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Alanis Morissette anuncia dos shows en España

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Una verdadera rareza: Alanis Morissette anuncia conciertos en España. En nuestro país, la autora del histórico ‘Jagged Little Pill’ actuará el 9 de julio en el Coliseum de A Coruña, dentro de la programación de O Gozo Festival, que cuenta con el apoyo de Xunta de Galicia a través de la Agencia Turismo de Galicia. O Gozo Festival es un evento que reúne a varios artistas en distintos escenarios y fechas. En su web vemos otros conciertos, en meses diferentes, de Lenny Kravitz y Rod Stewart.

Por otro lado, Cruïlla confirma que el 12 de julio actuará en el festival catalán, que tiene lugar en el Fòrum de Barcelona. De momento, es la única confirmada junto a Thirty Seconds to Mars.

Las entradas para Alanis en A Coruña, desde 45 euros, salen a la venta el viernes 25 de octubre a las 9h en Livenation.es, Ticketmaster, Ataquilla.com y Taquilla Plaza de Ourense. También se anuncian 2 preventas:
Live Nation-S.SMusic: a partir del miércoles 23 de octubre a las 9h
Live Nation: a partir del jueves 24 de octubre a las 9h

La gira mundial que Alanis ofrecerá en Reino Unido, Europa y Sudamérica es la continuación al éxito de su gira de 35 fechas por Norteamérica, ‘Triple Moon Tour’, realizada este verano, para la que se vendieron medio millón de entradas.

Así quedan las fechas de la gira, con un asterisco para las fechas en festivales:

Viernes, 21 de marzo de 2025 Buenos Aires, Argentina – Lollapalooza Argentina*
Sábado 22 de marzo de 2025 Santiago de Chile – Lollapalooza Chile*.
Martes, 25 de marzo de 2025 Lima, Perú – Costa 21
Jueves, 27 de marzo de 2025 Bogotá, Colombia – Estereo Picnic*
Sábado, 29 de marzo de 2025 São Paulo, Brasil – Lollapalooza Brasil*
Domingo, 30 de marzo de 2025 Curitiba, Brasil – Pedreira Paulo Leminski
Miércoles, 11 de junio de 2025 Bergen, Noruega – Bergenfest*
Viernes, 13 de junio de 2025 Kværndrup, Dinamarca – Heartland Festival*
Domingo, 15 junio 2025 Estocolmo, Suecia – Gröna Live*
Martes, 17 de junio de 2025 Berlín, Alemania – Zitadelle Spandau
Jueves, 19 de junio de 2025 Polonia, Varsovia – COS Torwar
Sábado, 21 de junio de 2025 Praga, República Checa – Metronom Festival*
Domingo, 22 de junio de 2025 Codroipo (Udine), Italia – Villa Manin
Martes, 24 de junio de 2025 Esch-sur-Alzette, Luxemburgo – Rockhal
Miércoles, 25 de junio de 2025 Ámsterdam, Países Bajos – Ziggo Dome
Domingo, 29 de junio de 2025 Dublín, Irlanda – Malahide Castle
Lunes, 30 de junio de 2025 Belfast, Reino Unido – Ormeau Park*
Miércoles, 2 de julio de 2025 Cardiff, Reino Unido – TK Maxx presents Depot Live en el Castillo de Cardiff
Viernes, 4 de julio de 2025 Lytham, Reino Unido – TK Maxx presents Lytham Festival*
Sábado, 5 de julio de 2025 Glasgow, Reino Unido – OVO Hydro
Miércoles, 9 julio 2025 A Coruña, España – Coliseum
Sábado, 12 de julio de 2025 Barcelona, España – Cruilla Festival*

Shakira anuncia sus nuevas fechas en Norteamérica tras ampliar aforos

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Shakira tenía que realizar casi una veintena de conciertos en Estados Unidos y Canadá entre los días 2 de noviembre y 15 de diciembre. Era el comienzo del esperado ‘Las mujeres ya no lloran World Tour’, en el que se repasarían los éxitos de toda su carrera, incluidos los de su último disco o el nuevo ‘Soltera’, actual top 5 en España.

Debido a la alta demanda los conciertos, que iban a tener lugar en arenas y pabellones de unas 15.000 personas, van a pasar a grandes estadios de 50.000. Sin embargo, para poderse reubicar apropiadamente, los shows ya no van a tener lugar este otoño, sino el próximo mes de mayo.

Así se excusa Shakira: «Tal y como Live Nation ha comunicado, mi producción ha crecido en tal magnitud, así como la demanda de entradas y más shows, que ha superado las expectativas más optimistas. Tanto, que la gira en Norteamérica ahora requiere de estadios y más fechas, para poder llegar a más de ustedes, por lo que ha sido trasladada a mayo del 2025». Las nuevas fechas aparecen al final de este artículo.

Consciente de lo que va a suponer para sus seguidores, a nivel logístico, la cantante indica: “Gracias de corazón por apoyarme en este momento de mi carrera. Sé que muchos de ustedes han hecho grandes esfuerzos para formar parte de estos conciertos. Su comprensión y cariño significan muchísimo para mí y me ayudan a seguir rompiendo barreras. Los espero con ansias para celebrar juntos. Prometo darles todo de mí y ofrecerles el show más especial de mi vida. ¡El que se merecen! Con todo mi amor y gratitud, Shakira”.

Pese a su explicación, los seguidores de Shakira están inundando su cuenta de Instagram de mensajes en los que indican lo que les va a costar este retraso. Un mensaje con cientos de “me gusta”, indica: “No es justo para los fans que ya tenían asientos específicos. Los estadios son gigantes y la vista es mucho peor”. Otro mensaje reza: “¿Y ahora quién me regresa la plata que pagué por el hotel que reservé en San Antonio?”.

En cualquier caso, lo que ha ocurrido con Shakira es la otra cara de la moneda de lo que este año sucedía con su compañera de Super Bowl, Jennifer Lopez. Esta tenía que cancelar su gira aludiendo a problemas familiares -lo que luego sabríamos que era su divorcio-, entre rumores de que no había vendido suficientes entradas. Parece que las exitosas colaboraciones de Shakira con Bizarrap y Karol G han marcado la diferencia entre ambas.

‘Las Mujeres Ya No Lloran World Tour’ pasa a comenzar el 11 de febrero en Río de Janeiro, para luego llegar a Perú, Colombia, Chile, Argentina y México. Esto último ocurrirá a finales de marzo. De momento no hay fechas en Europa, pero se esperan para más adelante. En cuanto a las nuevas fechas norteamericanas, podéis encontrarlas aquí, y la preventa tiene lugar entre los días 22 y 25 de octubre.

Mar 13 May – Charlotte, NC – Bank of America Stadium
Jue 15 May – East Rutherford, NJ – MetLife Stadium
Mar 20 May – Montreal, QC – Bell Centre
Jue 22 May – Detroit, MI – Little Caesars Arena
Lun 26 May – Toronto, ON – Scotiabank Arena
Jue 29 May – Boston, MA – Fenway Park
Sab 31 May– Washington, DC – Nationals Park
Mie 04 Jun – Orlando, FL – Camping World Stadium
Vie 06 Jun – Miami, FL – Hard Rock Stadium
Mie 11 Jun – Arlington, TX – Globe Life Field
Vie 13 Jun – San Antonio, TX – Alamodome
Dom 15 Jun – Houston, TX – Toyota Center
Vie 20 Jun – Inglewood, CA – SoFi Stadium
Dom 22 Jun – Phoenix, AZ – Footprint Center
Jue 26 Jun – San Diego, CA – Snapdragon Stadium
Sab 28 Jun – Las Vegas, NV – Allegiant Stadium
Lun 30 Jun – San Francisco, CA – Oracle Park

Mario Vaquerizo, hospitalizado tras caerse en Horteralia

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Horteralia se celebraba este fin de semana en Cáceres con actuaciones como las de Nebulossa, Kiko Rivera, Rosa López, Joe Crepúsculo, Putochinomaricón o Nena Daconte. También formaban parte del cartel las Nancys Rubias, que actuaban el sábado 19 de octubre entre las 0.30 horas y las 2.00.

Durante el show, Mario Vaquerizo ha sufrido una aparatosa caída del escenario que le ha llevado al Hospital Universitario de Cáceres.

El festival informaba de que su show no podía terminar: “Mario ha sufrido una caída accidental durante su actuación. Ha sido aparatosa, pero está bien. Los servicios médicos lo han atendido y trasladado al hospital. Lamentablemente, no se encuentra en condiciones de subirse al escenario y el resto de Nancys tampoco. Desde Horteralia mandamos a Mario y sus Nancys todo nuestro apoyo y deseamos que se recupere lo antes posible”.

Mientras los medios informaban de que su alta médica podía producirse a lo largo del mismo domingo, a media tarde de este día, las Nancys actualizaban su Instagram para informar de que estaba «fuera de todo peligro».

Decían, encomendándose a Dios: “Querid@s AMIG@S… Anoche Tuvimos Un Percance… Y Con La Caída De MARIO Nos Llevamos Un Buen Susto… GRACIAS A DIOS Todo Se Ha Quedado En Eso… Fue Trasladado De Inmediato Al Hospital Y Hoy Ya Está Fuera De Todo Peligro…Desde @nancysrubias.oficial Queremos Agradeceros A TOD@S Vuestro Interés & Vuestras Continuas Muestras De Respeto Y Cariño… GRACIAS De Verdad 🌟».

Juanjo Bona y Martin Urrutia: «Somos conscientes de que nuestra exposición descenderá»

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Juanjo y Martin salieron de la academia de Operación Triunfo como dos de los concursantes favoritos del público. No solo por sus méritos musicales, sino por su historia de amor llevada a cabo delante de toda España.

Fuera de OT, su éxito no ha disminuido. ‘rompeolas’, el primer y único single de Urrutia, es la única canción de todos los concursantes en alcanzar las 10 millones de reproducciones. Además, ha sido fichado para la nueva serie de los Javis, ‘Mariliendre’. Por otro lado, Bona es de los pocos artistas de OT que está consiguiendo que sus singles se metan en el top 100, aunque sean datos modestos. Esto cobra más mérito todavía si tenemos en cuenta que uno de estos, ‘Mis Tías’, es una jota pop.

