Charli xcx logra su 9º top 1 en JNSP; Lorde, el 6º

Este fin de semana han continuado las fiestas de presentación de ‘BRAT’. En concreto, esta vez tocaba que Charli xcx presentara el álbum en el conocido festival de Roskilde. Tras temas como ‘360’ o ‘Everything Is Romantic’, Charli ha subido al escenario a Caroline Polachek.

Y lo ha hecho para interpretar un remix muy loco de ‘Welcome to My Island’ (en concreto este), el tema que abría el disco que Caroline Polachek publicaba el año pasado. Ambas ya lo habían tocado juntas en vivo en un par de ocasiones.

En un momento dado que ha sido muy compartido en redes, ambas realizan una coreografía que en el NME ya han considerado “La Macarena”, aunque habría que añadir que también tiene un poco de ‘Saturday Night’. Todo ello remezclado con la marca de la casa. ‘BRAT’, mientras, continúa fuerte en listas y esta semana se mantiene en el top 4 en Reino Unido, en la que es su 4ª semana ya en el top 5. En todo el mundo, van casi 400.000 unidades.

BRAT EMERGENCY! Caroline Polachek e Charli XCX performando "Welcome To My Island (Remix)" no Roskilde Festival. 💚 pic.twitter.com/4KL13LzEx2

— Caroline Polachek Brasil ꩜ (@polachekbrasil) July 6, 2024

BRAT, el podcast

Polachek, el podcast

Espanto te cuentan ‘El último rumor’ a ritmo de motorik

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7 julio, 2024

Espanto, el grupo compuesto por los riojanos Teresa y Luis, al que debemos algunos de los discos más personales que ha producido el pop español en la última década, como ‘Ísimos y érrimos’ (2011), ‘Rock n’ Roll‘ (2012) ‘Fruta y verdura‘ (2016) o, últimamente, ‘Cemento‘ (2021) vuelve con nuevo disco. ‘Rumores’ será su próximo lanzamiento en Austrohúngaro y el primer adelanto ya está disponible. ‘El último rumor’ es nuestra Canción del Día.

En este sencillo, Espanto cuenta la travesía de un rumor que llega «hasta el pueblo» y viaja «de boca en boca» «batiendo sus alas». En la letra, Teresa y Luis nunca revelan de qué rumor se trata, pero sí confiesan que «no queríamos oírlo» y que, de hecho, ellos son sujeto de tales habladurías: «Hablaban de nosotros, las voces en el viento», canta Teresa.

Para contar la historia de ‘El último rumor’, Espanto escoge un sonido definitivamente electrónico, parecido al de su tema de 2021 ‘Fotos con las autoridades’. Por un lado, el teclado dibuja una melodía contenta y pizpireta que vuela sobre la base. Por otro, la batería electrónica se anima con el ritmo rápido y mecánico del motorik alemán. Ya se sabe que los rumores corren como la pólvora.

El nuevo disco sorpresa de SAULT es una canción de 32 minutos

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7 julio, 2024

SAULT, el misterioso colectivo de músicos que no para de desafiar las leyes de la industria, lo ha vuelto hacer. ‘Acts Of Faith’ es su nuevo disco sorpresa y consiste en una única canción de 32 minutos. El disco está disponible en forma de .wav para su descarga a través de un link que el colectivo ha compartido en redes sociales.

Fieles a su estilo típico en el que mezclan soul, funk y todo lo que esté en medio, ‘Acts Of Faith’ incluye unas líneas de piano jazz y unos coros góspel que acompañan durante toda la canción, a la cual van sumándose diferentes instrumentos y mini secciones.

La banda ha anunciado la salida del disco con una imagen de una televisión antigua en la que se proyecta el título del proyecto, sin más información que un link al disco. Según indican algunos usuarios, esta imagen tiene relación con su debut en vivo. El pasado 14 de diciembre, SAULT llevaron su música por primera vez al directo en Londres, con apariciones de Little Simz y Michael Kiwanuka.

«Para aquellos que no tuvieron suerte de asistir, esta imagen es de la primera habitación en la que entramos en el concierto de Londres. Estaba decorada como un apartamento habitada por una pareja descontenta, y tuvimos que andar por ahí hasta entrar en el túnel del recinto», se puede leer en los comentarios del post en Instagram.

https://t.co/gkoeXfFC9d 🥷🏿🥷 pic.twitter.com/kGtSiswElY

— SAULT (@SaultGlobal) July 6, 2024

El fiestón tecno de Delaporte cura el último día de Río Babel

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7 julio, 2024

La agradable y constante brisa veraniega que acompañó la última jornada de Río Babel dio vida a las 16.000 personas que asistieron en un día totalmente dedicado al baile y a la euforia. A las 20:00 de la tarde, los datos móviles funcionaban, cosa que no ocurrió el segundo día. Claramente, La Oreja de Van Gogh y Amaral han tenido el mayor tirón del evento. En total, 50.000 personas han disfrutado de la sexta edición del festival madrileño.

Tanto The Cat Empire, desde Australia, como Die Antwoord, desde Sudáfrica, disfrutaron de su primera vez actuando en Madrid. Al menos, eso dijeron estos últimos, porque en 2016 ya estuvieron en el Mad Cool. El dúo sudafricano formado por Ninja y Yolandi Visser se mostraron especialmente emocionados de tocar en la capital española, aunque su concierto fue bastante básico, sobre todo viniendo del éxtasis de Delaporte. Como personajes, son interesantes de ver, pero faltaba algo más para que el público conectase realmente con ellos. Por ejemplo, que se entendiese algo a Yolandi. Hablaba muy bajo y su peculiar voz -a lo ‘Alvin y las ardillas’- tampoco ayudaba. Y ni rastro de sus impactantes visuales en directo.

Después de alabar nuestras habilidades culinarias («The food has been fucking nice»), Ninja se tiró una especie de freestyle a capela que el público recibió muy tibiamente. A ver, normal. La gente estaba ahí por los grandes hits, como ‘Baby’s On Fire’ o ‘I Fink U Freeky’, que fueron recibidas maravillosamente. Nadie entendía si lo que estaba haciendo era una canción o se le estaba ocurriendo en el momento. Espero que lo segundo: «They say I’m homophobic, DJ Hi-Tek is gay», rapeó señalando a su compañero de escenario. Silencio sepulcral. ‘Tendríais que reíros’, debió pensar Ninja.

Los dos recitales de rock que hubo ayer no podían ser más distintos. Por un lado, los míticos Babasónicos, conocidos por sus provocativas letras y sus múltiples cambios estilísticos en 30 años de historia, desde el heavy metal al funk o al pop. Por otro lado, Two Door Cinema Club, conocidos por el FIFA. Los argentinos se centraron en su faceta más tardía, llena de melodías sensuales y ritmos inmediatos.

Comenzaron por ‘Tajada’, su último sencillo. Desde que tocó el micro, el cantante Adrián Dárgelos quedó hipnotizado al servicio de la música. Dárgelos no dice mucho, pero sus movimientos hablan por él. Junto a su hermano y guitarrista Diego, que se pasó el concierto meneándose como si estuviera solo en el escenario, fue el foco de los ojos del público. Sin saberme todas las canciones, la claridad y potencia de la música (especialmente los bajos) y las excentricidades de los hermanos convirtieron el concierto en uno de los mejores de la edición. ‘Y Qué?’ y ‘La Pregunta’, piezas claves del show. Mejor disfrutarlas en directo que en Spotify.

Si algo ha faltado, en general, en los conciertos de este Río Babel ha sido espectáculo visual. Menos mal que Delaporte, aun estando programados en el escenario pequeño, se lo curran. Con patrones y luces específicas para cada momento del espectáculo, Sandra Delaporte y Sergio Salvi construyeron el concierto más certero y efectivo de toda la edición. Es un show para liberarse, para no parar de moverse y para curarse, como dicen ellos, con el envolvente y futurista tecno que ofrecen.

Si te quedas quieto mirando como Sandra se recorre el escenario bailando o como Salvi construye los mejores drops que hayas oído, no vas a pillarlo del todo. Tienes que estar ahí. Además, no puede ser más fácil entrar al trapo. Desde los primeros momentos, que emulan el latido de un corazón, quedas totalmente atrapado a merced de su gran fusión de pop y tecno. ‘Súbete La Radio’, con esa icónica línea de «tomo potasio, culo duro», y el gran himno de ‘Soy de aquí’ se me van a quedar en la cabeza mucho tiempo. Me pregunto cuánta gente se habrá tatuado la frase de «Muerte al que no me reviente el suelo». Seguro que no la suficiente.

cupcakKe / Dauntless Manifesto

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Fernando García

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Han sido años difíciles para Elizabeth Harris, mejor conocida como CupcakKe. Hacía ya seis del último disco de la hasta entonces prolífica rapera de Chicago, publicado tan solo unos meses antes de que a principios de 2019 escribiera un tuit anunciando que se iba a suicidar. Por fortuna, todo quedó en una falsa alarma, ya que posteriormente indicó estar bien y anunció que llevaba años luchando contra la depresión y recibiendo ayuda psicológica.

