Katy Perry está sufriendo uno de los peores backlash posibles con el lanzamiento de su último single, ‘Woman’s World’. Críticas nefastas en The Guardian o Pitchfork, cuestionamiento en las redes sociales por haber trabajado con Dr Luke (lo cual por cierto no salpicó a Doja Cat en algunos de sus mayores éxitos)… ¿pero qué datos ha obtenido el tema en su primer día?
‘Woman’s World’ aparece en el puesto 58 del Global de Spotify con 2,2 millones de streams en el primer día. El tema ha conseguido una atención media-baja en todos los países, sin que ninguno se haya entusiasmado demasiado. Brasil es su principal apoyo y es top 53. Está en el puesto 108 en UK y en el puesto 110 en USA, por lo que podría quedar fuera de sendos top 100 oficiales. España no es una opción, pues ni ha llegado al top 200.
Son datos muy modestos para un tema de Katy Perry, además agravado por la caída del top 200 ya en el segundo día. En cualquier caso, su equipo parece tener material de sobra para reaccionar, pues muchos de los temas de los que se han mostrado teasers prometen, por ejemplo ahora ‘Lifetimes’.
I just watched the Katy Perry/Zane Lowe interview & I don’t even need to hear the album to know that “Lifetimes” is my favorite song! It’s peak 90s house dance music. It’s Kylie vibes. Walking On Air vibes. Shoulda been the lead. She HAS to do a video for that song! @katyperrypic.twitter.com/ok2HaZckWO
En verdad quien es noticia es Eminem, por introducir 18 de las 19 canciones de su nuevo álbum ‘The Death of Slim Shady’ (todas menos un interludio), en el top 200 del Global de Spotify, aunque eso sí ninguna llega al número 1. Así luce su disco en la lista mundial:
6.-Houdini
7.-Renaissance
12.-Habits
16.-Brand New Dance
17.-Trouble
18.-Evil
21.-Lucifer
22.-Fuel
24.-Antichrist
26.-Tobey
37.-Guilty Conscience 2
40.-Road Rage
42.-Somebody Save Me
52.-Temporary
57.-Head Honcho
59.-Breaking News -skit
64.-Bad One
113.-Guess Who’s Back -skit
Parece que el sueño de Slayyyter de hacer «música para clubs y espacios maricas» se ha hecho realidad y en las últimas semanas se la ha visto desfilar por el Orgullo de varias ciudades de Estados Unidos, de Seattle a Nashville, pasando por St Louis. Hoy, sábado 13 de julio, será el turno de Razzmatazz en Barcelona. Presentará, lógicamente, el álbum que la confirmó el año pasado, ‘STARFUCKER‘.
Todos aquellos que comprarais nuestro Anuario 2023 comprobaríais que este álbum fue el 71º mejor para nuestra redacción, y en aquel texto elogiamos especialmente ‘Miss Belladona’ (88ª mejor canción 2023) y ‘Out of Time’ por «cerrar el disco bien arriba». Hoy recuperamos esta como «Canción del Día» para recomendar este concierto en el que adivinamos por otras fechas que va a sonar el disco casi al completo. Curiosamente, ‘Out of Time’ suele abrir el setlist.
Hay en ‘STARFUCKER’ mucho hit sobre sexo (‘Erotic Electronic’) y mucho tema para el vogueo (el bonus track ‘James Dean’). nicopop. & Vaughn Oliver están detrás de este tema más orientado al italo disco que versa sobre una chica preparada para triunfar, pero que podría estar «fuera de tiempo».
Con un sample del corte de 1982 ‘Head Over Heels‘ de Phil Fearon & Galaxy, la canción contiene un punto agridulce, visible también en cuanto a la dependencia de la aprobación de los demás: «se odia a sí misma pero si todos la quisieran, no le importaría».
“Don’t give up, it’s not too late” dicen Kasabian en ‘Coming Back To Me Good’, uno de los temas de su último disco, y también es lo que han debido pensar ellos. Evidentemente, la expulsión de Tom Meighan no sería fácil para el grupo, y “reemplazarlo” con Sergio Pizzorno podía salir muy bien o muy mal; el originariamente guitarrista y compositor pasó a vocalista ya en el anterior disco, ‘The Alchemist’s Euphoria’, y continúa siéndolo aquí.
‘The Alchemist’s Euphoria’ volvió a ser número 1 en las islas, pero vendiendo menos que los anteriores, así que ‘Happenings’ es un intento de cambiar esa tendencia, y parece que no plantea tanto atraer a los seguidores que se fueron… sino conseguir nuevo público. Precisamente por eso, en este álbum, con carácter aún más electrónico que el anterior, queda claro que Kasabian no buscan “reemplazar” a Meighan por Pizzorno. Buscan reinventarse.
Sergio Pizzorno ya era el compositor principal de la banda, así que en ese sentido no es que haya un gran cambio. Tampoco destacaban especialmente por sus letras, y ejemplos como “you can be the greatest of all time / you can be the greatest of all / you’re an icon, don’t ever compromise / gotta be strong, love will always find a way / don’t let ‘em bring you down” (‘G.O.A.T.’) no vienen a cambiar eso. Tiene su gracia en ‘Algorithms’ eso de “we’re not here for a long time, just here for a good time / this one’s for the weirdos, one day we’ll be heroes”… pero realmente la canción habla de inteligencia artificial y de que los robots no pueden sentir emociones (?), todo esto en medio de “wowowo ohohoh” varios.
Esto último es bastante general en el disco, pero el no esconderlo es también una de sus virtudes: no se puede decir que ‘Happenings’ sea un disco especialmente ambicioso en el sentido artístico, pero su despreocupación se disfruta bastante, y es bastante eficaz en su cometido.
Lo peor que tiene es empezar con la que probablemente sea la mejor canción: ‘Darkest Lullaby‘ es todo un caramelito, incluso podría entrar en el top particular de Kasabian, pese a ser tan distinta a sus clásicos. Por suerte, hay otros muy buenos temas en el tracklist, comenzando por la inmediatamente posterior, ‘Call’, con una segunda parte verdaderamente vibrante, y que en su giro al pop y al sonido más funk podría estar perfectamente en el ‘Radical Optimism‘ de Dua Lipa.
Hay en todo el disco, como no podía ser de otra manera, cierta esencia de Tame Impala (‘Hell Of It’ no puede sonar más a ellos, especialmente su outro), o de los Black Keys de ‘Turn Blue‘. Tampoco es esto ‘Follow The City Lights’, ojo, y el lado duro de Kasabian asoma en temas como ‘G.O.A.T’ (con un fantástico solo de guitarra), ‘Bird In A Cage’ (con especial gusto por la distorsión) o ‘How Far Will You Go’, que por momentos suena a una mezcla entre Amyl and The Sniffers y The Offspring. Estas dos últimas, junto a la redhotiana ‘Passengers’ (donde el toque electrónico se siente bastante forzado), son quizás los rivales más débiles de este trabajo.
Por lo general, ‘Happenings’ es posiblemente el disco más pop y más disfrutón de Kasabian, con lo cual tiene bastante sentido que la producción, además de obra del propio Pizzorno, venga por el ex Filthy Dukes Mark Ralph, artífice de hits de Years & Years, Clean Bandit, Georgia o Zara Larsson. ‘Italian Horror’ es quizás el mayor ejemplo de por dónde van los tiros aquí: por un lado es claramente una canción de Kasabian, pero por otro toma el nuevo sonido y está llena de “ohohoh” varios. Quizás demasiados, en este caso, pero funcionará genial en un contexto festivalero.
En un concierto de la banda, en cambio, habría más curiosidad por ver cómo defienden pasajes tan interesantes como los de ‘Darkest Lullaby’ o ‘Hell Of It’, o el mencionado solo de ‘G.O.A.T’. Pizzorno se sinceraba hace poco diciendo que “no soy extrovertido, soy un compositor… y ahora soy el líder de esta banda enorme”, como acojonado con la responsabilidad que tenía encima. Puede respirar tranquilo: ‘Happenings’ no es el disco del año, pero es un álbum bastante decente en el que, frente a volver a hacer lo mismo, Kasabian apuestan por renovarse y, sobre todo, por pasárselo bien.
En la segunda jornada de Bilbao BBK Live, el verde de Kobetamendi fue sustituido por el barro y los parches de paja, debido a la lluvia de las horas previas. Mientras que el primer día ofreció estilos y enfoques muy diferentes, este se centró en el baile y el groove, con Grace Jones siendo la reina de la ceremonia.
