata Cattana. Sus galas han sido presentadas por personajes tan variados como Zahara, Anne Igartiburu o el equipo de El Mundo Today.

¿Cuál es el proceso que nos espera este año? Desde hoy y hasta el 19 de enero se abre el proceso de inscripciones para los artistas. Podrán presentar su candidatura todos aquellos artistas con grabaciones (álbumes, EPs o singles) publicadas en 2017 a través de sellos independientes o autoeditadas. También se pueden presentar videoclips y directos realizados en 2017. El proceso de inscripción es gratuito y se realiza a través de la web www.premiosmin.com.

En esta décima edición se concederán premios a los mejores álbumes de pop, rock, músicas del mundo y fusión, jazz, hip hop y músicas urbanas, flamenco, electrónica y clásica. Los premios más destacados incluyen el mejor álbum del año, la mejor canción, el mejor directo, el mejor artista, el mejor artista emergente y el mejor artista internacional. No faltarán los mejores álbumes en catalán, euskera y gallego, ni los premios al videoclip, a la producción musical y al diseño. Se entregará también el premio honorífico Mario Pacheco que reconoce la contribución de una persona o institución a la música independiente.

El público podrá votar a partir del 29 de enero entre todo lo presentado, para seleccionar a 30 semifinalistas. Un jurado del que forma parte JENESAISPOP determinará 5 nominados. Los nombres de los ganadores se desvelarán en la ceremonia de entrega de premios que tendrá lugar el 14 de marzo en el Teatro Circo Price de Madrid.

Cerrada la fecha en que se conocerá al concursante de OT que irá a Eurovisión

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Como cada lunes, esta noche ha habido gala de Operación Triunfo (resumen: Nerea se ha ido, Ana Guerra y Roi están nominados) y entre las noticias destacadas que ha dejado el programa está la fecha de selección del representante de España en Eurovisión, que como se sabe saldrá del panel de concursantes del talent, como ocurrió en las primeras tres ediciones del formato en TVE.

La fecha escogida es el 29 de enero, esto es, dentro de tres semanas. Para entonces quedarán solo cinco finalistas en la Academia, que son los que competirán en la gala especial que tendrá lugar en la fecha mencionada. Los concursantes competirán con una canción propia en español que conocerán el 23 de enero y que estará compuesta para ellos “por autores de prestigio”.

Naturalmente, será el público de Operación Triunfo el que escogerá al representante de España en Eurovisión a través de votación popular, como confirmaba Roberto Leal anoche durante el programa. Por lo que las apuestas ya están abiertas: ¿será Amaia, la favorita del público, quien acuda a Lisboa? ¿Aitana, también de las favoritas? ¿Dará la sorpresa Roi?

Nada se sabe de los compositores involucrados en las canciones que competirán por ir a Eurovisión, pero cabe recordar que entre el panel de profesores de la Academia se encuentra Guille Milkyway de La Casa Azul, quien ya compitió en su momento por participar en el festival.

Ballena / Navarone

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Los malagueños Ballena vienen para recordar, como sucedía recientemente con MissDandy, que tampoco debe haber «ageism» en la música alternativa de nuestro país y que para ser una de las bandas revelación del momento no hace falta tener 20 años. En su caso, su presencia en otros grupos de nuestro país como los lejanos Cecilia Ann, grupo en el que ejerció de bajista el cantante Miguel Rueda, les ha servido para llegar a este proyecto que tanto les ha ilusionado con una considerable experiencia en el estudio e incluso en la carretera.

Esa experiencia se nota en este buen debut coproducido por ellos mismos en el que refulgen la potencia de las baterías, que se quedan algunas de las partes clave del single ‘El policía del estilo’, la variedad de las guitarras que pueden moverse entre lo acuoso y lo ochentero a lo The Police (como sucede dentro de la misma ‘Trío de Pedernal’) y sobre todo en los coros. Como consecuencia de que los tres miembros de Ballena han ejercido de bajistas o guitarristas, es decir, de secundarios en otras formaciones, están acostumbrados a armonizar y a hacer coros, y estos ejercen de gancho en numerosas ocasiones a lo largo del minutaje de ‘Navarone’. Cuando no es un «oooh-oooh-oooh-oooh» es un «y tú y tú y tú», que lógicamente los vincula con Beach Boys, en España Los Brincos o más recientemente Lori Meyers (de hecho Alejandro Méndez ha aportado guitarras en ‘Tropisálida’).

Sin embargo, su gusto por empastar voces no es lo único positivo que encontramos en ‘Navarone’. El disco se abre con todo un trío de ases, como son las mencionadas ‘El policía del estilo’ y ‘Trío de Pedernal’, e inmediatamente después ‘Sagres Mini’. La primera sirve como carta de presentación por su carácter enfermizo y autoparódico, pues su letra es una venganza contra los grupos a los que han envidiado por su éxito. Su vídeo enriquece el tema, pues en él envenenan a sus colegas de Airbag, y también su producción, salpicada de vientos fronterizos. Su estribillo «Dime la verdad, ¿a que son buenas mis canciones? / Déjate llevar por estos cuatro acordes menores / Desaparecí de la escena en los 90 / Tengo que volver / Ahora que soy un gran poeta» se queda contigo desde la primera escucha.

