Glastonbury, el festival más mediático y multitudinario de Reino Unido, ha vuelto a celebrarse en el Worthy Farm un año más. Elton John, Lana Del Rey, Arctic Monkeys, Lil Nas X o Cat Stevens se han contado entre los cabezas de cartel, en un fin de semana en el que han vuelto a pasar muchas cosas.
Elton John y estrellas
Elton ofreció el último concierto de su carrera en Reino Unido y se dejó arropar por varios artistas invitados. Brandon Flowers cantó con él ‘Tiny Dancer’, anulando cualquier posibilidad de que Britney Spears apareciera en el escenario, pues su nombre se había rumoreado durante los últimos días. También Rina Sawayama, Stephen Sanchez y Jacob Lusk se dejaron caer por el set de Elton, quien dedicó ‘Don’t Let The Sun Go Down On Me’ a George Michael, en el día en que Michael habría cumplido 60 años.
Elton John & Brandon Flowers performing ‘Tiny Dancer’ tonight at Glastonbury
El acapella de Lana Del Rey
Lana Del Rey empezó su concierto media hora tarde por culpa de su peinado («toma tiempo hacerlo», declaró) y la organización de Glastonbury no dudó en cortarle el micrófono llegada la medianoche, guiándose por sus horarios de cierre. A Lana le costó irse del escenario y no dudó en darse un baño de masas e improvisar un acapella de ‘Video Games’ con su público.
Lewis Capaldi, arropado por su público
Lewis Capaldi padece el síndrome de Tourette y, en alguna ocasión, ha sufrido ataques en pleno concierto. Le pasó en Glastonbury, al final de su set. Los espasmos impedían a Capaldi cantar ‘Someone You Loved’, así que su público no dudó en ayudarle y cantarla por él.
Rick Astley tocó el repertorio de los Smiths
Hasta dos veces actuó Rick Astley en Glastonbury. La primera vez lo hizo al mediodía -una de las horas menos agradecidas- y tocó su catálogo propio, incluyendo la mítica ‘Never Gonna Give You Up’. Después, a la noche, se puso el disfraz de Morrissey y presentó un repertorio compuesto por 16 versiones de los Smiths, acompañado por la banda británica Blossoms.
I didn’t know how much I needed to see Rick Astley crushing AC/DC’s "Highway to Hell" and the drums at Glastonbury pic.twitter.com/el650jBSNB
— Wu Tang is for the Children (@WUTangKids) June 25, 2023
Rina Sawayama saca los colores a Matty Healy
Entre los momentos más comentados de Glastonbury, la pulla de Rina Sawayama a Matty Healy, líder de The 1975: «Esta se la dedico a un hombre blanco que mira «Ghetto Gaggers» y se burla de la gente asiática en los podcasts. Además, es propietario de mis másters: estoy harta». Sawayama se refiere a Dirty Hit, el sello de The 1975, del que Healy es accionista.
Lil Nas X toca temas nuevos
Sin disco en el mercado ni nada que promocionar, Lil Nas X desplegó su extravagancia pop en Glastonbury, presumiendo de una fantástica producción escenográfica. Montero presentó dos canciones nuevas, ‘Batty Boy’ y la ya conocida ‘Down Souf Hoes’, pero sobre todo se apoyó en el repertorio de su disco de debut. Jack Harlow estuvo presente para cantar con él ‘Industry Baby’.
Guns and Roses son puntuales
Guns and Roses han sido noticia por empezar puntuales su concierto, algo poco habitual. Los de Axl Rose y Slash tocaron un repertorio de 27 canciones, Dave Grohl les acompañó en ‘Paradise City’, y le dedicaron ‘Live to Let Die’ a Paul McCartney (que estaba por allí y de hecho fue cabeza de cartel de la edición anterior).
Max Richter, Tilda Swinton… y un hombre desnudo
Entre los conciertos de Glastonbury programados por la mañana, el de Max Richter fue uno de los más concurridos. El pianista alemán debutó en Glastonbury y ofreció una versión orquestal de su disco de 2004, ‘The Blue Notebooks’. A Richter le acompañó la actriz Tilda Swinton en una de las piezas, pero el show fue noticia por el intento de protesta de un hombre que se plantó desnudo delante del escenario, antes de ser retirado del área por los agentes de seguridad.
Blondie
Trío de ases de Blondie, que empezaron su set en Glastonbury con ‘One Way or Another’, ‘Hanging on the Telephone’ y ‘Call Me’. Después cayeron ‘The Tide is Night’, ‘Rapture’, ‘Maria’, ‘Heart of Glass’… No hubo artistas invitados, pero nadie los necesita con tremendo repertorio.
RAYE habla sobre violencia sexual
Entre los momentos más emotivos que dejó Glastonbury, RAYE habló sobre su experiencia como víctima de abusos sexuales, antes de interpretar ‘Ice Cream Man’: «hay muchas historias que me he callado y que he sufrido sola. La siguiente canción habla de abusos sexuales, violación, violencia sexual… Sé que es un tema pesado pero también sé que una de cada cuatro mujeres y hombres lo sufren y sé que no estoy sola en esto hoy».
Cate Blanchett se une a Sparks
Tilda Swinton no es la única actriz que se dejó ver por Glastonbury. Cate Blanchett se unió a Sparks durante su actuación de ‘The Girl is Crying in Her Latte‘, pues de hecho aparece en el videoclip de la canción.
Pretenders
Antes hablábamos de Paul McCartney: el Beatle no solo estuvo en boca de Axl Rose en Glastonbury, de hecho apareció en el concierto de Pretenders. Fue al final del show. No fue el único artista invitado: Johnny Marr y Dave Grohl tocaron con Pretenders varios temas.
— DIÁRIO DOS BEATLES (@Diario_Beatles) June 24, 2023
Lizzo aboga por el amor propio
Lizzo está aquí para recordarnos que nos queramos más a nosotros mismos. Así lo confirmó en Glastonbury: «¿cuál fue la última vez que te dijiste algo positivo a ti mismo?» El buen rollo de Lizzo se tradujo evidentemente en el apartado musical, donde canciones como ‘About Damn Time’ elevaron el alma del público.
Rocío Saiz actuó ayer en el Pride de Murcia. Durante el show se quitó la camiseta en una determinada canción, como ella misma dice que lleva haciendo «10 años». Pero en esta ocasión la policía de Murcia detuvo el concierto por el «desnudo». En un comunicado a través de redes sociales, ella ha contado como le dijeron que «o se ponía la camiseta o se iba esposada».
Aunque terminó el concierto por respeto al público, la policía estaba esperándola para denunciarla por los siguientes delitos: alterar el orden, exhibicionismo y desacato a la autoridad. Y no solo eso. El inspector de policía le dijo que quitarse la camiseta es delito cuando lo hace una mujer, pero no cuando lo hace un hombre, por lo que tenía que «hacer su trabajo» y ponerle la denuncia. El incidente terminó con ese mismo oficial diciéndole a Rocío Saiz: «esto es lo que habéis votado» (haciendo referencia al gobierno de ultraderecha de la comunidad).
Y es que esto ha afectado profundamente a la cantante: «NO PUEDO MÁS. NO QUIERO MÁS. Ya no me divierto. Ya no quiero poner más el cuerpo. Que lo pongan otras. Que luchen otras. A ver cuantas se ponen delante para luchar verdaderamente por nuestros derechos». También ha remarcado en ese comunicado «Es lo que habéis votado. No os preocupéis, cada vez más cerca de dejar la música. De dejar de exponer el cuerpo y de dejarlo todo. Porque no me lo merezco».
Anoche la policía paró el concierto de la cantante Rocío Saiz por enseñar el pecho en la fiesta del Orgullo LGTBI en Murcia donde gobierna la ultraderecha.pic.twitter.com/xSWaXJFxPG
La segunda jornada de Tomavistas 2023 dio comienzo con un volumen de gente bastante superior al del día inaugural y, acorde al cartel, con una media de edad mayor. Triángulo de Amor Bizarro inauguraron el escenario principal a las 19:15 con una congregación de gente, que para la hora que era y el calor que hacía, fue aumentando con cada tema que tocaban.
El grupo gallego no podía estar más de estreno. Lanzan su nuevo disco, ‘SED’, y el mismo día lo presentan en Tomavistas. Al principio se notó, ya que comenzaron tocando temas nuevos y en la segunda mitad del concierto se pasaron a los clásicos. Por esto mismo, aun estando el grupo soberbio, en la primera mitad el público estaba calmado, absorbiendo tranquilamente los nuevos temas. “Imaginaros que es de noche”, soltó Isabel antes de presentar ‘Estrella Solitaria’ en directo, el cual ya es uno de los mejores singles del año.
A estas alturas de la tarde, hacía mucho calor. Por suerte, no daba tanto el sol como el jueves, pero aun así lo que más se veía entre la gente eran abanicos, porque el aire no corría en el parque Enrique Tierno Galván. Por eso, no me sorprendía que el público estuviese más bien parado en el show de Triángulo. Cuando comenzó el repertorio clásico del grupo, todo esto cambió. La cosa se empezó a animar con ‘El fantasma de la Transición’ y se acabó de revolucionar totalmente con ‘Vigilantes del Espejo’ y ‘De la monarquía a la criptocracia’, dos petardazos con los que a la gente le dio igual el sofocante calor y que originaron hasta varios pogos.
