Björn Andrésen, el actor y músico sueco que encarnó al joven Tadzio en ‘Muerte en Venecia‘ (1971), ha muerto a los 70 años, ha confirmado a un periódico sueco Kristian Petri, co-director del documental sobre la vida de Andrésen, ‘El chico más bello del mundo‘ (2021).
‘Muerte en Venecia’, la extraña y fascinante película de Luchino Visconti, basada en la novela homónima de Thomas Mann, convirtió a Andrésen de forma inmediata en un icono cultural internacional de la época, y en un símbolo de la belleza juvenil gracias a su androginia. Fue especialmente popular en Europa, y en Japón su fama llegó a ser comparada con la de los Beatles.
En ‘Muerte en Venecia’, Andrésen interpretaba a un joven polaco que se convierte en objeto de deseo del protagonista, un compositor maduro (interpretado por Dirk Bogarde) que viaja a Venecia en busca de descanso tras una crisis creativa y personal. El telón de fondo histórico de ‘Muerte en Venecia’ es una epidemia de cólera que azota la ciudad.
Andrésen, quien también componía y tocaba el piano, tenía apenas 15 años cuando saltó a la fama y aquel papel le marcó profundamente, dejándole secuelas emocionales que detallaría en ‘El chico más bello del mundo’. El documental -cuyo título proviene de una expresión del propio Visconti para referirse a Andrésen- muestra cómo esa idealización y la explotación de su imagen afectaron su identidad, su salud mental y sus relaciones personales.
El papel de Tadzio marcó para siempre la carrera cinematográfica de Andrésen, quien nunca repitió la notoriedad de aquel personaje. Durante los 70 y 80, participó en películas, coros y series de televisión, y en 2019 su breve pero memorable aparición en ‘Midsommar‘, donde interpretó al anciano danés Dan, fue entendida como un reconocimiento a su trayectoria.
Aitana sigue recogiendo los frutos de su single viral ‘Superestrella‘, que sigue ascendiendo en la lista de singles española. Esta semana, ‘Superestrella’ se cuela dentro del top 10, llegando a la séptima posición. La creciente popularidad de ‘Superestrella’ -impulsada desde TikTok- se ha venido viendo diariamente en el top 50 de Spotify España, donde ‘Superestrella’ acaba de subir a la segunda posición y podría llegar a la primera en breve, ya que apenas le separan miles de escuchas de ‘Me mareo’.
Otra novedad dentro del top 10 de la lista de singles española esta semana es la subida a la décima posición de ‘YOGURCITO (Remix)’ de Blessed, Anuel AA, Kris R. Luar La L, Roa y Yan Block, que sube desde el decimotercer puesto.
En realidad la entrada más fuerte de la semana se produce en el puesto 19, y pertenece al reggeaton ‘CUPIDO XX’ de Juseph, La Pantera y Lucho RK.
‘Quiero decirte‘, el actual viral de Ana Mena y Abraham Mateo, reentra en lista en el puesto 22. ‘Quiero decirte’, una canción de 2022, se ha convertido en la canción más buscada en Shazam a nivel global, a raíz de su aparición en la película ‘Culpa Nuestra’ de Prime Video. Mateo y Mena han interpretado ‘Quiero decirte’ esta noche en Operación Triunfo.
Siguiendo con las entradas de la semana, ‘Love’ de Clarent se estrena en la posición 31. Se trata de una fusión de synthwave y urbano, por parte del autor de éxitos como ‘IA’.
La entrada final se coloca en el puesto 47, dejando el resto del 100 desierto en cuanto a estrenos. ‘La Bebesita’ de Casper Magico y Anuel AA es el tema que ocupa esta posición.
Como estrella del pop surgida durante la era «chronically online», Demi Lovato ha protagonizado un puñado de memes clásicos. En especial, han sido memorables el vídeo sobre su «favorite dish«, la foto de «Poot Lovato«, que tiene su propia página de Wikipedia, y, por supuesto, la sucesión de tuits «GET A JOB / STAY AWAY FROM HER» que los fans en los foros lanzan hacia aquellas potenciales colaboraciones o noviazgos indeseados.
‘It’s Not that Deep’, el noveno álbum de Demi Lovato, es consciente de la presencia de la artista en internet. La expresión que forma su título se utiliza habitualmente en foros para intentar cerrar debates o análisis más profundos sobre una obra pop determinada, al margen de que dicha obra los merezca o no. Irónicamente, ‘It’s Not that Deep’ resulta más profundo de lo que parece bajo la superficie.
Siguiendo la senda abierta por ‘brat’ de Charli XCX, Lovato entrega un disco dedicado al pop hedonista, en especial al dance-pop, al house y a la electrónica, sin ningún rastro del insulso pop-rock que hacía en el pasado (la excepción sería ‘HOLY FVCK‘). Es un álbum conciso, de apenas media hora de duración, que se pasa en un suspiro.
La brevedad de ‘It’s Not that Deep’ es un acierto, y aunque las canciones no ocultan sus influencias, terminan formando una colección de bops considerable. ‘Fast‘, con su sonido Ibiza house, mereció mayor reconocimiento, pero ‘Here All Night’ es incluso mejor al recuperar el estilo de ‘Physical‘. El tercer single, ‘Kiss’, recuerda a ‘Guess’ por sus versos recitados, pero tiene carisma propio: es especialmente divertido ese paso al estribillo «my lips, your lips, take me the chorus».
Más singles potenciales se suceden en este disco producido principalmente por Zhone, el hombre detrás de recientes éxitos -comerciales o virales- de Troye Sivan (‘Rush‘) o Kesha (‘Joyride‘). ‘Frequency’ es una recreación superficial aunque simpática del electroclash, ‘Sorry to Myself’ es el bop robynesco de rigor, pero con una letra profundamente personal («lo siento por haberte matado de hambre, lo siento por haber currado demasiado»). El estilo de Troye Sivan marca la producción más curiosa, la de ‘Little Bit’, mientras que los midtempos synth-pop (‘Let You Go’, la muy Taylor Swift ‘Before I Knew You’) están producidos con el gusto esperado.
La dirección musical de ‘It’s Not that Deep’ no es la más original a estas alturas, mucho menos cuando suena tan cercana a Charli, Troye o Ariana, y tan pronto. Pero Lovato suple esta falta de originalidad con dos cosas. En primer lugar, su voz es inigualable e imprime una fuerza a las canciones que otros no pueden, por ejemplo en el belting de ‘Sorry to Myself’ o en ‘Ghost’, la balada final. Lovato no se compromete por completo con el concepto del disco, pero solo ella podría cantar este tipo de balada de esta manera.
El otro elemento son las letras. Precisamente ‘Ghost’ está llena de ansiedad, tanta que se adelanta a la muerte de la persona amada, aun cuando ni siquiera está cerca de suceder. La mejor parte de las letras de Lovato siempre ha sido su dimensión psicológica, y aunque muchos de estos textos son genéricos, cuando tocan temas personales resultan imposibles de ignorar.
‘Sorry to Myself’ aborda los temas ya citados, en ‘Let You Go’ Demi se victimiza («puedes contarle a todo el mundo que el problema soy yo») y en ‘Before I Knew You’ suena muy identificable cuando canta: «no he visto las señales, han sido tan crípticas, hay tanto que analizar». En inglés una frase como «so much to unpack» está vinculada a la terapia y por tanto a algunas de las mejores canciones de Lovato, como la desquiciada ‘Daddy Issues’. Aquí hay fondo si lo quieres ver.
Miguel, la estrella del R&B detrás del macrohit viral ‘Sure Thing‘, que ya supera los mil millones de reproducciones en Spotify, ha anunciado su gira mundial CAOS Tour para 2026, que incluirá dos conciertos en España. El 4 de mayo se presentará en La Riviera de Madrid y el 5 de mayo en la sala Razzmatazz de Barcelona.
Las entradas estarán disponibles en varias fases. La preventa exclusiva para fans y socios de Live Nation-S.SMusic comenzará el miércoles 29 de octubre a las 10:00, mientras que la preventa general de Live Nation arrancará el jueves 30 de octubre a las 10:00. La venta general para todo el público comenzará el viernes 31 de octubre a las 10:00 a través de Livenation.es y Ticketmaster, con precios desde 40 euros más gastos de distribución.
La gira llegará tras el lanzamiento de su nuevo álbum ‘CAOS‘, publicado el 23 de octubre, y que ha contado con sencillos como ‘CAOS’, ‘RIP’ o ‘El pleito’.
La gira se compone de un total de 41 fechas, recorriendo Norteamérica, Europa y Reino Unido. La etapa norteamericana comenzará el 10 de febrero en el Coca-Cola Roxy de Atlanta y pasará por grandes ciudades como Nueva York, Chicago y Los Ángeles, finalizando el 21 de marzo en el 713 Music Hall de Houston. Después, Miguel continuará su recorrido por Europa y Reino Unido, con paradas en ciudades como Londres, París, Berlín, Milán, Madrid y Barcelona, con el artista invitado Jean Dawson acompañándolo en toda la gira.
Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes en las últimas semanas.