Y lo mismo ocurre con ese ‘Trío de Pedernal’ que, referenciando a Los Goonies Miguel ha dedicado a sus hijos, y la cristalina ‘Sagres Mini’, cautivadora desde su riff de apertura y su dulce «despertar a tu lado», que avanza una canción costumbrista y romántica, de carácter optimista. Son igualmente inmediatas ‘Lolalé’ y ‘Los cañones de Navarone’, que podría llegar a los muchísimos fans con que se han hecho en los últimos tiempos sus compañeros de sello en Subterfuge Viva Suecia, con quienes también comparten al colega Neuman, al que han teloneado.

Después, para la segunda mitad, han dejado las canciones ligeramente más ariscas, con un poso más amargo, como es el caso de ‘De la cadena los favores’. ‘Taxígrafo’ les ha quedado un tanto intensa de más para la divertida historia que oculta (sobre vivir una relación a escondidas de tus amigos, cuando un taxista te pilla mintiendo), pero ‘Tropisálida’ es toda una curiosidad con su flauta travesera, su estructura diferente y su inspiración feminista, sobre una mujer que deja a un marido que no la satisface por un hombre mejor dotado. El álbum se cierra con una melancólica ‘Portugal’ que en medio de su cúmulo de desgracias mantiene el optimismo, algo reforzado por el bonus track ‘Primo Donna’, que remite a Dandy Warhols. No siempre Ballena saben expresar adecuadamente todas las historias que quieren contar, pero lo seguro es que su disco contiene un buen número de canciones con potencial para dar un campanazo en cualquier momento.

Calificación: 7/10

Lo mejor: ‘El policía del estilo’, ‘Trío de Pedernal’, ‘Sagres mini’

Te gustará si te gustan: The Shins, Viva Suecia, los primeros Lori Meyers

Escúchalo: Spotify

Carla Bruni habla de su disco, de Sarkozy y de su vivencia como primera dama en El Hormiguero

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Carla Bruni ha sido la última invitada internacional de El Hormiguero, con motivo de su inminente gira por nuestro país, que la lleva el 10 de enero a Barcelona y el 12 de enero a Madrid. Bruni presenta su nuevo disco de versiones, ‘French Touch’, compuesto por versiones en francés de clásicos del pop anglosajón.

Para sorpresa de nadie, El Hormiguero ha vuelto a realizar una entrevista más o menos polémica, en esta ocasión al considerarse que Motos ha enfocado demasiadas preguntas a la relación de Bruni y Nicolas Sarkozy, antiguo presidente de Francia y con quien Bruni lleva casada desde 2008. Motos ha preguntado a Bruni sobre cómo conoció a Sarkozy -ambos se conocieron en una cena y Bruni ha asegurado que, en cuanto le vio, sintió un “flechazo”- y también sobre su experiencia como primera dama de Francia, sobre la que ha destacado la capacidad que este título le otorga para “ayudar a mucha gente”.

Bruni ha hablado poco de ‘French Touch’, si bien ha interpretado en vivo una porción de su nuevo single, ‘Miss You’, con Motos a la guitarra. También ha dicho que es un disco “de intérpretes”, en el que “se utilizan canciones que ya todos conocemos”. La cantante ha afirmado que la idea de cantar en inglés fue del productor David Foster, quien tras un concierto de Bruni en Los Ángeles le dijo que le gustaba su música, pero que “no entendía” sus palabras.

5 razones para disfrutar de la timba que montan Jessica Chastain y Aaron Sorkin en ‘Molly’s Game’

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Que Aaron Sorkin acabara dirigiendo era cuestión de tiempo. Sus guiones tienen tanta personalidad, son tan reconocibles, que la mayoría de las películas que ha escrito parece que también las hubiera filmado. Salvo el caso de ‘La red social’, donde David Fincher impone su estilo, otras como ‘Algunos hombres buenos’, ‘El presidente y Miss Wade’, ‘La guerra de Charlie Wilson’, ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’ y hasta ‘Steve Jobs’, por mucho que estuviera el efectista Danny Boyle detrás, llevan el sello Sorkin cosido en cada uno de sus fotogramas. Como ocurre también en sus series (‘El ala oeste de la Casa Blanca’, ‘The Newsroom’), los directores acaban siendo aplicados sastres dedicados a bordar sus diseños.

El mejor ejemplo de esto es ‘Molly’s Game’. El debut como director de Sorkin apenas se diferencia en su realización de las películas citadas. La dirección está al servicio del guión. Y menudo guión. Estas son las cinco razones para no perderte esta partida de póquer:

1. Un prólogo tan bueno como el de ‘La red social’. El director pone enseguida las cartas sobre la mesa. En apenas unos minutos, nos presenta a la protagonista, nos da las claves sobre su personalidad, planta la semilla de una excepcional metáfora que utilizará al final, pone en marcha el motor del relato y atrapa la atención del espectador como un alud bajando por una pista de esquí.

2. Otro guión de Oscar. La adaptación del libro de memorias de Molly Bloom (publicado en España por HarperCollins) es un festín para los amantes de la arrolladora prosa del escritor neoyorquino. Dos horas y media de monólogos, saltos temporales, referencias culturales y esgrima verbal que se pasan en un pestañeo. Como es habitual en sus libretos, Sorkin utiliza la biografía de un (anti)héroe moderno (en este caso una heroína) para (psico)analizarla y convertirla en un vehículo de expresión del capitalismo más salvaje.

