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Carolina Durante en el Movistar Arena: cómo triunfar cuando todo sale mal

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Ainhoa Laucirica

Suena la sintonía de ‘The Office’, llega el «ascensor» y aparecen esos cuatro chavales. Diego Ibáñez se equivoca en la primera frase de ‘Joderse La Vida’, que abre el set. Es el resultado esperable después de encontrarte de repente ante 15.000 personas. Hasta sus rivales más cercanos estuvieron ayer en el Movistar Arena. La última vez que Carolina Durante tocó en el recinto fue en 2023, delante de la mitad de asistentes. «En el primero lo mejor fue la gente, como siempre», recuerda Ibáñez.

Aquel concierto poco tuvo que ver con este. El decorado era prácticamente inexistente. Ahora, la producción es considerable. En la oficina de Carolina Durante puedes encontrar archivadores corporativos, amplificadores y aviones de papel infinitos. También te puedes subir a donde te de la gana. Obviamente, puedes tomar todo el café del mundo. Cuanto más, mejor. Hay que asegurarse de tener la energía apropiada para resistir las reacciones de un público, en su mayoría veinteañeros, que se mata y se ama en cada canción.

Ainhoa Laucirica

Porque detrás de la locura instantánea (y posibles codazos) que desata ‘Aaaaaa#$!&’, hay mucho amor. Puede que en canciones como ‘TOMÉ CAFÉ’ o ‘Monstruo’, que paró el show brevemente para dejar hueco a los pogos, no se note tanto, pero los fans de Carolina Durante en realidad son tan blandos como el turrón. La nostalgia de una adolescencia reciente, y que hay que dejar escapar, es la que los mueve. Por eso ‘El Parque De Las Balas’, rescatada exclusivamente para la ocasión junto a ‘Moreno de contrabando’, y ‘San Juan’ resultaron tan emocionantes. Todo lo que era tangana, ahora es abrazo.

Sin embargo, el proceso mental de Ibáñez parece otro. En la entrevista con JENESAISPOP, el vocalista contaba que, con este último disco, era la primera vez que se veía afectado por el contenido de las canciones encima del escenario: «Es guay que me rompa cantando la canción que he escuchado 257.000 veces». Mientras el público se vuelve loco con ‘Tempo 2’ o ‘Verdes Césped’, Diego, con su camisa blanca de volantes, está totalmente serio.

Su actitud, entre derrotada y errática a más no poder, no es nueva, pero sentir que estás en un momento clave de tu carrera seguro que le añade una capa de emoción. Así, ‘Colores’ parecía humedecerle levemente los ojos. Bueno, y a todos. Uno de los momentos más emotivos del concierto y un nuevo significado para eso de «elijo que esto no me duele».

Ainhoa Laucirica

Si el concierto de Carolina Durante fuese como el periplo del héroe, ahora llegaría el abismo. Durante el resto del set, el sonido no había sido el mejor. Costaba oír la voz de Diego, la batería se lo comía todo y se echaba mucho en falta la claridad del disco en los instrumentos. Y entonces, crisis: «Os explico lo que pasa, se nos ha roto la mesa de monitores y no oímos nada», cuenta Martín Vallhonrat. Diego entonces intenta ganar tiempo hablando con el público. Destaca un chaval que no estudió para selectividad por ir a la Wurlitzer a ver a Carolina Durante. «De la Wurli al Movistar Arena», suelta Ibáñez. Y en el mismo año.

Una chica les pide tocar ‘Necromántico’, que no estaba en el set. Deciden tocarla «por las risas», sin oírse a ellos mismos. Ole, porque además no suenan nada mal. De hecho, mejor que ayer. Después de una tensa pausa de dos minutos para resolver el embrollo técnico, ‘Elige tu propia aventura’, con violines y trompeta, fue hasta poético. Las cuerdas y vientos se quedaron para ‘La Noche de los Muertos Vivientes’, su primer lanzamiento, y ‘Probablemente Tengas Razón’, el clímax musical de la noche.

Ainhoa Laucirica

Un fallido ‘Interludio’, en el que se tenía que intuir la melodía, dio lugar al «momento montaña rusa», bautizado así por Ibáñez. Barry B y Gará Durán, sustituyendo a Amaia, intervinieron en unas disfrutonas ‘Yo pensaba que me había tocado Dios’ y ‘Perdona (Ahora sí que sí)’ antes del colofón final. Qué bonito fue cantar ‘Hamburguesas’ junto a tantos miles de personas, a las que seguro que el grupo ya considera amigos. ‘Normal’, sin «la número 1», y el dulce pogo final de ‘Las Canciones de Juanita’ terminaron la noche sin ningún tipo de bis.

Sin fallos técnicos y con un sonido más claro, este concierto habría sido la consagración final del grupo… pero a quién le importa. Consagración o no, sea lo que sea que eso signifique, Carolina Durante están bendecidos. El repertorio es tan sólido, y las emociones tan auténticas, que en sus mejores momentos es como estar viendo la revolución. El sold out de Carolina Durante ha coincidido con la alineación de los planetas del sistema solar, algo que no se volverá a repetir hasta 2040. Para entonces, todavía nos seguiremos acordando.

¿Y si ‘Cónclave’ da la sorpresa en los Oscar?

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Cuando en enero se anunciaron las nominaciones a los Oscar, parecía claro que la película ganadora saldría de las dos más nominadas: ‘Emilia Perez’ (13 nominaciones) o ‘The Brutalist’ (10 nominaciones). Casi todas las apuestas apuntaban hacia la segunda, con la cinta de Jacques Audiard como segura ganadora en la categoría de Mejor película internacional. La victoria en los Globos de Oro de los dos filmes refrendaba aún más esa sensación.

Sin embargo, en apenas un mes han ocurrido muchas cosas: el pasado se le ha echado encima a Karla Sofía Gascón con el peso de un mamotreto brutalista y el presente sionista ha vuelto antipático el discurso histórico de la película de Brady Corbet. La gran beneficiada ha sido ‘Anora’, que de forma discreta no ha parado de ganar premios en las últimas semanas. En realidad, da un poco igual: las tres son estupendas. Gane la que gane, se merecen todos los premios que les den.

El problema es que hay una amenaza creciendo en el horizonte. El 10 de febrero ocurrió una desgracia de dimensiones bíblicas: la mediocre ‘Cónclave’ triunfó en los Bafta compitiendo contra las tres películas mencionadas. Aunque es cierto que la nacionalidad –era la única producción británica de las cinco nominadas- pudo haber jugado a su favor, los pronósticos empezaron a tambalearse como la credibilidad de Gascón pidiendo disculpas por sus mensajes. Para más inri, hace unos días se reprodujo la tragedia: ‘Cónclave’ volvió a repetir triunfo en los premios del Sindicato de Actores. ¿Dará la sorpresa el domingo, el día del Señor?

‘Cónclave’ es un poco ‘El discurso del rey’ de este año (¿alguien se acuerda de ella?). Un entretenimiento eficaz, bien interpretado y con una tensión dramática muy medida, muy correcto todo, academicista, pero bastante limitado desde un punto de vista estético, narrativo o dramático, sobre todo si lo comparamos con sus tres rivales en los Oscar. El alemán Edward Berger (‘Sin novedad en el frente’) echa mano de una puesta en escena ampulosa (esos planos aéreos con todos los cardenales con sus paragüitas blancos) para vestir de seda un guion con más jirones que un sayo franciscano. Mucha pompa para tan poca sustancia.