El vozarrón y la sensibilidad de María José Llergo debutaron ayer en el festival vasco, para regocijo de los asistentes. En plena presentación de ‘ULTRABELLEZA‘, la cordobesa representa perfectamente esta dicotomía en el escenario, pudiendo pasar del cante más bonito y puro a ser la más chula del patio. Aun así, la dulzura de su voz no se desvanece en ningún momento. Aunque empieza siendo comedida, termina soltándose con ‘RUEDA, RUEDA’ y ‘JURAMENTO’ y ganándose al público totalmente. Aliron Studio
Khruangbin y Parcels presentaron experiencias similares. En ambos conciertos se bailó muchísimo y ambas bandas rozaron lo unidimensional, con matices. El trío estadounidense planteó su show como una disco jam eterna de funk, soul y guitarras flotantes en la que rara vez aparecían las voces. Al menos, así lo interpretó la gente, que no paró de bailar. Para los que no nos sabíamos todas las canciones, parecía que estas se fundían unas con otras, pero se disfrutó igual. Uno de los momentos más memorables llegó con ‘May Ninth’, siendo de esas canciones que transmiten una nostalgia que no se puede explicar. La banda no dijo ni una sola palabra en todo el concierto, ni siquiera «hola». Fue como un espejismo de buenas vibras. Vinieron, hicieron lo suyo, regalaron un rato buenísimo a los asistentes y volvieron a desaparecer.
Por otro lado, Parcels, pese a dar un concierto más ajustado al estándar, disfrutaron de uno de los públicos más fieles y ensordecedores de la velada. Con esto, me doy cuenta de que son una boy band disfrazada de grupo de funk (ojo, no es nada malo). Uno de los mayores atractivos de la banda australiana es precisamente ver cómo tocan y cómo interactúan entre ellos mientras lo hacen. En este sentido, su equipo realizó un gran trabajo de cámara en mano captando sus expresiones, sus manos, el ambiente, la química… ‘Somethinggreater’ fue una de las favoritas, con el público botando nada más escuchar el primer rasgueo. Blame Photography
Grace Jones fue un acontecimiento para Bilbao BBK Live. Fue el primer concierto de la edición en el que han separado la pista del escenario Nagusia con un pasillo, así que desde el principio pintaba bien. Lo que siguió fue todo un espectáculo de magnetismo, poder y presencia escénica aderezado con música atemporal. Pongo el sonido como un acompañamiento porque la figura de la jamaicana es tan gigante que nadie podía quitarle ojo. Yo incluso me he olvidado de bailar. ‘Slave To The Rhythm’ me lo ha recordado, pero al mismo tiempo Jones, a sus 76 años, se ha pasado los 15 minutos de canción (y despedida de su grandísima banda, uno por uno) dándole al hula-hop sin parar. Se ha despedido del escenario con el aro todavía girando. Ese ha sido el nivel.
Los 30 minutos de retraso merecieron totalmente la pena (pese a sacrificar a Ralphie Choo). Sin embargo, entre temas de Prince o Jill Scott se oían los pitidos del público, que solo podía ver un gran telón negro cubriendo todo el escenario. Nadie lo sabía todavía, pero la razón de la demora era que Jones había perdido un zapato. Cuando la lona por fin se levanta dramáticamente y aparece ella, con una capa y una calavérica máscara dorada con plumas atada a la frente, toda tardanza es olvidada. Este fue el primero de diez mágicos outfits, casi uno por canción. De repente, sonaba el bajo más penetrante que jamás hayas oído con ‘Nightclubbing’. Su voz sonaba maravillosamente bien. Qué gusto. David Recio
A lo largo de la casi hora y media que duró su set, Jones se centró en los temas esenciales de su obra, y alguna sorpresa. Sonaron ‘Private Life’, que interpretó casi entera de rodillas, ‘Demolition Man’, ‘My Jamaican Guy’, ‘I’ve Seen That Face Before (Libertango)’, ‘Williams Blood’, una solemne versión de ‘Amazing Grace’ y ‘Pull Up To The Bumper’, en la que usó el mencionado pasillo subida a cuestas de un segurata -al que acabó besando- para dar la mano a todo el que tuviera la suerte. Mientras tanto, cientos de pompas envolvían el escenario. Uno de los obsequios de la musa de Studio 54 fue la presentación de una nueva canción llamada ‘The Key’. Contó que «saldrá pronto» y que éramos los primeros en escucharla. Mentira, porque ya la había mostrado en otros festivales este verano, pero esa felicidad momentánea estuvo bien. Muy funky, muy ‘Nightclubbing’, pero con más elementos en la mezcla.
Su gran sentido del humor y espontaneidad brillaron durante todo el concierto. El «I’m gonna beat this motherfucker now» antes de reventar dos platillos en ‘Demolition Man’, el lanzamiento de copa de vino a aquel miembro del público sin éxito («Well, it’s good luck») o el coño al aire durante los equilibrismos de ‘My Jamaican Guy’ solo son la punta del iceberg del infinito carisma de Grace Jones. «¿Cómo se dice horny en español?», preguntó en un momento dado. A falta de lo que ocurra el último día, Grace Jones ha dado el mejor concierto de esta edición de Bilbao BBK Live, recibiendo una ovación a la altura. De su show, porque ella es inigualable.
Kalorama informa a través de sus redes tanto de la cancelación de The Smile como del show que Jonny Greenwood iba a hacer con Dudu Tassa. El festival continúa adelante con los shows de Fever Ray, Gossip, Yves Tumor, Overmono, LCD Soundsystem, The Prodigy, The Postal Service con Death Cab for Cutie, RAYE, etcétera. Actuarán a finales de agosto en IFEMA, Madrid.
Estas han sido las palabras del festi: «Lamentamos comunicar la cancelación del concierto de The Smile debido a problemas de salud de Jonny Greenwood. Deseamos su pronta recuperación». Y aquí, el comunicado de la banda:
«Hace unos días, Jonny enfermó gravemente de una infección que necesitó tratamiento hospitalario de urgencia, parte de él en cuidados intensivos. Afortunadamente, ya está fuera de peligro y pronto regresará a casa. El equipo médico encargado del cuidado de Jonny nos ha ordenado cancelar todos los compromisos hasta que haya tenido tiempo de recuperarse por completo. Con este fin, se cancela la gira de The Smile por Europa».
J Balvin vuelve a la carga con un nuevo disco. Se llama ‘Rayo’ y estará disponible en plataformas el día 9 de agosto. Según Billboard, viene cargado de colaboraciones con Feid, Chencho Corleone y Carín León, entre muchos otros. El autor de ‘Vibras’ ha indicado que, como en otras ocasiones, lo primero que le ha venido es el título del largo, y después la inspiración para todo lo demás.
Además, el anuncio viene acompañado del estreno del tema ‘Gaga’ junto al español Saiko. Además de un homenaje a Lady Gaga más explícito que el de Peso Pluma, rima el nombre de la artista con “bragas”, “traga” y “apaga”. La letra, que anima a una mujer a dejar a un chico que la tiene controlada, también contiene una referencia a ‘Brillo’, la colaboración de Rosalía con J Balvin, en concreto en la parte que «brilla con highlighter».
Este es el tracklist del álbum:
“Cosa de Locos”
“Polvo de tu Vida” featuring Chencho Corleone
“Swat” featuring Luar La L
“Bajo y Batería”
“Doblexxó” featuring Feid
“3 Noches”
“Gaga” featuring Saiko
“Gato” featuring Bad Gyal
“Lobo” featuring Zion
“La Noche” featuring Dei V
“Origami” featuring Ryan Castro and Blessd
“Sólido”
“Stoker” featuring Carin León
“Ganster”
“En Alta” featuring Omar Courtz, Yovngchimi, Quevedo, Mambo Kingz, DJ Luian
Si en algo se ha caracterizado Mad Cool en los últimos años, es en basar su identidad en la variedad musical teniendo siempre presente la importancia de la popularidad de sus cabezas de cartel. En nada se parecen Dua Lipa y Pearl Jam, más allá de en ser ambos los platos fuertes del primer y segundo día respectivamente y en que ambos tienen el poder de congregar a decenas de miles de personas. Este jueves hubo 57.000 en el recinto de Villaverde Alto.
La expectación ante la banda de Seattle se hacía evidente enseguida, no había más que ver la cantidad elevadísima de camisetas del grupo que lucían los asistentes. Sobre las 22:50, unos diez minutos más tarde de lo previsto, finalmente desplegaron la cortina virtual que llenaba las pantallas y apareció en el escenario Pearl Jam. Su líder, Eddie Vedder, no tardó en dirigirse al público, botella de vino en mano, hablando en un esforzado español, ayudado por un cuaderno de notas donde tenía apuntadas todas las frases estratégicas para animar el ambiente.