3. Jessica Chastain. No importa que se le vaya a escapar otra vez el Oscar (este año parece un duelo entre Frances McDormand y Sally Hawkins), su interpretación de la llamada “princesa del póquer” es una de las mejores del año. Solo por recitar las frases de Sorkin a la velocidad que lo hace y sin trabarse merecería todos los premios, pero es que además su interpretación está llena de matices y complejidad psicológica. Puede ser tan resuelta, seductora y decidida, como tierna y comprensiva, o asustada y vulnerable. Da igual, siempre te la crees.

4. La importancia de unos buenos secundarios. Un íntegro abogado de derechos humanos que parece un extraterrestre en el país de Donald Trump (fabuloso Idris Elba), un experimentado jugador de póquer que simboliza el lado más oscuro de este juego (Bill Camp, el auténtico sucesor de George Kennedy), un borracho que comienza sus peroratas con frases que podían ser títulos de novela negra (un eficaz Chris O’Dowd), el personaje-broma del “jugador X” interpretado por Michael Cera (despeja la x con cualquiera de estos célebres jugadores de póquer: Tobey Maguire, Ben Affleck, Leonardo DiCaprio), y un padre tan severo por fuera como angustiado por dentro (Kevin Costner, cada vez más cómodo en este tipo de roles secundarios). Todos juegan en la partida de Chastain. Y todos ganan.

5. Las enseñanzas de Scorsese. Es evidente que a Sorkin le falta experiencia en la dirección, lo que se nota en la mecánica puesta en escena de algunas (pocas) secuencias (sobre todo en las partidas de póquer y cuando los personajes no hablan) y en la sobreexplicación (también pocas) que se da en otras. Pero no se puede decir que sea un director primerizo. Su labor como showrunner en televisión tiene mucho de realizador. En este sentido, su trabajo tras la cámara en ‘Molly’s Game’ es mucho más que correcto. Pone la dirección al servicio del guión y los actores, e imprime dinamismo a las imágenes por medio de un extraordinario montaje que podría haber firmado la propia Thelma Schoonmaker de ‘El lobo de Wall Street’ (de hecho, lo firma uno de sus “herederos”, el montador de ‘La gran estafa americana’). No es un póquer de ases, pero sí un full ganador. 8,3.

10 ocasiones en las que la ya cerrada Interviú fue noticia musical

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Grupo Zeta, una de las principales corporaciones editoriales de nuestro país acaba de anunciar el cierre de dos de las cabeceras más longevas, populares y características de nuestra historia periodística reciente. Se trata de Interviú, revista semanal que se publicaba ininterrumpidamente desde el año 1976, y Tiempo, que comenzó siendo un suplemento de aquella pero que desde 1982 pasó a publicarse individualmente. El cierre de ambas publicaciones se enmarca dentro de un ajuste de Grupo Zeta derivado de las dificultades económicas de Editorial Zeta, empresa del grupo que estaba en pérdidas.

Mientras que la segunda se centraba más en el ámbito de la opinión y el análisis políticos, la primera se centraba en reportajes de investigación alternados con otros en los que mujeres (y algún hombre) aparecían desnudas –en la mayor parte de las ocasiones, posando; otras, como Mercedes Milá, pilladas–. De hecho, la gran repercusión de esta revista a lo largo de las últimas 4 décadas ha estado en sus sonadas portadas, ocasionalmente ocupadas por personajes de desigual relevancia social. Por eso, Interviú ocupó mucha portadas de otros medios a lo largo de su historia, y eso incluye también nuestra publicación. Estas son 10 ocasiones en que esta revista que no olvidarán fácilmente varias generaciones fue noticia en JENESAISPOP.

C. Tangana estrena el vídeo de ‘Lo hace conmigo’
Antes del bombazo de su fichaje multinacional y su actual éxito comercial, el rapero madrileño se las amañaba para dar que hablar, beefs aparte. Y esta fue una de ellas: para sorpresa de todos, Interviú estrenó en exclusiva el clip oficial de su single ‘Lo hace conmigo’.

Alaska rinde tributo a Sara Montiel, Belén Esteban, Ana Obregón, Rocío Jurado…
Una de las artistas más exuberantes y populares del pop estatal difícilmente podía faltar en la selección de portadas del semanario. Olvido quiso rendir tributo en su reportaje para la revista a otras divas que ocuparon la portada de la revista antes que ella imitando, a su manera, aquellas instantáneas. No era, curiosamente, su primera vez: ya posó, aunque vestida, en el año 1986.

Chenoa, estrella del 40º aniversario de la revista
En 2016, tanto Interviú como la cantante mallorquina surgida de la primera edición de Operación Triunfo cumplían 40 años. Por eso parecía una ocasión ideal para situarla en portada, en un intento de promocionar además el que sigue siendo su último disco de estudio, ‘Soy humana’. Eso sí, Chenoa optó por no mostrar su cuerpo del todo.

Najwa Nimri, desnuda en su portada
La actriz y cantante navarra Najwa, en cambio, no dudó en ofrecer un desnudo integral para la portada cuando presentaba su disco ‘Rat Race’ –en cuya cubierta ya aparecía desnuda, por cierto–, además de una buena colección de sonoros titulares como “Los chicos sois unos cerdos y a mí me parece bien”.