La película no es más que una resultona intriga palaciega, beneficiada por un estupendo reparto (mención especial para Ralph Fiennes e Isabella Rossellini) y unos escenarios vaticanos muy llamativos, pero perjudicada por una banda sonora que subraya en vez de enriquecer, un discurso simplón y un golpe de efecto final que no hay por dónde cogerlo, mas risible que sorprendente. Es como decir misa en latín: da igual lo que digas, suena muy bonito, solemne y profundo.

Marina, La Plata, Cupido, María Yfeu… en el top 40 de JNSP

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Lady Gaga mantiene el número 1 de JENESAISPOP con ‘Abracadabra’, aunque es verdad que cada vez con un porcentaje más ajustado de votos, esta vez tan solo el 42% de los votos frente al 24% de Rigoberta. Veremos qué ocurre la semana que viene.

Entre las novedades de la semana, hay que hablar de la fuerte entrada de Marina y Addison Rae en el top 10, aunque lejos de competir por la primera plaza. Squid y La Plata entran a la zona media de la lista. En los últimos puestos encontramos a dos artistas españoles: Cupido y María Yfeu.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 3 Abracadabra Lady Gaga Vota
2 5 4 3 KAIMAN Rigoberta Bandini Vota
3 7 3 2 Ahí estás Amaral Vota
4 8 1 57 Loneliness Pet Shop Boys Vota
5 2 2 3 M.A.P.S. Amaia Vota
6 6 1 Butterfly Marina Vota
7 10 2 5 Childlike Things FKA twigs, North West Vota
8 11 8 4 Open Hearts The Weeknd Vota
9 9 1 High Fashion Addison Rae Vota
10 18 10 2 Idiot Box Sharon Van Etten Vota
11 3 1 12 Moncayo Juanjo Bona Vota
12 9 6 6 Segundo intento Aitana Vota
13 13 13 3 Born Again LISA, Doja Cat, RAYE Vota
14 6 1 10 Tengo un pensamiento Amaia Vota
15 21 14 2 family and friends Oklou Vota
16 4 1 21 El destello Juanjo Bona, Martin Urrutia Vota
17 12 3 6 DtMF Bad Bunny Vota
18 16 11 4 Sports car Tate McRae Vota
19 19 2 28 Die With a Smile Lady Gaga, Bruno Mars Vota
20 24 20 2 Everything Is Peaceful Love Bon Iver Vota
21 18 1 19 Disease Lady Gaga Vota
22 22 1 Building 650 Squid Vota
23 32 18 4 take me by the hand Oklou, Bladee Vota
24 14 2 7 NUEVAYoL Bad Bunny Vota
25 20 3 7 IT girl JADE Vota
26 29 3 12 Pamela Anderson Rigoberta Bandini Vota
27 35 8 6 Hey Joe Crepúsculo Vota
28 28 1 música infinita La Plata Vota
29 26 5 8 DENIAL IS A RIVER Doechii Vota
30 25 1 30 Guess Charli XCX, Billie Eilish Vota
31 22 9 6 It’s a Mirror Perfume Genius Vota
32 15 6 7 Hamburguesas Carolina Durante Vota
33 27 12 5 Party People Rose Gray Vota
34 33 1 42 360 Charli XCX Vota
35 31 31 2 Conceited Lola Young Vota
36 36 3 13 Tus michis Zahara Vota
37 28 1 69 Houdini Dua Lipa Vota
38 34 16 10 Messy Lola Young Vota
39 39 1 Te hago un resumen Cupido Vota
40 40 1 Dime que no María Yfeu Vota
Candidatos Canción Artista
Flood Little Simz Vota
BAILAR Y LLORAR Vicco Vota
Love In Real Life Lizzo Vota
shoreline chloe moriondo Vota
Nirvana Alba Morena Vota
Paris Hilton Jordana B. Vota
Taste Coco Jones Vota
TEETHSUCKER (YEA3x) Rico Nasty Vota
Full time papi Guitarricadelafuente Vota
Venenosa Nebulossa, Mónica Naranjo Vota

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‘Open Hearts’: ¿puede funcionar la película de The Weeknd?

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Después del fiasco que supuso ‘The Idol’, muchos pensábamos que la carrera de Lily-Rose Depp en Estados Unidos iba a tener menos futuro que la de Milei como criptobro. Sin embargo, un año después llegó ‘Nosferatu’ y nos calló la boca a todos. ¿Pasará lo mismo con Abel Tesfaye –horroroso en la serie- cuando se estrene ‘Hurry Up Tomorrow’, dirigida por el muy prometedor Trey Edward Shults (‘Krisha’, ‘Waves’)?

A falta de ver la película, solo con el tráiler, parece claro que ‘Open Hearts’ no es un mero reciclado de imágenes del filme: es un videoclip en toda regla. Por lo que se explica al principio, el clip está rodado para ver con las Vision Pro de Apple. Yo lo he visto con mis gafas de Ópticas Fernández. Y la sensación es un poco como cuando ves una película antigua rodada en 3D, tipo ‘Los crímenes del museo de cera’ (1953): hay muchos planos cuya única función es la de facilitar un efecto inmersivo para el dispositivo.

‘Open Hearts’, filmado en un formato de 180 grados y con una narrativa muy cinematográfica, está lleno de exteriores con planos aéreos con dron e interiores con muchísima profundidad de campo. Más allá de esta caligrafía visual al servicio de la tecnología, el clip presenta una trama protagonizada por The Weeknd tumbado en una camilla de una ambulancia. Mientras los paramédicos le atienden, vemos unas figuras negras con ojos brillantes que parecen un guiño al cartel de ‘Holy Motors’. Unas apariciones que funcionan como avance del tono onírico que irá impregnando el relato.

Tras un plano de una puesta de sol sobre unos rascacielos que parecen sacados del ‘Megalópolis’ de Coppola, el vídeo termina con el cantante metiéndose por un… ¿túnel de luz, como el que se ve en las experiencias cercanas a la muerte? The Weeknd pasa al “otro lado”, a un más allá donde parece reinar como un ídolo del pop en un escenario.

‘Nickel Boys’: poesía del horror en plano subjetivo

La primera película de ficción de RaMell Ross, tras su documental nominado al Oscar ‘Hale County This Morning, This Evening’, continúa explorando las heridas raciales de Estados Unidos. Adaptando la novela homónima ganadora del Pulitzer de ficción en 2020, narra la historia de amistad entre dos adolescentes en un reformatorio de Florida, históricamente conocido por sus métodos abusivos y denigrantes.

Desde el deslumbrante comienzo, donde la pantalla se inunda de una catarata de bellísimas imágenes (grandiosa la fotografía de Jomo Fray), Ross demuestra no solo ser un hábil narrador visual, sino también una sensibilidad y personalidad notables. El estilo poético y profundamente melancólico se acentúa con la atrevida propuesta formal que presenta el cineasta, quien compone toda la película desde la primera persona, contando la historia siempre en plano subjetivo.

La rigurosidad de la puesta en escena y el impresionante despliegue de ideas visuales son más que admirables, sobre todo considerando que se trata de su primera incursión en la ficción y tan solo su segunda película en total. Pese a -o en consecuencia de- ello, su enorme ambición artística se ve dañada por la barrera emocional que inintencionadamente acaba construyendo. A nivel narrativo, la cinta va perdiendo potencia conforme avanza, y la distancia entre el espectador y la historia se va haciendo progresivamente más grande, hasta el punto de que los temas tan impactantes que abarca terminan convirtiéndose en algo casi secundario.

