Kali Uchis afianza ese sonido paradisíaco que le hemos escuchado en discos tan recomendables como ‘Sin miedo‘. En 2022 nos embriagaba su single bailable ‘No hay ley’, definitivamente una de las Mejores Canciones de 2022, pero ese tema no forma parte de la nueva era que se abre esta semana con el lanzamiento de su tercer disco, ‘Red Moon In Venus’, que sale este viernes 3 de marzo y es nuestro «Disco de la Semana».
Recordaréis que la artista preguntó a sus fans hace tiempo en las redes sociales si preferían que saliera antes el disco en inglés o el disco en español, pues tenía ambos preparados. Finalmente ha ganado el primero. Según la larga entrevista, tipo «perfil», que ha publicado Pitchfork, el disco en español saldrá más adelante durante 2023 y será más bailable. ‘Red Moon In Venus’ es tan «chill» como hemos escuchado en sus adelantos: el reciente ‘Moonlight’ y ‘I Wish You Roses’, que es nuestra «Canción del Día».
Ya desde el primer momento Kali Uchis desvelaba la temática: «Esta canción trata de dejar marchar a la gente con amor. Puede tratarse de un amigo, un amante u otra persona, pero la idea es celebrar la liberación de personas de tu vida, sin resentimientos ni rencores». Es por eso que la canción devanea entre la tristeza por lo que se ha acabado y el confort que ofrece la producción, 100% Uchis.
«Nunca pensé que podría estar sin ti / Te deseo amor, te deseo lo mejor / Te deseo flores, mientras puedas olerlas», canta Kali Uchis en inglés, como decimos, en medio de una producción que suena perfecta para el vocabulario desplegado en la canción. Jardines, pétalos y sábanas arman esta fantasía en la que no falta tampoco la obligada referencia a las “espinas”. Aparecen en su vídeo de corte surrealista todo tipo de relaciones entre Kali Uchis y las flores, lo que incluye una referencia muy clara a ‘American Beauty’.
En cuanto al título del disco, Kali Uchis expresa en la nota de prensa que «es una expresión ardiente y atemporal de deseo, desamor, fe y honestidad, que refleja la divina feminidad de la luna y Venus. La luna y Venus trabajan juntos para que los aspectos clave del amor y la vida doméstica funcionen bien. Este trabajo representa todos los niveles del amor: liberar a las personas con amor, atraer el amor a tu vida y el amor propio. Muchos astrólogos creen que la luna de sangre puede hacer que tus emociones den un giro, y eso es lo que me pareció que representaba mejor este trabajo».
Bilbao BBK Live 2023, que ya tenía un cartelazo en el que figuraban Florence + The Machine, Arctic Monkeys, The Chemical Brothers o Phoenix, anuncia hoy sus últimos nombres.
El festival, que se celebra entre los días 6 de julio y 8 de julio, añade un cabeza de cartel, como es el caso de Pavement, y después nombres tan suculentos como Róisín Murphy, Perfume Genius, Arca, Young Fathers (presentando el reciente ‘Heavy Heavy’), Desire, Neo Pistea o Judeline. Además, se da a conocer la programación completa de los escenarios de electrónica Basoa y Lasai. El cartel por días deja nombres atractivos en cada una de las citas.
El jueves 6 de julio será el día de Florence, Chemical Brothers, Fever Ray (ya por entonces con disco bajo el brazo), M83 y Arca, entre muchos otros. También el día de Desire, Villano Antillano, Dry Cleaning, Delaporte y Amaia.
El viernes 7 de julio unirá a Pavement, Phoenix, Róisín Murphy, Daniel Avery, The Blaze, Jamie xx y Duki. También a The Murder Capital y Tinariwen, así como a nombres nacionales tan queridos por aquí como Cala Vento, La Élite, Baiuca, Albany, Maria Escarmiento o La Plazuela.
Por último, el sábado 8 de julio será la jornada de Arctic Monkeys, Röyksopp, Love of Lesbian, 070 Shake, Perfume Genius, Young Fathers, Judeline, Rojuu y Menta, entre muchos otros.
En cuanto a Basoa, se suman tres propuestas de nuestro país: Toccororo, Sama Yax y Dalila. Actuarán Anz, Call Super, HAAi, Sama Yax y Violet el jueves; Ben Ufo, Sherelle, Job Jobse, Dinamarca y Dalila el viernes y Young Marco, Avalon Emerson, John Talabot, GAZZI y Toccororo el sábado.
En cuanto a Lasai, donde no se superan los 100 beats por minuto, se escucharán los sonidos vanguardistas de DJ Der, Formica, Olivia, Phoebe y Xamana Jones durante el jueves. El viernes GAZZI será el encargado de comisariar el escenario y para ello contará con 8kitoo, Malibu, Ouri, Senda Fatal y Tenguerengue. El sábado, el maestro de ceremonias será Dinamarca, que juntará en sus filas a Fantasilandia, Ghazal, Kebra, Linnea y Sukumons.
Los abonos para Bilbao BBK Live continúan a la venta en la web del festival desde 175 € y en seetickets.com/es, con la posibilidad de pago a plazos y acceso a camping. Las entradas de día estarán disponibles a partir del próximo jueves 9 de marzo a un precio promocional de 70€.
Tomavistas, que vuelve a celebrarse en el parque Enrique Tierno Galván los días 22, 23 y 24 de junio, en este caso coincidiendo con las celebraciones del Día Europeo de la Música, tiene nuevos confirmados. Y esta vez hay nombres internacionales.
Metronomy, The Vaccines, Ladytron, La Femme, Allah-Las, La Bien Querida, Depresión Sonora, Perro, dani, Queralt Lahoz y Parquesvr son los anunciados en esta segunda tanda de nombres que se suman al cartel del festival madrileño. En la primera, predominaron los nombres nacionales, en general ofreciendo presentaciones de sus nuevos discos exclusivas en la ciudad o en la Comunidad de Madrid. La Casa Azul, Sidonie, Ginebras, Triángulo de Amor Bizarro, Carlangas, Los Punsetes, Mujeres, Cala Vento, Judeline, La Élite y Menta eran los nombres que conocíamos hasta ahora.
La gira Justice World tendría que haber llegado a España el pasado mes de enero. Las cosas empezaron a pintar mal cuando Justin Bieber aplazaba parte del tour a finales del pasado año por problemas de salud. En concreto derivados del Síndrome de Ramsay Hunt que sufre, que le provoca parálisis facial. Doctor Music enviaba un mail en octubre indicando que la gira era aplazada y que se informaría de las nuevas fechas.
En estos últimos días de febrero, en cambio, se ha comunicado la cancelación del tour. Las personas que compraron sus entradas han debido de recibir un mail con las indicaciones para la devolución de las mismas. Según ha podido saber JENESAISPOP en contacto con la promotora, la cancelación de la gira es definitiva.
La gira presentaba especialmente los temas tanto de su disco ‘Changes’ como de ‘Justice’, de los que se han extraído hits como ‘Intentions’, ‘Ghost’ y ‘Peaches’. Todas formaban parte de un repertorio de unas 24 canciones en el que no faltaban ‘Where Are Ü Now’, ‘What Do You Mean?’ o ‘Sorry’.
El tour, que comenzó el 18 de febrero de 2022, pudo llegar a constar de 49 conciertos, casi todos en Norteamérica, antes de la cancelación que deja a Justin Bieber sin ingresar decenas de millones de dólares en recaudación. Unos 85 conciertos figuran como cancelados en la Wikipedia sumando fechas en Europa, Asia, África, Oceanía y América. Esta circunstancia explicaría que Bieber, con tan solo 29 años, haya decidido vender su catálogo de canciones a un fondo de inversión, por 183 millones de dólares.
