Desde hace años se viene especulando repetidamente con una hipotética reunión de los míticos (esta vez no es gratuito) The Kinks, si bien desde 2014 los rumores ganaban peso al producirse una reunión entre Ray Davies y su hermano Dave para hablar de un comeback para hacer una gira. Sin embargo, parece que esa reunión, si es que alguna vez va a producirse, tendrá que esperar un poco más.
Como informa NPR, Ray Davies acaba de anunciar el lanzamiento de ‘Americana’, un nuevo disco que da cuenta de su fascinaciónn por la cultura norteamericana y los claroscuros de la sociedad de EE UU. Será su primer disco de estudio desde ‘Working Mans Café’ (2007). En realidad, este álbum es una especie de banda sonora para la autobiografía que el británico ha publicado recientemente, y en la que cuenta tanto sus inicios en la música, imitando a Little Richard, como el periodo en el que The Kinks tuvieron prohibida su entrada al país en los 60 o los años que pasó, más tarde, viviendo allí.
Para la gestación de este álbum, que se publicará el día 21 de abril, Davies no podía haber contado con una ayuda mejor para ambientar su música que con unos expertos en americana, precisamente: su banda de acompañamiento en esta ocasión han sido los siempre excelsos The Jayhawks. Para saber cómo suenan juntos no hay más que escuchar el estupendo y elegante adelanto, ‘Poetry’. Por cierto que, en adelante, tendremos que apostillar a Ray Davies con el apelativo de “Sir”: a finales del pasado año, la Reina Isabel de Inglaterra le nombró Caballero de las Artes del Imperio Británico.
Manu Chao parecía en semiretiro musical desde que editara en 2007 (¡hace una década!) ‘La radiolina’ y que terminó el pasado año con una gira que le llevó a las madrileñas fiestas del 2 de mayo, por ejemplo. Su última referencia discográfica, ‘Baïonarena‘, era un disco doble en directo celebrando su repertorio, tanto en solitario, con discos tan celebrados como ‘Clandestino’ y ‘Proxima estacion: Esperanza’, como junto a Mano Negra. Pero este 2017 está marcado ya como el año de su reaparición, un regreso que parece ser profuso y generoso.
Profuso porque viene con más de un proyecto en mente. Además de temas firmados a su nombre, también nos presenta Ti.Po.Ta («Trans Indie Progressiv Organik Trash Amor», según esta imagen), un proyecto conjunto con la actriz griega Klelia Renesi. En la poética descripción del grupo, se explica que la pareja ha compuesto muchas canciones en los dos últimos años que irán viendo la luz poco a poco. Para empezar nos muestran ‘Moonlight Avenue’, cantado íntegramente en inglés, uno de los clásicos cortes del francés, de melodía machacona tocada al ukelele y adornada con ritmo de cumbia. Puede escucharse en un vídeo en el que vemos a la pareja sumergidos en el mar, vestidos y desnudos, haciendo el tonto.
Por otra parte, los temas de Chao en solitario tampoco distan mucho de su estilo más reconocible. La melancólica ‘Words of Truth’, también en inglés, está marcada por la voz doblada y una trompeta, mientras que ‘No solo en China hay futuro’ presenta una más clara herencia de canción mexicana. Su vídeo es imperdible, pues muestra a muchos amigos de Manu del barrio barcelonés en el que vive o ha vivido muchos años, Llacuna. Si estáis muy atentos podréis ver aparecer a Albert Pla entre los asiduos del Bar Iris, en el que se ha rodado en clip. Todas estas canciones están disponibles en libre descarga en la web del artista.
Como sabemos, los donostiarras Joe La Reina, tras un año de parón involuntario (su vocalista pasó ese tiempo en Londres por circunstancias personales) están de vuelta en 2017 para publicar su segundo álbum tras el considerablemente exitoso ‘Bailamos por miedo‘, un disco que espantaba, con influencias variadas, el halo de ser un émulo patrio de Fleet Foxes. Y parece que esta nueva obra irá incluso un poco más allá.
Como nos explicó su cantante Lucas Malcorra en una entrevista publicada hace días sobre su single ‘Leonor’, que fue número 1 de nuestro Top durante dos semanas, su nuevo disco lo producirán ellos mismos y la electrónica tendrá incluso más presencia que en su debut: «Hemos tomado nosotros los mandos y gracias a unos conocimientos básicos de autoproducción hemos podido trabajar esa parte electrónica desde casa. El nuevo álbum será muy variado, pero los tintes electrónicos se verán por doquier». En aquel tema, que parece que no estará en el disco, encontrábamos guiños a ‘Ashes to Ashes’ de Bowie, pero también al disco en solitario de Jamie xx, que el propio Lucas reconocía.
Hoy en JENESAISPOP estrenamos el que sí será el primer single de este disco, que llegará en abril y del que aún no quieren dar a conocer su nombre. El tema en cuestión se llama ‘Chaveas’, una canción sinuosa en la que Malcorra rememora ese exilio temporal:
“Chaveas habla de la pérdida de identidad, de perder las raíces, de perder la memoria, de dejar de sentir; pero también de buscar la luz en el recuerdo, de buscar un lugar donde quedarse, de recuperar a alguien y de volver a amar.
Es una canción compuesta en grandes ciudades (Londres y Madrid), desde la soledad, desde el anonimato total, desde la falta de un hogar y sus abrazos. Pero también desde la esperanza de acabar con todas esas faltas y con esa sensación de extrañeza; con la rueda que nos lleva y no sabemos a quién achacar su control.
Dato que puede resultar curioso: El sample grito/risas del principio y del final son de un Sunday Roast en un patio de Londres, en marzo de 2015”
Si estás atento a las redes sociales de Ocellot, sabrás que llevan tiempo cocinando algo importante. La banda barcelonesa, influida por gente como Aphex Twin, Caetano Veloso, Beach Boys o Ariel Pink, lleva en activo 5 años y ha publicado dos álbumes, ‘Molsa Molsa’ y ‘Jelly Beat’, al tiempo que iba desgranando vídeos como esta delicatessen para ‘Jelly Soul’ y grandes directos de algunas de sus pistas como el que nos trae Jägermusic de la embriagadora ‘Tama’. Hablamos con Marc Fernández sobre los planes de futuro de la banda, que de nuevo ha sido invitada a actuar en el Primavera Sound (ya con los abonos agotados). 2017 promete ser un buen año para ellos.
Estabais tan pronto como en noviembre/diciembre confirmados en el Primavera Sound. ¿Cómo se consigue algo así? ¿Creéis que es más bien porque ya habéis pasado por el festival o porque en el festival saben lo que preparáis de cara a 2017?
Muy contentos de tocar en el Primavera otra vez. Creo que el tema es estar activo. Grabar, tocar, componer… Hacer ruido. Eso abre las puertas de los festivales. Eso y un buen manager.
¿Habrá nuevo disco de Ocellot en 2017? ¿Qué nos podéis adelantar de él?
Sí. Habrá 3 EP’s, que ya están grabados. ¡¡Tengo muchas ganas de sacarlos!! Llevo un año componiendo estas canciones. Nunca había invertido tanto tiempo. Normalmente hago las canciones por lo divertido que es, independientemente que me guste más o menos el resultado. En este caso estoy 100% satisfecho con las canciones.
¿Por qué separaréis vuestra nueva música en 3 EP’s? ¿Son grupos de canciones muy distintos entre sí?
Tenía muchas canciones grabadas. La verdad no me atrae demasiado la idea de sacar un disco largo a no ser que siga una línea argumental que lo requiera. A medida que he ido perfilando los temas me he dado cuenta de que las letras y el aire de las canciones han ido cambiando gradualmente. Puedo distinguir tres etapas claras, así que 3 EP’s. No son muy distintos entre sí pero muestran un estado de ánimo distinto.
Como grupo, ¿qué sonidos os han inspirado en los meses recientes? ¿Qué música de ahora o del pasado os ha unido y en cuál no habéis coincidido tanto últimamente?
Le debemos al dub y al hip hop. Más como método que como sonido, aunque se puede ver claramente en algunas canciones. Me refiero a usar los efectos como un instrumento más, a dejar respirar los riffs, quitar capas sobrantes, a la repetición, darle mucha importancia a los bajos y al beat. Sobre todo al beat.
¿Algún acontecimiento, hecho histórico o personal, alguna corriente artística que haya sido decisiva en el desarrollo de vuestra nueva música?
Este último año hemos viajado poco y hemos hecho mucha vida en Barcelona, cosa que se refleja directamente en la música. La gente, los bares, el constante movimiento, nos moldea a nosotros y a nuestra música claro.
¿Algo que hayáis querido dejar atrás de vuestro pasado? ¿Alguna meta que superar?
De alguna manera siento que cada año dejo todo atrás para empezar de nuevo. O tal vez digo eso ahora, antes de fin de año. Lo que realmente quiero es sacar fuera de España los nuevos EP’s, tocar en el extranjero. Tocar y viajar todo lo que se pueda.
¿En qué sentido estás tan contento con las nuevas canciones? ¿Es más a nivel compositivo, en cuanto a texturas, producción…?
A todos los niveles. Nunca me había pasado tanto tiempo componiendo. Solía improvisar muchísimo en el estudio y ya me gustaba el resultado. Pero no quería repetir el proceso. Al escuchar el resultado final me da la sensación de que me he acercado más a esa imagen mental que persigo desde el principio. Ese sonido que considero mío o que me define de alguna manera. Mario (Patiño Orozco, de La Atlántida Estudio) me ayuda mucho en la producción. Llevamos ya un EP y dos discos grabados y vemos claro qué queremos.
¿Creéis que esas nuevas canciones evitarán que sigáis siendo comparados con Animal Collective?
Jajaja, eso espero. Si buscas similitudes siempre las vas a encontrar, lo mismo con las diferencias. Creo que el discurso que seguimos hoy en día difiere bastante. De todas maneras es un grupazo, así que es halagador que te comparen con ellos, al mismo tiempo que molesto que sólo te comparen con ellos.
Esta semana escucharemos el primer single del inminente álbum de Los Planetas, previsto para marzo. Desde hoy lunes hay una preventa del sencillo ‘Espíritu Olímpico’ en formato CD-single y 7 pulgadas funcionando a través de su web, pero será este viernes 27 de enero cuando la canción llegue a las plataformas de streaming y de venta digital habituales. Estas son las razones por las que el regreso del grupo es totalmente necesario:
1.-Llevamos 7 años sin disco de Los Planetas: Los Planetas sacaban disco de estudio tradicionalmente cada 2 años. Lo hicieron todos los años pares sin excepción durante una década, de 1994 a 2004. Ni todas las drogas repartidas en Granada impidieron que ‘Una semana en el motor de un autobús’ saliera en 1998, pero desde 2007 la banda relajaba el ritmo hasta llegar hasta este lapso interminable en el que no han faltado un fugaz paso por El Segell del Primavera Sound, un EP suelto, paternidades ni rumores de separación.