En septiembre de ese mismo año, la artista publicó un muy preocupante vídeo donde aparecía llorando y arrepentida por ser “una mala influencia” para los niños con sus letras sexualmente ultra explícitas. Aunque solo dos meses más tarde lanzó un single, el primero de muchos sencillos sueltos que ha sacado dispersamente a lo largo de estos años.

Quizá para proteger su salud mental, ‘Dauntless Manifesto’, su primer largo desde hace más de un lustro, llega sin promoción ni publicidad alguna, como si la propia artista quisiera evitar cualquier tipo de atención mediática. Pero que esto no confunda a nadie: ni mucho menos estamos ante un álbum menor en ningún aspecto. La primera pista ya debería servir para alertarnos de que este proyecto va muy en serio. ‘Grilling N***** II’ es un espectacular ejemplo de las capacidades de la rapera para ametrallar con agresividad frases ingeniosas sin olvidarse nunca de su brillante sentido del humor.

La primera frase que escuchamos en el disco va dirigida a sus haters: “Go suck a dick thorugh a toilet seat” (“Chupa una polla a través de un retrete”). Pero por increíble que pueda parecer, la vulgaridad de CupcakKe no es desagradable, sino absolutamente delirante y desternillante gracias a su habilidad para crear imposibles metáforas e inteligentes juegos de palabras.

Además, la producción de muchas de las canciones es más sofisticada que en anteriores trabajos, como en ‘Connect 4’, que comienza con unos dulces sintetizadores R&B y unos angelicales coros distorsionados antes de sucumbir a una hilarante comedia sexual donde la rapera narra la orgía que se podría montar si invitara a su amiga a la fiesta. Entre las múltiples líneas capaces de sacar una carcajada a cualquiera, brilla “Golden shower these fat ass cheeks, don’t stop ‘til I look like Pikachu” (“haz una lluvia dorada en estas nalgas gordas, no pares hasta que parezca Pikachu”). Las refrescantes guitarras de ‘Water Balloon’ también resultan absolutamente inesperadas y su estribillo de lo más contagioso que encontramos aquí.

En la siguiente pista, CupcakKe deja lo sexual a un lado y se pone más grave, no solo en lo lírico, donde habla sobre la depresión y la prevención del suicidio, sino también en lo musical. ‘Rock Paper Scissors’ es una muestra de que la artista puede tratar temas serios sin perder un ápice de atractivo artístico.

Aunque en ‘Dauntless Manifesto’ funcionan mejor los temas más ligeros, y puramente hedonistas como ‘Queef’, engalanada con una línea de sintetizador futurista y ritmos latinos. La canción comienza con un “Twinkle, twinkle little star, he gon’ make this pussy fart” y desde ahí la fiesta continúa hasta el último segundo. ‘Dementia’, el corte más pop, destaca por su exquisita producción, su inmediata melodía y, por supuesto, por el inmenso carisma de CupcakKe, impreso en cada frase. Por otro lado, ‘Double Homicide’ nos devuelve al estilo agresivo de la primera pista con otro espectacular beat, mientras que ‘Cody’ ofrece su versión más melódica en el sugerente estribillo.

‘Dauntless Manifesto’ es obsceno y grosero, pero no solamente está cargado de referencias sexuales, sino también de una fuerte convicción por la justicia social. CupcakKe habla de racismo, salud mental y derechos LGTB, y todo ello siendo tan divertida, irreverente y gamberra como siempre. Ojalá llegue el día en que se la reconozca como lo que es: una de las mejores raperas de la actualidad.

‘Joyride’: ¿otro «resurgir» de Kesha o un cuadro?

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7 julio, 2024

«Kesha ha celebrado su independencia, como Estados Unidos, publicando nuevo single este 4 de julio, el primero que edita a través de su propio sello, Kesha Records. Y es inolvidable, desde luego. Sobre el papel, ‘Joyride’ debería molar: es una producción sumamente extraña, marcada por el insistente sonido de un acordeón que marca el ritmo junto a la base dance; incluye efectos de bocina y, sobre todo, parece diseñada para devolvernos a la Kesha mamarracha que nos divirtió hace unos años con ‘Tik Tok’ o ‘Timber’, poniendo voz de pija californiana que se bebe hasta el agua de los floreros (y estás deseando sea tu mejor amiga).

Mucho ha llovido desde entonces y ‘Joyride’ no captura ese espíritu desenfadado de la Kesha inicial aunque lo intenta muy fuerte. Las frases suenan meditadas aunque quieran parecer espontáneas: «this party sucks», «I am a bitch», «you want kids? I am MOTHER». Vale, yo también leo Twitter: imagina no decir madre. Cuando Kesha canta «métete en el coche, loser», en realidad hace que prefieras ir andando. No te sientes «cool» como Lindsay Lohan.

A Kesha hay que aplaudirle no haber hecho una canción predecible. En su caótica e impenetrable mezcla de dance-pop, algo parecido a la polka, vocoders y versos de «bad bitch» pero impostados, ‘Joyride’ no se parece a nada. Y espero no siente precedente, porque, más que «alegría», ‘Joyride’ parece un instrumento de tortura. Más que en el Día de la Independencia, debería haber salido en Halloween: es escucharla y querer salir corriendo». Jordi Bardají.

«Kesha lleva años en un “resurgir”. El capote que le echó Zedd en la excelente ‘True Colors’ fue calificado por muchos fans como “su resurgir”, y el lanzamiento de ‘Rainbow’ con la épica de ‘Praying’ también fue “su resurgir». A nivel comercial todo estaba muy lejos de los números que hizo con Dr. Luke, y ya no digamos ‘High Road’ y ‘Gag Order’, otros dos “resurgires”. Kesha ha sacado grandes canciones en este tiempo (y ‘Gag Order’ me parece un discazo), pero es verdad que se le resistía “el bop”, todos esos temazos petardos que tenían ‘Animal’ y ‘Warrior’, así que incluso a sus fans nos costaba convencer a los demás de que el talento para eso no solo estaba en Dr. Luke. Hasta ahora. ‘Joyride’ es un «resurgir» en cuanto a esos bops, y es la prueba de que Kesha no era ninguna muñequita a la que le indicasen hacerse la mamarracha, de que era ella la que metía a Dahmer en una canción llamada ‘Cannibal’ o la que cantaba con Iggy Pop sobre cucarachas follando.

¿Lo habrá estado manteniendo a raya para que, si algo más comercial tenía éxito, fuese ella (ahora independiente) quien disfrutase de los beneficios? Seguramente no, pero uno llega a pensarlo, porque en ‘Joyride’ no hay intensidad que valga: esto es un despiporre que entiendo que a muchos les resulte un cuadro, pero es lo que la hace tan buena. Zhone, uno de los productores de ‘Rush’ y también de temas de Paris Hilton, se une a Kesha en una canción que parece una mezcla entre los temas de (ejem) Kim Petras para ‘Slut Pop’ y el ‘Dragostea din tei’ de O-Zone, que incluye unos coros teatrales y un puente donde juega con la distorsión.

‘Joyride’ es tosca y caótica, pero es que, frente a canciones que quieren parecer sucias, ‘Joyride’ ES sucia, y se deja la sutilidad en casa nada más arrancar con el “are you a man? Cause I’m a bitch”. Kesha demuestra que se adueña de cualquier cosa y nos deja una buena lista de one-liners con “keep it kinky but I come first”, “a label whore, but I’m bored of wearing clothes”, “you want kids? Well, I am Mother” y, por supuesto, su estribillo. Para mí, una de las canciones del verano». Pablo Tocino.

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‘Not Like Us’ corona a Kendrick Lamar como el rey del hip hop

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6 julio, 2024

Kendrick Lamar ha lanzado el vídeo de ‘Not Like Us’, su mayor hit en años, poniendo fin a su victory lap tras el polémico beef con Drake. ¿Quién imaginaría que en 2024 Kendrick Lamar llegaría al número 1 del Hot 100 llamando pedófilo a la mayor estrella del rap mundial y ganándole en su propio juego? Y todo con un beat hecho en 30 minutos, según Mustard. Llegados a este punto, no es ninguna locura plantear a Kendrick como el rey del hip hop. ‘Not Like Us’ es nuestra Canción del Día.

Ahora mismo, ‘Not Like Us’ está en el número 3 del Hot 100. Drake, por otro lado, aparece únicamente en el número 67 en ‘U My Everything’, una colaboración con Sexyy Red. Kendrick ha ganado al canadiense en su propio juego, y no solo eso. También le ha hecho montarse en algunas canciones un tanto cuestionables. Un poco antes de que Kendrick unificase la costa oeste e insultase al canadiense cantando ‘Not Like Us’ seis veces en Amazon Prime, este lanzó la peor colaboración que ha hecho en su carrera. Tanto, que ya no está en Spotify.