Este mes de marzo «la primera gira de despedida de Roger Waters» llega a Europa. Comienza en Lisboa el 17 de marzo y termina el 10 de junio en Manchester, pasando por Barcelona y Madrid, en este último caso hasta dos días consecutivos. Adonde no llegará la gira This Is Not a Drill es a Frankfurt, pues la ciudad ha emitido un comunicado en el que explica la cancelación del show previsto para el 28 de mayo y las razones.
El comunicado empieza explicando que la ciudad de Frankfurt y el estado de Hesse se habían involucrado en la celebración del concierto, como accionistas de Messe Frankfurt GmbH. La ciudad, en un 60%; y el estado de Hesse, en un 40%. Sin embargo, han decidido echar marcha atrás debido al «antisemitismo» de Roger Waters. El artista es conocido por su apoyo a la causa palestina, siendo muy crítico con los artistas que actúan en Israel. Su enfrentamiento por ejemplo a Nick Cave fue sonado.
Dice el texto: «El trasfondo de la cancelación es el persistente comportamiento antiisraelí del exlíder de Pink Floyd, considerado uno de los antisemitas con más repercusión en el mundo. En repetidas ocasiones pidió un boicot cultural a Israel, hizo comparaciones con el régimen del apartheid en Sudáfrica y presionó a los artistas para que cancelaran eventos en Israel».
Se recuerda específicamente que «un globo con forma de cerdo con imágenes de la Estrella de David fue parte del show escénico de Waters en más de 200 conciertos como parte de “The Wall Live Tour” de 2010 a 2013, lo cual se difundió en medios cercanos a la organización terrorista Hamas».
Se recuerda que 3000 judíos de Frankfurt fueron llevados al Festhalle, lugar del evento, sufrieron abusos y fueron deportados a campos de concentración, siendo muchos de ellos asesinados. «En la plaza frente al Festhalle hay una placa conmemorativa de los hechos de noviembre de 1938, que es una forma para tomar una posición contra el antisemitismo, el odio y la incitación al odio».
El ayuntamiento de Frankfurt espera que las mismas decisiones se tomen de cara a los conciertos de Berlín, Munich y Colonia.
‘Mañana será bonito’ de Karol G tiene garantizado el éxito y la longevidad en territorios latinos como España, ¿pero que pasará en Estados Unidos? Según Hits Daily Double, el nuevo largo de la colombiana tiene opciones de ser número 1 en el Billboard 200, aunque lo tiene muy difícil.
El principal responsable es ’SOS’ de SZA, que lleva 10 semanas en el número 1 de álbumes en Estados Unidos, y de momento parece que habrá una 11ª. HDD pronostica que ‘SOS’ va a vender esta semana el equivalente a 83.900 copias, pero hay una opción de que Karol G lo alcance si logra ventas en iTunes o streamings suficientes entre hoy y mañana, ya que su pronóstico es 81.000 copias de momento. Por debajo, en el top 5, encontraríamos ‘Cracker Island’ de Gorillaz.
Este éxito está en sintonía con el del single ’TQG’, que va a ser número 1 en España con toda seguridad, pues no se ha movido del número 1 en Spotify España desde su salida, y además se mantiene en el top 2 a nivel global, tan solo por detrás de ‘Flowers’ de Miley Cyrus. Además, es el vídeo latino que más rápido ha llegado a los 100 millones de reproducciones.
Por otro lado, Karol G está en España para promocionar el disco y ha pasado por El Hormiguero, donde los titulares más destacados se los ha llevado este ’TQG’. Y es que en el programa de Pablo Motos, Karol G ha revelado las dos condiciones que le puso Shakira para interpretar la canción.
Una de ellas la conocemos -o al menos la intuíamos- de sobra, y era que la Session 53 saliera antes. Era importantísimo para Shakira contar su historia primero en el «diss-track» con Bizarrap, cerrar la «no trilogía» que formaba con ‘Te felicito’ y ‘Monotonía’, y ahora Karol G lo explica. De hecho esta recuperó un tema que había descartado después de ‘Mamiii’ porque pensaba que le encajaba a Shakira en este momento: “Volví a tocar a su puerta porque tenía el tema perfecto. No quise intermediarios porque necesitaba que las dos la escucháramos. Y me dijo que sentía mucho la letra y me pidió por favor que la dejara cantar el primer verso que era mío y le dije que ok”.
La otra es que Shakira pidió participar en la primera parte de la composición, aunque fuera en su segunda parte. Cuenta Karol G que Shakira no aparecía hasta más adelante en la composición, pero que pidió salir en esa primera parte: «En este caso se sintió identificada con el tema y la quiso cantar porque formaba parte de su vida, y los artistas es lo que hacemos: canciones de vivencias personales». Esa parte del verso de ‘TQG’ que Shakira quiso cantar, dice así:
“Verte con la nueva me dolió
Pero ya estoy puesta pa lo mío
Lo que vivimos se me olvidó
y eso es lo que te tiene ofendido
Y hasta la vida me mejoró
Por acá ya no eres bienvenido
y lo que tu novia me tiró
Eso no da ni rabia yo me río (yo me río)»
El pasado 13 de febrero murió en París a los 91 años de edad el orquestador y arreglista Alain Goraguer, pieza esencial del mejor pop francés de los 50 y 60. Sólo sus inicios como coescritor y arreglista del influyente Boris Vian ya serían suficientes para ocupar una página importante en la historia del pop, pero de ahí pasaría a arreglista y orquestador de los primeros cuatro discos de Serge Gainsbourg, con los que se consagró definitivamente. Muchas de las imaginativas ideas sonoras de esos álbumes, como su utilización de elementos de jazz, su inventiva incorporación de percusiones y ritmos latinos o su enfoque minimalista -que también iba con el humor seco de Gainsbourg- se deben a Goraguer.
Continuaría a lo largo de los 60 haciendo arreglos para artistas de primera fila como Juliette Gréco, Brigitte Fontaine o Moustaki, pero son especialmente históricas sus contribuciones a los primeros discos de France Gall, siempre arreglando y orquestando canciones fundamentales de su carrera, desde los comienzos más infantiles y “novelty” hasta cuando empezó a hacer pop más interesante, canciones como ‘N’écoute pas les idoles’, ‘Christiansen’, ‘Laisse Tomber les Filles’, ‘Le Temps De la Rentrée’ o ‘Attends ou va t’en’. Muchas de las mejores eran composiciones de Gainsbourg, y se puede decir que estos tres artistas hicieron un combo imbatible durante esos años, que tuvo su cumbre en ‘Poupée de cire, poupée de son’ (“muñeca de cera, muñeca de sonido”), compuesta para concursar en el Festival de Eurovisión de 1965.
La historia de ese 20 de marzo del 65 en Nápoles es fascinante por varias razones. Nada hacía pensar en el triunfo para Luxemburgo (país al que representaba la francesa Gall) debido al carácter rompedor del tema, muy diferente a las baladas sentimentales que dominaban el concurso por aquellos años. Para más inri, en los ensayos matutinos la propia orquesta de la RAI abucheó a Goraguer y Gall tras tocar la canción. Al parecer aborrecieron su ritmo trepidante (“como de caballería”, en palabras de France) y no tuvieron problema en expresarlo. Gainsbourg, que andaba también por allí, “se enfadó y abandonó el estudio”. Así que la hostilidad flotó en el ambiente todo el día, y Gall y Goraguer estaban convencidos de que iban a fracasar. Pero todo cambió cuando por la noche, inesperadamente, la canción entusiasmó a los jurados de la mayoría de países y acabó ganando por delante de la favorita, que era la inglesa Kathy Kirby.