El cantante brindó con el público por este festival y dejó claro que estábamos ante un show para celebrar la amistad. Entre canción y canción, presentó a sus grandes amigos, su banda, con la que lleva más de treinta años.
El comienzo no fue demasiado explosivo. El sonido no era lo nítido que debería y la voz de Vedder no terminaba de atemperarse del todo, aunque su radiante carisma y desparpajo ante el público lograba disminuir considerablemente el problema. Por suerte, Pearl Jam no tardó demasiado en solventar ese inicio algo errático en las primeras dos canciones, y consiguieron ir de menos a más. Tras la popular ‘Why Go’, Vedder, ahora sí, mostrando su buen hacer como vocalista, hizo de maestro de ceremonias para un entregadísimo público a lo largo de dos horas.
La energía de canciones como ‘Daughter’, donde el guitarrista Mike McCready se lucía tocando el instrumento por detrás de la cabeza, o ‘Running’ desataron la euforia en el escenario Mad Cool. Otras menos conocidas, como las de su nuevo disco ‘Dark Matter’, recibieron una acogida más tímida, como es lógico, pero también consiguieron crear buenos momentos, especialmente ‘Wreckage’, presentada con unas proyecciones marítimas en las pantallas.
Vedder comentó que tuvo una experiencia “cercana a la muerte” hace unos días debido a una enfermedad que le hizo cancelar varios conciertos, por lo que no cesaba de compartir su entusiasmo por estar en Madrid tocando. El set estuvo muy marcado por la importancia de celebrar a los suyos. Incluso hubo lugar para que le cantáramos el “cumpleaños feliz” a sus dos hermanos. También dedicó canciones a su amigo Javier Bardem y a Miguel Ríos y su hija Lua.
Tras ‘Porch’, la banda se fue durante un rato prolongado cuando el público suplicaba que cantaran otra más. Las luces volvieron a encenderse y apareció Vedder solo para cantar ‘Better Man’ (dedicada a Ríos). El resto de la banda se incorporaría a lo largo de la canción. Uno de sus mayores éxitos, ‘Alive’, sonó también en esta parte final del show, a la que le siguió una cover de ‘Rockin’ in the Free World’ de Neil Young y, para terminar, ‘Yellow Ledbetter’, con la que Pearl Jam supo cerrar con nota el concierto más multitudinario de la jornada.
Javier Bragado
Anteriormente, en el otro escenario principal, Keane, uno de los grupos británicos más exitosos de los 2000, se esforzó en demostrar que no merecen caer en el ostracismo.
El vocalista Tom Chaplin, nada más empezar, animaba al público a que aplaudiera, cantara y bailara. No había que decirlo demasiado alto ya que Keane es uno de esos grupos de los que uno se sabe más canciones de las que cree. Celebrando el vigésimo aniversario de su álbum debut, ‘Hopes and Fears’, hasta siete cortes de aquel trabajo sonaron a la luz del atardecer madrileño, incluidos ‘We Might as Well Be Strangers’ o ‘Everybody’s Changing’. Hacia el final del set, ‘Somewhere Only We Know’ fue claramente la más coreada, celebrada y hasta llorada.
De otros álbumes, también brillaron las versiones en directo de la muy The Killers ‘Sovereign Light Café’, que hizo que mucha gente se arrancara a bailar, ‘Silenced by the Night’ o ‘Crystal Ball’.
La banda cuenta con un buen arsenal de hits indie rock que funcionan muy bien en un contexto festivalero. No serán las canciones más creativas ni la música más innovadora del mundo, pero a veces uno necesita olvidarse de todo eso y simplemente cantar un gran estribillo a pleno pulmón. Keane tienen muchos, y eso -y más en una calurosísima tarde de verano-, es siempre refrescante.
La jornada la comenzamos con Michael Kiwanuka, uno de los cantautores más interesantes que han salido de Reino Unido en los últimos años. La calidez y potencia de su voz tiene la capacidad de transportarte inmediatamente a su particular universo. Su show seguramente hubiera tenido mayor impacto con más oscuridad, ya que lo que se proyectaba en pantalla -primeros planos de niños, jóvenes, ancianos, coches de los años 50, etc- parecía contar una gran historia de amor que no siempre era fácil de seguir.
Kiwanuka además de su banda, iba acompañado de tres coristas que juegan un papel fundamental en el espectáculo, teniendo momentos incluso dedicados al completo al impresionante chorro de voz de una de ellas.
La mayor parte del set estuvo enfocada en su último disco, lanzado hace ya cinco años, ‘Kiwanuka’, aunque los mayores éxitos y aquellos a los que el público respondía con más entusiasmo eran de ‘Love & Hate’, como ‘Black Man In a White World’ o ‘Cold Little Heart’, convertido en todo un hit gracias a la serie ‘Big Little Lies’. El cantante también presentó su último single, ‘Floating Parade’.
Si el día comenzó con ese agradable ambiente casi de gospel de la música del compositor inglés, culminó con algo completamente en las antípodas: el techno oscuro y envolvente de Paul Kalkbrenner, un nombre imprescindible en este tipo de sonidos. El DJ alemán mostró su experiencia cerrando fiestas en una sesión bailable y por momentos hipnótica que dejó al personal en estado de trance.
La verde pradera de Kobetamendi brillaba con la luz del sol cuando, una año más, se abrían las puertas del Bilbao BBK Live. Aunque más tarde la cosa cambiaría, la primera jornada se inauguraba con un día espléndido. Como primerizo en el festival, puedo decir que la organización da gusto. Buses bien señalizados, cero aglomeraciones, nada de gente colándose… Aún así, mi cara fue digna de ver cuando el bus nos dejó a mitad de camino, o eso parecía, para caminar lo que quedaba. En cuesta. Entonces, «¿por qué he pagado para reservar un bus?», pensaba. Cosas de novatos, supongo. De todas formas, nunca estaré tan perdido como esas chicas que, con tienda a cuestas, preguntaron en la puerta del VIP dónde estaba el camping. La respuesta estaba al otro lado del recinto.
En las primeras horas de la tarde, el público se dividió entre la emocionante mezcla de flamenco y urbano de Queralt Lahoz y el querido pop rock de Shinova. La banda vasca atrajo el mayor número de gente, pero los que eligieron a Lahoz se encontraron con algo muy especial. La catalana, de origen andaluz, siempre presenta uno de los conciertos más disfrutables de cualquier festival. Algunos preferirán la parte más cercana al hip hop y al trap, y otros lo que más se asemeja al flamenco. Su voz brilla y penetra en la piel de igual manera, así que ninguno se equivoca. Siempre se asegura de contar la historia que acompaña a ‘María la molinera’, nombrada así por su abuela, pero su manera de hablar y reivindicar a aquellos que no tienen voz no deja de erizar la piel.
Martín del Busto
Uno de los momentos más divertidos de la jornada involucró a Diego Ibáñez de Carolina Durante y a Barry B, que presentaron su recién lanzado single, ‘Yo pensaba que me había tocado Dios’, en lo que parecía un escenario en forma de ring, con cuerdas y todo, diseñado y montado solo para ese momento. Se les podía ver a los dos esperando en el mítico lobo del festival para bajar en cualquier momento, guantes de boxeo incluidos, pero la espera se demoró más de la cuenta. Mientras tanto, quedaban 5 minutos para la actuación de Sen Senra. Aunque anunciaron que habría «pelea», Barry B y «el príncipe de la Wurlitzer», según el presentador, cantaron el tema y se volvieron a ir. Al menos, conseguimos el saludo de Diego.
Sen Senra salió al escenario Nagusia sin ganas de fiesta en un concierto bastante anodino. Aunque adelantó algunas canciones que normalmente vendrían más tarde en el setlist, como ‘Uno De Eses Gatos’ o ‘Ya No Te Hago Falta’, no parecía haber ninguna razón detrás de esta decisión además de quitárselas de en medio cuanto antes. La eliminación de todo elemento de reggaetón en ‘Completamente Loco’ en un show que necesitaba urgentemente algo de acción tampoco ayudó. En el lado bueno, la presentación de ‘Hermosa Casualidad’ fue recibida por el público con los brazos abiertos y sonó maravillosamente bien, pero eso ya lo sabíamos. No será uno de los conciertos más comentados.
Todo lo contrario que el de Air, en el que la gente no paró de hablar en ningún momento. Para colmo, fue uno de los públicos más grandes del festival. Entre el tipo de música que es y que tampoco se escuchaba mucho, fue una experiencia algo frustrante. Tanto la banda como el público iba a lo suyo. Mientras unos pensaban qué cenar o en las ganas que tenían de ver a Los Planetas, los franceses estaban en su propia atmósfera, metidos en su rectángulo particular y concentrados en los instrumentos. Estos hicieron volar a los pocos que prestaban atención con la vibrante ‘Kelly Watch The Stars’ o con las coloridas estrellas y galaxias que les envolvieron durante ‘New Star In The Sky’. Es prácticamente un anti concierto: no hay picos de adrenalina (a menos que cuentes ‘Sexy Boy’) ni nada nuevo a lo que hayas escuchado en el ‘Moon Safari’ original. Eso sí, a los que nos gusta, nos encanta.
