Justo cuando se acerca un nuevo reencuentro con Grace Jones, esta vez en Bilbao BBK Live, John Grant publica disco con la asistencia de uno de sus productores. Ivor Guest, último responsable del sonido de ‘Hurricane’, hasta ahora último álbum de la diva, está también detrás de ‘The Art of the Lie’, sexto trabajo en solitario de John Grant.
Sobre todo desde que se dejara empapar por los beats de GusGus en ‘Pale Green Ghosts‘, el cantautor ha venido jugando con la electrónica, en algún punto de esta nueva obra hasta el extremo de que pareciera que le va a crecer un casco de Daft Punk en la cabeza. Todos esos vocoders y efectos simbolizan «los delirios que caben en su mente», y entre sus inspiraciones han estado clásicos de Talk Talk, Kate Bush, Cocteau Twins y Dead Can Dance.
Sin perder de vista el pop: la política ‘All That School for Nothing’ asegura que la escribió para Blondie pero no la quisieron. Un tema social sobre la desesperanza en el sistema: «Toda esa terapia y dinero tirados por el retrete / Podría decirte tu futuro, pero no te quiero hacer «spoiler»». De hecho, el propio título del disco es una referencia a ‘The Art of the Deal’ de Donald Trump. Mientras la medio bailable ‘Meek AF’ parece contener también una reflexión de calado sobre la masculinidad, una serie de canciones tienen un fondo más personal, esta vez con la familia en el centro de atención.
Por si sirve de pista, hay una canción llamada ‘Father’ y otra llamada ‘Daddy’. La primera recapacita sobre la decepción de «haber dedicado toda una vida a una mentira muy grande» y también sobre el complejo que arrastramos desde niños: «Me siento avergonzado de no haber podido ser la persona que tú esperabas». Por su parte, ‘Daddy’ es una cuestión de confianza que en un momento dado concluye: «No es tu culpa ni la mía / Siempre habrá un momento en que me vendas / porque lo que soy es un pecado».
De manera nada casual, otra de las canciones fundamentales del disco se llama ‘Mother and Son’, versa sobre luchar por un país, buscar tus sueños, dejar de odiar y dejar de temer. Juraría que la voz de la artista invitada Rachel Sermanni está claramente inspirada en las colaboraciones de Sinéad O’Connor con John Grant que nos conquistaran en el primer LP de este, ‘Queen of Denmark‘.
A su lado, el humor sobre nuestra mala suerte ‘It’s a Bitch‘ o el desenlace del álbum con la extraña ‘Laura Lou’ y ‘Zeitgeist’, esta última sin añadir nada nuevo tras 1 hora de álbum, solo pueden palidecer. Es cuando John Grant vuelve a desnudarse frente a nosotros para hablarnos de sus inseguridades y de su identidad que vuelve a resultarnos tan necesario.
Entre las novedades del pasado viernes, nos cautivó especialmente la nueva colaboración de Mura Masa junto a yeule. El productor de electrónica continúa publicando singles sueltos que podrían estar conduciendo hacia un cuarto álbum que aún no se ha anunciado, y del que no se conoce mucho más. ‘We Are Making Out’ es nuestra Canción del Día para este lunes.
Conocemos a yeule por su gusto por las guitarras eléctricas, la identidad cyborg y las producciones underground retro. Todo eso aparece contenido en este ‘We Are Making Out’, repetitivo e hipnotizante como un hit robótico de electroclash de los años 2000.
Bandas como Le Tigre, Chicks on Speed o incluso Yeah Yeah Yeahs pueden venir a la mente. Al menos hasta que en los 30 segundos finales el drop acústico apunta hacia algo más pastoral y contemplativo.
«Make out» en inglés, entre otras cosas, significa «enrollarse», lo que acentúa el descaro de la grabación y su inclinación hacia los 2000 más hedonistas. La letra es una sucesión de lugares o situaciones en las que «liarse», algunas tan irreverentes como las que dominaban aquel estilo.
El metro, el tren ligero de Londres (DLR) o con sangre de por medio que te sale de la nariz, son algunas de esas situaciones. “Nos estamos enrollando porque dibujaste una imagen de mi corazón en una guitarra y accidentalmente dijiste “te quiero”” abriría la puerta a que pueda haber algo más. Tanto como ese “te quiero” final acompañado de una música ya mucho más celestial.