Solo era cuestión de tiempo que lanzasen un tema juntos. ‘El Destello’ es una fantasía de pop electrónico que también sirve como testamento del amor que surgió entre Juanjo y Martin en el programa. Tampoco es la típica balada. De hecho, está lejos de serlo. Solo podría haber venido de la mano de Carlos Ballesteros y Genís Segarra, integrantes de Hidrogenesse.

Hablamos con Juanjo Bona y Martin Urrutia sobre las dificultades que trae la vida después de OT, el origen de ‘El Destello’, su amor por ‘La Mesías‘, la necesidad de destacar con algo diferente y si podemos esperar algo más de ellos en el futuro.

¿Qué tal estáis?
Juanjo: Muy bien.
Martin: Bien.
J: Aquí, ya el penúltimo.

Veo que tenéis encima muchas entrevistas hoy. ¿Cómo es hacerlas todas conjuntas?
J: Yo creo que mejor que separados, ¿eh? Se dinamizan más las respuestas, porque si no acabas repitiéndote todo el rato.

¿Cómo habéis vivido todo este tiempo tras la academia?
M: Pues de manera muy intensa, con muchos cambios en nuestra vida, pero también siendo conscientes de que hay que encontrar el balance entre las raíces y lo que es tu familia y tu casa y la nueva vida. Intentar, poco a poco, aunque es duro, con ayuda psicológica y de amigos cercanos, encontrar el equilibrio.
J: La palabra intensidad yo creo que lo define todo en todos los aspectos, en lo bueno y en lo malo también. Cerca de nuestra gente y cerca de nuestro yo más real. Eso es lo más importante.

Me puedo imaginar que vuestra vida ha cambiado a mejor en general, pero ¿hay algo que echéis de menos de antes de OT?
M: Sí, la falta de estrés de la vida de estudiante. Ir a casa con las preocupaciones de una persona que va a la universidad y no tener que enfrentarme a cosas que hace un año habría pensado que me quedan enormes, y que ahora tengo que encarar, pero también queda mucha madurez. La calma de una vida normal. Eso es lo que se echa de menos.
J: Sí, y esa privacidad que ahora no tenemos ni aunque la busquemos. Poder hacer planes que a veces necesita tu cuerpo, con gente en el aire libre, y que se te pueden complicar, pero bueno.

¿Qué es lo que más estáis disfrutando?
M: Las oportunidades increíbles que hemos tenido y seguimos teniendo, porque sin Operación Triunfo no podríamos estar haciendo lo que estamos haciendo. Es increíble ver que tenemos un camino que podemos llevar a cabo.
J: Conocer a gente que antes admirabas, el cumplir sueños cada día, prácticamente.

¿Cuándo surge la idea para ‘El Destello’?
J: Surge un día en casa, y llovía un montón. El concepto de la lluvia nos gustaba mucho porque nos gusta esa sensación de estar en casa tranquilos mientras llueve fuera. Además, la tormenta como que también tiene una parte de calma que podría asemejarse más con su personalidad y una parte muy eléctrica con la mía. Nos gustaba también cómo podía quedar eso visualmente. Empezamos a hacer la letra y ya contactamos con Hidrogenesse a través de Universal. Los cuatro ya empezamos a tirar para adelante.

¿Les buscasteis concretamente a ellos?
M: Les teníamos muy en mente por su proyecto y por la música que hacían y, gracias a Universal, conseguimos contactar con ellos y hacer el proyecto.

¿Erais fans de Hidrogenesse?
J: Somos fans de Hidrogenesse. Somos fans de la banda sonora de ‘La Mesías’, por supuesto, y a raíz de eso empezamos a escuchar sus canciones. Ahora mismo, sinceramente, no te puedo decir una canción. La del tigre (‘Disfraz de tigre’) nos encanta.
M: Muchas más… ‘Caballos y ponis’, por ejemplo. Tenemos que escucharles más. Veníamos con la fascinación que nos dio toda la banda sonora de ‘La Mesías’, pero ellos musicalmente sabemos que son unos genios.
J: Y nos entendieron al cien por cien con lo que queríamos transmitir a nivel de letra y de producción.

Hidrogenesse hicieron la música de ‘La Mesías’ y vosotros también habéis llamado a la coreógrafa de la serie para el vídeo.
M: La coreógrafa de ‘La Mesías’ también es la coreógrafa de ‘Mariliendre’, así que yo tengo mucho contacto con ella. Pensamos que, ya que vamos a hacer un tema así, con un vídeo cuidado y que puede dar lugar a baile, qué mejor que si estamos con ese equipo místico que nos lleva al mundo de Suma Content. Vamos a aprovechar las referencias y acoger a gente amiga para llevarlo a cabo. Y ha salido genial.

¿Por qué es tan importante para vosotros ‘La Mesías’?
J: Fue justo la última serie que vimos antes de entrar en OT. Encima coincidió que el último episodio lo vimos justo el día de antes de entrar en la Academia. Claro, esa época nos marcó al cien por cien.

Era justo cuando os estabais conociendo.
M: Justo se estrenó la serie y al cabo de un mes ya empieza el programa. Entramos con todo el estímulo de la serie y de ese mundo.

‘El Destello’ es una canción que cuenta el momento antes del flechazo o del enamoramiento. ¿Lo podríais poner en vuestras palabras?
J: Buscábamos una letra más juguetona, con otro tipo de estructuras más metafóricas, pero jugando con eso en una conversación constante. Contar esa historia desde un lado onírico y divertido, sobre todo. Y es así, es un momento de luz fugaz. Queríamos hacerlo de una forma un poco diferente a lo tradicional. Sin ser tan explícitos o tan románticos.

A mí me parece que la letra es como un juego de niños. Simple, pero con matices.
J: Es eso justo.

Y habéis pasado de hacer una balada romántica al uso, claro.
M: Sí, creo que era la primera idea que teníamos clara. Si íbamos a hacer una colaboración juntos, siendo pareja, queríamos que saliera de lo que podía esperar la gente. Algo más melódico, más profundo y hacer algo especial, cuidado en todos los aspectos y con una letra también que contara nuestra historia metafóricamente, pero con eso, como has dicho tú, con más matices, como si fuera un juego de niños. Algo más hablado, que dejara un poco de huella. Algo de lo que te acuerdes en el futuro.

Con todos los lanzamientos que han salido de la Academia, imagino que es importante destacar y mostrar un poco de personalidad.
J: Siempre nos han dicho de diferenciarnos, de ser de verdad, de ser reales y poder defender todo eso. En el momento que entendimos eso, pues todo fue para mejor en los dos casos. Esta canción es eso. Aparte de querer diferenciarse, es que realmente es muy nuestra y tal vez algo más comercial o más básico no nos represente tanto, porque realmente somos diferentes y somos raros. Y eso nos encanta.

«Si íbamos a hacer una colaboración juntos, siendo pareja, queríamos que saliera de lo que podía esperar la gente»

Me acaban de chivar que vais a sacar un remix de la canción con Nacho de Fangoria. ¿Qué me podéis contar de esto?
J: Cuando vimos la primera versión de la canción original, el cuerpo nos pedía más, y más, y más… Como que veíamos cabida a una canción mucho más cañera, pero entendimos la producción de Hidrogenesse y que la canción era muy especial así, porque nos permitía hacer un remix más intenso, con otro ritmo y otra producción diferente. Es un sueño.

¿Cómo disteis con ellos?
J: Universal. Se barajaron varias opciones con DJ más actuales, pero cuando nos propusieron esto fue como: si él quiere, para adelante.

¿Cuáles eran las otras opciones que se barajaban?
J: Pensamos en las MËSTIZA, y en algún otro DJ más actual como DJ Nano, que hizo el remix de ‘La Gravedad’.

‘El Destello’ se ha metido en la lista de éxitos y para ti, Juanjo, lo de meter a un artista independiente en la lista no es nuevo. Ya lo hiciste con El Buen Hijo y con Fresquito y Mango, en tus dos singles anteriores. ¿Qué significa para vosotros poder dar reconocimiento a este tipo de artistas?
J: Es un regalo. Es increíble.
M: Somos conscientes de la exposición que tenemos ahora, que en algún momento también descenderá y lo vemos claro y normal como el curso de la naturaleza, pero si trabajar desde lo que nos apetece realmente da también visibilidad a otros artistas que no están tan en el foco ahora mismo, pues genial, porque ganamos todos.
J: Justo nos preguntaban que, ahora que tenemos tanta exposición y tenemos una oportunidad de estar en el foco, si lo desaprovechamos haciendo música no tan comercial. Yo pienso que es lo contrario. Pensamos que, estando ahí, hay que ser diferente y aprovechar ese ojo para enseñar algo distinto. Si eso ayuda a los artistas con los que trabajamos, pues un diez.

¿Habéis fluido a la hora de crear el tema?
J: Ha sido fluido totalmente. Es verdad que a veces trabajas con gente que no conoces. No hay tanta confianza y las cosas igual pueden salir un poco más tarde o con baches, pero en este caso ha sido muy bonito.

¿Podemos esperar más colaboraciones vuestras?
J: Después del remix, no. Hay que centrarse en los proyectos de cada uno.
M: Sí, cada uno tiene ya un poco el camino tomado. Juanjo con su disco folclórico y yo con ganas de encarar lo mío también, así que individualmente es lo que nos toca.

¿Cuáles son los proyectos que tenéis encaminados cada uno?
J: Yo estoy haciendo un disco que me están produciendo Marcel Bagés y David Soler, que son dos personas a las que también admiro porque han trabajado con Maria Arnal, que es otra artista que descubrí a raíz de OT y que me encanta. Está siendo un sueño poder fusionar el pop con el folclore y la jota y poder contar mi vida a través de eso, de letras no muy comunes, siendo muy literal y muy de verdad, porque creo que es lo que voy a poder defender luego en directo. Con ganas de que lo veáis.

