«Algo cambiará cuando empiece septiembre», cantaba Luna Ki. Y lo que cambia es que las novedades musicales se apilan, se amontonan. Hoy 29 de septiembre salen nuevos discos de Wilco, J de Los Planetas, Blonde Redhead, Animal Collective, Oneohtrix Point Never, Kinder Malo, Jorja Smith, Melenas, Del Water Gap, Mae Muller, LP, Ed Sheeran, Molly Burch, Marcelo Criminal o Slow Pulp o Natalia Lacunza (EP). El disco de Celia Becks está disponible desde hace días.
Hemos avanzado la playlist «Ready for the Weekend» con algunas de las novedades que han llegado en los últimos días, como el dueto de Empress Of y Rina Sawayama, el single guitarrero de Dani Dicostas (antes dani), el regreso de Debby Friday después de ganar el Polaris, el nuevo tema de Lacunza, el enésimo adelanto de Blonde Redhead o el dueto de Sexy Zebras y Rufus T. Firefly.
Hay plancha con las novedades de U2, Delaporte, Madness, Ana Mena, Villano Antillano, The New Raemon, Two Door Cinema Club, Hemlocke Springs, Mujeres, L’Rain, Apartamentos Acapulco, The Streets, Bejo, El Buen Hijo, FEID, Ty Segall, The Mountain Goats, Sexxy Red, Florentino con Shygirl, Daneshevskaya, Sweet Pill, Helena Deland y más.
Hace una semana se cumplía un año desde el lanzamiento de ‘Hold the Girl’, el segundo álbum de estudio de la británico-japonesa Rina Sawayama. Y ha sido después de todo este tiempo cuando la artista, en una entrevista para la BBC, ha desvelado el verdadero trasfondo del disco: un abuso.
Rina Sawayama se ha sincerado en el programa ‘In Conversation’, donde ha contado por primera vez que un profesor la acosó cuando tenía 17 años, tratando de ganarse la confianza de una menor para luego abusar de ella. El proceso de escritura del álbum fue condicionado a raíz de ese suceso, pues la cantante ha estado yendo a sesiones de terapia sexual, en las que se dio cuenta de lo que sucedió realmente con ese hombre.
«Me manipularon», comenta la artista. «Fue un profesor del colegio. Para mí, tener diecisiete años es ser una niña. Estás en la escuela. Si un profesor del colegio se te insinúa, es un abuso de poder. Pero no me di cuenta hasta que tuve su edad». Rina Sawayama cumplió 33 años en agosto. «Fue a través de esta forma tan intensa de terapia, a la que me siento tan afortunada de poder acceder, que pude llegar a aceptarlo. Y rompió por completo todo mi mundo».
La cantante, además, señala concretamente al tema ‘Your Age’, séptima pista del disco y donde aborda el tema más directamente. «Recuerdo lo incómoda que me sentí, pero no até cabos. Desarrollé tanta vergüenza en torno a mi sexualidad que perdí completamente el sentido de mí misma».
Rina Sawayana ha confesado que, aunque necesitaba tocar este trauma en ‘Hold the Girl’, quiere cerrar esta etapa de cara a su tercer disco, dejando estos sentimientos a un lado. «Aún no sé sobre qué voy a escribir, pero me encantaría que llegara un día en el que pudiera escribir una canción que solo hablara de amor o sexo. Ya lo estoy consiguiendo», ha afirmado.
De momento, su último movimiento musical ha sido su colaboración con Empress Of en ‘Kiss Me’, una balada de amor protagonizada por el piano.
Una de las artistas que han dominado el verano es, sin duda, Billie Eilish. Su canción ‘What Was I Made For?’, que forma parte de la banda sonora de ‘Barbie’, es uno de los temas más exitosos de los últimos meses y hasta se empieza a considerar uno de los mejores de la artista. En sus dos más recientes entrevistas, una para Allure y otra para The Cookout, ha hablado de la creación de la canción, su relación actual con la fama y sus proyectos musicales.
«Fue como si esta canción hubiera sido una pequeña criatura dentro de mí durante años, arañándome por dentro», comenta Eilish a Allure, confesando que ella y su hermano Finneas escribieron el tema en una o dos horas. Esta última declaración sorprende porque la artista ha reconocido que estaban pasando por un periodo de tiempo en el que no podían estar «menos inspirados y menos creativos».
La autora de ‘Happier Than Ever’ siempre ha hablado sin tapujos respecto a las consecuencias de la fama y lo abrumador que puede llegar a ser el mundo del entretenimiento. En esta ocasión lo ha vuelto a hacer, dejando sensaciones más pesimistas. «Empiezo a sentirme mejor, pero últimamente no me ha ido muy bien. Tengo sentimientos de angustia la mayor parte del día. Cuando pienso demasiado en que nunca volveré a tener intimidad, es suficiente para querer hacer todo tipo de locuras. Pero tienes que dejarlo pasar».
Pese a ello, en The Cookout ha revelado que no ha dejado de trabajar. «Hay mucha música en camino. Hay todo un álbum en camino y estamos en las fases finales de su creación, así que eso no significa que esté a punto de salir, pero se está acercando y es muy emocionante». Aunque se fuera de vacío en los Grammys con su segundo disco, Billie Eilish acumula ya un total de siete gramófonos.
Orbital, Death Grips, Opus III, Beastie Boys… estos eran algunos de los nombres que le rondaban en la cabeza a Doja Cat hace meses durante la creación de su nuevo disco. Incluso llegó a afirmar -por si alguien lo ha olvidado– que el sonido estaría inspirado en el de las “raves alemanas de los 90”. Después troleó al personal diciendo que estaba haciendo un disco de “jazz experimental” y después uno de “rock”.
‘Scarlet’ puede ser el troleo definitivo de Doja Cat, pues, comparado con esos proyectos inventados, es el menos interesante. Centrado en un sonido de hip-hop y R&B clásicos que efectivamente saben al año ’97’, ‘Scarlet’ es un trabajo coherente con su discurso, pero que termina aburrido de sí mismo. También es peor que sus discos más pop aunque ella reniegue de ellos.
La campaña de ‘Scarlet’ ha sido un pequeño incordio. Empeñada en ponerse a sus seguidores en su contra, Doja se las ha dado de punk y ha pedido a sus fans tóxicos que se “busquen un trabajo” y le dejen en paz. El problema es que el punk funciona de abajo a arriba, y no de arriba a abajo, así que la “polémica” ha sido fastidiosa, pero de relevancia ha ido algo corta.
La fama y la toxicidad de las redes sociales, y de esa cosa llamada relación parasocial, son temas que atraviesan ‘Scarlet’. También la relación de Doja con las críticas, que la artista convierte en letras desafiantes como la de ‘Demons’. Aquí, Doja responde a quienes creían no sabía rapear y lanza sus opiniones “a la basura”. ‘Scarlet’ es el examen definitivo de Doja en el rap, un disco que Amala Dlamini ha hecho exclusivamente para demostrar que sabe escribir barras y rapear como “los mejores”. A veces literalmente: en ‘Ouchies’ es evidente que está imitando a Nicki Minaj, con la que ha colaborado. No hay beef.
‘Demons’ es uno de los mejores singles de la carrera de Doja Cat, y su loco sonido de cuerdas psicópatas no tiene nada que ver con el de ‘Paint the Town Red’. El gran éxito de Doja en 2023, número 1 global, otro primer single que devorará al disco que presenta, samplea ‘Walk on By’ de Dionne Warwick y es una canción de rap que sabe ser tan asequible como la más popular de Eminem (solo que con mejor gusto) gracias a un estribillo que va al grano, que es pop aunque Doja no quiera. «Mi felicidad es vuestra miseria», rapea en los versos, orgullosa.