‘Wah Gwan Delilah’ es una versión de la clásica ‘Hey There Delilah’ de Plain White T’s, pero con una letra adaptada al slang del patuá jamaicano, extendido entre la población multicultural de Toronto. Se supone que la intención de Snowd4y, artista principal del tema, era que fuese una pieza cómica, pero es tan mala que le ha salido al revés la jugada. Aunque el acento jamaicano de Drake y sus líneas llenas de cringe parezcan IA, no lo son. Suena a arrepentimiento instantáneo.

Las redes se llenaron de memes señalando que Kendrick era el culpable de todo esto, arrastrando a Drake a una debacle total. En algún momento, Drake volverá a las listas como siempre ha hecho, pero la sucesión de los hechos es muy divertida. Ahora, el de Compton ha lanzado el esperado vídeo de la canción, con un breve trozo de una canción inédita.

El nuevo tema de Kendrick, a juzgar por las características palmas que suenan, vuelve a estar producido por Mustard. Además, usa un flow parecido al de ‘Not Like Us’. El vídeo comparte la estética clean que ha caracterizado los trabajos audiovisuales del rapero y podemos verle celebrando en diferentes situaciones. Por ejemplo, jugando a la rayuela mientras entona la ya icónica línea: «Tryna strike a chord and it’s probably A-Minor». En la escena más cuqui del vídeo, Kendrick baila junto a su mujer e hijos. En la parte menos sutil, el rapero destroza una piñata con forma de búho.

Así, todo indica que Kendrick ya ha terminado esta etapa. Drake puede estar tranquilo. Eso sí, según el CEO de los Grammy, Harvey Mason Jr., ‘Not Like Us’ podría estar nominada a una estatuilla, abriendo la puerta a un perfecto desenlace.

Omar Apollo / God Said No

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Dice Omar Apollo que ‘God Said No’, su nuevo disco, contiene las “canciones más tristes que he escrito”. Su tristeza es específicamente queer en ‘Life’s Unfair’, donde reconoce que se “habría casado” con su novio, pero que no ha podido ser porque este no está preparado para salir del armario y prefiere vivir una doble vida. Y en ‘Glow’, el corte final, la sombra de la homofobia religiosa se posa sobre su relación: “Si vamos al infierno, puedes cogerme de la mano”.

La religión no está tan presente en ‘God Said No’ al contrario de lo que puede parecer. Cuando Apollo afirma que “Dios ha dicho que no”, plantea una postura determinista, refiriéndose al destino. Alude a la “ilusión del libre albedrío”: “Va sobre aceptar que ciertas cosas que crees son para ti, al final no lo son”.

Con estas palabras, Apollo está describiendo la temática de ‘God Said No’, porque ese desengaño atraviesa muchas canciones del álbum. “He intentado ser alguien que te gustase, pero es demasiado compromiso” es una de las primeras frases que se escuchan en el disco, en el corte inicial ‘Be Careful with Me’. Más adelante, en la preciosa ‘Dispose of Me’, la desesperación de la frase “¿Podemos intentarlo otra vez? Teníamos potencial” cala hondo.

Las canciones de Omar Apollo convencen porque, en su componente abiertamente emocional, suenan sinceras, sobre todo cuando las melodías y la manera de interpretarlas no recuerdan demasiado a las de Frank Ocean, como en ‘Against Me’. Esta sigue siendo la cruz de un compositor que no termina de encontrar una firma genuinamente incomparable a pesar de su popularidad. El estilo de Miguel se percibe también en las producciones… sea intencionado o no.

Pero cuando Omar acierta lo hace de lleno. Por un lado, de las trompetas de ‘Done with You’ salen mariposas volando. Con un sonido de R&B clásico que remite al de Bill Withers o Al Green, Apollo entrega una de las mejores canciones de su carrera compartiendo una reflexión sobre el amor totalmente universal. Que el “amor a veces no lo es todo” es un mensaje que grabarse a fuego.

Por otro lado, la vulnerabilidad de Apollo no está reñida con la experimentación. En ‘Less of You’ entrega una producción tecnopop inesperada, mientras la certeza del fin de una relación acecha: “Ahora solo me escribes, ni siquiera me llamas”. En ‘Drifting’ suena exhausto, “cansado” de esforzarse, pero sigue tan inspirado que se le ocurre samplear ‘Edge of the Ocean’ de Ivy (2000) en una producción que se podría titular ‘Summertime Sadness’, también.

De ‘God Said No’ convence menos el experimento synthwave de ‘How’ y más la espontaneidad que transmite en ciertos puntos. Cuando en la conmovedora balada ‘Empty’, Apollo canta en español “No dejo de pensar en ti”, eriza la piel. Más premeditada suena la aparición de Pedro Pascal en el interludio ‘Pedro’, en el que el actor cuenta una historia personal que, francamente, no sé a quién puede interesar. Con su propio mundo interior, Apollo se basta y se sobra.

La Oreja de Van Gogh experimenta, emociona y alucina en Río Babel

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6 julio, 2024

Aparte de su propuesta, centrada en ofrecer un cartel que fusione la música española y la latinoamericana en un mismo recinto, algo que me gusta de Río Babel es la inexistencia de solapaciones. Guay, así no me pierdo nada. Sin embargo, ayer descubrí que esto tiene doble filo. Es el equivalente a una televisión de un solo canal. Lo que hay es lo que hay, te guste o no. ¿Qué hacer cuando estás solo en un festival y empieza a sonar La Pegatina? Yo tampoco lo sé. Eh, su objetivo es hacer bailar al público, así que cumplen con creces.

Otro aspecto a valorar es el hecho de que todas las actuaciones tienen prácticamente la misma duración, consiguiendo que a ningún concierto le sobre tiempo, ni le falte, aunque en lo personal hubiese preferido que el concierto de los Motorizados durase el doble.

El suelo de asfalto a casi 40 grados, ya tal. Para luchar contra el calor abrasador, la organización de Río Babel ha colocado un punto de hidratación que, en su punto álgido, está más concurrido que un mercadillo de pueblo. ¿Un buen momento para llenar tu botella? Durante el concierto de La Oreja de Van Gogh.

A las 18:45, el metro de San Fermín-Orcasur estaba impracticable. Atasco en las escaleras mecánicas, gente ajena al festival grabando la situación… Y todavía quedaba media hora para que empiece La Oreja. Es uno de los grupos más queridos de nuestro país y otra evidencia es la grandísima fila formada en la parte de asistentes sin pulsera, es decir, que solo iban ese día al festival. En total, 18.000 personas. 2.000 más que en la primera jornada.

Mientras me escondía del sol tras la torre de sonido, un punzante sintetizador empezó a sonar. Parecía más la intro de The Weeknd que de La Oreja de Van Gogh. Cuando sonaron las primeras notas de ‘Cuídate’, todo empezó a cobrar sentido. Esto fue una constante en todo el concierto. Yo ya vi a La Oreja y a Amaral cantar de forma consecutiva en San San, y no recordaba que el grupo vasco experimentase tanto, ni que sonase TAN bien. Sí recuerdo el increíble solo de theremín en ‘Muñeca de trapo’, que se volvió a repetir en esta ocasión para el gusto de todos.

En este sentido, mientras que anoche Amaral jugó a asegurar, sin nada novedoso excepto la presentación de ‘Rompehielos’ en directo, La Oreja puso toda la carne en el asador. Los instrumentos sonaban renovados, contundentes y certeros, por no hablar de los momentos instrumentales. Ahí sí que se notó lo experimentada que está la banda, con todos los integrantes tocando una parte. Las secciones finales de ‘Abrázame’ y ‘La niña que llora en tus fiestas’ son algo que había que ver para creer. Nunca pensé que diría esto de La Oreja, pero hay momentos en su set que son realmente heavys y experimentales, sorprendiendo de la mejor manera.

Siempre me ha dado la sensación de que las canciones de Amaral son más maduras que las de La Oreja, y me lo sigue pareciendo, pero a nivel de show, ayer la banda zaragozana no estuvo a la altura de los vascos, aun llenando casi completamente la Caja Mágica. No es que Eva Amaral y Juan Aguirre fuesen a medio gas, porque la cantante brilló igual que siempre en su vestido de lentejuelas (no es Taylor, es mucho mejor), pero sí dependieron exclusivamente de su colección infinita de hits. La Oreja hizo lo mismo, pero además ofreció algo nuevo.

Si a esto le sumamos la sólida presencia y confianza de Leire en el escenario y la dulce nostalgia y emoción colectiva que desprenden todas sus canciones, queda un concierto de 10. Probablemente, uno de sus mejores shows. Nunca dejan de asombrar los momentos ensordecedores del público cantando al unísono los estribillos de ‘Rosas’ o ‘Puedes contar conmigo’. La naturalidad de la cantante también encanta. A la vez que pensaba en la suerte de la gente recibiendo manguera en las primeras filas, el público empezó a corear el nombre de Leire: «Sabéis que soy de las que lloran». Es que se lo merecía.