La mayoría de la audiencia de Triángulo se desplazó seguidamente al concierto de Mujeres. El trío barcelonés se marcó un show digno de lanzar vasos, lo cual todavía no había visto en esta edición del festival. Por tirar cosas, en el show de Mujeres se tiraron hasta llaves al escenario. Estos tocaron ante un público totalmente volcado con el repertorio, que fue desde temas que nunca faltan como ‘Tú Y Yo’ hasta la presentación de su nuevo single en directo, ‘No Puedo Más’. Además, fue el primer grupo en invitar a otros artistas al escenario. Pasaron por el segundo escenario Ariadna de Los Punsetes y las chicas de Cariño. Estas últimas, por supuesto, para regalarnos ‘Al Final Abrazos’.
A continuación, uno de los nombres más esperados del cartel y el primer gran grupo internacional de esta edición: The Vaccines. Fue uno de los pocos grupos por los que había gente guardando sitio cerca del escenario principal. La banda sonora de salida fue, inesperadamente, el tema principal de Succession, con esa melodía de piano tan icónica de Nicholas Britell. Los londinenses dieron comienzo al show con ‘I Can’t Quit’, que marcó el tono de todo el concierto. Es cierto que, tal y como dijo Justin Young, en el concierto había “mucho fan” de la banda, pero Triángulo y Mujeres consiguieron mover más a las masas. Young también habló sobre lo “especial” que es Madrid para la banda y reveló, quizá llevado por la emoción de estar otra vez en esta ciudad, que The Vaccines sacarían un nuevo disco este año. Tras ello, debutaron un nuevo tema, titulado ‘Heartbreak Kid’. Musicalmente, es lo que te podrías esperar de The Vaccines en 2023. Por otro lado, canciones como ‘I Always Knew’ o ‘If You Wanna’ siguen poniendo a todo el mundo a cantar.
Hasta este momento, todos los artistas que habían actuado habían sido bastante guitarreros, y por eso era tan necesaria la presencia de La Femme. Vestidos todos y todas con su característico esmoquin blanco de los 60. La fiesta sería tal que al final acabarían sin camiseta y por el suelo. La propuesta musical vintage y puesta en escena de los franceses, muy potenciada por el juego de luces utilizado, son suficientes rasgos como para nombrarlos uno de los grupos más singulares del festival. El público parecía disfrutar más de la parte en español del repertorio, con temas como ‘Sacatela’ o ‘Y tu te vas’, pero lo que no era eso daba más pie a perderse en la música y bailar como si fueran los años 70. Además, son el único grupo hasta el momento que acabaron y regresaron para un bis, lo cual suele ser la norma, pero en este festival no se estaba dando. Quizás, por lo ajustados que están los horarios.
La Casa Azul fue como los créditos de la jornada. Pese a ser el último, me pareció el concierto con más público del día, lo cual no había ocurrido la noche anterior. Guille Milkyway pegó el petardazo inicial con ‘No Hay Futuro’, seguida de temas como ‘Chicle Cosmos’, ‘La Fiesta Universal’ o ‘Esta Noche Solo Cantan Para Mí’. Esta última fue adornada con un carrusel de fotografías de mujeres célebres de todas las épocas, como Lana del Rey, Lizzo o Nina Simone. Fue, de lejos, el show con más presupuesto de la jornada y el más estimulante visualmente, haciendo uso de todas las luces que se podían encender, pirotecnia, pantallas por todos lados…
Guille Milkyway, tal y como dijo él, no es muy de hablar: “No somos muy buenos hablando, así que vamos a darle”. Aun así, el show tuvo sus pausas y el líder de La Casa Azul habló de varios temas, por ejemplo, sobre la libertad de “reivindicar lo que somos” (para introducir ‘La Fiesta Universal’) o sobre “la gente que te hace ser pequeño y se crece con tu pequeñez”. En un momento dado, también comentó algo que se había visto tanto en la jornada de ayer como en la primera: “Llegar a la etapa de señor y poder estar aquí, con todos vosotros, me hace muy feliz”. Y es que Guille se encontraba realmente emocionado por la cantidad de gente allí presente, y repito, que se ha notado en muchas más actuaciones. Ahora, queda la última jornada para que Tomavistas siga emocionando tanto al público como a los artistas.
Lejos de los días de gloria de ‘Every Kingdom’ (2011), pero aún capaz de lograr grandes posiciones en las listas de Reino Unido, el cantautor británico Ben Howard continúa su carrera. Su último disco, ‘Collections from the Whiteout’, publicado en 2021, le llevó un paso adelante en su utilización de sonidos electrónicos, los cuales gozan de una presencia ya casi protagonista en ‘Is It?’, su quinto larga duración.
El camino hacia ‘Is It?’ ha sido especialmente duro para Howard. Un problema de salud lo ha inspirado. El año pasado, el artista se encontraba descansando en el jardín de su casa cuando empezó a sentirse extraño: no era capaz de pensar ni de hablar con fluidez. El momento pasó pero, al mes siguiente, el incidente se repitió. Howard acudió al hospital y descubrió que habría sufrido dos pequeños ataques cerebrales. Los resultados médicos no fueron concluyentes.
Howard, que acaba de venir de gira a España, se encuentra bien, y en su nuevo disco ha querido volcar las sensaciones que esta experiencia le ha dejado. Las canciones de ‘Is It?’, en el plano compositivo, mantienen la sensibilidad folk del autor de ‘Only Love’, esa querencia boniveriana de la que tanto ha echado mano. Sin embargo, ahora la mezcla de teclados y punteos de guitarra apunta al art-pop de los ochenta. De repente parecen Westerman y Wild Beasts sendas referencias.
Percibe Howard una dimensión absurda, surrealista, en su experiencia, que se refleja en la portada del disco y también en las canciones. ‘Couldn’t Make it Up’ abre describiendo aquel día vívidamente entre melodías pegadizas y teclados azucarados. ‘Walking Backwards’ es una oda a la nostalgia con ecos a Phill Collins y ‘Days of Lantana’ un paseíto bajo el sol de junio, con el canto de los pájaros de fondo.
Que Howard es un artesano del pop se nota en estas canciones y en el resto. Especialmente cuidada suena la atmósfera de ‘Moonraker’, que se inspira en un relato folclórico del siglo XVIII, mientras la música te sume en un mundo mágico. Hay un poso melancólico en ‘Richmond Avenue’, que se atreve a incorporar cuerdas irlandesas porque Howard siempre ha sido seguidor de la música celta. Más ligera y juguetona con los sintetizadores, ‘Life in the Time’ habla de un “cautiverio” pero suena liberada.
Cortadas por el mismo patrón suenan todas las pistas de ‘Is It?’, un disco producido por Bullion (St Vincent, Nilüfer Yanya) que suena excelente. La instrumentación es exquisita en todo momento, las melodías cautivadoras. Solo ‘Total Eclipse’ -un interludio- intenta recrear la sensación de la experiencia vivida por Howard, pero el artista no olvida dotar a las canciones de un fondo más bien universal, llenándolas de esa melancolía que produce recordar un simple “paseo en el parque”, con la que tantos se sentirán identificados.
Sen Senra ha estrenado su nuevo álbum ‘PO2054AZ’, los singles ‘Uno De Eses Gatos’ y ‘No Quiero Ser Cantante’ forman parte de este. El artista usa una matrícula de un Peugot 205 antiguo para el título, pero en realidad esconde sus raíces, su parte más personal. Es un más bien un proyecto sin terminar y que el artista irá completando. Por eso la aclaración en el título de «Vol. I».
Sen Senra presenta su trabajo avisando que se «inspira en la nostalgia del pasado». Y es que este nuevo disco se puede escuchar en diferentes copias físicas (muy vintage): en vinilo, CD y en cassette. No cabe duda de que la morriña es parte esencial para el artista. En el videoclip de ‘Uno De Eses Gatos’ también muestra la añoranza a lo pasado, y lo hace mostrando la estética más kinki de los 2000.
El sonido es nuevo en pistas como ‘Blue Jeans Y Un Crop Top’, nuestra Canción del Día hoy. La voz ahogada del cantante protagoniza prácticamente toda la grabación. Parece que suena un reloj que acompaña a las letras, amortiguadas: «No quiero perderte, me muero / Enredando mis dedos en tu pelo». Pero aun así la voz de Sen Senra sigue sonando muy lejana. Tras el sonido de unas cuerdas, su voz se aclara en el tercer verso: «Me suspira en el oído por cada zona en la que le toco / No voy a bajarle el ritmo, no me puede el miedo de si me equivoco».
Además de música más experimental, ‘PO2054AZ’ cuenta con colaboraciones como la de Tainy (productor de Bad Bunny o Rauw Alejandro) en ‘Completamente Loco’ y la de Ian Isiah en ‘Mi Norte’. Isiah es un artista de R&B neoyorkino e icono de moda en Estados Unidos, además ha colaborado con cantantes como La Zowi.