En ‘Paint the Town Red’, Doja viene a contarte que ella prefiere ser famosa por mala a ser buena o políticamente correcta. El problema es que ni ella es tan mala (se necesita algo más que pelearte con tus propios fans en Twitter para serlo) ni ‘Scarlet’ es un disco que pase de lo políticamente correcto. Es tan clásico en sus mejores momentos, como ‘Ouchie’, que sí recuerda a los Beastie Boys, el durillo ‘Wet Vagina’ o el envolvente -y fantástico- single ‘Agora Hills’, como lo es en los más anodinos, los cuales pueblan una segunda mitad que es demasiado redundante, durante demasiado tiempo.
Y también poco divertida. En ‘Scarlet’, Doja encuentra maneras graciosas de atacar a sus “stans”, como en el rap agresivo de ‘F.T.G. (Fuck the Girls)’, donde, en la primera mitad del largo, rapea: “¿Desde cuándo sois mis hijos bastardos? Criaros a vosotros mismos”. Después, las llamadas telefónicas de ‘Agora Hills’ son un puntazo. Sin embargo, la sensación que deja ‘Scarlet’ es que Doja ha confundido el ser tomada en serio con el dejar de ser divertida. ‘Attention’ es una canción demasiado seria y, cuando, en la letra, Doja desafía a sus fans porque “me seguís pero no os interesa la música”, cabe preguntarse si realmente esta la música más interesante que Doja puede ofrecer. Sabemos que no. Sabemos que Doja es capaz de más que de sonar a unos noventa desactualizados, o de calcar nota por nota el sonido de Erykah Badu (‘Often’), o de perderse rellenando hueco en una segunda mitad que se hace bola entre producciones de R&B y neo-soul (‘Love Life’) que difícilmente alguien más allá de sus seguidores recuperará.
Entre los momentos que logran ofrecer algo más en la segunda mitad de ‘Scarlet’ se encuentra el sample de ‘I’m Not in Love’ de 10cc en ‘Shutcho’ y su suculenta melodía vocal (para eso Doja tiene un gusto exquisito) y, sobre todo, la pista final. ‘Balut’ está lejos de ser la mejor canción de ‘Scarlet’, pues su recuperación del trip-hop primigenio es un mero homenaje, no una revisión demasiado personal o contemporánea. Pero atentos a la letra: “copiar a los grandes es mi estrategia número uno / pero ojo que las estadísticas no se pueden copiar”. Ahí ya nadie puede decirle nada.
Vivimos en un mundo en el que Woody Allen ya no puede sacar una película al año como ha sido habitual durante décadas porque Hollywood le ha dado la espalda hasta el punto de que ningún actor de renombre quiere trabajar con él para no manchar su carrera. Ahora el cineasta neoyorkino no lo tiene tan fácil para encontrar financiación y tiene que irse de su país para continuar rodando.
Pero Europa aún no le ha cerrado las puertas ni parece que vaya a hacerlo pronto. En 2020 estrenó ‘Rifkin’s Festival’, película que se ambientaba en el Festival de San Sebastián. En 2023, viaja a París para aventurarse en su primer trabajo completamente en francés (o en cualquier otra lengua que no sea inglés), y resulta todo un placer contemplar que su gracia e ingenio no se han perdido en absoluto.
‘Golpe de Suerte’ presenta el matrimonio aparentemente perfecto de Fanny y Jean. Ella tiene un buen trabajo en una oficina, él es millonario y ni siquiera su mujer comprende demasiado bien a qué se dedica. Tienen una vida cómoda, son cariñosos el uno con el otro, todo va bien. Hasta que en la vida de Fanny se cruza Alain, un antiguo compañero de su instituto que está pasando una temporada en la capital francesa para escribir un libro, y saltan las chispas del amor. Como en todas -o casi todas- las películas de Woody Allen, la infidelidad es el núcleo del conflicto, pero también como en todas las películas de Woody Allen, hay mucho más que eso.
En esta ocasión, el cineasta parte de una premisa que no es demasiado original pero que no tarda en llevarse a su terreno, haciendo de ella una excusa perfecta para explorar los temas que tanto le obsesionan: la infidelidad, sí, pero también el amor, la muerte, el azar. La película se acerca -aunque con otro tono y otras inquietudes- a su grandísima ‘Match Point’, añadiendo una trama policíaca a lo que hasta entonces parecía una simple y agradable comedia romántica.
El cineasta neoyorkino hace gala una vez más de su talento para sacar lo mejor de sus intérpretes. Lou de Laâge y Niels Schneider, además de ser una presencia luminosa en pantalla, son pura química. Melvil Paupaud, está fantástico como ese meticuloso e improbable villano, y Valerie Lemercier divertidísima en uno de esos papeles secundarios cómicos que Allen sabe escribir tan bien.
Los ingeniosos diálogos, marca de la casa, tampoco fallan a la hora de arrancar risas, y los giros de guion pese a ser quizá un poco toscos, funcionan estupendamente con el tono desenfadado de la propuesta. No estaremos ante el mejor Woody Allen, pero sí ante uno bastante inspirado. ‘Golpe de suerte’ es divertida, sorprendente y juguetona y, por supuesto, está impregnada de ese estilo tan imitado y a su vez tan inimitable del cineasta. Él sigue a lo suyo, y qué bien que así sea.
Los próximos 17 y 18 de noviembre, Benidorm acogerá la cuarta entrega de Primavera Weekender. JENESAISPOP vuelve a tener el honor de ser medio colaborador de este festival que tiene lugar en el resort Magic Robin Hood Camp de Benidorm con cabañas y opciones de alojamiento. Además, también hay disponibles entradas individuales por 55 € y 65 € cada jornada (115 € el abono) para aquellos que prefieran hospedarse en otro lugar.
Los abonos para Primavera Weekender 2023 que incluyen el alojamiento incluyen también régimen de pensión completa (desayuno, comida y cena) durante el fin de semana y dicho alojamiento durante dos noches en bungalows con un mínimo de 2 personas y un máximo de 6. Las cabañas son de lujo y cuentan con TV, WI-FI gratuito, aire acondicionado y calefacción, mini-frigorífico, microondas y servicio de té y café, entre otras comodidades. Todos los precios y modalidades de entradas ya se pueden consultar en la página web de Primavera Sound.
El cartel de Primavera Weekender vuelve a ser una delicia para fans de ese Primavera Sound primigenio que todavía no se había convertido en el festival colosal que es hoy. Un Primavera «de bolsilibro», en palabras de la propia organización, que ofrece una experiencia más cercana con tu música favorita. En la programación, nombres clave de los 90 como Dinosaur Jr. o The Jesus and Mary Chain conviven con promesas como DOMI & JD Beck y Biig Piig a las que vale mucho la pena descubrir. En este artículo repasamos 10 artistas imprescindibles de la agenda.
Dinosaur Jr.
Detrás de una gran banda hay otra banda. Y sin Dinosaur Jr. posiblemente no habrían existido grupos que han reconocido su influencia tan importantes como Nirvana, Radiohead o My Bloody Valentine. Las guitarras distorsionadas de Dinosaur Jr., la dramática voz de J Mascis y sus emotivas letras básicamente definieron el sonido del rock alternativo de los 90, y discos como ‘Without a Sound’ (1994) suenan tremendamente vigentes hoy. Su último disco, ‘Sweep it Into Space‘, salió hace un par de temporadas.
Alan Sparhawk (Low)
La partida de Mimi, cantante de Low, con apenas 55 años, ha sido una de las noticias musicales más tristes del último año. Al fin y al cabo, ¿quién no quiere a Low? El dúo, que definió el sonido slowclore durante los 90, ha sabido reinventarse en este siglo publicando una serie de innovadores discos que han marcado época. Afortunadamente, no es el fin de Low y Alan Sparhawk defenderá el legado del grupo con una pequeña gira en noviembre que cuenta el Primavera Weekender entre sus paradas.