‘Una ópera egipcia‘ fue un buen disco, aunque desde el punto de vista artístico no pudiera quitarse de encima cierta sensación de amalgama entre el hit planetero de siempre, su vertiente flamenca que tanto bien ha hecho por su discurso y una más electrónica. Ahora todo el mundo se pregunta por la dirección artística de lo nuevo de Los Planetas después de tantísimo tiempo. ¿Será su disco más pop, su disco menos pop, su disco más coherente o su disco más despreocupado? Tras 7 años sin álbum, casi que cualquier opción será bienvenida.
2.-La reivindicación de su legado: Hace unos años salían tantos grupos parecidos a Los Planetas que hasta se llegó al hartazgo. Durante un tiempo copiarlos estaba muy mal visto, pero últimamente, quizá como reacción al trap y derivados, una serie de grupos emergentes está imitando con bastante éxito el alcance pop de su primera etapa. El pelotazo dado por Viva Suecia, que acaban de actuar en OchoyMedio con todo agotado, o el fichaje de Warner de Supertennis pueden ir por ahí, así que si va a ser tendencia, nadie mejor que la banda original para valerse de ello.
3.-Este disco tiene que ser su primer número 1: ‘Una ópera egipcia’ no fue número 1 en España por 50 copias de diferencia, quedando en el puesto 2. Por A o por B los discos de Los Planetas no han sido nunca número 1 en nuestro país. Las cosas han cambiado mucho en estos 7 años y ahora es habitual que gente como Vetusta Morla, Love of Lesbian o Manel sí sean número 1 en España y a la banda de Jota se le debe ese titular. No parece muy claro que vayan a conseguirlo desde la autoedición y ahora que están fuera de Sony, ni tampoco que sea su objetivo, pero sería justicia poética, ahora que el indie vuelve a sonar en 40 Principales, 20 años después de ‘David y Claudia’. Arturo Paniagua pinchará su nuevo tema con toda seguridad, ¿pero y el resto de la parrilla de la cadena de Prisa? Sin multi detrás, parece poco probable esta vez, pero veremos.
4.-Hay que acabar de una vez con la nostalgia: De un tiempo a esta parte, hemos asistido a cada concierto de Los Planetas como si fuera el último. Realmente el grupo no ha dejado de dar un show por allí y un show por acá, pero cada uno de ellos tenía tal sabor a final que dejaba un regusto amargo, incluso de gente llorando por todos los lados. Con pocos cambios en un setlist que tendía a reservar sus mayores hitazos para el final, y siempre sin anuncio de nuevo disco en mente, Los Planetas daban la sensación de estar despidiéndose todo el rato.
Eso no les hacía favor ni a ellos ni al público que veía los conciertos. Ellos parecían estar viviendo de las rentas y nosotros nos hemos llegado a creer que teníamos 10 años más de los que teníamos de verdad recordando ‘De viaje’, ‘Segundo premio’, ‘Pesadilla en el parque de atracciones’ o ‘Un buen día’. Lo hemos presenciado en Primavera Club, en un FIB, en alguna sala, en el Low Festival… Nuevas canciones, nuevos aires, nuevas sensaciones son ya necesarios. Ni ellos estaban para firmar su final ni nosotros tampoco. En marzo sabremos cuánto ha merecido la pena la espera, pero lo seguro es que su viejo repertorio no se podía exprimir otra temporada de festivales, ni aunque solo fueran a uno.
Elastica podrían estar tramando su regreso. Eso aseguran medios como The Line of Best Fit basándose en unas declaraciones del ingeniero de Abbey Road Sean Magee, que parece haber grabado algo con ellos. El hombre añade que sus miembros no se habían visto «durante 20 años». Además, han aparecido unas instantáneas en el Facebook de Elastica en las que el grupo aparece reunido.
Eso sí, se especula que puede que lo que estén grabando no sea un disco completo y se recuerda que cada uno de ellos ha seguido caminos artísticos muy distintos en este tiempo… lo cual no ha sido gran impedimento para Slowdive, por ejemplo.
Aunque Elastica para muchos fueron un hype que enseguida cayó por su propio peso, canciones de su debut de 1995 como ‘2:1’ y muy especialmente ‘Connection’ continúan siendo pinchadas a día de hoy, esta última sonando como un curioso cruce entre Brit-pop y riot-grrrl, anticipándose además a las intenciones llenapistas de unas Le Tigre o del mismísimo ‘Song 2’ del que sería uno de los ilustres novios de Justine Frischmann, Damon Albarn (el otro sería Brett Anderson).
Elastica tuvieron la elegancia de separarse cuando su segundo disco ‘The Menace’ no funcionó, pero sobre todo la acidez de promocionar este indicando abiertamente que no era tan bueno como el primero. Después de haber presenciado reuniones de todo pelaje y de averiguar que la guitarrista Donna Matthews se ha adentrado en los caminos de la religión, no hay que perderse lo que puede salir de todo esto.
Ed Sheeran tiene dos singles de adelanto de su tercer álbum, a la venta el próximo mes de marzo. De momento es la sexualizada y tropical ‘Shape of You’ la que ha sido número 1 directo en Estados Unidos y Reino Unido, entre otros muchísimos países, pero es ‘Castle on the Hill’ mi favorita y la primera para la que se ha estrenado videoclip, contra todo pronóstico.
La letra de la canción es 200% nostálgica, con Ed Sheeran recordando algunos de los momentos más intensos de su niñez y de su adolescencia a medida que vuelve a casa, y el vídeo muestra eso mismo, aparte de recordarnos el pedazo de cicatriz que el cantante tiene en la cara como consecuencia de haber sido herido por la princesa Beatriz de York en un acto social. Como veis, la amiga lio una buena escabechina.
El vídeo ha sido dirigido por George Belfield y ha sido rodado en Suffolk, Inglaterra. De momento, ‘Castle on the Hill’ ha sido número 2 en Reino Unido, Australia, Austria, Canadá, Dinamarca o Alemania (solo por detrás del otro nuevo single de Sheeran) y número 3 en Francia o Italia. En Estados Unidos entraba al puesto 6 y tras bajar esta semana podría remontar gracias al videoclip, pues Youtube cuenta para el Billboard Hot 100.
Tal y como se venía anunciadon en las últimas semanas a través de imágenes inquietantes en sus redes sociales, se acercaba el séptimo disco de Goldfrapp. Ahora se confirma que su nuevo álbum llevará el título de ‘Silver Eyes’ y que se pondrá a la venta el día 31 de marzo. Esta misma mañana el dúo británico mostraba su primer single, ‘Anymore’, en un programa de BBC Radio 6 y, horas después, han lanzado el audio de este tema y la información completa sobre el disco.
El single da pistas sobre el sonido que Alison y Will Gregory adoptarán en esta obra: dejando atrás las canciones orquestales y melancólicas de ‘Tales of Us‘, ‘Anymore’ supone un regreso a su lado más electrónico y bailable. En nota de prensa, se revelan datos sobre el proceso creativo del disco, producido por John Congleton (St Vincent, John Grant, Wild Beasts) y en el que ha colaborado Bobby Krlic (The Haxan Cloak).
«Nunca nos ha gustado repetirnos. Siempre nos revelamos contra lo que hemos hecho antes. Nos gusta la espontaneidad de no saber [lo que vamos a hacer]. Solo empezamos a descubrirlo durante el proceso [de composición]. Los fans que se han quedado con nosotros son los que abrazan esa idea y se entusiasman con el hecho de no saber qué es lo próximo que vamos a hacer», explica Alison. Will Gregory añade: «Creo que componer un álbum es como perderse en un bosque. Intentas encontrar un camino interesante. No sabes si te va a llevar a un punto muerto o a algún lugar interesante; y nunca sabes cuándo detenerte porque a la vuelta de la esquina puedes descubrir de repente un paisaje maravilloso».
También se revela que, curiosamente las imágenes promocionales del disco han sido tomadas por la propia Goldfrapp en la isla canaria de Fuerteventura. «La arena negra, los abruptos acantilados, las dunas ondulantes y el cegador cielo azul, resultan un complemento ideal para el componente dramático de la música del álbum». Os dejamos con el tracklist del álbum y el audio oficial de ‘Anymore’:
1. Anymore
2. Systemagic
3. Tigerman
4. Become The One
5. Faux Suede Drifter
6. Zodiac Black
7. Beast That Never Was
8. Everything Is Never Enough
9. Moon in Your Mouth
10. Ocean
El festival radicado en Burrian, Castellón, Arenal Sound acaba de anunciar una nueva batería de confirmaciones, encabezada por el grupo británico Bastille. El grupo liderado por Dan Smith ostentará la categoría de cabeza de cartel compartiendo estatus con el DJ y productor de EDM Martin Garrix. Entre esta nueva tanda de confirmaciones también destacan Nothing But Thieves, Kakkmaddafakka, WAS o Varry Brava. Esta es la nota de prensa del festival:
«No será la primera vez en Burriana para los británicos Bastille. Ya estuvieron en 2014 y vuelven tres años después para presentarnos su nuevo disco ‘Wild World‘. Además, están entre los nominados a “Mejor Grupo Británico” en los prestigiosos Brit Awards; los también ingleses Nothing But Thieves llegan con su disco de debut dispuestos a conquistar a miles de sounders con su música; Unos que ya son bastante conocidos en Arenal Sound son los noruegos Kakkmaddafakka, que vuelven este verano para presentar las canciones de su último trabajo discográfico ‘KMF’; la gira ‘Safari Emocional‘ de Varry Brava hará una parada obligatoria en Burriana para hacernos bailar con sus nuevos temas; ‘Cero’ es el último álbum de Dinero y no podían faltar en la octava edición con su potente directo; ‘Gau Ama‘ es el disco que WAS nos presentará en Arenal y representa una nueva era no sólo para el grupo, sino para parte de una escena que busca trascender sin perder la identidad; Morodo es uno de los máximos exponentes del reggae nacional y estará por primera vez en el festival castellonense; Dubioza Kolektiv es un curtido colectivo combina de manera delirante el hip- hop, el reggae, el dub, el rock y el folclore de Bosnia; The Zombie Kids es uno de los proyectos más representativos de una generación ecléctica y única que ha marcado la escena de la música electrónica y a toda una generación de jóvenes; De sobras conocido en la escena de Barcelona y los circuitos de la música de baile nacionales, el talento de Alizzz, Cristian Quirante, llegó ya el año pasado a los oídos del público europeo y americano».