Amaia logra esta semana su 10º top 1 en JENESAISPOP. ‘Nanai’ ha logrado el 45% de los votos en X. Las 9 canciones anteriores suyas que fueron vuestras favoritas semanalmente fueron ‘Un nuevo lugar’, ‘El relámpago’, ‘Quedará en nuestra mente’, ‘Quiero que vengas’, ‘El encuentro’ con Alizzz, ‘Quiero pero no’ con Rojuu, ‘Yo invito’, ‘La canción que no quiero cantarte’ con Aitana y ‘Así bailaba’ con Rigoberta Bandini. En realidad, terminaríamos antes diciendo qué canciones de Amaia NO lograron alcanzar el número 1, por ejemplo ‘Sexo en la playa’ con Alizzz, que quedó en el puesto 2, contenida por ‘Padam Padam’.
Otras entradas destacadas de la semana son Tove Lo con SG Lewis (sin Nelly Furtado esta vez), Orville Peck con Kylie y Diplo, Lola Indigo, Alcalá Norte, Nilüfer Yanya, Pixies y Kaytranada con Childish Gambino.
St. Vincent, que con ‘All Born Screaming‘ ha vuelto a publicar uno de los discos del año, anuncia dos conciertos en nuestro país. Serán en Barcelona y Madrid. En concreto, el viernes 18 de octubre de 2024 en la sala Razzmatazz de Barcelona y el domingo 20 de octubre en La Riviera de Madrid.
Según la nota de prensa de Live Nation, «St. Vincent, conocida por su versatilidad y su capacidad para mezclar diferentes géneros musicales, nos traerá su espectáculo hipnótico y demostrará por qué es considerada una de las artistas más importantes e influyentes de la escena indie/rock actual».
Las entradas se pondrán a la venta el viernes 28 de junio a las 10h en Livenation.es y Ticketmaster. Sin embargo, habrá una preventa a partir del miércoles 26 de junio a las 10h en Livenation.es. El precio es de 40€ (+ gastos de distribución).
‘All Born Screaming’ nos ha llegado presentado por el ardiente ‘Broken Man’ y después está sonando bastante el electro turbio medio industrial de ‘Big Time Nothing’, que conserva influencias de gente como Prince o Talking Heads.
Hace un par de meses tuvimos oportunidad de entrevistar a St Vincent sobre este disco y nos contaba: «La catástrofe, es decir, perder a personas que queremos, la violencia del mundo, desafortunadamente, existe. La segunda parte del disco va de esto: la vida es brutal, perdemos a gente, no vivimos eternamente. Pero el mensaje que prevalece es que -de hecho- tenemos la oportunidad de vivir y de vivir nuestra vida plenamente. Que sea duro no significa que no valga la pena. Para mí, la urgencia de este disco tiene que ver con esto también. Quería que fuera crudo, solo conservar en él los elementos realmente importantes y vitales. Y hablar de las cosas que me han estado pasando. Perder a personas es una parte inevitable de la vida».
Al parecer, se ha hecho costumbre gritar “Taylor está muerta” en algunos eventos relacionados con Charli xcx. Al menos, eso se ha apuntado respecto a unos dj sets en Brasil, y se ha denunciado en las redes sociales de Charli. Esta ha decidido tomar cartas en el asunto, y ha pedido que se deje de hacer esto: “¿Puede la gente dejar de hacer esto? Online y en mis conciertos. Es lo opuesto a lo que quiero y me molesta que alguien pueda pensar que hay espacio para esto en la comunidad. No lo toleraré”.
El origen del beef podría ser que ‘brat‘ no ha conseguido ser número 1 en Reino Unido por culpa del último disco de Taylor Swift, y que se piensa que la frase de la canción ‘Sympathy Is a Knife’ «no quiero verla en el backstage del concierto de mi novio», podría ser una referencia a Taylor.
Por el contrario, a su paso por Londres, Dave Grohl se ha burlado del “Eras Tour” de Taylor Swift, bromeando con que la gira de Foo Fighters debería llamarse “Errors Tour” por los fallos que contiene. Ha justificado que es lo que tiene tocar en directo, dando a entender que en el tour de Taylor hay mucho de pregrabado.
Sus palabras han sido: “No querréis sufrir la ira de Taylor Swift. Así que nos gusta llamar a nuestro tour “The Errors Tour”. Hemos tenido más que unas pocas eras, y más de unos pocos jodidos errores también. Solo un par. Eso es porque tocamos en directo. ¿Qué? Ahí lo dejo. ¿Os gusta la música rock’n roll cruda? Pues habéis venido al lugar correcto”.
Foo Fighters bromeaban así sobre su coincidencia con Taylor Swift en Londres durante los mismos días. Los de Dave Grohl actuaban jueves 20 y sábado 22 de junio, mientras que a Taylor le tocaba viernes 21, sábado 22 y domingo 23.