Los Javis con Glenn Close
Los Javis han sorprendido al mundo anunciando que la legendaria actriz estadounidense Glenn Close formará parte del reparto de ‘La bola negra‘, su próxima serie, que también cuenta con la participación de Penélope Cruz y Guitarricadelafuente. A la llegada de Close a España, Calvo, Ambrossi y Close han posado juntos en esta simpática e improbable instantánea.
Rosalía con Patti Smith
Otro breve encuentro para la historia es el de Rosalía y Patti Smith. La autora de ‘Horses’ (1975), una de las heroínas de Rosalía, ha actuado recientemente en el Teatro Real de Madrid, precisamente para celebrar el 50 aniversario de aquel mítico álbum, y Vila Tobella no ha dejado pasar la oportunidad de conocerla. Sobre Rosalía, Smith ha dicho que tiene una «presencia radiante» y que es «cálida, fuerte y solidaria».
Dua Lipa y Cardi B celebran la PreP
Recientemente ha tenido lugar en Los Ángeles un evento que ha celebrado el primer Día de la PreP, designado el 10 de octubre. El evento es idea de Tristan Schukraft, director de la plataforma de telemedicina MISTR, y ha contado con la actuación musical de nada menos que Dua Lipa. Entre las personas que han acudido a la gala se encuentra Cardi B, quien ha posado junto a Dua, contenta, en esta foto.
Katy Perry con un fan
Semanas antes de anunciar su relación con Justin Trudeau, Katy Perry protagonizó este tierno momento al encontrarse con un fan en Argentina. El fan, Nico Barcia, sigue a Perry desde los 12 años y le enseñó una imagen que ambos se tomaron hace tiempo. Supuestamente, Perry lo reconoce y, sobre todo, advierte al novio del chico que le trate bien: «Yo le conocí primero».
El «drama» de Mariah Carey
Mariah Carey ha querido promocionar su nuevo disco, ‘Here for It All‘, lanzando un gracioso vídeo para redes para uno de los cortes que no han sido single, ‘In Your Feelings’. En el clip, Carey se enfada con uno de sus maquilladores (en inglés «in your feelings» quiere decir estar sensible), pero todo resulta ser de bromi.
Dua Lipa con Olivia, St. Vincent, Lucy Dacus y Mustafa
Hablando de Dua Lipa, la cantante británica ha seguido presentando su gira ‘Radical Optimism’ por el mundo. Recientemente, ha protagonizado este gran encuentro con Olivia Rodrigo, St. Vincent, Lucy Dacus y Mustafa en Los Ángeles.
Springsteen con «Springsteen»
La película ‘Springsteen: Deliver Me From Nowhere’ puede verse en cines desde el 24 de octubre. La rueda promocional está en marcha y el protagonista de la película, Jeremy White Allen, está apareciendo en todos lados, incluido el Hot Wings. Durante una reciente visita a Spotify, el encuentro de White Allen con el Springsteen verdadero se hizo realidad.
Pedro Pascal: No Kings, Only Queens
Recientemente han tenido lugar en Estados Unidos una serie de manifestaciones masivas contra las políticas autoritarias de Donald Trump. El lema de estas protestas, No Kings, reivindica que Trump no es ningún monarca, sino que se debe al pueblo. En Los Ángeles, el actor Pedro Pascal ha aprovechado para defender al colectivo LGBTQ+ -su hermana es trans- posando con una imagen de Divine que rezaba: No Kings, Only Queens. Más como Pascal, por favor.
Lorde y Charli xcx se reúnen en Los Ángeles
Lorde sigue de gira con su ‘Ultrasound World Tour’ y su paso por Los Ángeles ha contado con la aparición sorpresa de Charli xcx. Ambas han interpretado en directo el histórico remix de ‘Girl, so confusing‘, como no podía ser de otra manera. En los comments, Charli no puede ser más ‘brat’ afirmando: «Estoy obsesionada con nosotras». ¡Y nosotros!
Justin Bieber se afeita
El mundo suplicaba por que Justin Bieber se arreglara un poquito. Finalmente, Bieber se ha afeitado la barba, y ha aparecido de esta guisa junto a su pareja, Hayley Bieber, y junto a Kendall Jener, en un concierto de Dijon en Los Ángeles. Para quien no le conozca, Dijon es uno de los productores de su último disco, ‘Swag‘, y de su segunda parte, ‘Swag II‘, y este año ha lanzado el magnífico ‘Baby‘.
Mon Laferte está de vuelta con un disco y nuevos himnos para alimentar la nostalgia del invierno. La artista nacida en Chile se ha puesto la peluca rubia en ‘FEMME FATALE’, que llega dos años después de ‘Autopoiética’, y nos ha entregado una de sus canciones más desgarradoras con ‘Melancolía’.
La Canción del Día es un baladón clásico a golpe de guitarra, vientos y vozarrón. Muy diferente al bolerazo de ensueño que se marcó junto a Nathy Peluso en ‘La Tirana’, pero no por ello menos poderoso.
Un dulce arpegio, que recuerda a las baladas pop de los 50s y 60s, da la bienvenida a la canción. A la vez, Laferte canta sobre querer ser mejor: «Te prometo nunca estuvo / En mis planes arruinarlo / Me duele este dos de mayo», entona en las primeras líneas. ‘Melancolía’ es una de esas canciones que se benefician del ascenso gradual de la instrumentación, igual de elegante que la composición.
En el segundo verso empiezan a aparecer nuevos arreglos antes de pasar al elevado estribillo, en el que Mon pide a su «amor» subir un video que quizás les «resucite de la muerte» y deja la frase más dolorosa del tema: «Ya aguantamos el invierno / Tal vez podamos soportarnos un poco más». La clave está en cómo Laferte canta la palabra «melancolía», con un sentimiento pleno.
El nuevo sencillo de Selena Gomez ya está en plataformas. ‘In The Dark’ salió el pasado viernes junto a videoclip en el que Selena Gomez vuelve a su faceta de popstar y que, durante las últimas horas, ha recibido una serie de hirientes comentarios en redes. Grimes no se ha quedado callada y ha salido a defender a Gomez: «Intentad imaginar la fortalza mental que presuntamente tiene».
Grimes ha elegido un comentario concreto para responder, que es también uno de los más humillantes: «¿Cómo es que en Corea del Sur cualquier mujer con 5.000 dólares puede recibir una cirugía de ‘hotificación’ sin problemas pero en Estados Unidos tienes celebridades millonarias que se operan con una probabilidad de 50/50 de que salgan pareciéndose al monstruo de la semana de Expediente x?», se puede leer en X.
«He estado en Internet durante 48 horas y a pesar de algunos beneficios menores igual tengo que volver a irme», comienza la compositora canadiense. Esta asegura que ha visto el vídeo y que «aparte de algunas escenas de las que la gente ha hecho clips para tergiversar cómo se ve» describe a Selena como «una de las chicas más hermosas»: «Imaginad cómo debe sentirse que la gente hablara sobre vosotros de esta forma», continúa.
Grimes describe el contenido del tweet como «bullying de instituto» y asegura que deberían suspendirse cuentas «en masa» por «body shaming», sobre todo porque «ni siquiera es cierto si de verdad ves el vídeo». Para terminar, la artista describe X como «dañino» y como «muerte de la cultura» al hecho de que este «comportamiento sea socialmente aceptable».
I've been in the internet for like 48 hours and despite minor benefits I might have to leave. Watched this Selena Gomez video, besides a few weird derp shots that ppl were able to clip and super misrepresent how she looks she looks extremely beautiful, is prob one of the most… https://t.co/hGOf38CaX4
Este jueves 30 de octubre se cumplen 30 años de la publicación de ‘Different Class’ de Pulp. En aquel lejano otoño de 1995 el disco llegó precedido por el éxito veraniego de ‘Common People’, especialmente en el Reino Unido pero también en el resto de Europa.
Porque lo que ha quedado para la historia como el verano de “la batalla del Britpop” entre Blur y Oasis, hay que decir que fue bastante diferente en la realidad, al menos para el sector de aficionadxs que además de la radiofórmula escuchábamos Radio 3, leíamos revistas de música y teníamos interés por el pop. La frase “ni Blur ni Oasis, Pulp” es reciente, se hizo popular hace pocos años en reacción al reduccionismo histórico. Pero muy bien podría haber sido pronunciada aquel verano.
Y es que la realidad fue mucho más rica y compleja que una batalla montada artificialmente, y que de hecho arrojó dos singles completamente mediocres. En mi podcast sobre música Popcasting llevo varios años releyendo secciones de mi diario personal 30 años atrás, y en los últimos programas ha tocado repasar el verano del 95. Entre sus relatos de cotidianeidad veinteañera aparecen a menudo reflexiones sobre la música de entonces: me divirtió mucho leer que ‘Country House’ de Blur me había parecido malísima en comparación con la excitante ‘Girls & Boys’ que tanto nos había hecho bailar el verano anterior en nuestro bar-refugio (el Donegal, en Pamplona). También reí al leer (ya no lo recordaba) que el Ruta 66 había comparado ‘Roll With It’ con Status Quo.