Se agradece enormemente, eso sí, que Ross apueste por un cine de denuncia racial que no te grite a la cara, ni caiga en didactismos y obviedades. En su lugar, ‘Nickel Boys’ ofrece una visión absolutamente triste y enfadada pero exenta de esa literalidad tan molesta del cine comercial hollywoodiense. Por ello, su nominación al Oscar a mejor película sorprende -para bien-, por la radicalidad de la propuesta y su profunda vocación autoral, en donde se puede apreciar cierta influencia del Malick de ‘El árbol de la vida’.

Por supuesto, Ross aún está lejos del nivel de madurez de la obra magna de Malick, y su película nunca alcanza ese impacto filosófico-divino, pero sí deja la impresión de que estamos ante un cineasta valioso. Hay muchas cosas por pulir, pero nada que no parezca indicar que, con un equilibrio más sólido entre forma y contenido, Ross pueda convertirse en una figura clave para el cine independiente norteamericano. ‘Nickel Boys’ es una de esas películas que, aunque no entusiasmen, son toda una muestra de talento en bruto.

Ichiko Aoba / Luminescent Creatures

Ichiko Aoba es una de las superestrellas de ese género musical llamado ambient folk. Sus discos han encandilado al público por su minimalismo: su cristalina voz y el sonido de su guitarra acústica han sido suficientes para ennubilar a la audiencia. Y las portadas de discos como ‘Origami’ (2011) han exhibido un concepto minimalista radical que envidiaría hasta Kanye West.

A medida que la música de Aoba se ha popularizado, su investigación musical ha ganado enfoque. No han sido tan oníricos ni abstractos álbumes como ‘Windswept Adan’ (2020), que, escrito en torno al paisaje del archipiélago Ryukyu, proponía la banda sonora de una película imaginaria protagonizada por una niña que se muda a la fantástica isla de Adan. ‘Luminescent Creatures’ es la secuela de esa película, y ahora cuenta qué acontecería si la protagonista de ‘Windswept Adan’ «desapareciera junto con la música de los habitantes de la isla», por culpa del cambio climático.

Es ‘Luminescent Creatures’ un álbum preocupado por el folclore y la protección de las culturas remotas. Inspirado en la isla Hateruma, al sur de Okinawa, la pista ‘24° 03′ 27.0″ N 123° 47′ 7.5″ E’ se titula con las coordenadas que localizan el faro de la isla, y la melodía recupera una canción tradicional del lugar.

Pero ‘Luminescent Creatures’ es mejor cuanto más surrealista u onírico. ‘Lucifèrne‘ es una fantasía inspirada en las bandas sonoras de Studio Ghibli, una danza submarina como sacada de ‘Fantasia’ (1940), y ‘Coloratura’ abre el álbum imaginando una «escena de apertura en la que un barco pirata es engullido por las aguas tormentosas» y que da pie al nacimiento de un nuevo mundo lleno de luz y paz.

Aunque la Ichiko Aoba clásica, la que solo tira de guitarra y voz, no se va a ninguna parte en ‘Luminescent Creatures’, y su voz sigue sonando a la más pura calma y serenidad en pistas como ‘Flag’, el álbum experimenta con texturas electrónicas en dos de las pistas que se zambullen en el océano, ‘Sonar’ y ‘Pirsomnia’, que se inspiran en la vivencia de Aoba nadando junto a ballenas.

Los interludios con sonidos de caja de música, como ‘Cochlea’, empujan el álbum hacia el sueño total, por lo que ‘Luminescent Creatures’ es mejor cuanto más animados sus arreglos: en ‘Tower’ el oyente danza junto a la fauna abisal que inspira el álbum, en paz y armonía: ‘Luminescent Creatures’ es un disco que imagina un mundo maravilloso al que el cambio climático no ha llegado. Björk lo llamó ‘Utopia‘, pero ella voló a los cielos y Aoba se sumerge en el mar.

Ichiko Aoba presenta ‘Luminescent Creatures’ el próximo 10 de marzo en Barcelona en la sala Paral·lel 62 de Barcelona, y el 11 de marzo en el Teatro Rambleta de Valencia.

Judeline eleva su show tirando de lore y performance

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Christian Bertrand

Contó Judeline anoche durante su concierto en la sala Razzmatazz que estaba muy contenta de tocar en Barcelona porque, la primera vez que programaron un concierto de ella en la ciudad, el show se tuvo que cancelar por la baja venta de entradas. Hoy, Judeline es una artista que se emociona cantando ‘zarcillos de plata‘ porque el público la corea como si fuera un clásico, tanto que la cantante de Cádiz ha de separarse del micrófono para llorar como una magdalena, y seguir cantando una vez se ha recompuesto.

Es el efecto que produce ‘zarcillos de plata‘, muy diferente al de ‘Zahara’ o ‘2+1’, que invitan al perreo ensoñador. Judeline se mueve entre ambas facetas en el concierto de ‘Bodhiria‘ (2024) y, sobre todo, presenta una fórmula de show que le beneficia y que es sobradamente mejor que los anteriores.

La misión de Judeline ha sido trasladar su urban-pop delicatessen al directo, pero dado que ella no es bailarina, ni posee un vozarrón que llene el espacio, ni su presencia escénica es arrolladora, a menudo ha dependido demasiado de su carisma y de una puesta en escena bonita pero funcional. Por eso, al show de ‘Bodhiria’ le favorece su concepto narrativo, desarrollado en torno al concepto de ‘Bodhiria’ y del «lore» de Judeline y su relación sentimental con el famoso canijo.

El canijo, de hecho, es el personaje secundario del show de ‘Bodhiria’ y aparece en el escenario desde el principio hasta el final, descamisado, bailando, caminando de un lado a otro del escenario o haciendo muecas, mientras Judeline interactúa con él o no, dependiendo de la canción. Pero su recuerdo está siempre presente en las letras y, por tanto, también, el bailarín lo está encima del escenario, entregando su cuerpo (y el enorme tatuaje de su espalda) a la música. El tatuaje en tinta roja -o rojo sangre- del Canijo refleja los que la propia Lara lleva marcados en la piel, redondeando el concepto del show.

Christian Bertrand

El movimiento sobre las tablas favorece el impacto de unas canciones que suenan maravillosamente soñadoras y tímidas. A este movimiento contribuye la original puesta en escena, en la que destaca la presencia encima del escenario de una estructura piramidal construida con armaduras metálicas o de acero a las que los bailarines y bailarinas de Judeline de vez en cuando se agarran como si fueran koalas. En medio de esta estructura cuelga una especie de columpio/péndulo al que Lara Fernández se sube para cantar varias canciones durante el espectáculo.

El repertorio de Judeline también es mejor y el público está encantado de responder a la Niña del Sur con su calor. Especialmente el coro «Me rompiste el corazón» de ‘Mangata’ se presta a la euforia colectiva, pero su producción house suena de absoluto lujo. La calidad de pistas como ‘angelA’ o ‘INRI‘ hace que el neo-soul de ‘De una manera’ suene desubicado de repente dentro del repertorio de directo de Judeline. Y este aún requiere la inclusión de esa curiosa versión de ‘La tortura’ que en voz de Lara y, bajo producción de DRUMMIE y varios, ya no es ninguna ídem. Shakira debería estar tomando notas, pero sabemos que está a otras cosas.