Tracklist de ‘PO2054AZ’:
No Quiero Ser Un Cantante
Está Sexy
Blue Jeans Y Un Crop Top
Uno De Eses Gatos feat. Sky Rompiendo
Mi Norte feat. Ian Isiah
No Falla
Me Debes Esto
Completamente Loco feat. Tainy
Buscapé (Interludio)
Familia
Taba Sucio
Sin Excusa
Da Igual Lo Que Opine La Gente
Me reúno con Triángulo de Amor Bizarro en una cafetería en Ventura Rodríguez, cuando visitan Madrid para presentar ‘SED’ en la Sala El Sol. Aún no me he dado cuenta de cuán conceptual es su nuevo álbum, pero la conversación es esclarecedora y reveladora sobre la presión del éxito en la cultura pop. El grupo gallego que ha encabezado siempre las listas de lo mejor del año también se pregunta a veces cuál es su lugar en la industria y de esa observación en el espejo y de la deriva de las superestrellas del pop el siglo pasado ha surgido un álbum diferente a los anteriores sobre todo en sus textos.
Isa, Rodrigo, Rafa y Zippo están entusiasmados con el proyecto, se reconocen felices en su posición -ahora sí- y a menudo hablan todos al unísono con excitación sobre las nuevas canciones. TAB estarán presentando este álbum por toda España, tras su paso por Tomavistas, en los siguientes eventos y ciudades:
01 JUL. ESPAI VAPOR, TERRASSA
08 JUL. L’ESCORXADOR, ELCHE
25 AGO. CONTEMPOPRANEA, BADAJOZ
26 AGO. CANELA PARTY, MÁLAGA
08 SEP. PULPOP, ROQUETAS DE MAR, ALMERÍA
22 SEP. NOITES DO PORTO, A CORUÑA
23 SEP. BARBEIRA SEASON FEST, PONTEVEDRA
06 OCT. APOLO, BARCELONA
07 OCT. AL PORT, CASTELLÓN
20 OCT. ACAPULCO, GIJÓN
28 OCT. A POUSADA, BOIRO
23 NOV. ANTZOKI, BILBAO
15 DIC. LAS ARMAS, ZARAGOZA
29 DIC. INVERFEST, LA RIVIERA, MADRID
14 ENE. MOON, VALENCIA
02 FEB. CAPITOL, SANTIAGO
¿De qué va este disco?
Isa: «Va de fama, de éxito. De estrellas y estrellados».
¿Pero os incluye a vosotros como grupo?
Isa: «Yo soy espectadora siempre».
Rodrigo: «Llevamos muchos años y tenemos una relación extraña con el éxito. Somos un grupo minoritario y también espectadores de la sociedad del espectáculo. Hay una escalera hacia el éxito que no acaba nunca y de la que al final cae gente. Con los años se va acentuando esa dinámica. De manera natural, después del disco anterior, las canciones empezaron a ir por ahí. También surge de mirarte al espejo y preguntarte si merece la pena la lucha por llegar más arriba que el otro. Porque luego viene una caída brutal, y parece que es la parte que más disfruta la gente».
¿Qué caída creéis que ha disfrutado la gente?
[…Entre un namedropping de todos hablando a la vez, ininteligible…]
Isa: «Britney Spears»
Rodrigo: «Madonna, Michael Jackson».
Rafa: «Toda estrella que fue, cayó».
Alguien ha mencionado Kanye West en el barullo. No sé si contempláis la cancelación.
Rodrigo: «Lo de la cancelación me da exactamente igual. No estaba pensando en ese tema, en una caída porque se comporten como imbéciles. Pensaba más bien en Prince. Un genio de la música. Una carrera universal. Y tuvo una decadencia, una muerte terrible».
Isa: «Su propio personaje lo hace vulnerable. Por ejemplo, la tontería de la estatura. No se podía poner al lado de una persona más alta que él. Pierden su propio sentido vital. Es un poco triste. Luego tiene cosas muy guays. No sé si hay estrellas de ese nivel ahora mismo».
Rodrigo: «Y no era solo hablar de esas estrellas, sino de la presión por ascender, nunca tienes suficiente. Siempre hay algo más. El sistema te empuja. Hay tal presión que termina por desvirtuar la razón de hacer música. La música se convierte en un medio. Nosotros intentamos que la música sea el fin. Lo demás viene y va».
¿Por qué os interesa tanto este tema?
Rodrigo: «Reflexionamos por la pandemia. Nos crujió. Partió en dos el mundo. Te planteas que muchas cosas no valen para nada. ¿Nosotros qué queríamos? Dar conciertos. Al volver a dar conciertos recuperamos la sensación de cuando empezamos a hacer música. ¿Que ganábamos dinero con esto? Genial. Pero cuando ese fin da la vuelta, como implica el sistema, la música se convierte en el medio para conseguir algo. La sociedad te empuja a poner más alta para la barrera del éxito, pero así no disfrutas de lo que estás haciendo».
Isa: «Hay productos enfocados al éxito y si no tienen éxito, no tienen sentido».
Rodrigo: «Tampoco queríamos hacer un manual, el disco es muy de emociones y sentimientos primitivos, desde el propio título. Lo podemos pasar todos, desde la música o cualquier otro ámbito. ¿Quién no se va a convertir en un monstruo si puede?».
«El sistema te empuja. Hay tal presión que termina por desvirtuar la razón de hacer música. La música se convierte en un medio. Nosotros intentamos que la música sea el fin»
¿Cómo veis vuestra vida en cuanto a la consecución del éxito?
Rodrigo: «Nuestra generación ya pasó hace tiempo. Era la de 2010, cuando ‘Año Santo’. Tuvimos un empuje, pero fue una cárcel a su vez, porque se espera un código determinado, unas cosas determinadas. Nosotros ya no sentimos eso. Estamos pasados, a veces tienes la sensación de dónde vamos ya. Pero eso a la vez significa que puedes hacer lo que quieras».
Isa: «Cuando hablas de códigos, yo me imagino una persona vestida de cowboy, un rockero de 80 o de los 90, y me imagino chavales con cadenas y camisetas de Abanderado con 50 años. Si no evolucionas, te conviertes en eso».
Pero os estáis metiendo en una cárcel propia vosotros mismos a su vez. Vuestros grupos de referencia, Stereolab, Sonic Youth… siguen actuando muy mayores, juntos o por separado. ¿No os veis así?
Rodrigo: «No estamos diciendo eso para nada».
Todos: «¡Noooo!».
Rodrigo: «Puedes cambiar. Es nuestro 6º disco pero ha habido tantos cambios en estos 20 años… Cada generación tiene unos códigos. Si eres capaz de superar esa barrera…. Los grupos tenemos una duración determinada y las cosas se hacen mucho más difíciles. Si eres capaz de romper esa barrera, podrás hacer la música que quieras a los 70 años».
«Si hubiéramos hecho otra cosa en 2010, nos habría ido mejor. Y ahora no existiríamos como banda».
Vosotros tenéis entonces una duración limitada…
Rodrigo: «No, pero la presión…»
Rafa: «Neil Young estaba englobado en un estilo, en California… y acabó haciendo lo que le dio la gana. Salió de esa cárcel, pasó a ese momento en que puedes pasar a tener un discurso propio».
Isa: «Si te va muy bien y te unes al hype… Eso a nosotros no nos pasó y eso de alguna manera, nos salvó».
Bowie se sumó a las modas, y no le fue bien en un momento dado. Entiendo que decís que el secreto es mantener un discurso propio.
Isa: «No sabemos qué es, es una cosa extraña que no es tan fácil de analizar. Si no, seríamos millonarios (risas)».
Rodrigo: «Cualquier persona tiene una presión de una época. Nosotros en 2010, si hubiéramos hecho otra cosa, nos habría ido mejor. Y ahora no existiríamos como banda».
¿Algo más Vetusta Morla?
Rodrigo: «No. Pero suavizar un poco la propuesta».
Isa: «Menos ruido. O algo más latino, porque soy una persona abierta, y eso se lleva. Pero en nosotros sería una cantada».
¿Habéis ido escuchando cosas de música latina y trap, estos años?
Isa: «Claro, ¡cómo no las vamos a escuchar!»
Rodrigo: «No tenemos un discurso viejuno. No somos ultra…»
Isa: «No es una cuestión de imagen».
Rafa: «Es un rollo de lo que quieres hacer y lo de mejor que puedas hacer».
Rodrigo: «Cuando vas hacia el dinero se te nubla mucho otro sentido. A veces el camino al hacer música es si te va a aportar cosas. La meta de hacer una buena canción te va a aportar más a largo plazo que pensar en llegar a 200.000 seguidores para subir el caché. Es difícil que sea compatible. No es imposible pero sí es muy difícil».
Isa: «En nuestro caso sería desvirtuar por qué hacemos el grupo».
Rodrigo: «Hay que escoger entre múltiples caminos. Este disco tiene estas reflexiones, pero también es una película de personajes, de gangsters. Personajes que me han fascinado porque son malignos, pero podríamos ser nosotros en otras circunstancias. Dan cierta ternura. Yo soy fan de Prince de siempre, he disfrutado de su obra magna, pero hay artistas que detesto que también han tenido una decadencia, y despiertan cierta ternura porque los trituró el propio sistema».
