Sesión de Control: Toundra, Mourn, Tachenko, Marem Ladson, Khaled, 10º aniversario de La Fonoteca…

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4 abril, 2018

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Tulisa Contostavlos ha ganado la batalla legal que la enfrentaba a Will.i.am, por lo que tendrá que ser reconocida como co-autora de ‘Scream and Shout’, la millonaria producción que el magnate ofrecía a la postre a Britney Spears. Tulisa había co-escrito la canción y planeaba incluirla en su disco ‘The Female Boss’ bajo el nombre ‘I Don’t Give A Fuck’. Sin embargo, a los productores de Will.i.am no les gustó la versión original y decidieron sacarla rehecha en un disco de Will.i.am con la colaboración de Spears… sin acreditar a Tulisa.

Eso sí, por alguna razón, aún puede oírse la voz de Tulisa en la grabación que todos conocemos. Y por otro lado, ‘The Female Boss’ llegó a ser editado en 2012 sin esta canción, recibiendo un fabuloso 35/100 en Metacritic, una de las peores puntuaciones de la historia del portal.

Los beneficios de ‘Scream and Shout’, que han de ser considerables si recordamos que suma 225 millones de streamings en Spotify y 650 millones en Youtube, no se habían repartido desde que el litigio comenzó en 2012. Ahora, según informa NME, Contostavlos será reconocida como co-autora de la canción y se llevará el 10% de los derechos de publicación a nivel mundial y los que vengan sobre la grabación. Y es que estamos ante una de las canciones más recurrentes en emisoras y pistas de baile, 6 años después.

A día de hoy, ’Scream & Shout’ solo aparece escrita por Jean Baptiste, Jef Martens y William Adams en los créditos de Spotify, por lo que va a ser toda una aventura averiguar cuánto tarda la plataforma de streaming en obedecer una sentencia judicial sobre derechos de autor. El «olvido» sí ha sido ya rectificado y acreditado en la Wikipedia anglosajona.

John Maus avanza su nuevo disco ‘Addendum’ con ‘Episode’

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4 abril, 2018

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Como todos los fans del peculiar John Maus recordaréis, el filósofo y artista autor de canciones tan chanantes como ‘Right for Gays’ y ‘Believer’, anunciaba hace unos meses una caja con toda su discografía. Esa caja deluxe incluye un álbum inédito desarrollado durante las sesiones del que era su último trabajo hasta la fecha, ‘Screen Memories‘, como se había dicho. La edición en vinilo solo podrá encontrarse en esa caja a partir del 20 de abril, pero ahora además se ha anunciado que el disco inédito, llamado ‘Addendum’, saldrá de manera independiente en formato CD y plataformas digitales a partir del 18 de mayo. Asimismo, se adelanta el single ‘Episode’ desde ya.

La nota de prensa de su sello recuerda que ambos discos fueron grabados al mismo tiempo: «Screen Memories / Addendum fue escrito y grabado por el propio Maus en su casa de Minnesota, conocida como la Funny Farm; un lugar tranquilo y solitario en lo más profundo de América. El paisaje es tan majestuoso como austero e, inevitablemente, tanto las bajas temperaturas de invierno como el zumbido de las avispas en verano, son sensaciones impresas en este álbum».

Os dejamos con el tracklist del largo, con títulos tan prometedores como ‘Drinking Song’, ‘Second Death’ o la final ‘I Want to Live’.

1. Outer Space
2. Dumpster Baby
3. Episode
4. Drinking Song
5. Figured It Out
6. Middle Ages
7. Mind The Droves
8. Privacy
9. Running Man
10. Second Death
11. 1987
12. I Want To Live

‘Llorando en la limo’ de C. Tangana, entrada más fuerte en la lista española de singles

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4 abril, 2018

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No hay grandes novedades en el top 10 español de singles esta semana, capitaneado por ‘X’ de Nicky Jam y J Balvin, que mantienen el número 1, seguidos por ‘Dura’ de Daddy Yankee, ‘Me niego’ de Reik, Ozuna y Wisin y ‘Lo malo’ de Aitana War, que asciende al puesto 4.

La entrada más fuerte del top 100 es ‘Llorando en la limo’ de C. Tangana con Alizzz. La canción que antecede la nueva mixtape de Puchito, aún sin fecha de edición, entra directamente al número 28. Queda, casualmente, un puesto por debajo ahora mismo de ‘Guerrera’ de Dellafuente y C. Tangana, que alcanzó su cumbre hace unas semanas, al subir al número 17, y en esta ocasión se mantiene en el número 27. ‘Mala mujer’ sube del puesto 96 al 83 en su 44ª semana en lista, certificada como triple platino.

Suben Prince Royce, Rudimental

La subida más fuerte es ‘El clavo’ de Prince Royce, que pasa del puesto 79 al puesto 43, aunque también destaca la subida de Rudimental, que pueden lograr con ‘These Days’ su mayor éxito en nuestro país: suben del 56 al puesto 45 con el remix de Camelphat. Como veis, no tiene ni un poquito que ver con la original.

Shawn Mendes, a las puertas del top 50

La segunda entrada más fuerte es la de Shawn Mendes con su single ‘In My Blood’, en el que canta sobre la depresión. Queda, eso sí, a las puertas del top 50 (número 52), mientras en Reino Unido ha sido ya top 13 y en Estados Unidos número 22.

Entran también Malú, Piso 21 y Sean Paul con Guetta y Becky G

La lista de entradas de la semana se completa con Malú, número 64 con ‘Ciudad de papel’ (segundo adelanto de su próximo álbum); Piso 21 y Paulo Londra, número 84 con la pizpireta y ultra contagiosa ‘Te amo’; y Sean Paul, David Guetta y Becky G, número 99 con ‘Mad Love’.

Jack White, FYAHBWOY y George Ezra, en las listas españolas de álbumes

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4 abril, 2018

La lista española de ventas sigue capitaneada por Manolo García, número 1 por segunda semana consecutiva con ‘Geometría del rayo’, mientras Els Catarres protagonizan la subida más fuerte pasando del puesto 60 al puesto 8 con ‘Tots Els Meus Principis’. Rozalén, en pleno apogeo de popularidad, vuelve al top 10 con ‘Cuando el río suena…’.

La entrada más fuerte de la semana en ventas es la de Jack White con ‘Boarding House Reach’, que es exactamente número 19 en España (también top 69 en “streaming albumes”), mientras en Estados Unidos y Reino Unido ha logrado cifras muy similares al anterior ‘Lazaretto’: el nuevo es top 1 y top 5 respectivamente en estos países.

El éxito de FYAHBWOY

La segunda entrada más fuerte en ventas en España es la del autoeditado ‘F.Y.A.H’, quinto disco del cantante de dancehall, reggae y urban FYAHBWOY, directo al puesto 23. Además, es la entrada más fuerte en la lista de streaming, llegando el número 30 en “streaming albumes”.

