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“Yodeling Kid” empuja los streamings de ‘Lovesick Blues’ de Hank Williams y actúa hoy en Coachella

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Hank Williams empezó a tocar ‘Lovesick Blues’ en sus directos en 1948, prendado por la melodía original que Cliff Friend e Irving Mills habían compuesto 20 años antes para el musical ‘Oh, Ernest’. Williams grabó su versión pocos meses después, y en pleno 2018, esta se encuentra actualmente entre los mayores éxitos virales en streaming. ¿Por qué?

La razón es un niño de 11 años llamado Mason Ramsey, cuya graciosa interpretación de ‘Lovesick Blues’ en un supermercado de Walmart en Harrisburg, Illinois se ha hecho viral en las última semanas, amasando decenas de millones de visitas en muy poco tiempo y convirtiendo a Ramsey en el nuevo meme de moda en internet. El canto tirolés de Ramsey, que ha recibido el sobrenombre de “Yodeling Kid” (el niño del canto tirolés), no es perfecto, pero la gracia de su interpretación ha gustado tanto que Ellen DeGeneres lo ha entrevistado en su programa y el chavalín actúa este fin de semana en Coachella.

Como informa TMZ, Ramsey actuará junto a Whethan (????) en el festival californiano, y de hecho otros artistas han contactado con él para que se una a sus conciertos, entre ellos Post Malone. Sin embargo, Rasmey tiene programada una actuación ese día, por lo que no podrá actuar con el rapero al menos hasta la segunda semana del festival. Os dejamos con el instagram del “pequeño Hank Williams”.

Mariah Carey escribirá sus memorias

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Mariah Carey publicó en 2010 un disco titulado ‘Memoirs of an Imperfect Angel’… pero sus “memorias” de verdad parece que llegarán en los próximos meses o en unos pocos años. Y viniendo de quien vienen, se antojan fascinantes.

Page Six confirma que la autora de ‘Always Be My Baby’ se encuentra trabajando en su autobiografía, y la noticia es especialmente interesante dado que Carey acaba de revelar públicamente que sufre trastorno bipolar desde 2001.

Según el medio norteamericano, Carey ha estado “mirando en su interior tras las muertes de sus amigos Whitney Houston y Prince”, y parece que la cantante indagará de manera especial en el libro en su experiencia con su enfermedad, relatando la mala manera en que sus allegados en aquel momento recibieron la noticia de su diagnóstico. Su equipo cuenta: “Muy poca gente de su círculo cercano sabía que era bipolar. Ha sido una decisión muy personal para ella. Ha estado tomando y abandonando la medicación desde que fue diagnosticada. Hay un grupo pequeño de gente que se preocupaba por ella que se fue yendo de su vida gradualmente. Hubo muchos problemas. Es muy complicado. Fue muy grave”.

Mientras escribe su libro, Carey trabaja también en su disco número 15, confirma PageSix. Sería el sucesor del notable ‘Me. I Am Mariah… The Elusive Chanteuse‘, publicado en 2014. Después sí ha habido recopilatorios, una serie de conciertos fijos en Las Vegas y algunos singles, como ‘The Star’, nominada a un Globo de Oro por su aparición en la película del mismo nombre.

George Ezra / Staying at Tamara’s

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George Ezra entra dentro de esa categoría de jóvenes solistas británicos que, como Adele, Ed Sheeran o Sam Smith, han contribuido enormemente a vencer la depresión post-britpop con canciones de inspiración por lo general clásica y sobre todo amables. En su caso, el joven Ezra debutó con apenas 20 años con ‘Wanted on Voyage’, un sleeper nutrido de esencia folk-blues pero abiertamente pop, que fue ganando adeptos poco a poco hasta convertirse en Disco de Platino y transformarle, de la noche a la mañana, en una estrella. Cuatro años le ha llevado a George superar el vértigo de su nuevo estatus y crear –o intentarlo, al menos– un nuevo disco a la altura.

Viajar –compuso el disco en diversos países del mundo, entre ellos un alojamiento en Barcelona propiedad de una chica llamada Tamara, referenciado en el título del álbum y que apuesto a que es donde está tomada la foto de la portada–, divertirse y enamorarse –sobre todo esto ultimo– parecen haber insuflado a Ezra la inspiración necesaria para escribirlo, y esas sensaciones de felicidad, emoción, efervescencia y candor se filtran a borbotones, imparables, en ‘Staying at Tamara’s’. Sobre todo, con un contraste muy marcado entre lo que serían cara A y cara B, en una primera parte absolutamente embriagadora. Por entendernos: para cuando llega la vibrante ‘Paradise’, primer single oficial y que se ha convertido (de nuevo) en un éxito en Reino Unido, uno ya está casi fatigado de bailar y cantar las optimistas y alegres ‘Pretty Shining People’, ‘Don’t Matter Now’, ‘Get Away’ y ‘Shotgun’. Pocos arranques de álbum escucharemos este año como este, tan extenuante y divertido, capaz de plantar una amplia sonrisa en la cara al más amargado y pesimista. Pop brillante y elegante, quizá algo académico, pero con cierto desemelene. Como un Jack Johnson (o un Jason Mraz) soportable, vaya.

Grabado y escrito con el equipo de su confianza que ya trabajó en su debut (el productor Cam Blackwood más el músico y compositor Joel Pott –de los extintos Athlete, también detrás de Shura, Mabel, ‘Skyfall‘ de Adele…–), Ezra se entrega lo más luminoso la amistad, el amor y la vida sin el más mínimo rubor a ser demasiado naif. Lo hace, además, sofisticando palpablemente su sonido sin que la raíz soul de su estilo pierda pie (esa estupenda voz de barítono, sin duda, contribuye a que tenga un punto de solemnidad). Sin embargo, ha cometido una osadía que podría haber arruinado ‘Staying at Tamara’s’: al contrario de lo que marcan las convenciones de la industria, Ezra no alterna temas uptempo y downtempo con habilidad para que haya un equilibrio fácil, masticable, de principio al fin del disco. De manera insólita, el artista criado en Hertford, un pequeño pueblo al norte de Londres, polariza su obra del todo, casi como si fueran dos álbumes (¿dos EPs?) distintos.

Así, tras el bonito medio tiempo de inspiración doo-wop ‘All My Love’ –una más de las varias declaraciones de amor a su pareja que aquí desgrana–, el ritmo del disco comienza a ralentizarse paulatinamente (apenas ‘Sugarcoat’ mantiene un aire vivaracho algo contenido). Esto supone un bajón de intensidad difícil de asimilar tras el impetuoso arranque del disco, especialmente en las primeras escuchas, y la certeza de que hubiera mejorado ostensiblemente con una secuencia más convencional es palpable. Pero por suerte las melodías, las canciones, como siempre, están ahí para apuntalar la obra. Canciones que, aunque suenen algo inconexas, resultan meritorias. Especialmente la creciente ‘Hold My Girl’ –la típica balada sheeranesca que acaba sonando en bodas; al tiempo– y una ‘Saviour’ que tendría cabida en el último álbum de First Aid Kit (y no solo porque las mellizas suecas hagan coros en ella). El bien arreglado baladón de autoayuda (con piano de Rae Morris y cálidos metales) ‘Only a Human’ o la algo pastelosa ‘The Beautiful Dream’ (con coros de Florrie, presente en varios temas) se escoran hacia los Coldplay más prescindibles, pero eso no hace que, en conjunto, ‘Staying at Tamara’s’ sea un muy buen disco. Eso es más de lo que podremos decir de buena parte de los otros álbumes que, probablemente junto a este, veremos entre los más vendidos del año 2018.