Juanes gana a Calamaro en Río Babel, a menos que te guste Maradona

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5 julio, 2024

Trueno comenzó su concierto a mitad de tarde en uno de los días más calurosos de las últimas semanas. La mayoría de asistentes optó por actuar como salamandras, buscando la sombra donde pudieran. El resto, sin importar cómo de fuerte pegase el sol, se mantuvo fiel a la fiesta del hip hop que presentaron Trueno y su magnífica banda en la Caja Mágica.

El rapero argentino es uno de los artistas jóvenes más disfrutables en directo. Su banda (compuesta por teclado, bajo, percusión, batería, guitarra y vientos) fue la que mejor sonó en esta primera jornada de Río Babel, y eso que competía con Juanes y Andrés Calamaro. La dureza de la batería y la profundidad del bajo convirtieron el show de Trueno en todo un rompecuellos que no excluyó a nadie, estando dirigido tanto a los amantes más intensos del hip hop como a los simpatizantes de la música urbana.

‘REAL GANGSTA LOVE’, actual número 1 en España, fue uno de los highlights, potenciando su faceta vintage con un mashup de ‘The Next Episode’: «Cada disco y canción que sacamos lo escuchan por Madrid. Hay una canción que está sonando mucho por aquí», presentaba el argentino, que sorprendentemente suena exactamente igual que en las versiones de estudio. Cada canción, desde ‘DANCE CRIP’ a ‘NIGHT’, era una prueba de lo querido que es Trueno en España. Otra prueba más: el 13 de marzo de 2025 será su primer Wizink Center.

Cuando el sol empezó a esconderse, ya se notaron las 16.000 personas que inauguraban esta sexta edición del festival. Caloncho puso una banda sonora agradable, aunque lejos de interesante, al rato que había hasta la actuación de Juanes. Combinado con los monólogos de Facu Díaz y Patricia Espejo en Babel Comedy, se quedó una buena tarde.

Tenía casi las mismas expectativas con Juanes que con Andrés Calamaro. Tenía claro que ambos son artistas con una ristra enorme de clásicos o canciones especialmente queridas. Sabía que Calamaro podía ser algo excéntrico, pero no sabía nada de la personalidad de Juanes. No esperarse nada vuelve a ser una ventaja, porque el concierto de Juanes me pareció el más divertido de la jornada.

Lo primero que pensé cuando empezó a cantar el colombiano fue «uy, que visuals más cutres» a la vez que «guau, su voz está intacta». Juanes me fue ganando poco a poco, pero de forma constante. En muchas canciones se encarga él de hacer los solos de guitarra, honrando su pasado metalero, y demuestra un inmenso carisma en todo lo que dice. «Me vale verga si no os la sabéis, ¡es muy fácil!», soltó con una sonrisa durante ‘Mala Gente’. «Me gusta la inteligencia artificial, pero me gusta más la inteligencia emocional», dijo en otro momento dado, animando al público a estar presente.

‘Nada valgo sin tu amor’ empieza a sonar. Primer clásico. Le siguen ‘Volverte a Ver’, ‘Fuego’, ‘Es Por Ti’, ‘La camisa negra’, ‘A Dios le pido’, ‘Me enamora’… La lista es interminable. Cada vez que puede, que es muy a menudo, Juanes deja que el público le sustituya cantando, mientras se le ilumina la cara de ilusión. La traca final, que comenzó con unas inesperadas versiones de ‘Twist and Shout’ y ‘La bamba’, llegó a su fin con la maquinera ‘La Luz’, en la que entró desde un merenguito hasta una divertidísima sesión de «¡eo!» con el público, a lo Freddie Mercury.

Nada chapado a la antigua, entretenido, participativo, buenrollero y musicalmente más interesante de lo que esperaba. Justo lo contrario que el concierto de Calamaro. En la primera mitad de su show, el argentino estuvo especialmente poco hablador. «Hola, Madrid» dijo al comenzar. El mashup de ‘Kashmir’ con ‘El día de la mujer mundial’ fue un gran momento de Calamaro, vestido con gorra, camisa y sus míticas gafas. Se le veía centrado y metido en el momento. Su voz, bastante bien conservada, destacaba entre los potentísimos coros de la banda, que mantuvo un gran nivel durante todo el set. Poco a poco, todo se fue desinflando.

Las canciones se iban sucediendo y cada vez estaba más claro que nada me iba a sorprender. Cuanto más eufórica estaba la gente a mi alrededor, más indiferente me volvía, lo cual es algo bastante incómodo. Todos queremos pasarlo bien. Excluyendo las canciones clave, como ‘Te quiero igual’, en la que Calamaro se marcó un Alex Turner con la letra en toda regla, ‘Flaca’ o ‘Paloma’, el resto del repertorio se me hizo muy repetitivo.

Él tampoco hace mucho por el entretenimiento. Mi punto de inflexión llegó con la canción de Maradona. Un momento bastante casposo, no diferente al resto del show, por otro lado. Aquí sí le entraron ganas de hablar a Calamaro, contando que su amigo y futbolista «adoraba a su pueblo, la música popular y el mundo», entre otras cosas. Claramente, el público estuvo más a tope con Calamaro que con Juanes. Despierta más afición, supongo. Sin embargo, aunque el número de clásicos de cada uno esté a la par, la calidad de sus shows no. Juanes hacía sus solos. La guitarra de Calamaro apenas se oía.

MAYO: «He sacrificado por completo mi vida de antes»

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5 julio, 2024

MAYO, previamente conocido como Álvaro Mayo, fue uno de los concursantes más queridos de la última edición de OT. El sevillano de 22 años conquistó al público, especialmente al sector LGTBIQ+, con su naturalidad y valentía.

Nada más salir de la Academia, se puso a trabajar en su primer lanzamiento. Tras ‘Mis Nenas’, hoy llega la atrevida y veraniega ‘So Cute’. Estas canciones se enmarcan en el EP debut del artista, que llegará en septiembre y servirá como una personal carta de presentación llena de bangers.

El exconcursante de OT también tiene preparada su primera gira de otoño, que le llevará alrededor de todo el país. El pasado 10 de mayo salieron a la venta las entradas de las primeras fechas, agotándose en unas pocas horas y ampliando las ciudades en las que actuará. Su próximo concierto es el 8 de julio en Collado Villalba, antes de actuar en el Pride de Barcelona el próximo 20 de julio.

Hablamos con él sobre acostumbrarse a una nueva vida, su primer trabajo como artista y todo lo que le ha enseñado su paso por OT.

Entraste a OT como Álvaro Mayo, y saliste como MAYO. ¿Esa fue tu primera opción de nombre artístico?
Durante toda mi vida he estado planteando diferentes nombres, lo que pasa es que no me convencía ninguno. Nunca me dio por usar el apellido, pero en OT me dijeron que tenía que elegir un nombre. Así que elegí MAYO. Es fácil de comercializar.

¿MAYO eres tu también o son dos personas diferentes?
Están muy enlazados, pero son un poco diferentes. MAYO es una persona más segura en el escenario, es como inalcanzable. Álvaro es una persona totalmente normal, que habla con cualquiera… Me pongo la capucha del artista.

¿Qué fue lo primero que hiciste cuando saliste de la Academia?
Trabajar en el primer single que saqué. De hecho, al día siguiente de salir era día de promo a tope. Y bueno, me recogió mi madre, estuve con ella charlando, me tomé un cubata con ella, me fumé un piti… (risas).

¿Te has acostumbrado a este nuevo estilo de vida?
A medias, no del todo, porque es mucho cambio de repente. Lo más difícil puede ser el cambio de entorno tan brusco. De repente, no veo a mi familia nunca, ni a mis amigos. Yo tampoco soy una persona que utiliza mucho el teléfono, en el sentido de que yo no llamo nunca a nadie, ni hablo mucho por mensajes. Soy muy distante con el teléfono. Entonces, estoy mucho más alejado de todo mi entorno.

De todo lo que has aprendido en la academia, que seguro que no es poco, ¿qué es lo que más te está sirviendo en tu carrera?
Prepararlo todo mucho. Antes no tenía mucha idea de cómo funcionaban las cosas. Solo ensayaba un par de veces en mi casa, pero no tenía en cuenta la puesta en escena. Lo que voy a hacer en el escenario, las emociones que tengo que transmitir… Además, es algo que me da un montón de seguridad. Hay menos margen de error.

Sacaste ‘Mis Nenas’ en febrero y hoy sale ‘So Cute’, que es todo un banger de verano. ¿Cómo crees que lo van a recibir los fans?
Creo que bien. Los fans, estoy seguro de que les encantará. Lo que ya no sé es los que no son fans, claro. ¿Hasta dónde llegará? Yo espero que llegue muy lejos, la verdad. Creo que es una canción bastante especial y que no se parece a ninguna canción del panorama español.