La grabación de la actuación muestra a un Goraguer en lo que seguramente fue una de las cumbres de su carrera: en una estampa quizá chocante para los eurofans actuales, no era raro que los cantantes interpretasen estáticamente desde los mismos micrófonos de los presentadores y aparecieran en primer plano -como hizo France- mientras que en el foso de la orquesta el director, en este caso Goraguer, parecía acaparar hasta más protagonismo escénico:
Pero la historia no acaba ahí: a pesar del triunfo inesperado, los recuerdos de Gall de aquel día fueron siempre bastante desoladores. En años posteriores relataría la visita a su camerino de la concursante inglesa para insultarla, un momento extremadamente desagradable que ella recordaba “como una bofetada”. Para más inri el impresentable de Claude François (cantante con quien por aquel entonces estaba saliendo en secreto) la llamó justo después de la actuación para decirle que había cantado “de pena”. Al parecer ella rompió con él en el momento (“dix points, France Gall”). Así que cuando la pobre France salió a cantar la canción por segunda vez (aunque no se aprecia en el vídeo) acababa de pasar un buen rato llorando. Gainsbourg, presente en ese momento como se aprecia también en el vídeo, declararía lo siguiente: “salió del camerino llorando, es algo cruel. Hay aspectos de este oficio inmundos. No es ya la abyección. Es peor que la abyección”.
Cerramos este Hit de ayer con la versión original. No se puede quitar mérito a la melodía de Gainsbourg o a su interesantísima letra que retrata el absurdo de las cantantes pop adolescentes (muñecas de cera, contrapuestas a los discos, de cera también en su versión más primitiva), esas artistas atrapada en una burbuja desde la que cantan “al amor sin razón / sin conocer a ningún chico / ¿de qué me sirve?”). Pero no se puede negar que la orquestación brillante de Alain Goraguer fue crucial. Desde luego es la canción de toda la carrera de France Gall en la que tiene más peso todo ese fabuloso arreglo orquestal, con sus suntuosas cuerdas, épicas trompetas y hasta una guitarra twang. Tan sinfónico enfoque tenía todo el sentido porque se escribió para el concurso y Goraguer hizo bien en explotar al máximo la orquesta que estaría presente el día de la actuación. Su excelente arreglo propulsaría a la canción al primer puesto del Festival.
El trío Gainsbourg/Gall/Goraguer seguiría cosechando éxitos (la sublime ‘Nous ne sommes pas des anges’ hasta recuperaría el mismo ritmo cabalgante de ‘Poupée…’) pero ninguna de esa canciones llegaría a vender tantas copias o a calar en el imaginario popular de la misma manera que ‘Poupée de cire, poupée de son”.
‘Poupée de cire, poupée de son’ suena en la entrega nº 425 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.
Shakira ha concedido su primera entrevista tras el pelotazo de la «Session 53» con Bizarrap, en la que despelleja a su ex Gerard Piqué y a su nueva pareja. Ella misma dice que hubo un antes y un después de la misma hasta el punto de que agradecería una foto tipo «before and after». Se trata de una amable conversación con la televisión mexicana, conducida por Enrique Acevedo, que puede verse en su página web.
Irónicamente, Shakira comienza hablando de la sororidad, de cómo este es un «momento clave para la sociedad» en cuanto al apoyo de las mujeres entre sí e incluso llega a citar una frase al respecto de la exsecretaria de Estado de EE UU, Madeleine Albright: «Hay un lugar reservado en el infierno para aquellas mujeres que no apoyan a otras mujeres». Cuando el presentador le pregunta dónde se sitúa la canción con Bizarrap al respecto, por «el debate que ha generado entre las mujeres», Shakira responde que está «en el centro».
La cantante elude polémicas sobre si su propia canción no es que sea demasiado sorora, y prefiere hablar de sus propios sueños rotos: «Yo también compraba esa historia de que una mujer necesita un hombre para completarse, una familia… Yo también tuve ese sueño. No todos los sueños se cumplen, pero la vida encuentra una forma de compensarte», indica en referencia a sus hijos, que fueron quienes además le dieron la idea de colaborar con Bizarrap (Milan) o realizaron con un ipad la portada de ‘Monotonía‘ (Sasha).
También considera que «sale fortalecida» de este despecho, porque ha aceptado su propia «vulnerabilidad». Y recalca la labor terapéutica de la música: «mi música es más elocuente que yo misma (…) mis canciones son la mejor terapia, más eficaces que una visita al psicólogo».
La entrevista es generosa en elogios hacia Shakira y sus récord Guinness (que ella califica como «surrealistas»), además de tratar su labor filántropa, que parece pactada como condición para la concesión de esta exclusiva. La cantante se muestra orgullosa de haber triunfado como mujer «colombiana, latinoamerica, y en español», y reconoce su carrera como pionera especialmente en ‘La tortura’. «Un poquito (pionera) sí. Cuando el reggaeton era muy local, no estaba muy globalizado, no había artistas pop experimentando con el reggaeton. En la época de ‘La Tortura’ descubro lo que está pasando en Puerto Rico, y le sumo dancehall y flamenquito. Es una de las primeras colaboraciones, entre Alejandro Sanz y yo, en una época en que no era una cosa de moda que los artistas se juntaran. Cada uno iba por su camino e incluso había rivalidad entre artistas, y entre géneros».
Shakira recuerda también el éxito de ‘Living La Vida Loca’ de Ricky Martin en español unos años antes, el carácter pionero de Daddy Yankee o cómo ella se empeñó en incluir en un disco ‘Hips Don’t Lie’. Al parecer, que el tema incluyese la frase en español «En las Barranquillas se baila así» hizo pensar a algún ejecutivo que el tema no entraría «en mercados súper obtusos como Inglaterra».
La entrevista es rica en titulares como «creía que en este punto de mi vida estaría en una granja criando pollos», «he vivido más de una vida, la riqueza y la pobreza», «creía que era más débil» o «estoy lista para el próximo round»; no tanto en noticias sobre cuáles serán sus próximos pasos musicales o cuándo saldrá su próximo disco. Simplemente al respecto dice sentirse especialmente inspirada.
Noel Gallagher es el último en cargar contra Sam Smith, refiriéndose a elle indirectamente como «idiota» y confundiendo su género, tras anunciar en 2019 que desde ese momento se identificaba como no binario.
Ha ocurrido en la radio danesa Kink, a la que Gallagher acudía para hablar sobre el próximo lanzamiento de su nuevo disco, ‘Council Skies’. Durante una conversación sobre el estado de la música pop moderna, el exmiembro de Oasis declaraba que «la música se ha visto bastante fracturada y las listas están dominadas por el pop».
Este matizaba que no tiene ningún problema con ese tipo de música, siempre que «las estrellas de pop sean molonas»: «Tristemente, las estrellas de hoy en día son jodidamente idiotas», concluía Gallagher. Al ser presionado para revelar en que artistas estaba pensando, Gallagher respondió con un nombre: «Sam Smith». Naturalmente, el entrevistador le pidió una razón y Gallagher simplemente dijo: «¡Mírale!», al mismo tiempo que se refería a Smith con el pronombre masculino.