Todos ellos se unen al citado Martin Garrix, Icona Pop, León Benavente, Iván Ferreiro, Kase.O, Las Bistecs, Lori Meyers, C.Tangana, Sidonie, Jake Bugg, Neuman o Dellafuente, anunciados previamente. Arenal Sound 2017 tendrá lugar del 1 al 6 de agosto. Puedes comprar los abonos para Arenal Sound desde 35 euros en Ticketea, 70 euros en su versión VIP.
Bimba Bosé ha muerto a los 41 años edad tras no superar el cáncer que padecía. Según informa El Español, en las últimas semanas se había sometido a nuevas pruebas en el Hospital Ramón y Cajal, donde recibía las sesiones de radioterapia y quimioterapia, y donde acudía a las revisiones médicas desde hace dos años cuando le fue descubierto el cáncer. Su enfermedad salía a la luz en 2014 y Bimba posaba fuerte sin un pecho para una revista mostrando que ella podía con todo, pero en 2016 se conocía la noticia de que sufría «metástasis en huesos, hígado y cerebro». Trágicamente, no ha podido superar la enfermedad.
Además de su característica imagen como modelo andrógina (ha desfilado en Londres, París, Nueva York y Milán), Bimba fue actriz. Debutó en ‘El cónsul de Sodoma‘ y recientemente hizo un cameo en ‘Julieta’ de Pedro Almodóvar. También será recordada por su faceta como cantante al frente de The Cabriolets, con los que publicaba el disco llamado ‘Demo’ en 2008, sumergido en el R&B y en la música electrónica tras unos interesantes inicios labrados en MySpace cercanos al soul.
También interpretó un tema con su tío Miguel Bosé, en el multiplatino ‘Papito’. Su tema fue ‘Como un lobo’. Últimamente se la había visto en el programa televisivo ‘Levántate All Stars’. Bimba deja 2 hijas de 12 y 5 años, ambas del realizador y músico Diego Postigo.
El rapero Killer Mike, miembro del proyecto Run The Jewels que recientemente publicaba el Disco Recomendado ‘RTJ3‘, ha dividido a la opinión pública al celebrar en una serie de tuits el puñetazo que recibió Richard Spencer en la calle. El pasado sábado fue noticia un vídeo en el que Spencer, líder del movimiento autoproclamado como «Derecha Alternativa», recibió un golpe de un hombre blanco mientras estaba siendo entrevistado en la calle, convirtiéndose en un meme recurrente todo el fin de semana.
Uno de esos memes congelaba el momento del puñetazo mientras comenzaba a sonar ‘Blockbuster Night Part 1’ (contenido en el segundo largo de Run The Jewels). Mike lo retuiteaba añadiendo el texto «Esto es maravilloso». Un tuitero le recriminó a Mike que con su mensaje promoviera el odio, y él, lejos de arrepentirse o rectificar, aseguró que no estaba mal agredir a un nazi: «Te das cuenta de que es un nazi-wannabe. Aún así, está bien patear el culo a un nazi».
Richard Spencer es una figura que obtuvo relevancia durante la pasada campaña electoral norteamericana, apoyando la candidatura de Donald Trump (que este fin de semana tomaba posesión de la Presidencia de EEUU, ante una gran manifestación feminista). El discurso de Spencer, aunque él niegue ser neonazi, como se le suele calificar, contiene ideas supremacistas (se ha apropiado del tristemente célebre «white lives matter»), racistas, homófobas y anti-feministas. Inexplicablemente, sus seguidores le reciben brazo en alto, imitando el saludo nazi.
La crítica musical referencial, es decir, la que se basa en relacionar una obra con otras precedentes, generando un name-dropping interminable, suele ser una práctica habitual dentro de la música pop con veleidades artísticas. Tiene la ventaja de que permite ubicar un trabajo con cierta rapidez («ah, es como una mezcla de tal con cual, ya entiendo») pero solo cuando conoces el código. Ahí reside su principal inconveniente, que puede acabar siendo una práctica elitista que interpone una barrera cultural que impide, en algunos casos, la comunicación.
Por ello, el abuso de referencias puede acabar siendo un lastre derivado de la pereza del redactor. Ahora bien, de verdad, ¿puede explicarse la música de ‘Hang’, el nuevo disco de Foxygen, de otra manera? ¿Se puede transmitir la emoción que produce sin echar mano del espejo retrovisor? ¿Nos haría sentir igual si no nos recordara a tantas otras cosas al mismo tiempo?
En todos sus trabajos hasta la fecha Sam France y Jonathan Rado han demostrado tener muy presente el pasado, siendo muy hábiles a la hora de mezclar referencias diversas de una manera eficaz y, en muchos momentos, maravillosamente alocada. En su primer disco, el excelente ‘Take the Kids Off Broadway‘, incluso llegué a compararlos con dos adolescentes que descubren un cofre lleno de tesoros musicales y los escuchan de golpe. Sin embargo, desde entonces -a pesar de no abandonar el concepto- me parece que han ido en picado. Su segundo disco, ‘We Are the 21st Century Ambassadors of Peace & Magic‘, combinaba algunas de sus mejores canciones con momentos menos inspirados. Y ‘…And Star Power‘, pese a sus defensores, empezaba a parecerse demasiado a lo que podríamos llamar una obra de decadencia, donde sus filias pseudo-glam pesaban mucho más que lo interesante de la propuesta.
Sus erráticos conciertos, que les llevaron incluso a anunciar su separación, y sus irrelevantes proyectos en solitario no hacían presagiar nada bueno. ¿Había algo tras ese desparpajo inicial? ¿Eran algo más que un montón de clásicos mal digeridos?
Foxygen responden con que ‘Hang’ es su primer disco «de verdad», dejando entender que los otros eran más colecciones de canciones de aquí y de allá y que esto es lo que ellos entienden por un álbum «comme il faut». Grabado en los estudios Spacebomb con los Lemon Twigs como sección rítmica, se trata de un trabajo al que los omnipresentes arreglos orquestales (cortesía de Trey Pollard) ciertamente dotan de un indudable aire conceptual del que carecen sus anteriores álbumes.
‘Follow the Leader’ comienza de manera clásica, con esa manera de cantar de Sam France tan cercana a Mick Jagger pero -en seguida- empieza a elevarse con unos arreglos y una producción pulida, suntuosa, amplia, que hace que la canción termine teniendo un acabado tan próximo a Van Morrison (ese shalalá final) como a las mejores producciones soul de Curtis Mayfield. Este sonido, cercano por momentos al de los Lambchop de finales de los años 90, lleva la inconfundible marca de Matthew E. White.
La sombra del productor (aquí colaborador) de Natalie Prass o Alondra Bentley, ahora también de actualidad por su disco de versiones junto a Flo Morrissey, se hace presente en todas las canciones, como el caso del siguiente corte, ‘Avalon’, una pieza bastante glam que, siguiendo la práctica de siempre de Foxygen va alternando partes muy diferenciadas. Un comienzo a lo Van Dyke Parks y un interludio de claqué se dan la mano con un pelotazo de sonido comprimido en el estribillo que remite directamente a los ABBA de ‘Waterloo’. Nadie se puede rasgar las vestiduras por un amago de plagio en estos tiempos de sampleos y nuevas contextualizaciones pero reconozco que la referencia tan obvia (al menos en Europa) les puede restar un poco de credibilidad. Con todo, se trata de un tema muy disfrutable que termina de manera vibrante con un saxo al más puro estilo Clarece Clemons.
Ese saxo me hace adelantarme unas cuantas canciones sobre una secuenciación que me parece perfecta y relacionarlo con el que para mí debería ser el single principal de ‘Hang’: ‘On Lankershim’. Totalmente deudora del particular muro de sonido que -a imagen y semejanza de Phil Spector- Bruce Springsteen construyó en ‘Born to Run’, se trata de tres minutos maravillosos de pura fantasía urbana, con una teatralidad próxima a los Dexy’s Midnight Runner más soul de ‘Too-Rye-Ay’.
Si retomo el orden original de canciones del disco, también hay saxo (bueno, hay de todo, hasta marimbas y trompas) en ‘Mrs. Adams’. Vocalmente más cercana a David Bowie, tiene detalles que encantarían al primer Elton John y un final contundente absolutamente apoteósico. Me gustaría destacar la utilización de la orquesta, muy alejada del concepto de aplicar una capa final de embellecimiento a la canción que en muchas ocasiones se le da. En todo el disco -pero en particular en ese final de ‘Mrs. Adams’ o en el siguiente tema, ‘America’- se puede apreciar cómo la orquesta es, en esencia, la banda. ‘America’ fue el primer tema que se adelantó de este ‘Hang’ y se trata del más largo, barroco y ambicioso de todo el conjunto. Kurt Weill y la música de entreguerras se filtran, a través de los Doors, con la esquizofrenia psicodélica tan característica en los inicios de Foxygen y con furibundos arranques de ópera rock a lo Meat Loaf.
Ese mismo ambiente cabaretero y con una entonación casi de broma habita la preciosa ‘Upon a Hill’. Una joyita de minuto y medio con una acelerón final a lo Jacques Brel que volvería absolutamente loco a Marc Almond. Y de Brel y Almond pasamos a recordar a Scott Walker en ‘Trauma’. Menos frenética que las anteriores, con un desarrollo más lento y tradicional, es una apisonadora in crescendo que acaba con toda la orquesta rugiendo y dejando el camino preparado para el mejor cierre imaginable con ‘Rise Up’, preciosa balada épica que suena como si un Neil Hannon con una voz más dejada hubiera fichado a Richard Hawley para The Divine Comedy.
Con estos ocho temas Foxygen han entregado un disco breve pero extremadamente cuidado. Coherente y diferente. En absoluto moderno ni necesariamente reflejo de nuestro tiempo pero fresco y divertido, muy alejado de ser un oxidado ejercicio de revivalismo. Una pequeña y sorprendente obra maestra construida con trozos -una veces más reconocibles, otras menos- de la historia de la música pop.
Pocas veces he tenido una sensación tan exultante al escuchar un disco por primera vez y pocas veces me ha apetecido tanto volver a escucharlo una y otra vez. ¿Hablamos de disco del año? Hombre, ¡que todavía estamos en enero! Ya, más bien hablamos de disco de la década. Que ya estamos en 2017.