Calificación: 7,3/10
Lo mejor: la explosiva secuencia inicial hasta el corte 6, ‘Hold My Girl’, ‘Saviour’
Te gustará si: no te espantan Ed Sheeran y Adele y además te gustan Shout Out Louds o los desaparecidos The Crookes
Escúchalo: Spotify

‘Heartstone’, el difícil despertar homosexual en la preadolescencia

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Islandia siempre ha sido más conocida por sus músicos que por sus cineastas. De hecho, resulta sorprendente que un país cuya población cabe casi en Móstoles haya dado tantos artistas relevantes: Björk, Emilíana Torrini, Sigur Rós, Múm… Sin embargo, en los últimos años, esto está cambiando. No hay festival de cine que no incluya una película islandesa. La mayoría se llevan premio. Y, lo más insólito, se estrenan en España: ‘Rams’ (mejor película de Un Certain Regard en Cannes), ‘Corazón gigante’ (premios en Tribeca y la Seminci), ‘Sparrows’ (Concha de Oro en San Sebastián), ‘De caballos y hombres’ (Premio Nuevos Realizadores en San Sebastián)… También está el caso de Baltasar Kormákur. El director, hijo del pintor catalán Baltasar Samper, ha construido una sólida carrera internacional combinando trabajos en su Islandia natal (‘101 Reikiavik’, ‘Medidas extremas’) con otros en Hollywood (‘Contraband’, ‘2 guns’, ‘Everest’).

La última película islandesa en llegar a España es ‘Heartstone’. El debut de Guðmundur Arnar Guðmundsson (prueba a pronunciarlo) se estrena tras pasar con éxito por el festival de Sevilla (donde se llevó el premio LGTB) y antes por el de Venecia (donde también se llevó el mismo galardón, el Queer Lion). Si nos fijamos solo en su argumento, ‘Heartstone’ no se distingue apenas de los cientos de relatos de iniciación homosexual (muy bienintencionados pero la mayoría poco estimulantes cinematográficamente) que puedes ver cada año en cualquier muestra de cine LGTB. La diferencia, como ocurría también en la brasileña ‘A primera vista’, hay que buscarla en la forma de su narración y en el contexto en el que se adscribe. Y ahí es donde esta película muestra toda su fortaleza.

‘Heartstone’ está ambientada en un pequeño pueblo islandés. Es verano. Los dos amigos protagonistas se pasan el día pescando, bañándose e intentando ligar con dos vecinas. El director y guionista (la historia es autobiográfica) sigue sus correrías combinando los primeros planos de los interiores, cálidos y sensuales, con las grandes panorámicas de los espectaculares pero también gélidos e inclementes paisajes de la isla. Esta dialéctica estilística funciona como eficaz metáfora del conflicto que viven los personajes; el contraste entre un entorno natural de gran belleza, donde los adolescentes se pueden mover y expresar con enorme libertad, y la pequeña comunidad rural, opresiva, desestructurada, hostil y homófoba.

Aunque la película se termine haciendo más larga que el invierno islandés (su narración es algo monocorde y repetitiva), consigue mantener el interés del espectador gracias a su seductora atmósfera, la ambigüedad con la que está tratada la identidad sexual de sus protagonistas (que parece ir definiéndose casi en tiempo real), su inspirada selección de canciones (GusGus, Sigur Rós, Torrini), y varios detalles de puesta en escena cargados de sutileza y emotividad. Como muestra, la bonita alegoría, llena de esperanza, que se hace con el pez escorpión. Un pez raro y feo, al que los chicos desprecian y matan cuando lo pescan en grupo, pero que devuelven al mar con delicadeza cuando lo atrapan en la intimidad. 7.

Aitana estrena la versión definitiva de ‘Arde’, pero sigue siendo difícil creérsela en ella

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Poco a poco van saliendo a la luz las versiones mejoradas, presentables, acabadas de las canciones que los finalistas de Operación Triunfo grabaron en la Academia para participar en Eurovisión. ‘Tu canción‘ de Amaia Romero y Alfred García llegó primero, ‘Lo malo’ de Aitana War después y ahora es el turno de ‘Arde’, el single en solitario de Aitana.

Si bien la versión definitiva de ‘Arde’ suena ahora mucho más rica y profesional, al habérsele añadido ritmos, instrumentos y efectos, y también una buena dosis de autotune a la voz de Aitana que, por alguna razón, los involucrados en las canciones de OT no están consiguiendo disimular o que suene mínimamente natural (es también muy evidente en ‘Tu canción’ y ‘Lo malo‘), sigue sin estar muy claro que ‘Arde’ tenga algún tipo de posibilidad de triunfar en España.

Esta composición de Alba Reig de Sweet California ha sido, desde el principio, una de las canciones favoritas de los fans en la carrera de Operación Triunfo a Eurovisión, sin embargo, el tema adoleció y lo sigue haciendo de una melodía repetitiva y sobre todo de una letra política excesivamente dramática que, en su sentimentalismo, apunta un dedo acusador directamente al público, dejando algún pasaje muy cuestionable (“será que no queréis, no lo veis”). Hay que esforzarse mucho para creerse a Aitana en esta canción, a pesar de que su interpretación es digna.

El lyric video de la canción, que presenta multitud de imágenes de su intérprete, se ha situado rápidamente como el 5º más visto en Youtube España.

J Balvin comparte ‘Ambiente’ y detalla su disco ‘Vibras’, con Rosalía, ‘Machika’, ‘Mi gente’… pero sin Beyoncé ni ‘x’

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El 25 de mayo llega a las tiendas ‘Vibras’, el nuevo disco de J Balvin. ¿Qué trae el disco? José Álvaro Osorio Balvin ha detallado su “tracklist” en redes sociales e incluye ‘Mi gente’ con Willy William… pero sin Beyoncé (es decir, el tema original, no el remix), ‘Machika‘ con Anitta y Jeon y ‘Ahora’… pero no incluye ‘x‘, el single actual de J Balvin con Nicky Jam, el mayor éxito actualmente en España, que en realidad es de Jam y aparecerá en el disco de él.

‘Vibras’ presenta también varias colaboraciones interesantes, entre ellas las de Rosalía en ‘Brillo’ y el interludio ‘En mi’. No se puede pasar por alto que Rosalía parece buscar en 2018 su gran salto internacional después de haber confirmado, este jueves, que se encuentra trabajando con Pharrell Williams, y de hecho Pharrell ya produjo en el anterior disco de Balvin, ‘Energía‘. También Carla Morrison está en el disco y no en cualquier canción, sino en la titular, ‘Vibras’, que abre secuencia.

La pista 3 del disco, ‘Ambiente’, es además el nuevo single y puede escucharse desde hoy 13 de abril en las plataformas de streaming. Es otro tema sensual, de templado ritmo caribeño, que habla sobre una mujer insaciable. “Si hay humo en el ambiente, se pone demente y no quiere parar”, canta Balvin.

‘Vibras’:

01 Vibras (ft. Carla Morrison)
02 Mi gente (ft. Willy William)
03 Ambiente
04 Cuando tú quieras
05 No es justo (ft. Zion & Lennox)
06 Ahora
07 Brillo (ft. Rosalía)
08 En mi (interludio) (ft. Rosalía)
09 En mi
10 Peligrosa (ft. Chris Jeday)
11 Noches pasadas
12 Tu verdad
13 Dónde estarás
14 Machika (ft. Jeon, Anitta)

Esto es #VIBRAS

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Sr Chinarro / Asunción

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Sr Chinarro ha vuelto a Mushroom Pillow tras su aventura en la autoedición y su paso por El Segell del Primavera Sound, que como el de Los Planetas, ha sido breve. Desde el punto de vista artístico o promocional, en cambio, ‘Asunción’ no parece que vaya a ser un punto de inflexión en la carrera de Antonio Luque, quien desde la nota de prensa elogia sus penúltimas aventuras discográficas y afirma haber vuelto al sello que editaba algunos de sus grandes clásicos de la década pasada, como ‘El mundo según‘ y ‘Ronroneando‘, simplemente porque es quien maneja la mayoría de sus discos. «Me apetece reivindicarlos todos, y en ningún sitio mejor que donde pueden volver a trabajar esas grabaciones, además de esta nueva, ‘Asunción'».