David Recio
Mientras tanto, en el escenario Beefeater, la gente estaba totalmente entregada a Jimena Amarillo y ella, totalmente a gusto con el público del BBK Live. Así da gusto. Los Planetas, igual, pero a su manera. J sigue asegurándose de que se le escucha perfectamente y ‘Super 8’ sigue siendo igual de bueno. De regalito, tocaron ‘Un Buen Día’ para deleite de todos los presentes. Eso sí, nada de rayas. Lo que se metieron Eric y J en «los bares de siempre» fueron «cuatro millones de pastas».
Hacía 5 años que Massive Attack no visitaban España, desde el 20 aniversario de ‘Mezzanine’. Con todo lo que ha cambiado el mundo en este tiempo, el grupo de Brístol tenía que traer un show a la altura. Desde el inicio con ‘Risingson’, 3D y Daddy G dejaron claro que no iba a ser un concierto ligero, sino todo un espectáculo tanto visual como político. Flashes rapidísimos de imágenes bélicas, banderas palestinas, procesiones y vídeos aparentemente aleatorios se sucedían sin control tomando más importancia que la propia música, cuyos hipnotizantes ritmos eran el mejor acompañante. Al grito de «viva Palestina», los ingleses proyectaron imágenes y textos sobre ETA, los Illuminati, el MK Ultra, la adoración a los famosos… y todo lo que seguramente me perdí. Todo, con la aparición de Horace Andy, Elizabeth Fraser y Young Fathers.
Cuando no era un bombardeo de información (en euskera), el escenario solo estaba iluminado por una potente, pero fría, luz blanca. Aunque la cantidad de imágenes y texto podía llegar a ser abrumadora, sobre todo en un festival a medianoche, visualmente es un alucine de concierto y, pese a quien le pese, el mensaje no deja de ser importante y necesario.
Gorka Urraburu
La anticipación con The Prodigy era justificada. Era uno de los últimos conciertos de la jornada y se trataba de su primera vez en Kobetamendi sin Keith Flint, fallecido en 2019. Si los festivales fuesen parques de atracciones, el concierto de The Prodigy sería solo para amantes de lo extremo. Desde los impresionantes lasers y la imponente presencia de Maxim Reality hasta la oscura imaginería que rodea el escenario, está claro que no está hecho para ser un show amable, pero si te dejas llevar por el desenfreno colectivo y el torbellino de noise y ritmos que proponen los británicos, te quedas con una de las experiencias de concierto más viscerales e inolvidables que hay. ‘Firestarter’ y ‘Breathe’ son las claras favoritas del público, pero todas funcionan igual de bien. El bombo suena como una explosión. Todo junto, como una guerra. Sin embargo, aunque pueda parecer el show menos friendly, la verdad es que Maxim Reality fue el que consiguió conectar más profundamente con el público. Air se centró en la música y Massive Attack en el mensaje. The Prodigy, en sus fans.
Katy Perry ha estrenado al fin ‘Woman’s World’, un tema de 2 minutos y 43 segundos que prácticamente ya conocíamos por sus numerosos teasers, pero que guardaba alguna sorpresa para su videoclip.
Se trata de una de las canciones de su próximo álbum ‘143’ que ha trabajado junto al polémico Dr Luke, además en un tema que pretende ser feminista, pues defiende que un mundo dirigido por mujeres sería mejor. La letra es muy obvia desde el principio, hablando de “inteligencia”, “confianza en una misma” y “sexyness” a la vez, mientras el vídeo opta por el tipo de humor cuñado que tan bien funcionó a Katy Perry en videoclips como ‘Roar’ o ‘Dark Horse’, dos de sus grandes clásicos.
Al margen de que este estilo se haya quedado colgado en el pasado, al margen de que el mundo haya cambiado, como aseguraba Juan Sanguino en Icon, llama poderosamente la atención la crudeza de la producción. Lo tosco de los sintetizadores. ‘Woman’s World’ es una producción de electropop ochentero burdo, sin signos de haber nacido en 2024.
Podría ser lo mismo un tema de Miss Kittin del año 2000 que otro de Scissor Sisters en 2004… que aquel tema de Lady Gaga con R Kelly que se retiró del mercado al confirmarse los abusos sexuales que había cometido este.
A su favor juega su brevedad, que incita a volver a escuchar el tema, y el poderoso “replay value” del videoclip, que cuenta con varios planos icónicos, como ese momento en que Katy Perry finge estar sacudiéndosela sin manos, o ese en que se inyecta gasolina en el culo. Además, está la participación de la youtuber Trisha Paytas, la referencia a la obrera Rosie the Riveter o a la famosa fotografía ‘Almuerzo sobre un rascacielos’ realizada en 1932, siempre tan impresionante.
La mala noticia: el tema nace sin el apoyo de Today’s Top Hits. Veremos si la playlist más gigante del mundo recula por una buena reacción del público, de momento hipotética, o el equipo de Katy Perry tiene que mover ficha antes de lo previsto hacia uno de los posibles nuevos singles.
Nelly Furtado concreta al fin el lanzamiento de su nuevo disco ’7’, que saldrá el 20 de septiembre, el mismo día que ‘143’ de Katy Perry. Como muestra Apple Music, serán 14 canciones, de las cuales la ya conocida ‘Love Bites’ junto a Tove Lo y SG Lewis será la pista 3, y el nuevo single, la pista 2.
Se trata de ‘Corazón’ con Bomba Estéreo, una sensual producción tribal de la que Nelly Furtado lleva más de un año hablando y que por fin ve la luz. “Estoy aquí y ahora” es el lema de su pre-estribillo, antes de introducir una parte más melódica. Después, llega el featuring de Li Saumet, más rapeado y muy alejado de su ilustre colaboración con Bad Bunny.
Nelly Furtado ha explicado en Instagram que lleva 2 años haciendo este canción, construida en 3 diferentes ciudades, pero es aún más lo que ha tardado en hacer el álbum. Dice que son entre 400 y 500 canciones que han nacido a lo largo de 4 años porque ella necesita la música “todos los días”, y que ha sido complicado escoger las 14 que además, son diferentes entre sí. Algo que ya se puede percibir en los 2 singles que conocemos, que no tienen nada que ver entre sí.
Hoy se publican los esperados álbumes de Eminem, Clairo y Cigarettes After Sex, y de todos ellos puedes escuchar un pedacito en Ready for the Weekend.
También hay nuevos largos de Travis, Remi Wolf, Rema, Griff, Joe Goddard o Johnny Blue Skies con Sturgill Simpson. En España, destaca el caso de Rita Payés o el EP de Chiara Oliver.
Aunque quizá el foco lo estén robando quienes han anunciado nuevo álbum estos días, como es el caso de Katy Perry, Nelly Furtado al fin o J Balvin. En el mundo underground, también Laura Marling.
Estrenan canciones Kylie Minogue, Nilüfer Yanya, Magdalena Bay. También Pimp Flaco, mientras una de las sorpresas es lo de Barry B con Carolina Durante. Aspira a ser un hit en España ‘YOTULOKO’ de Omar Montes con Rels B.
Mad Cool fue el escenario escogido por Dua Lipa para presentar su tercer álbum, quizá porque el festival fue pionero -tras el FIB– en solicitar sus servicios cuando no era tan conocida, un par de años antes de ‘Future Nostalgia‘. La cantante ofrecía en aquel entonces un concierto de banda influido por los 80 de Madonna, Michael Jackson y Prince, y algo de eso queda en un set que parece dominado por bailarines y escalinatas, pero también ofrece sus momentos guitarreros.
La salida es espectacular, de superestrella máxima. Suena una de sus grandes últimas canciones, ‘Training Season’, mientras la banda saca cierta punta a la psicodelia del álbum ‘Radical Optimism’ y el nombre del largo aparece en pantallas. Los bailarines se preparan para darlo todo, y finalmente se incorpora ella. Sus movimientos serán de manera reiterada sexys, hasta el punto de enloquecer definitivamente a unos fifes a mi lado durante ‘Love Again’. Gritan obscenidades con tan poca sal, que resuelvo cambiándome de sitio. Cosas de los festivales con 55.000 personas.
