La recuperación de la tradición está llegando demasiado lejos. Y eso es una buena noticia. Coincidiendo con las fiestas de San Isidro en Madrid, la cantante madrileña DeTeresa se ha aliado con Alba Morena para renovar un género impensado, el chotis.
El resultado de esta atrevida mezcla es una canción llamada ‘PIRULÍ’ que suena como si Mueveloreina hubiera sampleado a Celia Gámez. Sin despeinarse, DeTeresa y Morena facturan una impensada unión entre el Madrid castizo y «Berlín» -citada en la letra- que aspira a llegar al resto de Europa.
En la letra, también, DeTeresa y Morena imaginan ese éxito. Cantan que quieren ser famosas y criar «nepobabies» y, además, parecen imaginar una participación en Eurovisión: «Lo ha petado tanto que Europa se enamoró, yo me tengo que ir pitando que a las 21.30 es la retransmisión». La sección de comentarios de Youtube está llena de comments pidiendo llevar esto a Benidorm Fest.
Como probablemente imaginabas, ‘PIRULÍ’ recibe su título de la famosa torre de telecomunicaciones de Madrid, la Torrespaña. El «Pirulí» de Madrid, en otras palabras. Ahí se ha grabado el videoclip, donde DeTeresa y Morena pasean sus chulapas.
DeTeresa ha publicado en 2024 su EP ‘Cristal Arcoiris’. Y Alba Morena también ha firmado el suyo, ‘Yo te quiero pero‘.
El rapero Puff Daddy -también conocido como Sean Diddy Combs- se ha disculpado por la paliza que propinó a Cassie, entonces su pareja, en el pasillo de un hotel en el año 2016. El vídeo del incidente se ha filtrado a los medios el día 17 de mayo y muestra a Diddy agrediendo brutalmente a Cassie, empujándola al suelo y agarrándola del pelo. Cassie acusó formalmente a Diddy de este incidente en su denuncia -después retirada- contra el rapero revelada el pasado mes de noviembre, pero Diddy había negado los hechos.
Ahora que el vídeo ha salido a la luz, Diddy ha publicado una disculpa pública en su Instagram mediante un vídeo en el que reconoce los hechos, pide perdón a Cassie y asegura que, en el momento de los acontecimientos, se encontraba en un momento oscuro de su vida. «Había tocado fondo, y no voy a poner excusas», explica. «Mi comportamiento en el vídeo no tiene perdón. Asumo plena responsabilidad de mis acciones en el vídeo. Estoy asqueado. Lo estaba entonces y lo estoy ahora».
En el vídeo, Diddy afirma que, en los últimos años, ha buscado ayuda profesional acudiendo a terapia y a centros de rehabilitación. «Lo siento mucho, pero estoy comprometido con ser un hombre mejor cada día», añade. «No pido que me perdonéis, lo siento de verdad».
Diddy se enfrenta a múltiples acusaciones por abusos por parte de varias personas que han formado parte de su entorno, incluida Cassie, el productor Lil Rod y multitud de personas anónimas. Las acusaciones se remontan a los años noventa. A Diddy se le señala por abusos sexuales, violación y tráfico sexual, entre otros delitos que las autoridades siguen investigando.
En marzo se abrió una redada policial en las dos residencias de Diddy en Los Ángeles y Miami a raíz de las acusaciones vertidas contra Diddy en los últimos meses.
«Un día estoy pasando por el peor momento de mi vida y al siguiente soy uno de los artistas más grandes del mundo», cuenta Neko Bennett, conocido como 4batz, en el primer corte de ‘u made me a st4r’. En este también admite no saber «cómo he llegado aquí», igual que nosotros. La historia de ascenso de 4batz es para estudiarla. Él mismo ha contado que todos los beats de su mixtape debut -importante la aclaración de que esto es una mixtape- son directamente de Youtube. Esto explica que suenen un tanto genéricas. Eso sí, seguro que ahora no paran de llegarle bases originales.
Con YouTube, un estilo característico que podría calificarse como gangsta R&B y una campaña de marketing basada en el factor sorpresa, 4batz ha conseguido posicionar su proyecto en el número 30 del Billboard 200 y que Drake y Kanye firmen dos remixes, de ‘act ii: date @ 8’ y ‘act iii: on god? (she like)’ respectivamente. Ambas, bastante peores que la original.
La mayor motivación de este proyecto es todavía más surrealista. En la portada, 4batz está sujetando una fotografía de una mujer tachada de rojo. Sí, es su ex novia. Según cuenta para GQ, su relación duró tres años y la ruptura coincidió con la muerte de su padre, así que le prometió, por puro despecho, que lo iba a petar. Me pregunto cómo se sentirá la chica ahora.
El sentimiento de heartbreak se ve reflejado totalmente en las letras del proyecto, sobre todo en ‘act iii: on god? (she like)’, que sirve como una reconstrucción de la conversación que terminó con la relación («me dijiste que me querías y juraste esa mierda por Dios»), y en la sorprendentemente vulnerable ‘act viii: i hate to be alone’. A la vez, uno de los tracks más potentes, a modo de baladón final.
En la mitad de canciones, Bennett tiene el corazón roto. En la otra mitad, está cachondísimo. Es el caso de ‘act iv: fckin u (18+)’ y ‘act vi: mad man’. Mientras que la primera es totalmente guarra («Te pongo más mojada que un parabrisas»), la segunda tiene un punto bonito que no esperaba en una canción que habla simplemente de sexo, en líneas como «Nunca pensé en bebés hasta que te conocí» o «Hice de follarte una pasión».
La condición de mixtape de ‘u made me a st4r’ también se nota en la estructura de las canciones, o en la inexistencia de la misma, más bien. Con un estribillo y un gancho que se repiten una vez sin ninguna variación aparente, ‘act i: stickerz «99»‘ apenas es una canción. La mayoría de los temas terminan con una outro ralentizada cuyo único propósito es rellenar minutos. Al menos, según avanzamos en el tracklist esto se hace menos común, a la vez que los temas se alargan más. A favor de 4batz, hay que decir que a pesar de estas carencias, las melodías con las que complementa estas bases prefabricadas son infecciosas a más no poder.
No hay ninguna duda del inmenso potencial de 4batz. Aunque no explota al máximo todas las fortalezas del cantante tejano, ‘u made me a st4r’ es una carta de presentación envidiable, y una de las mixtapes más exitosas de la historia.
Netflix estrena a mediados de abril sin nada de promoción una serie inglesa bastante pequeña. Unos días después, la serie empieza a beneficiarse del boca-oreja (aunque parezca increíble, todavía existe), va teniendo un público que sigue aumentando, y empieza a aparecer a nivel internacional. Pasada una semana, en nuestro país está la mitad de Twitter hablando de esa serie y la otra mitad recomendándola, como cuenta aquí la crítica de cine Beatriz Martínez.
Esa serie se llama ‘Baby Reindeer’ (‘Mi reno de peluche’), en su segunda semana tuvo un crecimiento del 400%, y un mes después está a punto de colarse en el Top 10 histórico de Netflix. A niveles de ‘Stranger Things’, pero costando cientos de millones menos. Netflix no ha sido tonta y en tiempo récord la ha mandado para los Emmy, donde sería muy raro que no se llevase más de uno. Por conquistar, ha conquistado hasta a Stephen King.
Y es curioso que haya gustado tanto al autor de ‘Misery’. Si has oído hablar de ‘Baby Reindeer’ pero no la has visto, tu idea será un poco la que yo mismo tenía cuando empecé a verla después de ver que todo el mundo estaba hablando de ella: una cosa un tanto camp y con mucho humor negro que llevaba al siglo XXI a la Annie Wilkes de ‘Misery’, una de las mayores villanas del cine tras su adaptación.
Al fin y al cabo, a priori ése es un poco el punto de partida: un monologuista fracasado que curra de camarero conoce a una señora (papelón de Jessica Gunning, que te sonará si eres fan de ‘Doctor Who’) con evidentes desequilibrios mentales, que desarrolla una obsesión hacia él, interfiriendo en la relación con su pareja (Nava Mau), y convirtiéndose en una stalker de tomo y lomo. Por qué esto tiene potencial para resultarnos gracioso y no ocurre si el stalker es un hombre es un buen melón, uno de tantos que hay en esta serie.