George Ezra, top 100 de ambas listas, por los pelos

El otro artista que encontramos tanto en la lista de ventas como en la de streaming es el actual número 1 en Reino Unido George Ezra, que al menos logra colarse en el número 99 de ventas en nuestro país con ‘Staying At Tamara’s’, presentado por el estupendo single ‘Paradise’; y además en el número 97 de “streaming álbumes”.

Otras entradas: Toni Braxton, Roba Estesa…

Las entradas en ventas en España se completan con Toni Braxton con ‘Sex and Cigarettes’ (top 71 aquí, top 22 en Estados Unidos y top 33 en Reino Unido) y Roba Estesa con el folclórico ‘Desglaç’ (top 88); y las de streaming con Aitana Ocaña y ’Sus canciones’ (top 53) y Shawn Mendes con el viejo ‘Handwritten’ (top 95).

Nasim Aghdam, la activista vegana que la ha emprendido a tiros contra Youtube

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4 abril, 2018

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Este martes, Youtube ha añadido un trágico capítulo a su historia cuando una mujer de 39 años ha llevado a cabo un tiroteo en la sede de la empresa en Silicon Valley, en San Francisco. Durante el mediodía del martes, a eso de las 12.45 (hora local), la mujer ha herido a tres personas con una pistola de calibre 9 milímetros: un hombre de 36 años (que se encuentra en estado crítico, según Europa Press) y dos mujeres, de 32 y 27. Finalmente, la autora de los disparos se ha suicidado y ha sido hallada por la policía en torno a las 12.53. Aghdam no conocía a sus víctimas personalmente, informa BBC.

A riesgo de otorgar un inmerecido protagonismo a la figura de una persona que podría haber cometido un crimen mucho peor, el tiroteo en Youtube deja para los anales un peculiar personaje digno de análisis y que responde al nombre de Nasim Aghdam. La perpetradora del tiroteo fue una mujer de origen iraní que vivía en San Diego tras criarse en Turquía y que era animalista y activista vegana. Tenía cuatro canales en Youtube en los que subía vídeos de peculiar estética y en los que hablaba de su estilo de vida en farsi, turco e inglés.

Sin embargo, y de manera significativa, en sus vídeos Aghdam arremetía también contra Youtube y contra su política de monetización, acusando a la empresa de no pagarle debidamente por sus vídeos o incluso de censurarlos. Decía haber cobrado 10 céntimos por 370.000 visualizaciones, cifra incluso por debajo de las estimaciones -paupérrimas- que son conocidas en la industria musical. En uno de ellos llegó a expresar: «No hay verdadera libertad de expresión en el mundo y os van a censurar por decir verdades que no son apoyadas por el sistema”. Su enfado con la empresa habría sido el detonante de que la haya emprendido a tiros contra varios de sus empleados. Youtube ha decidido retirar sus vídeos afirmando que violaban las condiciones de uso.

Alfred García promociona a PAVVLA en Twitter ante sus 150.000 seguidores

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4 abril, 2018

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PAVVLA es una de las artistas más prometedoras que ha producido España en los últimos años desde la publicación, en 2016, de su primer disco, ‘Creatures‘, que aunaba en 10 canciones cantadas en inglés un sonido delicado y emotivo en la onda de London Grammar, James Blake, Daughter o Cat Power, pero que se antojaba personal y sincero.

El proyecto de la catalana Paula Jornet, conocida en Cataluña por su papel en ‘La riera’ de TV3, continúa su curso y este 10 de abril la artista ofrecerá el último concierto de la gira ‘Creatures’ en la Sala Apolo de Barcelona. Y entre las personas que la han apoyado se encuentra Alfred García, cuarto finalista de Operación Triunfo 2017 e intérprete junto a Amaia Romero de ‘Tu canción’, la canción que representará este año a España en Eurovisión. En resumen, una de las personas más populares del momento.

Alfred ha compartido en Twitter la fecha del concierto final de PAVVLA, comentando que fue Jornet la “mística y misteriosa” chica que le acompañó el pasado 30 de marzo al concierto de Harry Styles en Barcelona, por lo que, además de ser fan, parece que comparte con la artista una amistad (como se aprecia también en su intercambio en la red social). No es ninguna tontería que Alfred haya promocionado a PAVVLA en su cuenta de Twitter, ya que el cantante suma 150.000 seguidores (en comparación, PAVVLA tiene 3.000). No sabemos cuántos ha ganado ella tras la promoción, pero ya son varios fans de Alfred los que le agradecen haberles presentado a la artista.

Sí, es ella. La mística y misteriosa chica que me acompañó a ver a Harry Styles. Se ve que es una artista, se llama @pavvla_ y cierra su gira #Creatures en la Sala 2 de Apolo el día 10 de abril a las 20.00 horas.
Id. Es de mis artistas favoritas. No defrauda. pic.twitter.com/t53ZD6MG4A

— Alfred García (@Alfred_ot2017) 3 de abril de 2018

Aiaiai 🐠 alfred da boss. Gràcies!! https://t.co/R9Upr03qgd

— Paula Jornet (@pavvla_) 3 de abril de 2018

Peixet!!! Abraçada!!!

— Alfred García (@Alfred_ot2017) 3 de abril de 2018

La Canción del Día: ‘Hot Pink’ de Let’s Eat Grandma es el himno que define el pop del futuro

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4 abril, 2018

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Ese momento en el que uno cae accidentalmente en el universo de un artista y, de repente, tiene la certeza de que esa música ha cambiado ya su propio mundo para siempre, redefiniendo el futuro (o, como poco, el de uno). Eso, que un día sentí con The xx, James Blake o Lana del Rey, vuelvo a sentirlo ahora con Let’s Eat Grandma. Se trata de un dúo de adolescentes británicas llamadas Rosa Walton y Jenny Hollingworth –no son mellizas, aunque a veces lo parezcan–, cuya juventud asombra sobre todo por la preclara madurez de su propuesta. Ni siquiera son una novedad: en 2016, con 17 años, publicaban su álbum de debut ‘I, Gemini’, un disco que escuchado hoy sigue sonando nuevo y fascinante, aupado por canciones brillantes, entre Shampoo y The Good, The Bad and The Queen, como ‘Let’s Eat Shiitake Mushrooms’ o ‘Sax In The City’.

Es ciertamente humillante no haber sabido de ellas hasta ahora, pero es una sensación que se torna menor. Ahora solo quiero saber y escuchar más de ellas, especialmente después de haberme enganchado a su (pen)último single, ‘Hot Pink’. Una pieza que deja atrás todo lo que han publicado hasta el momento y que perfila con sorprendente claridad el pop de hoy y de mañana. El pop que no se amolda a ninguna etiqueta férrea, sino que suena tan fluido como la libertad de género que defienden en la letra de la canción, tan contemporáneo que da ganas de llorar, bailar, reír… y saber qué pensarán de ella Lorde –una evidente referencia–, Frank Ocean o la gente de PC Music –confesa influencia–.