¿Qué tiene de peculiar ‘Asunción’ en una discografía que se acerca a la veintena de lanzamientos? Sin duda la grabación junto a Jaime Beltrán a las guitarras, Mario Rodríguez al bajo y Mario Fernández «Mafo» a la batería, músicos con los que empezó a tocar grabando ‘El progreso‘. El autor asegura que su «juventud, talento, intuición y energía» han sido una «transfusión de sangre» para Sr Chinarro y que la grabación de los cuatro y nadie más (es el propio Luque quien se ha encargado de los teclados) da homogeneidad al álbum, como así es. Atrás quedaron los guiños flamencos y la entrega al folclore nacional de una manera u otra. Aquí no hay palmeros ni Morentes y el grupo adopta una posición más anglosajona que, punteos y sintes mediante, nos sitúa en los 80 de The Cure y otros grupos del post-punk. Se oye muy claro en las guitarras de ‘Hasta la saciedad’ o en los teclados al final del single ‘Las pruebas’.

‘Asunción’ también es una entrega a la música pop considerable. Hay cierto halo en el disco de regreso a sus inicios -cierto cripticismo-, pero los estribillos se asoman cristalinos en la mencionada ‘Las pruebas’, aunque sea a través de sus tradicionales juegos de palabras, de «pruébame que hay vida, se trata de probar» a «esta fuerza hará la unión»; y aunque las canciones escondan mensajes pesimistas o por lo menos oscuros sobre la vida, a menudo suenan luminosos y alegres, como sucede en ‘Ángel azul’ y ese cantarín «a quién queremos engañar / al aliado o al rival / afuera / la química es la pobre realidad / el roce y la electricidad».

El problema principal de estas canciones es que Chinarro no ha querido conectar las melodías más inmediatas con los textos más inmediatos, dejando la sensación de que en su visión artística en este momento, en lo esquivo está la virtud. ‘No soy para ti’, no solo por su título, estaba llamada a ser una de las canciones más asequibles del largo («te gustan las sorpresas, te las regalo / me traes de cabeza, es duro a mi edad»), pero su coro «por tenerte me moría, y dolió, pero sobreviví» no es el mejor acabado de los 10 contenidos en ‘Asunción’.

Al final, sentarte con los textos del disco y subrayarlos, analizarlos, realizar anotaciones sobre ellos, es la mejor manera de disfrutar de este álbum. Sr Chinarro es una de las voces más peculiares de la historia del pop español y su visión sobre la política, sobre la religión o sobre las nuevas formas de familia es interesante. Polémicas con Operación Triunfo al margen, por ejemplo ha hablado últimamente de la caída de la familia y el amor tradicionales, y esa caída aparece aquí en forma de encuentro con el desamor, como se ve en ‘No soy para ti’ o en ‘Mi utopía’; o en la mención irónica de ‘Supersticiones’ («gente habrá que siga unida hasta el hospital»).

Merece la pena adentrarse también en su visión política. Dice Luque que hay que ser más autocrítico. La catastrofista ‘Quiero hacerlo mejor’, en la que proclama que «no ve solución» y se pregunta «cuál será su misión», va de que «todos somos muy buenos y los políticos son muy malos. ¿Seguro que no podemos hacer nada más allá de votar?». Pero más interesante aún son la ambigua ‘Hasta la saciedad’, que empieza diciendo que «era muy tarde o muy temprano para gritos de revolución» y termina planteando «en qué bando está el patán» o «el idiota que malmete quién será»; y la presencia ocasional del humor en medio del apocalipsis: «Te diré lo que votaron los de tu comunidad / tienen solo un árbol y lo talarán», dice ‘Mi utopía’.

Entre las canciones significativas están también una ‘De piedra’ -‘No soy de piedra’, más bien- que supone toda una presentación de sí mismo, especialmente en la segunda estrofa («estoy hecho de montañas (…) de la leche de mi madre (…) y del sudor de trabajar, de refranes de mi padre»); y la berlanguiana ‘Por vanidad’. Se parece a Carlos en su carácter final, sintético y lo-fi a lo ‘Manga por hombro‘, y a Luis en su carácter costumbrista y pueblerino: «dicen todavía misas / no sé a qué esperan para resucitar / a mí me dan la risa y las cenizas / que sin cadenas vuelven al mar». Definitivamente las letras son lo mejor de Sr Chinarro esta vez, pero no pasa nada, lo mismo sucedió a Magnetic Fields durante varios discos y después nos entregaron ‘50 Song Memoir‘.

Calificación: 6,5/10
Te gustará si te gustan: Sr Chinarro, The Cure, nudozurdo
Lo mejor: ‘Las pruebas’, ‘Por vanidad’, ‘Ángel azul’, ‘De piedra’
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30 años de ‘Baby Can I Hold You’ de Tracy Chapman: Ed Sheeran, a punto de zigoto

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Esta semana se han cumplido 30 años del debut de Tracy Chapman, un álbum superlativo y muy exitoso que dejó un gran clásico, ‘Fast Car’, recientemente revisitado en modo EDM con resultados artísticos espeluznantes, inversamente proporcionales a su número de streamings; o la también histórica ‘Talkin’ ‘bout a Revolution’. Se ha hablado mucho del componente político en las canciones de Chapman, que de hecho llegó a actuar en el 70º cumpleaños de Nelson Mandela. A colación de una entrevista en 2002, The Guardian explicaba que la artista habló para «una generación de aspirantes a radicales, en una era política demasiado tardía para el París de 1968 y demasiado temprana para el Seattle de 1999».

Lo cierto es que su álbum 7 veces platino en Reino Unido y 6 veces platino en Estados Unidos, fue una rareza en un 1988 dominado por los «bailes sucios» y los «quiero tu sexo» (‘Faith’ y ‘Dirty Dancing’ coparon las listas de aquel año), y Chapman tenía claro que el componente político era inherente a su música por mucho que insistiera en que «no tenía tiempo» para ser «activista» de verdad. «Creo que es importante, si eres artista, usar tu música para poner sobre la mesa aquello en lo que de verdad crees».

Así las cosas, por lo raro que es en un artista más o menos «pop» hacer canción política y hacerla bien, se ha pasado a menudo por alto el poder de sus canciones de amor y ‘Baby Can I Hold You’, que también fue un hit del disco, no es tan recordada como ‘Fast Car’, que retrataba a una mujer tratando de huir de los umbrales de la pobreza (si algún despistado no la ha tenido nunca una tarde entera en bucle, por favor, es aquí). Es curioso pero ‘Baby Can I Hold You’ es una de las pocas canciones del debut de Chapman que no sale ni mencionada en el amplísimo reportaje-entrevista de Rolling Stone de 1988.

Al lado de ‘Fast Car’ y su particular punteo, ‘Baby, Can I Hold You’ no es más que una inofensiva canción de amor construida por supuesto sobre una base de guitarra, que se acompaña de unos teclados solo medio bailables, probablemente esclavos de la moda de la época (también iba cargado de sintetizadores el coetáneo y maravilloso ‘I’m Your Man’ de Leonard Cohen). Hay que recordar que Chapman tuvo dificultades para encontrar su sonido, pues el que iba a ser el productor del disco falleció en un accidente de coche y la cantautora no se encontraba nada cómoda con los músicos y productor que le pusieron en el estudio, llegando a abandonarlo, como relataba también a The Guardian en 2008.