Porque hay humor en ‘Baby Reindeer’, pero hay más terror y, sobre todo, drama. Detrás de todo esto está Richard Gadd, mínimamente conocido en su país como actor (series como ‘Against the law’, de la BBC) y guionista (‘Sex Education’) pero, sobre todo, en el mundillo de la stand-up comedy: tras shows bastante más punkies como ‘Breaking Gadd’, Richard se llevó un Perrier (algo así como los Oscar de la comedia) por su giro dramático en ‘Monkey see, monkey do’, y de ahí pasó a esta ‘Baby Reindeer’ que Netflix le propuso adaptar a serie… y que habla de su propia vida. Sí: Richard Gadd escribe y protagoniza una serie en la que, bajo nombres ficcionados (él es Donny Dunn) revive sucesos bastante complicados, y es innegable que el morbo ha sido uno de los factores que ha llevado al público a ver esta historia.
Pero la clave no está ahí: vienes por la stalker, te quedas -si no te desesperan las decisiones del protagonista antes- por el cuarto episodio, y ya con el monólogo del sexto te rindes ante una firme candidata a serie del año, y una de las mejores series que han salido de Netflix.
Al contrario que con ‘El juego del calamar’, en esta ocasión el fenómeno está a la altura de la calidad. Es cierto que la dirección (que Gadd deja a cargo de Weronika Tofilska y Josephine Bornebusch) es bastante discreta, pero diría que eso es otro punto a favor de un relato tremendamente visceral, y en el que es mejor entrar sabiendo lo menos posible… por eso estoy evitando contar aspectos más concretos de la trama o de su evolución. Por eso, me limitaré a decir que, además de sus tres protagonistas, es imposible no destacar el trabajo de Mark Lewis Jones (quién diría que la frase “me crié en la Iglesia Católica” podía hacerte llorar) y, sí, de Tom Goodman-Hill en uno de los roles más inquietantes del año. Y me limitaré a decir que es muy interesante cómo ‘Baby Reindeer’ aborda el ciclo del trauma (al que cuesta muchísimo ponerle fin), lo frágil y retorcido que es el ego (pensar que eres un puto genio o que eres una puta mierda acaban existiendo en un mismo espacio), y la complejidad de algunas decisiones aparentemente absurdas que toma el protagonista. Hay decisiones que van en contra de tu dignidad e incluso de tu supervivencia, pero que comprendes especialmente si has estado en alguna situación parecida: son decisiones que tienen sentido cuando en tu cabeza hay una búsqueda de afecto y de hogar bastante chunga.
“Si pudiera embotellar una sola emoción de toda mi vida, para poder experimentarla de nuevo, sería cuando me nombraron como ganador del Perrier, y escuché a la gente gritando y felicitándome, casi sentí mi cerebro moverse a un lugar distinto por esa euforia… estaba muy traumatizado por todo lo que me había ocurrido, pero la adrenalina me inundó completamente” ”, contaba Richard al Hollywood Reporter en una de sus primeras entrevistas post-éxito. Precisamente por la honestidad que nos muestra en ficción a través de su álter ego Donny, puede que el monstruoso éxito de la serie no le venga muy bien a nivel personal, como apuntaba hace poco el periodista Javi P. Martín. Puede, incluso, que lo mejor para su propia salud y para cuidarse sea dar un giro a su vida y alejarse de lo relacionado con el entretenimiento y el arte. Si lo hace, desde luego ese mencionado ego puede tener un consuelo: su carrera ya tiene una obra cumbre, una de esas que muchos no llegan a hacer nunca.
The The vuelve tras 25 años. El grupo de post-punk y new wave liderado por Matt Johnson, autor del que muchos consideran uno de los mejores discos de los años 80 e incluso de la historia, ‘Soul Mining’, publicará un nuevo disco llamado ‘Ensoulment’ el próximo 6 de septiembre.
Se trata del primer disco de The The en casi tres décadas: el último álbum de The The se editó en el año 2000 bajo el título de ‘NakedSelf’.
La formación actual de The The se compone, además de Johnson, de James Eller al bajo, DC Collard a los teclados, Earl Harvin a la batería y Barrie Cadogan a la guitarra. Johnny Marr volvió a The The en 2017 pero no ha participado en la creación de este nuevo disco.
El primer adelanto de ‘Ensoulment’ es ‘Cognitive Dissident’, el reptante y oscuro tema que abrirá el largo. Así queda el tracklist:
01 Cognitive Dissident
02 Some Days I Drink My Coffee By The Grave Of William Blake
03 Zen & The Art Of Dating
04 Kissing The Ring Of POTUS
05 Life After Life
06 I Want To Wake Up With You
07 Down By The Frozen River
08 Risin’ Above The Need
09 Linoleum Smooth To The Stockinged Foot
10 Where Do We Go When We Die?
11 I Hope You Remember (the things I can’t forget)
12 A Rainy Day In May
Sabrina Carpenter ha sido la invitada al último programa de temporada de Saturday Night Live y ha cantado la canción de moda, ‘Espresso‘. En su actuación, Carpenter ha jugado con la letra de la canción montando un bar en el escenario, manteniéndose fiel a la estética retro del videoclip.
De ‘Espresso’ se acaban de lanzar las versiones aceleradas, ralentizadas o extendidas de rigor, y todas ellas usan títulos cafeteros. Carpenter no se ha «cortado» publicando hasta seis versiones diferentes de la canción.
También, en Saturday Night Live, Carpenter ha cantado un popurrí de sus dos éxitos anteriores, ‘Feather‘, el que hizo a un cura perder su cargo, y ‘Nonsense’.
Como de costumbre, Carpenter ha improvisado el final de ‘Nonsense‘ colando una referencia sexual inspirada en el rascacielos que acoge el estudio de Saturday Night Live, el 30 Rockefeller Plaza: «Tiene 30 y está duro porque he dicho hola, mi sentido del humor es seco pero yo voy bebida». Esta vez, Carpenter no ha sido censurada.
Jake Gyllenhaal ha sido el anfitrión del final de temporada de Saturday Night Live, donde Carpenter, además, ha protagonizado un sketch inspirado en Scooby Doo. Ha interpretado a Daphne.
Tinashe está viviendo un pequeño momento viral gracias a TikTok. Alguien ha asociado ‘Nasty’ a un vídeo de dos personas bailando una coreografía, con el fundido de un plano a otro más chanante que se recuerda, y el tema ha echado a correr. ‘Nasty’ está obteniendo a día de hoy sus mejores streamings, tras su estreno el pasado mes de abril, y ya se ha colado entre los 20 temas más virales de Estados Unidos en Spotify.
Otros medios se están haciendo eco también del microviral de Tinashe, que debería ir más allá y hacer crossover a las listas reales de éxitos: ‘Nasty’ merece ser una de las canciones del verano.
‘Nasty’ es un corte de R&B en el estilo de Tinashe, y sus ganchos son varios. Está el martilleo de la frase «I’ve been a nasty girl, nasty», el estribillo melódico «if you keep up with me», el bajo tipo marcado de teléfono de la base instrumental, tan propia del neo-soul o, por supuesto, las barras de Tinashe hablando de ir sin bragas en el asiento del coche, entre otras cosas.
El videoclip de ‘Nasty’ hace ganar enteros a la canción combinando coreografía marca de la casa con una estética sci-fi inspirada en ‘Mad Max’ y la presencia de drones.
‘Nasty’ es el primer adelanto del próximo minidisco de Tinashe, ‘BB/ANG3L pt.2: Quantum Baby’. Es la segunda parte de su trabajo anterior, ‘BB/ANG3L‘, el que contiene temas destacados como ‘Talk to Me Nice’ o ‘Tightrope‘.