Blonde Redhead
Entre los grandes regresos de la música alternativa que suceden en 2023 hay que contar -y subrayar- el de uno de los mejores grupos de los 90, Blonde Redhead. ‘Sit Down for Dinner’ será su primer disco en 9 años y los singles vuelven a ser maravillosas cápsulas de su sonido, aún guiado por la voz doliente de Kazu Makino. Estos días se puede escuchar el tema titular, dividido en dos partes.
Off!
Para fans del hardcore punk es indispensable no perderse el concierto de Off!, el supergrupo formado en 2009 por miembros de Black Flag, Hot Snakes o Burning Brides. Con un debut largo publicado en 2012, un segundo elepé lanzado en 2014 y un tercero álbum editado en 2022, ‘Free LSD’, Off! ha construido un repertorio excitante en el que destacan temas como ‘Black Thoughts’ o ‘Void You Out’.
The Jesus and Mary Chain
Dos grupos incluidos en el cartel de Primavera Weekender llegaron a salir de gira juntos hace años: Dinosaur Jr. y The Jesus and Mary Chain. Los autores de ‘Just Like Honey’, que concibieron un particular sonido de noise-pop y rock alternativo durante los 80 y 90, publicando discos legendarios como ‘Psychocandy’ (1985), volverán a España para presentar su disco ‘Damage and Goods’ y también su icónico repertorio. El mismo fin de semana, por cierto, estarán en Barcelona.
Fucked Up
Con una discografía que abarca seis álbumes de estudio, Fucked Up es una de las bandas de hardcore punk que más gusta a la gente que no escucha hardcore punk. Así se puede resumir el impacto de canciones como ‘The Other Shoe’ o ‘Queen of Hearts’ o la calidad de discos como el reciente ‘One Day’, uno de los más asequibles que el grupo canadiense -en activo desde 2001- ha publicado.
Antònia Font
El regreso de Antònia Font ha sido una de las grandes sorpresas del último año. El grupo mallorquín, venerado por su particular visión del pop de autor, la de entre otros su compositor Joan Miquel Oliver, publicaba en 2022 su primer álbum en 10 años. ‘Un minut estroboscòpica’ era un trabajo clásico de Antònia Font, compuesto por buenas y bonitas canciones como ‘Amants perfectes’ o la favorita de los fans ‘Una daixona de pols’.
Deerhoof
Otro dato curioso que relaciona a dos bandas confirmadas en Primavera Weekender: Deerhoof es la banda favorita de JD Beck. Y no extraña porqué: el sonido de Deerhoof es uno de los más peculiares del rock underground de las últimas décadas. Entre el noise pop, el punk y la vanguardia más juguetona, la música de Deerhoof sigue influyendo a las nuevas generaciones de músicos. Su último disco, ‘Miracle-Level’, ha salido este año.
DOMI & JD Beck
El festival hermano del Primavera brindará una gran oportunidad de ver por primera vez en España el directo de DOMI & JD Beck. El dúo, compuesto por dos millennials de extravagante estilo, se ha convertido en una de las promesas del nuevo jazz estadounidense. Así, ya cuenta dos nominaciones a los Grammy anglosajones y con el beneplácito de colaboradores como Bruno Mars, Anderson .Paak o Thundercat.
Biig Piig
‘Kerosene’ fue una de las primeras Canciones Del Día de 2023… extraída de la mixtape ‘Bubblegum’, uno de los primeros lanzamientos del año. Alérgica a casarse con un único sonido, la británica Biig Piig es como una cantautora de rock alternativo a la que le encanta coquetear con la música disco, el trip-hop o el R&B. ‘Sunny’ o ‘Feels Right’ se cuentan entre los singles destacados de esta artista revelación que, curiosamente, a veces canta en español porque vivió en España de niña.
Dua Lipa es una de las personas que forman parte del reparto de ‘Argylle’, la nueva película de Matthew Vaughn (‘Stardust’, la saga ‘Kingsman’). ‘Argylle’ está basada en la novela homónima de Ellie Conway y cuenta que el mejor espía del mundo (Henry Cavill) sufre amnesia y cree ser un escritor de novelas de espionaje. Dua Lipa interpreta a su pareja romántica, una femme fatale clásica y una «mujer de armas tomar»… literalmente, como se puede ver en el tráiler estrenado hoy.
En ‘Argylle’, Dua Lipa ofrecerá su gran debut en el mundo de la interpretación, después de haber protagonizado un curioso cameo en ‘Barbie‘ este año, en el verano rosa. Dua compartirá reparto con John Cena, Bryce Dallas Howard, Samuel L. Jackson, Bryan Cranston y Ariana DeBose, entre otros.
Como con ‘Barbie’, también, Dua interpretará la canción principal de ‘Argylle’. Bueno, en ‘Barbie’ son muchas las canciones principales… pero ponemos la mano en el fuego en que aquí hay un intento de lograr al menos una nominación al Oscar. ¿O hay alguna posibilidad real de ‘Dance the Night‘ se haga con uno? ¿Damos por hecho que irá a otra persona?
‘Argylle’ se estrena en Apple +TV, presumiblemente, en febrero de 2024. Ese mismo año se espera que Dua Lipa publique su tercer álbum de estudio, que será más psicodélico, de acuerdo a lo que la cantante ha declarado en una entrevista reciente. Parece que Tame Impala es uno de los artistas involucrados en el proyecto.
Kanye West se encuentra alejado de la actualidad musical desde hace meses. El rapero se ha involucrado en el lanzamiento de ‘UTOPIA‘, el último disco de Travis Scott, además de en su producción, y ha aparecido invitado en singles relativamente recientes de Cardi B (‘Hot Shit‘), Fivio Foreign (‘City of Gods’ con Alicia Keys) o The Game (‘Eazy’), todos de 2022. En 2023 las novedades musicales de Ye han sido inexistentes, y su último disco, ‘Donda‘, data de 2021.
Siempre hay calma después de la tormenta, y parece que Ye está aprovechando la calma para trabajar en un nuevo disco. De acuerdo con TMZ Hip Hop, Ye está escribiendo nuevas canciones «a ritmo muy rápido» y ya ha completado 10 pistas de destino incierto. Además, se ha reunido en el estudio con Ty Dolla $ign, uno de sus fieles colaboradores.
Las fuentes de TMZ cuentan al tabloide que el nuevo disco de Kanye sonará más próximo a su «viejo estilo», pero parece que este cuento se repite cada vez que West prepara nuevo proyecto, así que habrá que esperar a escucharlo con oídos propios.
Lo más cercano a una novedad musical de Ye que sus fans han podido escuchar últimamente ha sido la filtración de ‘Jesus is King 2’, una revisión del disco religioso de Ye que cuenta con la participación de Dr. Dre y la colaboración de raperos como Eminem o A$AP Ferg.
West fue noticia el año pasado por la polémica de sus comentarios antisemitas, que le costaron la disolución de sus acuerdos multimillonarios con varias marcas, como Adidas.
El nombre de Espineli puede sonarte de playlists de underground nacional como Sesión de Control. La joven productora madrileña, que ronda los 20 años, fue fichada por Mushroom tras un tiempo dando vueltas por la escena, tanto en solitario como en colaboración con el productor Qubes. Entre estos últimos «dúos», destacó ‘8am’.
Entre los sencillos que ha venido publicando este 2023 en Mushroom están ‘ALMA EN PENA’ y ‘ROCKY BALBOA’. El primero tenía cierta querencia flamenca, y el segundo, cierta querencia hip house, pero si algo caracteriza la música de Espineli es que no es ni hyperpop ni reggaeton ni electro ni nada en concreto. Se sirve de todas esas herramientas para desarrollar una producción inclasificable.
Esta semana se ha publicado su primer disco ‘PURGATORIO’, e incluye los mencionados singles junto a ‘BISTURÍ’, pepinazos como ‘PACTO’ y ‘VENIER’, que hoy seleccionamos como Canción del Día.