En la línea de ‘Mis tías’, ¿no?
J: Sí, y luego voy a sacar un próximo single que se llama ‘Moncayo’, que estrené el otro día en Zaragoza.

¿Qué tal lo recibió la gente?
J: Muy bien. Claro, no sé si es muy objetivo, porque Zaragoza es mi casa, pero fue increíble poder cantarlo por primera vez en la plaza del Pilar.

¿Y tú, Martín?
M: Yo estoy empezando ahora a encarar un proyecto artístico más en lo musical. He estado con la serie ‘Mariliendre’ y no he tenido tiempo, así que empiezo ahora. No sé muy bien cómo será, pero tengo muchas ideas y ganas de plasmar mi personalidad y mi visión de la música y del arte, en general, en un proyecto.

¿Qué tal ha sido trabajar con los Javis?
M: Increíble. Son magníficos ellos, todo el equipo de Suma y el proceso de grabar una serie musical. Además, con mucho baile, que a mí me encanta, cantando… Ha sido mucho trabajo, muchos ensayos y muchos días de rodaje, pero tengo muchas ganas de que salga porque creo que va a ser un bombazo.

Tú siempre has querido tirar a la actuación y al musical, ¿no?
M: Lo tenía claro desde antes de entrar en Operación Triunfo. Empecé a estudiar Arte Dramático con las ganas de acabar siendo actor y también con la pasión por la música. Ahora que tengo los dos caminos abiertos, estoy intentando aprovechar los dos. He tenido la oportunidad de hacer la serie y ahora que puedo hacer música, pues es a lo que voy.

Ethel Cain lamenta que sus fans se la tomen «a broma»

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Ethel Cain, una de las artistas revelación de 2022 gracias a su debut, ‘Preacher’s Daughter‘ (2022), ha acudido a Tumblr para denunciar la manera en que sus fans se toman «a broma» todo lo que hace, un problema que, según ella, afecta a otros artistas de distintas disciplinas. En sus palabras, el mundo vive una «epidemia de la ironía» que está permitiendo que nadie se tome ya nada en serio, mucho menos una obra musical.

En un post ya borrado, Ethel -cuyo nombre real es Hayden- argumenta que «ya nadie se toma nada puto en serio» y lamenta que sus fans «constantemente» le «bombardean» con «bromas» sobre su trabajo. Pone un ejemplo: «He perdido la cuenta de la cantidad de veces que la gente me ha dicho cosas como «you ate that like Isaiah ate Ethel» (Cain se refiere a la protagonista de su álbum debut y a la historia de amor caníbal que cuenta el disco; en inglés la expresión «you ate that» se podría traducir como «te lo has merendado»).

La autora de ‘Crush’ indica: «Me gusta reírme y me molan las cosas graciosas, pero creo que estamos en una epidemia de la ironía. La sinceridad se ha perdido y todo tiene que ser una broma todo el rato. No todo el mundo lo hace, pero lo hace tanta gente que interactúa conmigo en la red y en la vida real que se ha convertido en una cosa imposible de escapar. Siento que no importa lo que diga o haga que alguien se le tomará siempre a puta broma. Siento que me quejo todo el rato pero realmente me causa mucho rechazo la manera en que mucha gente interactúa con mi trabajo. Es muy frustrante».

A continuación, Hayden alude al lanzamiento de su próximo álbum, ‘Perverts‘: «Ya estoy estresada imaginándome las estupideces que voy a tener que leer sobre ‘Perverts’. Literalmente me hace tener ganas de no publicar nada nunca más».

En la última parte de su post, Ethel dice echar de menos la época en que «tenía como 20 fans y todos tenían realmente algo interesante que decir sobre lo que estaba haciendo». Ya son muchímos más fans los que escucharán el primer single de ‘Perverts’, ‘Punish’, el próximo 1 de noviembre.

Ganges / SORA

Los tiempos en que Ganges eran «el cuarteto liderado por Teresa Gutiérrez» o un trío dream pop quedan definitivamente atrás con la edición de ‘SORA’. Este nuevo álbum, no en vano el primero que la artista publica en vinilo, logrará -ahora sí que sí- que su carrera anterior parezca en cierta medida un ensayo.

En distintos momentos de su trayectoria, Ganges ha recibido comparaciones con gente como London Grammar y The Postal Service. A base de trabajo, su música ha ido abriéndose en muchas más direcciones que dichos grupos. Pervive un trazo de indietrónica, de balada y de melancolía en sus melodías, como lo puede haber de R&B, synth-pop o neo-soul, sumando hyperpop, drum&bass, euforia y hasta new-age. ‘SORA’ te hace asumir que hoy por hoy Ganges es simplemente un proyecto de pop electrónico que sirve para canalizar emociones, y todo tiene sentido dentro de él siempre que su origen tenga que ver con los sintetizadores o el software.

Tienden las composiciones de Gutiérrez a dar vueltas al amor. La gracia está en el prisma desde el que lo hacen. El single ‘Mirarte’ es pura devoción: solo admite la existencia del objeto deseado. Otras suenan más despechás, y entonces el mérito es que se rían de sí mismas. Una de las canciones principales lo dice todo desde su nombre, ‘Igual hemos roto y no me he enterado’. Escribiendo algunos títulos en minúscula y otros en mayúscula, como ‘TECHNO TRISTE’, Ganges parece estar jugando con sus estados de ánimo. «Ya no me duele estar sin ti». Mañana, sí.

Hay una buena sensación de continuidad en el álbum, además. Si sentías un poco de trance en «Igual hemos roto», has de esperar al final acelerado de ‘FOTOLOG NOSTALGIA’, que a su vez es una continuación de ‘shycore’, un instrumental a piano quizá inspirado en Jon Hopkins. ¿De verdad co-produce todo esto el mismo Daniel Belenguer «Bearoid» que canta a veces en Alavedra?

FOTOLOG NOSTALGIA‘, la gema perdida de la carrera de la artista -esto tiene que explotar de alguna manera, ¡Spotify, haz tu magia!-, está pasada por una sobredosis de AutoTune tal que recuerda a aquel recitado robótico de ‘OK Computer’ que fue ‘Fittier Happier’. Teresa nos habla precipitadamente de recuerdos, redes sociales y juegos random, mientras se pregunta qué quedó de todo aquello a lo que tanto empeño pusimos. Fotolog, nada menos.

Una secuencia que guarda para su segunda mitad temas con el potencial de ‘TECHNO TRISTE’ y ‘No’ -como Paloma San Basilio producida por Jimmy Tamborello- disimula composiciones menos amigas del clímax como ‘PRÍNCIPE’ o ‘Si tengo suerte’. Ya me he olvidado por completo del día en que ‘Un llavero‘ parecía el single principal de este disco. Eso solo puede ser bueno: así se ha crecido ya el repertorio de Ganges, sin que te des ni cuenta.

‘Espejos de caos’ es la balada de clase de Biznaga

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Biznaga acaba de publicar uno de los discos más importantes del pop nacional en 2024. En un contexto de frustración generalizada por la inaccesibilidad a la vivienda, especialmente entre la población joven, que se encuentra con serias dificultades para emanciparse y/o hipotecarse, ‘¡AHORA!‘ es el álbum que captura este momento de crisis. Es el Disco de la Semana.

Mientras en espacios como El Hormiguero se ridiculiza a quienes salen a manifestarse por el precio de la vivienda, englobándolos en una supuesta «dictadura del inquilinato», Biznaga se muestran con los pies en la tierra y entregan una serie de canciones excelentes que reflejan la realidad en la que vive la mayoría de los jóvenes, muy diferente a la de los tertulianos de ese decadente programa.

Si en ‘El Entusiasmo‘, Biznaga llamaba a pasar a la acción, en otra de las canciones destacadas de ‘¡AHORA!’ la banda nos acerca al problema de la vivienda a través de las historias de dos individuos concretos. Es la Canción Del Día.

En ‘Espejos de caos’, Biznaga detalla la historia de una pareja conformada por dos personas llamadas Carlos y Ana. El primero tiene «dos carreras y vende alarmas para chalés», la segunda tiene «un máster y varios idiomas y hace camas en un hotel». Ambos comparten piso y ya «no se soportan», pero siguen conviviendo porque «se necesitan para pagar el alquiler».

Sobre un fondo 100% britpop, Biznaga utiliza el estribillo de ‘Espejos de caos’ para expresar la «frustración» que provoca que una vida dedicada a la formación y al estudio no haya garantizado a sus dos protagonistas el futuro que deseaban. El screaming de Álvaro es realmente emotivo y expresa esas ganas de «romper cosas» de las que habla la letra. Quizá, ‘Espejos de caos’ también es una llamada a la acción, a su manera.

Biznaga explica sobre ‘Espejos de caos’ que es «una balada de clase»: «La precariedad laboral y el coste de la vida atraviesan incluso las relaciones más íntimas. Lo personal y lo político como dos espejos enfrentados. En medio, la inocencia de un animal que también somos nosotros».

Cher y Dua Lipa cantan ‘Believe’ en el Rock ‘n Roll Hall of Fame

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La ceremonia del Rock ‘n Roll Hall of Fame se ha emitido esta noche desde Cleveland, Ohio, y ha dejado algunos momentos destacados. En especial, la actuación de Cher y Dua Lipa cantando juntas ‘Believe‘, el éxito de Cher de 1998. El parecido físico entre Cher y Dua ha sido muy comentado en los últimos años, por lo que verlas compartir escenario es casi simbólico.

Aunque ver a Cher y Dua juntas en el escenario es una maravilla, ambas no han estado a la par vocalmente. Dua ha tenido dificultades para alcanzar las notas altas, y Cher ha entrado salvando los muebles.

Además de cantar juntas en directo, Cher y Dua han aparecido juntas en rueda de prensa. También han posado junto a Zendaya.

Además de Cher, ingresan al Rock n’ Roll Hall of Fame Mary J. Blige, Dave Matthews Band, Foreigner, Peter Frampton, Kool & the Gang, Ozzy Osbourne y A Tribe Called Quest. Osbourne ya formaba parte del Museo como parte de Black Sabbath.