Shoutout to whoever first put nasty over this video that made it become a viral meme and gave tinashe her moment. YOU’RE SO REAL ! Anyways, KEEP STREAMING NASTY https://t.co/Qksh3X6Hdmpic.twitter.com/7SYKDPncZ1
La Recording Industry Association of America (RIAA) acaba de conceder a Pavement un Disco de Oro por primera vez en su carrera. La distinción pertenece a ‘Harness Your Hopes’, una canción hasta hace poco desconocida de Pavement que, en los últimos años, se ha viralizado en TikTok, llevándola a amasar a día de hoy cerca de 150 millones de reproducciones.
‘Harness Your Hopes’ es una canción perteneciente a la etapa del cuarto disco de Pavement, ‘Brighten the Corners’, de 1997, si bien se trata de una composición que nunca formó parte del álbum original. Solo se editó oficialmente, primero, en un EP de 1999, ‘Spit on a Stranger’, y después, en una versión ampliada de aquel álbum, lanzada en 2008.
Las cifras de ‘Harness Your Hopes’ alcanzan las 500.000 copias solo gracias al formato digital, por lo que la RIAA ha confirmado su certificación. El viral de TikTok, pero también -y sobre todo- la reproducción automática de Spotify, han llevado a ‘Harness Your Hopes’ a superar comercialmente al que hasta ahora era el single de mayor éxito de Pavement, el single de 1994 ‘Cut Your Hair’.
La carrera de Pavement ha vivido otros curiosos momentos en los últimos tiempos. A la broma a costa de Stephen Malkmus vista en la taquillera ‘Barbie‘ hay que sumar -por ejemplo- la canción de beabadoobee dedicada al compositor estadounidense.
En los últimos tiempos, Pavement ha seguido de gira actuando por ejemplo en Primavera Sound. Gary Young, su batería original, falleció el año pasado.
El country está de moda: lo sabe Beyoncé, lo sabe Post Malone, lo sabe Lana Del Rey, lo sabe Morgan Wallen y lo sabe hasta Dua Lipa. Es un escenario idóneo para el regreso de Orville Peck, pionero queer del country, el momento para que plante su bandera. ‘Bronco‘, su anterior álbum, fue uno de los mejores de 2022, una auténtica exhibición de canciones excelentes que parecía obra de un veterano. Pasó injustamente desapercibido, cuando debió vender millones.
El planteamiento de ‘Stampede’, el nuevo álbum de estudio de Orville Peck, es diferente, pues es un disco de duetos. También se está editando en volúmenes y el que nos ocupa es el primero. Pero, sobre todo, ‘Stampede’ es el intento de Peck de homenajear a quienes vinieron antes que él. Aunque, esta vez, las canciones están algunos peldaños por debajo de las del disco anterior.
Orville convence rescatando del olvido la «canción de cowboy gay», una contenta balada llamada ‘Cowboys Are Frequently Secretly Fond of Each Other’ que ya en 1981 abordaba la homosexualidad del vaquero y la fluidez de género. Original de Ned Sublette, Willie Nelson la adaptó en 2009, de ahí que sea el artista invitado en esta nueva versión.
El resto de ‘Stampede’ seduce en partes. ‘The Hurtin’ Kind’ es otra encantadora balada «loser» -palabra extraída de la letra- firmada por el artista que escribió aquello de «I can tell you’re a sad boy just like me». Las armonías de Midland, grupo invitado, son inmejorables. Orville también hace migas con Noah Cyrus y juntos cantan ‘How Far Will We Take It’?, la balada más tristona del disco.
Otras composiciones echan menos chispas. ‘Chemical Sunset’ con Alison Russell pone un dedo en el pantano de Tom Waits pero no se moja más que eso. Y el experimento latino de ‘Miénteme’-con Bua Cuaron- tiene gracia por eso de escuchar a Orville cantar en español, pero la canción -que mezcla ranchera y un ritmo vagamente reguetonero- es poca cosa.
Dice Orville que ha buscado que las colaboraciones de ‘Stampede’ fueran reales y que estuvieran supeditadas al artista invitado. Quizá, por eso, no ha hecho gran cosa adaptando el rock n’ roll de ‘Saturday Night’s Alright (For Fighting)’ salvo invitar a la fiesta a su autor, Elton John. Anima el cotarro, pero deja con ganas de más. ‘Stampede’ también. ¿Mejorará el segundo volumen?
Otro de los grandes lanzamientos internacionales de los últimos días ha sido el nuevo disco de Kings of Leon. ‘Can We Please Have Fun’, que se ha presentado con el single ‘Mustang‘, es el primer álbum de la banda de Nashville en tres años y también es el primero desde 2007 que no entra directo en el número 1 de Reino Unido.
La razón se llama Taylor Swift. ‘The Tortured Poets Department‘ ha vuelto este viernes al número 1 de Reino Unido tras el paréntesis marcado por Dua Lipa y su ‘Radical Optimism‘, y ha movido más unidades en su cuarta semana de lanzamiento que ‘Can We Please Have Fun’ en sus primeros siete días. Esto da a Kings of Leon un debut en el puesto 2 de las islas.
Aunque UK Official Charts no comparte cifras exactas de las ventas de ‘Can We Please Have Fun’ en Reino Unido, sí confirma que «Have Fun» -el noveno disco de Kings of Leon en total- ha sido el vinilo top 1 de la semana en el país.
De no ser por Swift, ‘Can We Please Have Fun’ habría dado a Kings of Leon su séptimo número 1 en Reino Unido y, además, de manera consecutiva. ‘When You See Yourself‘, su álbum de 2021, entró en el número 1 en 2021, y antes ‘WALLS‘ lo logró en 2016, ‘Mechanical Bull‘ en 2013, ‘Come Around Sundown‘ en 2010, ‘Only By the Night‘ en 2008 y ‘Because of the Times’ en 2007. Antes, tanto ‘Aha Shake Heartbreak’, de 2005, como ‘Youth and Young Manhood’, de 2003, se habían colocado en el puesto 3 de Reino Unido, allanando el terreno para el camino de números 1 de Kings of Leon en las islas.
El disco de Kings of Leon sí se ha colocado en el número 1 de lista de álbumes de Escocia y, también, ha llegado número 2 en Irlanda, al 3 en Nueva Zelanda, al 4 en Alemania, al 15 en Países Bajos o al 20 en Australia. Menos suerte ha corrido en Italia, donde el disco se ha posicionado en la posición número 75. La semana que viene se conocerán los datos de Estados Unidos y España.
‘Only By the Night’, el cuarto álbum de Kings of Leon, sigue siendo el más vendido de toda su carrera con 6,2 millones de copias vendidas en todo el mundo, acorde a la nota de prensa oficial. Por supuesto, es el disco que contiene sus dos mayores éxitos, ‘Sex on Fire’ y ‘Use Somebody’.
Las cifras iniciales de ‘Hit Me Hard and Soft‘ se acaban de publicar y colocan el tercer disco de Billie Eilish en el tercer puesto de mayores debuts de la historia de Spotify. Solo Taylor Swift con ‘The Tortured Poets Department‘ y Beyoncé con ‘Cowboy Carter’ le superan en escuchas, aunque lo cierto es que contienen el doble o incluso el triple de canciones. El mérito es mayor para Billie pues solo 10 cortes de ‘Hit Me Hard and Soft’ superan los 70 millones de escuchas globales. Así quedan las posiciones de todas las pistas de ‘Hit Me Hard and Soft’ en el top 50 global de Spotify (vía ATRL):
#2 LUNCH 10,785,324
#3 CHIHIRO 10,051,791
#7 SKINNY 7,969,974
#8 BIRDS OF A FEATHER 7,969,100
#11 WILDFLOWER 6,821,322
#15 L’AMOUR DE MA VIE 6,235,946
#16 THE GREATEST 6,230,104
#18 BLUE 5,935,478
#19 THE DINER 5,449,453
#21 BITTERSUITE 5,277,647
Así quedan los 10 mayores debuts de la historia de Spotify (vía Spotify Daily Data):
#1 THE TORTURED POETS DEPT. 314.5M
#2 COWBOY CARTER 76.6M
#3 #HITMEHARDANDSOFT 72.7M*
#4 WE DON’T TRUST YOU 59.3M
#5 Eternal Sunshine 59.1M
#6 Vultures 1 57.5M
#7 american dream 42.1M
#8 WE STILL DON’T TRUST YOU 36.2M
#9 Might Delete Later 29.4M
#10 2093 21.9M
El nuevo disco de Billie Eilish acaba de llegar al mercado confiado en que ofrece un todo más valioso que cualquier single por separado. Realmente, ‘Hit Me Hard and Soft’ es un disco variado en estilos, si bien Billie vuelve a reunir en él una serie de composiciones que llevan su firma cien por cien, y lo mismo se puede decir de Finneas y su labor a la producción.