Entre las sorpresas que ha dejado la gira de Taylor Swift estos días en Londres, la presencia de Hayley Williams en ‘Castles Crumbling’, o la de Gracie Abrams en ‘us’. Este remix ha sido una de las principales novedades musicales de este viernes, alcanzando el número 25 del global de Spotify.
Charli xcx responds to reports that her fans are screaming “Taylor is dead!” at her shows:
“can the people who do this please stop. online or at my shows. it is the opposite of what i want and it disturbs me that anyone would think there is room for this in the community. i will… pic.twitter.com/cRSFkAqGxb
Omar Apollo ha ido teniendo cada vez más influencia, y su público no ha dejado de crecer desde que publicara ‘Ugotme’ en 2017 (con una “leyenda urbana” que, como nos confirma en esta entrevista, no es tal). Pudimos charlar con él a su paso por el Primavera Sound con la intención de saber qué nos trae en ‘God Said No’, su segundo largo. Lo cierto es que la charla fue un poco extraña, suponemos que consecuencia de esos slots en los que le vienen varios periodistas seguidos sin tiempo para formar vínculo con ninguno de ellos.
En algunos momentos, Omar sí que parecía cómodo e incluso hacía alguna broma, pero en otros, se distraía viendo el concierto que estaba teniendo lugar a unos metros (Ethel Cain, tampoco podemos culparle) o incluso mirando el móvil, divagaba en las respuestas o, en fin, daba la sensación de no saber muy bien qué plantea con su nuevo disco. Esperemos que su lanzamiento este 28 de junio nos haga cambiar de opinión. Mientras tanto, en esta charla nos da algunos detalles sobre ‘God Said No’, a la vez que le preguntamos por otros temas como colaboraciones, el #1 de ‘The Miseducation Of Lauryn Hill’ en la lista de Apple Music (uno de sus discos favoritos) o el compromiso/presión de los artistas frente al genocidio de Israel en Palestina.
Comenzamos hablando de cómo dos de sus discos favoritos, ‘The Miseducation of Lauryn Hill’ y ‘My Beautiful Dark Twisted Fantasy’, están en altas posiciones (el de Lauryn directamente el #1) de la mencionada lista: “(“The Miseducation”) es un disco estupendo, yo hablo con artistas todo el tiempo, y muchos de ellos aman ese álbum… la posición corresponde con el momento actual, es una opinión muy de 2024”.
Omar tiene una anécdota parecida a la de Madonna y sus 35 dólares en cuanto al inicio en la música y, lejos de ser una leyenda urbana, nos la confirma: “estuve subiendo música gratis a Soundcloud durante un año, quizás menos, y un amigo me convenció para subir también a Spotify. Le dije que no sabía y me dijo que él me enseñaría, que costaba 30 dólares. Yo le dije que no tenía, así que me lo pasó por CashApp, y la subí. Y, con el tiempo, pude pagarle”. También con el tiempo, ese Omar se ganó a la crítica con ‘Ivory’, su primer largo, que llegó a descartar para empezar de nuevo el disco, algo que asegura no haberle pasado aquí, “estaba bastante seguro desde el principio, tenía mucha seguridad en la composición y en mi voz”.
Sin embargo, aunque esa seguridad en sí mismo la notamos, no la vemos a la hora de defender las ideas de su álbum. Al preguntarle si el título (‘God Said No’) implica que hay una presencia de la religión en las letras, nos dice que él no es una persona religiosa (“creo en Dios, pero no en las religiones”), y, después de aclararle que nos referimos a las letras, no a él, nos comenta que el título simplemente “le gustaba” porque “quedaba bien”. Y un poco lo mismo con la portada: “solo cogí la foto que más me gustaba”.
Apretando un poco las tuercas conseguimos obtener que “bueno, la contraportada es como una versión más pequeña de mí y la portada lleva unos pendientes carísimos, sin camiseta debajo, es como un reflejo de cómo ha cambiado mi música”. Todo esto mientras se va quedando embobado con la actuación de Ethel Cain, hasta el punto de interrumpir nuestra siguiente pregunta para comentar que Ethel lleva una camiseta que pone «Palestina». Esto último nos lleva a preguntarle si siente que los artistas tienen una presión para no posicionarse con lo que está ocurriendo: “quien la tenga quizás es tonto. Porque es un poco obvio: ¡es un genocidio, venga ya! Y si somos artistas es también para pronunciarnos sobre cosas así…”, nos dice antes de volver a mirar a Ethel.