En una de las entradas en la que describo una fiesta que organizó en el mes de agosto mi viejo amigo Roberto —un intento de animar un poco otro de aquellos veranos muertos de Pamplona en los 90— nos describió a mí y a mis amigos bailando al son de ‘Common People’, pinchada por él, en uno de los momentos más eufóricos de aquellas vacaciones. Así que el verano de 1995 fue en realidad el de ‘Common People’, el de Pulp (inesperado triunfo en Glastonbury incluido). Pero también el de otras canciones, porque el adagio “ni Blur ni Oasis, sino…” debería extenderse a muchos artistas más: como Elastica o a Supergrass, que son quienes produjeron otras maravillas que nos hicieron vibrar aquellos meses. ‘Waking Up’ también sonó aquel verano, al igual que ‘Alright’ o ‘Caught By The Fuzz’. En la radio, en nuestros walkmans y en ocasiones en esas pinchadas en las que Roberto se saltaba el guión de lo previsible en un bar de “rock and roll”, y en medio de los Stooges o los Sisters of Mercy pinchaba a Elastica, el ‘Trouble’ de Shampoo (Britpop también a su manera) o ‘Confide in Me’ de Kylie.
Pasado el calor, el otoño trajo más música fascinante desde el Reino Unido. En las páginas que he revisado más recientemente, ya en octubre de 1995, hay una referencia muy entusiasta a ‘Great Things’ de Echobelly, otros semiolvidados de aquella escena. Con la carismática Sonya Madan al frente acababan de lanzar ese single a finales de agosto como adelanto de su disco ‘On’. Pero las mayores alabanzas se las llevaba en mi diario el sencillo doble ‘Mis-Shapes / Sorted for E’s & Wizz’ de Pulp: “estas dos canciones me han vuelto loco”, escribí. A nivel musical se complementaban perfectamente: el ritmo casi Northern Soul de la primera, lleno de riffs de guitarra un poco glam pero también con sintes (algo único en el Britpop), y el medio tiempo resacoso y drogado de la segunda, con acústicas y sintes (algo único en el Britpop). Melodías espléndidas ambas: una eufórica, la otra melancólica y con ecos de John Lennon en el pre-estribillo.
Y entonces te fijabas en las letras… ¡ay! Un himno a lxs colgadxs, rarxs e inadaptadxs (“misshapes, mistakes, misfits”) llamando a la venganza contra la gente convencional, codo con codo con una balada sobre el bajón post-fiesta (“In the middle of the night it feels alright / but then tomorrow morning, oh, then you come down”). ¿Cómo no identificarse? Me compré el CD-single de inmediato, y no mucho después llegaría ‘Different Class’, que sigue siendo el álbum definitorio y definitivo de aquella era (con permiso de Suede).
Imagino que en los próximos meses leeré en las páginas de mi diario acerca de momentos especiales escuchando otros tesoros de pop británico para bailar y emocionarse que marcaron mi 1996, como ‘Single Girl’ de Lush, ‘Nobody’s Fool’ de The Digger$, ‘Fighting Fit’ de Gene o ‘Lost Cat’ y ‘You’ve Got A Lot To Answer For’ de Catatonia… y el excelente álbum de Suede ‘Coming Up’, claro. Un compendio de bandas más variado, con mujeres, y un poco menos heteronormativo que las dos referencias manidas que aparentemente han quedado en el estereotipado recuerdo. Por supuesto ese momento tan inspirado del Britpop no llegaría mucho más allá de los primeros meses de 1997. Blur y Pulp todavía harían buenos discos, pero para finales de década lo interesante estaba ocurriendo ya en otra parte.
Curiosamente, en este 2025 Oasis y Pulp han regresado a la actividad, y la perspectiva del tiempo no hace sino acentuar lo que ya era evidente en los 90: los unos han regresado con el contador de la creatividad invariablemente a cero, en una exitosa gira que no deja de ser una versión premium del circuito de la nostalgia. Los otros han editado un disco excelente que musicalmente está a la altura de su legado.
Que es lo mismo que se podría decir sobre Blur y su disco del 2023. En cuanto a si el legado de Damon Albarn tiene o no todavía relevancia, sirva como botón de muestra mi hijo de 12 años preguntándome hace unos días si conozco “un grupo de TikTok que se llama Gorillaz”.
El mes pasado —casi exactamente 30 años después de haber pillado aquel CD-single de Pulp— me compré en una de esas tiendas de vinilo tristes y asépticas, tipo boutique cara, el sencillo de ‘Spike Island’. El círculo se cerraba de una manera muy poética, porque el título ‘Sorted for E’s & Wizz’ se basó en una frase que una amiga de Jarvis había oído decir en un concierto de los Stone Roses (“¿habéis pillado todos éxtasis y speed?”). El concierto era por supuesto el legendario fiasco de Spike Island. Pero los tiempos han cambiado, y el Jarvis de 2025 ya no utiliza esa referencia como simple descripción costumbrista de los festivales y raves de los 90. Aquí le sirve para invocar un posible fracaso sobre el escenario, en una canción que reivindica que “nació para interpretar”. Al contrario que las letras random de Oasis, Pulp siempre tuvo algo interesante que decir. Que esto continúe siendo así —en este caso desde una perspectiva de final-de-la-mediana-edad— confirma que lo que hace 30 años prometía aquel impactante ‘Different Class’ sigue perfectamente vigente.
A falta de solo un par de semanas para la llegada el cuarto disco de Rosalía, su fandom se preguntaba si habría single de adelanto de ese ‘LUX’. Este se edita el 7 de noviembre con colaboraciones de Björk, Estrella Morente, Sílvia Pérez Cruz e Yves Tumor, entre otras.
La respuesta la daba la artista en redes sociales. ‘Berghain’ se ha estrenado este lunes a las 17.00, hora peninsular española. El tema une dos de las colaboraciones del disco, las de Björk e Yves Tumor. Te invitamos a comentarlo en los foros.
‘Berghain’ es tremebunda composición orquestal, en la que se hace sumamente patente la presencia de la Orquesta Sinfónica de Londres. Rosalía irrumpe en la pieza cantando en registro operístico unos versos en alemán, para luego lanzarse al castellano, proclamando su dulzura como un «terrón de azúcar». En contraste, las cuerdas y los coros atacan de manera violenta, evocando el Sturm und Drang alemán, el ‘Carmina Burana’ o la intensidad de una composición de Richard Wagner. Aunque, supuestamente, la inspiración de ‘Berghain’ era la ópera italiana ‘Tosca’ (1900) de Giacomo Puccini.
A Björk pertenece la línea sobre la «intervención divina,», y la islandesa ofrece una de sus distintivas melodías, muy ‘Utopia‘ / ‘Fossora‘, además cantando entero el segundo verso. Björk, que compone ella misma los arreglos de cuerda de sus discos, está en su salsa. El estadounidense Yves Tumor apenas aparece al final para cerrar con la frase «I’ll fuck you ‘till you love me» con voz distorsionada. El videoclip, lleno de simbolismo, es obra de Nicolas Méndez, director asociado a CANADA, el mismo detrás de ‘Pienso en tu mirá’ o ‘TKN’.
Por supuesto ‘Berghain’ no tiene nada de tecno, y el título de la canción parece sugerir que entrar en ‘Berghain’ puede ser igual de difícil que acceder al club más famoso del mundo. Pero Rosalía es esa artista capaz de colar música clásica en el mainstream y de lanzar una sinfonía de tres minutos. ‘Berghain’ es el salto al vacío más valiente en años.
Por otro lado, el tracklist de ‘LUX’ ya está disponible en las plataformas de streaming, revelando las colaboraciones de cada canción: el grupo de regional mexicana Yahritza y su Esencia participa en ‘La Perla’, Estrella Morente y Sílvia Pérez Cruz se unen en ‘La Rumba del Perdón’, y ‘Memória’ contará con la invitada Carminho.
Como confirmaba su teaser, se trata del tema cuya partitura se repartió por la red y por Madrid, y que suena exactamente como sus fans revelaron.
Pedro Sánchez ha vuelto de vacaciones con muchas ganas de dejar atrás el Caso Ábalos y el Caso Santos Cerdán, secretario de organización del PSOE que lleva meses durmiendo en prisión. El Partido Popular no ha parado de liarla en aquellas comunidades donde gobierna (incendios, graves errores en el diagnóstico de cáncer de mama, aniversario de la dana, negativa a practicar abortos) y es obvio que no saben qué hacer con el auge de VOX.
Las Sesiones de Control al Gobierno se han convertido en un zasca tras zasca a un Feijóo desmejorado y desubicado, el presidente no para de recibir en Moncloa a deportistas, científicos y artistas, incluso tiene tiempo de mandar un gag a ‘La Revuelta’, y, para lo que de verdad parece importarle a la gente, se acaba de abrir un TikTok.
Antes de una semana dura en la que le aguardan la ruptura de Junts que le puede llevar por delante, un funeral de Estado por la dana y una comparecencia en el Senado por los supuestos escándalos que le rodean; Sánchez ha tenido a bien hacer unas recomendaciones en su nuevo perfil en redes.