Calificación: 8,7/10 Lo mejor: Todas y cada una de las canciones del disco, pero si solo puedes escuchar una, que sea ‘On Lankershim’. Te gustará si te gusta: El Bruce Springsteen de ‘Born to Run’, los Doors más Kurt Weill, Marc Almond versionando a Scott Walker versionando a Jacques Brel, la teatralidad de Meat Loaf, el name-dropping referencial. Escúchalo: Spotify
Hace unas semanas, Noel Gallagher volvió a hacer de las suyas. Durante una entrevista que el mes pasado concedía a BBC Radio 6, el ex miembro de Oasis recordaba una anécdota de 2013: lo que le había sorprendido ver a Emeli Sandé recoger un premio Ivor Novello… «junto a 8 personas». «Ocho personas para recoger un premio», comentaba Noel. «Estaba sentado junto a Ray (Davies) y le dije: «¿Cómo pueden 8 personas escribir una canción? Si intento escribir una canción con alguien, me vuelvo loco». Me vi obligado a ir a la mesa y decirles: ¿Cómo habéis escrito esta canción entre 8 personas?»». Y Gallagher tuvo respuesta: «Bueno, dos de nosotros hacemos el ritmo, dos de nosotros los acordes, dos la letra, y luego hay una cosa llamada «topliner». ¿Sabes quién es el «topliner»? Es el tipo que, cuando todo está hecho, se sienta ahí, tararea la melodía y otra persona pone las palabras». Noel Gallagher contestó: «¿Y qué hace Emeli Sandé mientras pasa todo esto». «Está en la Casa Blanca», fue la respuesta jocosa del equipo de Sandé.
Aunque NME recuerda que cuatro y no ocho personas fueron premiadas por escribir la música y la letra de ‘Next to Me’ (Hugo Chegwin, Harry Craze, Anup Paul y Emeli Sandé), la anécdota nos sirve para reflexionar sobre una de las categorías de nominados más desacertada en la edición 2017 de los premios Grammy que se entregan el próximo 12 de febrero. Se trata de la de mejor productor «no clásico». Desde que esta categoría fuera presentada por primera vez en 1975, se han llevado el premio Stevie Wonder (1977), Quincy Jones con y sin Michael Jackson (1984, 1982, 1991), Brian Eno (1993), Babybace (1996-1998), The Neptunes (2004), Mark Ronson (2008), Danger Mouse (2011), Paul Epworth (2012) y Jeff Bhasker (2016). Una muestra bastante aceptable de cómo han ido evolucionando los tiempos.
Siguiendo con la comercialización de los premios, que últimamente han querido arrimarse al público joven de unos MTV, este año no está ni siquiera nominado Tony Visconti por su espléndido trabajo al frente del último trabajo de David Bowie, y sí encontramos en cambio nominados a mejor productor a Benny Blanco, Greg Kurstin, Max Martin, Nineteen85 y Ricky Reed. Aceptada esa nueva línea editorial adolescente de los Grammy, en esta categoría premiando a los productores de hits de Adele, de Sia o de Drake, llama muchísimo la atención la ausencia de productores de Kanye West, Rihanna y muy especialmente Beyoncé, pues el trabajo de los 3 ha sido decisivo para definir el sonido de 2016. ¿Cómo es posible que ni un solo productor de ‘Lemonade’, ni el productor de ‘Work’, ni ningún co-productor de Kanye West esté nominado al Grammy a mejor productor?
Sintiéndolo mucho por Noel Gallagher, nos hemos acostumbrado a ver a 12 personas implicadas en la autoría de una canción. Más que nada porque si esa canción contiene un sample de un grupo, ese sample puede añadir de un plumazo un grupo de tres o cuatro personas a la lista de co-autores. Otra cosa es lo que está pasando con la producción de algunos de los discos más importantes del pop actual. Mientras hace unos años la figura de Quincy Jones era indisociable de la obra de Michael Jackson y todo el mundo sabía que él era el productor de ‘Thriller’ y ‘Bad’, que Timbaland era el productor de Aaliyah como ahora lo es -junto a J-Roc- de Justin Timberlake o que The Neptunes lo eran de Kelis, las cosas se están complicando cada vez más, con tal cantidad de manos apareciendo en según qué tipo de productos que más de uno nos quedaríamos en blanco si nos preguntaran quién ha producido ‘The Life of Pablo’, ‘ANTI’ o ‘Lemonade’.
Multitud de productores han intervenido siempre en los discos de Beyoncé, aunque en ‘Beyoncé’ (2013) llamó la atención el modo en que rescató al desconocido Boots para producir en solitario algunos de los temas junto a la propia Knowles, destacando ‘Haunted’. Boots ha vuelto a ser invitado en ‘Lemonade’, pero sólo en ‘6 Inch’, una pista en la que por si no fuera suficientemente gracioso ver compartir créditos a Panda Bear y a Burt Bacharach y a Hal David, interviene Abel Tesfaye, entre otra decena de personas, lo que incluye a The-Dream. Por el resto del disco circulan como co-productores lo mismo Diplo que James Blake que Jack White que Hit-Boy que gente que ni siquiera tiene página en Wikipedia o a duras penas en Discogs o Linkedin.
Lo mismo puede decirse de Rihanna, cuyos álbumes nunca hemos sabido muy bien por quién estaban producidos. Decenas de manos vuelven a pasar por ‘ANTI’ como antes había sucedido con ‘Good Girl Gone Bad’ o ‘Loud’. Podemos pensar que son Boi-1da, un productor con una década de experiencia y famoso por sus colaboraciones con Nicki Minaj o Drake, y Noah «40» Shebib, directamente la mano derecha de Drake, quienes han convertido ‘Work’ en lo que es. Y sin embargo el nombre que aparece en todas las pistas de ‘ANTI’ como co-productor es Kuk Harrell, hombre de confianza de Rihanna, aunque parece limitado a la producción de las voces. ¿Y quién va a dar un Grammy a un productor solo por producir las voces de un disco?
Más lejos va el caso de Kanye West. Él se pone al frente de los 20 temas de ‘The Life of Pablo‘, pero los créditos de Wikipedia (no existe copia física del disco) reconocen hasta a más de 30 productores adicionales. ¿Quién tuvo más peso de todos ellos en la producción de ‘The Life of Pablo’? ¿Os imagináis a los 30 subiendo a recoger un premio? ¿Presuponemos a West, por su larga trayectoria en producción, un genio que no necesita a nadie más para crear? ¿Entonces por qué de hecho sí necesita a más gente que nadie y a más gente cada día?
Nada de esto es nuevo en la música comercial. Y mucho menos el debate de la autenticidad, que se reavivó de lo lindo cuando Beck, que hizo todo ‘Morning Phase‘ él solo, dejó sin Grammy al centenar de colaboradores de ‘Beyoncé’. La novedad es que mientras el tipo de música que solía reunir a 30 productores en un solo trabajo solía ser un trabajo «más de singles», ahora está dando lugar a discos excepcionales. Es unánime que Beyoncé y Rihanna han hecho dos de los discos más importantes de 2016. Y es toda una novedad no tener ni la más mínima idea de quién fue su productor principal.
Mientras siempre nos vendrá a la mente el nombre de Brian Eno y Daniel Lanois al frente de ‘Achtung Baby’ de U2, el de Lauryn Hill a los mandos de ‘The Miseducation’, el nombre de William Orbit al frente de ‘Ray of Light’ de Madonna, el de Nigel Godrich como sexto Radiohead o los de Mark Ronson y Salaam Remi al frente de ‘Back to Black’ de Amy Winehouse, dentro de unos años no sabremos qué contestar cuando nos pregunten quién produjo algunos de los mejores discos de 2016. Igual cabría elogiar, en estos casos, la labor de «productor/a ejecutivo/a» como director/a artístico que se adjudica siempre el/la cantante. Nunca había sonado tan importante como ahora, pero quizá la madurez y lo bien encarriladas que van las carreras de Rihanna o Beyoncé sea un paso para que nos la tomemos en serio.
El festival madrileño DCode acaba de anunciar en redes sociales los primeros nombres de su edición 2017. Esta primera tanda está encabezada por las bandas norteamericanas Interpol y Band of Horses, que también compartirán escenario con los británicos The Kooks, los alemanes Milky Chance y Carlos Sadness.
Superada la etapa hip hop de su cantante Paul Banks, Interpol, que tanto marcó el sonido del rock alternativo a mediados de los 00s, regresará a la actividad discográfica tras ‘El Pintor‘ (2014), su primer disco tras al salida de Carlos Dengler. De momento realizarán una gira mundial para celebrar el 15º aniversario de ‘Turn On the Bright Lights’ y además anuncian nuevo disco para 2018.
Por su parte, la banda de alt-country-rock Band of Horses publicaban hace unos meses ‘Why Are You OK’, uno de los discos más infravalorados de 2016 para nuestro redactor Miguel Sánchez.
Junto a ellos estarán unos The Kooks que, pese a no contar con discos especialmente notables, cuentan con una notable legión de fans. También destaca la inclusión de Milky Chance, dúo alemán de pop alternativillo que barriera Europa en 2014 con su hit ‘Stolen Dance’ y que está a punto de editar su segundo disco. Por último, un cada vez más pujante Carlos Sadness aporta la ineludible cuota de pop estatal. Hace días publicó un nuevo single, ‘Amor Papaya‘, que podría anticipar un nuevo disco del barcelonés.
DCode se celebra, una vez más en el Campus de la Universidad Complutense de Madrid. Será el día 9 de septiembre, sábado, y ya está a la venta la primera oferta de entradas, a 42€ más gastos de envío. Toda la info, en su web.
Hace unas horas se ha conocido la muerte de Jaki Liebezeit a los 68 años. Se ha anunciado a través del Facebook de Can, la mítica banda alemana que él contribuyó a fundar. Al parecer, Liebezeit ha fallecido a causa de “una neumonía repentina”. “Ha caído en el sueño rodeado de sus seres queridos. Le echaremos de menos enormemente”, terminaba la escueta nota, a la vez que una imagen de Jaki preside su foto de perfil.
Liebezeit nació en Dresden en 1938 y comenzó a ser popular en las baquetas con el quinteto de free-jazz Manfred Schoof. En 1968 formó, junto a Michael Karoli, Holger Czukay, Irmin Schmidt y David C. Johnson, la banda Can, erigida en una de las bandas más influyentes en el rock contemporáneo. Suyos son los ritmos en álbumes cruciales en la historia del rock como ‘Tago Mago’, ‘Soundtracks’ o ‘Ege Bamyasi’. En su sonido Liebezeit tenía un papel crucial, puesto que su manera de tocar la batería era a menudo maquinal, metronómica. De hecho, se le acuñó el concepto “mitad hombre, mitad máquina”.
De hecho, el famosísimo ritmo “motorik” se ideó para su manera de tocar la batería en los discos en solitario, a finales de los 70, de Michael Rother, miembro de los también icónicos Neu! En aquella década Liebezeit también tocó esporádicamente con Florian Schneider, antes de que este creara Kraftwerk, y en ‘Before and After Science’ de Brian Eno. En los 80 militó en la banda Phantomband, fundó el grupo experimental de percusionistas Drums Of Chaos, además de colaborar con artistas del out-rock como Jah Wobble o Burnt Friedman, convirtiéndose en una referencia ineludible de las baquetas.