Quieren las composiciones de Espineli ser “la vía de escape de la incomprensión, el romanticismo y demás movidas propias de la edad a base de pop polirrítmico, acelerado, eufórico y con fusión ilimitada de estilos, evitando lo ortodoxo y lo previsible”. Y este es uno de sus mejores exponentes.
‘VENIER’ empieza casi como una canción de iglesia, con un teclado ceremonioso en el que irrumpe recién salido de Sitges el siguiente texto: “Tengo un Poltergeist que me lleva de la mano, dice que no me fíe del ser humano”. Espineli sale de su propio cuerpo por desamor en un tema en el que contrastan los beats trance o hardcore con ese par de notas de piano, aunque reconoce que el exorcismo puede ser para bien, si es que su objeto de deseo acompaña: “al final no se está tan mal, no sé si quieres venir, me queda un hueco pa ti, solo pa ti, nadie más”.
Hoy 27 de septiembre se cumplen 10 años del lanzamiento de ‘Pure Heroine‘, el debut de Lorde. El disco, publicado este día en 2013, convirtió a Lorde en una estrella internacional gracias al éxito de su single principal, ‘Royals’, que ganó el Grammy a Canción del año en la ceremonia celebrada a principios de 2014.
Lorde ha celebrado la efeméride enviando otra de sus conocidas cartas a sus fans, en la que hace un repaso a la creación de ‘Pure Heroine’. La neozelandesa recuerda que apenas tenía 14 años cuando empezó a componer el disco (que salió cuando tenía 17) y comparte algunos selfies que se hizo en la época. Curiosamente, dice que ‘Pure Heroine’ ha sido «de sobras mitificado», pero que no va a dejar de celebrar el aniversario porque «un hito es un hito».
Pero la celebración no se quedará ahí. Lorde no reeditará ‘Pure Heroine’, pero sí sacará nuevas camisetas -en concreto dos diseños, de camiseta larga y corta- de edición limitada. Y en la parte trasera de las camisetas, Lorde incluye agradecimientos a su familia pero también a artistas que le han inspirado o que son amigos. Y eso incluye a su mentor, David Bowie, y también a Frank Ocean, Kanye West… y Lana Del Rey.
La inclusión de «LANA» en los agradecimientos de las camisetas es digna de comentar. A Lorde no le gustaba nada Lana Del Rey en la época de ‘Pure Heroine’ y así lo hizo saber en las entrevistas. Lorde llegó a decir que Lana romantizaba las relaciones tóxicas y declaró que las referencias en sus letras a «alcohol caro, ropa bonita y coches bonitos» eran «una mierda». De hecho, ‘Royals’ era una crítica indirecta a la «opulencia» retratada por Lana Del Rey en sus canciones, mientras la imagen de la dependencia emocional que ofrecía Lana en su canción ‘Without You’ le parecía una mala influencia para las chicas jóvenes. Elizabeth Grant nunca se ha pronunciado abiertamente ni a favor ni en contra de Lorde, pero sí le ha lanzado alguna indirecta a través de sus redes.
A lo largo de estos 10 años, Lorde ha publicado su gran obra maestra, ‘Melodrama‘ (2017) y también su disco pero recibido por crítica y público, ‘Solar Power‘ (2021), en el que la misma imagen de nueva rica de Lorde chocaba con el mensaje de ‘Royals’. Pero si Lana ya era una influencia reconocida en la época, aunque fuera para mal… no iba a estar fuera de los agradecimientos, ¿verdad?
King Gizzard & the Lizard Wizard han anunciado ‘The Silver Cord’, su segundo disco de 2023. En el global de su discografía, ‘The Silver Cord’ es el disco número 25 del grupo australiano. Esto significa que, a partir del 27 de octubre, que es la fecha de lanzamiento de ‘The Silver Cord’, King Gizzard & the Lizard Wizard habrán publicado 25 discos en poco más de 10 años (su debut ‘2 Bar Bruise’ vio la luz en 2012). ¿La banda más prolífica de nuestra época? Probablemente.
Es imposible seguirles el ritmo: King Gizzard no paran de sacar discos como churros, muchísimos más de los que Rihanna ha podido publicar jamás. De hecho, entre marzo y octubre de 2022, el sexteto de Melbourne publicó hasta cinco álbumes de estudio. Ni Prince en su momento más desbocado.
Pocos detalles se conocen acerca de ‘The Silver Cord’, aunque esos detalles son reveladores. En la imagen promocional, que parece una referencia a Kraftwerk, los miembros de King Gizzard aparecen rodeados de sintetizadores analógicos, lo cual puede significar que ‘The Silver Cord’ ofrecerá un retorno de King Gizzard a los sonidos electrónicos, los mismos que ya exploraran en ‘Butterfly 3000’, uno de los dos discos que publicaron en 2021.
Además, se sabe que ‘The Silver Cord’ es la segunda parte de un proyecto doble que King Gizzard inició con el lanzamiento de su anterior disco, ‘PetroDragonic Apocalypse; or, Dawn of Eternal Night: An Annihilation of Planet Earth and the Beginning of Merciless Damnation’. Ese trabajo se centraba en el heavy-metal y King Gizzard habían dicho que el siguiente «sonaría muy diferente, pero intentaremos que se complementen». ¿Tan diferente… que será electrónico? ‘PetroDragonic Apocalypse’, por cierto, también se componía de 7 cortes. Del disco se editó una versión extendida y volverá a ser el caso de ‘The Silver Cord’. Así queda el tracklist oficial:
1. Theia
2. The Silver Cord
3. Set
4. Chang’e
5. Gilgamesh
6. Swan Song
7. Extinction
Hay que ver cuánto ha cambiado el pop español en los últimos años. Hace no tanto tiempo solíamos cantar sobre alguna aventura romántica que vivimos aquel verano en ‘La Playa’ -bien fuera la de Los Planetas o la de La Oreja de Van Gogh-, y ahora nuestro mayor entretenimiento puede ser escuchar a Rodrigo Cuevas cantar sobre ir a por agua a una fuente, y a la taberna, a por vino.
La tradición ha tomado el pop español como solo Klaus&Kinski imaginaron, en el caso de Cuevas centrándose en la suya, la astur, como se vio en el disco anterior, ‘Manual de Cortejo‘. Producido por Refree, aquel largo le puso en el mapa, con una fuerza escénica que ni la pandemia pudo detener, y ahora vuelve con un nuevo álbum más dinámico y mejor estructurado.
Rodrigo nos da 10 temas que firma él mismo y después 4 interludios en los que ha querido dejar el protagonismo a voces que entonan composiciones tradicionales. Son gente que conoce de cantar, de la recogida del campo o a través de amigos. Si la sobrecogedora voz de Josefa Diebra Faúndez (o el ataque de risa de Nieves Rodríguez Cañón) se viralizaran, no aparecería en las cuentas de Cuevas, pues ni siquiera se ha etiquetado en estas pistas.
La idea funciona sobre todo porque cada bloque de canciones de estos 41 minutos de música contiene joyas en las que detenerse. Lo primero que llama la atención es el trabajo vocal que se ha desarrollado por ejemplo con A Filetta abriendo el álbum. Rodrigo Cuevas ha querido captar así su afición a las polifonías vocales corsas, pero también es sobresaliente el sampleo de su propia voz en ‘VALSE’, la intervención de la soprano asturiana Beatriz Díaz en ‘YO NUN SOI MARINERU’ o el coro de niños en ‘DIME RAMO VERDE’, para retratar precisamente su infancia.