Nos lo ganamos un poco cuando sacamos la curiosidad de que una de las ediciones especiales de su disco lleva de regalo un condón que lleva impreso el título (recordemos, ‘God Said No’): “eso fue idea mía”, me dice entre risas, “me pareció muy gracioso, de pequeño me decían que no tuviese relaciones prematrimoniales, así que pensé que era gracioso que saliese esa frase en un condón”. Pero le volvemos a perder al preguntarle por colaboraciones (gustaron las que tiene con Kali Uchis, y en ‘God Said No’ hay otra con Mustafa): “no tengo en mente hacer más colaboraciones, ya tengo en mi vida a las personas que quiero”, zanja con firmeza, “no miro una colaboración como algo comercial, sino como algo artístico, yo creo que tienes que tener una relación muy cercana con un artista para colaborar con él, ser amigos. Salvo que me den mucho dinero”.
Es inevitable, y más con esa última frase, preguntarle por su colaboración con C. Tangana (cuando salió ‘Te Olvidaste’, no se conocían de nada): “pues hace mucho que no sé de él, espero que esté bien… me gusta toda la música que está sacando”, nos dice del autor de ‘Estrecho/Alvarado’. ¿Algún otro artista español que le guste? “BB Trickz me gustó mucho, actuó ayer”.
Se sabe poco del nuevo disco, y Omar tampoco suelta prenda, aunque sí se pronuncia sobre sus canciones favoritas (‘Driftin», ‘Glow’, ‘Whiie U Can’ y ‘Less Of You’), y nos confirma que Pedro Pascal “está” en ‘Pedro’, de la que tanto se ha especulado estas semanas. ¿Te preguntas de qué manera “está”? Yo también, pero “prefiero esperar a que salga, y no decirlo antes… le pedí que hiciera una cosa”, nos dice del actor de ‘The Last Of Us’. Omar no ha visto ‘Extraña forma de vida‘, pero tiene muchas ganas, porque “me encanta Pedro Almodóvar”.
Alguien ha considerado que era buena idea preguntarle a Azealia Banks en X qué opina sobre la colaboración de Charli XCX con Lorde, que ha sido nuestra Canción del Día este sábado. Y ella ha respondido.
La rapera dice que no cree en la honestidad de las colaboraciones de Charli XCX con otras mujeres, considera que son “falsas” en su objetivo de sororidad, pero afirma que Charli XCX es más talentosa que todas las artistas con que está colaborando. Y ha cargado especialmente contra Lorde, de la que ya había hablado mal, a través de varios tuits.
Azealia Banks ha dicho que lo que hace Lorde no es “música de verdad” cuando se lo han indicado. En concreto ha respondido: “”Leslie Feist es música de verdad. ‘Ultraviolence’ de Lana del Rey es música de verdad. Kelsey Lu hace música de verdad. La extraña y artificial pronunciación de las palabras de Lorde y su cara de tener 50 años no son música real”.
Además de cargar contra su pronunciación de palabras, en contraposición a la evolución de SZA, Banks cree que Lorde no tiene talento. “Lorde es una mujer blanca normal y corriente PREFABRICADA de mala manera que se exporta de Nueva Zelanda. Lana del Rey (cuando no está haciendo mierda campesina random) es una ESTRELLA meticulosamente creada, sensual, decadente en lo cultural y profunda en lo musical”.
Y ha continuado: “Lorde no es enigmática en su propia feminidad, ni tiene particularmente el suficiente talento para ser recordada. Simplemente es blanca, con un montón de dinero de hombres blancos detrás, que la van a posicionar para poder recuperar su dinero invertido”.
En otros polémicos tuits, Azealia Banks ha escrito que la industria se está preparando para sustituir a Taylor Swift por Sabrina Carpenter, ha dudado de que Arca sea realmente trans más allá de su performance y ha hablado bien de Rosalía.
Leslie Feist is real music. Lana Del Reys Ultraviolence is real music. Kelsey Lu makes real music. Lorde’s weird contrived warbly pronouncement of words and 50 year old face is not real music. Sza used to do that bootleg folk singer thing with pronouncing words and im soo glad https://t.co/1I4jdwpaNz
She stopped because now i really enjoy Sza’s new music. Lorde is a poorly MANUFACTURED random, commoner white female New Zealand export. Lana del Rey ((when shes not doing random hillbilly shit) is a meticulously CRAFTED, sensual, culturally decadent, musically profound, STAR.