También coqueteó ocasionalmente con el pop, tocando en discos como ‘In The Garden’, debut de Eurhythmics, ’Ultra’ de Depeche Mode o saliendo a hacer una jam en directo con Red Hot Chili Peppers. En los últimos meses planeaba una celebración del 50 aniversario de Can con ‘The Can Project’, un concierto en Londre scon la banda filarmónica de la ciudad y que contaba también con miembros cruciales del grupo como Irmin Schmidt o Malcolm Mooney, además de invitados como Thurston Moore (Sonic Youth).
Sentarse a hablar con Juan Aguirre y Eva Amaral siempre es un ejercicio interesante. Sobre todo porque, a pesar de lo que a priori se pudiera pensar, Amaral nunca se comportan como lo superfamosos que son. Juan, de hecho, me reconoce de una entrevista anterior de hace 7 años; y no solo eso, sino que se acuerda de que antes llevaba gafas y ahora no, así que nuestra conversación empieza, precisamente, hablando de un tema tan apasionante como nuestras experiencias con la cirugía ocular. Hasta que yo, percatándome de que no he puesto todavía la grabadora, corto torpemente (pero de forma inintencionada) la conversación, anunciando que voy a empezar a grabar.
El dúo es noticia porque está presentando ‘Nocturnal: Solar Sessions’, un álbum que precisamente es una vuelta de tuerca del anterior. Juan y Eva han vuelto a sentarse y han regrabado todas las canciones, una por una, generando un nuevo álbum que aunque resulta familiar, es radicalmente distinto. ‘Nocturnal: Solar Sessions’ se venderá como un disco aparte en España, pero formará parte de un disco doble que será lanzado de forma internacional y que viene acompañado también de una gira internacional, con fechas principalmente en Alemania, Reino Unido y Holanda. En nuestro país tienen shows en Barcelona o Coruña.
Empecemos hablando, si os parece, del pasado concierto del 5 de enero. Tocasteis en el Teatro Real junto con la Banda Sinfónica Municipal de Madrid. ¿Cómo se vive eso sobre las tablas?
Eva: «Increíble. El hecho de pisar ese escenario ya es algo ilusionante. Verlo sin gente todavía dentro, lo precioso e impresionante que es…»
La verdad es que desde el público, que yo también estuve, fue emocionantísimo. Estuve además dándole al refresh ahí el día que salieron las entradas.
Juan: «Sí, recuerdo ese día. Nosotros no teníamos nada que ver con la venta de entradas pero claro, la gente entraba a nuestras redes preguntando».
Eva: «Y nosotros no podíamos hacer nada».
Juan: «De hecho, no podíamos darles más información de la que nos mandaban».
La información, de todos modos, estaba. Ponía que las entradas saldrían tal día a las 10 de la mañana, y tal día a las 10 de la mañana ahí estaban… ¡Es un poco como cuando compras entradas para macroconciertos tipo Madonna y sabes que tienes que estar ahí para no perdértelo!
Juan: «La verdad es que estuvo soberbio».
Eva: «Además, nos encantó el trato que nos dio la banda, los músicos son súper afables y nos trataron de maravilla. Lo hicieron todo muy fácil en todo momento».
Juan, ¿cómo fue para ti compartir protagonismo en la parte instrumental con tantos músicos?
Juan: «El primer día de ensayos me llevé amplis y el equipo habitual que uso con Amaral, con toda la tecnología… Y luego me di cuenta de que todo lo que fuesen efectos de sonido muy precisos no encajaban, porque la banda no sigue un tempo tan rígido. También descubrí que determinados timbres y sonidos que usamos habitualmente con las guitarras no empastaban bien con los timbres acústicos de la orquesta. Tuvimos que adaptarnos un poquito, y me encantó porque hubo momentos en los que era tal la masa de sonido que venía de la orquesta que no hacía falta una guitarra, así que me centré en hacer segundas voces a Eva, que también me encanta».
¿Cómo surge esta idea? Porque es un poco más marciana que la idea de Navidad que quizá todos tengamos en la cabeza, de concierto filarmónico en plan el Concierto de Año Nuevo.
Juan: «¡Es que es marciana total! Nos llamaron un mes antes en plan “¿os gustaría hacer esto?”. Y nosotros encantados. La única condición que les pusimos fue que nos dejasen retransmitirlo por streaming, porque en principio el Teatro Real tiene una aureola un poco elitista, restringida… Confiamos en César (Guerrero), que hizo un trabajo intenso, y fue quien se escuchó nuestras canciones para poder vestirlas con los arreglos orquestales. Aprendimos una pasada, fue muy grato».
Eva: «He de decir que este concierto lo hace la Banda Sinfónica todos los años, es de ellos, y suelen tener a un invitado diferente cada año».
¿Vais a repetir, tenéis planeado repetir con alguna Banda Sinfónica, aunque sea en otra ciudad?
Eva: «Es goloso, sí…»
Juan: «No nos ha dado tiempo ni de pensarlo ni de digerirlo. Una vez que acabamos el día 5 por la tarde, lo que veíamos era el año que nos espera… ¡que no nos deja demasiados huecos!».
Eva: «Ya el día 7 estábamos en el Actual, en Logroño, tocando… pero sí es algo que estaría bien, aunque no sabremos cuándo podrá volver a suceder».
En el caso de que vuelva a suceder, un comentario recurrente a la salida era que ojalá lo hubierais grabado en DVD o en audio…
Juan: «Eso es algo que nos han dicho del concierto del Real y de la gira…»
Eva: «Sí, esa es nuestra intención. Queremos cerrar la gira en Madrid, en octubre, y nos gustaría grabarlo».
«Queríamos huir del concepto de reedición junto con material nuevo. Es una práctica de la que siempre hemos huido, porque nos parece penalizar a los fans».
¿Cómo surge grabar ‘Nocturnal: Solar Sessions’? ¿Por qué decidís un día sentaros a grabar de nuevo todo este disco?
Eva: «Realmente no es una decisión que surja así en firme. Es una decisión fruto de lo que hemos experimentado este año con la gira, con las canciones, y muchas veces en pruebas de sonido o en descansos de los ensayos surgían aproximaciones, jugueteos con las canciones, que no tenían nada que ver con lo que estábamos preparando. De todos esos jugueteos, al final teníamos un montón de versiones, a veces muy alejadas de la original. Las teníamos ahí, no tenían ningún propósito, y cuando se decidió hacer el lanzamiento europeo de ‘Nocturnal’ pensamos que sería un buen contenido extra. En España lo lanzamos como disco independiente».
Juan: «Queríamos huir del concepto de reedición de un disco publicado junto con material nuevo. Esto es una práctica de la que siempre hemos huido, porque nos parece que es penalizar a los fans».
Eva: «Y nosotros lo hemos sufrido también, en plan que te tienes que comprar de nuevo un disco solo por los extras. Es un poco incómodo».
¿Tuvo algo que ver en este proyecto aquella presentación acústica en la Joy, para los primeros compradores del disco? ¿Visteis ya potencial en las canciones para desnudarlas y rehacerlas?
Eva: «No, la verdad es que no tiene relación. En aquel concierto tocamos las canciones prácticamente como las habíamos concebido, guitarra y voz. En el ‘Solar Sessions’, sin embargo, hemos trabajado con una aproximación distinta, hay canciones y hay estructuras que han cambiado».
En la última entrevista que concedisteis a JENESAISPOP, Eva comentaba que el disco digital permite mucha más versatilidad que históricamente otro tipo de formatos. ¿Os planteabais ya algo como esto?
Juan: «¡No, para nada! Esto surgió un día y a la semana lo estábamos haciendo, y la siguiente anunciamos que iba a salir. Lo que más nos empujó fue la propuesta de editar el disco a nivel europeo».
Y después de la experiencia, ¿hay algún disco anterior con el que os gustaría hacer un ‘Solar Sessions’?
Eva: «(riendo) Hombre, la verdad es que nuestro primer disco… No actualizar el sonido, pero darle una vuelta. Mostrarlo de una manera más esquemática. Creo que podría ser un ejercicio curioso».
Juan: «Yo creo que ahora mismo, y después de tener lista la gira europea, y de ver el calendario de este año, estamos pensando sobre todo en las canciones inéditas, las que aún no han visto la luz».
¿Ya tenéis ideas?
Juan: «Sí, ¡claro!».
«No hemos hecho nunca el mismo disco»
¿Y hay algo que podamos avanzar o es top secret?
Eva: «Secreto no es… pero todavía está un poco deslavazado. Es un poco maremágnum de ideas, de cosas que nos gustaría hacer».
Juan: «Yo creo que la gente se va a sorprender. O tal vez creemos que se van a sorprender, pero al final han acabado aceptando que no hemos hecho nunca el mismo disco».
Aquí os voy a pedir que seáis totalmente sinceros: ¿hay alguna canción del ‘Solar Sessions’ que os parezca que suena mejor en su nueva versión que en la anterior?
Juan: «(sin dejarme acabar) Sí, ‘La Niebla’. No suena mejor, tiene algo más primitivo. Para nada queríamos que este disco compitiera, o que la gente eligiese uno u otro. Pero ’La Niebla’ es una canción que no habíamos sido capaces de hacerla entrar en el setlist de la gira, y la versión del ‘Solar Sessions’ ahora sí va a entrar, porque tiene algo que nos lo pide».
Eva: «Quizás encaja mejor con el espíritu de lo que cuenta la canción».
¿Es ‘Solar Sessions’ la respuesta a que ‘Nocturnal’ os había quedado un poco oscuro?
Eva: «Hemos jugado a la contraposición de ideas, pero ‘Nocturnal’ no nos parece un disco tan oscuro. Estéticamente sí, pero las cosas que cuenta, aparentemente sombrías, hablan de la búsqueda de la luz».
El ‘Solar Sessions’ formará parte de una estrategia de lanzamiento internacional, ¿qué esperáis del lanzamiento?
Juan: «Nunca hemos esperado nada, todo lo que nos ha venido nunca ha sido esperado. Pero siempre somos muy de mirar a cortísimo plazo. Para empezar, lo primero palpable es la gira, y nos cuentan los organizadores que los conciertos van genial, y nosotros encantados. Luego, por ejemplo, es la primera vez que vamos a tocar en Bristol y en Nottingham. Habíamos tocado ya en Londres, pero es la primera vez que se lanza el disco no solo para los muchos españoles que viven o trabajan fuera, sino que es la primera vez que hay un sello que quiere llegar a un público que no es hispanoparlante.
Esto ya nos sorprendió muchísimo en una gira en Alemania, que venían como un 20-30% de españoles y el resto no eran hispanohablantes. Nos recordaba a cuando nosotros íbamos en Zaragoza a ver a bandas anglosajonas, que igual no pillabas todo lo que decían las letras, pero te llegaba la energía, la melodía o la fuerza del sonido».