El show es un triunfo absoluto en su selección de «grandes éxitos». Incluso renunciando a incorporar todos -por ejemplo faltan ‘IDGAF’ o ‘Blow Your Mind’-, es que le sobran, como ya quisieran otros artistas. ‘One Kiss’ suena en 2º lugar, ‘Break My Heart’ en 4º con una lluvia de pétalos de rosa en forma de confeti, ‘Levitating’ en 5º, ralentizada y sin necesidad de featuring alguno… y así todo el rato. Llama la atención la épica que sigue dando a ‘Be the One’, momento que aprovecha para agradecer al público español, en castellano, su “luz y su energía”. Dua Lipa muestra en ese momento una faceta tierna y cercana, más humana que durante la perfección coreográfica que busca en el resto del show.
Poco después, empalmará ‘Hallucinate’, ’New Rules’ remezclada y ‘Electricity’, con una ‘Cold Heart’ que, sentada y con la voz de Elton John pregrabada, pretende volver a ser un instante más bonito y recogido… y lo consigue. Sin duda, es una de las remezclas más conseguidas de todos los tiempos.
El bis, con ‘Physical’, ‘Don’t Start Now’ y ‘Houdini’, deja el show bien arriba. No se percibe al público decepcionado; más bien todo lo contrario. Hay que tener muy mala estampa para quejarte de que un concierto en un festival sea una sucesión de hit after hit. Y sin embargo, hay algo que falla: la defensa de ‘Radical Optimism’, que en principio era a lo que veníamos algunos.
Las pocas canciones que suenan del último disco (5, por 7 de ‘Future Nostalgia’) aparecen demasiado desperdigadas en el setlist como para dejar la sensación de que Dua Lipa venía a presentar algo. ‘Happy for You’ llega a cerrar la primera mitad de manera discreta, y también pasa desapercibida ‘These Walls’, ahogada entre hit y hit, pese a lo cuca que es.
La artista renuncia a traer alguna de sus viejas canciones a su nuevo sonido para recordarnos que tiene un álbum importante que presentar. Tan pronto como suena ‘One Kiss’ te das cuenta de que lo que vas a ver es un concierto festivalero y no una defensa artística de un trabajo en concreto, apoyada en unos visuales concretos o unas ideas escenográficas concretas. No hay narrativa alguna en el supuesto ‘Radical Optimism Tour’. Dua Lipa puede ser la cabeza de cartel más entretenida, interesante y divertida de Mad Cool 2024, pero también corre el riesgo de convertirse en un “legacy act” antes de cumplir los 30. Esperemos que no tenga que pasarse la vida revisitando sus dos primeros álbumes, como tantos compañeros británicos, de Stone Roses a Oasis. 8.
Low Festival, que se celebra a finales de julio en Benidorm, con JENESAISPOP como medio colaborador, ha revelado sus horarios. Como es habitual, los dos escenarios principales, Vibra Mahou y Mini Benigar, se van alternando para evitar coincidencias. Así, Pixies no coincidirán con Amaral, ni Los Planetas con Suede, ni La Plazuela con Crystal Fighters, ni La Casa Azul con El Columpio Asesino.
El problema vendrá cuando quieras ver en uno de los dos escenarios grandes y a la vez algo en el Escenario Radio 3 o en Escenario I Love Benidorm.
Será el caso el viernes si quieres ver a Amaral y a Repion a la vez, o a Pixies y Maren. O el sábado si quieres ver tanto a Suede como a Hidrogenesse y PUTOCHINOMARICÓN (esta última coincidencia sí que hace pupa). Por el contrario, el domingo cuesta creer que alguien quiera ver a Arde Bogotá y El Buen Hijo a la vez. Low informa de que algunos de sus tipos de entrada VIP ya están agotadas y que quedan los últimos abonos y tickets. Es aquí.
La actriz Shelley Duvall ha fallecido a los 75 años. Será siempre recordada por su papel protagonista en ‘El Resplandor’, y sobre todo por la escena en la que Jack Nicholson rompe una puerta de madera con un hacha mientras ella sostiene un largo cuchillo. Es sin duda uno de los 10 mayores clásicos del cine de terror de todos los tiempos, inspirado en un libro de Stephen King.
Shelley Duval ha muerto por complicaciones derivadas de su diabetes, como ha confirmado su pareja, el guionista Dan Gilroy. En 2016 reveló en una polémica aparición en un programa de televisión que sufría una enfermedad mental.
La artista también ha aparecido en varias cintas de Robert Altman, como ‘Popeye’, ‘Nashville’ o ’Tres mujeres’; así como en ‘Annie Hall’ de Woody Allen. Pero siempre será recordada por el papel de Wendy Torrance, que en España dobló Verónica Forqué, fallecida hace 3 años.
Solo un FOMO de manual pudo llevarnos a Villaverde Alto a las cinco de la tarde, a 35º que parecían como mínimo 40. Pero el calor extremo a las 17:40 en plena explanada no impidió que un número más que decente de personas se acercara a ver a Soccer Mommy, abriendo la primera jornada de Mad Cool.
La cantante lleva ya unos cuantos años siendo una de las artistas mejor valoradas en el indie rock, y su breve pero efectivo set fue una muestra de ello. Rodeada de su banda, Sophie Allison ofreció un sonido sólido y envolvente que incluso logró que el sol abrasador que perforaba sin piedad las cabezas de los asistentes se hiciera más llevadero. Canciones de hace varios discos, como el dream pop ultra-noventas de ‘circle the drain’ o la balada lo-fi ‘scorpio rising’, se alternaban con las texturas más oscuras de su último álbum publicado, ‘Sometimes, Forever‘. También hubo espacio para presentar su reciente e íntimo single de guitarras, ‘Lost’. El concierto lo culminó su tema más popular, el irresistible caramelo bedroom pop que es ‘Your Dog’: un buen broche final para un proyecto que cada vez suena mejor. Fernando García.
Odio continuar con la conversación de ascensor, pero es increíble que una artista del nivel de Janelle Monáe tuviera que vérselas con el calor que hacía a las 7 de la tarde. Sus innumerables modelos no lucían porque la visibilidad de las pantallas con el sol de frente es casi nula. Aun así, la artista consiguió levantar la cosa en el Escenario 1, siendo capaz de reunir cada vez más público, cuando podía haber pasado exactamente todo lo contrario: que la gente se marchara a la desesperada para buscar una sombra.
Monáe apareció entre flores, de las que se desprendió después para quedarse en body y lucir tipazo. La sensación de que la cantante estaba sirviendo coño no estaba en nuestra mente perversa. ‘Lipstick Lover‘, como su vídeo, se convirtió en una reivindicación de la vagina. El vestuario de Janelle en forma de «pussy», con unas piernas que abría y cerraba sensualmente, así como su movimiento final haciendo la tijera con la lengua no dejaron lugar a la imaginación. Más de lo mismo, pero con otro modelito, vimos en ‘Yoga’. Y en otro momento incluso la artista se sacó una teta. Está ella en una etapa más hedonista de su vida, reivindicando su sexualidad y su identidad, pero en verdad el show brilló por más cosas.
Al contrario que Dua Lipa, a Janelle Monáe sí le apeteció defender su último trabajo, que de manera muy ilustrativa se llamó ‘The Age of Pleasure’, y consiguió llamar la atención comenzando con una espectacular salida, protagonizada por una banda con mujeres -a destacar vientos y coros- y ‘Float’, ‘Champagne Shit’ y ‘Phenomenal’. También ofreció una interpolación de ‘We Will Rock You’ de Queen. ‘Q.U.E.E.N.’ es por otro lado una reivindicación de su pasado, como la imprescindible ‘Electric Lady’. En la coreografía de ‘Make Me Feel’ recordamos lo influida que estaba Janelle Monáe por Prince y Michael Jackson desde el principio, y finalmente se entregó a más cosas seguras como ‘Tightrope’. Ante todo, un exquisito concierto en lo musical, con trazos de soul, R&B, reggae, bossa nova…
En los últimos minutos de set, Janelle Monáe tuvo unas palabras «contra el fascismo y la homofobia, a favor de la gente inocente de Gaza». Exactamente dijo: «No os voy a decir a quién tenéis que votar, pero yo voy a votar a quien apoye a los marginados, por los que estén más marginados que yo». Tras estas palabras, fue todo un trago dirigirse a un escenario llamado Comunidad de Madrid. Pero ahí y no en otro lado habían programado a los pobres Garbage.
Garbage venían de hacer un concierto histórico en Razzmatazz, Barcelona. Así me lo habían advertido un par de lectores a través de Instagram. El grupo de Shirley Manson y Butch Vig desplegó una energía aún mayor que en otras giras (pienso por ejemplo en su anterior concierto en Mad Cool) y pese a que también ella tuvo que sufrir un calor insoportable a través de su cargado modelito. «No estoy acostumbrada a este calor. ¡Pero que yo siempre he sido gótica!», bromeó.