«Hacer una buena canción te va a aportar más a largo plazo que pensar en llegar a 200.000 seguidores para subir el caché»
¿Los últimos discos de Prince también os interesan?
Zippo o Rafa: «¡Sí!».
Rodrigo: «Es la obra de alguien atrapado por su propio… Discos de rockear con los colegas. Estaría buscando la sensación de cuando no era conocido. De disfrutar tocando».
Isa: «Tenía todo pero quería volver a hacer buenas canciones. También es muy cinematográfico. Podría dar lugar a una película increíble, muy visual».
Rodrigo: «Pero a la vez es una cosa muy humana».
Isa: «Buscando lo único que le hace ser feliz y no puede tenerlo».
Hay casos de gente que no ha conocido nunca decadencia, como Leonard Cohen.
Isa: «O el último de David Bowie, ‘Blackstar'».
¿Vosotros habéis disfrutado del camino?
Rodrigo: «Hubo momentos que sí y otros que no».
Rafa: «Yo ahora sí».
¿En cuáles no?
Isa: «Muchas horas».
Rodrigo: «Mucho cansancio. Peleas. Pero no nos vamos».
Rodrigo, has expresado dos ideas un poco contradictorias. ‘Cómprate un yate’ retrata a ese personaje chungo, fanfarrón, que decías. El gangster. Parodia de la industria…
Isa: «Sí, sí, sí. Yo ahí estoy viendo al típico manager: «no te preocupes, aquí traigo lo tuyo». Es algo muy peligroso».
Rodrigo: «Pero el artista está deseando oírlo. Me dejé llevar por personajes malvados pero quería ponerme en su lugar».
Esa parte la tengo clara. No tanto la de las emociones en el disco.
Rodrigo: «Son emociones primarias. Alguien te pone un millón de euros en la mesa… ¿y qué haces? El éxito es una decisión primaria, lo coges o lo dejas. Todo el mundo lo busca. Tenemos un grupo. En el sistema hay algo jodido y cada vez se mueve más».
Habéis hecho un vídeo muy chulo, cuando han perdido algo de punch.
Isa: «Son más de 3 segundos, imagínate» (risas).
Pero habéis cuidado un vídeo otra vez, el de ‘Estrella solitaria’. Una frase del álbum dice que «los discos son solo plástico». Y en el vídeo disparáis un vinilo. No es un vídeo de tocar los 4 en un concierto y ya. Para vosotros siguen siendo importantes».
Isa: «El arte -suena pretencioso pero no me parece pretencioso- me parece humano. El arte es importante para hacer crecer una canción. Teníamos muy claro que habíamos encontrado a una persona que podía hacer que el imaginario del disco estuviera muy concentrado en un vídeo».
Rodrigo: «Esta canción es otro punto de vista, como el disco pop. Queríamos hacer la canción de supuesto éxito que tendrían algunos de los personajes del disco. El resto es más oscuro. El disco es otro».
De nuevo habéis presentado el álbum con una canción rarísima, y la buena-buena sale en tercer lugar.
(risas)
Rodrigo: «Yo creo que esta fue una propuesta de Mushroom. Este disco lo hemos hecho en nuestro propio estudio, en casa. Carlos (Hernández) vino a Boiro, el vídeo es con gente de Boiro, con Toño Chouza. Es casero, artesanal…»
Vuestro hijo sale en los créditos.
Isa: «Tocó».
Rodrigo: «Hicimos bocetos sin hacer maquetas. Hacer maquetas es un rollo. Muchas veces en el estudio estás replicando lo que ya tienes en la maqueta. Desarrollamos las canciones más grabando, y fue un proceso liberador, nos ahorramos procesos por el medio que no son creativos. El disco lo entregamos y Mushroom decidieron. Queríamos mostrar capas del disco, los grupos de rock son de discos, no de singles. En este disco las canciones pop salieron al principio: ‘Estrella solitaria’, ‘La Espectadora’… y a partir de ahí tienes más libertad, puedes dedicarte a hacer de banda de rock. Meter 10 singles en un disco está guay, pero si te salen muy diferentes».
Os veo grupo de álbumes, obviamente, aunque en los directos está muy claro dónde metéis las canciones famosas, los singles. Está marcado, porque soléis terminar igual… Aunque bueno, nadie vio venir lo de ‘Barca quemada’.
Isa: «Rodrigo sí, pero nadie le hizo caso» (risas)
Rodrigo: «En otros discos siempre hubo dudas, hasta con ‘Año Santo’. En este disco no, la estructura del disco era de pop de la época.
Hay mucho años 50, David Lynch… Le habéis cogido el gustillo a ese estilo.
Hablando con Toño de ‘El crepúsculo de los dioses’ (‘Sunset Boulevard’)… marcó el disco esa imagen.
¿En sonido hay alguna novedad?
Zippo: «Este disco tiene la canción más electrónica, la canción más lenta con la que acabamos el disco, la balada más clásica rock’n’roll. Hay más géneros y estilos que nunca».
Rafa: «Al poder disponer de nuestro propio espacio, no tienes que fijar nada de antemano, salvo la propia grabación. No teníamos esa presión previa. Eso para mí supuso captar el momento, solo preocuparte de lo que estás haciendo, no por otra cosa».
Rodrigo: «Hay veces que te encuentras con 20 canciones por acabar».
Isa: «Algunas son 2 canciones juntas».
Rodrigo: «‘Estrella solitaria’ viene de la pandemia».
¿Cuál es esa canción que son 2 canciones juntas?
Isa: «‘Huele a colonia chispas'».
Rodrigo: «No. Es que muchas veces mezclas la letra de una y la música de otra. Lo que pasa es que esa canción empezó demasiado como ‘Vigilantes’. Di muchas vueltas. Tiene los mismos acordes de ‘Estrella solitaria’, pero traspuestos. Con una melodía completamente diferente encima. Quería alejarla de ‘Vigilantes’. Cuando nos sale algo parecido a otra canción, la cambiamos».
Habladme del final de esta historia, ‘La condena’. Ese «intento arrancarte de mí pero no puedo».
Rodrigo: «Al hilo del disco, habla de la búsqueda del éxito, o de no llegar a él».
Isa: «De lo que tuviste y ya no tienes. También puede ser de amor».
Rodrigo: «Eso sería más típico, pero prefiero que sea del éxito. De lo que no conseguiste tener. Cualquier sentimiento humano, de deseo, aspiracional. La letra es poco explícita para que cada uno la complete con lo que le convenga».
El mes pasado nos preguntábamos en la redacción cuál era la mejor canción del último disco de Lola Indigo. No me dio tiempo a participar, y me quedé con las ganas de destacar la que es mi canción favorita de toda su carrera: ‘La Santa’. Es nuestra Canción del Día para este sábado.
Parece que si ‘EL DRAGÓN’ continúa en el top 20 de la lista española de ventas, 9 semanas después de su edición, es gracias sobre todo al empuje del tema con Quevedo, que sigue en el top 10 de singles. Los siguientes cortes más escuchados del álbum son los colaborativos con Maria Becerra y Luis Fonsi, pero ni caso.
Es ‘LA SANTA’ la canción más excitante de Lola Indigo. Ya a su estreno hace unos meses elogiábamos su paso del dembow a la balada, incluyendo también un beat de reggaeton. Mimi Doblas nos está hablando aquí de una amiga que se hace la santa pero luego se vuelve salvaje, y lo está haciendo no solo con el texto sino con la propia música, que parece reflejar los estados de la propia (anti) «SANTA».
Consintiendo la interpretación «la amiga soy yo», pues la propia artista considera que el tema habla de «su personalidad», ‘LA SANTA’ presenta una letra divertida sobre alguien que parece una mojigata pero luego «mueve el culo en TikTok» y «siempre está lista pa’l club». En sus fascinantes cambios de ritmos, ‘LA SANTA’ constituye una producción perfectamente a la moda internacional de 2023, siendo realmente perfecta para TikTok, al tiempo que uno de los mayores aciertos de Andrés Torres y Mauricio Rengifo (‘Despacito’) por mucho que los números no hayan acompañado tanto.
De hecho, la artista ha contado que el tema no gustó mucho en principio: «Con ‘La Santa’ me tuve que pelear con ‘las gentes’ que dicen ‘esto no suena en radio’, ‘esto es muy duro’ y tal… Pues ‘La Santa’ es del Albahicín, una canción que tiene mucho de mi personalidad y soy yo haciendo lo que me gusta: escribir».
Kylie continúa siendo lo más votado de JNSP, ratificado por el 73% de la audiencia en Twitter. Lo nuevo de su amiga Dua Lipa no ha sido una amenaza para ‘Padam Padam’, pero el tema de ‘Barbie’ llega al puesto 2 con el 14% de los votos aprox.
La segunda entrada más fuerte es lo nuevo de Alizzz y Amaia, seguido del tema de Doja Cat que en realidad no va a ser un single principal de su álbum. RAYE, Amaarae y Bombay Bicycle Club completan las entradas de la semana.