El título de ‘Hit Me Hard and Soft’ alude a la tendencia del disco de alternar ritmos suaves con otros más «duros». No hay momentos duros en el disco como lo era ‘I Didn’t Change My Number‘, del anterior, pero sí otras cosas.
Entre ellas el que se puede considerar el nuevo ‘bad guy’ en ritmo y espíritu. ‘Lunch’ se vale de un prominente bajo y de un ritmo uptempo próximo al dance-punk, para facturar el corte más bailable del disco. Es la Canción Del Día de hoy.
Billie, que, en los últimos tiempos, ha salido del armario y, en concreto, ha declarado querer tener su cara pegada a una vagina, dedica ‘Lunch’ a una chica a la que quiere hincar el diente. Lo canta ella misma: «Podría comerme a esa chica en el almuerzo». La chica «sabe» tan bien que a Billie lo que siente, le parece amor. Cree que su chica es «la definitiva».
Una canción llamada ‘Lunch’ que explora una temática sexual solo podía dejar en su letra una ristra de frases sexualmente sugestivas. Pero no son tan sugestivas. Amigas, Billie está cachonda como una mona. Si la chica se quiere sentar, ella «se ofrece a ser el asiento» En el videoclip directamente apunta a su cara. Billie incluso imagina que es el «ciervo» y su chica el «faro», animalizándose a sí misma, dejándose atropellar. «¿Te sabes doblar?», pregunta en otro punto de la letra. Es el sentido literal, el figurativo es que Billie ya no se resiste a sus deseos.
La letra de ‘Lunch’ es evidente, y también lo es su sonido punki, pero esa es la gracia y frescura que ofrece Billie en ‘Lunch’. Es exactamente la misma gracia y frescura que llevaron a ‘bad guy’ a convertirse en un gran éxito. Puede volver a pasar.
Olivia Rodrigo sigue dando vueltas por el mundo con la gira de su último disco, ‘GUTS’, que llega a España en junio: las fechas son el 18 de junio en el Palau Sant Jordi de Barcelona, y el 19 de junio en el WiZink Center de Madrid.
La gira ‘GUTS‘ ha dejado un par de noticias a su paso por Londres. En la fecha del 15 de mayo, Rodrigo ha sufrido un pequeño accidente de vestuario (el típicamente llamado «wardrobe malfunction») al desatársele el top durante una canción. Olivia soluciona el problema gracias a la ayuda de una de sus bailarinas.
Por otro lado, en la fecha del 17 de mayo, Olivia ha recibido a una invitada especial en su gira, Lily Allen. Ambas han cantado juntas ‘Smile’, el gran clásico del disco de debut Allen ‘Alright, Still‘ (2006). Es la segunda vez que Olivia y Lily cantan juntas: ya lo hicieron en Coachella en 2022.
Lily no es la única artista invitada que se ha dejado caer por la gira ‘GUTS’. Olivia ha cantado con Sheryl Crow en Nashville, con Noah Kahan en Nueva York y con Jewel también en Nueva York. En el último Coachella ha sido Olivia la persona invitada en el concierto de No Doubt.
Rodrigo ha lanzado recientemente una edición ampliada de ‘GUTS’ que incluye el single ‘obssessed’, co-escrito por St. Vincent. ‘vampire’ sigue en el top 100 global.
Era una de las series estrella de Netflix para este año, una cuidadísima adaptación de la célebre novela de Patricia Highsmith a cargo del oscarizado guionista Steven Zaillian (‘La lista de Schindler’, ‘Gangs of New York’), autor de otra serie magnífica: ‘The Night Of’ (2016). Sin embargo, no la está viendo casi nadie. En solo dos semanas ha desaparecido del top 10 que publica la plataforma. ¿Cómo se puede interpretar esto?
Lo fácil sería decir que la mayoría de los espectadores no saben quién es Patricia Highsmith (de Zaillian ni hablamos), la fotografía en blanco y negro les parece algo como del siglo XIX, y son incapaces de mantener la atención en una historia que no tenga diez giros de guion y veinte estímulos audiovisuales cada cinco minutos. Pero quizás habría que matizar y no decir “los espectadores”, sino “los clientes de Netflix”.
Y es que esta plataforma se ha ido poco a poco convirtiendo en el gran fast food del entretenimiento televisivo. La mayor parte de sus productos están enfocados al consumo rápido y todos tienen más o menos el mismo sabor. Por eso, cuando ofrecen en el menú algo distinto, cocinado a fuego lento o con algún ingrediente poco habitual, lo prueban pocos y les gusta a menos. Y no me refiero a películas muy de autor como ‘Blonde’ (2022) o ‘Estoy pensando en dejarlo’ (2020), sino a series tan accesibles como la extraordinaria ‘Mindhunter’ o la muy reivindicable ‘The Get Down’, canceladas antes de tiempo.
Netflix ha acostumbrado a su público a un modelo de ficción tan estandarizado, sobre todo en las series, que todo lo que se salga de ese patrón narrativo y estético resulta extraño, una extravagante anomalía del catálogo. Es lo que ocurre con ‘Ripley’. Lo primero que uno piensa al verla es: no parece una serie de Netflix. De hecho no lo es. La produjo Showtime y la compró Netflix. Esa puede ser la explicación.
La oscuridad de Ripley
Zaillian ha realizado una adaptación brillantísima de ‘El talento de Mr. Ripley’. A diferencia de las anteriores intrigas “a pleno sol” de René Clément y Anthony Minghella, protagonizadas por un Ripley muy guapo y seductor (Alain Delon y Matt Damon), Zaillian ha optado por dibujar un personaje mucho más mayor e inquietante: un tipo siniestro y magnético (fabuloso Andrew Scott) con una formidable capacidad para embaucar a los demás. Una combinación diabólicamente perfecta entre arribista, impostor y psicópata.
Estilísticamente la serie es impresionante. Una mezcla entre la sombría y evocadora estética del cine negro clásico y la sofisticación visual de la trilogía de la incomunicación de Antonioni (la fotografía es de Robert Elswit, habitual del cine de Paul Thomas Anderson). El contrastado blanco y negro sirve también como metáfora de la oscuridad que anida en el interior de Ripley en contraposición a la luminosa Italia de los 60, la de Mina y la dolce vita, donde transcurre la trama.
Todos estos elementos (alguno, como el paralelismo entre Tom y Caravaggio, no funciona tan bien) ilustran una fascinante historia de suspense, un intrincado relato criminal aderezado con ingredientes muy turbios de intriga psicológica. Gracias al punto de vista adoptado por la narración, el de Tom, y a la excelente construcción del personaje, la serie pone al espectador en una situación moralmente incómoda: por muy execrables que sean sus acciones, es imposible no admirar el talento de Mr Ripley.
Una semana le ha durado a Sabrina Carpenter el número 1 en JENESAISPOP con ‘Espresso’, que pasa al 4º lugar. Esta semana la ganadora es ‘360’ de Charli XCX con el 33% de los votos en X. Se trata del 8º número 1 de Charli XCX en nuestra web, aunque no consecutivo: justo el anterior sencillo de Charli XCX, ‘Club Classics’, quedó en el puesto 6.
Otras entradas destacadas de la semana son las de Anitta, Camila Cabello, Jessica Pratt y Purple Disco Machine.
Roberta Marrero ha muerto este viernes 17 de mayo, a los 52 años. Según sus editores, ha decidido quitarse la vida, dejando una nota que decía “I love you, all”.