En este último caso, parece evidente: no solo lo aprueban, sino que la mismma SOPHIE está implicada en la producción –esas percusiones rotas y marcianas están cerca de las de ‘Ponyboy’–. También lo está Faris Badwan, vocalista de The Horrors, que se ha convertido en su mentor en la gestación de ‘I’m All Ears’, un segundo disco que Let’s Eat Grandma publican el próximo 29 de junio. ‘Falling Into Me’, su nuevo adelanto, aparta de un plumazo cualquier sospecha de accidente y, al contrario, no deja dudas: el pop del futuro llevará la firma de, entre otros, Let’s Eat Grandma.

Let’s Eat Grandma están confirmadas en la próxima edición de Bilbao BBK Live, del 12 al 14 de julio.

Perapertú / Miramar

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4 abril, 2018

Ellos aseguran que pretenden no caer en el simple revival, pero la escucha de ‘Miramar’, el debut de Perapertú, remite a otra era musical de forma inevitable. Más allá de su pop tan inspirado en el jangle de Orange Juice o Aztec Camera como en el punto exótico de proyectos míticos de nuestro underground de los 80, como Golpes Bajos, Ciudad Jardín o Ataque de Caspa, estamos ante un disco que evoca los tiempos en que el formato álbum importaba. Tanto el continente –bonito diseño, con estupendas ilustraciones exteriores e interiores de Akesi Martínez– como el contenido –Perapertú han explicado que todo ‘Miramar’ está inspirado en la novela de mismo título del Nobel de literatura egipcio Naghib Mahfuz– respiran de manera unitaria, transportan y fascinan incluso en sus instantes menos deslumbrantes. Y no es sencillo decidir cuáles son, pues depende de cada escucha, de nuestro propio estado anímico.

Sin duda, ‘Cézanne’, ‘En Dakar’ –que tuvimos la suerte de estrenar aquí–, ‘Amor de Java’ y ‘Pomo de oro’ se sitúan pronto a la cabeza de los temas más rápidamente seductores. Pero ‘Dibújalo antes’, ‘Curare’, ’No estás a mi lado’ o ‘Ínsula barataria’ logran cautivar también gracias a un inteligente manejo de recursos que les diferencian de la masa indie. A menudo es la singular tesitura vocal de Ahmed Moussa –por momentos se diría que su estilo, a lo Germán Coppini, podría ser tan polémico como el de Miguel Ángel Blanca de Manos de Topo, pero la verdad es que terminan convenciendo su versatilidad y atrevimiento–, otras las interesantes referencias a la cultura clásica, tanto africana como europea, y otras la atemporalidad de un diseño de sonido llevado a cabo junto a Guille Mostaza, con chulos detalles de sintetizadores, trompetas y coros femeninos. En contra de lo que solemos encontrar en el pop actual, ’Miramar’, sin ser un disco conceptual, funciona como un todo inquebrantable más allá de canciones, estribillos y modas, y perfila a Perapertú como una de las propuestas más inconfundibles que hayan surgido últimamente por aquí y que, con gran probabilidad, crecerá con el paso del tiempo. Ese que para ellos no importa tanto.

Perapertú presentan ‘Miramar’ en Madrid este sábado, 7 de abril. Será en la Sala Juglar, con Fario abriendo la noche.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Cézanne’, ‘En Dakar’, ‘Amor de Java’, ‘Curare’
Te gustará si te gustan: Tripulante y Crucero, Golpes Bajos, Extraperlo, Ciudad Jardín
Escúchalo: Spotify

Fleetwood Mac vuelven a colocar ‘Dreams’ en Billboard gracias a un meme

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4 abril, 2018

Fleetwood Mac es uno de los grupos más influyentes de la historia, y su impacto llega hasta nuestros días. Artistas de toda índole se han inspirado en el sonido de ‘Rumours’ o ‘Tango in the Night’ en tiempos recientes, desde Shura a Joe Crepúsculo pasando por One Direction y Haim, a pesar que el grupo ya no disfruta de la relevancia comercial de antaño.

Sin embargo, uno de los mayores éxitos de Fleetwood Mac, ‘Dreams’, ha vuelto a ingresar en Billboard (la lista de éxitos estadounidense) gracias, no a la insistencia de las bandas actuales por reivindicarlos, sino a un meme. En cuestión, el meme es un montaje creado por @bottledfeet en el que una marcha de bailarinas mueve las caderas al ritmo de ‘Dreams’ para demostrar que la música de Fleetwood Mac también se puede bailar. La tontería acumula 131.613 retuits y 311.248 “me gusta” a tiempo de redacción de esta noticia.

El vídeo, fechado del 22 de marzo, es un claro viral y ha terminado repercutiendo en las ventas de ‘Dreams’ de manera considerable. Como informa The Guardian, el meme ha provocado un aumento del 24% en el desempeño comercial de la canción, al registrar 2.000 descargas y 1,9 millones de streamings tras la publicación del meme. Este éxito ha provocado que, esta semana, ‘Dreams’ haya ingresado de nuevo en Billboard, concretamente en la tabla de rock (no, no en el Hot 100, el meme no ha sido tan viral), en el puesto 16.

“Fleetwood Mac’s music is so boring, you can’t even dance to it”

Me, an intellectual: pic.twitter.com/2QmrFycHy2

— i m m i g r ❀ n t (@bottledfleet) March 22, 2018

The Weeknd / My Dear Melancholy,

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3 abril, 2018

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Nadie puede discutir que The Weeknd conseguía su propio sonido -un logro al alcance de muy pocos artistas- con la edición de sus tres primeras mixtapes. Y en los últimos tiempos Abel Tesfaye había dejado ese sonido atrás para acercarse a un pop más estandarizado, primero en el hitazo ‘Can’t Feel My Face’ perpetrado junto a Max Martin, y después junto a Daft Punk en las excelentes ’Starboy’ y ‘Feel It Coming’. Como si la presión a su alrededor hubiera sido demasiado, como si alguien le estuviera comiendo la cabeza con el rollo “tío, esto que estás haciendo está muy bien, pero estás perdiendo tu esencia, y por eso no te nominan a tantos Grammys”, The Weeknd ha decidido volver a sus inicios en su nuevo EP o mini LP, ‘My Dear Melancholy,’, editado esta semana medio por sorpresa, sin singles de adelanto.

Pero hay varios problemas en este regreso al pasado. El primero es que su vena synth-pop no estaba nada mal, de hecho estaba muy bien y acaba de impregnar con éxito el sonido de parte de la banda sonora de ‘Black Panther’. Ni remotamente había dado de sí todo lo que debería. El segundo es que ha pasado demasiado poco tiempo desde ‘Trilogy’ como para reivindicarlo. Quizá en 2025 o en la década de los 30 este retorno tenga más gracia. Porque el principal es que la vieja fórmula de The Weeknd sí que había dado muestras muy claras de agotamiento en ‘Kiss Land’, donde Tesfaye se mostraba como un compositor muy cansino dando vueltas y más vueltas al sexo, al desamor y a las drogas, donde no había mucho más que contar, sobre bases muy similares.