Novedades Carminha presentan el primer vídeo musical porno de la historia
Aunque no fue una exclusiva suya, podríamos decir que el hecho de que el videoclip de ‘Ritmo en la sangre’, protagonizado por Amarna Miller y Sylvan y que incluye sexo explícito, llegara a ser noticia en su web pudo ser una primera señal del éxito que hoy ostentan los gallegos.

La China Patino (Cycle) posa en topless
La escena underground de la pasada década en nuestro país tuvo dos iconos sexuales femeninos por antonomasia: La China Patino, del grupo Cycle, y Vinila Von Bismarck –entonces en Krakovia junto a Guille Mostaza, entre otros–. Y la culpa, posiblemente, fue de sus respectivos posados para este semanario.

A Yurena le llevó 12 años decidirse
Tras haber sido etiquetada de freak por sus primeros pasos televisivos, Tamara/Ambar rechazó posar en topless en aquella etapa de popularidad mal llevada y entendida. Sin embargo, ya bajo su definitivo alias artístico, Yurena aceptó la oferta 12 años después.

Auryn posan en calzoncillos
No, no ha sido realmente común ver hombres desnudos en esta revista. Y, cuando lo han hecho, no ha sido con un desnudo integral –como sí ha sucedido con muchas mujeres–. Es el caso también de la boy-band española Auryn, que posaban en recatados conjuntos de camiseta y calzoncillos que, la verdad, no daban nada de juego.

Vicky Larraz “imita” a Marta Sánchez
Una de las portadas más míticas de Interviú fue la de Marta Sánchez cuando era cantante de Olé Olé y de la cual se arrepintió después durante mucho tiempo y le valió una cuantiosa indemnización –aunque 25 años después haya repetido en otro medio y con coartada benéfica–. Curiosamente, la cantante a la que sustituyó en aquel grupo, Vicky Larraz, “imitaba” a Sánchez hace 5 años en un reportaje de esta publicación.

Rebeca reivindica el Orgullo LGTBI y no cierra la puerta a una relación lésbica
La intérprete de ‘Duro de pelar’ sabe bien que uno de sus nichos de relevancia es la vertiente más chochi de los clubs gays y precisamente la celebración del Orgullo LGTBI en 2012 le sirvió como excusa perfecta para mostrar sus mamellas en Interviú. Ya de paso, no cerraba la puerta a la posibilidad de tener sexo con otra mujer.

La Canción del Día: Angel Olsen engalana ‘Burnin´ Up’, avance del nuevo disco de Sonny Smith

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Si el nombre de Sonny Smith no te suena mucho en sí mismo, quizá te haga clic el nombre de su grupo, Sonny & The Sunsets. Por este grupo ha pasado gente tan notable como Kelley Stoltz, John Dwyer (Thee Oh Sees) o Tim Cohen, que han apoyado a Sonny a presentar sus canciones deudoras del pop de guitarras más clásico, en discos como ‘Hit After Hit’, y con querencia country, como en ‘Longtime Companion’.

Aunque no es la primera vez que firma discos bajo su nombre propio –lo hizo en la loca serie ‘100 Records’, cuando escribió y grabó 200 canciones inspiradas en 100 grupos inventados– el de San Francisco ha anunciado su nuevo disco como Sonny Smith en un viraje que denota cierta… ¿madurez? ¡Glups! O, al menos, cierto paso adelante, puesto que se trata de su primer disco en el sello de Dan Auerbach (The Black Keys), que además lo ha producido. Se titula ‘Rod For Your Love’ y se publica el día 2 de marzo, con 10 nuevas canciones entre las que se incluye ‘Burnin´ Up’, que hoy es nuestra Canción del Día.

Se trata de un medio tiempo de arreglos exquisitos y un aire a Lou Reed en lo melódico, coronado por ese estribillo que repite el título de la canción. Una buena canción en la que los coros de su amiga Angel Olsen resultan cruciales, pues el contrapunto de su voz engalana esta canción que Sonny asegura está inspirada, aunque no de manera explícita, por ‘Fast Car’ de Tracy Chapman e ‘I’m On Fire’ de Bruce Springsteen. Olsen también se ha prestado a aparecer en el vídeo oficial para la canción, al que el director Ryan Daniel Browne –también es amigo de Angel y, según ha explicado en Facebook, eso le hizo decidirse a aparecer– ha dado un aire ochentero con esa iluminación de color en bloques que remite a la célebre ‘Drive’ de Nicolas Winding Refn.

David Byrne cuestiona el devenir del mundo en ‘American Utopia’, con Sampha, «Oneohtrix», Jack Peñate…

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David Byrne anuncia hoy su nuevo disco, ‘American Utopia’, que llegará al mercado el próximo 9 de marzo, el mismo mes en el que comenzará un tour mundial que le traerá a nuestro país en dos ocasiones: el 13 de julio actuará en Bilbao BBK Live Festival y el mismo fin de semana a Cruilla Barcelona. Dice que será «el show más ambicioso que ha ofrecido desde los conciertos que fueron grabados para Stop Making Sense», esto es, el film en vivo que entregó con Talking Heads en 1984. El disco, colaboraciones al margen (como la que hizo con St Vincent en un álbum entero) es su primer largo solo desde 2004, cuando editaba ‘Grown Backwards’. Foto: Jody Rogac.