Un pero que ponerle al show de Judeline es su decisión de deconstruir ‘Canijo‘, que, pese a ser narrativamente una de las canciones clave del concierto, en directo asume una forma de UK garage muy diferente a la original y que prescinde de los «beat drops» que hacen de la original una producción tan excitante. Bien por renovar una producción conocida por todos, pero ¿tenía que ser una de las más divertidas rítmicamente?

Judeline se mete al público en el bolsillo hablando (lo que puede) catalán y poniendo en valor la juventud que asiste a los conciertos: le da la impresión de que la mayoría de fans en las primeras filas son de «su quinta» y seguramente fuera así, pero allá donde no le alcanzaba la vista también había fans que superan (superamos) los 30 años, o padres que acudían al concierto con sus hijas. ‘Bodhiria’ demuestra que, en España, la calidad ya es mainstream y transversal.

De hecho, Judeline es tan joven que, durante el show, recuerda que ella soñaba con visitar Barcelona cuando era adolescente porque admiraba a Bad Gyal. Tan joven es Judeline que Bad Gyal es ya referencia para ella y otras estrellas. Judeline, con su sonido cuidadísimo, preciosa voz y ahora, estupendo show de pop, ya da pasos para ser ella la referencia.

Christian Bertrand

Vicco no falla cuando se pone a «bailar y llorar»

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‘Bailar y llorar’ debe de ser la primera canción de Vicco que sale al mercado sin que ‘Nochentera’ esté en la lista de ventas española oficial. Al menos desde Benidorm Fest. En el top 100 aguantó años y sumó 9 discos de platino. Nada que ver con la suerte que corrió su álbum ‘Noctalgia‘ pese a que era notable.

Ahora la artista catalana continúa su carrera, aún en Sony, con un tema de corte noventero. ‘Bailar y llorar’ -nuestra Canción del Día hoy- no se parece a ‘Estoy llorando por ti’, no tiene esa vocación trance, sino más bien la de un medio tiempo de aquella década. Con un piano que ya solo puede sonar a Robert Miles, y una melodía eficiente como ella sabe, puede y debe gustar a aquellos que se saben de memoria los penúltimos hits de Ana Mena y Aitana, quienes tampoco es que inventaran nada después de todo. Kickbombo coproduce junto a Vicco.

Sony nos cuenta que ‘Bailar y llorar’ explora «la dualidad entre el amor y el odio», «tanto en la letra como en la producción». El tema «describe el proceso de comprender que algunas relaciones no nos hacen bien y la dificultad de dejarlas atrás». El vídeo dirigido por Albert Marcos presenta a Vicco bailando bajo la lluvia, «simbolizando el proceso de soltar y sanar a través del movimiento y la música», «convirtiendo el dolor en energía». Quizá un montón de lugares comunes al que pocos peros se pueden plantear.

Residente y Buena Vista All Stars, confirmados en Alma

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Alma, el ciclo que el año pasado acogió en Madrid actuaciones como las de Alison Goldfrapp y Róisín Murphy, vuelve este 2025. La organización ya había anunciado que podremos ver en el Parque Tierno Galván a gente como Camila Cabello, Wilco, The Corrs o Dorian en un programa conjunto con Miranda!; y anoche celebró una fiesta en el Café Comercial para dar los últimos nombres.

En el evento pinchó Carlos Jean, quien defendió la calidad del ciclo destacando que las entradas para Rüfüs de Sol se han agotado porque «ese tipo de electrónica tranquila está de moda» o el «alma», el «soul» (LOL) del proyecto Rag N Bone Man.

Las nuevas confirmaciones incluyen proyectos de la calidad de Residente, uno de los mayores referentes de toda la generación urban de la década pasada; el proyecto que queda de Buenavista Social Club, «Buena Vista All Stars»; y Carlos Núñez. Las entradas para estos nuevos shows salen el próximo lunes a las 11.00 horas. El resto ya está en marcha.

Así quedan las fechas:
19/06 – Residente
20/06 – Dorian + Miranda!
21/06 – Carlos Núñez
25/06 – Camila Cabello
26/06 – Proyecto en vivo de Alan Parsons
27/06 – Wilco
28/06 – EL SOL SE RUEDA
29/06 – Los Tigres del Norte
30/06 – Los Corrs
1/07 – El hombre de trapo y hueso
2/07 – Grupo Nicho + Buena Vista All Stars

Lizzo, entre Strokes, Ramones y ‘Thriller’, en ‘Love In Real Life’

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Lizzo, que se tomó 2024 de año sabático, tan pronto como en el mes de febrero de este loco 2025 produce su primera novedad musical, anticipo de su nueva era.

‘Love in Real Life’ es una canción de corte rockero que en sus primeros acordes remite claramente a los Strokes, y en su estribillo cambia bastante de melodía para tornarse en un hit de los Ramones.

Lizzo había advertido que su nuevo álbum hablaría sobre la depresión y a eso apuntan frases como «hay demasiada mierda ahí fuera, me siento más segura en mi habitación» y finalmente «necesito salir de mi cama, necesito amor en la vida real».

En cuanto al final del tema en estrepitoso «fade out», no puedo quitarme de la cabeza este divertido comentario de Popjustice: «parece que al sello se le ha ido la conexión a internet cuando estaban subiendo el tema».

‘Love In Real Life’ se estrena a la par que el videoclip, en el que Lizzo se sumerge en una fiesta nocturna en la que, entre coreografía y coreografía, aparecen «contratiempos»…

Con ‘Thriller’ de Michael Jackson como referente clarísimo, ‘Love in Real Life’ resulta tan pegadiza como dependiente de sus múltiples referencias. En sus inicios parecerse a otros fue el principal problema de los discos de Lizzo y parece que puede seguirlo siendo cuando encara ya el 5º.


¿Qué te ha parecido 'Love In Real Life' de Lizzo?

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RFTW: Lisa, Lizzo, Rigoberta, Grimes, ADÉLA…

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Hoy se publican los discos de LISA, Panda Bear, Lela Soto y Rozalén, además del nuevo EP de shygirl. De todos ellos compartimos un pedacito en nuestra playlist de novedades Ready for the Weekend. En portada, el portadón de ADÉLA.

Si el single de LISA tiene el lujo de contar con Future, otros temas que han aparecido en playlist internacionales son los nuevos de Benson Boone, Damiano David o Lizzo. Tate McRae sigue completando el que es nuestro Disco de la Semana con «bonus», y también habemus nueva colaboración de Kali Uchis (el baladón ‘Crashing’ con d4vd al modo ‘Die With a Smile’).

Más underground son las novedades de Grimes, Skunk Anansie, girl in red (que de hecho dura 1 minuto y 25 segundos) o BANKS.

En el plano nacional no podemos quejarnos tampoco: hay temas de Rigoberta Bandini, Vicco, Papa Topo, Iván Ferreiro, Babi, Paul Thin, Dinamarca con AKRIILA una vez más o Las Migas.

Halsey le da al sado salvaje en la nueva ‘safeword’

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Halsey no pierde el tiempo. Unos meses después de la salida de ‘The Great Impersonator’, la estadounidense lanza hoy una de las canciones más salvajes de su carrera. ‘safeword’ es una oda directa al BDSM y también un banger de punk rock absoluto.

El tema, breve pero peleón, podría formar parte de la edición deluxe de ‘The Great Impersonator’, pero todavía no está claro.

Cuando le preguntaron por una palabra para describir su próximo single, Halsey respondió: «Obediencia». Y eso es justo lo que hemos recibido. «Clávame en el suelo, balancéame del cuello / Encerrada tras una puerta, ¿ya es la hora?», canta en las primeras líneas, que sientan el tono perfecto para el resto del tema.