Lorde is not enigmatic in her own femininity, nor is she particularly talented enough to be remembered. Shes just white, – with white mens money behind her… who are for sure going to position her so they get a return and profit on their investment.
Kali Uchis ha dado un sorpresón a sus fans más leales. La reluciente ‘Never Be Yours’, lanzada originalmente en 2012, nunca había sido publicada de manera oficial hasta ahora. Menos mal que la cantante de ‘Orquídeas’ le ha quitado el polvo, porque es un temazo y nuestra Canción del Día.
‘Never Be Yours’ estaba incluida en la mixtape ‘Drunken Babble’, publicada en 2012 a través de Datpiff de manera gratuita. De hecho, algunos fans piensan que la salida del single podría significar una regrabación completa del proyecto. Este cobró notoriedad entre los fans de la colombo-estadounidense después de cantarla en el podcast Kinda Neat en 2014. Además, usó una versión alternativa del beat en la canción ‘Lottery’ de su primer EP, ‘Por Vida’.
Musicalmente, ‘Never Be Yours’ es un R&B de ensueño, plagado de brillitos, campanitas y vibes veraniegas. La letra es full Kali Uchis, con la artista cantando que «ir a clase, besarme el culo» te dará «buena suerte».
Uchis no ha lanzado la versión de 2012 tal cual, sino que ha reemplazado la grabación original con su madurada voz y ha dado un sutil lavado de cara al beat. En este, la melodía principal de ‘Oh Honey’ (1977) del grupo de funk y soul Delegation estaba sampleada de forma más protagonista. En la versión de 2024, aparece en momentos puntuales, consiguiendo un resultado más profesional, pero igual de disfrutable.
No son buenos tiempos para la comedia televisiva en Estados Unidos. Desterrado prácticamente el formato sitcom y recién finalizados grandes clásicos modernos como ‘Curb Your Enthusiasm’ o ‘La maravillosa Sra. Maisel’, hay tanta escasez de buenas series cómicas que acaban ganando premios Emmy y Globos de Oro comedias que en realidad no lo son, como de ‘The Bear’. El panorama es tan desolador que ha propiciado el regreso de ilustres veteranos como ‘Frasier’ o Jerry Seinfeld (‘Sin edulcorar’), con resultados bastante discretos.
Menos mal que nos queda ‘Hacks’ (Max). La tercera temporada de nuestra serie preferida de 2022 sigue rayando a un nivel altísimo. La pareja, sentimental y creativa, formada por Lucia Aniello y Paul W. Downs (él también actúa, es el manager Jimmy) ha encontrado un hilo narrativo del cual tirar tras haber dejado la segunda temporada aparentemente cerrada: la espina clavada que tenía el personaje de Deborah Vance por haber fracasado de joven como presentadora de late night, un formato dominado desde siempre por los hombres. Ahora el reto es doble: por ser mujer y por ser mayor.
El peso cómico y dramático de la serie sigue sustentado en la relación entre los personajes de Deborah y Ava. Sin embargo, no se repite la misma dinámica basada en el antagonismo, en el choque cultural y generacional. La relación ha evolucionado. Es más compleja: una mezcla de amistad, sororidad, conexión humorística, admiración mutua e interés profesional. Una complejidad que pone de manifiesto uno de los puntos fuertes de la serie: Deborah y Ava son dos de los personajes mejor escritos de la ficción televisiva actual. Y tanto Jean Smart como Hannah Einbinder (quien acaba de estrenar en Max el especial de stand up ‘A tomar viento’) lo siguen bordando.
Esta tercera temporada comienza adoptando los códigos de la comedia romántica: el resquebrajamiento de un amor y el redescubrimiento de una amistad, la ruptura y el reencuentro. Luego, evoluciona hacia la comedia de corte social y político, con ramificaciones hacia lo familiar: las tensiones dramáticas y humorísticas generadas por la ambición profesional, por los intentos de una cómica septuagenaria de romper el techo de cristal.
A partir de esos dos impulsos narrativos, la serie ironiza con gran ingenio sobre temas como la meritocracia, la competitividad o la fama (de la iconicidad gay a la cultura del sí), reflexiona con agudeza y frases para enmarcar sobre la vejez, las relaciones sentimentales o la responsabilidad moral del humorista, explora los entresijos y las cloacas glamurosas de la industria del entretenimiento, y lanza una batería de gags, sobre todo verbales, más brillantes que todas las joyas que se quita Deborah en el quinto episodio.
La serie incluye la aparición de actores invitados como Helen Hunt, Christopher Lloyd o una divertidísima Christina Hendricks, un signo evidente de la consolidación de la serie, cuya cuarta temporada ya está confirmada. ¿Se llevará este año por fin el Emmy?