Y ese es el The Weeknd que encontramos en este EP, muy especialmente en la ya exitosísima ‘Call Out My Name’, con guiño a ‘Earned It’ y textos como “quiero que te quedes aunque no me quieras / chica, ¿es que no puedes esperar?”. Por mucho Nicolas Jaar que vaya en sus créditos, no es lo mejor que ha hecho y sus millonarios streamings parecen deberse sobre todo a la inercia. ’Try Me’ repite “¿es que no me echas de menos?” y ‘Wasted Times’ reconoce: “no puedo olvidarte” y desafía “las chicas solo te quieren cuando vas ganando”. Un victimismo, no sabemos si dedicado a Selena Gomez, algo fuera de lugar: ¿cuándo no ha ido ganando The Weeknd? Incluso dejando de lado que el gusto por este amor obsesivo y posesivo no suene nada bien en este clima político ni en el que debería quedar para los restos, lo cierto es que Tesfaye se muestra como un autor de canciones muy poco imaginativo y con muy pocos recursos en estas canciones, con frases tan poco elegantes o maduras para un letrista como: “espero que sepas que esta polla aún es una opción”.

Por suerte, hay canciones que encierran un encanto muy claro. Si ‘Try Me’ es más que nada lo que suena entre el primer tema y ‘Wasted Times’, este sí refulge gracias a su base de drum&bass, que suena como un Burial comercializado para bien. Que es más o menos lo mismo que decir que Skrillex aparece en sus créditos. Las dos pistas con Gesaffelstein insertan con acierto bucles tremebundos y abrasivos. Además, ‘I Was Never There’ incluye un nostálgico drop y ‘Hurt You’ la perceptible colaboración de Guy-Manuel de Homem-Christo de Daft Punk. Y la pista final, ‘Privilege’, sí es una pequeña maravilla sobre desamor, modesta pero eficiente, que deja claro que, aunque The Weeknd no haya sabido renovarse como debería un artista de su categoría, algo que quizá reserve para un álbum “de verdad”, tampoco ha perdido en absoluto la mano como autor de buenas melodías. Pese a los peros que se pueden poner, pese a no ser evidencia de un talento desbordante, ‘My Dear Melancholy,’ sí es un agradable EP por encima de la media en composiciones, producción y voz, que se ve beneficiado por su breve duración, según mandan los cánones de 2018.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Privilege’, ‘Wasted Times’, ‘Hurt You’
Te gustará si te gustan: las primeras mixtapes de The Weeknd, con algún toquecillo del último
Escúchalo: Spotify

La Oreja de Van Gogh descubren el viejo vídeo de Ana Guerra cantando ‘Pop’: “¡Dios salve a la reina!”

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3 abril, 2018

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Muchos años antes de triunfar en Operación Triunfo, de cantar uno de los mayores éxitos en España del momento, ‘Lo malo’, y de codearse con Paz Vega gracias a la próxima serie estrella de TVE, ‘Fugitiva’, Ana Guerra era una adolescente más con ganas de triunfar en la música y que grababa vídeos de ella cantando canciones ajenas para luego subirlos a internet.

Uno de estos vídeos es uno muy, muy, antiguo en el que una jovencísima Ana Guerra aparece en el exterior, en un entorno natural -posiblemente de su natal Santa Cruz de Tenerife- cantando ‘Pop’ de La Oreja de Van Gogh, nada menos. Y como el pasado siempre vuelve, alguien ha tenido la brillante idea de desenterrarlo de las fosas de internet para maravillar a los fans de OT2017 y descubrirnos a esa Ana Guerra desconocida que cantaba “eres la reina del pop” muchos años antes de convertirse en la popular cantante que es hoy.

El vídeo en cuestión no tiene desperdicio alguno: el sonido de la canción, la toma vocal de Ana War y la edición del vídeo son… cutrillos (la evolución de Guerra es evidente), pero lo mejor es que el nuevo protagonismo de esta versión ha provocado que los mismímos La Oreja de Van Gogh hayan descubierto el vídeo y lo hayan comentado en Twitter: “¡Dios salve a la reina!”, han escrito, a lo que Ana War ha respondido: “no te puedo creer!!!” Aunque, claro, más increíble es el vídeo…

¡Dios salve a la reina @AnaG_ot2017!
:)https://t.co/JcSp9QgWNL

— La Oreja de Van Gogh (@laorejadevgogh) April 3, 2018

Jajajajajajaja no te puedo creer!!!

— Ana Guerra (@AnaG_ot2017) April 3, 2018

Que gran día el de ayer. Aún sigo en shock 💜💜💜 #eleganza #conunasonrisa

Una publicación compartida de ANA GUERRA (@anaguerra_ot2017) el Abr 3, 2018 at 8:49 PDT

5 discos clásicos de los 90 para celebrar la llegada del catálogo de Drag City a Spotify

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3 abril, 2018

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Tras la subida parcial del catálogo de Drag City a Bandcamp y Apple Music, la estricta ética del sello norteamericano ha plegado finalmente del todo a la nueva cultura del consumo musical, permitiendo también la presencia de los discos editados en sus más de 25 años de historia en Tidal, Google Music o Spotify, la plataforma de streaming más popular y extendida. No están aún, por evidente deseo de sus autores, las obras de Joanna Newsom, Will Oldham (ni como Bonnie «Prince» Billy, ni como Palace Music) o Jim O’Rourke (una pena no poder recuperar el soberbio ‘Eureka‘).

Pero lo importante es que con esta subida tenemos disponibles obras capitales de Six Organs of Admittance, Espers, Sir Richard Bishop, Royal Trux, Loose Fur (supertrío formado por Jeff Tweedy y Glenn Kotche de Wilco con su entonces productor, el citado O’Rourke), la desaparecida Cynthia Dall, Edith Frost, Gastr del Sol o Meg Baird, además de las obras recientes de Laetitia Sadier, Ty Segall, No Age, Circuit des Yeux o Jessica Pratt. Y, por supuesto, algunos clásicos no ya del sello sino también de la música alternativa de los años 90, piezas cruciales de entre las que a continuación escogemos 5.

Pavement / Westing (by Muskett and Sextant) (1993)

Antes de fichar por el sello Matador y editar en 1992 uno de los discos clave de aquella década, ‘Slanted and Enchanted’, Pavement habían autoeditado un disco de debut, ‘Slay Tracks (1933-1969’, y 2 EP’s para Drag City, ‘Demolition Plot J-7’ y ‘Perfect Sound Forever’. Todo ese material más el single ‘Summer Babe’ y alguna curiosidad más se recopilaron por primera vez en este ‘Westing (by Muskett and Sextant)’. Una auténtica ida de olla constante, cuajada de fantásticas ideas melódicas a medio cocer –marca de la casa, en realidad–, que mostraba la chispa, el espíritu primigenio del grupo, previo a la deriva progresiva. Un disco imprescindible para comprender tanto la estética de la época como al grupo de Steven Malkmus y compañía, con momentos álgidos como ‘From Now On’, ‘Debris Slide’, ‘Box Elder’ o ‘Summer Babe’.