¿Qué tenías en la cabeza cuando estabas escribiendo?
Ese día fue uno que estaba super rayado porque había hecho algunas canciones, pero necesitaba un banger. Fui al estudio con esa presión que muchas veces te autoimpones y que no sirve de nada. Estuve charlando con el productor un montón de horas, de la presión de hacer canciones y que tengan que ser hits. Realmente, ¿qué es un hit? Lo mismo puede serlo una canción supermáquina que ‘we can’t be friends’ de Ariana, que es como más balada. Al final, dijimos: vamos a divertirnos. Y miramos la lista de referencias que tengo.

¿Me puedes decir alguien que esté en esa lista?
Charli xcx, Belén Aguilera, Julieta, Dua Lipa…

Luego está el videoclip, que lo hemos podido ver. Parece mentira que tuvieses vergüenza en OT. La referencia a ‘Call me by your name’, ¿fue idea tuya?
Sí. El EP, que llega en septiembre, tiene un arco narrativo que cuenta la historia de mi vida en diferentes etapas. ‘SO CUTE’ sería como la quinta canción y abarca mi adolescencia hasta el punto en el que estoy ahora. No todas tienen videoclip, pero sí que todas tienen visualizer o algún tipo de apoyo audiovisual. Teníamos una narrativa queer, no por ser reivindicativa, sino porque la he escrito yo. Son experiencias con las que mucha gente del colectivo puede sentirse identificada. Y dijimos, ¿por qué no hacemos que cada canción tenga una referencia algún tipo de obra audiovisual del colectivo? En ‘Call me by your name’, el personaje de Elio descubre su sexualidad y tiene mucho que ver con el despertar sexual. Además, cuando piensas en películas del colectivo, es la primera que se te viene a la cabeza.

Entonces, ¿qué vas a tratar en el EP?
Hay algunas canciones que son de amor, otras que son de mis miedos e inseguridades… Otras tratan sobre el miedo de que la gente se aleje de tu vida. También hay canciones que hablan de la toxicidad. Cuando tienes poca autoestima, muchas veces te metes en relaciones que son tóxicas porque la persona se aprovecha de eso y lo aceptas porque piensas que es el único tipo de amor al que puedes acceder siendo homosexual. Va sobre todo esto y cómo voy transitando y madurando a través de estas situaciones.

¿Cómo te has sentido creando tu primer proyecto?
Es mi bebé. Le tengo muchísimo cariño. He acabado muy orgulloso de cómo ha salido. Han sido dos meses en los que he producido muchas canciones y también he tenido que descartar muchas. Al principio, estaba inseguro, pero cuando las he terminado me he dado cuenta de que son todas bangers. Aunque alguno sea triste y otros de bailar. Cada canción es una parte del pop diferente y representa muy bien todo lo que es mi universo.

Nos sorprendió mucho que, siendo el concursante que más visibilidad ha dado al colectivo en el concurso, no formases parte del pregón de Madrid en el Orgullo. ¿A ti qué te parece?
Esa pregunta prefiero saltarla, la verdad, porque conlleva drama en Twitter (risas). O sea, diga lo que diga, va a salir mal.

El lado bueno es que en el Pride de Barcelona compartes cartel con Jessie J, Tokischa…
Cuando vi el cartel, me sorprendió muchísimo, la verdad. Me mató. Ojalá pudiera cantar con Jessie el ‘I Want Love’. También hice el Orgullo de Sevilla hace poco. Lo preparamos en bastante poco tiempo, pero salió muy bien. Hubo un feedback muy bueno y en Barcelona va a ser mejor.

¿Cómo asimilas que hace unos meses fueras una persona normal y que ahora estés en carteles con Jessie J?
Es muy fuerte. La flexibilidad es un poco difícil y esta vida, aunque parezca que no, es bastante dura. Tienes que trabajar un montón. Tienes que sacrificar un montón de cosas. Yo, por ejemplo, mi vida de antes la he sacrificado por completo. De mi día a día de antes, no queda nada. A veces es un poco bajón, pero cuando pienso en lo afortunado que soy de estar en este mundo y vivir de ello se me quita la tontería.

Pregunta rápida: ¿Britney o Jessie J?
¡Guau! Es que es diferente, porque creo que Jessie J me ha pillado un poquito más de mi quinta. Britney siempre ha estado, porque sus canciones más fuertes salieron cuando ya había nacido. A nivel cultural, creo que Britney ha podido ser más influyente, pero Jessie J es la mejor cantante que existe en el planeta.

¿Por qué elegiste ‘Baby One More Time’ para entrar en OT?
Yo propuse cantar ‘I Want Love’, que es la canción con la que me fui, pero como Operación Triunfo es de Amazon Prime, no era tan fácil conseguir los derechos de algunas canciones. De hecho, consiguieron los derechos un mes después de ese programa. La canción de Britney estaba en la lista que había, me la ofrecieron y dije: Venga, vale. O sea, fue un acierto total. Es un temazo y me benefició muchísimo en mi carrera, pero yo quería ‘I Want Love’. Al final, la canté en la última y me quedé a gusto.

Cuestionario extra a Álvaro Mayo en nuestro Instagram:

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Eterna Joventut anuncia parón cantando una ‘Melodía romántica’

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5 julio, 2024

Eterna Joventut, el grupo de Júlia, Sònia, Alicia y Asier, ha comunicado que deja temporalmente los escenarios. Aunque parece que el cuarteto no se separa definitivamente, su futuro parece incierto, a tenor de sus propias palabras: «Sea un hasta luego, un hasta pronto o un hasta siempre, que esta melodía nunca deje de sonar», anuncia el grupo en redes.

La melodía a la que se refiere Eterna Joventut es la de su nuevo single, ‘Melodía romántica’. «A buenas horas, mangas verdes», comunica el sello Snap! Clap! Club, ‘Melodía romántica’ aparece hoy en las playlists de Novedades Viernes España y Novedades Indie.

‘Melodía romántica’ ofrece lo que promete su título y, musicalmente, sigue apegada al pasado, como el single de Eterna Joventut de hace un par de temporadas, ‘Una luz brillante‘, su «apuesta para el Benidorm Fest de 1968». ‘Melodía romántica’ mezcla sonido girl group y guitarras surferas como ya han hecho Vivian Girls o Mujeres en el pasado. La música de ‘Melodía romántica’ queda más cerca de las Pipettes que de Cindy Lee, eso sí.

Una composición meta desde su mismo título, ‘Melodía romántica’ no habla de otra cosa que de esa melodía que «siempre te acompañará» y que, en tus peores momentos, te hace «sanar». Es, por tanto, un homenaje a la música misma y a su capacidad para poner banda sonora a la vida de aquel que la escucha. Las guitarras surferas de ‘Melodía romántica’, de hecho, parecen hechas para aliviar la intensidad de los calurosos días que se avecinan.

Eterna Joventut ha explicado que «después de 4 años maravillosos, y debido a temas vitales y existenciales, hemos decidido hacer una pequeña paradita en esta larga carretera del pop para repostar y pensar hacia dónde queremos dirigir nuestra ruta». Esperamos que esa ruta les traiga de vuelta a los escenarios.

‘4TO 23’ de Aitana está hecha a retazos

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5 julio, 2024

Aitana ha publicado nuevo single, ‘4TO 23’. El sonido ‘Alpha‘ definitivamente queda relegado al pasado en esta producción que se ajusta al estilo de las canciones más pop de Aitana. Tanto que parece una amalgama de sus discos previos a ‘Alpha’, en concreto ‘Spoiler’ y ‘1000 razones’. Sus colaboradores habituales, Andrés Torres y Mauricio Rengifo, vuelven a estar involucrados en la composición.

Una composición que parece hecha a remiendos, porque ‘4TO 23’ pasa del pop-rock al breakbeat, y del breakbeat al pop, de una parte a otra de la canción, sin que el mejunje de estilos parezca justificado o dé la sensación de solidez esperada. De las guitarras eléctricas, Aitana pasa a un sonido parecido al de Natalia Lacunza, y de ahí a un pop-rock más convencional.

La mezcla podría funcionar pero, en el caso de ‘4TO 23’, la producción de Valentina López, Andrés Torres y Mauricio Rengifo no busca ser igual de elegante que la de ‘Alpha’. Al contrario, ‘4TO 23’ evoca el insulso sonido de la radiofórmula.

A lo que no ayuda una letra impersonal y juvenil que habla de beber Don Julio a altas horas de la noche e intercala frases en spanglish tipo «qué fucking mala suerte», con otras pretendidamente espontáneas -paradoja- como «tú tan guapo y yo fatal». Que rule el Don Julio.

El videoclip de ‘4TO 23’ se ha rodado en la famosa Muralla Roja diseñada por Ricardo Bofill y ubicada en Calpe, Alicante. Los planos de Aitana grabados detrás del cristal recuerdan a los del vídeo de ‘J’en ai marre!‘ de Alizée. Soñando con el single tipo chanson de Aitana, de repente.

DELLAFUENTE agota 75.000 entradas en una hora

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5 julio, 2024

DELLAFUENTE ha agotado este jueves 75.000 entradas para su concierto en el Estadio Santiago Bernabéu en apenas una hora, confirma su equipo. Las entradas se han agotado en preventa.