El concierto de Louis Tomlinson en Red Rocks, en Colorado, estuvo protagonizado por las más de 90 personas heridas y 7 hospitalizaciones. La causa fue una fuerte tormenta de granizo que, según informa NME, dejó piedras del tamaño de una pelota de tenis.
En el concierto, parte de la gira de Tomlinson en Estados Unidos, el artista presentaba su álbum ‘Faith In The Future’. El show fue retrasado y el recinto Red Rocks propuso a los fans vía Twitter que «buscasen refugio en los coches». Tras varios intentos, se tuvo que cancelar el concierto, dejando varias hospitalizaciones con huesos rotos, cortes o contusiones.
Tras esto, el cantante publicó un comunicado en el que «deseaba que todo el mundo hubiese llegado bien a casa y que los heridos se recuperasen pronto. Añadía también que «estaban tratando de reprogramar el concierto, así que, que todo el mundo guarde sus entradas».
Several people got injured by a hail storm at the Red Rocks concert venue in Morrison, Colorado, West Metro Fire says. The number of potential patients and the extent of injuries are not known at this time. pic.twitter.com/CrgtvXsw0f
— The Washington Press (@washpressorg) June 22, 2023
ATTN @Louis_Tomlinson concertgoers: We are currently in a weather delay Please seek shelter in your vehicle and we’ll let you know when we’ve received the all clear
— Red Rocks Park & Amphitheatre (@RedRocksCO) June 22, 2023
No sé si puede haber ahora mismo una palabra peor considerada que «plástico». Es casi el sinónimo de la contaminación, la viva imagen del mal en el debate sobre el cambio climático. Al menos entre aquellos que no destruyen carriles bici como primera medida urgente al llegar a su gobierno chispas.
Por eso es tan triste para un músico, en un disco que habla sobre la fama y sobre todo sobre la «SED» de la misma cuando la has perdido, escuchar que «los años pasan» y que «tus discos son sólo plástico». Que si eras el rey de algo, no era del rock, ni del pop. Sino del plástico.
Admirando profundamente a personajes como Prince como músico o productor, comprobando lo joven que murió, también Michael Jackson, o lo que para muchos es la deriva de Madonna, Triángulo de Amor Bizarro se han concentrado en reflexionar sobre este tema. El corte de que hablamos se llama ‘Huele a colonia chispas’ y su estribillo pasa de ser «tu vida fue demasiado corta» a «la vida es demasiado larga». Habría que preguntar su opinión a Kurt Cobain, a Ian Curtis, a Chris Cornell o a Avicci.
Esta es la primera vez que el grupo gallego, acostumbrado a premios de la crítica, reconocimiento de la industria y listas de lo mejor del año, han compuesto un álbum conceptual. Hay un hilo conductor en lo lírico que nos lleva desde ‘Estrella solitaria‘, una de las mejores canciones de su carrera; hasta el final de ‘La condena’. La primera es una de las composiciones que más abiertamente se inspiran en la absoluta obra maestra cinematográfica a este respecto, ‘El crepúsculo de los dioses’ (qué bien ha «envejecido»), y la última es una pseudobalada sobre la esclavitud hacia aquello que «perseguimos».
En medio hay temas sobre esos ogros de la industria que por un lado te calientan la oreja con frases hechas vacías de contenido («la música que haces tiene corazón») y por otro te sugieren que abandones a tu familia a la vez (‘Cómprate un yate’). Sobre cazadores cazados, como ‘La carretera’. O sobre «Espectadoras» que buscan un lugar en la historia también. «Soy sólo alguien que busca lo que es suyo», repite una y otra vez.
En lo musical, y pese a nuevas aportaciones en cuanto a instrumentación y grabación, el 6º álbum de Triángulo de Amor Bizarro no presenta tantas novedades como en lo lírico. De hecho, hay muchas autorreferencias a canciones pasadas. Tanto ‘La carretera’ como ‘La espectadora’ tienen un algo a ‘Barca quemada’. ‘Estrella solitaria’ es la canción tipo de New Order que «Triángulo de Amor Bizarro» paradójicamente no manejaron hasta ‘Baila sumeria’, pero que ahora nos resulta familiar. En verdad ya tenían un tema sobre la fama llamado ‘Estrellas místicas‘, sobre su relación con sus fans. Aquella en que Isa Cea verbalizaba una demanda de algunos de sus seguidores: «sonríe, hostia, sonríe».
El grupo con su propia producción y la de su inseparable Carlos Hernández, continúa sonando espectacular en la parte noise con las guitarras de Rodrigo Caamaño (‘Estrella antivida’, ‘Huele a colonia chispas’) y entregando momentos que degustar. ‘Canción de muerte del pez dorado’, con ese toque 50’s que les lleva un par de discos sentando tan bien, ofrece aquí un desarrollo diferente. Las guitarras crepusculares del final remiten al Brit Pop, en concreto al Bernard Butler de ‘Dog Man Star’. Y el cierre de álbum con ‘La condena’ es de los mejores que han entregado, entre los los efectos y los teclados de Zippo y la batería de Rafael Mallo.
Una de mis interpretaciones favoritas de ‘SED’ es aquella en la que Triángulo de Amor Bizarro reflexionan también sobre su propia relación con el éxito. Una teoría en la que ellos no son espectadores, sino que también observan su propia decadencia. Su decadencia en un mundo que ya no quiere tantos grupos de noise en festivales. La de un mundo en el que predominan los solistas, pero con muchos featurings. La de un mundo en el que el rock solo está ya representado por Måneskin. Habría algo realmente poético en que este fuera el último disco de TAB. Pero aquí no hay atisbo de caída o crepúsculo. El grupo gallego ofrece un disco diferente y distinguible de los demás, en este caso sobre todo por su temática, dando suficientes razones como para que ansiemos ya averiguar cuál será su próxima idea.
Siempre se está a gusto cuando se está en casa. Esta es la frase que resumiría la primera jornada de Tomavistas 2023. El festival insignia de Madrid vuelve al parque Enrique Tierno Galván en su séptima edición, tras reubicarse en IFEMA el año pasado, y lo hace con una jornada marcada por la búsqueda de sombra (que también se dará en los dos días restantes) y el buenrollismo.
Para empezar, fue un tanto frustrante topar con las coincidencias típicas de estos eventos. Si ya me fue complicado elegir entre Shego y Queralt Lahoz, de la cual me habría gustado ver más, lo de perderme a Judeline por ver a Depresión Sonora no me hizo ninguna gracia. Es el único pero que podría poner a algo relacionado con la organización del evento, que ofreció un ambiente amistoso y familiar, unos precios decentes para un festival y una variada selección de puestos de comida y bebida. Eso, y la falta de fuentes de agua potable, lo cual han anunciado desde la organización que ya se ha solucionado. Según explican en Instagram, hubo “retrasos en el montaje” por la tormenta del miércoles, afectando a la previsión de agua.
Alrededor de las 20:15, ‘Bienvenido Al Caos’ sonaba en el escenario 2, dando comienzo a un espectáculo lleno de bailes tristes para delincuentes y demostrando que Depresión Sonora no hace música generacional, sino universal. Y si no, que se lo digan a todas las personas de mediana edad que estaban bailando al son de ‘Hasta Que Llegue la Muerte’ al lado de chavales de 20 años.
Crespo tocó sobre todo temas sacados de su último disco, ‘El Arte de Morir muy Despacio’, pero también desplegó clásicos como ‘Ya No Hay Verano’, ‘Gasolina Y Mechero’ o ‘Apocalipsis Virtual’. Esta última con dedicación al recién fallecido Unabomber. Con solo dos guitarras (a veces), un bajo y un track de percusión, Crespo consiguió conectar totalmente con el público. Debe ser porque es ‘Como todo el Mundo’. Incluso mi acompañante, que no estaba nada familiarizadx con Depresión Sonora, al verlo salir soltó: “¡Pero si es un chaval normal!”.
Oscar L Tejeda
Ginebras y La La Love You, como era de esperar, fueron los conciertos más multitudinarios. A ojo, yo diría que Ginebras se coronaron como las reinas del primer día. Se trataba de su primera vez en Tomavistas y, aprovechando que está reciente el tema, no tuvo nada que ver con lo que experimentaron en O Son do Camiño. Todo el mundo estaba allí para verlas y si no, ellas podían ganarse a cualquiera gracias a la potente colección de temas que poseen. Bailongos y cercanos a partes iguales. Magüi, Sandra, Raquel y Juls estuvieron igual de carismáticas y habladoras que siempre, bromeando sobre cómo su decorado (una especie de montaña rusa) es una parte de la nueva atracción de la Warner o abriéndose al público y contando lo felices que están tocando en Tomavistas, pese a estar pasando “por un momento personal bastante jodido”. ‘Muchas gracias por venir’, ‘La típica canción’ y una cover de ‘Con Altura’ fueron los momentos musicales más destacados.