Además ya podemos escuchar una ‘Everybody’s Coming To My House’ que ha co-escrito con Brian Eno y que cuenta con contribuciones de TTY, Happa Isaiah Barr (Onyx Collective) y Sampha, entre otros. El disco está relacionado con su serie ‘Reasons to Be Cheerful’, que recibe su nombre de un tema de Ian Dury, y trata de buscar cosas que «inspiren optimismo». «El disco cuestiona el estado actual de la sociedad al tiempo que ofrece consuelo a través de la música, y el contenido de la serie reconoce la oscuridad y la complejidad del mundo de hoy y ofrece alternativas a la desesperación que nos acecha», dice la nota de prensa.

El listado de colaboradores incluye al productor Rodaidh McDonald (The xx, King Krule, Sampha, Savages), Daniel Lopatin (aka Oneohtrix Point Never), Jam City, Thomas Bartlett y, atención, el desaparecido Jack Peñate. En la amplia nota de prensa, sobre el contenido del largo, David Byrne ha dicho: «¿es irónico? ¿es una broma? ¿va en serio? ¿en qué medida? ¿me refiero al pasado o al futuro? ¿es personal o político? Estas canciones no describen un imaginario o quizá un lugar imposible sino que intentan representar el mundo en el que vivimos. Muchos de nosotros, sospecho, no estamos satisfechos con el mundo que hemos construido para nosotros mismos. Miramos alrededor y nos preguntamos: «¿ha de ser así? ¿no hay otra manera?». Estas canciones son sobre mirar y preguntar». Os dejamos con el tracklist de ‘American Utopia’, que incluye títulos tan prometedores como ‘I Dance Like This’, ‘Dog’s Mind’ o ‘Every Day Is a Miracle’.

1. I Dance Like This
2. Gasoline And Dirty Sheets
3. Every Day Is A Miracle
4. Dog’s Mind
5. This Is That
6. It’s Not Dark Up Here
7. Bullet
8. Doing The Right Thing
9. Everybody’s Coming To My House
10. Here

Franz Ferdinand se meten en la batalla política por la Sanidad Pública británica y estrenan single

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Franz Ferdinand deberían ser noticia, sobre todo, porque están a punto de publicar un nuevo disco. Se trata de ‘Always Ascending’, que ve la luz el próximo 9 de febrero y supondrá su 5º álbum de estudio, el primero desde que en 2013 presentaran ‘Right Thoughts, Right Words, Right Action’ y, también, desde que Nick McCarthy dejara el grupo. Su primer single es el sorprendente corte titular del mismo, y hoy se presenta la versión de estudio del segundo, ‘Feel the Love Go’, bajo estas líneas.

El ahora quinteto de Glasgow ha presentado además otra de sus nuevas canciones, la aún inédita ‘Paper Cages’, en la que el grupo permanece fiel a su estilo aunque con un perfil más reposado, en un programa de la televisión británica. Sin embargo, una polémica política ha salpicado a los escoceses precisamente por esta aparición en la BBC.

Y es que, en este mismo programa, la Primera Ministra británica Theresa May había aparecido –en una intervención en diferido, eso sí– para disculparse por la crisis que vive el Sistema de Salud británico, en el que los recortes de su gobierno han derivado en la posposición de decenas de miles de operaciones para que el personal sanitario pueda hacer frente a una epidemia de gripe que se ha cobrado la vida de 48 personas en dos meses. La cuestión es que el batería del grupo, Paul Thompson, aparecía durante la actuación vistiendo una camiseta con el anagrama del sistema de salud público (“NHS”), en clara defensa del mismo ante esos recortes.

Algunos tuiteros han acudido a la red social para afearles su postura, calificándoles de “elite cultural” que está “aferrada al pasado” o “celebrities politizadas”, a lo que Alex Kapranos ha respondido: “¡Oh! Qué excitante. Me pregunto cuánto tiempo hemos sido parte de la “élite cultural”. Además, si el NHS es algo “del pasado”, me pregunto qué infernal alternativa nos depara el futuro”. Os dejamos también con la mencionada actuación.

Franz Ferdinand han sido confirmados en los carteles de Mad Cool Festival 2018 y Vida Festival 2018.

‘Filthy’ de Justin Timberlake: ¿»indecente de escuchar» o «un grower»?

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Parte de la redacción evalúa ‘Filthy‘, el nuevo single de Justin Timberlake que anticipa su próximo álbum, ‘Man of the Woods‘.

«Me sorprendería mucho que ‘Filthy’ repitiese el éxito de ‘Can’t Stop the Feeling!’, no es tan generalista como aquella ni tiene su rapidez. En cambio, supone un regreso al que quizás fuese el disco más interesante de Justin Timberlake, ‘FutureSex/LoveSounds’, siendo un tema en el que podemos encontrar reminiscencias a George Michael, Bruno Mars (¿no hay un sample de ’24K Magic’?), Jamiroquai e incluso a Muse. El sonido recuerda a ese álbum, y la temática sexual también, con un clip que insiste en este sentido. Y, dicho sea de paso, luego hablamos del reggaeton, pero de Romanek y Timberlake uno espera mejores ideas para hacer un videoclip sexual que un robot masculino metiendo mano a bailarinas semidesnudas. En cualquier caso, es un buen tema, donde destaca especialmente el puente. Inferior a un ‘Mirrors’, un ‘Sexyback’ o un ‘Cry Me a River’, resulta, en cambio, más interesante que su último (mega)hit. Probablemente gane con las escuchas.» Pablo N Tocino.