El grupo empezó por canciones más desconocidas, como ‘Godhead’ y ‘The Men Who Rule the World’, que sirvieron para que el público se fuera metiendo en su sonido contundente y abrasivo, terminando este de volverse loco cuando empalmaron ’Stupid Girl’, “Paranoid”, ‘Cherry Lips’ y ‘Special’. Algunas sonando en nuevas versiones, con nuevos ligeros trucos de percusión o mezclas más de directo, sin que ninguna perdiera su esencia.
Shirley se paseó entre el público, destrozó un poco ‘When I Grow Up’ pero a nadie pareció importarle, soltó su “speech” sobre el tiempo en ‘Only Happy When It Rains’ y cerró con esa apisonadora llamada ‘Push It’. Fue muy generosa diciendo que le hacía mucha ilusión compartir escenario con Smashing Pumpkins, pues fue el primer grupo con el que giraron, porque se merendó realmente a Smashing Pumpkins.
Javier Bragado
Las canciones escritas por Billy Corgan no eran peores que las de Garbage. De hecho, en la prensa se vendió erróneamente todo lo contrario. El signo de los tiempos ha jugado en favor de los de Shirley Manson, y el carisma que esta desprende, incluso con gafas de sol, no es comparable al que pueda tener un tipo con sotana en 2024. Los paseos por el escenario de la ahora co-vocalista de Smashing Pumpkins Katie Cole añaden confusión al asunto, por momentos recordando más que nada a una puesta en escena eurovisiva; y la versión inexplicable de ‘Zoo Station’ de U2, pasada por el filtro de Safri Duo, no suma.
Con todo, aún ’Today’, ‘Tonight, Tonight’, ‘Bullet with Butterfly Wings’ o ‘1979’ dejan 100% boquiabierto, y aquel momento en que Smashing Pumpkins decidieron ser electrónicos (grande ‘Ava Adore’) arrancan una sonrisa. También las muchas, muchísimas, camisetas con el nombre del grupo que se ven por el recinto.
A la misma hora, la gente joven y popera disfrutaba del show en dos alturas, con músicos de verdad y la entrega total de Rels B que hace muy poquito vimos en Mallorca. El número de móviles arriba durante ‘La vida sin ti‘, sin Lia Kali, certificaron que es su nuevo gran clásico. Tuvo menos público, eso sí, que los Smashing, volviendo a poner sobre la mesa que cualquier cosa relacionado con lo urbano, no es el plato fuerte de este festival: recuerdo ver aquí un show de Post Malone, nada menos, algo desangelado.
Gran jornada de Mad Cool, pues, para sus 55.000 primeros asistentes, Will Smith y Aitana incluidos (él fue a ver a Janelle Monáe, ella cantó con Tom Odell), en la que artistas de primer nivel impidieron que nos acercáramos a escenarios más pequeños. En tan inhóspito polígono de Villaverde Alto, al salir la probabilidad de escuchar a alguien decir «esto parece ‘Walking Dead'» siempre es de 1. Pero aunque parezca mentira, en 45 minutos ya estábamos en casa. El metro de Madrid vuela, cuando se pone. Sebas E. Alonso.
Ed Sheeran traerá su gira Mathematics Tour a España, en concreto a Madrid el 30 de mayo de 2025, en el Cívitas Metropolitano. Las entradas se ponen a la venta el miércoles 10 de julio a las 9 horas en los puntos de venta habituales, desde 25 euros + gastos. Se habilitará una preventa el lunes 8 de julio a partir de las 9 horas.
Actualización 11 de julio: Tras agotar todas las entradas para el concierto del 30 de mayo en tan solo unas horas, se añade una segunda fecha el día 31 de mayo.
Entradas a la venta: el miércoles 17 de julio a las 9h en Livenation.es y Ticketmaster.
Preventas: a partir del lunes 15 de julio a las 9h en Livenation.es.
La gira ‘Mathematics Tour’ llevará a Sheeran por Europa desde mayo hasta septiembre de 2025. La gira pasará por España, Francia, Italia, Alemania, Noruega, Suiza, Bélgica, Polonia, Suecia y Dinamarca. Sheeran acaba de ofrecer un concierto en Tenerife, y este sábado 6 de julio actúa en Santiago de Compostela.
Cuando faltan horas para que se estrene ‘Woman’s World’, el nuevo single de Katy Perry, polémico antes de empezar tanto por su letra como por el teaser de su vídeo, Katy Perry ha dado los detalles de su nuevo álbum. Lo describe como un disco «dance pop celebratorio».
Se llamará ‘143’, lo cual es un código para decir «I love you» desde principios del siglo XX y estará con nosotros en un par de meses, el 20 de septiembre. Apostamos ya que para antes de eso ya conoceremos al menos otro de los singles.
Entre ellos podría estar algunas de las canciones que ha avanzado a través de un «live» en las redes sociales. Sabemos ya de un tema con un tema con 21 Savage llamado ‘Gimme Gimme’, de corte reggae pop. Otro con Doechii llamado ‘I’m His He’s Mine’, con un prominente sample de ‘Gypsy Woman’ de Crystal Waters. Y también hay otro corte llamado ‘Nirvana’, más bien dance 90’s. Los fragmentos, que están circulando por redes sociales, apuntan a mejores cosas que ‘Woman’s World’, de momento.
Kylie Minogue, Tove Lo y Bebe Rexha han estrenado ‘MY OH MY’, encontrándose en principio con cierta sensación de decepción. El tema resulta un tanto genérico en la producción de Steve Mac.
Sin embargo, ‘MY OH MY’, que puede leerse MOM en referencia al carisma sobre todo de la primera, es un «grower». No es un «la la la» tan bueno como ‘Can’t Get You Out of My Head’, pero sí tan pegajoso como el de un Naughty Boy. En otras palabras, es una de esas producciones que se instalan en el cerebro aunque no quieras. Solo que esta añade algo de gracia en su letra.
‘My Oh My’ no deposita todo su gracejo en el recorrido por los signos del zodiaco de cada una que había servido de «teaser». Cuando Kylie -que es Géminis- subió el primer teaser, sus fans tuvieron que averiguar quiénes podían ser sus dos acompañantes a través de los símbolos de Virgo (finalmente Bebe Rexha) y Escorpio (finalmente Tove Lo).
En la letra, cada una recita su nombre y su signo, pero es por supuesto la siempre sexual Tove Lo quien pone más salsa picante, al asegurar que está en un «cuarto oscuro» y además al presentarse como «To-Tove Lo» en referencia a aquel viral en el que Megan Thee Stallion peleaba por pronunciar su nombre. «Siempre me ha encantado un cuarto oscuro con alguien con quien hablar, pero nunca había conocido a nadie como tú», espeta.
«Las declaraciones realizadas ayer martes 9 de julio de 2024 por el artista y productor Nacho Cano en las que califica a la Policía Nacional de «criminal» nos obligan a proceder a rescindir el acuerdo de colaboración con Malinche The Musical Spain», explica la compañía. Este acuerdo de colaboración consistía en un 30% de descuento en el precio de la entrada del musical por ser cliente de Renfe.
Este martes, tras su detención, Cano declaró que, tanto el comisario jefe de la comisaría de Leganitos en Madrid como el ministro del Interior, Marlaska, fueron a por él por su apoyo a Ayuso: «No hay otra razón, como ya han ido a por su novio, a por su hermano, a por su padre… el que les queda soy yo para dirimir la atención de la imputación real de la mujer del presidente», aseguraba.
Acto seguido, pronunciaba las palabras que han llevado a Renfe ha desistir el contrato colaborativo: «El criminal no soy yo. El criminal es la policía y es a ellos a quien hay que investigar. Si aparezco muerto en una cuneta, ya saben quién ha sido».
En el comunicado, la compañía también ha aclarado que «considera a la Policía Nacional, que cumple 200 años al servicio de los ciudadanos, y a los Cuerpos y Fuerzas de Seguridad del Estado como uno de los pilares fundamentales del Estado de Derecho».
Por otro lado, la Presidenta de la Comunidad de Madrid Isabel Díaz Ayuso ha tildado de “atropello” la detención, y ha sostenido que se busca “la destrucción personal del artista con fines políticos”, lo que es, “simplemente estalinismo”. Asimismo ha elogiado su carrera a ambos lados del Atlántico.