La artista fue muy conocida en la década de los 2000, como DJ en la era del electroclash. En aquella época apareció en la película ‘Descongélate!’ de Dunia Ayaso y Félix Sabroso y publicó un par de discos en solitario, como ‘A la vanguardia del peligro’ (2005).
En su última etapa fue más conocida por su obra de arte plástico y como escritora, editando libros como ‘El bebé verde: infancia, transexualidad y héroes del pop’, ‘We Can Be Heroes. Una celebración de la cultura LGTBQ+’ y ’Todo era por ser fuego’. Su último libro de este mismo año ha sido ‘Derecho a cita’.
Hace solo unas semanas aparecía una entrevista suya en El Diario. En ella hablaba de la muerte y de la perdurabilidad en el tiempo.
Decía: «Pienso, ahora que voy cumpliendo años, en qué hacer con mis derechos de autor, que ahora no valen nada, pero quién sabe, basta que sea que me muera, para empezar a ser lo más, la gran poeta maldita y de repente estás traducida a 75 idiomas. Así que tengo que pensar a quién se los dejo. También tengo que decidir si quiero que se publique algo después de mi muerte o no. Pienso en Marjorie Cameron, que destruía sus pinturas, en su caso por una cuestión esotérica, e igual eso tendría que hacer yo. Destruirlo todo. Como Marga Gil Roësset, que destruyó su obra justo antes de suicidarse, con 20 años. Sí, exacto. Esa preocupación por perdurar no la tengo, no creo que vaya a suceder».
¿Se puede tener envidia de alguien por tener el mismo pintalabios? Charli XCX diría que sí. La cantante británica ha admitido en una nueva entrevista con Rolling Stone que estaba «súper celosa» del éxito de Lorde tras el lanzamiento de ‘Royals’. Estas son sus razones.
En dicha entrevista, Charli recordó su discurso en el último evento de Billboard Women In Music el pasado marzo, en el que habló sobre el tabú de los celos entre mujeres en la industria. «Puedes sentir envidia y seguir siendo una buena persona que apoya otras mujeres, pero no es un sentimiento o una característica muy sexy, ¿no?», desarrolló la británica para Rolling Stone.
Aquí es donde surgió el tema de Lorde, al ser preguntada por sus propios celos pasados. «Cuando ‘Royals’ salió, estaba súper celosa del éxito que recibió la canción, y el que recibió Ella», comenzó la autora de ‘360’. A continuación, enumeró todo lo que le había llevado a pensar así: «Le gustaba mi música. Tenía el pelo largo, yo también. Se ponía pintalabios negro, yo me lo puse una vez. Creas estas comparaciones y piensas que esa podrías haber sido tú», admitía la británica.
Ahora que Lorde y Charli son amigas, esta ha podido deducir qué le llevó a tener esos pensamientos sobre la cantante neozelandesa: «Creo que ves lo que quieres porque te sientes insegura sobre tu propio trabajo».
Casi una semana después de la final de Eurovisión 2024, las quejas a la Unión Europea de Radiodifusión (UER) por parte de las distintas delegaciones continúan, principalmente en relación a la polémica participación de Israel. La UER sigue haciendo caso omiso.
La radiotelevisión portuguesa (RTP), con apoyo de las delegaciones de España, Francia, Croacia y Noruega, ha solicitado una reunión a la UER con el objetivo de «esclarecer los incidentes en la final de Eurovisión». Por otro lado, Eslovenia y Serbia han anunciado que también están preparando un documento para pedir explicaciones a la UER sobre lo sucedido en Malmö.
Según la televisión noruega, 16 de las 37 delegaciones participantes presentaron quejas formales a la UER durante el evento basadas en lo que pasó detrás de las cámaras con la delegación israelita, asegurando que los artistas se sintieron «inseguros» y «traumatizados». De hecho, se ha revelado que Irlanda, Portugal, Suiza, Reino Unido y Noruega valoraron su retirada.
Mientras que Israel, por su parte, denuncia un «odio desmedido» por parte del resto de países, la UER ha lamentado que «algunas delegaciones no respetaran el espíritu de las reglas y la competición», según un comunicado.
Por otro lado, ‘Europapa’ sigue siendo la canción más escuchada de esta edición de Eurovisión, con más de 66 millones de reproducciones en Spotify. Tras la expulsión de su representante entre circunstancias que no se han aclarado del todo, Países Bajos también ha hablado de una «atmósfera insegura» en el backstage propiciada por la delegación de Israel.
No lo pudimos ver en WARM UP, pero no íbamos a perdernos su cita en La Riviera por Sound Isidro. Sin un disco entre su colección, rusowsky lleva desde 2019 abriendo nuevos caminos en el pop nacional y su sold out del viernes, el segundo de la semana, encapsuló todo esto y más.
Con el productor DRUMMIE apoyando en la parte técnica, Ruslán recibió a los asistentes envuelto en un outfit completamente rojo en cuya sudadera se podía leer: «CAN’T EAT CHICKEN». Desde este primer momento, el madrileño mostró su excepcional control del público con un remix hecho exclusivamente para meter hype. «Now bitch, shut up, I love it when you take it like» se repetía entre los gritos y saltos del público. Esto también servía como advertencia: el estilo de rusowsky no es tan chill como puede parecer. «A ver esos culos», soltó antes de ‘brujita’.
El set mezclaba canciones canon de su discografía con otras de Soundcloud, las cuales aseguró que no iba a volver a cantar. Aunque estas eran las más desconocidas para los asistentes, se bailaron igual, sirviendo como interludios entre las obras clave. Estas, por otro lado, cobran una fuerza tremenda en vivo y, exceptuando algunos temas de relax como ‘pikito’ («Se acabó la fiesta») o ‘CELL’, uno de los momentos más íntimos de la noche, todas están pensadas para que el bote no cese. Sobre todo, gracias al gran protagonismo de los bajos.
Siempre he considerado a rusowsky un productor antes que un cantante, pero tras verlo en vivo ya no me queda tan claro. Prácticamente, no existe ninguna diferencia en su voz con las versiones de estudio. En las canciones más melódicas brilla totalmente. ‘LOTO’ fue uno de los puntos altos de la noche. rusowsky se ató la guitarra acústica y se colocó al frente de lo que parecía una formación de mariachis junto a los músicos Omar Alcaide y Juan Arance. Imposible no sentir escalofríos. Por si fuera poco, él mismo tocó la parte en la que se rinde completamente al corrido mexicano.
El rusowsky colega también apareció, invitando en múltiples ocasiones a sus compañeros del sello idkrusia. TRISTÁN! apareció para ‘CELL’ y la eufórica ‘GOOFY’, y mori se unió a la fiesta final con la mutante ‘VALENTINO’, que además provocó un gran pogo final. Ralphie Choo provoca grandes pasiones allá donde va, siendo a la vez el que más veces salió y el que recibió más vitoreos. Ralphie y ruso son pura química y es precioso verlos interactuar en el escenario. Al terminar ‘GATA’, Ralphie salta encima del otro y se engancha a su cuerpo con las piernas. Ambos, en la vanguardia de la música española.
A lo largo de la escasa hora que estuvo rusowsky en el escenario, mostró todas sus personalidades. El rusowsky hype, el instrumentista, el colaborativo, y hasta un momento tecno que no me sorprendió para nada. Las dos canciones en las que puso más énfasis fueron ‘So So’, en la que aceleró la percusión, y ‘mwah :3’, que se nota que es su tema más candente actualmente. Le dio un aire profundo tocándola él solo en un piano de cola y la volvió a cantar, ya con todos sus elementos, a modo de gran final.
‘Noctalgia’ de Vicco ha sido una de las grandes sorpresas de la temporada, en su afán cohesivo y ochentero, siendo un disco actual. Casi sin featurings, pues el único que hay es de Abraham Mateo rindiendo tributo a la misma Vicco («viccómo me mirabas, viccómo me besabas»), es una rara avis en el pop de 2024.