A AURORA le “cambió la vida” leer una carta escrita por un grupo de personas indígenas que pedía una “revolución” para combatir el cambio climático, una “respuesta colectiva” dirigida a “sanar la tierra” a través de “nuestros corazones”. El título de ‘What Happened to the Heart?’, el nuevo disco de AURORA, implica precisamente que algo se ha perdido por el camino, que el ser humano va a seguir estando perdido, cuanto más desconectado de su origen, es decir, de la naturaleza. Es un mensaje importante y necesario, que AURORA va plantando a través de los 16 cortes de este nuevo trabajo.
Uno de los temas recurrentes en ‘What Happened to the Heart?’ precisamente es el de la desconexión entre cuerpo y alma. En ‘To Be Alright’, AURORA se pregunta “qué valor tiene la vida si no puedes bailar, si no puedes sangrar”. En ‘My Body is Not Mine’ ni siquiera siente su propio cuerpo. Y en ‘Some Type of Skin’ predice a Billie Eilish cuando pide: “Hit me hard where I am soft”.
El trauma generacional (‘Invisible Wounds’), la amenaza de la propia familia (‘The Conflict of the Mind’) o el rechazo a la vida moderna (‘Starvation’) son otros temas que atraviesan las canciones del nuevo disco de la cantante noruega autora de ‘The Gods We Can Touch‘ (2022). En especial, su preocupación por la muerte marca el camino de manera inolvidable.
Lo hace desde el inicio. En la majestuosa ‘Echo of My Shadow’, AURORA encuentra la paz en su propia muerte: “Jóvenes montañas, viejos ríos, les dejaré que se transformen en mí”, canta. Y en la folk ‘Earthly Delights’ pinta la inmortalidad de condena, dibujando una escalofriante retrato de la mortalidad: “Cuando el tiempo al fin me consuma, rota e impía, deja que mi cuerpo vague, lejos de aquí”.
El discurso de AURORA es rico y su forma, poética. Su voz sigue siendo asombrosa. En lo musical, ‘What Happened to the Heart?’ no se desvía de ese sonido de pop épico y barroco que nos ha enamorado de AURORA. Es continuista -no demasiado evolucionado- aunque enriquecedor y grato de escuchar en el mejor de los casos. En el peor, el tracklist habría agradecido tijera sobre todo en la segunda mitad.
A AURORA le siguen plagando los katebushismos de siempre, aunque en ‘To Be Alright’ le sale una canción que compite por ser la mejor de su carrera. En ‘Your Blood’ deja entrar la luz para facturar un “stomper” folk-pop de los buenos y su mensaje “me niego a morir”, inspirado en la guerra de Gaza, no puede ser más relevante. Y en el saco de las baladas brilla el dream-pop folk de ‘The Conflict of the Mind’ porque si algo sabe AURORA es escribir una melodía que se te mete debajo de la piel.
Después ni recordar a Florence, o a Siouxsie, o evidentemente a Kate Bush o a Björk, salva a AURORA de meterse en un interminable valle compositivo, en una segunda mitad en la que los singles aptos para el público general escasean sobremanera. Ni el banjo sin alma de ‘A Soul with No King’, ni la narcotizada colaboración con Ane Brun en ‘My Name’, ni la familiaridad excesiva de ‘Do You Feel’, consiguen evitar el tedio. Y aunque el ritual de ‘Starvation’ se adapta al personaje, su mensaje “cuando la web caiga, ¿será nuestra vida mejor?” roza la anti-modernidad. Ella está preocupada porque “la IA está reemplazando el arte, el arte está siendo sustituido por ordenadores”. ¿Debe cundir el pánico?
Pero la gran sorpresa de ‘What Happened to the Heart?’ la pone una de sus pistas finales. ‘My Body is Not Mine’ es IDM adaptado a la sensibilidad de AURORA, una producción mecánica y bailable que se desahoga en un final catártico. No le pedimos a AURORA que haga un disco dance, pero la sensación de continuismo en ‘What Happened to the Heart?’ es demasiado evidente como para no subrayarla. Eso sí, cuando se pone existencialista, a reflexionar sobre la vida y la muerte, o cuando se pone a cantar como si literalmente se hubiera arrancado el corazón del pecho, no hay quien le tosa.
Charli xcx ha lanzado el esperado remix de ‘girl, so confusing’ con Lorde, titulado al más puro estilo Charli: ‘The girl, so confusing version with lorde’. En la nueva versión, ambas divas tienen una conversación entre ellas sobre su relación a lo largo de los años, y es más profunda de lo que todos esperábamos.