Laura Marling anuncia hoy que lanzará su nuevo álbum, el 8º, ‘Patterns in Repeat’, el 25 de octubre. Además, ya puede escucharse el primer single ‘Patterns’. Por si os pilla por allí, Laura tocará en dos residencias íntimas en vivo tanto en Londres como en Nueva York. Las residencias abarcan cuatro noches en la Hackney Church de Londres los días 29, 30, 1 y 2 de noviembre y dos noches en Nueva York los días 11 y 12 de noviembre en el Bowery Ballroom. Os dejamos con la nota de prensa oficial, el tracklist y el bello y acústico single:
«‘Patterns in Repeat’ fue escrito, grabado y producido por Laura en el estudio de su casa en Londres. Si el aclamado ‘Song For Our Daughter’ de 2020 se escribió en sentido figurado y desde la perspectiva de escribir para y sobre una hija ficticia, Patterns in Repeat se escribió después del nacimiento de su hija en 2023 y encuentra a Laura reflexionando sobre los patrones en juego en la constelación de una familia. Las canciones se basan en un momento muy específico y revelador de su vida, profundizando en su análisis de las ideas y comportamientos que soportamos a través de la familia a lo largo de generaciones.
El disco fue grabado casi en su totalidad en el estudio de la casa de Marling y coproducido por Dom Monks, con la ayuda adicional del maestro de cuerdas Rob Moose, y refleja no solo la intimidad metafórica del contenido del disco, sino también una intimidad puramente circunstancial, con su hija a menudo junto a Laura en estas sesiones de grabación».
Y esto dice ella misma: “A lo largo de nueve meses, me preparé felizmente para el hecho de que mi vida como compositora quedaría en suspenso mientras me adaptaba a la vida como madre primeriza. Qué feliz me sentí entonces al descubrir que durante los primeros meses de vida de un bebé, puedes hacerlo mecer en una hamaca y tocar la guitarra todo el día. Por primera vez en mi vida, pude mirar a los ojos de otro ser humano mientras escribía. Por supuesto, los nuevos padres sienten que han descubierto ese sentimiento, uno de los mejores que la vida tiene para ofrecer, el de mirar a los ojos de su hijo y sentir la enormidad del panorama en su conjunto, la enormidad de una vida precaria, celestial, frágil y extraordinaria, ocupando su lugar entre la constelación comparativamente banal de una familia. Esta constelación banal parece haber dominado la escritura de Patterns in Repeat: el drama de la esfera doméstica, los frágiles hilos que unen a una familia, las buenas intenciones que guardamos para nuestra progenie y las muchas y variadas formas en que se pierden en el tiempo. Tanta complejidad en lo banal, lo enjaulado, lo cotidiano.
A mis 34 años, de los que he ocupado 15 años y 8 álbumes a las canciones, no puedo obviar el hecho de que cada disco ha servido como un capítulo de mi vida con marca de tiempo (aunque algunos han parecido más bien un premonición). Ahora, aquí estamos, siguiendo a una joven que pasó desesperadamente tratando de entender lo que es ser mujer, estoy en la cima de la colina, con una perspectiva enorme y completamente nueva rodeándome”».
01 Child of Mine
02 Patterns
03 Your Girl
04 No One’s Gonna Love You Like I Can
05 The Shadows
06 Interlude
07 Caroline
08 Looking Back
09 Lullaby
10 Patterns in Repeat
Cuando hablabas con Dellafuente en 2018, en los tiempos de sus primeros discos de oro, del esencial ‘Ansia viva‘, de ‘Guerrera‘ con C. Tangana, el artista ya advertía que acumulaba 30 y 40 canciones sobrantes que no sabía si orquestar en 5 discos o en 5 EP’s.
Siempre ha sido de escribir y escribir, y ese talento se ha ido materializando en todo tipo de lanzamientos: discos, EP’s, splits, proyectos paralelos, por supuesto featurings… Sus fans en Discogs simplemente no son capaces de mantenerle el ritmo.
‘Torii Yama’ tiene pinta de álbum porque llega a las 10 pistas. Lo que no tiene en duración (menos de media hora), sí lo tiene en entidad artística. Estamos ante 10 composiciones profundas en las que Pablo Enoc Bayo se desangra, hablando de las cosas que le interesan (el amor, la vida, la autenticidad, Granada) sobre una base en general minimalista de guitarras y piano de baja fidelidad.
Así, muchas de las composiciones de Dellafuente continúan sonando mortificadas. ’13 preguntas’ tiene mucho de retórico, desde «por qué lo malo es lo que siempre cuenta» a «y si yo no miro, quién mirará por mí». ‘Si te lo comes, lo crías’ simplemente pide que sus «niñas crezcan fuertes», se conforma con «un piso pequeño» porque en él es más fácil intimar, y reconoce que a veces «quisiera desaparecer».
El rechazo al dinero vuelve en ’12:15′, pues subraya que «el dinero no consuela al hombre» y reconoce que si tropezamos «dos veces en la misma piedra, ya no es culpa de la piedra». ‘Otra noche en Granada’, con una locución de Maka al principio, concluye, desesperanzada: «Hay algo peor que no tener ni un duro: mirar hacia alante y no ver el futuro».
En medio de un tono totalmente melancólico incluso en temas uptempo como ’12:15′, lo más parecido a un hit hedonista es esa pista de 3 minutos casi redondos llamada ‘Malicia’ junto a Amore. Veo a 75.000 personas entonando “se me va la malicia cuando me acaricias” en el Bernabéu. Pero la mayoría de los temas va por otros derroteros. Hasta el punto de que aparece uno de 2 minutos grabado en directo en diciembre de 2022. ‘Una gota’ es un micropoema a piano en el que apenas escuchamos un par de frases. Por ejemplo, «Ojalá pudiera ser el tiempo después de muerto».
Eso nos hace pensar en Dellafuente como un poeta, más que nada. A veces introduce algún pequeño beat de reggaeton, como en el corte llamado ‘Romero Santo’ junto a Judeline. Una anécdota que pueda conectarle con la calle, en comparación a frases que remiten a la salud mental («en tu cabeza hay una noria»), a Lorca («yo te quiero verde» en ‘Fosforito’ con Lia Kali), o a la industria musical: «Esta gente solo quiere tetas y culos», plantea en ‘Premio Puskas’. Pero él nos ofrece algo más. Siempre algo más.
Unas horas antes de que comenzara el desfile del Orgullo de Madrid, JENESAISPOP se reunió con Nemo, flamante ganadore de Eurovisión 2024, en un salón de uñas por el centro de la ciudad. Nada más llegar, nos comentan que apenas ha dormido por culpa de su apretadísima agenda, pero aun así, nos recibe con una sonrisa de oreja a oreja y un abrazo.
Esperamos un rato hasta que nos preparan la mesa donde tiene lugar la entrevista. A Nemo van a hacerle las uñas mientras hablamos y así, no solo ahorra tiempo, sino que hace que el ambiente sea mucho más distendido que en el de una entrevista normal. Su alegría es contagiosa y su amabilidad hace que inmediatamente uno se sienta a gusto en su presencia. Pese a sus pocas horas de sueño, su energía y su emoción por estar ahí son palpables. Hablamos, entre varias cosas, sobre la resaca de Eurovisión, su actuación el Orgullo o la importancia de la visibilidad LGTB.
Estás de vuelta en Madrid tras ganar Eurovisión, ¿cómo te ha cambiado la vida desde entonces?
Es divertido echar la vista atrás, sobre todo porque en Madrid fue la primera pre-party de Eurovisión y es donde todo empezó básicamente. Recuerdo actuar aquí y darme cuenta de que todo esto era real. Por primera vez me subí al escenario y había gente delante de mí cantando la canción de principio a fin. Así que es genial estar de vuelta.
Y también vienes al año que viene…
¡Sí! Vamos a hacer una gira europea, sobre marzo-abril y Madrid es una de las paradas. Es una locura porque nunca había actuado fuera de Suiza salvo en un par de ocasiones. Y ahora tengo como 25 conciertos diferentes en un montón de países. Es muy emocionante porque siento que me estoy encontrando con la gente adecuada. Se ha formado una comunidad muy bonita a raíz de Eurovisión, y continúa creciendo cada vez más. Ahora cuando actúo en cualquier sitio, siento que lo hago para un grupo de amigos. Uso Discord Server, que es una plataforma en la que compartir cosas y hay diferentes chats y tal, y cada semana me meto y estoy un rato charlando con gente que es fan de mi música, es algo muy cercano. También siento que Eurovisión es una gran plataforma, tan grande que cuando te muestras tal y como eres, las personas adecuadas te pueden encontrar. Así que es muy emocionante actuar para gente a la que le importa y entiende quién soy.
¿Cómo fue el proceso creativo de ‘The Code’? ¿Crees que va a cambiar tu forma de trabajar ahora que te conoce mucha más gente?