Volviendo a la primera parte del álbum, ‘ROMERÍA’ pasa, tras un inicio «squad» a lo ‘El mal querer’, de los ritmos tradicionales al recitado rap, un truco este último que volverá en la mencionada ‘DIME, RAMO VERDE’. Esta aparece en un segundo tramo al que también pertenece la imprescindible ‘ALLÁ ARRIBITA’, con una melodía propia de los mejores Vainica Doble y Serrat, culminada con un silbidito y una caja de ritmos. En el tercero aparece el single actual ‘CÓMO YÉ?!’, una fiesta global en la que suponemos que Eduardo Cabra «Visitante» -nuevo productor- ha tenido mucho que ver; así como ‘YO NUN SOI MARINERU’, esta aglutinando muchos de los pros del álbum: la voz femenina en plan soprano, la voz masculina tradicional en la narrativa, las palmas, los ritmos actuales.
Y para la cuarta y última parte, Rodrigo Cuevas ha podido guardarse el single principal, ‘MÁS ANIMAL’, y el electrónico e intrigante ‘MATINADA (Resaca)’, culmen de un disco que celebra la «Romería», la exaltación, la fiesta, hasta sus últimas consecuencias. Llegados a este punto quizá no es tan «vanguardista» escuchar al artista cantar sobre cierto tipo de beats. El final de ‘Romería’ no es tan distinto de una rave que hubieran podido producir el año pasado Rocío Márquez y Bronquio.
Sin embargo, la adaptación de Cuevas de melodías y letras tradicionales (‘DIME RAMO VERDE’), junto a algunas propias perfeccionadas junto a Guille Galván de Vetusta Morla (‘ALLÁ ARRIBITA’) es un suma y sigue de melodías exquisitas, dotadas de la personalidad de un gran performer. Uno de los más llamativos del pop español en la actualidad. El artista nos habla de infancia o de bullying, pero sin que esto deje nunca de ser una gran Romería. Le escuchamos cantar frases tan coloquiales como «el mar es una horterada», «tener la leña bien cortada es cosa de chicos guapos y listos» o «sabemos que la fruta robada sabe mejor que la comprada» y es como si nos estuviera contando los romances más emocionales de la historia. Es pura pasión, alegría de vivir, sonrisa cómplice.
Cher ha sido acusada de contratar a cuatro hombres para que secuestraran a su hijo adulto Elijah Blue Allman -de 47 años- con la intención de impedirle que se reconciliara con su mujer y forzarle a ingresar en un centro de rehabilitación para tratar su adicción al alcohol y a las drogas. Rolling Stone ha tenido acceso a los documentos legales que confirman esta información.
Elijah Blue Allman es uno de los dos hijos de Cher. Nacido de la relación entre la cantante y el rockero Gregg Allman, Elijah y su mujer Marie Angela King contrajeron matrimonio en 2013 y solicitaron divorcio en 2021. Sin embargo, en noviembre de 2022 se reconciliaron y pasaron 12 días juntos en un hotel de Nueva York. El 30 de noviembre, en su aniversario de bodas, cuatro hombres supuestamente irrumpieron en la habitación y secuestraron a Elijah, de acuerdo con la información publicada por la revista estadounidense.
Marie denunció la desaparición de Elijah a las autoridades e implicó en el acto a Cher en una denuncia que se ha hecho pública esta semana. En el parte, Marie asegura desconocer el paradero de Elijah, pero indica que ha sido informada de que el músico (miembro de la banda de metal KING) se encuentra ingresado en un centro de rehabilitación sin acceso a su teléfono móvil. Además, declara haber sido informada de que Cher ha contratado a uno de los cuatro hombres que han secuestrado a su marido.
En el documento, Marie cuenta que se ha visto obligada a abandonar la residencia que ocupaba con Elijah -y que es propiedad de Cher- en contra de su voluntad.
Elijah Blue Allman ha reconocido su adicción a las drogas -que empezó a tomar de adolescente- en varias ocasiones. De acuerdo a lo que relata Rolling Stone, después del supuesto incidente, Elijah fue hallado inconsciente en la entrada de un hotel de Los Ángeles y trasladado a un centro de rehabilitación.
En noticias menos siniestras relacionadas con Cher, la cantante acaba de anunciar un disco navideño, titulado ‘Christmas‘.
Asentado el curso escolar, parece que los artistas nacionales se vuelven a animar a lanzar sus novedades en miércoles, como solían antes de verano. Es por eso que retomamos nuestra playlist Sesión de Control, dedicada al pop español. Comenzamos con J de Los Planetas, que este viernes publica su disco en solitario inspirado en Zulueta. ‘Era una flecha’ es su nuevo adelanto editado hoy. A continuación, Joe Crepúsculo celebra el 10º aniversario de ‘Mi fábrica de baile’ con remezclas, una de ellas en italiano.
Otro tema divertido nos lo da el pamplonés Ben Yart, conocido por su vinculación a Chill Mafia, que presenta una especie de cumbia llamada ‘Popper’. Entre las artistas que han lanzado sus discos completos ya el hyperpop loco (o algo así) de Espineli, el de Meritxell Neddermann, y el pop de Celia Becks. Celia Becks presenta un pop desenfadado, muy diferente al también desacomplejado de Vicco, que ahora ha adaptado un tema de El Sueño de Morfeo. Por su parte, vangoura se inspiran en ‘Friends’ en la pop-rockera ‘rachel y ross’.
Presentan nueva pieza indie pop de El Buen Hijo (‘En un lago’) y algo más siniestra suena la nueva de interrogación amor (‘Fortuna’). Añadimos el post-punk de Dharmacide y La Milagrosa, así como el nuevo terremoto de Ptazeta.
1.-J / Era una flecha
2.-Joe Crepúsculo / La mia industria di Ballo
3.-Espineli / VENIER
4.-Ben Yart / Popper
5.-Vicco / Nunca volverás
6.-El Buen Hijo / En un lago
7.-interrogación amor / Fortuna
8.-vangoura / rachel y ross
9.-LA MILAGROSA / Cierra la puerta
10.-Celia Becks, Liz Forte / La Fiesta 2.0
11.-Ptazeta / No me jalan
12.-Meritxell Neddermann / Déjame
13.-Dharmacide / Horses/Divorces
Que todo el mundo esté atento a todas las cosas que pasan en ‘The Eras Tour’ de Taylor Swift (que son muchas) no significa que en otras giras no ocurran cosas dignas de comentar. También la gira de P!nk ha estado en boca de todos este año por diferentes motivos: ora un fan regala a P!nk las cenizas de su madre, ora otro le entrega una rueda de queso, ora un vídeo de P!nk sobrevolando un estadio agarrada a su arnés se convierte en un necesario meme.
Ahora, P!nk vuelve a ser noticia porque ha echado a un hombre de su reciente concierto celebrado en San Antonio. El hombre, que se encontraba en el público, no ha lanzado ningún objeto al escenario, sino que se ha acercado a las primeras filas de la pista y ha alzado su teléfono móvil para que P!nk pudiera leer el mensaje «la circuncisión es cruel y dañina».
«Estás aquí para defender tu causa, ¿verdad? ¿Te sientes bien contigo mismo?», responde P!nk en el vídeo que circula por redes. «¿Te has gastado todo ese dinero para venir a hacer eso? Podría comprarme un bolso de Birkin con todo ese dinero. Vete con esa mierda a otra parte». Cuando el hombre muestra el mensaje al público y este le abuchea, P!nk añade: «Quiere que lo leáis todos. Ha venido esta noche para hablar sobre la circuncisión. Sal de aquí, saca este cáncer de aquí». A continuación, el hombre es escoltado fuera del recinto.
La presencia de esta persona que se manifestaba en contra de la circuncisión (una práctica habitual en Estados Unidos), en un concierto de P!nk tiene más sentido de lo que parece. A P!nk no le viene de nuevas. En 2019, P!nk publicó en Instagram una foto de su hijo sin pañal, en la que también aparecían la autora de ‘So What’ y su hija acariciando a un pelicano. Esta imagen provocó que una multitud de personas acudiera a dejarle mensajes denunciando la práctica de la circuncisión. P!nk respondió subiendo la misma foto editada y denunciando el «triste estado de las redes sociales».