Palace Brothers / There Is No-One What Will Take Care Of You (1993)

Como en el caso de Joanna Newsom, Will Oldham no consiente, al menos de momento, que su obra llegue a la plataforma de streaming de origen sueco. Así, no encontramos ni sus trabajos como Bonnie “Prince” Billy ni sus discos como Palace Music… PERO, curiosamente, sí encontramos su debut como Palace Brothers, tantas veces referenciado e imitado. ‘There Is No-One What Will Take Care Of You’ (sic) sentaba las bases de la obra del singular cantautor de Louisville, Kentucky, con lamentos de folk claroscuro cantados con tantos gallos como sentir profundo. ‘I Tried To Stay Healthy For You’, ‘Riding’ u ‘O Lord Are You In Need?’ son sus primeros himnos, en toda la extensión de la palabra.

Silver Jews / The Natural Bridge (1996)

Malinterpretado como unos proto-Pavement por el simple hecho de que algunos de sus miembros colaboraron en sus primeras grabaciones, en realidad Silver Jews daban cobijo al enorme talento de uno de los mejores autores de su generación, David Berman, en aparente retiro (apenas ha asomado la patita con una colaboración con The Avalanches) desde que publicara hace ya una década ‘Lookout Mountain, Lookout Sea’. De entre sus álbumes, y pese a que ‘American Water’ es saludado con mayor efusividad por muchos, personalmente me quedo con su segundo largo para Drag City. Este disco, una obra maestra que mama de blues, country y rock, refleja tanto en su sonido como en sus letras (que alternaba referencias a la Biblia o a la escena alternativa) el carácter difícil de Berman –la grabación del disco se frustró en dos ocasiones: una, con Scud Mountain Boys, fue desechada; y otra, junto a Pavement, con Berman abandonando antes siquiera de empezar–. Pero la genialidad de canciones como ‘How To Rent a Room’, ‘Pet Politics’, ‘Black and Brown Blues’… termina imponiéndose a todo.

Aerial M / Aerial M (1997)

David Pajo es uno de los músicos más inquietos, creativos y complejos de su generación, si bien eso no está siempre (casi nunca, en realidad) ligado a un justo reconocimiento ni tampoco a un éxito personal (por suerte, parece rehabilitado tras su intento de suicidio). Tras formar parte de Slint, uno de los proyectos que definieron el rock de años posteriores, Pajo fue incansablemente saltando de proyecto en proyecto (Yeah Yeah Yeahs, Stereolab, Palace Music, The For Carnation, Interpol y hasta Zwan, el grupo post-Smashing Pumpkins de Billy Corgan), si bien donde mayor notoriedad obtuvo fue con sus discos como Papa M, antes Aerial M. El debut homónimo bajo este último sobrenombre justificaba de por sí su posterior fichaje por el grupo Tortoise: una obra instrumental preciosa, evocadora e inquieta a partes iguales, quizá su cumbre creativa.

Smog / Knock Knock (1999)

Drag City puede presumir orgulloso de haber logrado la proeza de conservar en sus filas durante 26 años –y los que quedan– a un talento como el de Bill Callahan. Tanto desde que decidió publicar sus discos bajo su nombre propio, desde ‘Woke On A Whaleheart’ (2007) en adelante, como su obra previa bajo el pseudónimo de Smog (o (Smog)). Como fan de Callahan, me resulta difícil decidir qué disco suyo escoger para esta selección, pero opto por ‘Knock Knock’, su salto a un territorio más luminoso, casi pop. Es el que transita con ese bacilón riff sobre un ritmo casi hip hop en ‘Held’, los espeluznantes coros infantiles con cuerdas de ‘No Dancing’ y ‘Hit The Ground Running’ o la casi bailable ‘Cold Blooded Old Times’, un contrapunto vitalista a la recurrente taciturnidad que aquí “brilla” (es un decir) en ‘River Guard’, ‘Left Only With Love’ o la majestuosa ‘Sweet Treat’.

Melody’s Echo Chamber busca la curación en su nuevo single, ‘Breathe In, Breathe Out’

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3 abril, 2018

En junio de 2017, Melody’s Echo Chamber se veía obligada a cancelar su gira y a retrasar la publicación de su nuevo disco, ‘Bon Voyage’, tras sufrir un “grave accidente” que la mantuvo “meses” ingresada en un hospital. Parece que Melody Prochet ya está recuperada y, casi exactamente un año después de estrenar la fascinante ‘Cross Your Heart’, vuelve con ‘Breathe In, Breathe Out’.

“Ha pasado tanto tiempo, debe haber algún tipo de luz por venir” canta Melody’s Echo Chamber en el nuevo adelanto de este ‘Bon Voyage’ que saldrá finalmente el 15 de junio a través de Fat Possum. La canción utiliza familiares trucos del rock psicodélico de los 60/70 para contarnos una historia de superación, que parece la de la propia Prochet: “sigo luchando, mi madre me dijo que debía ser fuerte, me curo lentamente, me siento tan deprimida, no puedo comer, no puedo crecer, no pudo curar mi alma”, canta Prochet.

‘Bon Voyage’ será el segundo disco de Melody’s Echo Chamber desde que en 2012 editara su debut, producido por Kevin Parker de Tame Impala y que fue aclamado por la crítica gracias a la calidad de canciones como ‘I Follow You’, ‘Quand va tu rentrer?’, ‘Some Time Alone, Alone’ o ‘Bisou magique’.

El fantástico vídeo animado para ‘Breathe In, Breathe Out’ es obra de Daniel Foothead y presenta un “universo desconocido mientras seguimos a un peregrino tratando de reunirse con su fuente de inspiración y luz, su musa”.

Beach House anuncian 2 conciertos en España en septiembre y comparten ‘Dark Spring’

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3 abril, 2018

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El 11 de mayo se publica ‘7’, el nuevo disco de Beach House, y el dúo de Baltimore no volverá a perder la oportunidad de presentarlo en España al margen de su confirmada presencia en el festival Primavera Sound de Barcelona. Será en septiembre cuando Beach House regresen a España para desgranar los temas de ‘7’ en dos salas de nuestro país, el 27 en La Riviera de Madrid y el 28 en Razzmatazz de Barcelona.

Junto al anuncio de este par de fechas, Beach House estrena hoy el tercer adelanto de ‘7’ tras ‘Lemon Glow‘ y ‘Dive‘. La primera pista del álbum, ‘Dark Spring’, ya puede escucharse y se presenta con un vídeo en blanco y negro dirigido por Zia Anger que alterna belleza y un elemento lúgubre… en el estilo de la propia canción, que en este caso presenta prominentes guitarras y cierto poso amenazante, además de melodías vocales densas y atmosféricas que producen un efecto de tensión e incluso cierta asfixia.