La guinda de ‘safeword’ es un videoclip hecho a medida en el que Halsey no para de servir -azotes, sobre todo- tanto en cuero como en cueros y que también tiene su punto de perturbador. Especialmente en los últimos instantes, en los que aparece con una inquietante máscara. Si es que es ella, claro.

Garbage anuncian un «esperanzador» e «inspirador» octavo disco

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Garbage han hecho el anuncio oficial de su octavo álbum, titulado ‘Let All That We Imagine Be The Light’. El nuevo disco de la banda estadounidense estará disponible el próximo 30 de mayo. Según un comunicado de prensa, el primer single llegará «en las próximas semanas».

Shirley Manson describe ‘No Gods No Masters’, lanzado en 2021, como lo contrario de este próximo lanzamiento: «Nuestro último disco era extremadamente directo, nacido de la frustración y la ira». Sin embargo, ‘Let All That We Imagine Be The Light’ tiene una «energía diferente»: «Estaba decidida a encontrar un mundo más esperanzador e inspirador para sumergirme en él», revela la cantante.

En cuanto a la música, Manson también describe el disco como «indudablemente Garbage» y detalla algunos de los elementos que siempre han caracterizado al grupo y que estarán incluidos en el nuevo disco: «Grandes guitarras angulares, beats precisos y paisajes sonoros cinematográficos», concluye.

Tracklist:
1. ‘There’s No Future In Optimism’
2. ‘Chinese Fire Horse’
3. ‘Hold’
4. ‘Have We Met (The Void)’
5. ‘Sisyphus’
6. ‘Radical’
7. ‘Love To Give’
8. ‘Get Out My Face AKA Bad Kitty’
9. ‘R U Happy Now’
10. ‘The Day That I Met God’

Kevin Kaarl es un fenómeno a la antigua usanza

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Kevin Kaarl es todo un fenómeno en México con solo dos elementos básicos: su voz y su guitarra. El artista de 24 años lanzó su cuarto disco el pasado San Valentín, ‘ULTRA SODADE’, y sus reproducciones ya se cuentan en las decenas de millones. El próximo septiembre estará en Barcelona, Valencia, Málaga y Madrid.

La música de Kaarl se caracteriza por un protagonismo total de su guitarra acústica, muy folk, y su profunda voz, además de unas letras sobre rupturas y anhelos románticos capaces de emocionar a cualquiera. «Sé de mí y yo de ti / Como cuando solías siempre reír», canta el mexicano en ‘siento tanto aquí’. En este sentido, puede recordar a artistas como Ed Maverick.

‘no me culpes por sentir’ y ‘búscame otra vez’, dos de los singles de ‘ULTRA SODADE’, sirven perfectamente para adentrarse en el mundo de Kaarl. En la primera de estas, además, prueba a añadir sintetizadores a su particular estilo. Resulta que las texturas del dream pop funcionan a la perfección con su atmósfera tan personal.

Por otro lado, ‘Vámonos a Marte’ y ‘San Lucas’, dos clásicos de su discografía, ya superan los 400 millones de reproducciones en Spotify. Cada una.

El original de Meoqui (Chihuahua) aterrizará en Barcelona (Razzmatazz), Valencia (Sala Moon), Málaga (Paris 15) y Madrid (La Riviera) los próximos 11, 13, 15 y 17 de septiembre, respectivamente. Las entradas han salido hoy mismo a la venta, a un precio desde los 33 euros.

Jordana B. / Otra vez el mismo drama

Jordana B., la divertida banda medio surfera, medio verbenera, medio punk pop, de María Solá, publica su segundo álbum en Subterfuge. Lo mejor de ‘¿Tú y cuántos más?‘ eran sus cotidianas historias de amor y sexo, léase, ‘Leandro Tudela’ con Marta Movidas… y lo mismo vuelve a pasar en este largo que, para más señas, se titula ‘Otra vez el mismo drama’.

En ‘Holter (profecía autocumplida)’, Solá se niega a ejercer de psicóloga para su ex. ‘Demasiada mujer’ reivindica a alguien que era «demasiado cursi para él, demasiado grande para el papel, demasiado difícil de entender». Y esa visión a veces implica un ligero contenido social: ‘Paris Hilton’, un tema sobre no estar haciendo lo que de verdad quieres hacer en la vida, carga contra «el paternalismo que soportar», «toda esa idiotez que es deporte nacional».

Puede que la producción más transversal sea la adaptación de ‘Common People’ de Pulp, que castellanizaron hace un par de años con el objetivo de hacerla un poco más LGTBIQ+. Como en el disco anterior, les siguen funcionando las parodias realizadas sobre la capital. La letra de ‘Gente corriente’ primero dice: «las pijas de Madrid son insoportables / la llevé a un bar de mala muerte». Y al final termina con cosas de pijos: ir a un restaurante con mesa reservada.

También hay humor en ‘Nini’, sobre decirle a tus padres que estás saliendo con «un nini de mierda»; historias tan potentes que dejan en muy segundo plano la coartada conceptual de ‘Otra vez el mismo drama’. Estamos ante un álbum vertebrado en torno a un programa de radio imaginario, el cual se asoma por la primera y la última canción y deja un spot publicitario a modo de «interludio».

Quizá es más interesante comentar que el disco se deja producir por cuatro manos: Ganges, Guille Mostaza, Carlos Hernández y el también miembro de la banda Mané López, lo que explica la variedad estilística. Ganges es la productora detrás de un tema que pasa de la electrónica a los instrumentos de viento de corte sintético (‘Chicos malos’) y es el propio Mané quien se anima con la aventurera ‘Rumba B’, que contiene palmas sobre un beat más propio del trap.

No encajan tanto las colaboraciones de Camellos y Sienna, en especial la de este último, que parece más bien ideada para el disco de él de todo el protagonismo que tiene. La verdadera noticia es que después de 6 adelantos les sigan quedando composiciones con el potencial de ‘Mar menor’: un tema retro en el que aparecen el poliamor y la regla, como en la vida misma.

Como parte del tour Girando por Salas «GPS», Jordana B actúan en Tenerife el 29 de marzo, en Santiago el 4 de abril, el 25 de abril en Cáceres, el 26 de abril en Badajoz, el 9 de mayo en Salamanca y el 10 de mayo en Segovia. Otras fechas del grupo, aquí.

Little Simz torea la adversidad en ‘Flood’

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Little Simz, una de nuestras artistas de cabecera gracias a álbumes como ‘Sometimes I Might Be Introvert‘, ganador del Mercury Prize 2022, acaba de anunciar su sexto trabajo, ‘Lotus’. Saldrá a la venta dentro de unos meses, en concreto el 9 de mayo, a través de AWAL Recordings. Su primer sencillo, ‘Flood’, es nuestra Canción del Día hoy.

Se trata de una colaboración con Obongjayar y Moonchild Sanelly, marcada por dos cosas: en la producción, la percusión; y en lo visual, la estética torera. Solo que esta nos llega sobre un fondo oscuro, no viene acompañada del color que le atribuye el mundo taurino en España. El vídeo es obra del cineasta Salomon Lighthelm.

Obongjayar se encarga de desplagar la intro que en verdad va a ser el estribillo («mientras camino por este malvado suelo, mantenme lejos del diablo»), y Little Simz de escupir los versos, que incluyen frases como «Puedes cambiar de forma tanto como desees, pero sabes que yo soy la pieza que falta en el puzzle».