Este sábado aparecía en TikTok para recomendar un libro sobre inteligencia artificial, pero también un tema. Se trataba de ‘Tu voz’ de Vera Fauna, incluido en su notable disco ‘Dime dónde estamos’. El secretario general del PSOE dice ser un fiel seguidor de Radio 3 (ya nos habíamos dado cuenta), no explica nada sobre este corte ni sobre el grupo, habla mucho más sobre el libro de IA, pero aun así el tema de Vera Fauna ha vivido una pequeña revolución online, agradecida por el propio grupo en sus Stories. No es tontería: el vídeo de Pedro Sánchez tiene más de 1,5 millones de reproducciones en TikTok. Es uno de los más populares que jamás ha realizado.
En tan solo un día, el vídeo de ‘Tu voz’ de Vera Fauna en Youtube se ha inundado de comentarios agradeciendo el descubrimiento. Hay decenas dejados en las últimas horas. Además, las escuchas de ‘Tu voz’ han subido un 288% este sábado en Spotify.
Si ayer Vera Fauna tenían 102.649 oyentes mensuales en Spotify, esta cifra asciende a 105.227 en tan sólo un día. Además, ‘Tu voz’, que estaba haciendo unas 1.000 reproducciones diarias, ha pasado a hacer casi 4.000 este sábado.
Concretamente el tema se reprodujo 1.127 veces el jueves, 1.017 veces el viernes, pero 3.946 veces el sábado con motivo del vídeo de Sánchez. Son cifras muy anecdóticas y residuales, pero activas y conscientes: mucho más valiosas que escuchar un tema de fondo en una playlist que ni recuerdas lo que era. Habrá que esperar para averiguar si hay viral en los próximos días, como cuando Amaia recomendó a La La Love You, pero lo claro es que ‘Tu voz’ siempre fue una de las grandes canciones incluidas en ‘Dime dónde estamos’. Lo importante: pasen y disfruten.
Echábamos de menos a Lily Allen, pero Lily Allen no nos echaba de menos a nosotros. La autora de ‘The Fear’ había emprendido una nueva carrera en el mundo del teatro que no le estaba yendo mal; se había casado con David Harbour, famoso actor de ‘Stranger Things‘, y últimamente participaba en un popular podcast, aunque este año había decidido retirarse unas semanas por salud mental tras haber entrado en una «espiral» de tristeza y apatía.
Aquello sucedió en enero. En febrero, Allen y Harbour anunciaron su separación, y la siguiente noticia que hemos tenido de Allen ha sido el anuncio de su nuevo disco, con solo una semana de antelación.
‘West End Girl’ es uno de los discos posdivorcio más espontáneos, frescos y viscerales que se recuerdan. Dieciséis días de diciembre de 2024 le bastaron a Allen para registrar un conjunto de canciones donde vuelca sus reflexiones, preocupaciones y ansiedades en letras tan sinceras que incomodan. Letras que, por otro lado, nunca renuncian al humor que siempre ha caracterizado a esta mujer de «voz dulce y lengua ácida», que tan bien ha sabido reírse del mundo y de sí misma.
Como otro disco posdivorcio histórico, ‘Vulnicura‘ (2015) de Björk, ‘West End Girl’ cuenta su historia de forma cronológica: desde los primeros red flags (‘West End Girl’) hasta el primer atisbo de superación (‘Fruityloops’). En medio, la sospecha (‘Tennis’) da paso a una revelación devastadora (‘Madeline’) que lleva a Allen a una espiral de ansiedad, inseguridad y paranoia (‘Ruminating’), entremezclada con la amenaza de la recaída en la bebida y las drogas (‘Relapse’) y con otra cartera de inseguridades profundas.
Después, va dejando paso a la ira (‘4chan Stan’), a la tristeza (‘Beg for Me’) e incluso a la curiosidad por empezar de nuevo, con Allen mirando en Tinder y quedando, con casi 40 años y dos hijos adolescentes, con tíos que no saben quién es: «Yo era famosa, pero de eso hace mucho tiempo», canta en ‘Dallas Major’.
La estructura cronológica y narrativa de ‘West End Girl’ da lugar a un disco que no puede escucharse en modo aleatorio, y que pone el peso en las letras más que en la producción de singles para colocar en determinadas playlists. Aunque algunos estribillos son tan claros como el de ‘Pussy Palace‘, un retrato del hogar soñado convertido en desconocido santuario sexual, las sensibilidades musicales de esta artista que jugaba con diferentes géneros siguen presentes en un disco que convive con bossa nova (‘West End Girl’), hip-pop (‘Dallas Major’), doo-wop (‘Sleepwalking’), canción acústica (‘Just Enough’) o breakbeat (‘Relapse’), pero que sigue poniendo el foco en el aspecto narrativo.
Son las historias las protagonistas de ‘West End Girl’, y por eso la flamenca ‘Madeline’ es tan devastadora: explica exactamente la situación con pelos y señales, decidiendo incluir a la tercera en discordia dentro del imaginario del álbum, nombrándola como hacía Beyoncé en ‘Lemonade‘ (2016). Aunque las historias de gaslighting, y manipulación ajenas se suceden junto a una confrontación de las propias inseguridades de Allen con su cuerpo, su fama o su propia aptitud como esposa, pocas líneas del álbum duelen más que esa de ‘4chan Stan’ en la que Allen revela sentirse dentro de un «matrimonio de conveniencia». Recuerda a cuando Ariana Grande llamó «situationship» a su matrimonio.
El enorme peso emocional de ‘West End Girl’ habría agradecido un par de composiciones mejor dibujadas y más sólidas, porque, si bien es cierto que la variedad estilística hace que el disco sea dinámico, las melodías no siempre parecen tener el mismo peso. De esta manera hay algunas canciones que, aunque emocionalmente potentes, resultan al final poco recordables. Algunas ideas de producción, como los teclados a lo ‘Veridis Quo’ de Daft Punk en ‘4chan Stan’ o el sample de Lumidee en ‘Beg for Me’, tratan de aportar textura al disco, pero al final son las piezas clásicas las que se quedan más en la memoria.
Es el caso de ‘Dallas Major’, una pequeña joya de la Lily Allen de toda la vida; la preciosa ‘Just Enough’, con Allen meditando hacerse un facelift para gustar a un hombre que solo le da migajas; o aquellas que, con su estilo musical, explican la propia canción, como la bossa ‘West End Girl’, que abre el disco apuntando con sus cuerdas al sueño de una relación idílica que después se desmorona, la oscura ‘Relapse’ o esa ‘Let You Win’, triste pero calmada, como esa Lily que está «harta de llorar». Aunque es ‘Fruityloops’ y su «It’s not me, it’s you» la que sabe a verdadero triunfo, llevándonos de manera directa y explícita a la Lily Allen que nos enamoró hace casi dos décadas.
A pocos días de empezar su gira europea en Madrid Radiohead han concedido una entrevista a The Times, de la que se hacen eco varios medios como RTE o NME.
Aparte de comentar que están barajando decenas de canciones para su gira, todos hablan sobre su controvertida posición sobre Israel, que ha sido apuntada por muchos de sus seguidores como «ambigua». Thom Yorke ya no es ambiguo en esta entrevista, pues cuando le preguntan si volvería a tocar en este país, es muy claro: «No querría tocar ni a 5.000 millas del régimen de Netanyahu». Una declaración extrema, teniendo en cuenta que Reino Unido e Israel distan más de 5.000 kilómetros.
Jonny Greenwood, que es quien tiene una novia israelí, asegura diferir con Thom Yorke. Subraya que ha acudido a manifestaciones contra el régimen de Netanyahu, pero no cree en el boicot: «Diría que el gobierno usaría el boicot para decir «todo el mundo nos odia y por eso tenemos que hacer lo que queramos». Lo cual es más peligroso». Asegura que está desarrollando un proyecto con músicos judíos y de Oriente Medio y sentencia: «Es una locura. Lo único de lo que me avergüenzo es de haber llevado a Thom y a los demás a este caos. Pero no me avergüenzo de haber trabajado con músicos árabes y judíos. No voy a pedir perdón por eso».
La banda comenta lo polémica que fue su actuación en este país en 2017 y lo incómodo que el cantante del grupo se sintió cuando cierta gente muy poderosa le agradeció aquel concierto, pues solo entonces se dio cuenta de cómo se estaba utilizando políticamente. Yorke comenta el incidente que vivió en un concierto en solitario en el que alguien le gritó algo sobre Gaza y cómo la gente entendió su silencio «como cómplice». Thom va más allá, relatando que le gritan «Palestina libre» por la calle, y habla sobre cómo se siente al respecto:
«Últimamente me han gritado varias veces «¡Palestina libre!» en la calle. Respondí a un tipo. Lo que decía era: «Tienes una plataforma, un deber, y debes distanciarte de Jonny». Y yo le respondí: «¿Tú y yo, parados en la calle en Londres, gritándonos? Mientras, los verdaderos criminales, que deberían estar ante un Tribunal Internacional, se ríen de que nosotros discutamos entre nosotros, en público y en las redes sociales: ellos siguen asesinando impunemente».