Con este escenario, DELLAFUENTE -que es un artista independiente- dará el «concierto más masivo de 2024» en palabras de la nota de prensa oficial, aparentemente superando la asistencia de los conciertos de Taylor Swift y Karol G, que han tocado -en el caso de Taylor- o tocarán -en el caso de Karol G- para un aforo de unas 65.000 personas. DELLAFUENTE ha acomodado el aforo del Bernabéu específicamente para acoger a todo el público que acudirá a su concierto el próximo 15 de noviembre de 2024.

El concierto de DELLAFUENTE, por otro lado, se realizará con el escenario en mitad de la pista y tendrá una visbilidad de 360º, el llamado formato ring, confirma el management del artista.

En redes, DELLAFUENTE ha mostrado su asombro por la respuesta del público a su Bernabéu, asegurando que «hemos sobrepasado bastante las expectativas y no tengo claro en qué momento está ocurriendo esto de que vaya a hacer un Bernabéu».

El último disco de DELLAFUENTE, ‘TORII YAMA’, se editó hace unas semanas incluyendo colaboraciones de Judeline o AMORE. Hace unos meses, DELLAFUENTE lograba su primer single número 1 en España con ‘Manos rotas‘, junto a Morad.

RFTW: Kesha, AMORE, Sophie Ellis-Bextor, Morreo…

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5 julio, 2024

Hoy 5 de julio se editan pocos discos debido al 4 de julio, Día de la Independencia en Estados Unidos. Zach Bryan ha jugado su mejor carta publicando nuevo disco este día, ‘The Great American Bar Scene‘, que incluye colaboraciones de Bruce Springsteen y John Mayer. Salen también discos de Kasabian, Kiasmos o KOKOKO! y un nuevo EP de María Escarmiento.

El lanzamiento pop de la jornada lo firma Aitana abriendo su ‘4TO 23’. En el plano nacional se editan singles de AMORE, Love of Lesbian, Vicco, La Habitación Roja, Casero o Morreo. MAYO, ex-concursante de Operación Triunfo, «entra en el club como Rihanna» en su nueva apuesta.

La cosecha internacional deja lanzamientos destacados de Kesha, Eminem, Aespa, Felix Jaehn con Sophie Ellis-Bextor, Isaac Dunbar (foto) o Kimbra con BANKS. Durante la semana hemos podido escuchar nuevos singles de Childish Gambino, beabadoobee o la sonada colaboración de Quavo y Lana Del Rey. Otra alianza, la de Jessie Ware y Romy, está disponible desde hace días.

Entre las novedades del día se encuentran también las de Çantamarta, AJ Tracey, Baiuca, Honeyglaze, deadmau5, Ruslana, OneRepublic o Niña Polaca.

Zach Bryan y Bruce Springsteen prenden la llama en ‘Sandpaper’

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4 julio, 2024

Zach Bryan ha publicado su nuevo disco hoy 4 de julio, el Día de la Independencia en Estados Unidos. ‘The Great American Bar Scene’ llega solo diez meses después del exitoso ‘Zach Bryan‘ (2023), el disco que contiene el single número 1 en Estados Unidos ‘I Remember Everything’ con Kacey Musgraves, y está disponible desde este jueves adelantándose al viernes, jornada oficial de lanzamientos.

Aparte de por su extensión, ya que contiene un total de 19 canciones, ‘The Great American Bar Scene’ llama la atención por sus colaboraciones. John Mayer participa en ‘Better Days’; la desconocida Noeline Hofmann, quien no cuenta con ningún single publicado, colabora en ‘Purple Gas’; y, sobre todo, el mismísimo Bruce Springsteen aparece en ‘Sandpaper’. Aunque la sorpresa no es tan grande, ya que ambos ya habían cantado el tema en directo.

Springsteen está presente en ‘The Great American Bar Scene’ no solo literalmente a través de su colaboración en ‘Sandpaper’. Como comenta Variety, es notoria la influencia de ‘Nebraska‘ (1982) en ciertos puntos del álbum, hasta el punto que el tema titular incluye una mención a ‘State Trooper’, una de las pistas de aquel famoso disco del Boss.

No obstante, en ‘Sandpaper’ Bryan y Springsteen viajan un par de años después de aquel disco, concretamente a ‘Born in the U.S.A.’ (1984). En especial, la base rítmica de ‘Sandpaper’ remite inmediatamente a la de ‘I’m on Fire’, y también melódicamente, ‘Sandpaper’ transmite una sensación de serenidad que recuerda a la de aquel single de ‘Born in the U.S.A.’.

‘Sandpaper’ une a Zach Bryan y a Bruce Springsteen en un dueto que es más que la suma de sus partes. La voz de Zach, tan country, y la de Bruce, tan sabia, parecen contar cada una su propia historia. Pero a ambos les une el mismo sentimiento: «El invierno ha sido duro, pero la primavera ha sido mi amiga, te amaré hasta que el verano vuelva», cantan, como apoyándose el uno al otro.

Cindy Lee / Diamond Jubilee

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En el año en que algunos artistas han decidido publicar obras mastodónticas, difuminando la línea que separa el disco típico de la “antología”, la más extensa de todas (32 pistas) se ha editado sin que prácticamente nadie se haya enterado. ‘Diamond Jubilee’, el tercer disco de Cindy Lee, solo está disponible en descarga gratuita a través de una web desconocida a la que solo llegarás si lees prensa musical o vives en internet. También se puede escuchar en Youtube, pero primero te tienes que enterar de que el disco existe. No lo busques en Spotify o Apple Music porque ni está ni se le espera.

Puede que la estrategia de Cindy Lee responda a un compromiso total con la ética del underground, o puede que Lee esté intentando “fabricar” un disco de culto desde cero. Lo seguro es que a Cindy Lee no le interesa llegar a las masas. De hecho, esta primavera, ha cancelado las últimas fechas de su gira por misteriosas razones. En pleno “hype” por ‘Diamond Jubilee’, ha dicho “hasta luego”.

El revuelo es merecido, y no solo porque Pitchfork le haya plantado un 9,1 sobre 10 al disco, siendo una de sus puntuaciones más altas de los últimos años. Cindy Lee, el proyecto drag y lo-fi del músico canadiense Patrick Flegel, ex integrante de Women, ha facturado una obra inmensa en forma y fondo que se atreve a ir más lejos y a sumergirse más hondo, que muchas obras de su estilo.

En ‘Diamond Jubilee’, que es un disco doble, las influencias reconocidas de Cindy Lee, especialmente de las girl group de los 60, como las Supremes o las Ronettes, pero también de vocalistas como Patsy Cline o Karen Carpenter, en la que dice basar su estilo, son exploradas hasta sus últimas consecuencias. A la vez, en 32 pistas a Cindy Lee le da tiempo de introducir en su imaginario otro puñado de referencias de diferentes décadas de pop y rock n’ roll a cada cual más dispar. Mientras, la estética garajera de Cindy Lee enturbia hasta la más familiar y reconfortante de las melodías, convirtiendo ‘Diamond Jubilee’ en uno de esos trabajos que nos recuerdan que el “indie” sigue vivo: ‘Diamond Jubilee’ es la obra de una artista outsider jugando -soñando- a ser estrella del pop y triunfando -a su manera- en el intento.

En muchos casos las canciones de ‘Diamond Jubilee’ parecen escritas en base a recuerdos de clásicos pretéritos del pop. La estética de Ariel Pink’s Haunted Graffiti puede ser un precedente en el tratamiento fantasmagórico de las voces y, de hecho, su versión de ‘Baby’ de Donnie and Joe Emerson está presente en espíritu en muchas canciones de ‘Diamond Jubilee’, por ejemplo, en la tierna balada doo-wop ‘Baby Blue’ o en la anhelante ‘I Have My Doubts’, donde la dulce melodía choca con un sonido de guitarras afiladas como cuchillos.

En este espacio situado entre la ternura de las melodías y la distorsión de las guitarras -a menudo ensordecedora- las canciones de ‘Diamond Jubilee’ florecen. A veces se empapan de glam, como en ‘Glitz’; que recuerda a los mejores Deerhunter; otras de sirven de teclados psicodélicos, como en la preciosa ‘Always Dreaming’; otras los lengüetazos de guitarra remiten al rock africano, como en la inicial ‘Diamond Jubilee’, un paseo de cinco minutos que precisamente habla de un “recuerdo que desvanece”, mientras la producción efectivamente consigue que la canción suene a recuerdo lejano.

En 32 pistas a Cindy Lee le da tiempo de brillar, pero también de irse por los cerros de Úbeda. En el mejor de los casos su experimentación con diferentes estilos da pie a momentos fascinantes o directamente maravillosos, como el soul clásico de ‘To Heal this Wounded Heart’, las puñaladas sintetizadas de ‘Olive Drab’ o el ritmo -a duras penas- disco de ‘Gayblevision’. Cuando se pone girl group le salen joyas como ‘Kingdom Come’ y, cuando le da por imitar a Elvis Presley o a los Beach Boys, también lo borda, en pistas como ‘Demon Bitch’ que recuerdan a los momentos más anhelantes de estos artistas.