Justo os quería preguntar por esto, porque no es la primera vez que tocáis en Europa, pero he leído en una entrevista en Mondosonoro que os habíais dado cuenta de esto que precisamente comentabas…
Eva: «Sí, pasa sobre todo en Alemania y en Holanda».
¿Planteáis algo específico o diferente para estos conciertos?
Eva: «Aunque parece que es más difícil conectar con las letras, hay muchos que vienen porque están interesados en el idioma. Hay un fenómeno muy curioso que es que la gente que da clases de español fuera de España utiliza nuestras canciones muy habitualmente en sus clases, y viene mucha gente que está aprendiendo español, y los ves en primera fila cantando las letras. Es maravilloso. También hay mucha gente que simplemente conecta con la música, como podía pasarnos a nosotros de pequeños, que igual no entendíamos ni papa de inglés, pero nos daba lo mismo».
Juan: «Yo, que suelo estar a la derecha de Eva en los conciertos, sí que me he dado cuenta de que en realidad no importa en qué país estés. Independientemente del idioma que hablemos, la gente responde de forma parecida a la energía: da igual dónde estés tocando, porque hay momentos en los que todos reaccionamos exactamente igual».
¿Os habéis planteado, sobre todo ahora que os lanzáis a un mercado internacional, hacer una versión de una canción en otro idioma, al estilo de lo que hace Guille Milkyway con La Casa Azul?
Eva: «(riéndose) Hombre, puede ser muy divertido hacer una versión en japonés… ¡o en alemán, ya puestos a añadir dificultad! Si nuestros fans alemanes hacen el esfuerzo de aprenderse las canciones, cómo no lo vamos a hacer nosotros».
Juan: «No nos cerramos a nada, pero es difícil ser fieles al sentimiento que originó la canción. Eso a veces en un idioma que no es el tuyo es más complicado, incluso aunque lo hables perfectamente».
«Al día siguiente de la versión de ‘Space Oddity’ pensaba que me iban a atizar por todos lados».
Eva, un año de la muerte de Bowie, y de repente te subes a un escenario a cantar ‘Space Oddity’. ¿Cómo se enfrenta uno a este momento?
Eva: «Fue idea del programa, no sé si de Pablo Novoa, de Andreu (Buenafuente) o de los dos, que me llamaron a mí para poner la voz de ‘Space Oddity’ y yo… pues encantada de hacerlo. Aunque también con un agobio de responsabilidad. Porque es un tema enorme y la canción significa mucho para mí. Hace muchos años, antes de grabar discos, ya hacíamos una versión de esa canción».
Juan: «Sí, cuando nos conocimos, una de las canciones que solíamos hacer era esta».
Eva: «Lo disfruté muchísimo, y me encantó cómo ellos llevaron la canción. Porque no es nada fácil hacerla con una banda con bajo, guitarra, teclados, batería…»
La acogida ha sido buenísima, es un vídeo con muchísimas vistas en Youtube, buenos comentarios… ¿Te ha sorprendido un poco? La gente tiende a ser muy sensible con los clásicos.
Eva: «(riéndose) ¡Yo pensaba que me iban a atizar el día siguiente por todas partes! Pero me ha sorprendido gratamente que a la gente le haya gustado».
Juan: «Yo vi a Eva con los ojos cerrados, cantando esta canción tan interiorizada… A mí me encantó, lo que vi fue a una amiga cantando y a un programa, con una banda, haciendo súper televisión, muy en el aquí y en el ahora y con el máximo respeto».
Eva: «Sí, eso sobre todo. Te puede gustar más o menos, pero la versión está hecha con el máximo respeto. Desde el mío, hasta la banda, y por supuesto el programa, que se trabajó un escenario maravilloso».
¿Qué canción os gustaría versionar y todavía no lo habéis hecho?
Juan: «Buena pregunta… una vez nos propusieron hacer una cosilla conjunto con otro grupo. Y estuvimos hablando con León Benavente para hacer una versión de La Mode, ‘La evolución de las costumbres’. Esa canción es maravillosa. De hecho ayer, en otra entrevista, me preguntaron por una canción que me hubiera impactado. Y en lugar de irme por un clásico, elegí ‘Estado Provisional’ de León Benavente, porque la primera vez que la escuché dije “no solo me gustaría escucharla, sino que también me gustaría haberla escrito nosotros”».
«Os enviaremos la maqueta (de mi grupo paralelo) para que la saquéis en Revelación o Timo». Juan.
Siempre habéis estado un poco en el ojo del huracán por esa batalla entre el indie y el mainstream, a pesar de que hace años que os autoeditáis bajo vuestro propio sello. ¿Nunca os habéis planteado publicar a nadie más bajo vuestro sello?
Eva: «(tímidamente) Juan tiene un grupo paralelo que a lo mejor Antártida le ficha».
Juan: «Bueno, pero si me queda algo de tiempo para hacerlo ya os lo contaremos. (Riéndose) ¡Y os enviaremos la maqueta para que la saquéis en «Revelación o Timo». La cosa es que cuando llega Eva y estoy probando sonidos, que son más bien como desarrollos ambientales, a veces Eva me dice “oye, esto está bien en sí mismo”. Y yo le decía “bueno, si algún día grabo todo esto, te lo paso y seleccionas”».
Ahora que hablas de montar un grupo nuevo, Juan, no sé si habéis leído las declaraciones de Trent Reznor…
Juan: «No, pero somos súper fans».
En concreto ha culpado a las redes sociales de “la música poco arriesgada que se hace hoy” y que “los artistas hoy solo hacen música para satisfacer los marcadores de tendencia del mercado”. Ha nombrado a Prince y ha dicho que no ha visto a ningún Prince despuntar a día de hoy. ¿Qué opináis sobre esto, desde vuestro bagaje personal, de grupo de éxito después de tantos años?
Juan: «A mí me sorprende, porque NIN han utilizado como nadie la revolución digital… incluso en su sonido. Nine Inch Nails han hecho cosas que nunca se podrían haber hecho sin que el concepto musical cambiase gracias a las nuevas tecnologías».
Eva: «Uno tiende a pensar que nosotros estamos en otro plano existencial, así que a mí sí que me sorprende la producción de un disco, o gente que hace canciones arriesgadas. Pero claro, quizá su nivel de riesgo no es el mismo que yo tengo».
¿Cuál es vuestra percepción de la industria musical hoy en día, de las novedades?
Juan: «Yo escucho mucha música que no se hace con guitarras, y creo que Internet, la revolución digital, todo esto nos ayuda. Nos ha permitido llegar a países diferentes, a gente diferente… Yo soy muy fan de Flume, y definitivamente no me lo imagino en un contexto analógico. Y hablando del nuevo Prince, a mí el proyecto de Tame Impala, su último disco, me parece a la altura de discos de décadas pasadas, con una producción y un sonido arriesgados e interesantes».
Eva: «Disclosure, Hot Chip… igual en menor medida pero están haciendo cosas muy bailables».
Juan: «¿No te parece que Hot Chip enlazan un poco con lo anterior? En ese sentido no me parecen tan novedosos… Bueno, también es verdad que muchas veces estamos metidos en nuestro disco, en nuestras grabaciones, y nos da menos tiempo para investigar o para mantenernos informados».
Yo creo que el va más por el lado de que la música nueva busca complacer, tanto a los fans como al mercado.
Eva: «A mí esto me recuerda al primer episodio de la última temporada de ‘Black Mirror’. Yo creo que él se rebela contra esa sensación de la búsqueda del eterno “like”. No estamos todavía en ese escenario, pero desde luego que podríamos terminar en él. Igual ha reaccionado un poco a lo bestia».
Sí, él nunca ha sido de declaraciones a medias tintas.
Eva: «(riéndose) No, desde luego que no».
Love of Lesbian ha confirmado esta semana nuevas fechas de la gira El Poeta Halley, que les llevará por distintos puntos del país e incluso de más allá. Estarán el 3 de febrero en Londres, el 3 de marzo en Oviedo, el 4 de marzo en A Coruña, el 11 de marzo en Castellón, el 17 de marzo en Santiago, el 24 de marzo en Vilanova i la Geltrú, el 25 de marzo en Salt (Girona), el 31 de marzo en Bilbao, el 1 de abril en Atarrabia (Pamplona), el 22 de abril en Zaragoza, el 29 de abril en Santander, el 4 de mayo en Almería, el 5 de mayo en Málaga, el 6 de mayo en Cádiz y el 12 de mayo en Murcia. Las entradas para Love of Lesbian están disponibles en Ticketea. Más fechas están por venir.
Aunque si ya has visto al grupo en festivales, quizá te interese más el anuncio de una nueva edición de Carnapop el próximo 24 de febrero en la Sala Apolo de Barcelona. Según la nota de prensa, “abrirá la noche un grupo inédito y enigmático que hará su primera aparición en directo la noche del 24. Puto es una mezcla maravillosa y divertida entre Def Con Dos y Los Ganglios que no dejará indiferente a nadie. Les seguirán Los niños imantados, que vuelven a los escenarios para sacar a lucir alguna de sus covers más irreverentes junto con aquellas canciones lesbianas que no suelen aparecer en los repertorios habituales. Y el broche final a la noche la pondrán nuestros admirados Ultraplayback con su ya habitual repertorio de hits disparados a bocajarro entre bailes y sudores del cerdo más adorable. Las entradas para el Carnapop de Love of Lesbian también están en Ticketea.
Love of Lesbian estaban nominados al Premio Ruido que reconoce al disco nacional del año, pero perdieron contra ‘Salve Discordia’ de Triángulo de Amor Bizarro. Sin embargo, tuvieron la deportividad de darle «me gusta» a la foto de Instagram en la que el grupo gallego recogía su premio. Sí, entre los casi 500 «likes» hay uno de Love of Lesbian.
Al final hay una cosa que está bien clara: las series de televisión están, sobre todo, para entretener. Y con esa perspectiva hay que acercarse a ‘The Exorcist’, la secuela de la famosísima película ‘El Exorcista’ que ya está disponible a través del servicio de streaming de HBO España.
El problema reside en que hacer una serie sobre un peliculón como ‘El Exorcista’ no es nada fácil: para mal o para bien, la cinta de William Friendkin basada en la novela del desaparecido hace unos días William Peter Blatty está en el subconsciente de prácticamente cualquier persona que haya estado viva durante las décadas de los 70, los 80 y los 90. Las escenas de terror del filme han quedado grabadas incluso en la cultura popular: Regan dando botes en la cama, bajando las escaleras haciendo el puente o gritando «¿has visto lo que ha hecho la cochina de tu hija?» son referentes comunes para varias generaciones.