Es el batería Philip Selway quien responde a la petición de boicot de la organización pro-Palestina BDS, que considera que Greenwood, como miembro de Radiohead, blanquea a Israel al tomar una posición equidistante: «Lo que nos piden es imposible. Quieren que nos distanciemos de Jonny y eso significaría el fin del grupo. Jonny tiene muchos principios. Pero es extraño que nos estén marginando artistas a los que nos sentíamos afines».
En cuanto al guitarrista Ed O’Brien, el más abierto en su apoyo al movimiento Palestina Libre, ha declarado que, cuando el grupo tocó en Tel Aviv en 2017, tendrían que haber añadido una fecha en Ramala.
¡’Novia a la fuga’! A la mayoría de espectadores que tenga más de 35 o 40 años le habrá venido a la cabeza la película de Julia Roberts y Richard Gere (un intento de repetir el éxito de ‘Pretty Woman’) mientras veía a Doja Cat en ‘Stranger’ transformada en una “runaway bride” corriendo por el desierto como Rosalía por Callao.
El director del videoclip, Dave Meyers, tiene 52, así que no sería nada raro que se hubiera inspirado en la comedia de Garry Marshall.
El clip comienza con Doja Cat vestida de novia a punto de dar un salto al vacío, tanto literal como metafóricamente (el del compromiso matrimonial). A partir de esa premisa, Meyers abre su habitual paracaídas de referencias visuales y escenas cómicas al servicio de la estrella, incluyendo una secuencia que explica la portada del disco, ‘Vie’.
La referencia más evidente es el homenaje a la famosa escena de la avioneta en ‘Con la muerte en los talones’, con la rapera californiana transformada en una Cary Grant en apuros, rescatada finalmente por un motorista. Con una estética que recuerda a las escenas del desierto de ‘Kill Bill’, el vídeo continúa con Doja “The Bride” arrastrando su vestido -su compromiso- hasta alcanzar un clímax liberador: la novia desprendiéndose de los pesados ropajes nupciales y bailando como una Tina Turner desatada.
‘Stranger’ termina con Doja asaeteada en el corazón por un misterioso cupido con forma de cowboy y haciendo un guiño cómplice a la cámara. Guiño que funciona como cliffhanger para el “To be continued”.
La cantautora mexicana Silvana Estrada enamoró al mundo primero con su EP ‘Primeras canciones’ (2018), y después con su debut ‘Marchita‘ (2022), que le valió un Latin GRAMMY a Mejor Artista Revelación (lo compartió con la ya fallecida Ángela Álvarez). Nacida en Veracruz, en el seno de una familia de laderos, Estrada desarrolla desde temprana edad una sensibilidad especial para componer y cantar, que le lleva con ‘Marchita’ a tocar por todo el mundo.
Canciones como ‘Ser de ti’ o ‘Te guardo’ encandilan a un público cada vez más numeroso, pero el agotamiento de las giras y, más tarde, la tragedia de perder a su mejor amigo -asesinado en 2022- llevaron a Estrada a refugiarse en el hogar. A partir de estas experiencias, Estrada compone su segundo álbum, ‘Vendrán suaves lluvias‘, que habla de recobrar la esperanza poco a poco.
Cuando tengo ocasión de hablar con Estrada por Zoom hace días, la artista está a punto de tocar en la Plaza Mayor de Madrid acompañada de una orquesta y, además, acaba de grabar su sesión en el famoso Tiny Desk. Hablamos de su nuevo disco, su trabajo como productora única del proyecto, los arreglos de Owen Pallett o su relación con la nostalgia.
Tocas en la Plaza Mayor de Madrid con una orquesta. ¿Cómo es gestionar un concierto de liceo al aire libre?
Es complicado a nivel de producción, pero estoy acostumbrada a trabajar con cuerdas. Vamos a tener a la Orquesta de Cámara Reina Sofía. Siempre es un reto tener cuerdas al aire libre, pero el universo orquestal me encanta. Mis papás construyen instrumentos y crecí enamorada de las cuerdas frotadas, así que estoy muy emocionada. Cuando termine esta llamada me voy al ensayo. Estoy feliz de tocar con estos musicazos.
¿Cómo te sientes en estos días antes de publicar tu segundo disco? ¿Es un nuevo comienzo o una evolución?
Lo siento como un nuevo comienzo; siento que dejé algo atrás, he cerrado un círculo y estoy empezando otro. Estoy con el corazón abierto a las cosas que vienen y a las sorpresas que este disco trae guardadas. Me siento más preparada que con el primer disco, con mis golpes y raspaduras.
El título de ‘Vendrán suaves lluvias’ viene de un poema de 1918. ¿Cómo lo descubres? Es curioso el paralelismo con la época actual: pandemia, guerras…
Leí este poema a los 12 años porque aparecía en un cuento de Ray Bradbury, y durante años pensé que el poema lo había escrito él. Cuando estaba escribiendo ‘No te vayas sin saber’, se me apareció la imagen de las suaves lluvias, me acordé de este cuento, busqué en internet y descubrí que era de Sara Teasdale y mucho más antiguo de lo que pensaba. Me cautivó el símil de nuestra época con la suya, y después no lo pensé demasiado. Me gustaba la idea de la suavidad en momentos tan duros como los que pasé mientras creaba este disco, la idea de una esperanza pequeña. Teasdale también vivió una pandemia y la desesperanza después de la guerra, y en el poema propone una esperanza brutal. Está diciendo que, aunque la guerra destruya a todos los seres humanos, aún vendrá la primavera, porque volverá a salir el sol y los pájaros cantarán igualmente.
Pierdes a tu mejor amigo en 2022, pero el disco no suena oscuro o especialmente triste. ¿Hasta qué punto era importante para ti esperar a sanar para empezar a escribir este álbum?
En el disco canalizo varias tragedias a través de la composición, porque las letras son muy tristes, pero mi manera de ser me pedía aligerar mis penas. En ese sentido, las letras tristes están cubiertas por sonidos más alegres y abiertos. Es un disco muy luminoso que, si lo escuchas de una sentada sin prestar atención, puede sonar casi a celebración. Eso es deliberado, es algo que me interesaba: buscaba exponer mis dolores, pero sin dejar de celebrar la vida.
Después de la tragedia de mi amigo, me tomó un tiempo volver a querer escribir. Además, en esa época llevaba tiempo de gira, no paraba de trabajar y estaba quemada: la salud mental se me fue al suelo. Perdí la conexión conmigo misma, pero durante el proceso de tres años del disco la recuperé, desde un lugar bajito, a nivel de intuición. Me tomé mi tiempo para defender las canciones desde un lugar en que estuviera bien y sana, y en que pudiera hacer un trabajo del que estuviera orgullosa.
«Después de la tragedia de mi amigo, y del burnout de las giras, la salud mental se me fue al suelo»
¿Por qué decides producir el disco sola?
Forma parte de esta búsqueda de conexión, porque me sentía muy desconectada pero a la vez presionada de tener que sacar un nuevo álbum. El fantasma de la industria siempre estaba acechando. En mi afán de apurarme, decidí trabajar con productores, pero eso no fluía. Me sentía insegura, pero los productores me instaban a tomar decisiones, y yo no necesitaba certezas, sino espacio para dudar y reflexionar. El productor está para resolver nudos, apurar el proceso, es consciente de los tiempos y los costos, pero yo necesitaba generar un espacio diferente al habitual.
¿Ya sabías producir o aprendes con este disco?
No sabía. Soy mucho de aprender en el camino, así aprendí a escribir canciones o a hacer giras. Mi vida es aprender haciendo y fingiendo que sé hacer cosas (ríe). Me gustaría tener más conocimientos, pero defiendo la inocencia del no saber porque descubres cosas que el saber a veces te impide aprender, ya que te pone reglas. Te reconecta con el niño interior que está ahí resolviendo problemas como puede, pero a la vez de manera muy lógica. De todas formas, me queda mucho por aprender y no sé si me atrevería a producir para otra persona.
Como productora de este disco, ¿en qué momento las canciones pasan del papel a ser adornadas con tanto arreglo? ¿Cómo encuentras el equilibrio?
Para mí es muy intuitivo. Fue importante establecer como premisa que lo primero era la canción y por detrás el arreglo y la producción. La canción tenía que ser inmediata, y defendía la inmediatez de estas canciones, que son muy íntimas y generan mucha empatía. Si tuvieran demasiada producción, ese espacio de intimidad se pierde. Quería defender la conexión sagrada entre la canción y la escucha. Después, el ejercicio ha sido ver hasta qué punto se podía estirar la producción sin que la canción se resintiera. En el disco hay canciones de guitarra y voz, pero otras con orquesta y arreglos grandes. La manera en que me di cuenta fue: cuando cerraba los ojos y la canción no me atravesaba el corazón, me daba cuenta de que estaba pensando demasiado con la cabeza y no con el corazón. Luego también le mostré canciones a mucha gente y seres queridos, que me daban buenos consejos.
¿Recuerdas algún consejo inocente que te diera un ser querido? Natalia Lafourcade, cuando le enseñé por dónde iba el disco, me dijo que hiciera canciones generosas: no te olvides nunca de la gente, que la gente pueda entrar a la canción. Se refería a no complicar demasiado las cosas, a tener el ojo en hacer canciones que la gente pueda entender y sentir. En mi caso, mi búsqueda es conectar, no tanto intelectualizar.