Los shows de Ginebras y La La Love You fueron similares, en el sentido de que ambos tuvieron un decorado superior al resto, visuales curradas, derrocharon personalidad y regalaron un sólido concierto. En el caso de La La Love You, estos entregaron un set lleno de hits para seguir sudando en la calurosa noche de Madrid, una acertada versión de ‘Tenía tanto que darte’ y mucho carisma, riéndose un poco de Piqué (“Menos mal que sois Team Shakira”) y Bizarrap (“La nueva de Bizarrap con Rauw, un poco floja, ¿no?”). ‘El Fin del Mundo’ fue el petardazo final perfecto para mandar a la gente a casa de buen humor. Seguido muy de cerca por el momentazo que fue ‘El Principio de Algo’. Sin embargo, tuvieron la mala suerte de tocar después de Carlangas.
Yo tenía muchas ganas de ver a Carlangas, pero no me esperaba para nada el espectáculo que iba a presenciar. Un concierto en el que es imposible que recuerdes tus problemas, que tiene a un Carlangas incapaz de parar de pasárselo bien, a una impecable banda que eleva las canciones a otra dimensión como es Mundo Prestigio, y un repertorio que cubre tanto el primer proyecto en solitario del gallego como algunos de los mejores temas de Novedades Carminha (‘Cariñito’, ‘Te Quiero Igual’, ‘Ya No Te Veo’). Suena ‘Se Acabó la Broma’, y mientras estás alucinando por cómo suena en directo, te das cuenta de que el saxofonista acaba de encender una bengala de humo. Esto, nada más empezar. Momentos de autotune, solos de saxo, sintetizadores, cumbia, inesperado colofón con ‘Mr. Saxobeat’, ‘Freed from Desire’ y ‘Verbena’ seguidas y hasta momentos emotivos, como el que protagonizó el hijo de Pereiro: “Es la primera vez que viene a verme mi hijo de dos años y en una hora está de cumpleaños”. Acto seguido, le dedicó una versión acústica de ‘Hola, mi amor’ de Nyno Vargas. Hubo tantos momentos a destacar que me falta espacio.
Se nota que Carlangas es el artista más veterano de la jornada. Por algo la mayoría de compañeros de cartel lo han nombrado en sus conciertos al hablar de lo emocionados que están de tocar en el Tomavistas. Carlos Pereiro no congregó a tanta gente como otros, pero ellos se lo pierden. Carlangas dio fin al bolo, y prácticamente a la velada del jueves, gritando a los cuatro vientos algo que deberíamos recordar todos de vez en cuando: “¡Viva la vida, me cago en dios!”.
Lewis OfMan, uno de los artistas actuales que mejor y con más gracia han sabido renovar el synth-pop de los ochenta, y Empress Of, autora de hitazos como ‘Dance for You’, se han unido en un single conjunto, un tema que se encuentra entre las novedades publicadas hoy.
‘Highway’ marca una nueva etapa creativa para Lewis Delhomme, en la que el productor francés renuncia a los sintetizadores y da la bienvenida a las guitarras, según él mismo. ‘Highway’ es prueba de ello y es la Canción Del Día de hoy.
‘Highway’ emite diferentes ecos. En concepto es una canción deliberadamente veraniega que nos lleva a la Italia de los años 60 y 70. Podemos hablar de Fitness Forever pero no hace falta irse tan lejos: ahí están, por ejemplo, Parcels. Sin embargo, las guitarras eléctricas dibujan una imagen más cercana a la psicodelia que remite a la última etapa de Tame Impala. Las acústicas apuntan más bien a la rumba española, haciendo parecer a ‘Highway’ prima hermana del ‘Yate‘ de C. Tangana.
En este mejunje sobresale la musicalidad de Lewis OfMan, su exquisito gusto, y también el talento vocal e interpretativo de Empress Of, que convierte en oro todo lo que toca. Juntos entonan una canción que habla del hallazgo de un amor, tan insólito que parece el de un oasis en medio del desierto: «te llevo buscando toda la vida, he cruzado semáforos en rojo para llegar hasta ti», canta Lorely Rodriguez; «quizá sea una ilusión, pero espero sea verdad».
‘Highway’ presenta el próximo proyecto de Lewis OfMan y llega solo un año después del lanzamiento de su último disco, ‘Sonic Poems‘. Por su parte, Empress Of publicó EP también el año pasado, ‘Save Me‘, aunque su último trabajo largo vio la luz en 2020.
Esta semana un submarino que realizaba una ruta turística hacia los restos del Titanic (una ruta económicamente exclusiva, solo asequible para grandes bolsillos) ha desaparecido. Tras una intensa labor de búsqueda realizada a contrarreloj, las autoridades han hallado restos materiales de la nave, por lo que creen que ha implosionado debido a la presión marítima, y dan por muertos a sus cinco ocupantes.
En medio de la tragedia, la música ha encontrado un extraño momento de protagonismo. Brian Szasz, hijastro de uno de los ocupantes, el multimillonario británico Hamish Harding, ha asistido a un concierto de Blink-182 para «lidiar» con la dramática situación de su familiar y lo ha publicado en sus redes. Incluso ha etiquetado a Tom Delonge en un mensaje buscando su apoyo. A mucha gente el gesto de Szasz le ha parecido de mal gusto, como a Cardi B, que ha querido comentar la situación en TikTok:
Cardi y Brian Szasz (o «Audioboy», como se hace llamar en redes) han terminado intercambiándose reproches en redes sociales. Cardi ha afeado a Szasz su indiferencia ante la tragedia y su interés por llamar la atención a costa de su padrastro. Y Szasz ha contestado que es Cardi quien busca llamar la atención porque sus últimas canciones son «una mierda».
Al mismo tiempo, Céline Dion ha sido trending topic por ‘My Heart Will Go On’ (uno de los miles de memes que ha generado la noticia) y alguien ha descubierto que, en el último vídeo publicado por OceanGate, la empresa creadora del submarino, aparece Macklemore.
Pero hay más: Wendy Rush, mujer de Stockton Rush, CEO de OceanGate y piloto del Titan, es descendiente de Isador e Ida Straus, pareja que falleció en el hundimiento del Titanic en 1912. Es decir, debe tener algún tipo de nexo familiar con King Princess, porque ella es tatara-tataranieta de esas mismas dos personas. Y la autora de ‘Hold On Baby‘ tampoco ha dejado de comentar la noticia: «la gente rica también comete decisiones estúpidas», ha dicho, apuntando: «mirad a mi familia».
Hoy 23 de junio salen los nuevos discos de Triángulo de Amor Bizarro (Disco de la Semana), Sen Senra, Kim Petras, Peso Pluma, M. Ward, Kelly Clarkson, Portugal .The Man, Rosa Linn, Big Freedia, Jason Mraz, Coi Leray, Albert Hammond Jr., Duki…
Hoy tenemos entre nosotros un nuevo single de Carly Rae Jepsen producido por James Ford, así como la segunda colaboración que publican en la misma semana Rauw Alejandro y Bizarrap. Gwen Stefani, Corinne Bailey Rae e Icona Pop avanzan sus respectivos nuevos trabajos.
Hay más música a comentar, como los nuevos singles de Nicki Minaj y Ice Spice para ‘Barbie‘ (con sample de Aqua), bb trickz, The Weeknd (‘The Idol’), María José Llergo, Anitta, The Blessed Madonna o la enésima alianza entre Ralphie Choo y rusowsky.
En los últimos días hemos conocido varios temas interesantes, como la versión de ‘Common People’ de Jordana B o la colaboración entre Phoenix y Beck. Slowdive han vuelto con su primer single en muchos años, lo mismo ha hecho Aphex Twin, Bad Gyal, Tokischa y Young Miko se han unido en el remix de ‘Chulo‘ y The Smile han liberado un tema suelto.
En la playlist de novedades puedes escuchar más música nueva de Lewis OfMan con Empress Of, Mujeres, Róisín Murphy, Blanco Palamera, Galantis, Yarea, Elderbrook, un single sorpresa de Demi Lovato, Jungle, María Becerra, Faye Webster, Roosevelt, Paula Koops…
Kesha y Dr Luke han llegado a un acuerdo legal después de 10 años. Termina así una batalla legal que les iba a llevar a los tribunales el 19 de julio. Los términos del acuerdo se desconocen.
Kesha y Dr Luke han compartido un comunicado conjunto en sus redes sociales, en el que cada uno firma una declaración. Kesha dice que «solo Dios sabe lo que pasó aquella noche. Como siempre he dicho, no puedo recordar todo lo que pasó. Tengo ganas de cerrar esta etapa de mi vida y empezar una nueva. Deseo paz a todas las partes involucradas».
En segundo lugar, Dr Luke contesta que «aunque agradezco que Kesha reconozca que no recuerda lo que pasó aquella noche de 2005, estoy absolutamente seguro de que nada ocurrió» y se muestra agradecido por «poner este asunto atrás y continuar con mi vida». El productor insiste en que «nunca drogué ni acosé a Kesha y nunca lo haría con nadie. Por mi familia he buscado proteger mi nombre durante diez años».