‘7’ será, lo habéis adivinado, si no lo sabíais ya, el séptimo disco de Beach House tras sus dos últimos discos publicados el mismo año, ‘Depression Cherry‘ y ‘Thank Your Lucky Stars‘. En el segundo se percibía una entrega mayor de Beach House a las guitarras de tono “shoegaze” y parece que ‘7’ desarrollará esta idea de manera más amplia. Puedes debatir sobre los discos de Beach House en nuestros foros.

Bunbury da la vida por su amante vampira… literalmente en el vídeo de ‘La constante’

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3 abril, 2018

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Bunbury continúa con la promoción de su último disco, el notable ‘Expectativas‘, publicado el pasado mes de septiembre, y estrena videoclip de cara a su inminente gira por América, que arranca el 19 de abril en México y transcurrirá también por Estados Unidos y Perú antes de regresar a España, ya en verano.

El videoclip en cuestión pone imágenes a la balada ‘La constante’, una de las canciones destacadas de ‘Expectativas’ por su dramatismo y su romántica letra en la que Bunbury relata el hallazgo del “amor verdadero” que es para él “un oasis, un salvadidas”, cuenta la nota de prensa. Desde Los Ángeles, José Girl -fotógrafa y mujer de Bunbury- presenta para ‘La constante’ una historia de amor contada a través de una metáfora vampírica en la que Bunbury y su amante se dan la vida literalmente, él compartiendo su sangre con ella y ella dejándose morir para que Bunbury pueda ver la luz del sol por última vez.

A pesar de ocupar la modesta pista 10, ‘La constante’ ha sido desde la publicación de ‘Expectativas’ también una de las canciones más celebradas del último disco de Bunbury en sus conciertos. Por cierto, el disco se presentaba con un corto de 12 minutos dirigido por la propia José Girl, y otorgaba a Bunbury su primer número 1 en España tras 7 años.

Justin Timberlake y Jessica Biel relatan cómo una cesárea de emergencia frustró el parto natural de sus sueños

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3 abril, 2018

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Justin Timberlake ha dedicado su último disco, ‘Man of the Woods‘, a su hijo Silas, y sobre Silas han hablado Timberlake y la madre de la criatura, la actriz Jessica Biel, en un nuevo libro de Connie Simpson, la “niñera de las estrellas”, en el que revelan que su plan inicial de parto en casa no salió tal y como estaba planeado… ya que Biel hubo de someterse a una cesárea de emergencia.

Según cuentan Timberlake y Biel en ‘The Nannie Connie Way: Secrets to Mastering the First Four Months of Parenthood (“secretos para triunfar en los primeros cuatro meses de paternidad”), y recoge Billboard, el parto de Biel iba a ser natural, hasta el punto que Timberlake y Biel llegaron a contratar los servicios de dos comadronas, una asistente de parto y a organizar una clase de meditación para el alumbramiento. De hecho, Simspon relata que el cantante y la actriz esparcieron libros “hippis” de bebés por toda la casa, que además remodelaron a modo de “centro de entrenamiento para el parto llamado El Octágono”.

Ningún uso se le dio a este excéntrico plan por parte de Timberlake y Biel finalmente, ya que Biel hubo de ser intervenida de una cesárea de emergencia en un hospital. De hecho, la pareja afirma a ET Online: “cuando nuestros planes se desmoronaron y el parto natural y sereno que habíamos imaginado terminó con una cesárea de emergencia, llegamos a casa agotados y totalmente en shock”.

Javier Ambrossi abandona Twitter por el “radicalismo” y se pregunta si ya es “la nueva Marta Sánchez”

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3 abril, 2018

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El guionista y director Javier Ambrossi, conocido por dirigir junto a su novio, Javier Calvo, la exitosa ‘La llamada‘, y por ejercer junto al segundo de profesor en la última edición de Operación Triunfo, ha decidido abandonar Twitter por el “radicalismo” y el “odio” que genera entre ciertos usuarios. Pero más destacable que la noticia en sí es su interesante razonamiento, que invita a reflexionar.

Ambrossi ha escrito: «Me voy de esta red social. Estoy súper agradecido por el cariño y por todo lo bueno que me ha dado a mí y a mis proyectos pero no quiero seguir participando de esta falsa realidad donde constantemente se falta al respeto a los demás, se acosa, se multiplican mentiras, se exageran cosas, se generan falsos ríos de opinión y que, la verdad, muchas veces me hace sentir mal. A mí y a gente a la que quiero. Creo que estamos llegando a unos límites de radicalismo que no comparto y que rozan el peligro. Respeto profundamente la libertad de expresión pero no quiero participar de este juego. Os quiero. Nos vemos en Instagram».

En algunos medios como El País se asocia la marcha de Ambrossi de Twitter a las críticas recibidas por Dulceida en las últimas horas tras el viaje de la “influencer” a Sudáfrica (se la ha acusado de falta de sensibilidad y de autopromoción y de reproducir el complejo de salvadora blanca en África). Sin embargo, Javier Calvo ha desmentido en Twitter que esto sea así, citando otros motivos como “linchamientos a guionistas por un chiste” u “odio e insultos por todos lados indiscriminadamente” .

Ambrossi quita leña al fuego y se pregunta si “ya es la nueva Marta Sánchez” tras su marcha de Twitter (como cita el propio Calvo), posiblemente refiriéndose a la polémica que suele acompañar a la cantante. Pero volviendo a su texto principal, la marcha de Ambrossi de Twitter es un nuevo ejemplo de cuán lejos pueden llegar las redes sociales en su capacidad para dar voz a acosadores anónimos y para propagar falsedades de manera rápida y fácil. Un poder que puede exasperar y agotar a sus usuarios, sobre todo si estos ejercen algún tipo de influencia pública, como Ed Sheeran, que abandonó Twitter en 2017 por motivos similares.

Oye, pero ¿quién ha dicho que Javier Ambrossi se ha ido por las críticas de Dulceida? ¿Qué invento es este? Desde linchamientos a guionistas por un chiste, odio e insultos por todos lados indiscriminadamente hasta mentiras como esta que estoy leyendo, por eso se ha ido. ❤️ pic.twitter.com/KMuyN2UUcI

— Javier Calvo (@javviercalvo) April 3, 2018

Me pregunta Javi Ambrossi: ¿qué tal Twitter? ¿Mucha polémica? ¿Soy la nueva Marta Sánchez? Es un bebé.

— Javier Calvo (@javviercalvo) April 3, 2018

Charli XCX es fan de Bad Gyal: ¿qué une a los dos iconos del pop moderno?

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3 abril, 2018

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Esta última semana, Charli XCX ha compartido en las redes sociales una lista de la música que está escuchando actualmente. Entre menciones a sus colegas Taylor Swift, Dua Lipa y Camila Cabello, la autora de ‘Pop 2’ se acuerda de Bad Gyal, cuyo ‘Woldwide Angel’ dice tener “en repeat”, ¿quizás tras descubrir a la catalana en medios internacionales que han reseñado su trabajo recientemente, como Pitchfork o FACT Mag?