Ambos mantienen la tensión de la canción viva hasta que en una tercera estrofa Little Simz despliega una especie de 6 mandamientos, que incluyen consejos por la supervivencia. Algunos de ellos son «cuidate a ti misma», «no te lo tomes a lo personal» y «no reacciones ante los clones».

Según la nota de prensa de XL en España, «Lotus encarna renovación y crecimiento, reflejando el arte de la artista en evolución y el viaje temático del álbum a través de las intrincadas fases de la vida».

Lo mejor del mes:

REPION se remozan con Rufus T Firefly, que anuncian regreso

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REPION acaban de ser citadas por Viva Suecia como una de sus bandas favoritas en una entrevista con JENESAISPOP.

El grupo formado por Marina y Teresa Iñesta está precisamente de actualidad por varios motivos. Tras colgar el cartel de sold-out este mes de febrero en ciudades como Madrid y Valencia, continúan una gira que les está llevando estas semanas por Almería, Murcia, L’Hospitalet de Llobregat, Boiro, Oviedo, Zaragoza, Huesca o Bilbao. Todos los detalles, en su linktree.

Además, REPION ha remozado una de las canciones extraídas de su EP del año pasado, ‘Entre todas lo arreglamos’, en compañía de Rufus T. Firefly. Se trata de ‘Viernes’, que comenzaba de manera muy característica («Volver a casa sola no es divertido / No quiero hacer la cena / Porque tú ya no estás para hacerla conmigo»), y hablaba de la soledad de manera muy poética («Y aún me sabe la boca / a lo último que dije»). Claramente, Rufus T Firefly han extraído el fondo pop-rock de la grabación original para llevársela a su terreno, más sintético y onírico. Más ‘Drive’.

No será su última colaboración porque Repion tienen previsto publicar el 11 de abril tanto en digital como en vinilo los cuatro temas del EP del año pasado con artistas amigos. El próximo EP -que también se llamará ‘Entre todas lo arreglamos’- incluirá los 4 temas publicados en 2024 en la cara A y en la cara B revisitados con Shego, Tulsa, Cora Yako y por supuesto Rufus T Firefly.

A su vez, Rufus T. Firefly también han sorprendido a sus fans anunciando que este año sacarán álbum. En el teaser colgado en Instagram anuncian como fecha «abril de 2025». Se tratará de su primer largo desde ‘El largo mañana‘, que salía en una fecha tan lejana como 2021. Os dejamos con el teaser y con el modo en que han revisitado a REPION.

Hallado muerto, junto a su mujer, Gene Hackman

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El actor Gene Hackman ha sido hallado muerto en su casa de Santa Fe, Nuevo México, en la tarde de este miércoles, hora local. Estaban junto a él, también sin vida, su esposa la pianista Betsy Arakawa, y el perro de ambos.

Como informa la prensa local, la policía desconoce qué les ha pasado y lo están investigando, pero han descartado que se trate de un crimen. Gene tenía 95 años en el momento de su muerte, y su esposa, 63.

Gene Hackman fue muy popular durante varias décadas del siglo pasado, especialmente desde que apareciera en ‘Bonnie & Clyde’ en 1967. Ganó dos premios Oscar por ‘The French Connection’ y ‘Sin perdón’ y apareció en cintas como ‘Supermán’ o ‘La conversación’ de Coppola. También en series como ‘FBI’ y ‘Los invasores’.

En 2003 decidió retirarse tras haber participado durante nuestro siglo en ‘Heist’ y ‘Los Tenenbaums’ de Wes Anderson. Es decir, en el momento de su muerte, llevaba más de 20 años retirado.

Sam Fender pide que se hable menos de «privilegios de hetero blanco» y más de «clases»

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Sam Fender ha liado una muy gorda en Reino Unido, justo en la semana en que va a conquistar las listas con su nuevo álbum ‘People Watching’ con unas cifras espectaculares. Va a vender más de 100.000 copias en esta primera semana: disco de oro directo, una verdadera barbaridad en estos tiempos que corren. Ya tiene un lugar entre lo más vendido de todo 2025 y además Alexis Petridis de The Guardian le ha dado las 5 estrellas.

En estas, ha dado una entrevista a The Sunday Times que está dando la vuelta al mundo, por su opinión sobre el origen de la popularidad de líderes de ultraderecha como Andrew Tate. En su opinión, el problema es que se está hablando demasiado de «privilegios de hombre blanco» y se está hablando muy poco de «clases», lo que lleva a un sector de la población ya desamparado a sentirse más desamparado aún.

Ha dicho: «se nos da muy bien hablar de privilegios de hombre, blanco, hetero. Pero rara vez hablamos sobre clases». Y continúa: «Esa es la razón por la que los chicos jóvenes se están dejando seducir por demagogos y psicópatas como Andrew Tate. Les hacen avergonzarse todo el rato de ser quienes son y les hacen sentir que son un problema. Esa es la narrativa que reciben chicos blancos de ciudades perdidas. ¿La gente hace un sermón a un chaval de Durham que está jodido y le dice que es un privilegiado? Pues Tate le va a contar a ese chaval que él sí merece la pena. Es una narrativa atractiva».

Los medios anglosajones se están llenando de columnas de opinión sobre las palabras del artista número 1 ahora mismo en Reino Unido. Mientras algunas voces apuntan que ya era hora de que saliera este debate, mientras multimillonarios tipo Elon Musk están dominando ya descaradamente el mundo, Dazed ha escrito una columna con argumentos a favor y en contra, citando varios estudios sociológicos.

En Dazed subrayan que Sam Fender no tiene razón en una cosa: los discursos de ultraderecha misóginos no proceden ni calan especialmente más en la clase trabajadora. La misoginia es transversal, no es asociable a las clases bajas: por ejemplo, un estudio de una web aseguró que, cuando se habla cultura de la violación y acoso sexual, se hace 8 veces más asociado a escuelas privadas que a escuelas públicas. El texto de Serena Smith se pregunta también qué es la «clase trabajadora» en 2025, si tal término sigue atendiendo a la terminología marxista, o no.

Por otro lado, la columnista cree que Sam Fender tiene razón cuando dice que los «chavales blancos de ciudades perdidas» han sido ignorados por los políticos duante años, y su vulnerabilidad «está siendo usada por la ultraderecha y gente como Andrew Tate».

Si te preguntas a qué suena la música de Sam Fender, no tan popular por estos lares, la respuesta es simple: exactamente a Bruce Springsteen, el gran líder de la clase trabajadora estadounidense durante los años 80.

Kendrick, SZA y Drake suman números 1 en el Billboard

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Las listas de Billboard de la semana han traído novedades relevantes tanto en Singles como en Discos. Por un lado, y tras su presentación en la Super Bowl, que sigue dando alegrías casi un mes después como pocas Super Bowls han dado, ‘luther’ asciende al número 1 del Billboard Hot 100.

El dúo entre Kendrick Lamar y SZA contenido en el último álbum de él, ‘GNX‘, sustituye en el número 1 a ‘Not Like Us’ del propio Kendrick. Este es el 6º número 1 de Lamar en el codiciado Billboard Hot 100, y el 3º para SZA.

Pero es que en la misma semana ha salido la mixtape de Drake y Party Next Door. Han logrado llevar ‘Gimme a Hug’ al puesto 6 y ‘Nokia’ al puesto 10 de la lista de singles, pero la noticia es que el álbum en sí mismo, ‘$ome $exy $ongs 4 U‘, alcanza la cima del Billboard 200.