Y, junto a Dua Lipa, han intervenido en la gala los invitados Dr. Dre, James Taylor, Julia Roberts, Jelly Roll, Keith Urban, Demi Lovato, Busta Rhymes y Slash.

Cher puede celebrar ya formar parte del Rock ‘n Rall Hall of Fame, pero solo el año pasado criticó al museo por haberla ignorado durante décadas.

En otro orden de cosas, Dua Lipa acaba de ofrecer un concierto sinfónico en Londres. Allí, Dua ha exhibido mejor forma vocal cantando el repertorio de ‘Radical Optimism‘ junto a una orquesta de 53 músicos y un coro de 14 cantantes. El concierto se ha grabado para su futuro lanzamiento.

Leon Bridges / Leon

Cuando pulsas «play» para escuchar el cuarto disco de Leon Bridges, tardas 10 segundos en averiguar si hay algo sonando o no. Es la primera advertencia de que el artista de soul y R&B se va a tomar las cosas de manera reposada, huyendo de las prisas del-mundanal-ruido. ‘Leon’ es un recorrido tranquilo por el estado de Texas que le vio nacer, por vecindarios como Rosedale en Austin y ciudades como Laredo. Con grabaciones realizadas en El Desierto de Ciudad de México, el disco toma definitivamente un poso sosegado y reflexivo. Pues eso, desértico.

Las historias que nos cuenta el artista en estas 13 canciones son entrañables. Una chica con una corona de diamantes que le enamoró bailando en ‘Laredo’. Los pequeños placeres de la vida, como las joyas de oro, unos mocasines negros, un vaquero azul y un Bourbon en ‘That’s What I Love’. Incluso aquel día en que su padre le dijo «vete a casa o irás al infierno» cuando se cruzaron por primera vez con unas prostitutas (‘Panther City’).

Las texturas de estas canciones son extremadamente suaves, en el caso de ‘Laredo’ con la flauta de Jim Hoke y un no menos importante trabajo a las guitarras acústicas de Ian Fitchuk y Nick Bockrath. En el caso de ‘That’s What I Love’, con hasta 7 instrumentistas al violín, la viola y el violonchelo y 2 a las voces de fondo, Joshua Moore y Madeline Edwards.

La producción del álbum está llamada a ser calificada con adjetivos como «exquisita», «deliciosa» y «merecedora de un Grammy». Apple registra hasta 10 acreditados entre productores y, sobre todo, ingenieros de grabación. Leon Bridges ha hilado bien fino en un disco que rehuye de playlists y del sonido comercial por el que han optado seguidores del soul como Lighthouse Family o Bruno Mars. Hasta el punto de pecar un poco de plano.

En la portada de ‘Leon’, Bridges posa junto a un pequeño lago, sentado en una silla y mirando a cámara. El logo de Columbia Records apunta a clásicos de Billie Holiday, algún disco de Aretha Franklin y el último de Marvin Gaye. Pero él ha apostado por un sonido mucho más casto. Uno en el que se siente a gusto llorando (‘When a Man Cries’), recordando un primer amor (‘Simplify’), uno en el que todo es literalmente un remanso de paz (‘Peaceful Place’).

El artista deja para el cierre una cucada como ‘Ghetto Honeybee’ y una canción que asegura que Dios quiere a todo el mundo. En este planeta inmerso en varias guerras, en el que hay asesinatos racistas y homófobos, ‘God Loves Everyone’ suena un tanto irreal y fuera de tiempo. Si abres el periódico, es evidente que Dios quiere más a unos que a otros. Supongo que sonar tan ajeno a la actualidad fue siempre el cometido del autor de ‘Coming Home‘.

El nuevo single de JADE es una ‘Fantasy’

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La carrera de Jade Thirlwall -una de las integrantes de Little Mix– en solitario es una de las mayores sorpresas de 2024. Su primer single, ‘Angels of My Dreams‘, ha sido un soplo de aire fresco, y el siguiente, ‘Midnight Cowboy‘, ha sido más experimental todavía. El tercero es un tema llamado ‘Fantasy’ que tampoco es exactamente lo que esperas.

‘Fantasy’ es otra de esas canciones de pop recubiertas de lentejuelas y purpurina que se inspiran en las producciones disco de finales de los 70 e inicios de los 80. Sin embargo, no es la típica grabación de disco-pop procesado al uso, sino que recupera la magia de la verdadera música disco. Sabe a Donna Summer y también tiene algo de Jessie Ware o de Jungle.

La mención a Donna Summer no es casual, pues ‘Fantasy’ es una invitación a la sensualidad y, en concreto, a la realización de las propias «fantasías» sexuales. Es la Canción Del Día para hoy sábado.

Se podría decir que ‘Fantasy’ es una oda al kink: Jade canta que «si a ti te gusta raro, a mí me gusta extraño», aboga por vivir el «placer» sin «vergüenza», clama que «podemos ir todo lo lejos que queramos, podemos ser raros» (ella canta la palabra «bizarre») y promete «contarte todos mis secretos y llevar a la realidad toda esas cosas locas» que le gustan.

Para llevar esta «fantasía» al mundo visual, Jade ha contado con nada menos que David LaChapelle. El vídeo es un homenaje a Soul Train en el que Jade se dedica a cantar en el escenario mientras el público baila. Pero hay plot twist y tiene un nombre: ‘Carrie’.

St. Vincent es la diosa del rock de nuestra era

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Christian Bertrand

Ha llovido tanto desde que una joven compositora llamada St. Vincent se presentara al mundo con un discreto disco titulado ‘Marry Me’ (2007) que la Annie Clark pasada y la actual parecen dos artistas diferentes. Hoy, St. Vincent es una de las diosas del rock de nuestra era y su último disco, ‘All Born Screaming’ (2024), influido por el hard rock y por la oscuridad de la época en que vivimos, ha vuelto a demostrarlo.

El directo es el espacio perfecto en el que ver a St. Vincent en acción. ‘All Born Screaming’ es un trabajo extremadamente cuidado en el estudio, pero en directo las canciones arden como la propia Clark en la portada del disco, y sin necesidad de recurrir a colores flúor ni a pelucas rubias como ha hecho de manera muy creativa en el pasado.

Ya el inicio con ‘Reckless’ es épico: Clark se planta en medio del escenario, apenas su silueta es visible a través de la iluminación y el primer golpe de batería es glorioso. Las guitarras asaltan los sentidos en ‘Big Time Nothing’ o ‘Broken Man’ y el sonido en la sala Razzmatazz es perfecto de principio a fin: se escuchan tan bien instrumentos y voces que el público parece encontrarse dentro de un estudio de grabación.

En este primer concierto de la gira de St. Vincent en España, que continúa el domingo 20 de octubre en Madrid, y el martes 22 con una peculiar visita al Museo del Prado, Clark mezclará letras en inglés y en español, dado que ha decidido regrabar su último disco en este idioma, una decisión que en directo vuelve a ser cuestionable, pues el español guiri de St. Vincent es muy difícil de comprender. En ‘Flea’ (bueno, ‘Pulga’) es casi imposible.

Christian Bertrand

Se agradece el intento de St. Vincent de acercarse a su público hispanohablante. Sin embargo, la reacción de la audiencia barcelonesa ante su español es de confusión… y de pura euforia cuando St. Vincent se dedica a interpretar las letras originales de las canciones que su público conoce mejor. ‘Cheerleader’ es recibida con entusiasmo, pero es ‘New York’ la canción que da lugar al verdadero “singalong” de la noche, mientras St. Vincent hace “crowdsurfing” en el público.

Entre los momentos memorables del show hay que destacar el intimismo de ‘Violent Times’ o después de ‘Candy Darling’ y del bis con ‘Somebody Love Me’, pero también el grito iracundo de ‘Pay Your Way in Pain’, la nitidez con que suenan los vientos de ‘Digital Witness’ y, sobre todo, el continuo orgasmo auditivo que provocan los solos de guitarra de Clark, especialmente los de sus viejas composiciones, como ‘Birth in Reverse’.

En medio de los graciosos intentos de St. Vincent de dirigirse a su público en español (se la entiende mejor cuando habla que cuando canta, eso sí), a Clark no se le olvida trepar las gradas de la Razzmatazz para darnos un pequeña píldora de realidad: las verdaderas estrellas del rock siguen existiendo. En su mezcla de pura furia rock y sofisticación pop, ella es sin duda la mejor.

El increíble dato sobre ‘SOS’ de Rihanna que el mundo desconocía

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‘SOS’ es uno de los primeros éxitos de Rihanna, pero ni siquiera se cuenta entre sus mayores logros comerciales, más de 15 años después. La increíble cartera de hits de Rihanna ha diluido el impacto del que fue el primer single de la barbadense que alcanzó el número 1 en Estados Unidos. Por supuesto, es una de sus mejores canciones.

‘SOS’ destacaba por su sample de ‘Tainted Love’ de Soft Cell, pero su autor principal, E. Kidd Bogart, artífice de otros hits como ‘Halo’ de Beyoncé, ha revelado un detalle sobre la canción que ha pasado inadvertido todos estos años. Y eso que está a vista de todos.

En una entrevista con Daniel Wall, Bogart ha revelado que la segunda estrofa de ‘SOS’ está escrita «hilando títulos de canciones de los 80» para «componer frases». A Bogart esta idea de composición le pareció «súper ingeniosa»… tanto que nadie ha reparado en ella hasta ahora.

La segunda estrofa de ‘SOS’ dice «Take on me (uh-huh), you know inside you feel it right / Take me on, I could just die up in your arms tonight / I melt with you, you got me head over heels / Boy, you keep me hanging on, the way you make me feel». Solo esta estrofa incluye citas a ‘Take on Me’ de A-HA, ‘(I Just) Died in Your Arms’ de Cutting Crew, ‘I Melt with You’ de Modern English, ‘Head Over Heels’ de Tears for Fears, ‘You Keep Me Hangin’ On’ de Kim Wilde (una versión de las Supremes) y ‘The Way You Make Me Feel’ de Michael Jackson.