No es de extrañar, en cualquier caso, que Charli XCX sea fan de Bad Gyal, pues a ambas les une más que su pasión por la música o su feminismo (presente en sus letras o en el modo en que hablan de su independencia en la industria). Es imposible hablar de Charli y de Alba sin hablar de autotune, ya que ambas lo utilizan a modo de efecto estético en casi todas sus canciones y a menudo de manera extrema, como se percibe en todo ‘Pop 2’ y en todo ‘Worldwide Angel’, o por mencionar unas canciones cualquiera, en ‘I Got It’ de la primera y en ‘Blink’ de la segunda… o sin ir más lejos, en el reciente single de Bad Gyal con Florentino, ‘Por ti’. Ambas tienen un “aparato de autotune” instalado en las gargantas del que nace su arte.

El autotune infiere al trabajo de Charli XCX y Bad Gyal un elemento futurista muy apto para las avanzadas bases de sus canciones. Ni de una ni de la otra puede decirse que su sonido sea nostálgico o retro y está claro tanto en ‘Pop 2’ como en ‘Worldwide Angel’ que, una desde el pop, otra desde el reggaetón, el objetivo de ambas es presentar un sonido contemporáneo, moderno e incluso futurista que rompa esquemas y proporcione algo parecido al sonido del futuro. A nadie debería extrañarle que Bad Gyal haya actuado en el Sónar. De hecho, lo raro es que Charli no lo haya hecho todavía.

Por supuesto, el sonido de Charli y Bad Gyal es posible gracias a su talento para rodearse de los colaboradores perfectos, sobre todo asociados al underground y a internet. Puede que Charli esté tan “infravalorada” como ella misma opina, pero la crítica adora sus colaboraciones con PC Music, concretamente con artesanos del electro-pop híper-futurista como A.G. Cook, SOPHIE, LifeSim e EASYFUN, y Bad Gyal se ha sumergido en ríos parecidos para buscar su sonido en visionarios del dancehall y el UK bass como Dubble Dutch, Florentino, Jam City, Paul Marmota o incluso El Guincho.

Curiosamente, FACT Mag ha llamado a Bad Gyal la “Charli XCX del reggaetón” por su sonido pop electrónico rebosante de ritmo y autotune. Se menciona un elemento “bubblegum” y “femenino” en el sonido de ambas y aunque no termino de percibir que la música de Bad Gyal sea exactamente “bubblegum”, sí es cierto que sus pegadizas melodías la acercan muchísimo al pop y, por lo tanto, también a una posible colaboración con Charli XCX. Dado que tienen muchas cosas en común, esta colaboración no es desdeñable. Ambas podrían incluso publicar un trabajo en su formato favorito: la “mixtape” con precio.

Tomavistas 2018 revela su cartel por días

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JNSP

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3 abril, 2018

El festival Tomavistas celebra una nueva edición este verano en el Parque Enrique Tierno Galván de Madrid, concretamente los días 25 y 26 de junio. Y tras desvelar los artistas y grupos confirmados de su cartel, hoy el festival presenta su distribución por días.

El viernes 25 de mayo actuarán Ride, Django Django, La Casa Azul, Superchunk, Novedades Carminha, Javiera Mena, Él Mató a un Policía Motorizado, Belako, Disco Las Palmeras!, Iseo & Dodosound with The Mousehunters, La Plata y The Zephyr Bones.

El sábado 26 toman el relevo The Jesus and Mary Chain, Los Planetas, Roosevelt, Princess Nokia, El Columpio Asesino, Pony Bravo, La Bien Querida, Perro, Chad Vangaalen, Melange, Tulsa, Kokoshca, Altin Gün, Chlöe’s Clue y Texxcoco.

Las entradas de día ya están a la venta en la web de Tomavistas, por 45 euros las del viernes y 50 euros las del sábado. Los menores de hasta 10 años podrán acceder gratis al festival, y los tickets para niños de 11 a 16 años se pueden adquirir por 10 euros. También disponible un pack familiar para el sábado: 2 adultos + hasta dos menores de hasta 15 años, por 85 euros. Los abonos están a la venta por 80 euros.

Taburete actúan en un avión y provocan la mejor cosecha de tuits de Semana Santa

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3 abril, 2018

Aunque cada vez son más las voces que se alzan contra las redes sociales, lo cierto es que de vez en cuando siguen dando alegrías. Basta que surja la chispa adecuada, que decían Héroes, y ¡BAM! Hilazo de Twitter. Es lo que ha ocurrido este pasado domingo de resurrección, fecha que tanto ha inspirado a Justin Bieber. Ese día, un grupo de 550 estudiantes se embarcaba en un Boeing 747 con destino a la Riviera Maya mexicana, en lo que sería un viaje fin de carrera más.

Sin embargo, una agencia de viajes tuvo la ideaza, como parte de una estrategia publicitaria, de invitar a bordo al grupo Taburete, que deleitaron a, por lo visto y oído, los numerosos fans de los autores de ‘Dr. Charas’ que se encontraban a bordo. Una actuación que incluso ralentizó el despegue del avión puesto que, al parecer, el comandante de la aeronave aguardó a que el grupo de Willy Bárcenas terminara su canción para entrar en pista de despegue.

Aunque el pasaje se encontraba feliz con esta sorpresa (al parecer, la misma agencia que lo organizó financia el rodaje de un documental de Taburete en el país norteamericano), mucho más que la tripulación (la cara de una de las azafatas es un absoluto poema), Twitter vio el filón en la noticia y mostró de qué es capaz con el leit motiv apropiado. Pasad y leed:

En pleno vuelo destino a Cancún con @nautaliaviajes pasó esto: un concierto sorpresa de @taburete89! Otra manera de viajar en #SemanaSanta pic.twitter.com/HZG1e4IHlu

— Rafa G Garrido (@RafaggarridoG) April 1, 2018

Sorprende concierto de taburete en un avión pic.twitter.com/ChElj6tTPj

— Valle Loko (@valle_loko) April 2, 2018

"Concierto sorpresa de Taburete en un avión". pic.twitter.com/xqkcjLAUQA

— Vandalio (@Vandalio_) April 2, 2018

Empiezan a circular fotos del interior del avión que volaba rumbo a Cancún cuando Taburete improvisaron un concierto. pic.twitter.com/PRKgigiszo

— Hank Solo (@Hank_Solo) April 2, 2018

Estoy en un avión rumbo a Cancún y Taburete han improvisado un concierto. Paso coordenadas para que lancen un misil tierra-aire y destruyan el avión.

— Hank Solo (@Hank_Solo) April 1, 2018

Ryanair informa de que la nueva penalización por no imprimir la tarjeta de embarque será aguantar un concierto de Taburete en el avión.