En cualquier caso, qué canción… Chapman habla con profunda tristeza, marcando cada sílaba de las estrofas, de cómo alguien no se las apaña para decir las palabras que ella necesita oír, que no son otras que «lo siento» y… «lo siento» y «perdóname»… y «perdóname». Con un universo abierto a las puertas de esta sencillísima letra (¿la dificultad de expresar emociones de los machos alfa? ¿el maltrato? ¿una disputa con alguna novia?), Chapman aportaba tanto un himno de reconciliación como, en sintonía con el resto del disco, una reflexión sobre lo absurdo de no dar el brazo a torcer, que -malas noticias para la humanidad-, sigue totalmente vigente en el siglo XXI.

De ella seguramente ha tomado muy buena nota Ed Sheeran, por mucho que no naciera hasta principios de 1991. Porque Edward Christopher ha aprendido un truquito o dos: ‘Thinking Out Loud‘ es básicamente una canción de Tracy Chapman, ambos comparten gusto y estética andróginos y de hecho se ha acusado a Sheeran de copiar ‘Mountains O’ Things‘, contenida en el mismo disco debut de Chapman del que hablamos, en ‘Shape of You’. Lo seguro es que los sintes tropicalillos en mitad de una canción de autor ya estaban en el pop de hace 30 años…



Rosalía confirma que está trabajando con Pharrell Williams

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Además de aparecer en el próximo disco de J Balvin, Rosalía está grabando con Pharrell Williams. Sí, Pharrell Williams. Así lo ha confirmado la cantaora catalana en Instagram, donde ha colgado una imagen junto al productor y un vídeo (sin audio) en el que aparece con él y otras personas en los Conway Recording Studios de Los Ángeles. Sí, Rosalía por fin está en Los Ángeles tras triunfar junto a Raúl Fernández “Refree” con un disco titulado ‘Los ángeles‘. En el “stories” de Rosalía también puede verse a la artista junto a su colaborador y amigo, Pablo Díaz-Reixa, aka El Guincho.

En los estudios Conway han trabajado grandes como Beyoncé, Michael Jackson, Ariana Grande, Britney Spears, Justin Bieber, Black Eyed Peas, Justin Timberlake y un largo etcétera. Casi acabaríamos antes diciendo quién no ha pasado por allí, porque hasta Marilyn Manson se ha dejado caer, según la información de la Wikipedia anglosajona.

En su post de Instagram, Rosalía ha escrito que es un “sueño” trabajar con Pharrell, pero sin audio al que atenernos solo podemos elucubrar sobre el sonido de esta colaboración imposible. Posiblemente tenga algo que ver con la próxima actuación de Rosalía en el Sónar, donde presentará “nuevo disco y sonido”, como ha confirmado el propio festival.

es 1 sueño hacer musica contigo @pharrell 🦄🦄 s/o mike

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Nicki Minaj estrena ‘Chun-Li’ y ‘Barbie Tingz’, de la que adelanta videoclip friki

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Nicki Minaj se hartó a sacar singles y colaboraciones en 2017… hasta que dejó de hacerlo allá por diciembre, por lo que su ausencia en los pocos meses que llevamos de 2018 ha parecido una verdadera eternidad. Pero no os preocupéis: Minaj había prometido dos singles nuevos para hoy jueves 12 de abril, ‘Chun-Li’ y ‘Barbie Tingz’, y estos ya están disponibles en las plataformas de streaming.

Parece que ‘Barbie Tingz’ será el single oficial de esta tanda, ya que su videoclip está listo y de él puede verse un adelanto oficial en Youtube, en el que Nicki aparece disfrazada como de personaje del ballet triádico de Schlemmer, y haciendo sus carantoñas habituales, aunque en él también hace un cameo su alter ego ‘Chun-Li’. No está muy claro cuál de los dos singles tiene más madera de hit, pero ‘Barbie Tingz’ tiene un punto Missy Elliott en sus ritmos muy atractivo, mientras el rap de la oscura ‘Chun-Li’ parece mucho más memorable.

Nicki ha presentado estos dos singles en la radio y ha confirmado que saca disco este año. Será “el mejor de mi vida”, ha dicho. Además, ha hablado sobre su presunto “beef” con Cardi B por ‘MotorSport’, single que ambas raperas comparten con Migos. Emocionada, Minaj ha contado que le dolió que Cardi no le defendiera cuando la gente pensaba que se llevaban mal por su relación con Offset (prometido de Cardi) y que Nicki no quiso grabar con Cardi el vídeo de ‘MotorSport’, cuando Nicki aclaró desde el principio que esto se debió a problemas de agenda.

Florence + the Machine estrena ‘A Sky Full of Song’ con un elegante vídeo en blanco y negro

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Florence + the Machine ha estrenado ‘A Sky Full of Song’, la canción que se sabía iba a lanzar de manera especial para el Record Store Day, el 21 de abril, pero que se rumorea -sobre todo en foros- pudiera ser el sencillo principal de un nuevo disco titulado ‘High as Hope’ que saldría a finales de junio.

‘A Sky Full of Song’ es una balada sencilla, en la que destaca lo que parece un prominente contrabajo y en general unos sutiles arreglos de cuerda, y sobre todo una tranquilidad que no es tan habitual en los singles de Florence + the Machine. Sin nada que ver con ‘Dog Days Are Over’, ‘Shake it Out’ o ‘What Kind of Man’, ‘A Sky Full of Song’ emociona desde la contención absoluta, añadiendo coros “shoop shoop” finales y enganchando con las escuchas con una preciosa melodía que parece un “grower” en toda regla. Florence ha compuesto el tema junto a su habitual Emile Haynie y el pianista Thomas Bartlett (Doveman).

El nuevo single de Florence presenta con un elegante videoclip en blanco y negro dirigido por A.G. Rojas, director de Los Ángeles nacido en Barcelona que ha trabajado con Leonard Cohen (‘Days of Kindness’), Spiritualized (‘Hey Jane’) o Kamasi Washington (‘Harmony of Difference’). El símbolo de la flor parece importante en este vídeo en el que vemos a Florence cantando acostada en el suelo o frente a un jarrón, muy natural.

Lil Xan, entre lo más visto en Youtube España gracias a Diplo, suspende para la crítica

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Lil Xan es uno de los artistas invitados en ‘California’, el nuevo EP de Diplo. Diego Leanos, el chaval de 21 años que se esconde tras el nombre de Lil Xan, precisamente es de California y se ha hecho bastante famosillo en Estados Unidos en el último año gracias a canciones como ‘Betrayed’ o ‘Xanarchy’ y a otras que han ido sumando millones de escuchas en Youtube y Soundcloud, situando a Lil Xan firmemente en la ola emo rap que triunfa ahora mismo en el país, gracias a raperos como Yung Lean o el controvertido XXXTENTACION.

La bailable ‘Color Blind’ tiene poco que ver con el trabajo de Lil Xan, pero el tema, que tiene un punto un poco Flume, es pegadizo y su videoclip es actualmente tendencia en Youtube España. Era, hasta la llegada de ‘Let Me’ de Zayn, el segundo videoclip más visto en España hoy solo por detrás de ‘Te boté remix’, el tema que junta a Casper, Nio García, Darell, Nicky Jam, Bad Bunny, Ozuna, y en streaming se está colocando poco a poco como la canción más escuchada del EP de Diplo.