Es por eso que entendemos que el trabajo de Jeremy Slater a la hora de llevar una secuela de esta apasionante (y terrorífica) historia no debía de resultar sencillo. No obstante, el creador de la serie parece salvar muy bien los muebles en los primeros episodios, a través de la creación de una atmósfera opresiva e inquietante. Es una pena que, según va avanzando la serie, lo que ha empezado siendo ‘El Exorcista’ en su versión más pura, termina convertido en un ‘Rosemary’s Baby’ extremadamente low cost. Y la crítica, ojo, va por lo de low cost, no por ‘Rosemary’s Baby’, que es un largometraje magnífico.
Lo bueno es que a pesar del tropezón con la trama, y de que la dirección de actores es cada vez más pobre (mención especial a Geena Davis, que tiene la misma cara prácticamente en cada momento) ‘El Exorcista’ sí conforma una serie de entretenimiento perfectamente disfrutable para el típico fin de semana que no apetece salir de casa.
Por cierto, un apunte: premio para el que cada vez que salga la foto del Papa anunciando la visita del Sumo Pontífice a Chicago piense que quien realmente va a aparecer es Jude Law. 6.
Hibernales nacieron sin suerte: cuando terminaron de grabar su primer disco, se quemó el disco duro del ordenador en el que se almacenaba el máster. Por suerte, se salvaron 10 canciones (contenidas en ‘Un corazón con pelos’, 2012, reeditado en 2015 por El Genio Equivocado con otros temas rescatados de la época) que lograban dar una idea de la particular idea de su pop iconoclasta, con letras llenas de costumbrismo, aparentemente dócil. Aquello podía haber terminado así, como una curiosidad en la carrera de Eloy Bernal, que parecía concentrado en su proyecto Neleonard.
Afortunadamente, aunque hubiera querido no podría escapar de Hibernales, porque era, es, un proyecto eminentemente doméstico: sus canciones las compone y graba en un estudio creado “bajo” la cama de la habitación de invitados de su casa. Y, además, su socia artística en este caso es su hermana Elisa. Gracias a eso tenemos entre manos ‘Tu casa, mi casa’, un nuevo disco de este dúo que, pese a conservar el encanto de lo cocinado en el hogar, de lo accidental, sobrepasa las mejores expectativas y se propulsa a un estadio de psicodelia espacial que, la verdad, no sospechábamos.
Nos medio engañaron con sus adelantos: la delicada ‘Por amar’ y el tema titular, agitado por esa hermosa segunda parte en la que recitan una lista de cosas cotidianas guays de la vida diaria y que termina al estilo del Sufjan Stevens más ortodoxo, parecían anticipar un disco de pop bonito y de corte eminentemente acústico. Sin embargo, ‘Tu casa, mi casa’ es un disco aún más imaginativo, soñador y estimulante. Armados de sintetizadores de sonido marciano, cajas de ritmos que por momentos descabalgan, voces dobladas, chirridos y ruidos varios, Hibernales presentan, con permiso de Aries, la propuesta estatal más sugerente y ensoñadora a la hora de relacionar pop, psicodelia y electrónica.
Y es que para definir lo que escuchamos en canciones como ‘Luces Random’, ‘Los pies’, ‘Gente normal rara de encontrar’, ‘Quédate’, ‘Derechos al amor’, ’Si esto es guerra’ o ‘La fuerza centrípeta’ no se encuentran otros referentes que Dan Deacon, los Animal Collective de ‘Sung Tongs’ o Astrud, los de su último disco de electrofolclor. Sin embargo, esa es solo una de las facetas que muestran aquí. Además de esa cara semi-acústica descrita antes, aquí combinan igualmente el technopop casero y sin ambages de ‘Que parezca una broma’ como momentos más abstractos (‘Aproximadamente un minuto’, ‘Delay’, ‘Mi tiempo’) que muestran, a su manera, la deuda que dicen tener con Bartok y Ligeti.
También sus letras hacen de ‘Tu casa, mi casa’ una pieza de fuerte personalidad: entre momentos de cotidianidad, se impone un romanticismo tranquilo pero raro, con cierto toque inquietante. Como esos “tu aliento contiene todos los secretos de mis pensamientos” de ‘Gente normal…’ o el “cómo quisiera tocarte el pie” del corte titular (un fetichismo que certifica la surrealista ‘Los pies’). Si bien es cierto que cuenta con una secuencia extraña, que a veces parece dejar caer a plomo la tensión y la euforia generadas antes, haciendo que el disco vaya y venga, este segundo disco (en realidad, por el salto creativo experimentado, parece más un debut) muestra a Hibernales como mucho más que un proyecto paralelo. Tiene una entidad fascinante y confiamos en no tener que esperar 5 años para verla crecer.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Tu casa es mi casa’, ‘Luces Random’, ‘Por amar’, ‘Derechos al amor’ Te gustara si te gustan: los primeros Animal Collective, los últimos Astrud, Aries, Espanto. Escúchalo: Bandcamp, Spotify
Maggie Roche (en el centro en esta imagen) del trío vocal de folk The Roches ha muerto a los 65 años como consecuencia de un cáncer. El comunicado es de su hermana y compañera en la banda Suzzy Roche, que ha escrito en Facebook: «Era una persona celosa de su intimidad, demasiado sensible y tímida para este mundo, pero rebosante de vida, amor y talento. Quiero haceros saber lo agradecida que se sentía a toda la gente que la escuchó y comprendió a través de las canciones. Será difícil para mí seguir sin ella».
Después de haber interpretado villancicos de pequeñas (una influencia muy palpable en sus temas vocales y además grabaron muchas versiones de villancicos), dejando la escuela para girar, Maggie y Terre Roche empezaron a funcionar como dúo, realizando coros para Paul Simon en ‘There Goes Rhymin’ Simon’ (1973), lanzando su debut ‘Seductive Reasoning’ en 1975. Desde la unión de Suzzy pasaron a llamarse The Roches y publicaron un disco homónimo en 1979, bajo la producción Robert Fripp, y siendo reconocido como un clásico por The Rolling Stone Album Guide. Allí estaba incluido su mayor éxito, ‘Hammond Song’, y también ‘The Married Men’, que convertiría en hit Phoebe Snow tras aparecer junto a Linda Ronstadt interpretándolo en Saturday Night Live.
Aunque toda su discografía no está en Spotify, sí podemos encontrar álbumes como ese debut o ‘We 3 Kings’ (1990), donde se incluía una estupenda ‘Star of Wonder’ totalmente a capella. Una banda que quizá ha dado una idea o dos a Fleet Foxes, Jenny Lewis y Sufjan Stevens o incluso a Dirty Projectors, y que hoy por hoy suena a punto de ser sampleado por The xx en cualquier momento.
Esta semana hemos visto un anuncio de disco muy grande por diferentes motivos. El primero es que ya no se hacen tantos anuncios musicales, ni mucho menos de álbumes de este tipo. No hay más que recordar el impacto mediático que tuvo el anuncio de ’25’ de Adele primero en la BBC y una semana más tarde en laSexta. «¡Que están anunciando un disco en la tele!» hasta fue un WhatsApp recurrente aquella semana. Qué tiempos aquellos en que un álbum patrocinaba Crónicas Marcianas.
El dúo Tennis, conocido por tresdiscosestupendos, vuelve con su cuarto álbum el próximo mes de marzo y ha querido hacer un spot al uso. Como su música es de corte retro, inspirada en las grandes canciones de amor de los años 60 y los años 70, han decidido dar al spot una estética vintage y de culto a la copia física que hoy nos resulta hasta cómica. Como además de ser pareja profesional, Patrick Riley y Alaina Moore son marido y mujer, han acertado al llamar a la actriz Zosia Mamet para presentar su álbum.
Zosia Mamet interpreta a Shoshanna en la serie ‘Girls’, que como las letras de Tennis, retrata los vaivenes del amor. Pero en lugar de contar con la popular y polémica Lena Dunham, han hecho muy bien en contar con la actriz que se quedaba el papel más encantador, naíf y a la vez cómico de la serie. Es a Shoshanna, que por otro lado no tiene un pelo de tonta en contra de las apariencias (como Tennis), a quien mejor le podía sentar esta idea.
Además, aunque el anuncio no es más que una broma, tiene un puntazo más allá de esos gags sobre el lavado, el huevo y los cambios de precio (un guiño a las mareantes teletiendas): ese momento en que Shoshanna acerca su oreja al vinilo nuevo de Tennis para indicarnos que el disco está apropiadamente masterizado vale su peso en oro. En un momento en que editar en vinilo se ha convertido en una obligación porque se están vendiendo más vinilos que nunca desde 1991, son muchos quienes no están cuidado en absoluto el sonido de los mismos. Si este disco va a estar de verdad masterizado para vinilo como lo estaban los discos vintage, compro. ¿Le pondrán la pegatina «anunciado en TV»?
Este sábado se ha celebrado la anunciada Marcha de la Mujer contra Donald Trump, consecuencia de las muchas declaraciones humillantes para la mujer que el presidente electo de los Estados Unidos ha tenido durante años, siendo una de ellas «si eres famoso puedes coger a las mujeres por el coño». Fiona Apple le dedicaba esta semana una pequeña canción que repetía el lema “mantén tus pequeñas manos alejadas de nuestras bragas”. La misma manifestación se ha celebrado también en otras partes del mundo, no solo en Estados Unidos, alcanzando la cifra de 500.000 manifestantes solo en Washington.
A la marcha han acudido, entre otras personalidades, Cher, Katy Perry, Rihanna, Miley Cyrus, Haim, Karen O, Yoko Ono, Whoopie Goldberg, Grimes, Ed Droste, Karen O, Bat for Lashes, Mark Ronson, Natalie Prass, Jeff Tweedy, Spoon, Michael Stipe o Alicia Keys, que ha leído, casi rapeado a capella, un discurso, culminando con su himno ‘Girl On Fire’. Madonna ha interpretado en versión lo-fi sus temas ‘Human Nature’ y ‘Express Yourself’, el primero de ellos adaptando su letra a “Donald Trump, cómete una polla”.
Durante su discurso, Madonna ha hecho un llamamiento al amor frente al odio y frente al deseo de «hacer volar la Casa Blanca». Mientras culminaba, las manifestantes han elevado caretas de estrellas femeninas del pop, de Dolly Parton a Cher pasando por Britney, Gaga, Beyoncé, Aretha Franklin, Cyndi Lauper o Tina Turner (minuto 4.10 del primer vídeo).
También ha hecho una rendición de ‘Hell You Talmbout’, acompañada de Jidenna, Janelle Monáe, que ha aparecido con las madres de Trayvon Martin, Mohamed Bah, Eric Garner, Dontre Hamilton y Jordan Davis. Janelle recordaba también a la comunidad LGTB y ha pedido que se escoja la «libertad frente al miedo».