E. Kidd Bogart explica que todos los títulos elegidos para formar la segunda estrofa de ‘SOS’ pertenecen a canciones que llegaron al número 1… como ‘Tainted Love’ y después ‘SOS’. Sin embargo, ni ‘I Melt with You’ ni ‘Head Over Heels’ fueron nunca número 1 en ningún mercado, aunque aún se consideran clásicos del pop de los 80. Algunos de estos hits fueron número 1 en Estados Unidos y otros en Reino Unido.

Podcast: Los 10 errores que cometimos valorando a Rihanna

Juanjo y Martin, top 1 en JNSP; entran Varry Brava, León Benavente, LISA…

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Juanjo Bona y Martin Urrutia arrasan en X como lo más votado de JENESAISPOP con el 89% de los votos. ‘El destello’, compuesta junto a Hidrogenesse, había entrado al puesto 7 de manera orgánica, y ahora sube a la cima apoyada por su fandom. Es el primer top 1 para Juanjo y Martin en nuestro top con 18 años de tradición, y podemos entenderlo como el 3º para Hidrogenesse tras ‘Disfraz de tigre’ y ‘Schloss’, en 2007 y 2008.

Entre las entradas, están Varry Brava, León Benavente, Espanto, LISA, Rahim Redcar, The Smile y Kokoshca.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 7 1 2 El destello Juanjo Bona, Martin Urrutia Vota
2 1 1 3 Omega Rosalía, Ralphie Choo Vota
3 8 3 2 Ahora o nunca La Casa Azul, Soleá Morente Vota
4 6 1 38 Loneliness Pet Shop Boys Vota
5 5 1 Georgina con Cristiano Varry Brava, María de Juan Vota
6 15 4 5 Dancing In the Flames The Weeknd Vota
7 9 3 5 Cotilleo Nebulossa Vota
8 14 8 2 Timeless The Weeknd, Playboi Carti Vota
9 2 1 5 Eusexua FKA twigs Vota
10 3 3 3 I’M HIS, HE’S MINE Katy Perry, Doechii Vota
11 5 2 3 Alone The Cure Vota
12 11 2 6 Ahí estás Amaral Vota
13 16 2 9 Die With a Smile Lady Gaga, Bruno Mars Vota
14 14 1 La Aventura León Benavente Vota
15 12 10 3 Corazón Nelly Furtado, Bomba Estéreo Vota
16 16 1 Estarán aparcando Espanto Vota
17 10 1 9 New Woman Lisa, Rosalía Vota
18 24 1 20 BIRDS OF A FEATHER Billie Eilish Vota
19 19 1 Moonlit Floor LISA Vota
20 20 1 Deep Holes Rahim Redcar Vota
21 21 1 Zero Sum The Smile Vota
22 20 4 7 CARITA TRISTE Ana Mena, Emilia Vota
23 26 23 3 S P E Y S I D E Bon Iver Vota
24 12 1 11 Guess Charli XCX, Billie Eilish Vota
25 25 11 4 Mutations Nilüfer Yanya Vota
26 38 23 4 Una velita Bad Bunny Vota
27 4 4 2 Día estrellado Ramper Vota
28 27 1 50 Houdini Dua Lipa Vota
29 18 12 4 it’s ok I’m ok Tate McRae Vota
30 32 30 2 Broken Ela Minus Vota
31 34 7 9 Edge of Saturday Night The Blessed Madonna, Kylie Minogue Vota
32 31 1 35 Training Season Dua Lipa Vota
33 13 2 8 Taste Sabrina Carpenter Vota
34 29 1 17 The girl, so confusing Charli xcx, Lorde Vota
35 33 13 5 adore u Fred again.. Vota
36 21 2 10 Apple Charli xcx Vota
37 30 1 26 Espresso Sabrina Carpenter Vota
38 38 1 Parkour Kokoshca Vota
39 22 9 8 Here’s the Thing Fontaines D.C. Vota
40 28 1 23 360 Charli XCX Vota
Candidatos Canción Artista
2mil horas Leo Rizzi, Gus Vota
Bearded Fireworm Ozoyo Vota
XQ ERES ASÍ Álvaro Díaz, Nathy Peluso Vota
Defense Panda Bear, Cindy Lee Vota
JEALOUSY Bikôkô Vota
El entusiasmo Biznaga Vota
El mundo no es para tanto Marinita Precaria Vota
GREY RUBBLE – GREEN SHOOTS Godspeed You! Black Emperor Vota
Marchar Alondra Bentley Vota
Yo solo quería escribir una canción de amor Zahara Vota

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Justicia para ‘BRAT’: Charli xcx logra su 2º top 1 en Discos UK

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El número 1 de Discos en Reino Unido esta semana ha sido uno de los más reñidos e interesantes de los últimos tiempos. Como recordaréis, ‘Brat’ de Charli xcx, uno de los discos del año, no pudo ser número 1 porque el último de Taylor Swift se lo impidió, lo cual tenía su intríngulis, pues Taylor es referenciada en el álbum de manera indirecta, y no para muy bien. En varias ocasiones, ‘Brat’ ha quedado a punto de llegar a la cima… pero no.

Esta semana tenía una nueva oportunidad, al reeditarse junto al disco de remixes lleno de superestrellas. Sin embargo, Paul Heaton, conocido como cantante de Housemartins y Beautiful South, se interponía en su camino con ‘The Mighty Several’. Vendía 23.000 unidades el fin de semana frente a las 16.000 de Charli. Para el miércoles, la diferencia se reducía a 24.000 frente a 21.500. ‘Brat’ recortaba día tras día, gracias al streaming.

Finalmente el streaming ha cumplido su función y Charli xcx ha logrado ser número 1 con ‘Brat’. Este ha rozado los 36.000 unidades con 11.000 CD’s, 7.000 vinilos, 125 cassettes, 435 descargas y 17.500 puntos de streaming. Paul Heaton ha tenido que conformarse con 31.000 unidades, 29.500 de ellas, físicas. Se trata del segundo top 1 en las islas para Charli xcx después de ‘Crash’, su álbum de 2022.

La OCC recuerda cómo quedaron en listas sus otros discos en listas británicas: nada cerca de la cima como podéis observar.
2013 True Romance (85)
2015 SUCKER (15)
2019 Charli (14)
2020 how i’m feeling now (33)

Otros países en los que ‘Brat’ sube al número 1 son Irlanda, Australia y Nueva Zelanda, todos de habla inglesa. También sube al top 5 en Alemania (nuevo máximo) y al top 15 en Italia. El resultado español no se conocerá hasta el lunes.

‘La habitación de al lado’ muestra al Almodóvar más triste y humanista

Desde su presentación internacional a finales de los 80, Pedro Almodóvar siempre ha tenido la posibilidad de hacer una película en inglés. Pero fiel a su estilo y visión, no se sentía preparado ni quería caer en las fauces de Hollywood a las primeras de cambio. Más de cuatro décadas después de su debut ‘Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón’ y tras un par de cortometrajes de preparación (‘La voz humana’ y ‘Extraña forma de vida’), el cineasta manchego se lanza por fin a la piscina con su primer largometraje en inglés, con el que ha ganado el León de Oro en el Festival de Venecia. ‘La habitación de al lado’ es una adaptación de la novela de Sigrid Nunez ‘Cuál es tu tormento’, donde dos mujeres que llevan años sin verse retoman su amistad cuando una de ellas se entera de que la otra está ingresada en el hospital con un cáncer grave.

Tilda Swinton, ya afianzada como chica Almodóvar tras su participación en ‘La voz humana’, interpreta a Martha, una antigua reportera de guerra que acaba de ser diagnosticada con la enfermedad letal, mientras que Julianne Moore es Ingrid, una novelista de éxito.

La manera en la que Almodóvar retrata esta tragedia dista ligeramente de lo que uno podría esperar. El cineasta, tan reconocido por sus grandes melodramas, se muestra aquí sorprendentemente austero, no dejando que en ningún momento la sentimentalidad se apodere del relato (incluso con el amplio uso de la magnífica partitura de Alberto Iglesias). Algo que juega siempre a favor de la cinta, ya que ‘La habitación de al lado’ se engrandece en sus momentos más intimistas, aquellos en los que basta con una mirada de sus excelentes actrices para transmitir todas las aristas y matices del conflicto principal.

La trama es sencilla, pero a nivel temático es una película muy rica, que extrae, partiendo de lo personal, un potente discurso sociopolítico. La muerte acechante, presente en cada segundo de metraje, está retratada como una parte inevitable de la vida, por lo que un sentimiento vitalista recorre el film de principio a fin. Almodóvar defiende el derecho a morirse con dignidad, y en ese discurso, es quizá en el único momento donde se pasa ligeramente con el subrayador. El resto del tiempo, ‘La habitación de al lado’ es una película, aunque muy clara con sus ideas y sin intención alguna de ambigüedades, envuelta en una gran elegancia discursiva y formal.

Se trata de un film que parece indicar el comienzo de una depuración de estilo, aunque es inequívocamente almodovariano. En su primer largometraje en inglés, el cineasta no ha perdido ni un ápice de personalidad ni a nivel estético ni en sus diálogos y personajes. Tanto Martha como Ingrid son dos protagonistas desde ya inolvidables en su universo, y su relación de amistad es uno de los aspectos más bonitos dentro de un guion ya de por sí estupendo. No resulta tan frecuente encontrarse con historias de amistad femenina en la madurez, y ahí es donde Almodóvar encuentra el verdadero corazón de la película. Ingrid entiende que lo único que puede hacer por Martha es pasar el tiempo que le queda junto a ella, ofrecerle su compañía, su cariño. Y ella está ahí, siempre en la habitación de al lado (ya sea de manera figurativa o literal). Ambas actrices se entregan a sus personajes con una delicadeza y una sensibilidad memorables, entendiendo perfectamente lo que su director pretendía. Porque la cinta es, ante todo, una obra profundamente humanista sobre la importancia de escuchar y ponerse en la piel del otro.