Desde la salida de la canción original, se ha especulado mucho con la idea de que esta estuviese dirigida a Lorde, y este remix es prácticamente una confirmación de ello. «Honestamente, me quedé sin palabras / Cuando me desperté con tu nota de voz / Me dijiste como te habías sentido / Vamos a solucionarlo en el remix», cuenta Lorde al iniciar su explosivo verso e imitando el estilo de Charli a la perfección.
Entre otras revelaciones, Lorde confiesa que ha estado «en guerra» con su cuerpo durante los últimos dos años y que ha estado «atrapada en el odio» a Charli. Sin embargo, también admite que «no pensé ni por un segundo que mi voz estaba en tu cabeza». El verso, tan tierno como cunty, termina con ambas cantantes dándose la mano: «Olvidé que detrás del icono todavía hay una niña pequeña de Essex».
También se rumorea con el próximo lanzamiento de una tercera versión de ‘BRAT’, solo de remixes, a partir de unos carteles en el minimalista estilo del disco en el que simplemente se lee «hay tres» sobre un fondo blanco.
Charli XCX’s ‘brat’ mural has been painted over with “there’s three” being the only remaining text. pic.twitter.com/LL6iK8ZpGU
Coldplay ha lanzado finalmente el primer single de ‘Moon Music’, la azucarada ‘feelslikeimfallinginlove’. El disco, que sucederá a ‘Music of the Spheres’, estará disponible el próximo 4 de octubre.
‘feelslikeimfallinginlove’ es otra colaboración con el gigante del pop Max Martin, que ya trabajó con la banda inglesa en su anterior álbum. Y así suena. Sin ningún elemento sorprendente, el último adelanto de Coldplay es una canción de pop rock con toques electrónicos sobre enamorarse, no como si fuera la primera vez, sino «quizás por primera vez». También siguen construyendo canciones pensadas para hacerse en directo, con esa parte final tan «sing along friendly».
Aunque la melodía es de las que no cuesta nada escuchar, en parte porque la hemos oído mil veces, lo peor de ‘feelslikeimfallinginlove’ es lo predecible que es. Por desgracia, escuchar la canción hasta el primer estribillo es como haberla escuchado entera. Teniendo en cuenta la presencia del productor sueco, es posible que el resto de temas de ‘Moon Music’ tomen el mismo camino que este, pero quién sabe. Quizás Coldplay sean capaz de sorprendernos de nuevo.
Recordamos que Coldplay continuará con su compromiso ecológico tanto con los vinilos como con los CD’s de ‘Moon Music’, que se fabricarán con material reciclado.
Karol G ha inaugurado el verano con ‘Si Antes Te Hubiera Conocido’, que tiene todas las papeletas para convertirse en una de las canciones de la temporada.
Producida por la propia Karol, Sky Rompiendo y Edgar Barrera, ganador de 21 Grammys Latinos y 1 Grammy, ‘Si Antes Te Hubiera Conocido’ pretende transportarte al Caribe con un nostálgico ritmo de merengue que sirve tanto para cantártela a gritos en el karaoke como para bailártela en el centro de la pista.
Sobre una amable melodía que suena a puro sol, la colombiana canta sobre un amor que nunca pudo ser: «¿Qué hubiera sido? / Si antes te hubiera conocido / Seguramente estarías bailando esta conmigo». La autora de ‘Mañana Será Bonito’ pone su toque característico en el giro sano de la letra. Aquí la Bichota no le desea lo peor a la novia de nadie, sino que admite que «me pone celosa» y que «es hermosa».
De hecho, después de enumerar todas las cosas en las que supera a la pareja de su deseado chico, cae en la cuenta de que no le importa compartir: «Con estas ganas que tengo yo / Me atrevo a comerme a los dos». Ante todo, buen rollo.
En el videoclip, naturalmente ambientado en la República Dominicana, Karol G hace de la típica camarera que le tienen que sacar a rastras a cantar, pero que en realidad tiene una voz angelical. Un clásico que nunca falla.
Con motivo de su próxima gira norteamericana, el ‘Short n’ Sweet Tour’, Sabrina Carpenter ha anunciado la colaboración con la que cualquier gran fan ha soñado alguna vez. De esta forma, aquellas personas que más escuchen a Carpenter en Spotify podrán recibir acceso exclusivo a las entradas de su próxima gira, entre otras cosas.