Lil Xan, que reconoce haber sido adicto al XANAX (de ahí su nombre artístico) y no tiene problema en ser visto bebiendo “purple drank” como si fuera agua en las entrevistas, se está haciendo un pequeño hueco en el hip-hop americano gracias a su recién publicado debut, ‘TOTAL XANARCHY’, que será top 20 en Billboard esta semana según las estimaciones de HITS Daily Double. Sin embargo, no será porque la crítica lo haya recibido con grandes halagos: una pobre media de 4,9 acumula el disco actualmente en Metacritic. Un par de críticas más y acaba como el debut de Charlie Puth

Varry Brava agotan por primera vez en Joy Eslava

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Este sábado 14 de abril, Varry Brava darán uno de los conciertos más importantes de su carrera en la sala Joy Eslava de Madrid. Las entradas para este evento están agotadas desde hace una semana, lo que supone un buen empujón para la carrera de este grupo que, poco a poco, en el estilo de Vetusta Morla, Supersubmarina o Izal, ha ido ganando más y más adeptos desde su llegada en 2012.

Es la primera vez que Varry Brava agotan en la importante sala madrileña, con aforo de 1.500 personas, y parte de este éxito se debe al puñado de buenas canciones que incluye su último disco, ‘Furor‘, entre ellas ‘El sitio perfecto’ y ‘La ruta del amor’ (aprobada por Chimo Bayo), pero también a otros temas anteriores como ‘No gires’, ‘Chicas’ o ‘Playa’ que han ido conformando un repertorio fresco perfecto para bailar en festivales cerveza en mano.

A estos temas este año se ha sumado, gracias a ‘Furor’, ‘Nada personal’, un tema de nuevo bailable y veraniego, aunque sin el punto tropical de ‘El sitio perfecto’, que sin embargo parece otro hit si nos atenemos a su pegadizo estribillo, a pesar de que no se encuentra entre los mayores éxitos del grupo en streaming. El grupo murciano presentaba videoclip para esta canción hace unos días en el que sus integrantes y otros personajes interpretan el tema frente a un set de luces de neón.

Laura Marling y Mike Lindsay son LUMP y presentan buen single con peluche bailarín

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Por un lado, Laura Marling, cantautora de folk británica reconocida por discos como ‘I Speak Because I Can‘ o el reciente ‘Semper Femina’, y por el otro, el también británico Mike Lindsay, líder de Tunng, grupo asociado a la folktrónica que a finales de la década pasada entregó discos tan interesantes como ‘Good Arrows’ o ‘…and Then We Saw Land’, y los más eclécticos Throws.

Ambos unen fuerzas en un proyecto conjunto llamado LUMP. Su primer disco, homónimo, y bastante breve, por cierto, sale el 1 de junio vía Dead Oceans con la portada que veis, protagonizada por un peluche humano que además aparece y baila sin parar en el videoclip del single principal, ‘Curse of the Contemporary’. El tema tiene un punto psicodélico e infantil o circense (¿de ahí el vídeo?) y aúna guitarras y sintetizadores para contarnos una historia de existencialismo ante el devenir de la humanidad. “No puedo creer en lo que nos hemos convertido”, canta Marling con su registro más teatral.

Esteban Diacono ha realizado el videoclip para ‘Curse of the Contemporary’, y en un comunicado ha resaltado el carácter alegre y tierno de la canción, inspirándose a su vez en algunos de los temas importantes en las letras de Laura, pero “desde un punto de vista diferente”. “Me ha inspirado la idea de California como “fábrica de sueños”, en la idea de esos sets de cine que podían transformarse por sí solos, dar forma y color a los sueños y encender la imaginación”.

‘LUMP’:

1. Late To The Flight
2. May I Be The Light
3. Rolling Thunder
4. Curse Of The Contemporary
5. Hand Hold Hero
6. Shake Your Shelter
7. LUMP is a Product (credits)

Hinds / I Don’t Run

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Recientemente, The Guardian publicó un artículo, entusiasta pero repleto de inexactitudes, sobre la nueva escena garajera madrileña. Básicamente, venía a decir que en Madrid entre finales de los 80 y el advenimiento de The Parrots, Los Nastys y, sobre todo, Hinds, no existía prácticamente el punk-rock en directo; que este país era poco más que un páramo en que la juventud sólo tenía a su alcance la música de los Iglesias (padre e hijo). Las Hinds no han inventado el garaje, ni han traído el rock a las vidas de nuestros jóvenes, ni, muchísimo menos, han sido el primer grupo español en tener éxito masivo como se comenta en el citado artículo (‘Black Is Black’ de Los Bravos fue número 2 en las listas británicas, para empezar). Sin embargo, la repercusión internacional, las expectativas que tienen aquí y ahora es absolutamente cierta y contrastable. Pero no dejemos que el grado de locura y excitación permanente que parece perseguir a las Hinds –no sólo el entusiasmo desmedido, sino también cierta condescendencia desdeñosa que siguen generando en algunos sectores (a la crónica de El País a la que hacían referencia en la entrevista que publicamos hace unos días me remito)- nos aparte de lo realmente importante: su música.

Negarles encanto, olfato, gancho y chispa a estas alturas sería del género tonto. ‘Leave Me Alone’, filias o fobias aparte, transpiraba un espíritu garajero travieso y desenfadado, más que este ‘I Don’t Run’, escorado al indie pop, con un deje más sentimental y melancólico, sobre todo hacia el final (al fin y al cabo, es un álbum dedicado al desamor). Las Hinds han madurado, aunque este sea un verbo que suene fatal cuando hablamos de punk pop. Las ganas de divertirse continúan presentes, pero también se respira menos inconsciencia y sí más autoconsciencia. Ya no hay vocación amateur. El grupo se ha profesionalizado bastante, en el buen sentido, y ahora las veo más cerca de sus adorados Strokes que de Beat Happening, por poner un ejemplo, aunque aún sigue palpitante ese espíritu de DIY, tan a lo The Raincoats.

Y gracias a estos sutiles avances, este segundo disco me ha acabado gustando bastante más que su debut… a pesar de que tengo mis particulares objeciones. Porque, aunque las canciones son muy buenas, hay algo que me chirría en toda la ecuación. Y eso me temo que es una sensación tan subjetiva que no sé hasta qué punto es compartible. Y es que la manera de revestirlas me parece en líneas generales algo desafortunada. Su frescura instrumental (baterías alborozadas, guitarras certeras y juguetonas) y melódica (siguen creando chucherías pop) se lastra un poco por la manera en que se presentan las voces y los juegos entre Carlotta Cosials y Ana Perrote, que suenan muchas veces excesivamente teatrales, como si trataran de forzar el desparpajo y prácticamente consiguieran lo contrario.

Aunque quizás esto sea más achacable a Gordon Raphael, según nos explicaba Carlotta: “[Gordon] nos hizo trabajar un montón las voces, a nivel pronunciación y a nivel experimentar, “más divertidas, más enfadadas, en esta toma tomáoslo tranquilo”. Dio un punto de misterio que favorecía a la canción. Hay una textura en las voces que no existe en el primer disco, también a nivel tonal, con tonos que no estaban en el primer disco y dan mucho color”. Pues es precisamente el tratamiento vocal, que parece poco natural en muchos temas, prácticamente la única pega que le podemos poner a ‘I Don’t Run’, ya que al antojarse postizo, resta una parte de su espontaneidad, una de las más queridas virtudes de Hinds. Por ejemplo, el “efecto megáfono” es prácticamente omnipresente (e innecesario bastantes veces).