‘La habitación de al lado’ es la película más triste y solemne de la carrera de Pedro Almodóvar. También de las más profundas. Con una puesta en escena modesta, con escasas localizaciones y muy pocos actores, el cineasta compone un retrato emocionante y doloroso sobre aceptar el final de la vida.

Love of Lesbian / Ejército de salvación

El nuevo disco de Love of Lesbian -el décimo ya- es un homenaje a sí mismos. En concreto, es una celebración de su amistad y de ‘La hermandad’ -así se titula uno de los cortes- que Santi, Oriol, Jordi y Julián comparten desde hace muchos años. La misma amistad en torno a la cual se ha configurado su banda. ‘Ejército de salvación’ no es una reinvención, ni tampoco un descalabro, sino una constatación de que Love of Lesbian siguen aquí, como si fueran tus amigos, tal y como los recuerdas.

Y a tus amigos les quieres con sus virtudes y defectos. ‘Ejército de salvación’ es otra razón para amar y odiar a Love of Lesbian, ahora que ellos mismos reconocen sentirse “odiables” de vez en cuando. A Santi Balmes y compañía les han vuelto a salir muy buenas canciones solo lastradas por una línea lírica que se lanza de cabeza a la piscina de la vergüenza ajena, por usar una expresión que el propio Balmes podría haber escrito.

Balmes, que es escritor, tiene un público, pero desde luego escucharle cantar según qué expresiones no siempre da el resultado esperado. ‘Una conversación pendiente’, por temática, una de las pistas clave de ‘Ejército de salvación’, está llena de frases que no hay por dónde cogerlas. “A veces tú, a veces yo, a ver si tú, a ver si yo, poniendo modo avión nos estrellamos” es la que tiene más delito, pero no la única.

El “problema” es que, por cada “no eres tan imbécil” que canta Balmes, el grupo cuela una buena melodía que te calla la boca. En ‘La herida’ con Jorge Drexler, una de las cinco colaboraciones que incluye el álbum, Balmes se pregunta “quién es ahora el empleado del mes en tu vida”, utilizando otra de esas extrañas combinaciones entre lo formal y lo emocional que tanto le gustan. La frase incomoda, pero la melodía vuelve a ser un caramelo y la canción, que incorpora un acorde de piano de inspiración disco, vuelve a estar arreglada con sumo gusto. Y así, todo el álbum.

No vale la pena desgranar cada una de las frases de Santi Balmes que llaman la atención en ‘Ejército de salvación’. Ocurrencias como “1 a 0 contra la soledad”, “ye-ye-llévame a la mierda y si es de la mano, mejor”, “me la suda vivir” o, atención, “yendo por la calle me metí un buen piño y se me vieron las bragas”, volverán a ser apreciadas por sus fans y denostadas por sus estorninos, como ha ocurrido siempre. Y, en el peor de los casos, opacarán otras frases mejores, como esa graciosa mención a los guiris de Barcelona en ‘Contradicción’.

Es mejor quedarse con las canciones, y Love of Lesbian siguen siendo unos hachas componiendo melodías adhesivas y canciones edificantes que te ayudan a escapar un poco de los sinsabores del día a día. El fondo de ‘Ejército de salvación’ vuelve a ser un pop-rock con sintetizadores agradable y convencionalillo, pero efectivo al fin y al cabo para lo que nos quiere contar la banda y cómo nos lo cuenta, y diferenciado siempre por la inclinación épica de las canciones hacia aquello que ellos llamaron una vez «pop progresivo».

Vuelven a estar apañadas pistas como la inicial ‘Canción de emergencias’ o la mencionada ‘La herida’. Las colaboraciones son mejores en el contrapunto femenino. Especialmente Amaral están muy bien aprovechados en ‘Qué vas a saber’, una canción dedicada a una decepción amistosa que acaba en reconciliación y, por tanto, acaba también bien arriba; y Rigoberta Bandini se queda con el single más importante de esta era y directamente con la mejor canción, ‘Contradicción’, otra de esas composiciones épicas de Love of Lesbian tan edificantes que el componente coloquial de la letra pasa a un segundo plano (menos cuando cantan eso de “llévame a la mierda”).

La joya de ‘Ejército de salvación’ se llama ‘Tesis’, es una colaboración con Zahara y es otra de esas canciones de Love of Lesbian que se componen de dos partes diferenciadas. En este caso, la segunda parte, especialmente en su precioso inicio instrumental, sirve para aliviar el dolor expresado en la letra (la de “me la suda vivir”). No funcionan tan bien los casi siete minutos de la pista inicial, que no se conforma con ser una balada de inspiración setentera, sino que tiene que ir a lo épico, como todas las canciones de Love of Lesbian. No quiere ser diferente.

Entre los tropiezos que se da este ejército de salvación en este viaje de casi una hora de duración, el stomper folk-pop de ‘La hermandad’ es tan sutil como promete su letra, y la canción de los piños y las bragas, una colaboración con Leiva desarrollada por WhatsApp, contiene el estribillo “juro que ahora sí gano la Champions y el Mundial”, de nuevo, generando cringe con una mezcla imposible de imaginarios. Una mezcla absolutamente deliberada, por supuesto. Aunque para deliberada la copia de ‘El día que Starman huyó’ a ‘The Winner Takes it All’ de ABBA. Algo disimulada, eso sí.

RFTW: Kylie Minogue, FKA twigs, Kelly Lee Owens, La Plata…

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Hoy 18 de octubre se editan nuevos discos de Kylie Minogue, Confidence Man, Kelly Lee Owens, Japandroids, Carlangas, Christopher Owens, Porridge Radio, Fin del Mundo, Shawn Mendes, Joe Jonas, The Blessed Madonna, Salvar Doñana, Dominique A o Tim Heidecker. También se lanza el EP de Bon Iver.

Se editan, por otro lado, varios sencillos importantes, a destacar el primer single del próximo disco de Zahara, y también dos duetos que darán de qué hablar, por un lado, el de Rosé y Bruno Mars y, por otro, el de Sevdaliza y Karol G.

FKA twigs presenta el segundo single de su nuevo disco, y el mundo recibe también nueva música de Tamino, Sophie Ellis-Bextor, Panda Bear con Cindy Lee, Mk.gee, JADE, Poppy, Polo & Pan u Odetari. Entre las novedades destacadas que ha dejado la semana, el remix de Charli xcx y Kesha.

El underground nacional está que lo tira hoy, por otro lado, con nuevos lanzamientos de Chucho, Aiko el grupo, Kora, Nos Miran, La Plata, Los Punsetes con Los Planetas, Atalaya Roja o Delaporte. Aún en el ámbito del pop en castellano, los colombianos Margarita Siempre Viva, que colaboran con Depresión Sonora.

Entre los nuevos nombres de la playlist «Ready for the Weekend» que os recomendamos se encuentran Lucas Jesús, Olga Zoet o Sr Bizarro. No os perdáis tampoco novedades de 070 Shake, Oklou, Antilopez, Nieve Ella, Rae Morris, «la balada» de Ruslana…

One Direction llora la muerte de Liam Payne

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One Direction ha publicado un mensaje de luto por la repentina muerte de Liam Payne, uno de los integrantes de la banda. «Estamos completamente devastados por la muerte de Liam. Diremos más cuando haya pasado un tiempo y cada uno de nosotros se sienta preparado. Mientras nos tomaremos un tiempo para procesar la pérdida de nuestro hermano, al que tanto queríamos. Los recuerdos que compartimos con él los atesoraremos por siempre». Louis Tomlinson, Zayn Malik, Niall Horan y Harry Styles firman el comunicado.

En las últimas horas se han ido sucediendo los mensajes de despedida a Payne firmados por cada uno de los integrantes de One Direction. Tanto Zayn como Louis y Harry han recordado con cariño su amistad con Liam, y Zayn ha agradecido a Liam haberle dado su apoyo en «los momentos más difíciles» de su vida, aunque ha lamentado no habérselo podido decir en vida.

Niall Horan, el último componente de One Direction que vio a Liam Payne con vida, pues ambos coincidieron en Argentina hace muy pocos días, ha escrito: «Me siento afortunado de poder haber visto a Liam hace muy poco. Tristemente no sabía que después de decirle adiós y de abrazarle esa tarde, le estaría diciendo adiós para siempre».

Más allá de lo personal, Louis y Zayn han dedicado palabras en sus respectivos comunicados para elogiar el talento musical de Liam, destacando su buen oído para la música y su buen hacer para la composición. Para Zayn era el integrante musicalmente más «cualificado» de One Direction, y Louis ha expresado que Liam era «la parte más vital» del grupo.

Payne ha perdido la vida este miércoles en Buenos Aires tras precipitarse desde el balcón de un hotel, a los 31 años. JENESAISPOP recuerda el papel esencial que jugó Liam Payne en One Direction en un obituario firmado por Alberto Acerete.

Zahara huye de Madrid y del pop en su «canción de amor»

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Diversas obras artísticas a lo largo de la historia han presentado la casa como un personaje más, con alma y, en algunos casos, capacidad de hablar. El ejemplo más recordado puede ser ‘La caída de la casa de Usher’ de Edgar Allan Poe, cuento en el que el hogar simboliza la claustrofobia psicológica de su protagonista. El terror ha jugado mucho con el concepto de casa personificada, por ejemplo, la película ‘Monter House’ (2006) o el clásico de culto japonés ‘Hausu’ (1977). Sin embargo, no siempre el hogar ha servido de alegoría del estado de terror de los personajes, como demuestra la preciosa película de Disney, ‘Encanto‘ (2021).

El nuevo single de Zahara se integra en la segunda categoría de productos culturales que celebran el hogar. Zahara dedica «una canción de amor» a una casa de campo, de la que se ha «enamorado», y la contrapone a la de Madrid, ciudad de la que huye. «Que se muera Madrid, que arda en el infierno», canta en la letra.