Este episodio llega tras los insultos y acusaciones de satanismo derivadas de su performance de ‘Unholy’ junto a Kim Petras en los Grammy, en los que ambos vestían de rojo y con imaginería diabólica. A su vez, Sam Smith ha posado para el último número de PERFECT Magazine, en lo que parece una respuesta a las críticas gordófobas por el vídeo de ‘I’m Not Here to Make Friends’.
La colaboración de Bizarrap y Shakira, ‘Yandel 150’, ‘Mercho’, ‘Playa del Inglés’ y ‘Flowers’ siguen liderando el Top 5 de la lista de singles española una semana más. Sin embargo, hay una novedad en el Top 10, y es que ‘Nochentera’ de Vicco por fin ha alcanzado los puestos más altos de la lista, aterrizando en el número 10 tras estar escalando posiciones semana tras semana.
El factor pegadizo de la canción es innegable y hasta la autora ha admitido que no se la puede quitar de la cabeza: «Lo siento, pido perdón. Se me pega hasta a mí, y eso que yo no escucho mis temas», declaraba la cantante catalana en una entrevista.
Por otro lado, Tini protagoniza la entrada más fuerte de la semana con ‘Cupido’, debutando en el puesto 29. Dos puestos más abajo, en el 31, Duki entraba con su último single, ‘Si me sobrara el tiempo’. En la segunda mitad del ranking encontramos a Rauw Alejandro y Angel Dior en el número 61 con ‘TAMO EN NOTA’. Sebastián Yatra se colaba en la posición 76 con su nuevo tema, ‘Una noche sin pensar’.
‘Solo $exo’ de Myke Towers, ‘La hora y el día’ de Daddy Yankee, Justin Quiles y Dalex y ‘Vida Gangster’ de Lauty Gram se posicionaban de forma consecutiva en los puestos 84, 85 y 86, respectivamente. Por último, David Bisbal conseguía el número 96 con su single ‘Ajedrez’.
Trevor Powers ha anunciado que recuperará el proyecto de Youth Lagoon tras estar siete años retirado, y lo hará con un nuevo disco. ‘Heaven Is a Junkyard’ estará disponible el 9 de junio. El primer single, con vídeo incluido, ya ha sido lanzado en todas las plataformas bajo el nombre de ‘Idaho Alien’.
Tras los lanzamientos de ‘The Year of Hibernation’ (2011), ‘Wondrous Bughouse’ (2013) y ‘Savage Hills Ballroom’ (2015), Powers decidió que no había «nada más que decir a través de Youth Lagoon», por lo que abandonó el proyecto en 2016. El músico estadounidense entonces lanzó dos «cintas experimentales» firmadas con su nombre de pila: ‘Mulberry Violence’ en 2018 y ‘Capricorn’ en 2020.
Powers ha hablado sobre su decisión de terminar con Youth Lagoon hace siete años, contando que «en muchos sentidos, me perdí a mí mismo». También ha revelado que el regreso del proyecto surgió tras una reacción química causada por un medicamento sin receta que dañó la laringe del músico de 33 años durante ocho meses: «No sabía si sería capaz de volver a hablar, y mucho menos cantar», compartía Powers en un comunicado de prensa.
Sobre el contenido del disco, ha dicho que «‘Heaven Is a Junkyard’ trata de todos nosotros»: «Son historias sobre hermanos yendo a la guerra, padres borrachos aprendiendo a abrazar, madres enamorándose, vecinos robando el correo, vaqueros tomando drogas, colegas saltándose las clases, yo llorando en la bañera, perros persiguiendo conejos y niños jugando en la hierba alta», describía Powers.
Tracklist:
1 Rabbit
2 Idaho Alien
3 Prizefighter
4 The Sling
5 Lux Radio Theatre
6 Deep Red Sea
7 Trapeze Artist
8 Mercury
9 Little Devil From the Country
10 Helicopter Toy
En la víspera del lanzamiento de su tercer álbum, ‘Red Moon In Venus’, que va a ser nuestro «Disco de la Semana», Kali Uchis ha decidido cargar contra el consumo de alcohol en sus Stories de Instagram. La cantante de ‘telepatía’ ha pedido a sus seguidores que dejen de tomar bebidas alcohólicas, ya que pueden atraer «energías demoníacas».
Últimamente, la cantante colombiana ha estado compartiendo en redes su transformación hacia una vida más saludable. Esto culminaba ayer en una Story de Instagram que comenzaba con la petición de «por favor, parad de beber alcohol»: «Hay consecuencias espirituales y nadie me puede convencer de lo contrario», comenzaba de forma decidida Uchis. En las siguientes líneas, esta hablaba sobre el origen de la palabra «alcohol», que aseguraba que en árabe se traduciría como «licor comecuerpos» (en realidad se usaba para describir un cosmético de antimonio usado para pintarse los ojos).
Uchis continuaba explicando que al consumir la sustancia, esta «extrae la esencia del alma, haciendo que el cuerpo sea más susceptible a frecuencias bajas y energías demoníacas», y alejándonos de «nuestro yo más puro». El comunicado, de corte espiritual, terminaba con un giro conspiratorio: «Por eso mismo es legal, quieren que os convirtáis en alcohólicos, de verdad».
Unas horas después, Kali Uchis se abría en Twitter, revelando que lleva «10 meses sobria»: «Llevo fumando y bebiendo desde los 12 años, incluso tuve una intoxicación etílica y casi muero a los 17, así que es algo importante para mí, gracias», concluyó la cantante.
‘Red Moon In Venus’, el anticipado tercer LP de Kali Uchis, estará disponible este mismo viernes 3 de marzo en todas las plataformas y ya hay disponibles dos singles: la preciosa ‘I Wish You Roses’ y ‘Moonlight’, la más reciente.
Kali Uchis condemns the use of alcohol in new Instagram story:
“Please stop drinking liquor !!! by consuming it into the body, it extracts the very essence of the soul, allowing the body to be more susceptible to LOW frequencies & even demonic energies” pic.twitter.com/4IxxrwuPDh
Rorro ha sido una de las revelaciones del último par de años en nuestro país, sumando 300.000 oyentes mensuales. Exponente del «bedroom pop» con tan solo 20 años, ha sumado millones de streamings con temas apegados al R&B como ‘Míralo’ y otros que hemos recomendado alguna vez, como ‘Mi cabeza’ o ‘Me da igual’.
Esta semana la artista ha publicado un segundo EP. Y si el primero se llama ‘Rorro SAD :(‘, el nuevo recibe el nombre de ‘No tan Sad :)’. Aquí aparece su hit, el mencionado ‘Míralo’, revisitado con KYNE, Vivi K y el productor D3llano, recibiendo ahora el nombre de ‘Ojitos verdes’.
El nuevo EP se completa con 3 canciones más que se han ido dando a conocer en los últimos tiempos y que seguro que te suenan si estás suscrito a nuestra playlist de pop en castellano Sesión de Control. Está la synth-pop ‘J*der’, está la indie pop ‘Mucho más’ y destaca especialmente ‘Loop’. Y es que en esta era la artista ha querido dejar atrás su lado más «cortavenas», «aparcando las letras tristes y melodías con acordes menores, para dejar fluir una faceta mucho más alegre y optimista a través de ritmos upbeat, baterías indie pop y melodías pegadizas».