Eso sí, tras varias escuchas, se obvian los detalles superficiales y sólo puedes quedarte con lo bueno, pues las reproducciones repetidas, lejos de desgastarlo, acrecientan el álbum. Porque mantienen el espíritu vivaracho pero no tosco. Y eso lo demuestran nada más arrancar con ‘The Club’, al más puro estilo Pixies/Breeders, con Ana y Carlota alternándose en un reproche al amado que se empieza a mostrar esquivo, aunque lo niegue, y en una oda a, precisamente, crecer: “I wanna show you it’s cool to grow up / I wanna prove that your clock doesn’t stop at the club” (“quiero enseñarte que es genial crecer / quiero probar que tu reloj no se para en el club”). El «dolce far niente» veraniego se materializa en ‘Soberland’, con una guitarra y una línea melódica en su puente que parece robada a alguna banda de indie pop ochentero y primigenio, aunque esta pieza parecía reclamar mayor pureza pop. Verano, pero melancólico, presintiendo el otoño, en la también muy notable ‘Linda’, tan reconcentrada que gana muchísimo con unas alternancias vocales aquí ajustadísimas, sin excesos.

Otra lección de “happy sad” se imparte en ‘New for You’. ‘Tester’ amaga con ser una balada hawaiana, hasta que se eleva, eufórica, con pausa, subidón acelerado, estribillo birlado a They Might Be Giants y líneas de bajo bien gordas, ideal para cantar y pegar botes en los conciertos. Como ese ruego (inútil) a dejar de pensar en el tipo que te ha dejado, que es ‘Finally Floating’, con un delicioso requiebro, sumamente contagioso, en el estribillo cuando entonan “I need to stay awake tonight / Because you’re sleeping in my mind / ‘Cause when I’m finally floating / I know what the dreams gonna be about” (“necesito mantenerme despierta esta noche / porque estás durmiendo en mi mente / Porque cuando finalmente estoy flotando / ya sé sobre qué voy a soñar”). Y aquí los efectos y las alternancias vocales sí que resultan 100% certeros y efectivos.

Canciones que, de entrada, parecen algo más discretas, como la bonita ‘Echoing my Name’, también ganan al mantenerse más austeras en la producción vocal. Mientras que ‘To the Morning Light’ es una pieza saltarina e infecciosa (ay, esa guitarra es puro amor), lo más sorprendente de ‘I Don’t Run’ es el final con ‘Ma Nuit’, una pieza extraña y cacofónica, más cerca del bolero que del punk. Y, probablemente, un pequeño aviso de que las Hinds no se cierran en banda y tienen en perspectiva un horizonte sónico mucho más extenso del que mostraban en sus inicios.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘The Club’, ‘Soberland’, ‘Linda’, ‘Finally Floating’, ‘To the Morning Light’
Te gustarán si te gustan: The Raincoats, Las Odio, el indie-punk-pop sandunguero.
Escúchalo: Spotify

Zayn presenta ‘Let Me’, superproducción feminista con José Padhilha, director de ‘Narcos’

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Tras arrasar el año pasado con su single con Taylor Swift, y ojo, porque ningún single de ‘reputation‘ llegaba ni remotamente a los 700 millones de streamings que roza la notable ‘I Don’t Wanna Live Forever‘ en Spotify, este ha de ser el año de Zayn, el One Direction más díscolo.

Su nuevo single recibe el nombre de ‘Let Me’ y continúa la senda de R&B sexy con falsete que ya conocimos en la mencionada canción de ‘50 sombras más oscuras‘, aquí con un enorme protagonismo de la guitarra acústica. La amabilísima composición, co-producida por MakeYouKnowLove (‘Pillowtalk’, ‘She’, etcétera), se estrena junto a un vídeo dirigido por Jose Padilha (‘Narcos‘, el ‘Robocop’ de 2014), toda una superproducción con solo de artes marciales.

Zayn, con un reloj carísimo puesto, pretende emular precisamente las películas de mafias y violencia en rescate de su chica, si bien hay «plot twist» final, acorde a los tiempos feministas que corren. La modelo protagonista esconde cierto parecido con su ex Gigi Hadid, como apuntan varios tuiteros.

No hay noticia concreta sobre el segundo disco de estudio de Zayn, que ha de suceder a ‘Mind of Mine‘. Se desconoce, por tanto, a ciencia cierta, si incluirá singles ya conocidos como ‘Still Got Time’ con PartyNextDoor o ‘Dusk Till Dawn’, con Sia, cuyo vídeo ya era un thriller policial.

The Weeknd vende más que The Vaccines sin edición física

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La nueva lista de ventas en España se corresponde con los días de Semana Santa, lo cual explica la absoluta falta de movimiento en las posiciones principales, encabezadas por tercera semana consecutiva por Manolo García con ‘Geometría del Rayo’, certificado como disco de oro por Sony. La subida más fuerte es ‘Yo me veo contigo’, que no es el último disco de Melendi (‘Ahora’ sigue en el puesto 2) sino un compilado de 69 canciones suyas: pasa del puesto 36 al 12 en su 17ª semana con todos nosotros.

La entrada más fuerte es Franco Fagioli con ‘Handel Arias’ en el número 32, seguida de Ben Harper & Charlie Musselwhite con ‘No Mercy In This Land’ en el puesto 38. La lista de novedades en ventas en España se cierra con BTS en el número 96 con ‘Face Yourself’. Eso sí, quizá es más curioso que The Weeknd entre al puesto 45 en ventas con ‘My Dear Melancholy,’, tan por encima de lo nuevo de The Vaccines (puesto 83 con ‘Combat Sports’) si recordamos que Abel Tesfaye no cuenta de momento con edición física, ni CD, ni vinilo, ni cassette. No sabemos quién compra en iTunes en España, pero lo mismo ha sucedido en Estados Unidos, donde The Weeknd es número 1 directo del Billboard 200; e incluso en Reino Unido, donde The Weeknd es top 3 por encima del top 4 de los locales The Vaccines. Ni que decir tiene quién vapulea a quién en cuanto a streaming. Por cierto, hoy jueves se ha estrenado el futurista videoclip de ‘Call Out My Name’.

Precisamente en cuanto a streaming, hay que destacar que Izal siguen en el número 1 de “streaming álbumes”, por cuarta semana consecutiva, con ‘Autoterapia’. Entran el debutante Rich the Kid con ‘The World Is Yours’ (puesto 60, top 2 en Estados Unidos) y Hayley Kiyoko con ‘Expectations’ (91). Esta última pasaba por nuestra sección «Revelación o Timo» el pasado mes de enero.

Tanto en venta como streamings hay que destacar el repunte de Harry Styles después de que su gira pasase por Madrid y Barcelona. En streaming ‘Harry Styles’ sube del 59 al 28 tras haber sido top 2; en ventas re-entra al número 49 tras haber sido top 1.

Álvaro Soler, The Weeknd y Mala Rodríguez entran en la lista de singles española

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‘X’ de Nicky Jam y J Balvin continúan siendo el número 1 en la lista de singles española, mientras ‘Me niego’ de Reik, Ozuna y Wisin sube al puesto 2. Habrá que esperar a la semana que viene para comprobar si las dos versiones de ‘Lo malo’ suman puntos suficientes para derribar ‘X’. Por lo que se ve en Spotify, parece que sí.

La subida más fuerte de la semana es ‘1, 2, 3’ de Sofia Reyes, De La Guetto y Jason Derulo, que pasa del puesto 13 al 7, y también destacamos la subida del 28 al 19 de ‘Llorando en la limo’ de C. Tangana y Alizzz. Es el tercer top 20 en España para Puchito tras ‘Mala mujer’ y ‘Guerrera’ con Dellafuente.