Kesha demandó a Lukas Gottwald en 2014 por «abusar sexual, física, verbal y emocionalmente» de ella «hasta el punto de casi perder la vida», y Dr Luke contraatacó demandando a la cantante por difamación y acusándole de inventarse haber sido violada por él para escapar de su contrato discográfico. Kesha sigue vinculada a Kemosabe, sello de Dr. Luke, incluso a día de hoy: su último disco ‘Gag Order‘ ha salido a través de dicho sello.
Por su parte, Dr Luke ha vivido una completa rehabilitación de su carrera profesional en los últimos años gracias al éxito de sus colaboraciones con Nicki Minaj, Doja Cat y sobre todo Kim Petras, cuyo disco, casualmente, sale hoy.
El cantante de Greta Van Fleet, Josh Kiszka ha salido del armario en un post en Instagram. La razón la ha contado en ese comunicado: «En Tennessee, donde he establecido mi hogar, los legisladores están planteando proyectos de ley que amenazan la libertad de amar. Es imperativo que diga mi verdad no sólo por mí, sino con la esperanza de cambiar los corazones, las mentes y las leyes en Tennessee y más allá», escribía Kiszka.
Y es que, el gobernador de Tennessee, Bill Lee, ha convertido al Estado en el primero en prohibir las presentaciones de drag en público o alrededor de menores de edad. Esta oleada LGTBIfobia le ha afectado, ha dicho Kiszka, personalmente: «Esto me afecta especialmente porque llevo 8 años en una relación amorosa con mi pareja del mismo sexo. Mis personas más cercanas ya lo saben, pero para mí es importante compartirlo públicamente». Además, el cantante ha compartido nombres de organizaciones que sí están luchando y tratando que no se retroceda en materia de derechos humanos.
Greta Van Fleet actuarán en España en su gira ‘Starcatcher’, el 3 de diciembre en el Sant Jordi Club de Barcelona y el 4 de diciembre en el WiZink Center de Madrid.
Tokischa y Young Miko se unen a Bad Gyal en ‘Chulo pt. 2’. El remix de la canción conserva la esencia del reggaetón bruto de la original. Además, es probable que este tema (que viene con videoclip) forme parte del próximo y esperado EP de Bad Gyal ‘LA JOIA’.
Es verdad que ‘Chulo pt. 2′ conserva la forma y el fondo, pero la aparición de Young Miko y Tokischa le aporta a la canción más sexo, si eso es posible: «Tu actitud de delincuente / Es que me pone puta». A ese tipo de frases ya acostumbra Bad Gyal, pero en este aquí se multiplican por tres. La base es simple, golpes secos y duros a ritmo de reggaetón: está hecha para ser un tema de discoteca, de perreo. «Y dale, pégate, muévete, ma’, ¿tú no querías fuete? / Pégame ese culo que tú no tienes grillete», canta Miko con cara vacilona.
Ya se pudo oír por primera vez este remix en el Primavera Sound, Bad Gyal invitó a Toki al escenario, pero en este caso el videoclip muestra más química entre las tres. El videoclip está grabado en Barcelona y es una noche de fiesta con las artistas: cena, tabaco, alcohol y un bus que las deja en la playa. Todo mientras mueven mucho el culo.
También, parece que Bad Gyal ha escuchado las súplicas de que colaborase con más mujeres. Los numerosos «featurings» con hombres (Quevedo, Beny Jr, Rauw Alejandro, Juanka, KHEA, Omar Montes o Kafu Banton) ya estaban aburriendo a sus fans, que pedían un poquito más de «contacto femenino».
“No tengo nada que aportar, soy simple decoración, un bulto en esta habitación” es una de las frases más sonoras contenidas en el debut de la cantautora canaria Yavanna Cubas Callero, conocida por el alias de yavy. En el transcurso de estos 25 minutos de música, yavy sí aporta algunas cosas.
En primer lugar, sus letras están llenas de historias cotidianas que bordean la tragicomedia. «Será porque me siento extraña, quedamos y no paras de meterte rayas” es una frase con la que no sabes si reír o llorar. La precariedad (laboral, psicológica, emocional) está muy presente en su imaginario.
Por otro lado, yavy sabe construir una canción que contiene un mundo propio dentro de sí misma. Por temática y sonido. Hay un poso funky, pero también de pop cuco a lo Julieta Venegas, en la simpática ’Te abandonaré (poco a poco)’, una canción que habla sobre dejar a alguien sin que esa persona se entere, sin que note el viento siquiera. Más uptempo, el mini himno de ‘Nadie está muy bien’ da una respuesta a que Britney Spears aparezca mencionada en la nota de prensa (quizá porque el beat remite vagamente al de ‘Womanizer’). Claro que, si algo define las canciones de yavy, es su artesanía.
yavy se vale del típico truco de mezclar mil cosas a la vez, pero le funciona. ‘Deja las drogas’ es puro indie-pop adorable, marcado por un punto naíf e infantil (ese teclado como midi) que resulta encantador. ‘Solo soy feliz (cuando no tengo tiempo)’ pasa del bolero a las guitarras acústicas y evoluciona hacia un final de dream-pop precioso que también incorpora guitarras eléctricas. Y ‘Soy pobre (y quiero un millón)’ -cuyo título lo dice todo- aún se acuerda del trap… pero solo para meterse en el terreno de la psicodelia.
El gran hallazgo de ‘Nada que aportar’ es ‘Arruguitas’, la pista inicial. No tantas canciones hoy en día hablan sobre la vejez, y esta lo hace con mucha poesía: “y cada vez tengo mas líneas en mi piel, y está más desconchada la pared” es una rima preciosa… que además se atreve a darle la vuelta al espejo concluyendo: “dime que tú no lo sientes”. La música mezcla pianos 70s y rayos de teclado cósmico y acaba con sorpresa, con un beat de funk carioca desbocado que no ves venir. ¿Seguro que no hay «nada que aportar» por aquí?
Cuando Mad Cool presentó oficialmente su nuevo recinto, ubicado en el distrito de Villaverde, entre la carretera M-45 y la calle Laguna Dalga, a más de un quilómetro de las primeras estaciones de transporte público, surgieron dudas sobre el posible caos organizativo que pudiera tener lugar. Es un espacio de 185.000 metros cuadrados con aforo para 70.000 personas.
Mad Cool confirma hoy que su plan de movilidad se centrará en el transporte público. Mad Cool pagará por dos horas extra de metro desde el término del festival, es decir, si el evento termina a las 2 de la madrugada, el servicio de la línea 3 desde Villaverde se alargará hasta las 4 de la madrugada. Los trenes pararán «en una o dos estaciones» hasta llegar al centro. El servicio abarca evidentemente las tres jornadas del festival: jueves, viernes y sábado.
Por otro lado, Mad Cool ampliará su servicio de buses lanzadera: un total de 20 buses estarán operando sin parar y «siempre» habrá dos buses esperando en la parada. Los buses serán tipo acordeón (con dos módulos, para que entren más personas) y Legazpi será uno de sus puntos principales. Con estas dos medidas, Mad Cool busca desincentivar el uso de transporte privado.
A espera de que se concreten todos los detalles relacionados con el transporte, Mad Cool confirma que el recinto estará listo para el festival, no así el bosque de palmeras anunciado ni tampoco la nueva red de energía verde, que no se han conseguido completar a tiempo.
Mad Cool se celebra los días 6, 7 y 8 de julio con Red Hot Chili Peppers, Lizzo, Mumford and Sons, Robbie Williams, Queens of the Stone Age, Ava Max, Sam Smith, The 1975, Lil Nas X o The Black Keys entre los artistas anunciados en su programación.
Jordana B. prepara nuevo disco muy pocos meses después de haber lanzado el primero, ‘Tú y cuántos más‘, y el primer adelanto oficial -confirmado por Subterfuge- es una adaptación al español de ‘Common People‘ de Pulp.
Como buscando recordar que ‘Common People’ ya se parecía muchísimo a una canción española, ‘Los amantes’ de Mecano, Jordana B. demuestra que ‘Gente corriente’ funciona igual de bien que la original. Es la Canción Del Día para hoy jueves (por cierto, Manel ya adaptaron ‘Common People’ al catalán hace una década).
Sin renunciar a la energía y el poder de la composición original, ni tampoco al concepto de su letra, pero adaptado a la vida de Jordana B, ‘Gente corriente’ narra la historia de una chica pobre (Jordana) y una chica rica (una pija de Madrid) que se enamoran. Jordana lleva a su chica a un bar de mala muerte, pero su chica ya ha reservado mesa en un restaurante pijo, y así. El amor, claro, se impone a todo.
La portada de ‘Gente corriente’ es una referencia a la revista Playboy, un medio en el que, explica Subterfuge, «las mujeres han sido cosificadas a lo largo de los años y en cuya portada rezaba “Entretenimiento para hombres”». Ahora, «Jordana B. se apropia (de la portada de Playboy) para contar a través de ella una historia de amor. Un “Entretenimiento para mujeres”. Un romance de lesbianas».»