Y esto supone un récord para Drake, que llega así a 14 discos número 1 en el Billboard 200, empatando a Taylor Swift y también a Jay-Z, como solistas más exitosos de la historia. Ya solo tienen por encima a The Beatles con 19, como puedes comprobar en Wikipedia.

Si te estás preguntando cuántas canciones de Drake han conseguido llegar al número 1 en singles, la respuesta es 13. Aún a Kendrick le costará mucho llegar hasta ahí, pero viendo la tendencia, no es imposible. Como culmen del crossover, 1 de los 3 números 1 de SZA en el Billboard Hot 100 ha sido con Drake: ‘Slime You Out‘ en 2023.

Os recordamos que Kendrick Lamar y SZA actúan el próximo 30 de julio en el Estadi Olímpic de Barcelona. Las entradas están a la venta.


Chef’Special: «Los conciertos son un arte en el sentido de que cada uno es único»

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La música de los neerlandeses Chef’Special -no todo van a ser bandas de UK y USA- parece pensada para el directo. Escuchas los singles principales de su quinto disco, ‘New Gold’, publicado el año pasado, y es que te imaginas perfectamente cómo suenan en vivo. Su propio equipo indica que «en sus actuaciones en directo, el público es tan vital para la experiencia como la propia banda».

En Ámsterdam han actuado en el mítico Ziggo Dome, arena de 16.000 personas por donde ha pasado gente como Fleetwood Mac o Beyoncé, pero el grupo también ha trabajado su base de fans en otros países europeos como Bélgica, Francia o España, donde actuarán el mes que viene. Presentan su último disco, sus grandes éxitos y también su nuevo single, ‘C’est la vie’, sobre los altibajos de la vida. Las entradas para su tour español están a la venta:
20 de marzo: Barcelona (Apolo 2)
22 de marzo: Valencia (Moon)
23 de marzo: Madrid (Villanos)

Hay algo que suena muy alegre en ‘New Gold’. ¿Estáis de acuerdo? ¿Es un disco feliz para los tiempos oscuros que vivimos?
Sí que intentamos hacer algo como respuesta al mundo que nos rodea. Un enfoque muy obvio habría sido hacer un álbum muy sombrío y escribir un montón de canciones hechas desde el enfado o el miedo. En cambio, tratamos principalmente de ser más introspectivos y encontrar sentido y alegría en las cosas que tenemos cerca en nuestras vidas. Incluso en tiempos oscuros hay muchas cosas que valen la pena.

¿Han sido estos últimos años especialmente felices y luminosos para vosotros como banda y como individuos?
Creo que todos hemos crecido como individuos. Al salir de la covid, cada uno nos hemos calmado un poco y estamos más en paz en lo personal. Creo que ese tipo de tranquilidad definitivamente hace que todo sea más luminoso y eso también se ha traducido en la banda en conjunto.

Hacéis rock, reggae, hip hop, incluso alguna vez sale alguna cosa country o dance. Es toda esta mezcla, el futuro de la música que imaginamos el pasado siglo?
(risas) Bueno, todos nacimos a finales del siglo pasado, así que de alguna manera, sí. También es que a todos nos gusta una amplia variedad de música y nunca nos hemos puesto ninguna frontera sobre lo que debería ser «el sonido de Chef’Special». A causa de eso, nuestra música va en todo tipo de direcciones, lo que nos gusta, porque hace que el proceso creativo siga siendo impredecible e interesante.

Vuestra música puede llevarme a The Police, a Bob Marley, a Imagine Dragons… ¿Cuál sería el artista que todos adoráis como banda? ¿Y qué artista os divide más?
No sé qué decir (risas). Creo que The Police y Bob Marley son influencias que segurísimo que a todos nos gustan en el grupo. Imagine Dragons me resultan un poco lejanos estilísticamente, pero sí que me gusta cómo intentan dar una interpretación moderna de lo que es una banda de rock. Y eso es algo muy difícil con toda la buena música que se está haciendo a día de hoy.

«Imagine Dragons me resultan lejanos en estilo, pero me gusta cómo intentan dar una interpretación moderna de lo que es una banda de rock»

‘C’est la vie’ suena más francesa. No por el título: es la melodía, tan 60’s, tan chanson, un poco Gainsbourg. ¿Es una influencia para vosotros? ¿Algún oldie de Francia que admiréis?
Sí, hay un montón de influencias francesas en esa canción. Cuando empezamos como banda, tocamos un montón en Francia y a Joshua, nuestro cantante, le encanta el francés y lo habla bastante bien. Así que siempre ha habido una conexión. La inspiración directa para la canción viene de un disco de Michel Sardou de los 80. Es un buen cruce entre el sonido de sintetizadores de los años 80 y la chanson más tradicional. Nos parecía guay hacer algo parecido al modo de Chef’Special.

Mi canción favorita del último disco es ‘Material Things’, por ese «vibe» electropop. No ha sido un single, pero he visto que sí que la tocáis. ¿Es una de las que mejor funcionan en vivo, aunque solo sea por los «la la las»?
(risas) ¡Gracias! Hemos hecho una outro más larga para el directo. Suena más dura y divertida, así que levanta al público, sí…

‘Miracles’ suena a canción de amor. Pero si pudierais pedir que ocurriera un milagro en la vida real, ¿cuál sería?
Que todo el mundo fuera más majo con los demás.

«Nunca quise ser una «rolling stone»», es una frase en ‘Castaway’. ¿Qué es lo mejor y lo peor de estar de gira o de ser artista?
Lo mejor es que es una gran aventura y un privilegio despertar cada día en una ciudad distinta y tocar música frente a una audiencia. Lo peor es estar lejos de tu familia y de tus amigos.

Cuando escucho canciones vuestras como ‘Fly Like Me’ y ‘One of a Kind’ me llevan directamente a lo que imagino que son vuestros conciertos. ¿Pensáis en los shows directamente cuando escribís canciones para un disco? ¿Son los conciertos la mejor forma de arte?
Sí, claro. Y es más que eso. Como que sabes que has escrito una buena canción de Chef’Special si puedes imaginarte a ti mismo tocándola en directo para la gente y te imaginas a la gente cantándola. Los conciertos son un arte en el sentido de que cada uno es único. Tienen lugar en un momento concreto y en un lugar concreto y nunca se podría repetir exactamente igual. Así que cada concierto es especial.

«Los conciertos son un arte en el sentido de que cada uno es único»

Sois de Holanda, pero sois capaces de hacer giras por toda Europa. ¿Algún consejo para grupos de rock que quieran tener éxito en el extranjero?
Tratar de superar tu horizonte musicalmente. En cada parte del mundo hay gente haciendo cosas increíbles. Cuanto más puedas apreciarlo y llevarlo al poder universal de la música, más probable será que la gente de todo el mundo descubra tu música. De todas formas, nosotros seguimos aprendiendo en ese sentido.

Vega: «No hace falta activismo de palabra; hace falta activismo de hecho»

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Cuando pensamos en música independiente, muchos pensarán inmediatamente en un grupo de música medio underground, en general compuesto sólo por hombres. Quizá no en una cantautora. pero Vega, el proyecto de la cordobesa Mercedes Mígel Carpio, está batiendo récords de vida al margen de los cánones de la industria. Ha repartido contra las multinacionales, ha repartido contra las plataformas de streaming, ha repartido contra los festivales… y ahora que sale de gira, no podíamos dejar de invitarla a nuestro podcast REVELACIÓN O TIMO, en el que ella misma quema su último álbum ‘Ignis’ ante nuestros atónitos ojos.