Puesta a experimentar, en el primer CD de ‘Diamond Jubilee’, la nana ‘Wild One’ -conmovedora en sus insistentes «veo a través de ti»- da pie a un experimento new wave, ‘Fresh and Blood’, al cual, a su vez, le sigue la misa gótica de ‘Le Machiniste Fantome’. En el segundo, las cuerdas de ‘Crime of Passion’ suenan a mariposas en el estómago. A Cindy Lee le vale todo y su generosidad invita a seguir descubriendo ‘Diamond Jubilee’ porque nuevas sorpresas aguardan después de muchas escuchas.

Aunque la fascinante travesía de ‘Diamond Jubilee’ se puede convertir en un largo viaje por autopista cuando a Cindy Lee le da por entretenerse tocando jams interminables, como la de ‘Realistik Heaven’, o cuando simplemente las canciones pierden definición. No todas las 32 pistas de ‘Diamond Jubilee’ son igual de buenas. La trotona ‘Dreams of You’, sumergida en la “oscuridad”, está por encima de un capricho como ‘Lockstepp’. El precioso blues de ‘All I Want is You’ hace que ‘Don’t Tell Me I’m Wrong’ suene redundante. Las pistas instrumentales, como ‘Stone Faces’ o la surfera ‘Darling of the Diskoteque’, no aportan más que minutos de sobra al disco. Y no todas las composiciones clásicas funcionan: ‘Golden Microphone’ no es el mejor homenaje a las Ronettes que esta obra ofrece. Por contra, ‘Deepest Blue’ confirma que la mejor Cindy Lee es aquella a la que el amor le pone tierna y melancólica. Cuando más “arde” su “llama”, mejor suena.

Ha sido probablemente intención de Cindy Lee crear con ‘Diamond Jubilee’ una obra generosa pero también complicada, que no siempre lo ponga fácil al oyente. Sobre todo, en ‘Diamond Jubilee’ destacan la dulzura de muchas de las melodías y el gusto de una producción lo-fi que suena extrañamente fuera de tiempo, incluso dentro del contexto alternativo. En una época en que salen más discos de los que podemos asumir, Cindy Lee publica un disco inaccesible que supera las dos horas de duración. El que se atreva a sumergirse en su mundo no querrá volver a salir.

Lana del Rey y Quavo comparten pistola en ‘Tough’

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Sebas E. Alonso

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4 julio, 2024

Lana del Rey y Quavo han publicado su esperada colaboración, bajo el nombre de ‘Tough’. Os ofrecemos una opinión a favor y otra en contra, así como la posibilidad de votar en nuestra encuesta.

«Justo cuando esperabas su versión más country, la presentación de su nuevo disco en ese estilo, ‘Lasso‘, Lana del Rey anuncia colaboración con Quavo. Parecía una aproximación a su sonido más trap, a sus colaboraciones con A$AP Rocky o Playboi Carti. Y lo es solo en parte, porque la gracia de ‘Tough’ es que tiene tal carga de imaginería country en su letra, en su sonoridad y en su vídeo… ¡que hasta sí que podría ser el primer single de ‘Lasso’! ¿Y quién habría adivinado que el primer sencillo del álbum iba a contar con la firma de Quavo?

Después de ‘Cowboy Carter‘, lo que nos va a contar Lana del Rey sobre el country no era lo que esperábamos. En ‘Tough’ suena una guitarra, se nos habla de lo «duros» que eran nuestros abuelos bebiendo, de botas de cuero y también de pistolas. Ambos hacen como que se enrollan, Lana es la que toca un instrumento y se pone de rodillas indistintamente, Quavo -como en Eurovisión- simplemente está ahí. La gracia es ver cómo juegan con la imaginería en común entre ambos estilos». Sebas E. Alonso.

«Buena noticia para quienes opinan que Lana del Rey lleva estancada desde ‘Chemtrails Over The Country Club‘, y que esperaban, si no una vuelta a ‘Born to Die’, sí un sonido más uptempo: ‘Tough’ lo es. Y en cierto modo funciona, Lana y Quavo combinan bien, y el puente es un acierto, pero el resto es bastante… genérico. Desde luego no es nada que no hayamos visto antes en Lana, y parece más un tema de él que de ella. De hecho, Quavo aparece primero tanto en videoclip como en los créditos, así que quizás esto no sea un avance del nuevo disco de Lana, sino una curiosidad conjunta, o incluso de él.

Además de lo cuestionable de que Lana decida colaborar con alguien que jamás se ha disculpado por sus declaraciones homófobas, es que el tema no es especialmente bueno; la misma ‘Groupie Love’ fue un acercamiento bastante superior (diría que incluso ‘Summer Bummer’). A mí en absoluto me parece que Lana esté estancada y, de hecho, considero el reciente “Did you know…” como su mayor cumbre post-‘Norman Fucking Rockwell’, pero puedo entender a quienes necesiten algo distinto de ella. La cosa es: ¿quizás las ganas de que Lana haga algo más uptempo nos estén cegando respecto a la calidad de ‘Tough’?» Pablo N. Tocino.

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Sabina anuncia gira de despedida para 2025, ‘Hola y adiós’

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4 julio, 2024

Joaquín Sabina ha anunciado su gira de despedida, ‘Hola y adiós’, aunque es una despedida con matices. Sabina se retira de realizar «periplos interminables por recintos multitudinarios», es decir, abandona definitivamente las grandes giras, pero no renuncia a volver a subirse a un escenario de manera esporádica. O, como señala la nota de prensa, Sabina «se guarda en la manga el as de reaparecer a placer, sea porque las musas le susurren poemas o canciones que merezca la pena compartir, o porque le piquen las ganas de subirse a cualquier entarimado para darse, darnos, un homenaje

La última gran gira de Sabina comenzará en febrero de 2025 en América y recorrerá México, Estados Unidos, Costa Rica, Colombia, Perú, Chile, Uruguay y Argentina antes de aterrizar en España y Europa con vistas de concluir en el mes de noviembre. Las fechas, ciudades y venta de entradas se darán a conocer en el mes de julio para América y en septiembre para España.

Sabina ha sido noticia en los últimos años por los varios problemas de salud que ha padecido y que han dificultado el desarrollo de sus últimas giras. La última, cuyo nombre aludía precisamente a esos problemas de salud, ‘Contra todo pronóstico‘, tuvo lugar en 2023.

Sevdaliza se anota un hit invocando a Totó La Momposina

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4 julio, 2024

Sevdaliza sigue con la promoción de su próximo álbum, del que todavía no se conocen los detalles, y su último paso ha sido el lanzamiento de un single llamado ‘Alibi’ que une a la autora de ‘ISON’ con Pabllo Vittar, una de las superestrellas del pop brasileño, y con la cantante y modelo francesa Yseult, conocida por su mini éxito en streaming ‘Corps’.

‘Alibi’, canción que Sevdaliza estrenó en la última edición de Sónar, se sustenta en una impredecible mezcla de estilos y referencias que incluye ritmos de funk carioca en las estrofas y, en el estribillo, por un lado, un beat de reguetón lento y, por el otro, una melodía coreada basada en la de ‘Rosa‘ de Totó La Momposina: «rosa, qué linda eres», dice la letra.

La «coartada» de Sevdaliza es una mujer, como canta la neerlandesa también en el estribillo: «Cuando me quedo sin respiración, ella me da vida / Cuando necesito acelerar, ella es mi amiga incondicional / Cuando pierdo la fe, ella es mi ídolo». A continuación, Sevdaliza revela su secreto: «Acabo de matar a un hombre, y ella es mi coartada».

‘Alibi’ es un canto a la sororidad que, además, incluye una referencia al single anterior de Sevdaliza: «Amiga incondicional» sería la traducción al español de ‘Ride or Die‘, tema en el que Sevdaliza se juntaba con otras dos mujeres, Tokischa y Villano Antillano.

Con ‘Ride or Die, Pt. 2’, Sevdaliza lograba hace unos meses su mayor éxito internacional en las plataformas de streaming, llegando al top global de Spotify, y con ‘Alibi’ lo mismo está sucediendo: ‘Alibi’ acaba de irrumpir en el top 100 del chart global de Spotify y actualmente aparece en el puesto 87. Parece que ‘Alibi’ podría superar la repercusión de ‘Ride or Die, Pt. 2’ y convertirse en el mayor éxito de Sevdaliza.

10 artistas que hacen diferente Sonorama Ribera 2024

Por

Sebas E. Alonso

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4 julio, 2024

Sonorama Ribera acaba de anunciar que los bonos para asistir al festival del 7 al 10 de agosto están agotados. Ya solo tendrás la oportunidad de comprar entradas de día. Un nuevo éxito para el particular evento de Aranda de Duero, en una cita en la que la organización ha premiado los valores nacionales y latinos sobre los internacionales. Así se explicó en su momento en la rueda de prensa de presentación en la que se reveló el cartel.