Esta vía más luminosa puede tener el efecto colateral de librarse de las comparaciones con Babi, a cuya voz recuerda muchísimo. Si ‘J*oder’ se puede bailar en las discotecas inspiradas por los beats de los años 80, este ‘Loop’ se levanta tras un inicio titubeante. El tema empieza apesadumbrado, con un «No está bien / No estamos bien» y una narración más bien plañidera, pues «ya no sonríes al verme como antes». Sin embargo, el estribillo presenta otra canción completamente diferente, entregada a la pista, y pese a que el estribillo es en verdad agridulce: «Tú-tú hacías que cambiase mi mood-mood / Pero ahora, con esa actitud, tú conviertes lo malo en loop-loop». Es como si sus textos quisieran seguir siendo tristes, pero la música escapar de ahí.
Rorro actúa gratis este jueves 2 de marzo en el Lula Club de Madrid, junto al ex freestyler Walls. Se trata de un evento conjunto entre Mahou y Mad Cool en el que se presenta una gira que recorre distintos espacios como Madrid, Valencia, Alicante, Gijón y Valladolid, con artistas como Sila Lua, Carlota, Bernarda, Ralphie Choo, AMORE, Israel B, WAX 960 e Irenegarry.
Esta última semana se ha publicado ‘El agua y el rayo’, un disco colaborativo entre La Prohibida y Algora que había de ser la obra definitiva para quienes anhelaran más composiciones de Víctor para la travesti más famosa del país, tras la buena aceptación de ‘Baloncesto’.
‘El agua y el rayo’ no es, en cambio, un disco de electro ni italo, lo cual tampoco será una sorpresa para quienes hayan escuchado todos los temas de Algora para La Prohibida, que son tan diferentes como ‘La colina luminosa’ o ‘Bouvet‘. Sí llama la atención lo ligeramente apegado a la copla que está, con colaboraciones como Estrella Morente o temas que se llaman de hecho ‘La copla más bella’.
El disco se promociona con el videosingle ‘Pirámide de rocío’, pero vamos a escoger como «Canción del Día» el corte titulado ‘Morfina’ por ser uno de los que mejor aúna ritmos italianos y españoletes. ‘Morfina’ se abre con una intro instrumental de 45 segundos, es decir, la antítesis de lo que se lleva hoy en día, concentrada en su apego por el italo. Pero las palmas y el tipo de métrica y de rimas apuntan más bien hacia el flamenco, desde que Algora pronuncia la primera frase de la letra: «Desde que probé de tu boca la droga aquel día / yo sabía que era veneno y que me mataría».
Algo que se confirma con la parte de La Prohibida: «Pero aunque me hieras de muerte, aunque fueras mi ruina / Yo te seguiría sin rumbo hasta el fin de mi vida». Y es que ‘Morfina’ habla, como tantas canciones de nuestra tradición, de un amor que engancha y te hace mal, en un estribillo que es puro contraste: «Dolor y morfina, placer y tormento / el cielo y el infierno, los dos al mismo tiempo».
‘Morfina’, que carece de «middle eight» o más puente que esa nueva parte instrumental con más italo y más palmas, es la 2ª canción más corta de ‘El agua y el rayo’, tan sólo por detrás de la canción de cierre, y se beneficia de su inmediatez. El álbum está a la venta a través de la web de Ultradiscos.
U.S. Girls llega a su octavo disco aún con cosas que decir. Su vida ha dado varios vuelcos: ha sido madre de gemelos, además durante la pandemia (su gira fue una de las primeras en cancelarse a principios de 2020) y sus prioridades han cambiado. La artista a la que conocimos denunciando los males del capitalismo, el patriarcado, el cambio climático, la cultura del dinero, incluso la hipocresía navideña (¿puede ser su mejor canción un villancico?) o las políticas del querido Barack Obama… ahora observa su vida y dice: «Dios bendiga este desastre».
El discurso de Meg Remy sigue ligeramente salpicado de política, de observaciones ácidas como la de ‘So Typically Now’, una de las Mejores Canciones de 2022, que reflexiona sobre las fugas urbanas de los ricos durante la pandemia. Sin embargo, la propia Remy reconoce que las desgracias del mundo ya no le afectan tanto porque ha dejado de obsesionarse con las noticias, con el «espectáculo del sufrimiento» al que asistimos diariamente en la televisión. De esto habla el slow jam-funk de ‘Futures Bet’. Por salud mental es lo mejor que cualquiera puede hacer: doy fe de que hasta los psicólogos lo recomiendan.
Ella tiene otras cosas de las que ocuparse, como dos bebés que requieren toda su atención. ‘Bless this Mess’, el tema titular, habla de la maternidad desde un punto de vista realista, retratándola en una gran frase como es «Es tu labor llevar agua todo el día en un jarro roto». Con un sonido típico de las baladas pop de los años 70, Remy escribe la canción por encargo para posible uso en una película de Hollywood: a la época dorada de la industria remite su bello arreglo de cuerdas y sintetizador, tan romántico.
El proyecto no llega a buen puerto, pero la canción sirve a Remy para salir de su zona de confort y probar algo distinto. Esta intención marca el transcurso del disco desde que Remy lo graba embarazada y después de haber dado a luz y, además, en remoto, durante el confinamiento, por correo electrónico… al contrario que el disco anterior, que se escribió específicamente para ser grabado con músicos en vivo.
Luego son las propias canciones las que nos informan del cambio: Remy reconoce que con ‘Bless this Mess’ ha intentado llegar a un número mayor de gente, hacer canciones que hasta a su madre le puedan gustar. La idea tiene sentido porque eso es exactamente lo que le ha pasado a U.S. Girls en los últimos tiempos: su canción ‘Red Comes in Many Shades’ ha sonado en la serie de Netflix ‘The Sandman‘ y hasta TikTok ha llamado a su puerta cuando un tema desconocido de su antepenúltimo disco, ‘L-Over’, se ha viralizado en la plataforma. Ahí también hay un cambio de paradigma, pues U.S. Girls ha solido hacer discos complicados. No es el caso de ‘Bless this Mess’, un trabajo en el que las canciones pueden ser tan accesibles como ‘So Typically Now’, un hit de electro-disco que está sonando en radios en un universo paralelo; o el funk inicial de ‘Only Daedalus’, que Remy quiso cantar con Julian Casablancas y que no por inspirarse en la mitología griega es menos ligero y pegadizo.
Tampoco se resiste Remy a sucumbir a algunas de sus influencias. Las guitarras acústicas de ‘St. James Way’ nos llevan a algún lugar entre Dido, Natalie Imbruglia y los Cardigans; sonando por tanto más a la última Lorde que a la U.S. Girls que conocemos; y en ‘R.I.P. Roy G. Biv’ (en inglés las siglas ROYGBIV deletrean cada uno de los colores que forman el arcoiris) Remy intenta directamente escribir una canción de Michael McDonald, por lo que le sale una sugerente pieza de soft-yacht-rock con vocoders que el último Calvin Harris habría podido confundir como propia. Solo que él, quizá, no habría escrito una letra sobre la inevitabilidad de la muerte, sobre el momento en que te das cuenta de que tus seres queridos, un día, ya no estarán, otro tema que ha obsesionado a Remy en los últimos años.