Volviendo a ‘Trustfall’, este ha vuelto a ser un éxito de ventas para P!nk, en una carrera llena de ellos que repasamos hace unos meses.
Zahara ha estrenado el primer capítulo de ‘Esto no es un documental’, en el que reflexiona sobre la polémica previa a su concierto de Toledo en 2021. Vox intentó -sin éxito- que se cancelara el concierto de la gira de ‘Puta’ argumentando que la imagen promocional de Zahara constituía una ofensa extrema a la imagen de la Virgen y a los sentimientos religiosos. Zahara pudo llevar a cabo el concierto y declaró que seguiría defendiendo su derecho a la libertad de expresión.
La polémica inspiró una canción de Zahara, ‘Esto no es una canción política’, que sigue inédita, y sobre la que gira este nuevo documental dirigido por Guillermo Guerrero que se ha dividido en tres capítulos. El primer capítulo, ‘Esto no es una rave’, ya está disponible en Youtube, y los dos próximos martes a partir de las 20 horas se podrán ver de los siguientes.
«En tres fascinantes capítulos, la artista reflexiona sobre todo lo que sucedió en los días posteriores a la polémica y que dio lugar a esta nueva canción», cuenta la sinopsis oficial de ‘Esto no es un documental’. «Pero también habla sobre la música electrónica y la rave, que sirvieron de refugio a Zahara para sentirse segura interpretándola y, por supuesto, sobre «PUTA», el disco responsable de que todo esto sucediera».
«En el momento en que añadimos el «no» delante de la palabra documental, fuimos libres para desprendernos de cualquier regla y empezamos a jugar», cuenta Guillermo Guerrero. «El que nos conozca será capaz de reconocer nuestro humor, nuestro frikismo y el cariño con el que hacemos las cosas. Y espero que el que no sepa nada de nosotras pueda encontrar en este proyecto un pequeño documento vital sobre el momento actual que atraviesa Zahara, su manera de habitar en la industria y la libertad con la que afronta cada proyecto».
‘Puta’ fue elegido Mejor Disco de 2021 en JENESAISPOP. Su revisión, ‘REPUTA‘, que incluía colaboraciones de Carolina Durante o Alizzz, acaba de ser nominada a un Grammy Latino.
La gira actual de Zahara, ‘LA PUTA RAVE’, concluye en Madrid dentro de un mes. La fecha es el 16 de noviembre en Las Ventas Live de Madrid.
The 1975 han anunciado que pararán de tocar por un tiempo después de que termine su gira actual. Matty Healy ha comunicado la noticia durante el concierto de The 1975 de esta noche en Sacramento, California: «Sois un público increíble. Después de esta gira dejaremos los conciertos por un tiempo de manera indefinida», ha declarado, sin dar más detalles.
La gira actual de The 1975, ‘Still … At their very best’, arrancó el pasado 16 de septiembre en Atlanta y visitará varias ciudades de Norteamérica durante los próximos meses de 2023 antes de viajar a Europa a principios de 2024. En España, The 1975 tienen una fecha confirmada el día 27 de febrero, en Madrid. La gira finaliza el 24 de marzo en Ámsterdam.
‘Still … At their very best’ es la segunda parte de la extensa gira de The 1975 de 2022 ‘At the very best’, que tuvo lugar entre noviembre de 2022 y agosto de 2023. La gira fue noticia por las diversas polémicas que protagonizó Matty Healy sobre el escenario, como la de su intento de reivindicar los derechos LGBTQ+ en Malasia dando un «beso gay» públicamente a su bajista Ross McDonald, en un país donde este gesto está prohibido. El acto provocó la indignación de la comunidad LGBTQ+, que criticó el síndrome de «salvador blanco» de Healy, y terminó con la cancelación del evento.
La gira ‘Still … At their very best’ está teniendo lugar -como la anterior- en apoyo del disco de The 1975 ‘Being Funny in a Foreign Language‘, publicado en 2022.
Cuando Sinéad O’Connor falleció, estaba ultimando un álbum junto a David Holmes. Se había mudado a Londres y su propósito firme era lanzarlo en breve y presentarlo en vivo con una gira mundial. Como es lógico, no hay noticias sobre la edición de este material, pues sus herederos continúan en pleno duelo. Pero sí ha aparecido una de esas canciones colaborativas entre Holmes y O’Connor, que ya estaba agendada en el calendario.
Se trata de un tema inédito que Sinéad O’Connor había donado para la serie de la BBC ‘The Woman in the Wall’. Se llama ‘The Magdalene Song’ y, como estaba acordado, ha sonado al final del capítulo de este domingo.
David Holmes ha declarado a The Guardian, que la primera parte de la canción «corta la respiración, y la segunda es un desafío». En efecto, intuimos dos partes en un tema que aún no se ha subido a las plataformas de streaming ni se sabe cuándo llegará.
La canción habla sobre una mujer que pierde un bebé (Sinéad ya dedicó su clásico ‘Three Babies’ a tres abortos que había sufrido), lo cual casa con una serie que va sobre la represión de la mujer en ciertas comunidades católicas irlandesas, donde iban mujeres que se quedaban embarazadas, entre otros casos de “mujeres caídas”, como prostitutas o mujeres que habían sufrido una violación. Se las conoce como Lavanderías de la Magdalena en Irlanda, en los 90 se destapó un caso de 155 cadáveres en una de las lavanderías y en 2013 el gobierno irlandés emitió una disculpa pública por los casos. Sinéad llegó a ser internada en una de estas lavanderías como «adolescente problemática». Solía contar que su caso no fue horrible porque la dejaban cantar y tocar, pero sí aseguró presenciar cosas horribles.
Se trata, pues, de la segunda de las producciones que conocemos de Sinéad O’Connor junto a David Holmes. En 2018 se compartió una demo de manera informal llamada ‘Milestones’, que desde entonces ha estado circulando por la red. En aquel momento Sinéad la compartió con el nombre de Magda Davitt, presentando una producción minimalista, al teclado, muy similar. ¿Aviso de cómo podría sonar ese disco póstumo?
Este otoño French 79 nos visita para presentar su nuevo disco, que recibe el nombre de ‘Teenagers’. El productor de música electrónica irrumpió en Francia en 2014 con un EP llamado ‘Angel’, que sucedió con discos como ‘Olympic’, ‘Joshua’ y -atención- ‘The Unreal Story of Lou Reed’.
Tangerine Dream, Kraftwerk y Soft Machine estaban entre sus bandas de cabecera, dando con pequeños hits especialmente en ‘Olympic’ (2016). Tanto ‘Lovin’ Feeling’ como ‘Diamond Veins’ -con la voz de Sarah Rebecca- siguen siendo sus pistas más escuchadas. Este nuevo álbum que ahora viene a presentar tanto en Barcelona (Razzmatazz, 23 de noviembre), como en Madrid (Sala Paqui, 22 de noviembre), presenta una fórmula más depurada. Además, está marcado de nostalgia y sentimiento sin descuidar la pista de baile. Hot Chip y Caribou son nombres que pueden venir a la mente escuchando joyas como ‘Burning Legend’ o ‘FOIX’, para la que se grabó una imperdible sesión en un castillo de Francia en Occitania que no casualmente se llama Castillo de Foix.
Pero la pista que escogemos como Canción del Día se llama ‘Life Is Like’. Venía presentada por un gran vídeo en “zoom out” con ecos a ‘Big Love’, sin duda el vídeo más icónico de Fleetwood Mac. En este caso somos testigos de una habitación infantil que se torna adolescente -como el título del álbum-, con pósters que van desde ’Tiburón’ al ’Siamese Dream’ de Smashing Pumpkins. «La vida es como un río que corre desenfrenado», repite la letra, como para asumir la idea. French 79 reflexiona sobre el curso de nuestra existencia con una de las obras más poéticas que nos ha dejado la música electrónica en los últimos tiempos.