Para Zahara, su nueva casa es una persona como ella. «Escucho sus ruidos en la noche, siento que esta casa me habla, que tiene manos, pulmones, escucho cada una de sus palabras», canta la ubetense embriagada por el recuerdo de una vida más tranquila, rodeada de naturaleza, que vuelve a ser una realidad. Zahara celebra su conexión directa con la naturaleza, con las «amapolas», los «abejorros» o los «cipreses». Observa incluso una «silla rota», seguramente de mimbre, aunque no lo detalla. En cualquier caso, Zahara encuentra en esta casa un vehículo para escapar de la «tristeza» y posiblemente también del frenesí de Madrid, una ciudad maravillosa pero que también puede ser muy hostil.

Para contar esta historia de amor, que es igual de romántica que otras, pero no está dedicada a una persona, Zahara no recurre a un sonido bucólico en absoluto. Eso habría sido demasiado predecible. En su huida de Madrid, Zahara también huye del pop en el primer adelanto de su nuevo disco, ‘Lento Ternura‘, que se pondrá a la venta ya en 2025.

El sonido de ‘Yo solo quería escribir una canción de amor’ no rompe radicalmente con el de ‘Puta‘ (2021), sino que lo asienta. La producción -firmada por Zahara- evoca con su base mecanizada una influencia del post-punk de base sintética. Sobre esta base, Zahara interpreta una melodía que tiene mucho más de canción melódica española de lo que parece, sin ofrecer ganchos obvios en una primera escucha. Es una apuesta arriesgada de Zahara… que entra por los ojos a través de su -literalmente- fantástico videoclip. El concepto de casa de pueblo daba juego, y Zahara ha hecho los deberes lanzando un visual que es pura golosina para la vista.

¿Qué te parece ‘Yo solo quería escribir una canción de amor’ de Zahara?

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Rosé y Bruno Mars hacen el bobo en el bubblegum punk de ‘APT’

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Se siguen sucediendo los macrolanzamientos en solitario de las integrantes de BLACKPINK. Después de escuchar a Lisa convertirse en una ‘New Woman‘ junto a Rosalía, y después de dejarnos conquistar por el ‘Mantra‘ de Jennie, ahora es Rosé la que mueve ficha lanzando single con Bruno Mars. Jisoo, calienta que sales.

Por otro lado, se ha anunciado que el álbum debut de Rosé, ‘ROSIE’, se pondrá a la venta el próximo 6 de diciembre. ‘APT.’ es el primer single.

En ‘APT.’, Rosé apuesta por un sonido muy diferente al de sus dos sencillos anteriores, ‘On the Ground’ y ‘Gone’. En concreto, ‘APT.’ se inclina hacia el sonido cheerleader y las guitarras bubblegum de Avril Lavigne… y hacia las percusiones de ‘Shake it Off’ de Taylor Swift.

‘APT.’ es una canción desenfadada y divertidilla, aunque suena todo lo procesada que puede sonar una canción «punk» diseñada en uno de esos laboratorios de la industria musical mainstream. Hasta 11 compositores figuran en los créditos de ‘APT.’, entre ellos, por supuesto, Bruno Mars, que con ‘APT.’ toma acción tras el lanzamiento de ‘Die with a Smile‘, actual número 1 global.

La estética prestada del bubblegum punk impregna el rockero videoclip de ‘APT.’. Están todos los códigos del punk que esperas: Rosé y Bruno Mars llevan chaqueta de cuero y gafas rosas con forma de estrella, tocan la batería e interpretan la canción delante de un set de altavoces y usando un micrófono enganchado a un largo cable. En otras palabras: ya era hora de que alguien reivindicara ‘Sucker‘… aunque Rosé no recupere la mala baba de Charli xcx.

¿Qué te parece APT de Rosé y Bruno Mars?

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‘No Me Cansaré’ de escuchar lo nuevo de Sevdaliza y Karol G

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Sevdaliza estrena ‘No Me Cansaré’, su colaboración con Karol G. Es un lanzamiento importante para ambas: en el caso de Sevdaliza, es su primer single desde ‘Alibi‘, y en el de Karol G, es el primero desde ‘Si antes te hubiera conocido‘. Ambos han sido grandes éxitos internacionales en el último año, sobre todo en el ámbito hispano, a pesar de que Sevda Alizadeh es iraní, aunque es cierto que su sonido ha ido evolucionando hacia los ritmos latinos.

‘No Me Cansaré’ está escrita sobre una base de reguetón a medio tiempo y, tanto por ritmo como por melodía, es la típica canción de Karol G, lo cual se confirma comprobando los créditos de composición, en los que el nombre de Carolina Giraldo aparece en primer lugar. Melódicamente, es una canción tan dulce como las suele escribir la autora de ‘Provenza’. La letra celebra un amor sano. «Tú me dejas brillar, me siento librе aún siendo tuya / No me cortas las alas, tú me dеjas volar», dice uno de los versos.

Aunque es la frase «Tú proteges mi niña interior» la que inspira el videoclip de ‘No Me Cansaré’, que tira de nostalgia mostrando las versiones infantiles de Sevdaliza y Karol G y, además, se ha rodado en blanco y negro.

Sevdaliza y Karol G coincidieron recientemente en la gira de Mañana será bonito a su paso por Brasil, por lo que la alianza entre las dos artistas puede venir de ahí.

Sevdaliza ha dado este año su gran salto al mainstream gracias a ‘Alibi’, su single con Pabllo Vittar e Yseult que emplea la melodía del «Rosa, qué linda eres» de Totó la Momposina. ‘Alibi’ se ha viralizado en TikTok, ha tomado el global de Spotify y ha sido un éxito en varias listas oficiales de Europa y América Latina, especialmente de Portugal, donde se ha posicionado en el número 1; Francia o Brasil. También ha alcanzado el número 1 en Turquía. En España la repercusión de ‘Alibi’ ha sido moderada.

A continuación se editó un remix de ‘Alibi’ con Anitta, copiando la estrategia del single anterior de Sevdaliza, ‘Ride or Die‘ con Villano Antillano, que se viralizó tras el lanzamiento de su remix con Tokischa. Ahora mismo, ‘Alibi’ -en su versión original- está posicionada en el 59 del global de Spotify superando los 300 millones de streamings en Spotify.

15 artistas españoles que han triunfado fuera

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Dedicamos el nuevo episodio de ALGO CAMBIÓ…, el podcast que JENESAISPOP realiza junto a Fundación SGAE, a hablar de artistas españoles cuyo éxito ha llegado más allá de nuestras fronteras. Últimamente se ha hablado mucho de la internacionalización del repertorio de Rosalía tras fichar por la división internacional de Sony o de artistas presentes en el top 500 de Spotify como Quevedo y Rels B. Este último actuó en el Foro Sol de México para 65.000 personas, antes de hacerlo en España. Pero hubo precedentes, como el de Mónica Naranjo, que arrasó en este mismo lugar antes de en el propio.

Sonados fueron los casos de Raphael o Julio Iglesias. El modo en que este penetró en el mercado estadounidense fue analizado en el libro ‘HEY!’ de Hans Laguna. Muy diferente fue el caso de su hijo Enrique Iglesias, que arrasó antes del huracán latino y la música en español, en plena hecatombe 11-S.

Mecano tradujeron sus canciones al italiano o al francés, Luz Casal también llevó su éxito al país galo de la mano de Almodóvar, y Héroes del Silencio aún suenan en Alemania con ‘Entre dos tierras’. Todos sabemos que Alejandro Sanz y Pablo Alborán han llevado su éxito a países hispanohablantes, pero menos conocidos son los casos de Jarabe de Palo y Rosana, que lograron discos de platino en Italia y colaron su música en las emisoras de otros países de la Europa continental, además de en Latinoamérica.

Porque no solo son importantes las listas sino también la cultura de salas a escala internacional, visitan el podcast Hinds, que como siempre van a presentar su nuevo álbum por todo el mundo. Junto a Carlota Cossials y Ana Perrote, recordamos cómo asaltaron Reino Unido con su debut ‘Leave Me Alone’ y cómo lo llevaron a otros territorios tan complicados como Estados Unidos o la Europa continental. No obstante, el grupo puntualiza que tiene el mismo número de fans en España que en otros lugares. «Se nos pone el apellido de que «triunfamos más fuera que dentro», y nada más lejos de la realidad. Lo que ocurre es que el mundo es muy grande. Tocamos las mismas veces en Madrid y Barcelona, que en Nueva York. Lo que pasa es que vamos muchas veces a Nueva York, a Londres o a Berlín. Pero porque nos preocupamos de tener un gran jardín».

No siempre ha sido un camino de rosas. En Japón y tras la pandemia, tendrán que volver a empezar de cero tras haber perdido un Fuji Rock. «Tienes que plantar semillas en territorios de todo el planeta y si no las riegas se te mueren», indica Cossials. «Los gastos de ir a Japón son muy altos». De hecho, durante el confinamiento, Hinds han estado cerca de morir como banda. «Este disco es un renacer. A nivel interno. A nivel estilo no se ha notado tanto pero al ver la muerte tan de cerca, cada mañana que tenemos una promo, una entrevista o un podcast lo hemos cogido con muchas ganas. La pandemia nos pegó fuerte».

Ahora el dúo está entusiasmado por la recepción de su nuevo álbum, el notable ‘Viva Hinds’, tras varias eras recibiendo «hate». «Ahora estamos recibiendo mucho amor, pero todos los palos y hostias nos los hemos comido aquí (en España)».

Por su música, es cierto que se sienten más cercanas a la escena anglosajona. En su disco colaboran Beck o Grian Chatten de Fontaines DC, no artistas nacionales. «Nadie se atreve a ser nuestro amigo», bromean. «Rara vez encontramos una entrevista de un grupo de nuestro tamaño en que nos mencionen, únicamente los grupos de chicas». Cossials pone como ejemplos a Ginebras, shego y un tuit de Arde Bogotá que decía «ánimo, chicas». «Pero creo que nos referencian por motivos políticos, por el sexismo, al nivel de mujeres, por lo que hemos hecho para tener un lugar equitativo en la industria musical. Pero rara vez a un jambo que esté a nuestro nivel oirás decir «me encantan las Hinds». Sin politizar que somos internacionales o que somos chicas. No le gustamos a nadie», vuelven a bromear.