Pero hay dos facetas contradictorias que comentar de ‘Bless this Mess’. Por un lado, este no sería un disco de U.S. Girls si no siguiera huyendo de lo obvio y, por ejemplo, ‘Pump’ samplea un sacaleches. Mejor aún, la odisea disco-funk de ‘Tux (Your Body Fills Me, Boo’) nos presenta una historia de desamor escrita desde el punto de vista de un esmoquin enfadado con su dueño porque este ya no se lo pone. La letra puede provocar sonrojo… pero no tanto como la de ‘Screen Face’, que habla de un romance virtual en una letra llena de clichés («tu móvil se está muriendo, y yo me muero… por tocarte») que ni siquiera a su autora le gusta. De hecho, el título de ‘Bless this Mess’ está sacado de una expresión popular y la propia Remy reconoce que no es el más imaginativo que se la ha ocurrido, pero que era el que mejor resumía el contenido del disco.
Pero ‘Bless this Mess’ sí es un título acertado cuando descubres que el disco es un cajón «de-sastre» de todas las experiencias e influencias que han marcado la vida de Remy en los años posteriores a la pandemia y a su maternidad. Es su disco mejor producido, también uno de los más pop y accesibles por su variedad, pese a cerrarse con un monólogo que nadie va a querer escuchar dos veces. Se echan en falta más canciones como ‘So Typically Now’ que exhiban una evolución compositiva clara, pero hay que celebrar que una artista como U.S. Girls decida salir tan evidentemente de su propio terreno y huir de la familiaridad para buscar nuevos públicos, nuevas maneras de acercarnos a su universo.
Con motivo del estreno de ‘Los Fabelman‘, la película en la que Steven Spielberg revisita su infancia, dedicamos al director el nuevo episodio del podcast REVELACIÓN O TIMO con Jorge Loser como invitado. Dada la modesta recaudación de la película de momento (30 millones de dólares, sobre los 40 que ha costado), nos preguntamos cuándo Spielberg dejó de ser el «Rey Midas de Hollywood», sobrenombre con el que se le conocía, en un mundo en el que ya solo arrasa Marvel, las sagas y las películas de superhéroes. ¿Acaso puso el mismo Steven la primera piedra en la vía del éxito del cine palomitero?
Recordamos algunas de los films de Spielberg que construyeron su nombre, como ‘Tiburón’, ‘Encuentros en la tercera fase’, ‘ET’, ‘Parque Jurásico’, y algunas en las que se involucró como productor, como ‘Poltergeist’. ¿Cuáles han envejecido bien y cuáles han envejecido peor?
No pasamos por alto su vena más alternativa, con películas con el reconocimiento de ‘El color púrpura’ o ‘La lista de Schindler’, lo que nos lleva a plantear cuán serio tienes que ser para que los Oscar te tengan en cuenta. ¿Son estas realmente las películas más importantes e influyentes de Steven Spielberg? ¿Las que han marcado a Abrams, Bayona y la generación ‘Stranger Things‘? No pasamos por alto el trabajo de John Williams en las bandas sonoras ni tampoco las posibilidades de ‘Los Fabelman’ en los Oscar de este año, que parecen a su vez escasas.
Por primera vez un artista ha superado los 100 millones de oyentes mensuales en Spotify, y ese artista ha sido The Weeknd. El proyecto de Abel Tesfaye ha publicado esta semana un nuevo remix de ‘Die for You’ con Ariana Grande y su presencia abriendo la playlist Today’s Top Hits -que siguen 30 millones de personas- ha aupado definitivamente su número de oyentes hasta la mágica cifra de 100.450.642.
El remix de ‘Die for You’ llegó a ser top 2 del Global de Spotify el viernes pasado y en realidad está ya a la baja, en el puesto 4 (también es número 4 en las midweeks británicas), incapaz de destronar a ‘Flowers’ de Miley Cyrus, pero al menos ha servido para batir este récord histórico.
El segundo récord histórico de The Weeknd que comentamos hoy lo batió hace unas semanas pero merece la pena recuperarlo por su relevancia. El pasado 1 de enero ‘Blinding Lights’ se convirtió oficialmente en la canción más reproducida de la historia en Spotify, superando a ‘Shape of You’ de Ed Sheeran, ambas por encima de los 3.000 millones de streamings.
Bajo estas líneas podéis encontrar el top 10 de una lista que puedes consultar en la Wikipedia, y en el que llama la atención la mayoría absoluta masculina. La australiana Tones and I es la única artista principal mujer, y después podríamos añadir las voces de Kyla y Halsey como invitadas en temas de Drake y The Chainsmokers.
En el top 100 de lo más oído ya sí aparecen 4 temas de Dua Lipa, 2 de Billie Eilish, 2 de Ariana Grande, etcétera. The Weeknd sitúa 3 temas en el top 100: además de ‘Blinding Lights’, ‘Starboy’ en el #15 y ‘The Hills’ en el #48.
En cuanto a canciones de rock, llama la atención la presencia de ‘Bohemian Rhapsody’ de Queen (#24), ‘Mr Brightside’ de The Killers (68), ‘Do I Wanna Know?’ de Arctic Monkeys (#79) y ‘Wonderwall’ de Oasis (#84).
1.-The Weekend / Blinding Lights 3.433.000.000
2.-Ed Sheeran / Shape of You 3.389.000.000
3.-Tones and I / Dance Monkey 2.764.000.000
4.-Lewis Capaldi / Someone You Loved 2.668.000.000
5.-Post Malone, 21 Savage / Rockstar 2.614.000.000
6.-Post Malone, Swae Lee / Sunflower 2.566.000.000
7.-Drake, Wizkid, Kyla / One Dance 2.547.000.000
8.-The Chainsmokers, Halsey / Closer 2.475.000.000
9.-The Kid Leroi, Justin Bieber / Stay 2.417.000.000
10.-Imagine Dragons / Believer 2.401.000.000
El Top 5 de la lista de Discos española sigue prácticamente igual una semana más, con Quevedo, Bad Bunny, Rauw Alejandro y Feid ocupando los puestos más altos, en este orden. Sin embargo, la sorpresa se ha dado en el número 5, en el que Tini ha desplazado a Mora gracias a la subida en ventas de su último disco, ‘Cupido’, que pasaba del puesto 28 al 5.
La entrada más fuerte de la semana es para Carlos Rivera, que ha debutado en el número 6 con su disco ‘Sincerándome’. En la primera mitad de la lista también han entrado ‘Trustfall’ de P!nk (#9) ‘La vida es de los que arriesgan’ de Loquillo y Sopeña (#13), ‘_BCN747’ de _juno (#36) -que llega a ser nº4 en vinilos- y ‘Nordisko’ de Italoconnection (#39).
A partir del Top 50 encontramos la entrada del primero de los dos últimos discos de Skrillex, ‘Quest For Fire’, que ha entrado en la posición 71 del ranking.
Por otro lado, la última entrada es para Caroline Polachek y su aclamado ‘Desire, I Want To Turn Into You’, debutando justo al límite, en el número 100. Polachek se cuela por los pelos en la lista española, cosa que no ha logrado en las listas británicas ni estadounidenses, pero sí en Bélgica (#59).
La llegada de Caroline al top 100 español tiene doble mérito porque no hay edición física -sus puntos vienen de unas pocas ventas en iTunes y el streaming- y además el disco no salió en viernes, sino por el Día de San Valentín. Estos puntos proceden de la lista entre el viernes 17 de febrero y el jueves 23 de febrero, varios días después del lanzamiento.
Miley Cyrus acaba de desvelar la tracklist y los colaboradores que intervendrán en su próximo álbum de estudio, ‘Endless Summer Vacation’. La cantante de ‘Flowers’ informaba ayer en Instagram de que hoy iba a realizar un anuncio, que ha resultado ser la lista de canciones de su nuevo disco, que incluirá las colaboraciones de Brandi Carlile y Sia.