Otro consejo lindo que recibí fue de mi novio, él no es músico y me dijo: tu voz es más linda cuando está sola, no necesita más cosas… Eso me dio confianza para dejar ciertas canciones con guitarra y voz.
«Natalia Lafourcade me aconsejó que escribiera canciones generosas, que la gente pueda entender y sentir»
¿Hacer un disco con más arreglos y orquesta era para ti la evolución lógica?
Siempre quise grabar con orquesta y hacer un disco así, y nunca tuve el acceso: grabar con orquesta es caro. Mi primer disco fue completamente indie y pidiendo muchos favores. Con este estaba como una niña en una tienda de caramelos, y quise empezar a hacer tanto que me di cuenta de que estaba perdiendo la inmediatez de las canciones. Fue como meter en una licuadora todas las cosas que quería hacer desde hacía tiempo. La idea de querer hacer un disco de cierta manera te hace sufrir porque piensas en los otros. No quería trabajar con ninguna “agenda”, sino hacer lo que se sentía bien. Entrar a un proyecto intentando complacer un concepto de avanzar y crecer me parece la receta para sufrir.
Owen Pallett hace arreglos en este disco. ¿Cómo ha sido trabajar con él?
Owen es increíble, es de las personas más bonitas del mundo. Trabajar con él es un viaje porque es muy inteligente y rápido, pero a la vez súper sensible y cuidador. Con Owen te puedes acercar y crear sin prejuicios, le puedes pedir lo que quieras. El arreglo de ‘Flores’ está basado en notas de voz que yo le mandé. Owen tiene la humildad y generosidad de tomar estas melodías y decir: perfecto, porque lo que tú quieras es lo que va a hacer funcionar este disco. Esto parece muy lógico, pero no pasa con todo el mundo; hay gente que dice: es mi arreglo o nada. Owen y yo nos conocimos un día en Montreal, nos fuimos a comer unas almejas y a tomar vinos; ese mismo día le propuse que arreglara temas para mí y al día siguiente ya estábamos mandándonos canciones y referencias, sin parafernalias de ningún tipo. A pesar de ser un arreglista gigante, es una persona súper humilde que se dedica a la música por amor al arte.
«Owen Pallett es muy inteligente y rápido, pero a la vez súper sensible y cuidador»
El título apunta al futuro, pero la gente cuando busca reconfortarse se aferra a la nostalgia del pasado. ¿La música depende demasiado de la nostalgia hoy en día?
La nostalgia lo ocupa todo, incluso el cine. A mí me gusta la nostalgia porque es reconfortante, pero también me gusta el vértigo del futuro y de lo inesperado. En la música siempre me interesa el presente; me emociona involucrar cosas en mi música que tienen que ver conmigo, en el ahora. El pasado me trae nostalgia, pero me emociona más el futuro y mirar hacia adelante. Dar espacio a lo nuevo me parece importante. Creo que la imaginación tiene mucho que ver con el futuro y que todos deberíamos imaginar más. Yo crecí sola en el campo y tengo una relación muy fuerte con mi imaginación; esta me acerca más a lo desconocido y hacia lo nuevo que hacia lo viejo.
Tu Tiny Desk se estrena ya. ¿Cómo fue la experiencia?
Fue increíble. El Tiny Desk es uno de los acontecimientos del presente que confronta mucho a los artistas, porque en el Tiny Desk no hay monitoreo ni autotune. Es refrescante ver a artistas enormes de urban enfrentarse a la cero parafernalia. Es todo en vivo, no hay in-ears: estás cantando a viva voz a un grupo de personas en una oficina. Es súper retador, es fuerte y hay que estar mentalmente preparado para hacerlo.
«Con Tiny Desk, es refrescante ver a artistas enormes de urban enfrentarse a la cero parafernalia»
¿Has podido ver tu actuación antes de que se estrene?
No te lo enseñan, lo veré cuando se estrene. La sensación que me quedó es que quedó muy bien. Yo ya hice un Tiny Desk durante la pandemia, el Tiny Desk from Home, pero quería ver el escritorio real. Ha sido increíble: estaba Owen Pallett tocando la spalla, una viola grande rarísima, nadie sabía qué era, y existen unas 50 en el mundo. Además, estaban -entre otros- los Westerlies, que es una banda de alientos neoyorquina que toca increíble y también forma parte de mi ensemble. Fue una fiesta, lo pasé muy bien.
No ha podido ser. The Last Dinner Party no han conseguido repetir en Reino Unido el número 1 que consiguieron con su debut. Las cosas pintaban muy bien para ‘From the Pyre‘ el pasado fin de semana. En las midweeks del lunes, resultó que el segundo álbum de The Last Dinner Party estaba en el top 1 con 19.000 unidades vendidas. Tanto Tame Impala como Taylor Swift estaban a una distancia prudente, con 11.000 copias reunidas entre viernes, sábado y domingo.
Pero la preocupación empezó a ser visible el miércoles, cuando las chicas habían subido solo a 20.800 y Taylor subía ya a 17.600 con parte del streaming sin contar. Finalmente ha ganado Taylor y sin trampa ni cartón en cuanto a reediciones. De las 32.500 copias que se han vendido esta semana en UK de ‘The Life of a Showgirl’, 25.000 provienen de un streaming que no termina de caer.
En cambio, la mayoría de las 26.800 copias vendidas de ‘From the Pyre’ proceden del físico. Han sido casi 12.000 CD’s, casi 11.000 vinilos y casi 2.000 cassettes. Unas cifras sólidas que nos llevan a concluir: «no importa, esto habría sido número 1 durante muchas semanas de este año».
Y en cualquier caso, lo que perdurará será la calidad del segundo álbum de The Last Dinner Party. Es nuestro Disco de la Semana. La muy Arctic Monkeys y un poco Queen ‘This Is the Killer Speaking‘ ya fue Canción del Día, ‘The Scythe’ es otra de las favoritas de sus seguidores, y hoy seleccionamos como Canción del Día ‘Second Best’.
‘Second Best’, que parece haber adelantado la posición que el disco ha tenido en UK, fue lanzado como tercer single de este proyecto el 1 de octubre. Queen y ABBA -definitivamente algo de los 70- parece haber influido la intro coral de la composición, que luego deriva en el sonido rock de Yeah Yeah Yeahs en el estribillo. Eso sí, la guitarrista Emily Roberts ha hablado más bien de Sparks y Wet Leg como sus influencias para ‘Second Best’.
La canción, entre citas a chicle y vino blanco, habla de una relación en la que la narradora fue tratada como «una segundona», con todas las implicaciones que conlleva. «Me estoy volviendo loca», reconoce en un momento, entre recuerdos de días mejores paseando de la mano por la playa y caricias en el pelo. Hasta en 3 ocasiones vuelve Abigail Morris a aquel día en la playa sin que esa parte conforme el estribillo de ‘Second Best’.
Katy Perry ha actuado estos últimos días en Copenhague, Berlín, Colonia y París. Pero este sábado 25 de octubre ha librado antes de retomar el ‘Lifetimes Tour‘ el lunes en Budapest. Era su 41º cumpleaños.
La cantante lo ha celebrado en París, donde se ha dejado ver al salir de un cabaret, tranquilamente de la mano de Justin Trudeau. El que fuera primer ministro canadiense desde 2015 hasta marzo de este 2025, y líder del Partido Liberal (centroizquierda, más o menos) aparece en un vídeo sonriente junto a la autora de ‘Peacock’.
TMZ da por hecho que este vídeo es el vivo retrato de su relación, que se ha venido rumoreando desde hace semanas. El vídeo luce como la confirmación oficial de un romance improbable, que nadie puede adivinar si será fugaz o tan duradero como el de Carla Bruni con Sarkozy, hoy en día en prisión.
Solo 8 conciertos más separan a Katy Perry de España. Os recordamos que la cantante actúa el 9 de noviembre en Barcelona y el 11 de noviembre en Madrid. El año que viene volverá para hacer un par de festivales en nuestro país. JENESAISPOP será medio oficial de su show en Río Babel, Madrid, justo el domingo tras el Orgullo. Los abonos están a la venta.
De qué sirve el punk si no es para rebelarse contra el mundo que nos rodea. El nuevo disco de Rata Negra, la banda madrileña surgida de las cenizas de Juanita y Los Feos (ya sabéis, el grupo fetiche de Carolina Durante), vuelve protestando contra la rutina laboral. «Todos los días haciendo lo mismo, vendiendo tus horas por un trozo de pan». Una ‘Pesadilla adulta’ que no es una pesadilla: se ha hecho realidad.
Si Pablo (batería), Fa (guitarra y coros) y Violeta (voz y bajo) abren así la cara A, la primera de la cara B tiene una temática similar: «esta rutina me está matando», dice ‘Hawai’ soñando con un viaje de película que todos sabemos que jamás llegará.