Creo que escribiendo ‘The Code’ me di cuenta de lo que realmente quiero hacer a nivel creativo. Es como si ‘The Code’ fuese una puerta y he encontrado la forma de acceder a ella y ya puedo hacerlo siempre que quiera. Así que mi proceso creativo ha cambiado desde que escribí esa canción en el sentido de que me he dado cuenta de que esto me encanta. Me encanta retarme musicalmente y explorar los límites a los que puedo llegar. ‘The Code’ tiene muchas partes: ópera, rap… todo lo que he hecho a lo largo de mi vida ha encontrado un hueco en ella. Me he dado cuenta de que hay momentos incómodos al principio, pero que son donde más creces. Y eso es de lo que más ganas tengo de cara al futuro. Ahora cuando escribo ya no intento quedarme en mi zona de confort y para mí eso es una gran manera de experimentar la creatividad.
«Es a partir de los momentos incómodos del principio, cuando más creces»
¿Qué referencias tienes en mente al hacer música?
Creo que es una mezcla de todo lo que he escuchado a lo largo de mi vida y también lo que estoy escuchando ahora. A partir de ‘The Code’, imagino un espacio para mi música, puede ser un concierto, un lugar en el que quiera interpretarla, un videoclip… Siento que una gran parte de mi inspiración viene de visualizar un espacio en el que actuar. Cuando escribí ‘The Code’ me imaginaba el escenario de Eurovisión y fue una herramienta muy útil para mi cabeza. Salir de la idea de que podía ser cualquier tipo de canción, una que pudiera escuchar desde el móvil o una que escuchas de fondo en una fiesta, y darme cuenta de que necesitaba ser poderosa y épica.
Durante Eurovisión colaste una bandera no binaria, pese a que la organización te dijo que no lo hicieras, ¿cómo te tomaste esto y en qué momento decidiste hacerlo igualmente?
La llevaba a los ensayos del desfile de banderas y una de las personas que se encargaba de nosotros me dijo que no la podía sacar y pensé “qué raro”, pero también pensé que si montaba un número por ello me iban a vigilar de cerca a partir de ese momento. Era solamente el ensayo así que ahí me daba igual. Pero sabía que en la final tenía que hacerlo, era importante para mí. Mucha gente no binaria se puso en contacto conmigo y me dijo lo importante que era mi actuación en Eurovisión. Supe que no estaba haciendo eso por mi país, sino por mi comunidad, así que no había duda de que tenía que sacarla. Envolví la bandera no binaria dentro de la suiza y cuando llegué al escenario dije: «venga, la saco ya».
«Cuando te muestras tal y como eres, las personas adecuadas van a encontrarte»
¿Tuviste problemas después?
No, fue muy extraño porque luego me dijeron que había sido un malentendido…
Creo que fue importante para la visibilidad no binaria, ¿sientes algún tipo de presión o responsabilidad ahora que eres un icono para esta comunidad?
[risas] No siento presión en ese aspecto, de hecho, creo que es lo que menos me preocupa, porque siento que es un espacio muy seguro. Ser no binarie es diferente para cada persona y no puedo representar a toda una comunidad de esa manera, pero sí puedo ser como soy y así ayudar a otras personas a sentirse más cómodes con elles mismes. Eso es lo que me gusta de todo esto. Si une niñe me ve en la tele y tiene a una persona en la que mirarse y pensar “yo también puedo ser así”, sería perfecto. Yo solo tengo que ser yo misme. No siento presión representando a nadie porque es una comunidad muy diversa y eso es lo bonito, pero puedo simplemente estar ahí y dar visibilidad.
¿Tienes algún icono LGTB en el que te hayas mirado o que te haya inspirado?
No son gente conocida. Son personas que he ido conociendo a lo largo de mi vida, sobre todo cuando me mudé a Berlín, donde iba a muchos lugares seguros para personas no binarias y trans, y eso me dio mucha confianza. Me ofrecían la visibilidad que yo necesitaba ver, hubiera sido genial si esto me hubiera pasado antes en mi vida. De pequeñe, no había realmente gente como yo en televisión, así que es muy bonito ver cómo eso va cambiando y hay generaciones queer más jóvenes. Hay mucha más visibilidad ahora y eso le va a dar a mucha gente la oportunidad de ser elles mismes y comunicarlo antes.
«En Berlín, los lugares seguros para personas no binarias y trans me dieron mucha confianza. Me ofrecían la visibilidad que yo necesitaba ver»
Cuéntame sobre tu actuación y sobre el estilo y elección de los outfits.
Voy a cantar una versión extendida de ‘The Code’, que me encanta. Es más épica y cinematográfica, y cada vez que la canto se siente como espiritual, es muy emocionante para mí porque tengo muchos recuerdos con esta canción. Los últimos tres meses podrían ser tres años con la de cosas que me han pasado. En esta versión hay una gran intro y es increíble tener a la vez todas estas imágenes en mi cabeza, como estar en Madrid por primera vez y después Amsterdam, conocer a tantos nuevos artistas… Interpretar esta canción es siempre una experiencia preciosa y espero que la gente lo sienta también.
Sobre los outfits, habíamos preparado varios, pero algunos son demasiado calurosos para Madrid, así que esos no los voy a llevar… Tenía alguno como con tres capas y todo [risas]. Voy a llevar uno que se ajusta mejor a este tiempo en una de las carrozas en el desfile [del Orgullo]. Y en la actuación del domingo llevaré otros dos.
¿Qué significa el Orgullo para ti?
La primera vez que fui al Orgullo fue hace tres años en Berlín, y creo que no hay nada que se le parezca como persona queer. Es una celebración de lo que somos, y sientes que no estás sole. Para mí y para mis amigos queer, siempre ha sido muy sanador conocer a otra gente queer. Sientes que hay personas como tú, que te entienden, y el Orgullo es como todo eso en éxtasis. No conozco a nadie aquí, pero estoy segure de que volveré a casa con nuevos amigos. Es el poder de estar todos juntos, de apoyarnos mutuamente.
Para terminar, ¿cuál es tu canción favorita del año por ahora?
Esto puedo contestarlo muy fácilmente, es la canción que más he escuchado últimamente: ‘Good Luck, Babe’, de Chappell Roan.
Hablando de iconos LGTB…
¡Sí! Para mí ella es un icono absoluto. Con su música, con cómo es, su forma de hablar, sus conciertos… ¡sus looks! Es pura inspiración, y me encanta ver a artistas como ella teniendo una plataforma enorme y llegando al mainstream.
Su ascenso está siendo meteórico.
¡Exacto! Me hace muy feliz ver esto. Me encantan muchas de sus canciones, pero creo que ‘Good Luck, Babe!’ es la canción perfecta, así que es mi canción del año sin duda, y probablemente de los últimos años también.
Después de casi tres décadas de carrera, Interpol ha elegido la ciudad de Barcelona para celebrar el 20 aniversario de su segundo disco, ‘Antics’. Paul Banks, Daniel Kessler y Sam Fogarino celebrarán el cumpleaños del álbum el próximo martes 24 de septiembre en Paral·lel 62.
Interpol, tan acostumbrados al contexto de un festival, saldrán de su hábitat natural para conmemorar que himnos como ‘Evil’, ‘Slow Hands’ o ‘C’mere’ cumplen dos décadas el próximo septiembre. Será un nuevo capítulo de su largo idilio con Barcelona, aunque ninguno de los anteriores fue como este.
Las entradas estarán a la venta en Fever a partir del próximo 12 de julio a las 10:00, a partir de 47€ más gastos de distribución.
Morreo, el dúo formado por los andaluces Joseca y Germán, han lanzado su tema más agresivo y potente, convirtiéndose instantáneamente en un himno dentro de su discografía que se va a gritar en todos los conciertos. No cabe duda. ‘MATARÍA A TODOS LOS HOMBRES’ es la Canción del Día.
Desde la genial ‘DIABLITOS’, Morreo ya avisó de que estaban investigando sonidos más oscuros y guitarreros, pero sin perder su esencia. ‘MATARÍA A TODOS LOS HOMBRES’ cuadra con esta descripción, siendo la canción más punk que ha hecho Morreo, pero lo que más llama la atención es la letra: «Mi droga no es tu risa, mi droga es que te alejes bastante de mí».
Es una canción que ya habían presentado en sus últimos directos, funcionando perfectamente por el shock de la temática, que gira en torno a expresar la frustración por la masculinidad tóxica de la manera más visceral y violenta posible. «Mataría a todos los hombres de esta ciudad», cantan en el estribillo. Para qué engañarnos, en algún momento todos hemos pensado algo parecido. Van tan directos que hasta YouTube ha borrado el link de su plataforma.
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