Acabó ganando el rap más orientado al pop en la lista de álbumes de Billboard esta semana. El pop-rock de Olivia Rodrigo no fue suficiente para hacer frente al nuevo álbum de Rod Wave, que supera a la autora de ‘GUTS’ por los pelos y le arrebata una segunda semana en el número 1, de momento. Rod Wave demuestra que ha llegado para quedarse y los datos de su primera semana le hacen ser una figura a tener en cuenta dentro y fuera de su género.
Desde la publicación de ‘Ghetto Gospel’ en 2019, al primer disco del cantante le han continuado cuatro más. Y con los tres últimos ha repetido la misma hazaña: liderar la lista de álbumes más importante de Estados Unidos. Es el único artista que, junto a Taylor Swift, ha logrado posicionar tres discos en el número 1 en tres años consecutivos.
Sin embargo, las cifras son el mayor indicativo de su crecimiento. ‘Nostalgia’ ha vendido 137.000 unidades en Estados Unidos, convirtiéndose en la mayor semana de ventas de su todavía pequeña trayectoria musical.
El rapero, de tan solo 25 años, empezó a darse a conocer tras su single ‘Heart On Ice’, que se volvió viral tanto en YouTube como TikTok. Además, siempre le habían caracterizado las canciones tristes. Tal y como prometió antes de lanzar ‘Beautiful Mind’, su anterior disco, ‘Nostalgia’ supone un cambio con respecto a la música triste que componía. El álbum contiene temas más alegres, dejando la melancolía en un segundo plano pero sin olvidarla del todo, como se puede comprobar en los singles.
En 2021, el artista recibió el premio a Artista Revelación en los Billboard Music Awards. Desde entonces, ha dedicado estos tres años a sacar música e ir haciéndose un nombre dentro de su género. Por lo menos en el continente americano lo está consiguiendo.
On my baby’s dis my last sad ass album I’m off dat jus wanna live happy travel get dis money
Tan cierto es que ‘Hit Parade’ de Róisín Murphy es uno de los discos del año, como que su campaña ha sido una de las más incómodas que se recuerdan. Una totalmente obscurecida por una opinión en contra de los bloqueadores hormonales en la pubertad, sobre los que nadie le había preguntado, y que no tienen nada que ver con el álbum. Sobre estas dos cuestiones versa el nuevo episodio de nuestro podcast Revelación o Timo.
Una primera parte del capítulo la dedicamos a hablar sobre la polémica: qué son los bloqueadores hormonales y para qué llevan décadas utilizándose entre la población CIS, lo acertado o desacertado de la explicación dada al respecto por la artista y su gestión del gabinete de crisis. ¿Tiene razón Róisín Murphy cuando dice que su música no se dirige a ningún estrato social en particular? ¿Entonces por qué se ha inspirado tanto en la comunidad LGTB+ y particularmente en la trans? ¿A qué suena cuando habla de «pequeños niños confundidos»?
Pero la mayor parte del podcast la dedicamos a repasar su discografía. Algunos nos habéis comentado durante estas semanas que no sabéis quién es Róisín Murphy, por lo que estructuramos esa segunda parte del episodio de la siguiente manera:
-los 3 discos imprescindibles que tenéis que escuchar: ‘Hit Parade’ (2023), ‘Róisín Machine’ (2020) y ‘Overpowered’ (2007).
-sus inicios: los discos junto a Moloko y su debut sola ‘Ruby Blue’ (2005).
-los 2 discos más difíciles de su carrera: ‘Hairless Toys’ (crítica y contracrítica) y ‘Take Her Up to Monto‘.
También tenemos ocasión de escuchar un extracto de nuestra última entrevista con Róisín Murphy, en la que habla de la importancia del vestuario en su concepto artístico, o recordamos algunos conciertos favoritos y no tan favoritos que le hemos visto ofrecer.
‘Overpowered’ de Róisín Murphy y ‘Statues’ de Moloko aparecen en el libro ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI’. Sólo esta semana podéis conseguirlo en nuestra tienda con un 50% de descuento aplicando el código TRANSLIFESMATTER Este código también es aplicable al Anuario 2022.
Los Rolling Stones ya ultiman los preparativos para su próximo lanzamiento. ‘Hackney Diamonds’ saldrá el próximo 20 de octubre con colaboraciones que van desde Elton John y Paul McCartney hasta Lady Gaga y Stevie Wonder. Son precisamente estos últimos los que protagonizarán el siguiente single del grupo: ‘Sweet Sounds of Heaven’.
La canción ha salido en todas las plataformas musicales y se puede escuchar la voz de Lady Gaga cantando en armonía junto al grupo, mientras suena de fondo el piano de Stevie Wonder. «Lo hicimos en directo en la habitación, y fue una gran experiencia que ella entrara en la habitación, se abriera, viera sus partes y sintiera su camino», cuenta Jagger a Zane Lowe en Apple Music 1, revelando que durante el proceso de grabación fueron «un poco competitivos».
Este se trata del segundo single del disco, después del lanzamiento de ‘Angry’ el pasado 6 de septiembre. ‘Hackney Diamonds’ es su primer álbum con material nuevo desde 2005.
Nuevos detalles emergen sobre el segundo supuesto fraude fiscal de Shakira, conocido este verano. No confundir con el primero que se hizo público hace años, correspondiente a los ejercicios entre 2012 y 2014, y por el que será juzgada entre el 20 de noviembre y el 14 de diciembre de este 2023.
Aparte de los 14,5 millones de euros de la primera causa judicial, ahora Hacienda le reclama otros 6 millones de euros, como informa El País. Esta vez la causa nos sitúa en 2018, cuando ya tenía todo el mundo claro que Shakira sí vivía en España. Si en la vieja causa, Hacienda se había propuesto demostrar que Shakira ya vivía en Barcelona entre 2012 y 2014, hablando con sus peluqueros y profesores de gimnasio, porque al fin y al cabo, ¿cuántas veces te has cortado el pelo en una ciudad que no es la tuya?; en la nueva, se investigan los beneficios de su gira ‘El Dorado‘. Y la artista podría haber defraudado 5,3 millones de euros por IRPF y 700.000 euros por el Impuesto sobre el Patrimonio.
Shakira dio 53 conciertos de ‘El Dorado’ en 22 países. Al parecer, movida por el deseo de tributar lo menos posible, se sirvió de un entramado societario y se dedujo gastos que no procedían. Shakira habría derivado ingresos hacia empresas con domicilio en países donde apenas se pagan impuestos y “de alta opacidad”. La Fiscalía cree que esas compañías son puramente instrumentales, es decir, que no tienen ninguna actividad real.
Más allá aún, la empresa más relevante, llamada AC y con sede en Luxemburgo, percibía ingresos por la cesión de derechos musicales de Shakira. La artista habría cedido tales derechos solo “formalmente” y mediante una serie de “contratos simulados”, sin ninguna voluntad real de cederlos. La querella indica de hecho que «Shakira mantuvo en todo momento la plena disponibilidad y dominio sobre sus propios derechos musicales».
En relación, Hacienda discrepa con el resultado fiscal de la artista en 2018. Shakira habría obtenido 48 millones de euros por la gira y patrocinios, y habría gastado 28,4 millones en producción del tour y otra maquinaria habitual en un espectáculo de esta magnitud. Pero Hacienda sostiene que la cifra de gastos es falsa, reduciéndose en realidad a 21,3 millones de euros. Según Hacienda, la artista presentó gastos por duplicado (3 millones), además de los mencionados gastos por derechos musicales propios que no podía deducirse (otros 3 millones) y además han localizado gastos personales e injustificados (medio millón de euros; entre otros, por billetes de avión a nombre de sus hijos).