El mes pasado nos fijamos en un misterioso comentario de Kylie Minogue en el post en el que Miley anunciaba el disco, el cual podría haber sido una pista adelantando una colaboración entre las dos popstars. Sin embargo, no ha resultado ser así. ‘Endless Summer Vacation’ está compuesto por 13 canciones, de las cuales ‘Flowers’ aparece como la primera, y presenta a Brandi Carlile y Sia como artistas invitadas.
Será la primera vez que Miley Cyrus colabore con Brandi Carlile y Sia en un trabajo de estudio. Por otro lado, podíamos ver recientemente a la natural de Tennessee cantando ‘Stars Are Blind’ junto a Paris Hilton y Sia en un especial de fin de año de la NBC. Además, para dar la bienvenida a 2022, Carlile y Cyrus realizaban un medley de ‘The Story’ y ‘The Climb’.
El décimo disco de Miley Cyrus estará disponible el 10 de marzo e incluirá la presencia de Kid Harpoon, Greg Kurstin, Tyler Johnson y Mike WiLL Made-It en la producción.
Tracklist:
1. Flowers
2. Jaded
3. Rose Colored Lenses
4. Thousand Miles (featuring Brandi Carlile)
5. You
6. Handstand
7. River
8. Violet Chemistry
9. Muddy Feet (featuring Sia)
10. Wildcard
11. Island
12. Wonder Woman
13. Flowers (Demo)
Inhaler ha anunciado dos conciertos en nuestro país, en Madrid y Barcelona. La banda de rock irlandesa liderada por Elijah Hewson, hijo de Bono, acaba de lanzar su segundo álbum. ‘Cuts & Bruises’ será presentado el 27 de octubre en la sala Apolo de Barcelona y el 28 de octubre en La Paqui de Madrid.
Tras ser Top 1 en Reino Unido con el lanzamiento de su LP debut, ‘It Won’t Always Be Like This’, los irlandeses han regresado a lo alto de las listas al conseguir el Top 2 con ‘Cuts & Bruises’. El nuevo disco está producido por Antony Genn (Robbie Williams, Brian Eno, The Stone Roses) y Hewson, principal letrista del grupo, indica que las canciones «tratan menos del mundo que nos rodea y más de lo que ocurre dentro de Inhaler».
Ya fuimos testigos de la potencia del rock alternativo de Inhaler el año pasado en el Bilbao BBK Live, en el que ya se postulaban como una de las nuevas sensaciones del rock anglosajón. Las entradas para ambas fechas estarán disponibles a partir del 3 de marzo a las 9:30h en Live Nation y Ticketmaster, desde 25€. Además, las personas registradas en Live Nation tendrán acceso a una preventa el 2 de marzo, también a las 9:30h.
Enrique Bunbury ha regresado a la música tras la cancelación de su gira en 2022 por problemas de garganta. Ha lanzado ‘Invulnerables’, el primer adelanto de su próximo disco, y ha hecho una interesante propuesta a sus fans a través de una «carta» en Instagram: «Quiero comenzar una conversación directa con vosotros», empezaba el comunicado.
Tras dedicar el año pasado principalmente a la composición de nuevas canciones, Bunbury ya ha publicado el primer single de su nueva etapa. ‘Invulnerables’ es un tema de rock clásico en el que el aragonés se niega a explicárnoslo todo, porque sería como «no haber dicho casi nada». Grabado a las afueras de México y producido por Adán Jodorowsky, hijo de Alejandro Jodorowsky, el nuevo tema nos devuelve al Bunbury de siempre.
Este también ha recurrido a sus redes para «comenzar una conversación directa» con sus fans, permitiendo a los seguidores que lo deseen preguntarle cuestiones «sobre cualquier tema que consideréis», recalcando que «cualquier cuestión será bienvenida», siempre que se realicen con «educación y respeto». Bunbury apunta que irá contestando semanalmente a las peticiones a través de una newsletter en esta página web. Ya se pueden ir enviando las preguntas a la dirección de correo lacartaeb@gmail.com.
Bunbury también revelaba recientemente en una entrevista a Associated Press que la causa de sus problemas de salud, por los que tuvo que cancelar su gira de 2022, era el glicol, una sustancia que se utiliza en el humo de los conciertos y a la que Bunbury es intolerante.
El FIB ha anunciado una nueva tanda de confirmaciones. The Offspring es el nuevo headliner del festival que, junto a Viva Suecia, Regard, Jimena Amarillo, y Rusowsky, conforman los nuevos nombres del Festival Internacional de Benicássim.
Estos artistas se suman a un cartel liderado por Franz Ferdinand, Bastille, Vetusta Morla, Crystal Fighters, Zara Larsson y Tom Odell, entre muchos otros más. En su nueva remesa de artistas, el FIB sigue apostando claramente por el público internacional y el nacional. Las entradas para los cuatro días, del 13 al 16 de julio, están disponibles desde 49,99€ en la web del evento.
Además de estas confirmaciones, el festival tiene abierto un concurso que dará la oportunidad a 3 artistas y 3 DJs a actuar en Benicássim, gracias al Heineken Silver Rising Stars Contest. Las inscripciones y votaciones ya se encuentran abiertas en FIB Rising Stars.
Sabrina Carpenter ha sido la última invitada en el Live Lounge de la BBC. La cantante, que apareció entre las Mejores Canciones de 2022 con ‘Read Your Mind‘, y últimamente ha viralizado el tema ‘Nonsense‘ del mismo disco ‘emails i can’t send‘, acaba de ganarse nuestros corazones para siempre con sus elecciones.
Por un lado, ha interpretado una versión de Harry Styles, y la canción escogida no ha sido ‘As It Was’ sino ‘Late Night Talking’. Por otro, ha realizado una versión en vivo del hit ‘Nonsense’ que está dando mucho que hablar. Primero se compartió su versión en Youtube como suele hacerse, pero después la BBC ha decidido borrarla. El problema es que el final de la canción contenía una pequeña improvisación -en sintonía con la grabación de estudio- que parecía inofensiva pero no lo era. El añadido, como se puede escuchar en un tuit bajo estas líneas, fue: “How quickly can you take your clothes off, pop quiz / I’m American I am not British / so BBC it stands for something different / This live lounge just so lit because I’m in it”.
Lo cual podríamos traducir así: «¿Cómo de rápido podrías quitarte la ropa? / Soy americana, no británica, así que para mí BBC significa otra cosa / Este Live Lounge prende solo porque yo estoy dentro».
¿Se han enfadado los directivos de la BBC porque ha hecho una referencia a la decadencia del formato? Para nada. Lo que parece haberles mosqueado es el significado americano de BBC. Hay mucho cachondeo en Twitter sobre a qué corresponden las siglas BBC en Estados Unidos, y según el Urban Dictionary, la palma se la lleva «big black cock», lo que podemos traducir como «negro rabazo». Si escuchas la versión en directo, seguramente te dé la risa, porque además Sabrina Carpenter repite la última frase hasta dos veces: «porque estoy dentro».
Sin esperanza para la cadena por que la gente recuerde a partir de ahora que la BBC es una «British Broadcasting Corporation», su decisión de borrar el vídeo va a dar la vuelta al mundo, cuando de otra forma seguramente hubiera pasado desapercibido. Un nuevo caso de «efecto Barbra Streisand» de los que tanto gustan de estudiar las Universidades.