‘Hawai’ presenta un registro mucho más jangle pop -su intro es muy Smiths-, pues los matices en Rata Negra son más numerosos de lo que parece en primera instancia. Las guitarras de ‘Ojos verdes’ son más enmarañadas, ‘Sobrepensando’ disfruta de una de las melodías más Planetas o incluso Phil Spector, y ‘Veneno’ presenta acordes hasta medio flamencos.
Entre estilos siempre dependientes del trío de guitarra, batería y bajo, lo que termina de transformar las canciones en acontecimientos singulares son sus letras. Las historias. A veces se conforman de tan solo un par de frases como sucedía en muchos himnos de los Ramones primero, y de los Pegamoides en España, después.
‘Antonio’ va de un niño que siempre fue un «demonio», y terminó en el «manicomio». ‘Mi opinión’ es una autoparodia de alguien que no sabe permanecer callado, al modo de ‘Opinión de mierda’ de Los Punsetes. Y ‘Si no eres’ ridiculiza la necesidad de sentirse especial, inherente al ser humano: «Tienes que asumirlo, eres normal».
Son los temas oficiales del disco «la rutina, la ansiedad urbana, el trabajo, la hipocresía y el desencanto» y Rata Negra saben contarlo con sencillas y afiladas composiciones que no necesitan 800 pies de página en Genius: todas saben explicarse por sí solas.
Rata Negra tienen una gira programada por salas de toda España. Detalles, en ratanegra.es.
‘Cómo ser Bon Iver’ podría titularse el nuevo videoclip del cantautor de Wisconsin, parafraseando la película de Spike Jonze y Charlie Kaufman ‘Cómo ser John Malkovich’. La idea es sencilla, pero conceptualmente jugosa: ‘Day One’ plantea una especie de escenario distópico (según para quién, eso sí) en el que Bon Iver (Justin Vernon) anuncia su retirada y convoca un casting para encontrar a su reemplazo.
Esta premisa argumental le da pie al realizador Jos Diaz Contreras para desarrollar una narrativa en dos direcciones. Por un lado, la idea del casting permite incluir múltiples cameos en el vídeo, añadiendo un punto de complicidad y comicidad: el actor Jacob Elordi (con barba postiza), St. Vincent (con gafas amarillas a lo Marcos Llorente), la actriz Cristin Milioti (‘El Pingüino’) y hasta un niño con barba (falsa).
Por otro lado, plantea un juego meta-reflexivo sobre la identidad artística, el legado musical y la propia figura de Vernon. La canción forma parte del álbum ‘SABLE, fABLE’. El hecho de que este disco parezca marcar un punto de inflexión en la carrera de Bon Iver -“la repentina entrada de la luz en la oscura vida del autor, sirviendo como resumen de la vida emocional de Vernon desde su último LP, ‘i,i ‘(2019), hasta hoy”, apunta en nuestra crítica Gabriel Carey– añade aún más capas de significado a la propuesta audiovisual.
En 1958 se estrenó una de las mejores comedias del cine español: ‘El pisito’. La película narra, en clave de sátira costumbrista y con mucho humor negro, las dificultades de una pareja que ronda los 40 años para encontrar piso en el Madrid de la época (anterior al II Plan Nacional de la Vivienda de 1961), hasta el punto de verse obligada a esperar la muerte de una anciana para poder heredar la vivienda.
Casi 70 años después, la historia se repite. La segunda temporada de ‘Poquita fe’ (Movistar+) cuenta prácticamente lo mismo -con los matices propios del contexto actual- que la película de Marco Ferreri y Rafael Azcona. Un hecho que no parece hablar demasiado bien de cómo ha evolucionado España desde un punto de visto socioeconómico en las últimas décadas. Solo falta que emigren dos millones de españoles, Abascal se erija en nuevo caudillo y las mujeres vuelvan a llevar pañuelos en la cabeza como Doña Rogelia, para regresar a la España de los primeros 60 (la turistificación ya la tenemos).
Lo que tampoco ha cambiado con el paso de los años es el talento para la comedia del dúo Montero y Maidagán. Esta segunda temporada de ‘Poquita fe’ es aún mejor que la primera. No solo sigue teniendo varios gags con potencial de viralización como ocurrió con la famosa escena de los besos: el padre paseando con la bragueta abierta o con sombrero, los chistes sobre el anorak o el jersey de alpaca, el piso “coqueto”, el grafitero nazi, la discusión de la familia con el suelo recién “fregado”…, sino que también está mucho mejor hilvanada narrativamente.
Los problemas de vivienda de la pareja protagonista les sirve a los directores como sustancioso conflicto dramático para, por una parte, articular de forma muy orgánica toda la narración y, por otra, trazar una radiografía tan divertida como punzante de la sociedad española actual, combinando de manera extraordinaria el humor costumbrista con el absurdo.
Un conflicto que, además, les da la oportunidad de ampliar la presencia de los personajes secundarios: amigos y familiares de la pareja se convierten en los auténticos protagonistas de muchos de los mejores gags de esta temporada (son tan buenos que logran que nos olvidemos de lo molesto que resulta ver cada dos por tres a los personajes anunciando una marca de cerveza).
Si el año pasado, ‘Poquita fe’ no tuvo rival en los premios como mejor serie cómica, este año el duelo con la también fabulosa ‘Superstar’ (si esta compite en comedia) promete ser épico.
Martin es lo más votado en JENESAISPOP al hacerse con el 60% de los votos en la final de Instagram. ‘Nuevos recuerdos‘ es su 2º top 1 semanal en nuestra web tras el logrado junto a Juanjo Bona en ‘El destello’. Si hablamos de sus coautores y productores Hidrogenesse, sería el 5º tras ‘Disfraz de tigre’, ‘Schloss’ y recientemente ‘Imaginado es todo’.
En 2º lugar quedan Judeline y Amaia. También llegan al top 10 Viva Suecia, Nathy Peluso y Oklou. Completan la ronda de novedades en la segunda mitad de la tabla Charlie Puth, Rochelle Jordan y bd.
Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.
El universo de Guillermo Del Toro siempre ha estado poblado por criaturas tenebrosas y monstruos incomprendidos por su otredad que buscan sentirse parte de un mundo que los teme y persigue. Por ello, no parecía haber nadie más indicado para llevar ‘Frankenstein’ a la pantalla por enésima vez que el cineasta mexicano. Un proyecto que le ha llevado años levantar y que, de alguna manera, encapsula todas las obsesiones temáticas de su cine.
‘Frankenstein’ comienza en un mar gélido, donde un hombre se sube a un barco huyendo de una criatura dispuesta a matarlo y a acabar con cualquiera que se interponga en su camino. Tras este violento prólogo, Del Toro presenta la primera parte de la película, centrada en Victor (Oscar Isaac), un brillante científico obsesionado con crear vida a través de sus experimentos anatómicos, recreando con minuciosidad los ambientes góticos aristócratas que ya retrató en ‘La cumbre escarlata’. La segunda parte, sale de los pulcros salones victorianos y se detiene en lo que realmente más le interesa: el punto de vista del monstruo.
Del Toro propone una adaptación fiel de la novela de Mary Shelley, llevándosela siempre a su terreno. Tras tantos años queriendo contar su historia preferida, aquella que le fascinó desde niño y cuya devoción le ha acompañado a lo largo de toda su vida, ha logrado tanto imprimir el alma del material original como aportar su propia visión. La ocasión especial lo requería, y así, el director firma su film más épico, sirviéndose de una narración grandilocuente que celebra gustosamente su afán por el puro espectáculo.
Hay amor en cada detalle de su primorosa y artesanal ambientación, donde destaca un gran tratamiento de la luz y los colores, un vestuario majestuoso y un generoso despliegue de todo tipo de cachivaches decimonónicos. Pero sobre todo, hay amor en la manera en la que el cineasta se acerca a la criatura, interpretada con inmensa ternura por Jacob Elordi, un Frankenstein adorable e indefenso ante el insano perfeccionismo de su creador.
Dos siglos después, los temas que trata ‘Frankenstein’ siguen siendo relevantes, universales y aplicables a muchos aspectos sociales. El odio irracional ante la naturaleza diferente del otro, la importancia de sentirse comprendido y amado, el peligro de la corrupción del poder… Todo ello resuena con fuerza e incluso conmueve en la versión de Guillermo Del Toro.
Aunque pese a sus muchos méritos, especialmente en su segunda parte, la película queda algo descompensada en su retrato de Victor. La primera mitad, dedicada a él, dura más de una hora, pero no hay demasiada profundidad en el desarrollo de un personaje que debería ser mucho más fascinante y del que apenas conocemos nada más allá de sus ambiciones científicas y su megalomanía.
Sin embargo, pese a esto y a un metraje algo excesivo de dos horas y media, el balance es positivo. ‘Frankenstein’ es una película de enormes proporciones y presupuesto, diseñada cuidadosamente para el disfrute del gran público y de todos aquellos que vean reflejado un pedacito de ellos mismos en el célebre monstruo de Mary Shelley.
‘N2STAL5IA’ es el segundo disco de Natalia Lacunza, disponible el 21 de noviembre. Después de los excelentes sencillos de ‘Un Castigo’, ‘Apego Feroz’ y ‘Otro Culito’, la autora de ‘Tiene que ser para mí’ lanza la que describe como la canción «más rara y especial» que ha hecho nunca. Es nuestra Canción del Día este sábado.