Victoria Riba, catalana asentada en Madrid desde hace un par de años, nos cuenta en las oficinas de Sony cómo ha sido el proceso creativo de un disco que ha desarrollado sobre todo junto a su hermana, la productora Andrea Riba. Nos habla sobre el directo que ha preparado con banda y que pasa el 25 de mayo por el Ochoymedio de Madrid, entre otras fechas que puedes consultar en su web. Finalmente, le pregunto por su polémico episodio político, por la decepción que supuso en la comunidad LGTB+. SPOILER: ella -que también es LGTB– está igualmente decepcionada.
¿Qué tal estás? ¿Cómo está yendo la promo?
Estoy muy bien. Me siento completa. Que haya salido el disco ha sido como dar a luz a un hijo que se ha gestado durante 3 años. También tengo muchas ganas de que la gente vea el show, en el que llevamos mucho tiempo trabajando.
¿Has ido preparando el directo a la vez?
Ha ido de la mano. El disco está compuesto hace año y medio o dos. Faltaban cosas de producción, grabar voces y tal. Con todo lo que pasó con ‘Nochentera’, no encontramos tiempo en agenda para ir al estudio, y queríamos dar el tiempo que merecía. Algunos temas cambiaron mucho: ‘Como Britney’ es otro rollo total. Teníamos que buscar fechas para ir yo a Barcelona, o que viniera mi hermana. Ha sido agobiante, pero trabajo mejor bajo presión.
Ahora que todo va tan deprisa, ¿cómo ha sido tener el disco compuesto desde hace tanto tiempo e ir viendo las modas pasar?
Sufría por si se quedaba muy atrás. Y emocionalmente estoy en otro momento de mi vida. Este disco habla de un proceso emocional en el que estaba en 2021. Pero no me ha caducado en cuanto a sonido. No me parece antiguo y de hecho han ido saliendo canciones del disco. He disfrutado también de la espera.
El disco es muy cohesivo. No es muy esclavo de las modas. Si me dices que lo escribiste en 2021 sí me puede llevar a ‘Blinding Lights’ o al anterior de Dua Lipa, pero la gracia es que es cohesivo. ¿Te influyeron estos dos artistas?
Me han influido, pero también Ariana Grande, Shakira… Muchas melodías me recuerdan personalmente a Shakira. Soy un poco esponja, me gusta inspirarme en varios sonidos. En muchos géneros más. Pero es verdad que cuando salió el tema de Rauw Alejandro fue como «qué guay que están haciendo esto, porque es música de músicos». Quiero tocarlo en directo con banda.
Lo de Shakira se ve en fraseos, ¿pero entonces los años 80, los teclados, el synth-pop, las producciones de neón… no son especialmente una influencia?
No, no, no. También en producción está presente. Quería refrescar esos sonidos y llevarlos a la actualidad, también por el reto de abrir la mente a las nuevas generaciones que solo escuchan reggaeton o electrónica. Quería traer esa música de antes a la actualidad, con otro tipo de letras. En América funciona mucho, pero me daba miedo que igual en España no. Creo que he encontrado el equilibrio entre España y América.
«Quería abrir la mente a las nuevas generaciones que solo escuchan reggaeton o electrónica»
En América, Javiera Mena es súper fan de Mecano y ha hecho sonar esa música en Los 40 Principales de Chile. ¿Te refieres a eso?
Más la de arriba. Siempre he consumido música en inglés. Por ejemplo Bruno Mars, que me encanta.
Siento ser plasta con lo de los 80, pero cuando la gente habla de la Movida, ahí hay un montón de cosas muy diferentes.
Totalmente.
No es lo mismo Hombres G que Alaska, Mecano que la Orquesta Mondragón. Tu música es la parte new-wave, de gancho instrumental con teclados como Depeche Mode. Y es lo que me parece que diferencia tu proyecto de otros. No sé hasta qué punto es tu identidad, el pop electrónico, o es algo circunstancial.
Hay un elemento de patchs y sintes que me gusta mucho en la producción. Me llevan a un limbo, a una atmósfera, me ayudan a fluir. Muchos temas los empiezo yo con sintes, me gusta mucho ese instrumento. Pero me gusta explorar sonidos y géneros. Este disco es esto porque me apetecía hacer este pack de temas, muy marcado y dejarlo así. Pero yo sé que en el futuro voy a cambiar, porque soy de cambiar como persona.
«Los sintes me llevan a un limbo, a una atmósfera, me ayudan a fluir (…) pero sé que en el futuro voy a cambiar»
¿Cómo has desarrollado el disco sin incursiones de otros estilos?
Venía de tirar muchos temas sin dirección. ‘Por las calles’, ‘Un trozo de ti’, ‘Pizza’ que es reggaeton… Yo estaba probando varios sonidos, estaba buscando en qué hueco podía encajar en el mercado español. Y no ha sido hasta este disco que me he encontrado como artista. Me cuesta mucho definir solo una línea. No me gusta tener fronteras. Pero en esta me sentía a gusto con una serie de canciones para este disco.
Y ahora que te has encontrado como artista vas a cambiar…
(risas) Sí, me encanta encontrarme y desencontrarme. Renacer muchas veces.
El disco cohesivo no es una cosa muy de tu generación. ¿Te has criado escuchando discos o escuchabas en playlists un poco de todo?
He vivido ambas etapas. He crecido con los discos de los Beatles, Supertramp y los Rolling Stones de mi padre. Y mi madre escuchaba Mecano, David Bowie… Y luego pasé a la era más digital o más de CD’s. Aguilera, cuando aún se consumían discos. Con Katy Perry y Rihanna ya tiraba más de canciones. Luego Ariana Grande. A día de hoy cuesta escuchar un disco entero. Eso ya se fue desvaneciendo.
«Mi padre tenía discos de los Beatles y Supertramp, mi madre de Mecano y Bowie»
¿Tienes un mánager, un sello, Sony, alguien de tu entorno, que te haya dicho que hicieras featurings un poco más latinos porque no estabas entrando en playlists después de ‘Nochentera’?
No, realmente no.
¿Ni tú misma te has puesto esa presión?
Igual eso sí. Quería hacer alguna colaboración más, por adaptarme un poquito. Quería que alguien se sumara a mi estilo, no yo al suyo. Pero no ha sucedido. No me hace falta nadie más en el disco.
Es muy raro ya que no haya featurings en el disco o casi. Antes obligaban a los artistas, pero es que últimamente son los artistas mismos los que se lo autoimponen, contactan a través de DM, etc.
Estamos en una era de compartir la música. Hay tanta oferta que tienes que ayudarte entre artistas. Es complicado que una canción en solitario funcione. Alucino con que ‘Nochentera’ haya funcionado sola. Colaborar te abre al fandom de la otra persona. Ha sido arriesgado decir «lo saco sola, pa’lante».
¿No ha sido tentación sacar un remix de uno de los muchos singles, con alguien? ¿Ningún nombre sobre la mesa?
Sí, iba a entrar una colaboración, pero no pudo ser por tiempos. Me apetecía mucho. Es un artista muy diferente a mí, tenemos algo pendiente. Quizá en el futuro.
¿Era para una de las canciones que conocemos?
Era para la nueva que sale el 25 (de mayo). Sale una edición deluxe, con un tema nuevo, y en ese tema tenía que entrar una persona.
¿Te han dado los 8 discos de platino por ‘Nochentera’?
Creo que estamos esperando a los 10 (risas) Que no creo que lleguen, pero bueno, algún día.
¿Nunca fue una opción acelerar el disco para aprovechar ese tirón?
Literal que no tenía tiempo ni de hacer lavadoras. Mi casa daba pena. Era imposible ordenar eso. Además, como trabajaba con mi hermana, y ella está en Barcelona… Lo intentamos hacer a distancia pero curramos muy bien presencial.
¿Cómo os habéis organizado?
Ella co-produce el disco, es la directora musical de mi banda, y está en la banda. Yo compongo melodía y letra, sobre beats o producciones que me hago yo. Pero no me quedo muy encima de la producción. Sé qué melodías o sintes quiero y qué instrumentos quiero, pero no me quedo horas con los detalles. Eso lo hace alguien más técnico.