«Si tomamos como referencia su último hit sonado, ‘Can’t Stop the Feeling!‘, tema principal para la película infantil ‘Trolls‘, este ‘Filthy’ podría tener una suerte inversamente proporcional: si aquella canción entraba muy muy fácil, quizá demasiado, dejando enseguida a la vista su bisoñez y simpleza, el primer adelanto de ‘Man of the Woods’ desagrada de primeras, con ese algo irritante rock épico de manual de su intro que más tarde se repite a modo de puente, y una base pasada de efectos ácidos que afean la, además, escasa melodía de su estribillo. Sin embargo, un estupendo bajo funk que guía la canción y un gran pre-coro son suficientes para hacer de ‘Filthy’, un grower. ¿Habéis probado a escucharla a un volumen «muy alto», como recomienda su portada, por cierto? De acuerdo que esperamos más de Justin Timberlake –desde luego, un mejor gusto en los videoclips–, pero insinuar que su estrella podría estar apagándose… parece precipitado.» Raúl Guillén.

«Pues sí, este ‘Filthy’ es de lo más indecente… de escuchar. Tras un inicio que casi se confunde con los Muse abrazando definitivamente el heavy sinfónico, viene una canción de lo más fea. Una producción metálica antiéstetica, que hace que el tema suene como si alguien estuviera agitando continuamente una plancha flexible de aluminio. A eso hay que sumarle unos efectos que quiebran la línea melódica sin demasiado sentido y, para rematar, las desagradables inflexiones vocales con las que Justin adorna los finales de cada verso. La melodía del puente puede resultar cachonda, pero se ahoga entre un mar de despropósitos. Encima, parece no acabarse nunca, y eso que no llega a los cinco minutos. Da la sensación de que Timberlake pretendía pergeñar algo jaranero y rompedor, pero le ha salido un batiburrillo insoportable.» Mireia Pería.

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Belle and Sebastian bordan el northern soul en ‘The Same Star’

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Como sabréis, el sucesor de ‘Girls In Peacetime Want To Dance‘ de Belle and Sebastian no llegará en un formato tradicional de álbum, sino en un triple EP al estilo de ‘Premeditación, nocturnidad y alevosía’ de La Bien Querida o ‘Body Talk’ de Robyn. Así, en las últimas semanas de 2017 pudimos escuchar al completo las 5 canciones que componen la primera parte de ’How To Solve Our Human Problems’, que incluía el primer avance ‘We Were Beautiful’.

Lo próximo será escuchar la segunda parte de este disco, lo cual ocurrirá a partir del día 19 de enero, pero hoy ya conocemos una más de esas 4 canciones. Se trata de ‘The Same Star’, una deliciosa canción de clara inspiración northern soul en la que la dulce voz de Sarah Martin, con Stuart Murdoch en los coros, nos retrotrae a los primeros álbumes del grupo escocés. Martin también es la autora del tema que ha sido producido por Leo Abrahams, un veterano que ha trabajado con Brian Eno, Paul Simon o David Byrne y, más recientemente, con Wild Beasts o Frightened Rabbit.

En una confusa maniobra, ‘The Same Star’ no es la única canción de ese segundo EP que hemos escuchado, puesto que semanas atrás Belle and Sebastian presentaron ‘I’ll Be Your Pilot’, también incluida en este. El volumen final de ‘How To Solve Our Human Problems’, completando el álbum, verá la luz el 16 de febrero.

Los discos más vendidos de 2017 en todo el mundo

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Como cada año, el site alemán Mediatraffic, que desde hace más de una década realiza una aproximación a una lista global semanal de álbumes más vendidos y canciones más populares, publica su lista con los álbumes más vendidos de 2017 en este caso. Hasta que llegue el informe IFPI oficial dentro de unos meses, con el que suele diferir muy poco, no se conoce aproximación mejor. Además, por primera vez se incluyen puntos de streaming sumando lo que equivaldría a ventas.

Como era de prever, la tabla de 40 puestos está liderada por una diferencia abismal por Ed Sheeran con ‘Divide‘, que se ha quedado a las puertas de superar lo equivalente a 10 millones de unidades. Son 9,7 millones de puntos, casi triplicando al número 2, que ha sido ‘DAMN.’ de Kendrick Lamar, uno de los mejores discos de 2017 para casi todas las publicaciones. En el puesto 3 encontramos ‘More Life‘, un disco que no es un disco sino «una playlist» de uno de los artistas más famosos del siglo, Drake. Ha vuelto a superar los 3 millones de copias/puntos pese a no contar con el respaldo de una edición física y de ningún macrohit tamaño ‘One Dance’.

En el puesto 4 encontramos ‘Reputation’ de Taylor Swift, sobre los 3 millones de copias, y destacan las buenísimas posiciones logradas por ’24K Magic’ de Bruno Mars y ‘Starboy’ de The Weeknd pese a haber sido editados en 2016. El top 10 se completa con dos discos de artistas noveles, los de Rag’n’Bone Man y Post Malone, y uno de veterana, ‘Beautiful Trauma’ de P!nk.