Lacunza se aleja de las melodías pop tradicionales en este último sencillo y abraza tanto la cadencia del hip hop como la electrónica. El resultado es una canción atmosférica, envolvente y adictiva desde la primera escucha. Natalia ha compuesto ‘SINGAPUR’ junto a Pau Riutort y Diego900.
La cantante describe ‘SINGAPUR’ como «casi» su favorita de ‘N2STAL5IA’ y dice dedicar la letra a los jóvenes que no encuentran su sitio en las grandes urbes: «Si eres una chica, un chico o une chique perdide en la gran ciudad, esta canción es para ti».
«Hay días que se me apaga la luz» es una línea con la que todos nos podemos sentir identificados. En una de las estrofas, Lacunza se pone surrealista y habla del «bloque de la cristalera azul», en el que «una vieja mató un perro» y «se dice que lo guarda en un baúl».
Sobre ‘N2STAL5IA’, la artista lo escribe como un disco «íntimo» que habla «de la enfermedad de la nostalgia»: «Quedarse agarrado a lo conocido, sea bueno o malo», asegura. «He echado de menos cosas que no sé si tuve alguna vez. Tengo la sensación de que ese sentimiento vivirá para siempre en mí; no puedo deshacerme de él, pero puedo volverlo valioso, hacer que sirva para algo», cuenta la artista sobre el espíritu del LP.
He tenido mis más y mis menos con La Maravillosa Orquesta del Alcohol, desde el propio nombre del grupo a la afectación vacua de muchas de sus canciones. Hubo un momento en que pensé que lo mejor de La M.O.D.A. era su uniforme (camiseta blanca de tirantes, tipo obrero), con permiso de su humildad y profesionalidad. Por ejemplo, siempre atendieron entrevistas con este medio, con una sonrisa de oreja a oreja después de haber leído según qué cosas.
En cualquier caso, nada como un temazo para cerrar la bocaza del crítico esnob y eso es exactamente ‘No te necesito para ser feliz‘. Una canción para cantar a pleno pulmón desde la primera escucha, y no tanto por la colaboración con Repion, que suman y se agradece, como por la insistencia de su estribillo. David Ruiz busca una dimensión en la que ser él mismo, solo, tras una relación que salió mal: «No te necesito para ser feliz / No guardo ningún rencor / Es una liberación». ¿Acaba de nacer un clásico del pop español?
Otra cosa que LA M.O.D.A. no necesitaban -especialmente- es a Leiva, al que han llamado para un tema sobre El Chava Jiménez, en el que abundan las metáforas ciclistas («Hay montañas que te enseñan quién eres») y en cuyo vídeo colabora el ganador del Tour de Francia 2008, Carlos Sastre, también cuñado de El Chava. Sin desmerecer al autor de ‘La llamada’, que presta su identificativa voz (y su enorme fama), ‘San Felices’ ya iba sobrado de posibles «greatest hits» sin necesidad de más featurings.
Es difícil decidir qué funciona mejor en ‘Si bailas bailo’, si el pre-estribillo («todo lo demás no importa…») o el estribillo en sí («tuviste lo que había que tener…»). «Los tiempos que vivimos eran los mejores y no lo sabíamos» es otro coro evidente que puede convertirse en el nuevo ’20 de abril del 90′ en cualquier Navidad. Y «estoy llorando en el Alsa pa Madrid» será a su vez el «Voy llorando en un taxi, no importa la dirección» de los heterosexuales.
El propio grupo reconoce que ha grabado de manera más relajada tras un parón total en torno a un año de duración. También dicen haber ido «un poco menos a la letra». Les ha sentado bien. Aunque siguen ahí esas cosas tan La M.O.D.A. de rimar «Felices» con «felices», y siguen ahí esos exabruptos de rimar «América» con «Helvética», en general hay un ejercicio de depuración tan notable como el que realizaron Vetusta Morla álbum tras álbum. Por eso les salen canciones tan frescas como ‘Los que estuvieron’, el country de 1 minuto y 23 segundos que decide cerrar el álbum, invitando al modo «on repeat».
Sus seguidores no notarán grandes cambios. Se concentrarán en descubrir quién era Rosa del Cernégula, en aprenderse ‘Píntalo todo de negro’. Pero este es el álbum más comedido -menos pretencioso- de La M.O.D.A. Aquel en el que cada cosa suena al fin en su lugar: el saxo de Álvaro de Pablo y el acordeón de Joselito Maravillas en ‘Alsa pa Madrid’, los arreglos de cuerda tipo Britpop que Carlos Raya ha añadido en ‘La vida en rosa’; la misma voz de David, aún personal y expresiva, pero ya no tan rasgada como en los puntos más histriónicos de su carrera.
El reggaeton y el pop llevan dominando las listas de singles desde hace años. De hecho, lo siguen haciendo, pero no todo es igual. Hace un tiempo, era impensable que una canción de rock se colase en el top 100 de singles de Promusicae. Ese género estaba totalmente relegado a las listas de álbumes. Ahora encontramos 6 temas en la tabla de sencillos, y todos en alza. Serían 7 si contamos como «rock» ‘Every Breath You Take’ de The Police, que ha entrado en el puesto 89, y 8 si contamos a Estopa, que han estado casi todo el año en el top 100 con ‘Como Camarón’. ¿Es el principio de una tendencia mayor? ¿Se está produciendo un cambio en la demanda del público?
Desde luego, sí. Viva Suecia acaba de lograr el primer disco número 1 de toda su carrera con ‘Hecho en tiempos de paz’. Para ello, han desbancado a Taylor Swift del primer puesto después de que ‘The Life of a Showgirl’ haya batido récord de ventas, tanto en España como en el resto del mundo. Por si fuera poco, ‘El amor de la clase que sea’ ha sido excluido del top tras estar tres años enteros en lista, el máximo permitido.
Las ganas de rock del público español también se refleja en la venta de entradas. Alcalá Norte están cerca de agotar su tercera Riviera, mientras que Barry B ya lo ha hecho. El caso del arandino también es ejemplar, habiendo alcanzado el éxito con sonidos más cercanos al rock que al urbano, género con el que comenzó su carrera. No solo es una señal de calidad, sino también de un público hambriento.
Viva Suecia, con temas nuevo y viejo
De las canciones que han conseguido entrar en el top 100 de Promusicae, casi todas tienen dos años de antigüedad o más. Es el caso de la primera de Viva Suecia que encontramos en la lista, ‘El Bien’, una de las más escuchadas de su anterior disco. Esta ha entrado en el puesto 82 con 2 discos de platino, pero no es la única del grupo murciano. ‘Sangre’, junto a Siloé, también entra esta semana en el número 90.
Siloé, con un tema antiguo
Hablando del grupo vallisoletano, esta tampoco es su única mención en la lista de Promusicae. Siloé es uno de los grupos de rock nacionales más abrazados por el público durante los últimos meses. Su canción ‘Todos los besos’ cumple 5 semanas en lista, pero fue lanzada en 2023. Actualmente, ocupa el puesto 66, pero la semana pasada estaba en el 83.
Es también una canción que se caracteriza por un pop rock, siendo honestos, muy en el estilo de Viva Suecia. Esto es una tendencia que se va a repetir con el resto de menciones: al público español le gusta el rock de estadio. De su calidad, no hablamos. De esto, sí: ¿por qué canciones de dos años de antigüedad siguen ganando posiciones en lista?
Arde Bogotá ya tenían hits antes de OT. Ahora, más
Con Siloé, se debe tanto a TikTok como a una base de fans en crecimiento. Con Arde Bogotá, por otro lado, es un poco de todo. Se trata del único grupo de rock de la lista que ha conseguido un puesto en el top 50, acumulando ya 21 semanas en el ranking. El empujón para que ‘La Salvación’ haya conseguido entrar en la mitad superior de la tabla (#48) por primera vez desde su lanzamiento en 2023 ha sido la actuación de Guille y Tinho en la gala 2 de Operación Triunfo. Eso sí, no basta con salir en el programa de Amazon. También tienes que ser un fenómeno de masas, y el grupo murciano lo era desde muchos meses antes.
Extremoduro, en TikTok
En la lista también encontramos canciones que salieron hace más de 20 años. ‘La vereda de la puerta de atrás’ de Extremoduro es una de las menciones más singulares de esta semana en Promusicae. Salió en 2002 y ahora ocupa el puesto 83 tras un viral en TikTok y 5 semanas en lista, aunque no existe una trend concreta. Para que luego digan sobre los jóvenes.
Muy similar es el caso de ‘Por la boca vive el pez’ de Fito y Fitipaldis, que han lanzado disco hoy mismo. La canción fue lanzada en 2006 y, después de ganar atención viral, ha reingresado en la lista directa al número 87. En su día, llegó a alcanzar el puesto 57.
Cuando salga otra nueva lista de Promusicae este lunes, todo puede cambiar, pero las previsiones indican que la mayoría de estas canciones subirán de alguna manera o se quedarán donde están. Después de años repitiendo que el rock está muerto, este se sigue aferrando a la vida. Y cada vez más.
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