Como muchos habréis notado, Sonorama se ha caracterizado durante los últimos años por ampliar su apuesta hacia nombres sorprendentes, no tan habituales en festivales de este tipo. Sin renunciar a valores independientes o alternativos, la organización fue pionera apostando por Amaral, tuvo la osadía de invitar a Raphael (y conseguirnos una entrevista con el artista al respecto), a Dúo Dinámico o a Nacho Cano. Estos son los 10 artistas que harán de Sonorama 2024 un evento diferente, sin descuidar a Los Planetas, La Casa Azul, La Bien Querida, Valeria Castro y un largo etcétera en el que ahondaremos otro día.

Luz Casal
La primera vez que entrevisté a Luz Casal y le dije que tenía un medio de comunicación de música alternativa, me dijo que, para «alternativa», ella. Y es que desde que se calzó su chupa de cuero y entregó sus primeras canciones de rock a principios de los 80, hasta que en los últimos tiempos la hemos visto colaborar con Viva Suecia, Depedro o Ricky Falkner, pasando por sus colaboraciones con Pedro Almodóvar, nunca ha dejado de ser fiel a sí misma. La gran dama de la canción tenía que pasar tarde o temprano por Sonorama.

OBK
El grupo de música electrónica OBK, en la actualidad ya compuesto únicamente por Jordi Sánchez tras la marcha de Miguel Ángel Arjona, continúa en activo. Hace casi una década que no hay nuevo álbum de estudio, pero sí sabemos que ha habido conciertos y el desfile de hits asegura el karaoke en Aranda. Suele tocar ‘Tú sigue así’, ‘Dicen’, ‘De qué me sirve llorar’, ‘Falsa moral’, ‘La princesa de mis sueños’, ‘Lucifer’, ‘El cielo no entiende’ e ‘Historias de amor’. En resumen, todo. Historia viva del pop español.

Burning Gira 50 Aniversario
Ni un reportaje de la Movida sin mencionar a Burning y ‘Qué hace una chica como tú’. El año pasado se anunciaban algunos conciertos de Burning celebrando sus 50 años en esto, y en concreto recreando su concierto histórico de 1991. La idea pasó por La Riviera en marzo, siendo grabada en vídeo y audio, y ahora Burning también llevarán dicho aniversario a Sonorama Ribera.

Coque Malla
Quien no se ha conformado con la nostalgia, sino que ha ido enriqueciendo su discurso con el paso de los años es el líder de Los Ronaldos. Y para muestra, ese precioso himno LGTB+ que es ‘No puedo vivir sin ti’, aka “No hay manera”. O también discos tan interesantes como ‘¿Revolución?’. El último, datando de 2023, fue ‘Aunque estemos muertos’.

Rozalén
Rozalén, una de las autoras más reconocidas de los últimos años por el público en España, presenta nuevo disco. Se llama ‘El abrazo’, ha salido esta primavera y colaboraciones como las de Kase.O y Carlos Vives dan buena cuenta de su amplitud de miras. Entre los hits antiguos que no pueden faltar, ‘La puerta violeta’ o ‘Girasoles’.

La Sonrisa de Julia
Porque la nostalgia de los 2000 no se podía quedar en nombres como La Oreja de Van Gogh y El Canto del Loco (me refiero a los 8 WiZinks de Dani Martín), La Sonrisa de Julia son también invitados en Sonorama. Suelen interpretar temas de su debut, ‘Caminos diferentes’ (2004), y también de su último trabajo, ‘Maratón’ (2018), con especial atención a ‘Bipolar’ (2008).

Hombres G
Hombres G, uno de los grupos más exitosos de los 80, en su momento con una insólita fama de boyband, y a veces sobre unos ritmos de jangle-pop más insólitos todavía, competirán igualmente por el mayor arsenal de “greatest hits”. ‘Venezia’, ‘Voy a pasármelo bien’, ‘Te quiero’, ‘Marta tiene un marcapasos’ y ‘Devuélveme a mi chica’ suelen ser fijas en su setlist.

Cómplices
La apuesta de Sonorama Ribera por los años 80 se consolidará con Cómplices. ‘Serás mi cómplice’ fue un pequeño hit como parte de su debut de 1988, ‘Manzanas’, pero el asunto se les fue de las manos cuando llegó su gran éxito ‘Es por ti’ en 1990. Eran los tiempos de su tercer disco, ‘La danza de la ciudad’. Tras ciertos altibajos en la pareja profesional y artística formada por Teo Cardalda y María Monsonís, este mismo 2024 han sacado un nuevo disco llamado ‘Terra’.

Homenaje a Antonio Vega
Esta primavera se han cumplido 15 años de la muerte de Antonio Vega, uno de los compositores más influyentes de la historia del pop español. Por este motivo, algunos de sus músicos y amigos están realizando una gira homenaje sobre la que se pueden conocer algunas pistas a través de Instagram. A buen seguro, la organización está trabajando por que algunos de los artistas que estarán en Aranda realicen su canción de homenaje a Antonio Vega.

Natos y Waor
Porque no solo se puede vivir de la nostalgia de los 80, de los 90 y de los 2000, otro nombre por el que apuesta Sonorama es el del dúo Natos y Waor. Formado en Madrid en 2010 cuando tenían entre 19 y 22 años, han acumulado varios éxitos a través de la saga ‘Hijos de la ruina’ o ‘Cicatrices’, donde incluyeron varias colaboraciones con Recycled J, o ‘Caminaré’ con Maka.

Gran pregón de Martín, Chiara, Juanjo y Violeta en el Orgullo

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3 julio, 2024

El pregón del Orgullo de Madrid ha tenido lugar esta noche en la plaza Zerolo, como estaba anunciado, de la mano de Martín Urrutia, Chiara Oliver, Juanjo Bona y Violeta Hódar, cuatro de los dieciséis concursantes de la última edición de Operación Triunfo. Cada uno de los cuatro cantantes ha ofrecido su propio discurso ante el ensordecedor bullicio del público.

En sus discursos, Martín, Chiara, Juanjo y Violeta han recordado a los pioneros del Orgullo y subrayado el carácter interseccional del movimiento. Chiara ha señalado que «el movimiento LGBTQ+ y el movimiento feminista van de la mano» y que «no debemos dar la espalda a nuestras hermanas racializadas, migrantes y trans». Por su parte, Violeta ha recalcado que «el orgullo LGBTQ+ es y será siempre feminista, antirracista y anticapacitista» y que «nuestra lucha es interseccional porque unidas somos más fuertes».

Martín ha compartido palabras para las infancias y sus familias. «El Orgullo y la visibilidad no es, como dicen muchos, intentar meter información en la cabeza de los niños», ha apuntado. «Orgullo y visibilidad es que un niño, una niña o une niñe se desarrolle pudiendo ser ella misma sin miedo y sin vergüenza, sin perder años de su vida fingiendo ser otra persona por miedo una violencia que a día de hoy nos sigue persiguiendo». Martín ha hecho un especial llamamiento a las familias para que sean el primer apoyo de sus hijos.

En su discurso, Chiara ha subrayado el vital papel de la cultura para las personas LGBTQ+, señalando que «no queremos vivir en un mundo donde censuren libros, obras de teatro o programas de televisión». Desde una perspectiva personal, Chiara ha explicado que ella descubrió que era lesbiana con quince años, pero que «quizá me habría dado cuenta antes si no hubiese pensado que solo había una manera de ser lesbiana». Oliver ha insistido en la importancia de que la cultura cree referentes diversos.

Personal ha sido también el discurso de Juanjo, que este año ha celebrado su primer Orgullo. Juanjo ha declarado que el ritmo de cada persona en su propio descubrimiento personal es válido. «Cada persona tiene su ritmo y nunca es muy pronto o demasiado tarde; está bien si tienes dudas que aún no has resuelto, está bien no saber qué palabra usar para definirte o tardar tiempo para encontrar la tuya, está bien descubrir algo de ti cuando pensabas que lo tenías todo claro», ha dicho. Juanjo ha enfatizado que «no hay prisa» y ha hecho hincapié en que «aunque dudes o sientas miedo», tienes que «saber va haber gente que va a aceptarte y comprenderte».

Violeta, en su exposición, ha remarcado que «los discursos de odio siguen aumentando y son los que causan las cientos de agresiones que ocurren cada día simplemente porque existimos», ha señalado que «no podemos dar por sentados nuestros derechos» y ha puesto de relieve la importancia de aspirar a crear una «sociedad plural y justa» que promueva una «educación justa e inclusiva que no nos borre».

Pregón completo de Martin, Chiara, Juanjo y Violeta en el MADO 🏳️‍🌈 pic.twitter.com/yH93KzLKQP

— ✨Taurus✨ (@tauruus9) July 3, 2024

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