— Su Notísima Reloaded (@Xuxatronnn) April 2, 2018

Guionistas de "Serpientes en el avión": Hemos imaginado la situación más terrorífica a la que te puedes enfrentar en un avión del que no puedes salir corriendo.
Taburete: Hold my beer. pic.twitter.com/88nqLN911m

— Rocío (@Rocigaot) April 1, 2018

Taburete da un concierto sorpresa en un avión con 550 personas.
-Estrellar avión: SI 217 personas, NO 223, Abstenciones 10

— Sr Sánchez (Oficial) (@tracamandracas) April 2, 2018

El Estado Islámico reivindica el concierto de Taburete en el avion.

— Fairlaine (@Fairlane4) April 2, 2018

Ahora que sé que existe la posibilidad de que Taburete te de un concierto improvisado en un avión, le he cogido pánico a volar. Muchas gracias.

— Pablo (@PabloWeasley15) April 3, 2018

The Libertines darán su único concierto en España de 2018 en Valladolid

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3 abril, 2018

The Libertines son los nuevos cabeza de cartel del festival Conexión Valladolid, que se celebra los días 15 y 16 de junio en Antigua Hípica – Pinar de Antequera. Los de Pete Doherty y Carl Bârat presentarán un nuevo disco que publicarán este año, según nota de prensa, y en Valladolid ofrecerán su único concierto de 2018 en la Península Ibérica.

Desde sus inicios a finales de los 90, The Libertines han publicado tan solo tres discos, ‘Up the Bracket’ (2002), ‘The Libertines’ (2004) y ‘Anthems for Doomed Youth‘ (2015), dando lugar a temas tan celebrados en el rock inglés contemporáneo como ‘Can’t Stand Me Now’, ‘Don’t Look Back at the Sun’, ‘Time for Heroes’, ‘What Katie Did’ o ‘Music When the Lights Go Out’… y también revelando en Pete Doherty una polémica y carismática figura pop conocida por sus excesos y alguna que otra salida de tono.

Además de a The Libertines, Conexión Valladolid ha confirmado en su cartel también la presencia de Bunbury, LA M.O.D.A., Immaculate Fools, Corizonas, Vinila von Bismarck y Carlos Sadness. Las entradas están disponibles en los puntos de venta www.conexionvaladolid.es y www.wegow.com., si bien las primeras tres ofertas de abono ya están agotadas.

Albert Hammond Jr. / Francis Trouble

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Pablo Luna Chao

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3 abril, 2018

Si algo se ha revalorizado a medida que la presencia de The Strokes se iba desvaneciendo en los últimos años, esa ha sido la figura musical de Albert Hammond Jr., uno de sus guitarristas. Su obra en solitario, cuatro álbumes desde 2006 contando el que ahora nos ocupa, ha dejado al descubierto un gran talento compositivo, un estilo instrumental reconocible (en la órbita del de su banda mater) y una significativa facilidad lírica y vocal. Pero más allá de todo eso, lo fascinante de ‘Francis Trouble’, su última entrega, es que se presenta como un ejercicio sincero de autocrítica e introspección, apoyado en una curiosa historia personal. Por lo que él mismo nos ha contado, el que tenía que ser su hermano gemelo murió durante la gestación conjunta en un parto prematuro, meses antes de que naciera el músico. Hammond siempre ha sabido este hecho, pero al parecer fue solo hace un par de años cuando una tía suya le dijo que una parte de su hermano –la uña de un pie– se había quedado con él en el útero, motivo por el cual Hammond cree que, de algún modo, su nonato hermano siempre ha formado parte de él, determinando aspectos de su vida y de su música.

Dejada ya bien atrás la época en la que se gastaba 2000$ por semana en drogas, el guitarrista neoyorquino establece en ‘Francis Trouble’ una extraña conexión con una especie de alter ego imaginario, que le permite desdoblarse sobre sí mismo para mirarse en una suerte de espejo confesionario. Mediante esa herramienta, por tanto, repasa varios asuntos más o menos tormentosos de su vida: desde un tipo de amor corrosivo y asfixiante del que debe haber sido víctima en la acogedora ‘Tea for Two’, en ‘Muted Beatings’, donde se respira cierta urgencia, y en una gamberra y destartalada ‘Screamer’, hasta un sentimiento de incomprensión y desconexión del mundo en ‘Strangers’, cuya morfología, paradójicamente, es ligera, despreocupada y en apariencia feliz.

También pasa, obviamente, por planteamientos nostálgicos para con su hermano, hablando de una complicidad que no existió en ‘DvsL’, otra pieza juvenil que recuerda poderosamente a ‘Lust for Life’ de Iggy Pop, y, especialmente, en ‘Stop and Go’ –“Wish we could have become friends / With cops smoking their cigarettes / (…) We made a plan but had no time”– y en ‘Rocky’s Late Night’, una preciosa canción con cadencia emocional y guitarras cálidas y envolventes en la que intenta poner cara a un vacío indescriptible. Pero el culmen de ese ejercicio de introspección y confesión llega en el último corte, ‘Harder, Harder, Harder’, donde se habla a sí mismo(s) abiertamente y mezclando primera y segunda persona sobre actitudes del pasado: “I watched you learn to live as I just rolled the dice / Never trying hard enough with such fear in failure / What’s funny is that I was worried about all the wrong things” o ese inequívoco verso que dice “No es fácil de explicar cuando estás atrapado en la vida / No es fácil explicar lo que tienes en mente”.

Luego, desde el punto de vista formal, las canciones de ‘Francis Trouble’ funcionan muy bien a la sombra del estilo inconfundible de The Strokes. Fogonazos de post-punk revival que se ajustan a nuestra piel con la comodidad y soltura de unas bermudas, una camiseta de tirantes y unas chanclas de verano. Canciones sencillas pero invencibles como ‘Far Away Truths’, directas y emotivas como ‘Set to Attack’, con los pellizcos de guitarra típicas como los de ‘Rocky’s Late Night’ o con la frescura de ‘Strangers’. Hammond no inventa absolutamente nada, pero consigue volver a hacer lo que ha hecho una y mil veces y que siga sonando refrescante. No vamos a entrar a valorar aquí el momento en el que se hallan The Strokes, sobre si merece más la pena que continúen sacando discos o que cada uno de sus integrantes siga por su cuenta. El caso es que Albert Hammond está haciendo valer su talento para que no echemos tanto de menos al mítico quinteto de Nueva York, que tan solo han publicado un EP en los últimos cinco años. A falta de unos The Strokes con el gancho de los ’00, nos contentamos con un Albert Hammond Jr. en plena forma.

Calificación: 7,2/10
Lo mejor: la emoción de ‘Rocky’s Late Night’, ‘Set to Attack’ o ‘Tea for Two’, la sonoridad de ‘Far Away Truths’ o ‘Muted Beatings’ y el ejercicio de sinceridad de ‘Harder, Harder, Harder’.
Te gustará si te gustan: The Strokes, obviamente, y toda aquella generación de bandas post-punk revival de los años ‘00.
Escúchalo: Spotify

Calvin Harris recluta a Dua Lipa para su nuevo single, ‘One Kiss’

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