Conocemos la canción que va a representar a España en Eurovisión, pero todavía no está decidida ni sabemos qué día saldremos de dudas. Según Vertele, que a su vez cita «El Confi TV», la gala llamada ‘Objetivo Eurovisión’, prevista para algún momento de febrero, se emitirá «salvo cambio de última hora» el día 12 de febrero. Esa misma noche serán los Grammys (no coincidirán gracias a la diferencia horaria), por lo que sí, estamos hablando de un domingo, dentro de tres semanas.
Los aspirantes son Manel Navarro, Mirela, Paula Rojo, Mario Jefferson, Maika y LeKlein. De momento, el medio tiempo ochentero de esta última, ‘Ouch’, es favorito entre nuestros usuarios, mientras que el de los usuarios de Eurovision-Spain es el medio tiempo de cantautor de Manel Navarro. Claro, que cualquier cosa puede pasar cuando el público verdaderamente generalista vea la ceremonia televisada. No hay más que recordar cómo Las Supremas de Móstoles acudían a este programa muy hypeadas por la red, finalmente perdiendo frente a… Son de Sol.
Por otro lado, la Pre-Party de Eurovisión con una docena de representantes del festival actuando en La Riviera de Madrid tendrá lugar el sábado 15 de abril. Se ha agotado el primer cupo de entradas, pero en febrero habrá otro. Detalles, aquí.
Triángulo de Amor Bizarro presentaron al fin anoche en una sala de Madrid las canciones de ‘Salve Discordia‘. Previamente lo habían hecho un mes y medio antes de que el disco estuviera en la calle en el mismo OchoyMedio Club y por supuesto en un par de festivales, tipo Dcode, pero no en una sala propiamente dicha, solo para sus seguidores y con el álbum aprendido por estos.
‘Salve Discordia’, mejor disco nacional del año pasado para varios medios y de hecho reciente ganador del Premio Ruido que otorga la prensa musical, sonó al completo, comenzando con ‘Desmadre estigio’ y ‘Gallo negro’, recuperándose luego hits de álbumes pasados como ‘Un rayo de sol’ (aka «Vamos a pudrirnos»), ‘Amigos del género humano’ (aka «Transfusión no es canibalismo»), ‘Robo tu tiempo’, la siempre bienvenida ‘El fantasma de la transición’, ‘Ellas se burlaron de mi magia’ o ya hacia el final una acelerada versión de ‘Estrellas místicas’. Pero ninguna fue tan coreada como, sobre todo, la versión de ‘A Cantiga de Juan C’ -momento fiesta popular, algo chocante con el resto del repertorio- y, de manera más significativa, las últimas canciones del grupo, que evidentemente han ido conquistando a nuevos fans, situando a Triángulo de Amor Bizarro en su mejor momento de popularidad.
Frente a la fiereza de ‘Luz del alba’, ‘Euromaquia’ o ‘Nuestro siglo Fnord’, canciones como ‘Qué hizo por ella cuando la encontró’, ‘Seguidores’ o ‘Baila sumeria’ están entre las verdaderas favoritas de su público actual, que además ahora sí canta las letras de la banda derribando dos cosas: 1) la teoría de que los seguidores de los grupos alternativos de su generación no cantan en los conciertos (Klaus&Kinski, Los Punsetes, La Bien Querida, ellos mismos) y 2) la relación de frialdad entre el grupo y sus fans que se describía en la letra de ‘Estrellas místicas’. Ahora ambos se entienden perfectamente y para mayor muestra, el hecho de que no hubiera bis y nadie saliera cabreado: Triángulo son cosa seria y no caben las mongoladas.
Cuando el grupo llega al final después de una veintena de canciones con la sobresaliente ‘Barca quemada’ y ‘De la monarquía a la criptocracia’, y Zippo acercándose a la primera fila a jalear, el pogo es generalizado y la comunión colectiva. «Es un gustazo venir aquí a la capital donde hay trabajo», indicaba antes de terminar Isa, sin que a nadie le importara si iba en serio (sala llena, demasiado incluso, nos vemos en La Riviera) o estaba de coña.
Tampoco fue especialmente la mejor noche de TAB. No hubo gran ruidaco, ni se escuchó demasiado bien algún tema como «El Crimen» (porque sonó, ¿verdad?) ni tampoco se percibió el sutil trabajo del gran batería Rafael Mallo -muy visible en los trallazos- en el medio tiempo ‘O Salve Eris’ como una semana antes sí se había escuchado en la ceremonia del Premio Ruido de la Sala El Sol. Todo ello dentro de que siempre es un gustazo ver a un grupo que lleva en el mejor momento de su carrera literalmente 10 años. Porque sí. Este año se cumplen 10 años del debut de Triángulo de amor bizarro y tan buena noticia sería celebrarlo como no hacerlo porque ahora el grupo es mejor. No tocan ‘El himno de la bala’ ni ‘Mal como efecto de la mala voluntad’ y nadie se percata de ello. 8.
Desde hace años se viene especulando repetidamente con una hipotética reunión de los míticos (esta vez no es gratuito) The Kinks, si bien desde 2014 los rumores ganaban peso al producirse una reunión entre Ray Davies y su hermano Dave para hablar de un comeback para hacer una gira. Sin embargo, parece que esa reunión, si es que alguna vez va a producirse, tendrá que esperar un poco más.
Manu Chao parecía en semiretiro musical desde que editara en 2007 (¡hace una década!) ‘La radiolina’ y que terminó el pasado año con una gira que le llevó a 
Como sabemos, los donostiarras Joe La Reina, tras un año de parón involuntario (su vocalista pasó ese tiempo en Londres por circunstancias personales) están de vuelta en 2017 para publicar su segundo álbum tras el considerablemente exitoso ‘
Si estás atento a
Esta semana escucharemos el primer single del inminente álbum de Los Planetas, previsto para marzo. Desde hoy lunes hay una preventa del sencillo ‘Espíritu Olímpico’ en formato CD-single y 7 pulgadas funcionando a través de 
Elastica podrían estar tramando su regreso. Eso aseguran medios como 
Ed Sheeran tiene dos singles de adelanto de su tercer álbum, a la venta el próximo mes de marzo. De momento es la sexualizada y tropical ‘Shape of You’ la que ha sido número 1 directo en Estados Unidos y Reino Unido, entre otros muchísimos países, pero es ‘Castle on the Hill’ 
Tal y como se venía anunciadon en las últimas semanas a través de imágenes inquietantes en sus redes sociales, 
El festival radicado en Burrian, Castellón, Arenal Sound acaba de anunciar una nueva batería de confirmaciones, encabezada por el grupo británico Bastille. El grupo liderado por Dan Smith ostentará la categoría de cabeza de cartel compartiendo estatus con el DJ y productor de EDM Martin Garrix. Entre esta nueva tanda de confirmaciones también destacan Nothing But Thieves, Kakkmaddafakka, WAS o Varry Brava. Esta es la nota de prensa del festival:
Bimba Bosé ha muerto a los 41 años edad tras no superar el cáncer que padecía. Según informa 
El rapero Killer Mike, miembro del proyecto Run The Jewels que recientemente publicaba el Disco Recomendado ‘
La crítica musical referencial, es decir, la que se basa en relacionar una obra con otras precedentes, generando un name-dropping interminable, suele ser una práctica habitual dentro de la música pop con veleidades artísticas. Tiene la ventaja de que permite ubicar un trabajo con cierta rapidez («ah, es como una mezcla de tal con cual, ya entiendo») pero solo cuando conoces el código. Ahí reside su principal inconveniente, que puede acabar siendo una práctica elitista que interpone una barrera cultural que impide, en algunos casos, la comunicación. 
Hace unas semanas, Noel Gallagher volvió a hacer de las suyas. Durante una entrevista que el mes pasado concedía a BBC Radio 6, el ex miembro de Oasis recordaba una anécdota de 2013: lo que le había sorprendido ver a Emeli Sandé recoger un premio Ivor Novello… «junto a 8 personas». «Ocho personas para recoger un premio», comentaba Noel. «Estaba sentado junto a Ray (Davies) y le dije: «¿Cómo pueden 8 personas escribir una canción? Si intento escribir una canción con alguien, me vuelvo loco». Me vi obligado a ir a la mesa y decirles: ¿Cómo habéis escrito esta canción entre 8 personas?»». Y Gallagher tuvo respuesta: «Bueno, dos de nosotros hacemos el ritmo, dos de nosotros los acordes, dos la letra, y luego hay una cosa llamada «topliner». ¿Sabes quién es el «topliner»? Es el tipo que, cuando todo está hecho, se sienta ahí, tararea la melodía y otra persona pone las palabras». Noel Gallagher contestó: «¿Y qué hace Emeli Sandé mientras pasa todo esto». «Está en la Casa Blanca», fue la respuesta jocosa del equipo de Sandé. 
Hace unas horas se ha conocido la muerte de Jaki Liebezeit a los 68 años. Se ha anunciado a través del 
Sentarse a hablar con Juan Aguirre y Eva Amaral siempre es un ejercicio interesante. Sobre todo porque, a pesar de lo que a priori se pudiera pensar, Amaral nunca se comportan como lo superfamosos que son. Juan, de hecho, me reconoce de 
Love of Lesbian ha confirmado esta semana nuevas fechas de la gira 
Al final hay una cosa que está bien clara: las series de televisión están, sobre todo, para entretener. Y con esa perspectiva hay que acercarse a ‘The Exorcist’, la secuela de la famosísima película ‘El Exorcista’ que ya está disponible a través del servicio de streaming de HBO España.
Maggie Roche (en el centro en esta imagen) del trío vocal de folk The Roches ha muerto a los 65 años como consecuencia de un cáncer. El comunicado es de su hermana y compañera en la banda Suzzy Roche, que ha escrito en Facebook: «Era una persona celosa de su intimidad, demasiado sensible y tímida para este mundo, pero rebosante de vida, amor y talento. Quiero haceros saber lo agradecida que se sentía a toda la gente que la escuchó y comprendió a través de las canciones. Será difícil para mí seguir sin ella».
Esta semana hemos visto un anuncio de disco muy grande por diferentes motivos. El primero es que ya no se hacen tantos anuncios musicales, ni mucho menos de álbumes de este tipo. No hay más que recordar el impacto mediático que tuvo el anuncio de ’25’ de Adele primero en la BBC y una semana más tarde en laSexta. «¡Que están anunciando un disco en la tele!» hasta fue un WhatsApp recurrente aquella semana. Qué tiempos aquellos en que un álbum patrocinaba Crónicas Marcianas. 
Este sábado se ha celebrado la anunciada Marcha de la Mujer contra Donald Trump, consecuencia de las muchas declaraciones humillantes para la mujer que el presidente electo de los Estados Unidos ha tenido durante años, siendo una de ellas «si eres famoso puedes coger a las mujeres por el coño». Fiona Apple le dedicaba 
Conocemos la canción que va a representar a España en Eurovisión, pero todavía no está decidida ni sabemos qué día saldremos de dudas. Según 