Y subrayan que eso solo pasa en España: «A los propios Fontaines se les cae la baba con nosotras. No vamos a ponernos a fardar pero en la industria fuera se nos quiere y se nos respeta mucho», puntualiza Perrote. «Yo no me cambio por nadie y me encanta ser de aquí y haber cambiado la escena española, pero si hubiéramos sido una banda sin el cariño internacional… Aquí hemos tardado 3 discos en que se nos empiece a respetar y a tratar un poco bien».

En la última parte del podcast, Luis Gómez, jefe de socios de SGAE, nos habla de su experiencia con Mecano o Quevedo, y nos da otros nombres que han dejado ingresos voluminosos, como el de los metaleros Crisix, que tienen público en Colombia o Francia o Álvaro Soler. Además, nos revela qué territorio es el más apetecible para los autores españoles por ser en el que más se recauda. SPOILER: no es México.

Liam Payne fue el hermano mayor de One Direction aunque lo olvidáramos

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La pérdida de Liam Payne ha conmocionado al mundo, incluso a aquellos a los que su nombre no dijese nada. Era muy joven, apenas tenía 31 años y hace unas semanas se posponía el lanzamiento de su próximo álbum. Pero, sobre todo, formaba parte de una esperanza generacional que lleva años inundando las redes, sumando incluso a nuevos seguidores que nunca vivieron el fenómeno en su tiempo: volver a ver reunidos a One Direction.

One Direction fueron el último fenómeno de masas global, en cuanto a teen groups se refiere, en occidente. Ni sus sucesoras en The X Factor Little Mix, ni sus homólogas americanas Fifth Harmony, y mucho menos aquellos rivales directos que parecían ser The Wanted se acercaron a las cotas de popularidad e impacto cultural del grupo. Un tipo de banda, por otro lado, opuesta al control exhaustivo de los grupos coreanos actuales, que han elevado los estándares de ejecución del pop a un trabajo olímpico y, con ellos, los estándares del público al encumbrar este tipo de fenómenos. La espontaneidad y el descontrol de One Direction representan muy bien los años en los que existieron.

El tiempo, no obstante, ha distorsionado el impacto que Liam Payne tuvo inicialmente en el público y la banda. Aquellos que asistimos, semana a semana, a cómo un grupo de cinco chicos erráticos y descontrolados se salvaban, contra todo pronóstico, una semana tras otra en The X Factor; aquellos que asistimos al nacimiento de un fenómeno de masas cuando, siguiendo a ‘What Makes You Beautiful’, su primer single, lanzaron el que sería uno de los discos de pop adolescente (al igual que ‘Take Me Home’, su continuación) más perfectos de la historia; sabemos que Liam no mentía cuando hace unos años desvelaba públicamente que era él la figura que los productores habían elegido para liderar One Direction. Así se lo habían comunicado en su día.

El mundo hizo mofa de sus declaraciones, olvidando no solo su rol en las entrevistas del grupo, sus intervenciones o incluso su posición predominante en las canciones y los vídeos, sino también evitando recordar que fue Liam el primer integrante de la banda en presentarse ante la audiencia de The X Factor. Fue Liam, situado en el centro y un paso por delante de sus compañeros, el encargado de cantar el primer verso de ‘Viva la Vida’ de Coldplay. A pesar de la evidencia, Internet (especialmente Twitter) decidió no creerlo cuando lo relató, llevando a cabo una especie de cancelación. La primera de muchas. Afortunadamente, este dato lo confirmaría Nicole Scherzinger posteriormente, la mente de la que surgió la formación tal y como la conocimos. Era evidente que algo había cambiado entre el público y él.

Dentro del grupo, Liam Payne representaba la masculinidad hegemónica que la industria requería a las boybands entonces. Era 2010. El rol de Liam estaba tan asentado en las boybands y, para la industria era tan necesario, que The Wanted podría leerse como una banda en la que existían cinco versiones diferentes de la figura que Liam representaba en One Direction. Era el chico guapo, normativo, formal hasta cierto punto, canalla cuando estabas a solas con él. Era Mario Casas en ‘A tres metros sobre el cielo’, pero sin moto y teniendo la aprobación de tus padres.

Dotaba de aplomo a la banda, que durante sus tres primeros discos se caracterizaba por un descontrol festivo e infantil. El caos, de hecho, fue un elemento fundamental en One Direction. Si bien fue un aspecto que parecía jugar en su contra durante The X Factor, terminó convirtiéndose en la piedra angular de la marca. Las actuaciones e intervenciones del grupo, llenas de una energía excesiva, descontrolada y caótica, solían estar tamizadas por la serenidad y aparente madurez de Liam. Era, de algún modo, el hermano mayor que vigilaba, guiaba, sosegaba, pero agitaba cuando las cosas se volvían demasiado tranquilas. Fue, en muchas ocasiones, el pilar. Incluso en la gestión que el grupo hacía de la rebeldía de Zayn Malik.

«Liam fue el hermano mayor que vigilaba, guiaba, sosegaba, pero agitaba cuando las cosas se volvían demasiado tranquilas»

El descanso definitivo del grupo (nunca se llegaron a separar) terminó con esa figura. Y a ese fin hemos asistido año tras año. Las decisiones artísticas de Liam Payne, menos innovadoras o sólidas que las de sus compañeros, y los problemas que se acumulaban a su alrededor, especialmente en los últimos tiempos, le terminaron convirtiendo en la figura antagonista a la que representó en la banda. O hizo crecer aquella que se intuía bajo las capas de formalidad.

Desde el inicio del descanso de One Direction, el mundo (y con él, la industria) evolucionó en muchos aspectos culturales y sociales. Entre ellos, dejó de validar la masculinidad hegemónica que Payne había encarnado, algo frágil. Al tiempo que el resto de los miembros evolucionaba, se cuestionaba o crecía dentro y fuera de la música, Liam, como figura pública, permaneció estático. Harry, Louis, Zayn y Niall lograban, a su forma, reconfigurar sus identidades públicas al tiempo que la sociedad deslegitimaba actitudes y roles previamente aceptados. Así, conseguían mantener una sólida base de seguidores. Liam no.

La base de fans del grupo, de forma asombrosa, sigue siendo fiel catorce años después de su inicio, pero se trata de una base de fans muy distinta a la de entonces. El perfil actual de fans de One Direction probablemente encuentre cuestionables muchos detalles del pasado de la banda, como algunas de las caricaturas del icónico vídeo de ‘Best Song Ever’. Pero no solo han cambiado los seguidores que estuvieron entonces. El fenómeno ha crecido gracias a Tik Tok, sumando seguidores a la banda, gente tan joven que no la vivió en su momento. Todos los miembros se han visto favorecidos por un crecimiento exponencial a lo largo de los años. Liam Payne fue el único en no beneficiarse de esto. El proyecto de Liam Payne y su figura han parecido no disponer de espacio para cuestionamientos, ni personales ni artísticos. Y los seguidores no estaban dispuestos a entender a Liam y, parece, Liam tampoco supo (o quiso) entenderlos a ellos.

No obstante, llegará el tiempo en el que podamos analizar todo esto con perspectiva, lo ocurrido, su carrera, la responsabilidad del mercado en sus últimos años, la suya propia, y su pérdida. Ahora quizá sea momento de recordar a Liam Payne como la pieza fundamental que sí fue en el último fenómeno pop masivo de occidente, su impacto en la cultura popular y en toda una generación, que quizá entre de golpe hoy en la vida adulta. Crecer, en parte, es aprender a aceptar lo que se perdió y lo que ya nunca podrá ser.

Descansa en paz, Liam.

Mariah Carey sí sabe identificar cuál es su mejor disco

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Mariah Carey ha vuelto a sacar el tema de su disco perdido de rock alternativo y grunge, grabado en 1995, y afirma que todavía quiere lanzarlo. Además, ha declarado que ‘Butterfly’ es «probablemente» su «mejor disco».

‘Someone’s Ugly Daughter’, descrito como «grunge despreocupado» y «light punk» por la propia artista, fue grabado en secreto durante las sesiones de ‘Daydream’. Carey reveló en 2020 la existencia de este disco, pero ninguna canción ha visto la luz todavía. Ahora, en un nuevo episodio del podcast ‘Las Culturistas’, Carey ha declarado que sigue teniendo ganas de que lo escuchemos: «Estoy molesta por no haberlo sacado todavía».

Uno de los presentadores le sugiere a la cantante lanzarlo de forma independiente en Garageband, e inmediatamente responde que lo «podría hacer»: «Es un buen disco», añade. Después, Carey hace una promesa que no sabemos si se cumplirá en algún momento: «Vale, lo escucharéis», concluye.

En otro momento del programa, la cantante neoyorquina cuenta que ‘Butterfly’ (1997) es el disco que más significa para ella y admite que es su mejor trabajo, lo cual no es muy común entre artistas. Siempre suelen apostar por el último o por los primeros, pero ella es más sabia: «Me encanta ese disco. Tiene un sentimiento concreto cuando lo escuchas. Simplemente tiene mucha diversidad», declara Carey antes de bromear sobre la falta de elogios y premios hacia ese álbum. Curiosamente, Carey ya indicó que consideraba ‘Butterfly’ su obra maestra… en el libreto de un disco posterior, ‘Memoirs of an imperfect angel’ (2009).

En el podcast REVELACIÓN O TIMO, cuando nos detuvimos a seleccionar 6 discos esenciales de Mariah Carey, tuvimos claro que ‘Butterfly’ era el mejor. Tras las colaboraciones con raperos que habían comenzado en la era ‘Daydream’, ‘Butterfly’ contenía hits como ‘Honey’ y el pseudo bolero ‘My All’, además de ‘The Roof’, tema que sampleaba a Mobb Deep; ‘Babydoll’ con Missy Elliott; ‘Fly Away’ con David Morales y créditos de Elton John; o una versión de Prince. Es un perfecto resumen de lo que ha sido el legado de Mariah Carey.