En el resto del top 40 encontramos ‘Evolve’ de Imagine Dragons (puesto 11 con 1,9 millones de unidades), ‘Culture’ de Migos (puesto 14 anual con 1,6 millones), ‘The Thrill of It All’ de Sam Smith (puesto 15 con 1,5 millones), ‘Memories… Do Not Open‘ de Chainsmokers (puesto 17 con 1,5 millones), ‘American Teen’ de Khalid (puesto 18 con 1,4 millones), ‘Harry Styles‘ (puesto 21 con 1,4 millones), ‘Illuminate’ de Shawn Mendes (puesto 22 con 1,35 millones), ‘One More Light’ de Linkin Park (puesto 32 con 1,1 millones) o ‘Grateful’ de DJ Khaled (puesto 34, 1 millón).

Las buenas posiciones, años después, de ‘x’ de Ed Sheeran (número 13 anual) y ’25’ de Adele (número 16 anual) muestran la fidelidad conseguida por ambos británicos. Así queda el top 10:
1.-Ed Sheeran – Divide 9.636.000
2.-Kendrick Lamar – Damn. 3.653.000
3.-Drake – More Life 3.102.000
4.-Taylor Swift – Reputation 2.981.000
5.-Bruno Mars – 24k Magic 2.645.000 (Total: 3.802.000)
6.-The Weeknd – Starboy 2.479.000 (Total: 3.233.000)
7.-Soundtrack – Moana 2.270.000
8.-Rag’n’Bone Man – Human 2.087.000
9.-Post Malone – Stoney 2.073.000
10.-Pink – Beautiful Trauma 1.948.000

Exnovios / Amor Droga

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Los Beatles de ‘Tomorrow Never Knows’ y ‘Dear Prudence’, las armonías vocales de Los Brincos, la densidad noise de The Jesus and Mary Chain, los punteos de The La’s, la querencia americana de los nunca suficientemente valorados Pernice Brothers, los punteos de los R.E.M. de principios de los 90… Las influencias de los navarros Exnovios son claras, quizá demasiado, evidenciando de dónde viene cada detalle de los muchos y variados contenidos en su segundo álbum, ‘Amor Droga’. Sin embargo, esa deuda con los artistas favoritos de los propios artistas nunca fue un problema para que una generación (bueno, ya dos) disfrutaran por ejemplo de la música de Los Planetas, que tanto debía incluso melódicamente a artistas como Slowdive, Magnetic Fields y Étienne Daho; y las canciones de Exnovios, bonitas, vibrantes, inmediatas, encierran las mismas enormes posibilidades comerciales.

Es el caso de ‘Cuántas cosas por hacer‘, una canción trepidante cuyo principal gancho no es la repetición ad nauseam de ningún estribillo, sino la de un riff a la guitarra que aparece de manera recurrente a lo largo de sus 3 minutos y medio de duración. Sí tiene estribillo, y cristalino, el single ‘Llévame a casa’ («por eso llévame a casa / la noche es fría y casi no hay luces ya»), uno de los que dan un claro golpe sobre la mesa para reivindicar el legado de Juan y Junior.

Exnovios, que pueden ser confundidos con un grupo de shoegaze más por el tipo de guitarras y distorsiones que utilizan y por supuesto por el uso de reverb, se distancian de otras propuestas también notables como Odio París acercándose a otros géneros más inesperados. La beatliana ‘Es por ti’ y ‘Buscando un hogar’ cierran como cabía esperar caras A y B respectivamente para ser llamadas cosas como «lisérgicas» y «alucinógenas», pero ‘Sueños y realidad’ se desmarca, por ejemplo, con una ambición electrónica que casi podríamos emparentar con la delicadeza indietrónica de principios de siglo.

Mención especial merece la maravillosa adaptación de la también maravillosa ‘Song for Shelley’ de Jonathan and Leigh (1967), aquí convertida en ‘Canción para Claudia’ con Oihana Herrera de Melenas a los coros (también ha hecho la portada del disco), preciosa en su arpegio de guitarra y destacable de nuevo en sus armonías vocales. «Estoy triste / no me quieres ver» es una de sus frases más sonoras, reincidiendo en el desamor, la soledad y cierto gusto por el drama como temática principal del álbum («por favor, no vuelvas a llamar» es el mantra de la canción inicial, ‘Mi habitación’). Aunque quizá la mejor sea ‘Como Anduriña’, con su aroma americano aportado por la «lap steel guitar» de J’aime. Ya su melodía es una delicia, pero es que su letra habla de una canción «para huir del dolor» y «andar el camino que me aleje de ti»… y eso es lo que termina representando en sí misma. La música suele ser todo un bálsamo para nuestro estado de ánimo y esta composición lo consigue con creces.