‘Gente corriente’ promete convertirse en un tema clave en los directos de Jordana B, sin olvidar que ella ya acumula un puñado de hits propios, como ‘Cumbia B’ (cerca del millón de escuchas), ‘Clase media’ o ‘Mala feminista’. Así quedan sus próximas fechas:
01 de julio (Sábado) – Polifonik Sound – Recinto Ferial Barbastro (Huesca)
22 de julio (Sábado) – No Sin Música Fest – Puerto de Cádiz (Cádiz)
29 de julio (Sábado) – Aragón Sonoro – Alcañiz (Teruel)
25 de agosto (Viernes) – Villanueva del Trabuco (Málaga)
31 de agosto – 2 de septiembre – Festival Gigante – Alcalá de Henares (Madrid)
Bad Bunny dijo que en 2023 se tomaría un descanso. Bad Bunny mintió. Por ahora, Benito lleva dos singles publicados, ‘Where She Goes‘ y ‘x100to’, su corrido tumbado con Grupo Frontera. Ambos siguen entre los 10 hits más escuchados en el mundo y acumulan cifras monstruosas.
Benito protagoniza esta semana la portada del mes de julio/agosto de Rolling Stone. La entrevista sigue al conejo malo desde Coachella hasta la actualidad, pero es parca en noticias. A duras penas deja caer Benito que tiene pensada una colaboración con Travis Scott.
En la entrevista, Martínez habla sobre el altercado que protagonizó a principios de año, cuando arrojó al agua el teléfono de una fan que se acercó a él para hacerse un selfie sin su consentimiento, invadiendo su espacio personal. El mundo pensó que ese móvil cayó al agua, pero no, Benito confirma que el teléfono está a salvo: «El teléfono no se rompió, aún existe, me molesta que la gente no haya dicho esto. Cayó en unos arbustos. La chica tiene su teléfono, debería subir el vídeo».
En otro punto del artículo, Benito revela que se ha aficionado a coleccionar vinilos de los años 70, un «periodo que está inspirando su música». Un disco de José Feliciano, concretamente, se encuentra entre sus hallazgos favoritos porque escucharlo se parece a, según Rolling Stone, «entrar en un túnel del tiempo que recorre los sesenta años de carrera del compositor».
De hecho, Bad Bunny aprovecha la ocasión para reivindicar la figura de Feliciano: «Me sorprende que la gente joven no sabe lo grande que fue. Dice «oh, Bad Bunny está rompiendo barreras con los gringos». No, José Feliciano ya estaba rompiendo barreras con los gringos desde los setenta, ¿me entiendes? Ya hacía giras mundiales, tocaba en Londres, cantaba en inglés a públicos anglosajones».
Por otro lado, Sony ha cancelado el estreno de ‘El Muerto’, el spin-off de ‘Spider-Man’ en el que iba a aparecer Bad Bunny. El cantante iba a interpretar el personaje de Dorado, el némesis de El Muerto, pero el proyecto queda parado de momento.
Tras la gran acogida de ‘Spider-Man: Un nuevo universo’, una película cuyas ambiciones estéticas y narrativas la ubicaban un peldaño por delante de la gran mayoría de productos Marvel, llega el nuevo episodio de lo que se presume que será una fructífera saga. Con un panel de directores distintos frente a la anterior entrega, ‘Spider-Man: Cruzando el Multiverso’ retoma ese afán por ofrecer un espectáculo visual que combine las cualidades de los cómics con las cinematográficas. Nuevamente, el apartado estético es el principal gancho: diversas técnicas animadas convergen con fluidez, los colores explotan en la pantalla con enorme expresividad, la estética ultramoderna se funde con cierto aire retro propio de la época en la que se creó el personaje original.
El filme comienza con un prólogo donde no aparece el nuevo Spiderman, sino una Spiderwoman que ya fue presentada en su cinta predecesora. Si hay algo que inmediatamente diferencia a estas nuevas producciones de cualquiera de las aventuras previas del hombre-araña es su conciencia social y su voluntad por dar visibilidad a todo tipo de personas sin importar género o raza. Todos podemos ser héroes, ya no es exclusividad del hombre blanco heterosexual. Y aunque aún no se hayan atrevido a introducir de forma directa ninguna temática LGBT, sí que se puede establecer un paralelismo claro entre la experiencia de llevar una vida en secreto ante los progenitores y formar parte del colectivo queer, siendo la adolescencia -periodo de madurez y cambios fundamentales- el momento en el que los personajes sienten esa necesidad de mostrarse como son, incluso si el miedo a no saber si serán aceptados los invade. Una analogía que nunca se había hecho tan explícita en ninguna película de superhéroes.
El protagonista, Miles Morales, es un chico afrolatino de 15 años que fue mordido por una araña que le otorgó poderes sobrenaturales. En su universo, Peter Parker murió y él es el único y auténtico Spiderman, pero ya aprendió en su anterior aventura que no está solo: hay muchas más realidades y muchos más humanos arácnidos aparte de él salvando a la humanidad del mal. Sobre esta idea vuelve a girar la trama en esta ocasión, perdiéndose en un compendio de lugares y no-lugares y de normas internas que a veces se escapan de toda lógica. Su principal lastre narrativo es querer abarcarlo todo: traza temas interesantes como la corrupción del poder o los límites del bien y el mal que acaban quedándose en tierra de nadie.
‘Cruzando el Multiverso’ funciona mejor cuando se centra en los dilemas íntimos de los personajes y en su proceso de crecimiento que en los momentos de acción más desenfrenada. Lo cual no quiere decir que estas escenas no cuenten con la capacidad de dejar con la boca abierta por su espectacularidad técnica. Además, a su aire y estética “cool” les acompaña la acertada música original de Metro Boomin y sus colaboradores de lujo, entre ellos James Blake, Future o Lil Uzi Vert.
El agotamiento y la saturación del espectador se entrelaza con el apabullante despliegue de persecuciones y peleas épicas. El desarrollo es irregular, está excesivamente dilatado y en ocasiones una desafortunada tendencia al sentimentalismo se cuela en el relato de forma molesta. Pese a todo, este nuevo episodio lo tiene todo para entusiasmar a cualquier aficionado a las historias de superhéroes. Hay personalidad en su recargado envoltorio y también un palpable respeto por lo que cuenta, por realizar con sumo cariño una representación contemporánea de un personaje tan querido e importante para la cultura pop como Spider-Man.
Bizarrap continúa incansable publicando sesiones cada pocas semanas y el nuevo artista invitado a su estudio ha sido Rauw Alejandro. El portorriqueño pone voz a la sesión número 56, que llega después de la protagonizada por Peso Pluma.
Biza y Rauleeto entregan una sesión con poco vínculo a aquella cosa llamada «música urbana» más allá de los nombres involucrados. Una canción electropop de cabo a rabo, melódica, guiada por unos acordes de teclado ultra ochenteros, sin raps, que se pega desde el segundo cero.
¿Puede la colaboración de Biza y Rauw, como apuntan algunos medios, convertirse en una de las canciones del verano que acaba de empezar? No será porque el estribillo «pa que dormir solo / si tú estás sola / podemo’ chingar y que pasen las horas» no lo ponga fácil.
Y si esperas que Rauw incluya en la letra una referencia a su pareja, la Rosalía, esperas bien: «si estás despechá / yo te hago un rehab» es la frase que viene a confirmar que esta es otra canción de amor sensual dedicada a la Motomami.
El vídeo de la sesión 56 deja otra noticia: una segunda colaboración entre Bizarrap y Alejandro, titulada ‘Baby Hello’, sale este mismo viernes. Así van los ritmos de la industria: ¿por qué dejar que triunfe un tema cuando pueden hacerlo dos a la vez?
Pharrell ha debutado para la Colección Masculina Primavera-Verano 2024 en Louis Vuitton. Tomó posesión de este nuevo cargo como sucesor de Virgil Abloh (que, además de diseñador, fue productor musical) en febrero. El desfile inauguró la Semana de la Moda en París, y Pharrell usó todos sus contactos en el mundo musical para complementar los diseños.
La nueva visión de Pharrell tiene mucho de la cultura rapera que ya comenzó Virgil Abloh. Tanto es así, que después del desfile contó con la actuación de Jay-Z. Y no solo eso, Williams se subió a interpretar con él ‘Frontin’, tema de ambos cantantes. El desfile fue en Pont Neuf, el puente más antiguo de París. Estaba claro que la música iba a estar presente, pero es que fue protagonista. Durante el desfile una banda tocó composiciones de Pharrell y el grupo de góspel Voices of Fire marcaron la noche (concepto que ya había usado Kanye con el Sunday Service Choir).
Además, muchos de los asistentes eran, cómo no, artistas. Beyoncé, Rihanna, A$AP Rocky, Tyler The Creator, J Balvin, Arón Piper, Maluma, Quavo o Tokischa. Los raperos Dave, Pusha T y No Malice desfilaron, incluso.
La colección, explican en Highxtar, tiene como emblema la palabra «LVRS», que juega con la palabra «lovers» y las siglas de Louis Vuitton. Representa unos valores de la marca a los que Pharrell ha añadido su perspectiva. Hubo muchos colores, muchos elementos iconográficos, prendas con ilustraciones de paisajes pixelados y camuflaje en prendas muy urbanas, streatwear. Pharrell Williams además confirmó su visión sin géneros en la moda: «Hago cosas para humanos».
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(@aryastarkno) June 25, 2023
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