‘Trustfall’ de P!nk es el nuevo número 1 de las listas británicas, al superar las 37.000 copias durante su primera semana. Es la 4ª ocasión en que la cantante consigue llegar a la cima de álbumes en UK. No ha habido la misma suerte en Estados Unidos, donde ‘SOS’ de SZA sigue intratable en el top 1 por 10ª semana. P!nk ha tenido que conformarse con el puesto 2 en su país por la venta de 75.000 copias.
Lo nuevo de P!nk también ha sido número 1 en Alemania, Australia, Nueva Zelanda y Suiza, además de número 2 en Bélgica, Holanda, Francia, Irlanda… por lo que podríamos estar ante uno de los discos más vendidos del año, otra vez. De momento no hay demasiado entusiasmo en las listas de streaming hacia sus singles principales, ‘Trustfall’ y ‘Never Gonna Not Dance Again’, pero ya hemos visto a P!nk demasiadas veces salvar los muebles con un tercer, cuarto y quinto single. Así lo contamos hace 10 años en una columna llamada «P!nk, corredora de fondo» y así lo ha continuado demostrando desde entonces.
Recientemente, varias decenas de comentarios en nuestra web debatían sobre el éxito de los discos de P!nk, con algunos usuarios comentando muy acertadamente que en España tenemos una visión distorsionada de su alcance, porque España nunca ha sido un mercado clave para la cantante. Por este motivo, dedicamos este artículo a esclarecer cuáles han sido los méritos de cada álbum de P!nk, aunque por aquí no nos hayamos enterado.
‘Can’t Take Me Home’: un digno debut
Sin llegar a ser top 10 en Reino Unido ni en Estados Unidos, el debut de P!nk publicado en el año 2000 ha conseguido vender más de 4 millones de copias por varios motivos: el pelotazo que dio el segundo disco, que hizo a mucha gente asomarse «al primero»; el éxito del single ’There You Go’ y en menor medida ‘Most Girls’, la buena época que fueron los primeros 2000 para la venta de CD’s y los buenos datos de P!nk en los países angloparlantes. El doble platino para el disco en Estados Unidos y Australia -su bastión- y el platino en Reino Unido ya suman 3 millones. En España el álbum no llegó a listas. Estábamos muy ocupados con Operación Triunfo.
Missundaztood: su gran macrohit
El segundo disco de P!nk, publicado a finales del 2001, unos meses después del pelotazo de ‘Lady Marmalade’, todavía polémico 20 años después, permanece como su gran éxito. Ha superado los 13 millones de copias vendidas, 5,6 de los cuales proceden de Estados Unidos. También destacan los 6 discos de platino obtenidos en Reino Unido, los 5 logrados en Canadá o los 4 logrados en Australia. De nuevo las cifras son mucho menores en países no angloparlantes, y el álbum no lograría pasarse por listas españolas en una época realmente competitiva, pero los singles ‘Get The Party Started’ o ‘Just Like a Pill’ sí se asentaban como éxitos internacionales sin peros y se acercan a día de hoy a los 200 millones de streamings en Spotify.
Try This: el tropezón
El tercer disco de P!nk es el principal responsable de que tengamos la percepción de que P!nk alguna vez ha flopeado. Después del enorme éxito de ‘Missundaztood’, su fanbase no pareció tan sólida cuando ‘Try This’ (2003) no logró llegar al millón de copias en Estados Unidos (aunque sí ha sido finalmente certificado como platino en 2019), superando por poco el medio millón en UK. El single ‘Trouble’ era tan solo número 68 en el Billboard Hot 100, el resto quedaban fuera del top 100. Aun sí, en los foros de UK Mix se estima que el disco ha vendido 3,5 millones de unidades. Una cifra por la que otros matarían.
I’m Not Dead: la resurrección
El título del cuarto disco de P!nk ‘I’m Not Dead’ (2006) fue una declaración de intenciones: la cantante decidió irse de Arista, describió la era anterior como un infierno y se decidió a renacer. Sobre todo el 2º single ‘Who Knew’ y el 3º ‘U + Ur Hand’ lo consiguieron y se duplicaron las cifras del anterior disco. Se vendieron 6 millones de copias en todo el mundo, 2 de ellos en Estados Unidos y 1,4 en Reino Unido. A destacar los 11 platinos en Australia, y hasta en España por primera vez nos enteramos de algo: ‘I’m Not Dead’ fue top 73 en nuestro país en aquel 2006.
Funhouse: su 2º mayor éxito
El público permaneció para el 5º álbum de P!nk y hasta podemos decir que esta vez su éxito fue un poco más internacional. En ‘Funhouse’ (2008) estaba ‘So What’, que fue número 1 en medio mundo, y permanece como una de sus canciones más escuchadas con 500 millones de streamings en Spoti. El disco tiene cifras muy parecidas al anterior pese a que cada vez era más difícil vender millones de discos a causa de la piratería: se pudieron sumar 7 millones de copias. Además, el álbum fue número 43 en España: su público por aquí seguía siendo insignificante, pero al menos era creciente.
The Truth About Love: P!nk se mantiene
En 2012, cuando ya no era nada fácil vender 7 millones de copias, P!nk logra bordear esa cifra (6 millones en las estimaciones de UK Mix, 7 millones mencionados en AllAccess.com) gracias al poder de 2º y 3º single. Tras un ‘Blow Me (One Last Kiss)’ que funcionó de manera correcta, sumó un ‘Try’ que compite por ser la mejor composición de su carrera y sobre todo ‘Just Give Me a Reason’, que contó con la participación de Nate Ruess de fun. Este último tema suma 1.000 millones de streamings en Spotify y 1.500 en Youtube, resultando su canción más popular. El disco fue de nuevo multiplatino en Estados Unidos y Reino Unido, llegando a los 9 platinos en Australia. Fue el 7º disco más vendido de 2012 según la IFPI, además del primer top 10 de P!nk en España. Incluso fue el 40º álbum más vendido del año por aquí.
Beautiful Trauma: la resistencia
En 2017 vender 7 millones de copias no es una opción para la superestrella media. Solo Ed Sheeran logra rebasar esa cifra en este periodo. Pero P!nk repite entre los 10 discos más vendidos del año a nivel mundial con ‘Beautiful Trauma’, que termina sumando otros 3 millones de copias. Lo consigue sobre todo gracias a otra balada a piano que busca el medio tiempo, ‘What About Us’. Se alcanza un espectacular doble platino -para los tiempos que corren- en Reino Unido, el platino en Estados Unidos, el triple platino en Canadá, el cuádruple en Australia y el verdadero milagro: un número 4 en España.
Hurts 2B Human: un lanzamiento menor
El medio millón escaso para ‘Hurts 2B Human’ puede excusarse con la idea de que ‘Hurts 2B Human’ (2019) tan solo iba a ser en principio un EP que luego se completó debido a lo «bien» que iban la sesiones de estudio. El disco solo consiguió ser platino en Australia y Canadá, y lo que sí logró P!nk fue arañar varias canciones por encima de los 100 millones de reproducciones: ‘Walk Me Home’, la colaboración con Cash Cash ‘Can We Pretend’ o la titular colaboración con Khalid.
La mala recepción de los últimos singles P!nk pueden ser indicativas de que -ahora sí- la popularidad de la artista podría estar tocada, por lo que, para dejar un buen sabor de boca, recordemos que P!nk editaba un «greatest hits» en 2010 que ha sumado 5 millones de unidades para sus arcas.