Calificación: 7,9/10

Lo mejor: ‘Como Anduriña’, ‘Llévame a casa’, ‘Canción para Claudia’

Te gustará si te gusta: Spacemen 3, Los Brincos, The Beatles, The Raveonettes

Escúchalo: Spotify

Perfume Genius también se rinde ante ‘Los Ángeles’ de Rosalía

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En medio de la controversia por el supuesto apropiacionismo de su propuesta musical y su teórico antigitanismo, que en nuestra web ha contado con discutidos artículos a favor y en contra, ‘Los Ángeles’ sigue recabando apoyos por todas partes. Además de ser elegido como el mejor disco nacional de 2017 por medios como Rockdelux o nosotros mismos –era el 6º mejor para nuestra redacción, que no separa álbumes nacionales e internacionales–, el álbum de debut de Rosalía con producción de Refree ahora puede presumir de estar alcanzando también la sensibilidad de artistas de la talla de Perfume Genius.

Hace unas horas Mike Hadreas ha publicado un mensaje en Twitter diciendo “De verdad, sintiendo profundamente este álbum”, enlazando el clip oficial de ‘De plata’ y refiriéndose evidentemente a ‘Los Ángeles‘. La propia Rosalía le ha respondido agradecida, alabando a su vez las canciones del canadiense. Su último disco ‘No Shape‘ también ha sido uno de los discos del pasado año. Curiosamente, era el puesto número 8 en nuestra lista, dos por debajo del de la barcelonesa. Lo cierto es que no es ninguna quimera que la propuesta post-flamenco de Rosalía pueda tener aceptación más allá de nuestro país, después de que fuera nominada como Artista revelación en los Grammy Latinos 2017 –en cuya pre-gala actuó, versionando a Alejandro Sanz–.

Rosalía compartió días atrás, en medio de la controversia, una playlist que incluía los temas originales que inspiraron la mayor parte de las canciones de ‘Los Ángeles’, con La Niña de los Peines, Manolo Caracol, Manuel Vallejo, Rafael Farina o Enrique Morente, exponiendo sus referentes para que nadie más piense que ella escribía esas letras. Quizá fue, a su manera, su respuesta a esas acusaciones de apropiacionismo antes citadas.

Ladilla Rusa convierten a la «mala vida» a las ‘Princesas’ de los cuentos clásicos

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Ladilla Rusa han sido una de las revelaciones de 2017 con apenas un par de canciones de electropop humorístico –en la estela de Las Bistecs y Ojete Calor–. Primero ‘Macaulay Culkin’, en la que trasladaban el argumento de ‘Solo en casa’, el gran éxito del juguete roto por antonomasia del último Hollywood, a códigos de rumba y gabber; y luego ‘Bebo (de bar en peor)’, una oda etílica caricaturizando el acento de Raffaella Carrá. Puede parecer poco bagaje, pero con ellas no solo se han hecho un nombre en la escena underground, sino que lograron colarse en el exitoso especial Nochevieja de La 2 comisionado por ‘Cachitos de Hierro y Cromo’.

Ahora vuelven a presentar una nueva canción que, aunque también recurre a la guasa como principal leit motiv, supone un cambio de esquema en el plano musical, puesto que se aproxima al punk sintético. Se trata de ‘Princesas’, tema (y vídeo amateur) protagonizado por La Cenicienta, Blancanieves, La Bella Durmiente, Bella o La Sirenita que transforma a las arquetípicas protagonistas de los cuentos clásicos en mujeres “convertidas a la mala vida, echadas a perder”. “Unas trasnochadas, como nosotros”. Así, La Cenicienta pasa de acostarse a las 00:00h porque “va a pillar farlopa” y la Bella ha “quemado el castillo” y “se pira pal Apolo” que le está “dando el monillo”, mientras que en el estribillo cantan a coro que lo único que reconocen de la corona es “la marca de litrona”, puesto que se declaran “republicanas”.

Ladilla Rusa, proyecto en el que “mamarrachean” (en sus propias palabras) los periodistas Tania Lozano y Víctor F. Clarés, culminaron el pasado año un crowdfunding para publicar su álbum de debut ‘Estado del malestar’, que está a punto de ver la luz a través de la etiqueta La Mundial Records.

Celebremos el cumpleaños de David Bowie con la demo inédita de ‘Let’s Dance’

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Hoy, 8 de enero, sería el 71º cumpleaños de David Bowie si el próximo miércoles no se cumplieran dos años desde que nos dejó, víctima de un cáncer. En todo caso, no deberíamos de dejar de celebrar esta efeméride nunca, y mucho menos si, como ocurre hoy –y también el año pasado–, tenemos un inédito suyo a nuestro alcance.

Se trata de una demo inédita de ‘Let’s Dance’, single principal del álbum del mismo título que Bowie publicó en el año 1983 y en el que colaboró con Nile Rodgers, de Chic, que ha aparecido hoy en plataformas de streaming. Y es que, tras la caja recopilatoria centrada en su etapa berlinesa, lanzada poco antes de las pasadas Navidades, posiblemente esta demo forme parte de un nuevo volumen a editar próximamente por Warner.

Nada casualmente este pasado fin de semana La 2 emitió en ‘La noche temática’ el documental ‘David Bowie, Cinco Años’, que documenta con entrevistas y filmaciones de esas épocas cinco periodos cruciales (1971, 1975, 1977, 1980 y 1983) en la carrera del británico. En él –puede verse íntegramente en la web de RTVE– se puede escuchar a Rodgers contando precisamente cómo sugirió a Bowie cambiar los acordes de guitarra de ‘Let’s Dance’ por algo más funky y bailable.