La Fiscalía ha pedido a la Interpol -la de verdad, no al grupo autor de ‘Antics’- que notifique a la artista, que ahora reside en Estados Unidos, de todas sus deudas con Hacienda en España, sin que en nuestro país a nadie parezca importarle demasiado nada de esto. El mismo día que se conoció esta segunda causa el pasado mes de julio, continuó copando las listas de éxito, y a día de hoy, sus actuaciones en ceremonias de premios tipo los últimos VMA’s de MTV son elogiadas por un público millonario, sin que a nadie le vengan a la mente palabras tan raras como fraude fiscal. Este verano, por poner un ejemplo, pude ver proyectados vídeos de Shakira 30 o 40 veces en el Yumbo de Maspalomas -diría que sin duda es la artista más pinchada de esta fantasía de lugar- y a nadie se le ocurrió mentar este tema.
Al fin y al cabo, Hacienda es ese ministerio antipático que parece gozar haciendo la vida imposible a todo el mundo. Shakira llegó a utilizar el verbo «salivar» durante una entrevista, para calificar la aproximación a su caso del ministerio español: «Las autoridades de impuestos españolas vieron que estaba saliendo con un ciudadano español y empezaron a salivar», dijo. La artista se está valiendo de que, en su fuero interno, todo el mundo parece odiar enfrentarse a su Declaración, para salir de esta sin perder ni un solo fan, ni un solo gramo de buena imagen.
Porque la incertidumbre que sufrimos los autónomos se ha convertido en uno de los mejores chistes recurrentes de El Mundo Today, porque todos hemos sufrido ese pago de una multa de 100 euros el día que se te olvidó marcar una casilla, porque todos hemos sufrido alguna perrería tan peregrina como que no te dejen desgravarte la factura de internet cuando tu actividad es internet, parece imposible que alguien cancele a Shakira por una deuda con Hacienda. ¡Si este año incorporaba tal cosa a un hit que todo el mundo ha tarareado! ¡Si es que es la puta ama! El pueblo parece entonar un colectivo «¡estamos contigo!». Un «¡sé fuerte!». O, hablando de «cancelados», un «¡toma el dinero y corre!».
No creo en la cultura de la cancelación. Lo que no quita que este caso sea muy llamativo. Hablando de peluquerías, está pasando de castaño oscuro. Shakira no es la heroína que saca la pasta del Banco de España en ‘La Casa de Papel‘, robándosela a los ricos o alguna paranoia así, sino una cantante multimillonaria de la vida real. Las personas humildes de la vida real que no disponemos de dinero, ni tiempo, ni energía, ni abogados para presentar nuestras reclamaciones, cumplimos con Hacienda religiosamente o peor, cada 3 meses.
Hace unos años, en plena crisis económica, la agencia tributaria subió a su página web un croquis explicando en qué se gastan las Administraciones Públicas un euro. Aquel 2009 recogieron datos del Estado Central, las Comunidades Autónomas y las Administraciones de la Seguridad Social, entre otras instituciones. Por aquel entonces, 15 céntimos de cada euro iban a las arcas de la Salud. 11 céntimos a la Educación. 35 céntimos a la Protección Social (Enfermedad e Incapacidad, Edad avanzada, Familia e hijos, Desempleo). En 2017, esta última cifra ascendía al 39%, seguida por Salud (14%) y Educación (10%). Sólo hace falta una calculadora para dar con la cifra que tales servicios básicos no habrían ingresado por la simpática picaresca de la autora de ‘Dónde están los ladrones’.
“En el instituto me apasionaban las popstars que eran iconos de los maricas. Mis amigos y yo íbamos a ver a Marina and the Diamonds y yo decía que si algún día hacía música, querría ser ese tipo de artista, alguien que hace música para los clubs y espacios maricas. Además, hablo su lenguaje, soy 100% una niña de Internet, y entiendo la cultura del meme”. Estas declaraciones de Catherine Grace Garner pueden dar pereza, pero no parecen ser ninguna mentira y, desde luego, significan que ha entendido bastante bien su propio personaje (aunque se intuye desde el mismo momento en que decide dar a ese personaje el nombre de Slayyyter).
La estadounidense dejó la universidad después de que las canciones que subía a Soundcloud le fuesen consiguiendo una pequeña base de fans en Twitter, y acabó ganando cierto nombre con el pequeño éxito de ‘Mine’. Así, sacó una mixtape homónima en 2019, aunque fue una de las artistas perjudicadas por la pandemia, y su debut largo, ‘Troubled Paradise’, tuvo que esperar a mediados de 2021. Pero, aunque su gran salto no haya llegado todavía, Slayyyter ha seguido sacando temazos como ‘Throatzillaaa’ o ‘Daddy AF’ (que llegó a ser el tema principal de la peli ‘Bodies Bodies Bodies’), ejerció de telonera de Tove Lo en Estados Unidos, y ahora publica un segundo álbum de estudio mucho mejor que el primero. ‘STARFUCKER’ puede, ahora sí, acercarle al gran público, o al menos a un nicho similar al que se fue consiguiendo Charli XCX.
La autora de ‘Gone’ es precisamente una de las influencias de Slayyyter, que para este disco dice no haber escuchado mucho pop “más allá de Kylie y Madonna”, sino techno alemán y post-punk de los 80, además de Justice, Peaches y, ojo, Kavinsky. Eso en cuanto a referencias musicales concretas, porque las dos principales influencias que ha comentado en entrevistas son Brian de Palma e ‘Instinto Básico’, en cuanto a la forma en que retratan Los Ángeles: “Hollywood es glamouroso y sucio, y quería encontrar la manera de reflejar eso en un sonido”, ha comentado, agradeciendo a su ex que le descubriese las películas del director de ‘Vestida para matar’.
Ese sonido es en general una combinación deliciosa de synthwave e hyperpop, a la que ayudan la presencia en la producción de Jordan Palmer (detrás de temazos de Allie X o Carly), el dúo Valley Girl (Caroline Polachek, RAYE), Chris Lyon (Rina Sawayama, Aluna George), Owen Jackson (Gia Woods), Vaughn Oliver (Poppy, Yelle) y, sobre todo, Aaron Joseph, que os sonará de ‘TURN OFF THE LIGHT‘, el EP halloweenesco de Kim Petras.
Y es que es inevitable acordarse de la alemana, pero para bien; ‘STARFUCKER’ no recuerda a su último disco (o disco “de debut”), sino más bien a temazos como ‘Boo! Bitch!’ o ‘There Will Be Blood’. Esa energía está presente mientras Slayyyter suelta cosas como “he lives for love and I live for drama” (‘Miss Belladonna’), “thank God I sold my sould / glitter, smoke and rock and roll (…) Terry Richardson just called me up / that freak is takin’ my pic tonight” (‘I love Hollywood!’), “fuck me on the dancefloor” (‘Erotic Electronic’) o “Hollywood turned me into a hoe” (‘Plastic’). En momentos más flojos puede recordar a Ava Max (‘Girl like me’, ‘Rhinestone Heart’), pero en general el disco tiene como referencia más a Petras, Dorian Electra o a la Britney de ‘Femme Fatale’ (‘My Body’ o el preestribillo de ‘Memories of you’ especialmente).
‘STARFUCKER’ ofrece una experiencia de alto nivel, gamberra (el propio vídeo de ‘Erotic Electronic’ es ella paseando en bolas por Hollywood) y muy divertida, desde el potente inicio con ‘I Love Hollywood!’, highlights como la mencionada ‘Erotic Electronic’, ‘Miss Belladonna’, la mamarrachada hyperpop de ‘Purrr’ (¿con guiño a LVL1?), o la más Kavinsky de todas, ‘Tear Me Open’, donde Slayyyter ofrece lo más cercano a una balada justo antes de cerrar con la estupenda ‘Out of Time’ (“she hates herself but if they all love her then she don’t mind”). Si te gusta el pop oscurillo y no la conoces, ya estás tardando en ponerte esto.