¿Siempre has compuesto así?
Yo era piano y voz. Hasta 2016 que empecé a estudiar producción musical, y se me abrió un mundo.
En la gala 0 de Benidorm Fest despistaste mucho con aquel show acústico…
Estaba pensadísimo. Quería mostrar mi parte emocional, porque luego íbamos con un tema muy chicle. ‘Nochentera’ es un tema de entretenimiento, y quería que vieran mi parte emocional. ‘Memoria de pez’ no está en el disco por tema de producción porque no encajaba. Como varios que se han quedado fuera. Pero era el primero que salió, el punto de partida. Y luego boom, plot twist (risas).
¿Crees que ‘Nochentera’ se habría entendido en Europa? ¿O cómo la habrías hecho entender? Tiene tantas cosas graciosas que son súper España…
Sí, pero opino que la melodía es muy anglo. Mis influencias son de ahí. Compongo en ingés, chapurreo palabras pensando en Ariana, Dua Lipa… Creo que por melodía podría haber ido guay. Y luego me ha llegado que el tema ha sonado en UK, Turquía, Suiza… y de repente igual sí. Pero nunca se sabe.
Ese «Sube, Mari, sube» es casi más español que Almodóvar. No sé si Ariana Grande cantaría eso.
Of course no (risas)
¿Fue una canción rápida de hacer?
Se creó en 2 sesiones diferentes. Entré al estudio y los productores Kickbombo tenían un beat mucho más lento, en otro tono más grave, que me recordaba a un vibe como ‘Tiroteo’. Tenían grabado el «como una noche ochentera, toda la noche entera» porque lo había soñado uno de ellos, Rubén (Pérez). Solo eso y súper lento, como para hombre. Yo tenía 7 temas del disco, que ya eran muy 80’s y me pegaba. Pensé: «Me mola, es catchy, pero es grave y lento. Le subiría el tempo, le cambiaría el tono». Y pensando en el estribillo me trababa, así que quise hacerlo «nochentera» pensando en el público, para que fuera más fácil de cantar a grito pelado. Ese día montamos el estribillo y el puente «tu boquita de fresa».
Me fui a casa, pasaron días y semanas. Yo me inspiro mucho escuchando un trozo en el coche, duchándome… y entonces salió la idea de prepararme para la fiesta: «Sábado noche, 1980». Como cuando era adolescente, momento de espejo y videoclip. Salió lo de «y me pongo pibón» y que ahí se vaciara el beat. Nos reunimos, la acabamos, y ya la terminamos de cervezas, con mis amigos en casa.
¿Decías que ‘Como Britney’ es la canción que más había cambiado?
No iba ni a entrar. Era mucho más lenta. Tenía rollo hip hop, súper oscura, con batería orgánica. Hice la demo con guitarra eléctrica. Era como muy Nathy Peluso. La retocamos con Manuel, nos subieron el tempo como 10 o 15 bpm. Pusieron batería ochentera para que compartiera sonoridad. Y caminó. Funcionó bastante.
En la nota de prensa de Sony pone que esta canción es más adulta o madura. No sé si es necesario para un primer disco… ¿La ves más adulta?
La veo más oscura, como más seria. Pero a la vez tiene mucho punch. Es una canción con actitud, te diría.
¿Te identificas con Britney?
Es una gran inspiración. He consumido Britney casi toda mi vida. Admiro cómo ha salido adelante con todo. Me parece una guerrera. El guiño es porque te sientes como intoxicado. Esa relación te ha desgastado tanto que te sientes intoxicada como Britney Spears. Es una referencia a ‘Toxic’.
En la letra de ‘Misiles’ dices «solo escribo sobre desamor y esa no soy yo». ¿Quién eres tú, entonces?
En realidad sí que escribo sobre desamor (risas) En ese momento quería decir «quiero hablar de cosas felices, porque yo soy muy feliz». Y ahí estaba despechada. Pero me encanta hablar de desamor. Es lo que más nos inspira a todos los compositores.
En las canciones que has escrito estos últimos años, ¿también hablas de amor entonces?
Totalmente, el amor siempre me va a inspirar. Hay canciones divertidas y pícaras que se vienen.
De política creo que no vas a escribir…
No, ni hablar tampoco (risas)
Para alguna gente ha sido muy decepcionante…
Para mí también.
… sobre todo para el colectivo LGTB+…
Correcto.
… que en un juego te posicionases más cerca de Ayuso que de Pedro Sánchez.
Yo no hablé nada de ellos, simplemente se me preguntó en unos juegos, cuando estaba preparándome para una actuación o para unas nominaciones: «Di algo bueno o malo». Yo no conocía a Ayuso. Ahora no me metería ahí. Pero mis valores como artista se han visto. Y sé cómo soy. Nunca voy a estar a favor de algo que vulnere los derechos humanos. Y ya está. Me sorprendió que mucha gente del colectivo me tirara mucho odio.
«Yo no conocía a Ayuso. Ni me posicioné ni lo voy a hacer nunca. Pero nunca voy a estar a favor de algo que vulnere los derechos humanos»
Pero es que Ayuso ha derogado leyes trans y tú tampoco saliste corriendo a decir… lo que me acabas de decir ahora.
¿Pero cómo podéis creeros eso? Yo no he dicho nada. Si se pide un respeto, que se dé a los demás.
También recuerdo que Russian Red, en esta misma compañía, sufrió un backlash al decir que estaba más cerca de la derecha que de la izquierda. Yo la defendí…
En ningún momento me posicioné, ni lo voy a hacer nunca. Pero creo que se puede intuir por dónde van los tiros.
¿Ahora lo gestionarías de otra forma?
Claro, se aprende por el camino.
¿Es el momento en que peor lo has pasado como artista?
Sin duda. Sí, sí, claro.
¿Alguna reflexión? ¿Alguna canción en camino sobre el qué dirán, como las de Raphael?
(risas) Varias reflexiones. Que estoy en una posición importante porque lo que digo tiene trascendencia o al menos la tuvo. Y que Twitter es malísimo. La gente tiene mucho odio dentro y no puede ser.
A A.G. Cook los discos dobles o triples de Beyoncé y Taylor Swift le deben dar risa: él ha llegado a publicar un álbum compuesto por SIETE discos, y un segundo trabajo de duración más convencional, en el plazo de un mes. ‘Britpop’, su nuevo trabajo, se compone de tres cedés y se queda a poco de alcanzar las dos horas de duración. Él se aplica la máxima “go big or go home” más que nadie.
Con ‘Britpop’, A.G. Cook cierra una etapa, la de su sello PC Music, que ya no editará nueva música, y abre una nueva, la de su nuevo sello New Alias. El influyente sonido hyperpop de A.G. Cook, del que últimamente han bebido de Camila Cabello hasta la misma Beyoncé, no se va a ningún lado. En ‘Britpop’ ofrece un amplio inventario de lo mejor que sabe hacer y un puñado de interesantes experimentos.
El título de ‘Britpop’ cobra sentido cuando descubres que el disco se divide en tres partes llamadas “pasado”, “presente” y “futuro”. Son las tres líneas temporales del pop británico. El “brit pop” que conocemos todos, el de Oasis y Blur, inspira las canciones del segundo CD, mientras los discos 1 y 3 se dejan influir por los ritmos del jungle, el drum n’ bass, Aphex Twin o por supuesto el hyperpop actual, indistintamente.
‘Britpop’ es una aventura o, mejor dicho, una odisea, por diferentes géneros y sonidos que halla a A.G. Cook -ahora residente en Los Ángeles- en un estupendo estado de forma como productor y renovador pop. Con su barita mágica convierte en oro rosa todo lo que toca. La calidad de sonido es la máxima a la que puede aspirar cualquier productor.