En cuanto a entradas, como ya se intuía, las más fuertes son para Álvaro Soler con ‘La cintura’ (puesto 49) tras la viralización de esta en Youtube; y The Weeknd con ‘Call Out My Name’. Esta, ya un éxito internacional (número 4 directo en Estados Unidos, número 7 en Reino Unido), asoma la cabeza en nuestro complicado país en el número 58.

El listado de entradas de la semana se completa con el cuestionado invento de Juan Magán y Mala Rodríguez con ‘Usted’. Es puesto 62 y es la primera entrada de Mala Rodríguez en singles desde que la lista de streaming existe. Cuando la lista de singles en España se componía de ventas y descargas testimoniales, Mala Rodríguez llegó a ser número 1 con ‘Por la noche’ (2006) y número 30 con ‘No pidas perdón’ (2010).




Sr Chinarro responde (una y otra vez) a la polémica con Javi Calvo y Operación Triunfo

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Sr Chinarro ha sacado disco esta semana (crítica de ‘Asunción’, aquí) y parece que no ha habido entrevista promocional en que no le hayan preguntado por su polémica en Twitter con Javi Calvo. Tras decir en la mencionada red social que «OT nos muestra qué le gusta de la música a la gente a la que no le gusta la música» (frase histórica, la verdad), el que es uno de los directores de ‘La llamada‘, le respondió: «Porque al único al que le gusta la música es a ti porque tú sabes bien qué es la música porque tú eres músico porque tú tú tú, ¿verdad?». Antonio Luque no quiso enzarzarse, y no le contestó directamente -aunque sí a un usuario- y ahora ha explicado por qué. Foto: Jordi Santos.

En Europa Press, como recogía La Vanguardia, reconocía: «No he visto nunca ‘Operación Triunfo’ ni un minuto seguido. El tuit que puse quería decir que hay gente como mis vecinos, que nunca escuchan música pero sí ven ese programa y entendía que debe haber algo en ese programa que gusta a la gente que no le gusta la música. Pero no soy crítico de televisión, era una frase de mi estilo quizás enrevesada o que la gente no sabe cómo leer y lo interpretaron como crítica». La anécdota de «los vecinos» también aparecía en la entrevista de El Cultural, donde hacía una analogía automovilística sin precio: «La inquina con que se manifiesta mucha gente en las redes no me sorprende. Sufren la misma transformación que cuando se meten en el coche con las ventanillas subidas y el seguro echado. No es nada nuevo».

En Público seguía la misma línea: «En realidad estaba exaltando la virtud de ese programa, su capacidad para llegar a gente que no tiene ningún interés por la música, pero es algo normal que se montara este revuelo porque en España existe un serio problema de comprensión lectora». Explica: «Me tildaron de egocéntrico, de pensar sólo en mí. Pero un momento, ¿tú en qué piensas?, ¿acaso tú no eres lo más importante para ti?, ¿acaso tú no piensas constantemente en si tienes hambre, te meas o tienes sueño? Que se vayan a freír monas. Qué le vamos a pedir a un país en el que Tele 5 no sólo es la cadena más vista, sino la que se ve a mayor volumen».

Además, en Diario Sur afirma desconocer quién es Javi Calvo, y por eso no le respondió: «Yo no sabía quién era, por eso no respondí. No quería meterme con Operación Triunfo, porque no he visto ni un minuto», dice antes de referirse, de nuevo, a sus vecinos (¡entrevista con estas personas, ya!).

Curiosamente, ya en 2007 Luque definía OT en Al Norte del Norte como «un programa de televisión, en la línea de ésta».

La canción del día: Olaya de Axolotes Mexicanos muta en diva bubblegum bass con ‘Doble Check’

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Axolotes Mexicanos nacían años atrás como un reflejo en las nuevas generaciones de nuestro país del pop urgente, luminoso y despreocupado, con un espíritu punk, de las canciones de La Casa Azul o Helen Love. Así lo reflejaba el gran mini-Lp ‘Holi <3’ y también el reciente single ‘Trececatorce’, con su pátina 8bits. Pero, rabiosamente jovenzuelos como son, aunque tengan maneras de un pop pretérito también son permeables a las últimas tendencias. Y así lo refleja su nuevo single, ‘Doble Check’, que estrenamos hoy en JENESAISPOP, antes de su lanzamiento oficial del día de mañana. Es un adelanto de su álbum de debut ‘Salu2’, que publica Elefant Records el próximo 11 de mayo.

‘Doble Check’ se presenta, además, con un vídeo deslumbrante. Dirigido por Diego Jiménez, promedia estética VHS, pop y post-vaporwave con muy buena mano, llenando la pantalla de planos icónicos de, claro, Olaya, que no se despega de su teléfono móvil ni a tiros. Además, descubrimos que a Olaya y su hermano Juan (ahora también batería de Carolina Durante) se han sumado tres nuevos Axolotes Mexicanos, uno de los cuales parece ser Carlos René (del dúo Cornelia, productor de capitán Sunrise, San Francisco… y co-productor también de estas nuevas canciones).

‘Doble Check’ nos ha enganchado de manera instantánea, porque traduce a un lenguaje post-bubblegum bass –es decir, la escuela que han creado artistas como SOPHIE o Danny L Harle desde el colectivo PC Music, cuya impronta también se refleja en artistas de renombre como Charli XCX–. Una destelleante tormenta de acelerones rítmicos, glitches y bleeps, en la que Olaya Pedrayes (guionista y dibujante de la tira cómica “Yo he venido de mi casa” que publicamos semanalmente) emerge como diva ultra-autotuneada, poniendo sobre su inmediata melodía una letra que, entre referencias a trap, cómics y el rapero sueco Yung Lean, retrata la incertidumbre sentimental que conlleva las relaciones a través de una pantalla de smartphone. Un conjunto de impacto inmediato que nos genera aún más ganas de descubrir ‘Salu2’ que, como dice su nota de prensa, “está destinado a devorar megas a cascoporro”.

Tracklist de ‘Salu2’:
Intro
Astor
Doble Check
Trececatorce
Nacida para sufrir
Sin ti
Menos 100
Estanquero
XXX
Farmacia
Vaga
Heven’s Gate
Débora Tartas

El Último Vecino, Maika Makovski y Rufus T Firefly en la programación gratuita de WAM

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Los días 4 y 5 de mayo se celebra en el Recinto La Fica de Murcia la 2ª edición del festival WAM, con alt-J, Kasabian, Vitalic, Izal, !!!, Yelle, Dorian, El Columpio Asesino, Viva Suecia, Joe Crepúsculo o Modelo de Respuesta Polar como grandes atractivos de su cartel hasta la fecha. Aunque el grueso del WAM se celebra eese fin de semana, el festival murciano tiene muchas otras actividades paralelas interesantes que acaban de anunciarse. Las más llamativas para nuestro site son los diversos conciertos gratuitos que se celebrarán en la ciudad desde el 30 de abril al 6 de mayo. Entre los artistas destacados de esta nueva edición del programa están Rufus T Firefly –»una de las bandas más solicitadas por los asistentes al festival», dice la nota de prensa–, Maika Makovski –que ofrecerá un acústico en el Teatro Circo–, El Último Vecino o The Parrots –cuyo concierto inauguraráesta edición el lunes 30 de abril–.

Dentro de este paquete de actividades paralelas llamadas “Somos Murcia” hay más anuncios: durante toda la semana, y de manera igualmente gratuita, se encuentra un programa de cine mudo musicado –de la mano de MKM y Marina Te Lo Pincha (la que fuera vocalista de Klaus & Kinski)–, otro de “Mujeres y Música”, sesiones de DJ y varias exposiciones. En ellas cobra un papel esencial la figura de la mujer como creadora, como ocurre en la exposición “Mujeres sobre el escenario”, de Liberto Peiró o en “Al Amor Propio”, la exposición colectiva de creadoras murcianas que acogerá el céntrico LOFT113. También se amplían las rutas de comercios locales, tanto de gastronomía como de arte y artesanía.