Es este un álbum de sonido inspirado en lo que era el sonido indie de finales de los 2000 en España, comenzando el largo de hecho con una cita de Iván Ferreiro, referencia, colaborador puntual y amigo de Vega. La artista presentará el disco que contiene novedades tan notables como ‘Incondicional’, ‘De otro planeta’, ‘Leviatán’ o ‘Crisantemos’, junto a temas seleccionados de su repertorio anterior, en 7 ciudades españolas que podéis consultar en su web.

«No tengo claro que vaya a hacer muchos más conciertos» es ya el primer titular que nos deja esta entrevista de una hora y media, si bien Vega puntualiza que tampoco quiere anunciar una falsa gira de despedida que luego contenga segundas, terceras y cuartas partes. Simplemente está cansada de que, por ejemplo, los festivales no paguen -a los artistas de zona media- el caché suficiente para costear a los músicos y personal necesarios. Algo que se agrava, siempre según su relato, si el artista es mujer. Por eso este año no veréis a Vega en festivales, ni en los que obviamente no encaja, pero tampoco en los que sí te la imaginas. «No voy a tocar a bajo coste en ningún sitio», anuncia.

Vega llama la acción sobre estos hechos, y su propuesta como mujer es no tocar. «Para mí no ha mejorado nada. Para cambiarlo, hace falta un activismo, y no un activismo de palabra. Hace falta activismo de hecho. ¿Yo, como mujer, quiero que se pague mejor a las mujeres? Pues si no me pagas [lo que vale el show] no voy a ir, y ojalá todas hiciéramos lo mismo». Y corrige: «También soy plenamente consciente de que no todo el mundo puede hacer eso. Y juegan con eso. [En España] no faltan mujeres en la música. Lo que pasa es que no llegan. Ha llegado 1 de las 300 que lo intentan. Hay 300 a las que pagan una miseria, o un bocadillo. Yo leí el comunicado [de despedida] de Carmen Boza y se me rompió el corazón en cuatro. Ya está bien. Claro que se agota. No hay un activismo como colectivo».

Con que ella se puede permitir no tocar donde no le pagan lo que cuesta su show, se refiere a que ella puede vivir como música de sus derechos de autor, tras haber escrito para Bisbal, Raphael o Manu Carrasco, amén de toda su discografía en solitario. «Mercedes Mígel» vive de sus derechos de autor, mientras todo lo que gana como Vega, lo reinvierte. Por ejemplo en la edición física de ‘Ignis’, que le ha costado 75.000 euros porque se puede quemar, como demuestra ante nuestros atónitos ojos. Por lo vendido, como mucho, recuperará ese dinero. Si gana algo, reinvertirá en Vega, y así sucesivamente.

La artista también habla de su paso por Operación Triunfo y de los nuevos ídolos del formato; recuerda que el streaming no da de comer a los artistas por los inexistentes beneficios que implica para los autores; y habla de cuáles son sus canciones favoritas entre las compuestas para otros artistas. Además de entrar en detalle sobre destinatarias de sus últimas letras, y canciones que hablan sobre la libertad aunque no esté tan claro, Vega es crítica con el modo de acreditar canciones de hoy en día: «Sigo sin creerme una canción escrita por 14 personas, como mucho serán 2 personas. El resto son arreglistas».

A menudo la artista se muerde la lengua sobre lo que puede decir y lo que no, pues su hermana y ayudante en su sello La Madriguera, le ha pedido que en esta entrevista dé «2 titulares en lugar de 37»; pero siempre se le termina escapando alguno, como ese que asegura al final: «Amo a los haters que me ayudan a ser mejor».

¿Qué pasa con Justin Bieber?

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El fandom de Justin Bieber está muy preocupado por él, con muchas personas teorizando sobre un posible regreso a las drogas. Sobreprotección o no, el representante del artista de 30 años se ha visto obligado a emitir un comunicado tranquilizando los ánimos y negando toda acusación. El siguiente movimiento de Bieber ha sido subir un vídeo directamente a su cuenta de Instagram rapeando sobre estar «colocado».

Sin camiseta y comiendo una bolsa de palomitas, Justin parece estar pasándoselo bien con su amigo Eddie Benjamin: «Colocado como una gaita», rapea. En cualquier otro contexto, sería simplemente un vídeo de Bieber haciendo un freestyle de risas. Sin embargo, las últimas semanas del cantante han recordado a los momentos más críticos de su carrera.

Todo empezó a principios de febrero, cuando se publicaron unas imágenes de Bieber con pintas de haber dormido muy poco. Las alarmas de los fans saltaron inmediatamente. Justin había tenido su primer hijo con Hailey Bieber unos meses antes, y eso es justo lo que fuentes cercanas a él alegaron: «Había pasado parte del día cuidando de su hijo, que también estaba teniendo problemas para dormir», recogió TMZ, además de asegurar que «había pasado toda la noche grabando».

Sea lo que fuere, y como tantas veces ha ocurrido en la carrera de Justin y otros artistas como Post Malone, para el público las drogas duras eran la base de todo. Lo cierto es que a lo largo del mes han ido apareciendo más vídeos de Bieber comportándose de forma extraña.

Uno de ellos recoge un encuentro con una fan en el que el artista exhibe una incómoda sonrisa, además de fruncir los labios constantemente. Otro, un enfrentamiento con un paparazzi que le da las gracias después de robarle algunas fotos de camino a su aparcamiento. La respuesta de Bieber: «¿Por qué me das las gracias? No me las des, es irrespetuoso». La situación es muy confusa.

Es en este momento cuando el representante del autor de ‘Justice’ decide intervenir, declarando que la fijación del público en la salud de Bieber es «agotadora y lamentable»: «A pesar de la obvia verdad, la gente está comprometida a mantener vivas una narrativa negativa, salaz y dañina».

Este continuó asegurando que el último año de Justin ha sido «muy transformador para él»: «Ha terminado varias amistades cercanas y relaciones profesionales que ya no le servían», concluye. Esto último, seguramente en referencia a separar caminos con Scooter Braun, su mánager de toda la vida.

Mientras los fans de Justin Bieber siguen debatiéndose sobre si este se encuentra feliz o perdido en las sustancias, lo único con algo de certeza es que hay música nueva en camino. Sobre esto, solo tenemos las palabras de Mk.gee, que habría colaborado en el proyecto: «Todo lo que sale de su boca es música pop. Está buscando», declaró el pasado septiembre.

Blonde Redhead, MJ Lenderman, DIIV… se suman a Canela Party

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Canela Party ha anunciado la tercera tanda de artistas que formarán parte del cartel de este año, siendo una interesante mezcla de nombres nacionales e internacionales. La próxima edición del festival se celebrará del 20 al 23 de agosto en Torremolinos. Las entradas ya están disponibles.

Blonde Redhead, DIIV, Lambrini Girls y MJ Lenderman & The Wind, que lanzaron recientemente el aclamado ‘Manning Fireworks’, completan las confirmaciones internacionales. Por otro lado, la variedad estilística continúa en la parte nacional con Biznaga, Casero, el diablo de shanghai y Somos La Herencia.

Todos estos se suman a un cartel que ya contaba con Depresión Sonora, Bum Motion Club, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, The Get Up Kids (rememorando el 25º Aniversario de ‘Something To Write Home About’), Grande Amore, Joyce Manor, Les Savy Fav, Maple, Mourn, Tropical Fuck Storm, Aiko el Grupo, Amenra, Axolotes Mexicanos, bar italia, Fat Dog, Maruja, Parquesvr y Tatxers.