Las gemas de ‘Britpop’ están repartidas a lo largo de los tres discos. Los ritmos barnizados de ‘Silver Thread Golden Needle’ -el épico corte inicial- no pueden ser más juguetones y resbaladizos. El laberinto rítmico de ‘You Know Me’ va del duelo de espadas a la rave total. El segundo CD une grunge e hyperpop -esto era posible- yendo del banger de ‘Bewitched’ a la pupa de ‘Without’, dedicada a SOPHIE. En el tercero los sintetizadores de -por ejemplo- ‘Emerald’ son de absoluto primer nivel.
Emerge en ‘Britpop’ la figura de Charli XCX, que pone voz al corte inicial y también al más “pop” del disco, ‘Lucifer’. Sin embargo, también se nota su ausencia especialmente en las canciones del segundo disco. Cuando A.G. Cook coge la guitarra y se pone a cantar, le pueden salir monadas como ‘Green Man’, pero lo cierto es que ni es el mejor compositor, ni el mejor cantante. Sus guitarras distorsionadas suenan a futuro y a gloria al mismo tiempo, pero seguro que Charli habría compuesto con ‘Nice to Meet You’ una canción mejor.
Donde A.G. Cook brilla de verdad es detrás de las máquinas, tocando botones, ajustando tornillos. Las producciones que firma en ‘Britpop’ demuestran que es un escultor inigualable. Tanto cuando mira a las grandes arenas de los 80, como en ‘Soulbreaker’, como cuando saca toda su artillería pesada en ‘Luddite Factury Operator’, como cuando apunta a la discoteca del futuro, como en ‘Equine’, A.G. Cook no deja clavo suelto. Caigas donde caigas en ‘Britpop’ encontrarás una producción que requerirá toda tu atención.
Si algo ha caracterizado a Miley Cyrus, aparte de sus enormes hits -de ‘Party in the USA’ a ‘Flowers‘- ha sido su habilidad para hacer versiones. Para escogerlas y para ejecutarlas. Por el éxito de sus adaptaciones de ‘Zombie’, ‘Heart of Glass’ o ‘Communication’, quizá alguien ha pensado que Miley es la persona adecuada para abrir el álbum tributo que hoy se publica para Talking Heads.
Y no es tontería. ‘Everyone’s Getting Involved’ incluye aportaciones de The National, Toro y Moi, Paramore, girl in red, Lorde y Él Mató a Un Policía Motorizado, entre muchos otros. Además, Miley Cyrus se ha quedado el que es el mayor hit de la mítica banda de David Byrne, ‘Psycho Killer’.
El tema original de Talking Heads era una canción de rock que se podía bailar. Es lo que caracterizaba a aquella música de finales de los años 70 que ya adivinaba por dónde irían los años 80. En el caso de este tema del debut de Talking Heads es tan pionero que data de 1977.
Miley Cyrus lo ha revestido de electrónica. Es tan robótico que se ha pasado de frenada. Hay algún ramalazo ultra Garbage, quizá algo Prodigy o Chemical Brothers, lo cual podría tener sentido porque los 90 fueron otra década en que guitarras y sintetizadores se encontraron.
Sin embargo, predomina una incómoda sensación de batiburrillo que no abre mucho el apetito sobre lo que encontraremos en ‘Everyone’s Getting Involved’. Hay un momento en que no sabemos si estamos escuchando más ‘Swastika Eyes’ de Primal Scream, o ‘Aburrida de estar salida’ de L kan. Y no era el objetivo. Cyrus habría bordado una versión puramente rock&roll de ‘Psycho Killer’. O una 100% ravera, si quería reinventarse. Quedar a medio camino esta vez simplemente no funcionó.
Empire of the Sun anuncian nuevo disco. Será el primero en 8 años, que son los que han pasado desde que se editó el irregular ’Two Vines’. Los autores del exitoso ‘Walking on a Dream’ volverán exactamente el día 26 de julio con el largo llamado ‘Ask that God’.
De momento conocemos 2 adelantos. Previamente se había publicado ‘Changes’, una canción de corte acústico, 100% Empire of the Sun, que además ahora sabemos que abrirá el largo.
Y hoy conocemos un segundo tema llamado ‘Music on the Radio, de corte más disco en el sentido clásico de la palabra (podría ser de Sylvester o Scissor Sisters). No es lo más imaginativo que podrían haber hecho en 8 años: la curiosidad la aporta la letra.
La canción oficialmente versa sobre “los héroes silenciados”, y entre ellos parece que podríamos incluirlos a ellos mismos. Dice el estribillo del tema: “no me gusta la música de la radio, no ponen mi canción, no me gusta la música de la radio, pero la canto (tararatata)”. Mientras en otro punto se entregan: “hay cosas que no puedo odiar para siempre, encontré un lugar lleno en el que caer”, tras reconocer que no pueden “cambiar el tiempo que hace”. Parece un «si no puedes con el enemigo, únete a él» que acompañan de un videoclip de fantasía, como es habitual.
Cara A
1 Changes
2. Cherry Blossom
3. Music On The Radio
4 The Feeling You Get
5. AEIOU
6. Television
Cara B
1. Happy Like You
2. Revolve
3. Wild World
4. Ask That God
5. Rhapsodize
6. Friends I Know
Kokoshca, grupo autor de himnos como ‘La fuerza’, ha anunciado que su nuevo disco, el octavo, sale este año. El primer adelanto, ‘La juventud’, está disponible desde esta semana. Nuestra Canción del Día es uno de los temas nuevos que puedes escuchar en la playlist «Ready for the Weekend«.
La banda de Pamplona liderada por Iñaki López y Amaia Tirapu entrega una canción con aspiración de himno, aspiración presente en su mismo título, y que se confirma en el estribillo «qué pesada es toda esta gente, criticando siempre al diferente, solo hablan de terceros, quiero ir a un sitio nuevo».
No es descabellado pensar que Kokoshca habla en ‘La juventud’ de ese sector poblacional que se resiste al cambio y al progreso. ¿Quién puede ser el «diferente» sino todo aquel cuya mera existencia es cuestionada incluso desde el poder?
El tono de ‘La juventud’ es combativo desde dos puntos de vista. Por un lado, el ritmo motorik lleva a Kokoshca al espacio exterior. Hace «bang bang bang» como aquel tema de las Melenas. Por otro, ‘La juventud’ establece dos bandos entre esa población joven que desea progreso, y ese grupo de «viejos» que siguen poniendo piedras en el camino.
Puede ser buscado el tono juvenil de esa frase «un día venceremos, cuando callen estos viejos», edadista en su descripción despectiva de los mayores. Pero la promesa de una victoria futura es la que deja verdadera huella, en este nuevo himno -sí, confirmamos- de Kokoshca.
Varias sorpresas las que deja el nuevo single de Nathy Peluso. ‘Aprender a amarte’ no llega a los dos minutos de duración. 1 minuto y 39 segundos bastan a Peluso para dar por comenzada su nueva era, la de su disco ‘Grasa‘, que sale el 24 de mayo.
En ‘Aprender a amar’ Peluso vuelve a su faceta rapera y deja una serie de barras en las que reflexiona sobre algunos de sus temas favoritos, especialmente la disciplina («todo en esta vida cuesta money, cuesta minutero, cuesta vaselina») y el amor propio, al que apunta el título del tema.
Pero la política también cabe en ‘Aprender a amar’, muchos años después de pasarse al FMI por el forro. Esta vez, La Sandunguera dice que «se mete la política» no se sabe dónde y, después, rapea que «aunque le ponga azúcar, la política tiene sabor a cemento», y comparte una reflexión: «Todo queremo’ la revolución, ¿pero quién le dedica un momento?» Cuando apunta que «la capital pelea y se avecina un terremoto», es evidente a qué se está refiriendo.
En medio de referencias marca de la casa a la «milanesa», a su propia fama, o a El Pity, a Peluso le da tiempo de colaborar con pablopablo para la parte instrumental de ‘Aprender a amar’, que parece fijarse en el Kanye West más magnánimo. Especialmente la bravura de las trompetas tienen todo el ‘Power’ de muchas producciones de West pasadas y presentes.
El videoclip de ‘Aprender a amar’ cede todo el protagonismo a Nathy Peluso y a la expresividad con que interpreta la letra de la canción. Agustín Puente se encuentra tras la dirección.
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