Por último, WAM anuncia hoy dos incorporaciones de última hora para el Recinto La Fica: el sábado 5 de mayo se unen al cartel DJ Coco, uno de los nombres imprescindibles de las pistas de baile barcelonesas, y los valencianos Dûrga, que hace tan solo unas semanas actuaban en el
prestigioso SXSW de Austin, Texas. Puedes consultar el programa completo de actividades en la página web del festival y las entradas y abonos (al parecer, quedan ya muy pocos) están disponibles en Ticketea.

They Might Be Giants, Albert Pla, The New Raemon & McEnroe… cierran el cartel de Vida Festival

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Tras haberse consolidado con cuatro inolvidables ediciones y a pocos meses de celebrar su quinto aniversario, Vida Festival presenta el cartel completo de la edición de este año, la cuál tendrá lugar del 28 de junio al 1 de julio en Vilanova i la Geltrú. A los artistas ya confirmados anteriormente –entre los cuales destacan nombres de la talla de Franz Ferdinand, St. Vincent, Iron & Wine, Calexico, Los Planetas, of Montreal, Elvis Perkins y Novedades Carminha—, se suman 11 nuevas incorporaciones a la ecléctica programación del VIDA 2018: They Might Be Giants –que a principios de este año publicaban ‘I Like Fun’–, Tensnake, Albert Pla, The New Raemon & McEnroe, J. Bernardt, Est Oest, Vetviolet, Desert, Jordi Lanuza, Xavi Alías y Da Souza.

Coincidiendo con el cierre del cartel, también se anuncia la distribución del mismo por días: el jueves 28 de junio encabezarán los dos escenarios principales Los Planetas y Calexico; el viernes 29, estarán Franz Ferdinand y St Vincent; y el sábado 30, serán Iron & Wine y They Might Be Giants los nombres más destacados. El festival, además, anuncia la repetición en este 2018 de la iniciativa Vida Club, en la que congrega a 18 DJs como Maadraassoo, VëMö, End of the Road DJs, Eufrasis o Bonny & Clyde DJs.

Los últimos abonos para disfrutar del Vida Festival 2018 siguen a la venta al precio de 85€ (+ gastos de gestión) junto con las demás opciones de acceso: Wild Side, Kids, Family Pack y las entradas de día. Pueden adquirirse en Ticketmaster.

‘One Kiss’, de Calvin Harris & Dua Lipa: ¿»candidata a canción del verano» u «holgazana a más no poder»?

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Parte de la redacción evalúa ‘One Kiss‘ el nuevo single de Calvin Harris con Dua Lipa como invitada.

«Calvin Harris es el Terminator de la música dance: no importa las veces que parezca muerto, siempre vuelve. Tras los discretos resultados comerciales de ‘Funk Wav Bounces Vol. 1‘ (‘Feels’ y ‘Slide’ aparte), ‘Nuh Ready Nuh Ready‘ –ahora suponemos que era un descarte de ese disco de 2017– no resultaba muy halagüeño. ¿Dónde iría ahora el escocés, tras haber sorteado hábilmente la losa en que se había convertido el subgénero que le dio sus mayores glorias, la EDM? Pues la respuesta es al revival 90s, pero no tanto a la estridencia de C+C Music Factory o Technotronic –ese parece un coto más apropiado para Azealia Banks– como al house más elegante y sutil, el de Inner City o Frankie Knuckles. Ahí, o en esa línea, se sitúa este ‘One Kiss’ que, por más que muchos desprecien su carisma como cantante, no sería lo mismo sin Dua Lipa. Sus giros vocales, la sensualidad no obscena que imprime al cantar, no son baladí. ‘One Kiss’ es el perfecto equilibrio entre el Harris de 2012, el de ’18 Months’, y el de 2017, el de ‘Funk Wav Bounces Vol. 1’ y eso es muy bueno». Raúl Guillén.

«Muchas veces las colaboraciones entre dos mega estrellas no van por el camino que la gente esperaba: ‘Hey Girl’ de Lady Gaga y Florence Welch fue uno de los grandes ejemplos recientes, o la propia ‘Feels’ de Calvin Harris con Katy Perry. Esta colaboración de Calvin con Dua Lipa es otro ejemplo: teniendo a la autora de uno de los mayores hits pop del año pasado, muchos esperaban algo con la inmediatez de la época de sus trallazos EDM, o incluso de la más sutil pero igualmente inmediata ‘This Is What You Came For’ con la habitual Rihanna. Y precisamente una de las conclusiones tras escuchar el tema es que la autora de ‘IDGAF’ podría ser perfectamente la próxima compañera habitual de Harris: la forma en que la voz de Lipa se entiende con sus sonidos no debería quedar en experimento puntual. El house noventero de ‘One Kiss’ apunta a ser todo un grower, y la apuesta nostálgica parece que no termina aquí, puesto que ya sigue esa línea el lyric video (con una diversidad en cuanto a besos que, todo hay que decirlo, no es precisamente la del de ‘Everyday‘, sino más bien algo casposa), y habrá que ver si el revival continúa en el clip definitivo. De momento, parece que tenemos ya una de las candidatas a canción del verano». Pablo N. Tocino.

«Que Calvin Harris y Dua Lipa se unan es una gran noticia porque a ambos debemos muchos de los mejores momentos vividos recientemente en las pistas de baile poperas. Que haya un revival constante y cíclico de cualquier cosa que pasó hace 20 años, también. ¿Por qué no revisitar lo que la gente ya había olvidado? Pero ‘One Kiss’ no puede ser más holgazana. Ya está petando, la bailaremos, whatever… pero sus méritos artísticos nunca podrán ser superiores a los del sexto single que nunca existió de ‘Temperamental’. Y eso no es bueno, porque el último disco de Everything But the Girl no fue, a su vez, sino el hermano feo de ‘Walking Wounded'». Sebas E. Alonso.

Freya Ridings, una Florence enamorada del piano

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Freya Ridings visita Madrid hoy jueves 12 de abril para presentar, en Costello Club, las canciones originales que ha publicado entre 2017 y 2018 a través de sendos discos en directo, ‘Live at St. Pancras Old Church’ (2017) y ‘Live at Omeara’ (2018). Sí, el debut de Ridings es un directo, como los de Jane’s Addiction, Hüsker Du o M5F.

Sin embargo, Ridings no tiene nada que ver con ellos. Esta joven inglesa de 23 años deja todo el poderío de sus canciones al piano y sobre todo a su voz, que posee registro grave y emotivo similar al de voces británicas con sentimiento como Florence + the Machine o Gordi. En la estela de Gabrielle Alpin, Agnes Obel o Birdy, Ridings factura canciones dramáticas que buscan llegar directamente al alma, como ‘Lost without You’, ‘Blackout’, ‘You Mean the World to Me’ -que no es una versión de Toni Braxton- o ‘Maps’ -que sí es una versión de Yeah Yeah Yeahs-.

En estas canciones oscuras que nos hablan, sobre todo, de amor, de una persona que se ha ido por razones misteriosas dejando a Ridings un corazón roto (‘Blackout’) o porque ella no supo expresar su amor (‘You Mean the World to Me’), pese a que esta persona fuera un día tan reconfortante como el hogar (‘Home’); se vislumbra a una artista capaz de llenar solo con su voz y piano lugares tan especiales como en los que ha grabado, y por tanto a una promesa que habrá que seguir de cerca.