Esto es el primer paso para que todos los artistas empiecen a priorizar a sus mayores fans y darles ventajas de cara a los conciertos que se celebren. Spotify lanzará dos preventas exclusivas para los top listeners de algunos mercados seleccionados. Así, estos recibirán acceso exclusivo a los mejores asientos para cada fecha.
Recientemente, Sabrina también visitó BBC Radio 1 para realizar una versión desnuda de Chapell Roan y su ‘Good Luck, Babe!’. Carpenter mostró su preciosa voz al natural, que suena incluso mejor que en las versiones de estudio. Por supuesto, tampoco falló en cantar ‘Please Please Please’, que actualmente ocupa el número 1 en el Top 50 Global de Spotify y el número 2 en el Hot 100. Esta semana también lanzó la versión acústica, disponible en todas las plataformas.
Amaral han publicado al fin el primer adelanto de su próximo disco. Se trata de una canción que aboga por la libertad, un medio tiempo marcado por el uso de vientos metal. La propia nota de prensa defiende la influencia del reggae y el hip hop en su ritmo. Eso sí, no se pierde el sonido de los Amaral más clásicos en cuanto a melodía. ‘Rompehielos’ es nuestra Canción del Día hoy.
La letra habla de «vivir hasta la última consecuencia, amar sin límites y sin reglas». También hay un guiño feminista y quizá a la mal llamada generación de cristal: “Te dirán que estás chalada, que no llegarás a nada, que pareces enfadada y sonriendo estás más guapa”. Se construye así una de sus canciones con más vocación de himno, y sin la energía o los bpm’s de ‘Revolución’.
Oficialmente «Rompehielos propone despojarse del miedo a no ser aceptada frente a los juicios de los demás. Tallar la piedra y quitar todo lo que no aporta, abriendo camino».
En 2023, Amaral estrenó otro tema inédito en directo llamado ‘Ahí estás’. Se desconoce si este tema finalmente formará parte del próximo álbum de Eva y Juan. El último lanzamiento de Amaral ha sido un single en homenaje a ‘ZGZ‘.
El último álbum de Amaral, ‘Salto al color‘, data de 2019. Próximamente, Amaral actuará -entre otros festivales- en Río Babel compartiendo cartel junto a La Oreja.
Unos días después de estrenar su nuevo single ‘Nanai’, una de las canciones más experimentales de su carrera, Amaia anuncia nuevo show. Se llamará ‘si abro los ojos no es real’. Como avanza la nota de prensa se trata de su «próxima era: nuevo show, nuevo repertorio, ¡nuevo disco! El tercero de una trayectoria personal e intransferible».
De momento se han anunciado los primeros conciertos: uno el 23 de febrero de 2025 en el Wizink Center de Madrid, del cual JENESAISPOP será medio oficial, y otro en el Sant Jordi Club de Barcelona el 21 de febrero. La preventa de la gira para el concierto de Madrid estará disponible a partir del 25 de junio y la venta general a partir del 27 de junio en lasttour.org. Actualización: debido a la alta demanda, Amaia añade otro concierto en el Sant Jordi Club de Barcelona el 22 de febrero.
En cuanto a Barcelona, las entradas están a la venta en baila.fm a un precio de 30 € más gastos de distribución en la preventa de la artista a partir del 25 de junio a las 12:00 y en venta general a partir del 27 de junio a las 12:00
Con la teoría de que una “skin routine” va a funcionar mejor en Instagram que fomentar el pensamiento crítico a pelo, Rodrigo Cuevas se ha puesto una crema en un Reels mientras daba su opinión sobre la nueva visita de Milei a España. En ella, Ayuso condecorará.
Cuevas califica a ambos como “malas personas”: a él le llama «el mayor fascista que hay ahora, aunque van cambiando» y a ella la considera «una jefa de las malas personas». Cuevas anticipa que van a luchar entre sí “a ver quién rompe más barreras diciendo subnormalidades. Cosas gordísimas que no les caben por la garganta, cosas que ni ellos mismos se creen, cosas que si ellos llegaran a presenciar, se horrorizarían. (Y lo hacen) para enfadarnos, para que vayamos corriendo al Instagram y Twitter y les hagamos trending topic, porque viven de eso. Viven de ser trending topic, de enfadarnos, de enfrentarnos”.
El artista hace un “shade” aún mayor a Inés Arrimadas de Ciudadanos, refiriéndose a ella como “aquella señora que nadie va a recordar cómo se llamaba, y que está en la absoluta irrelevancia”, por aquella vez que “fue a Vic a hacer política sucia”. Fue en 2019. Pero lamenta que no se salió a la calle para protestar lo suficiente.
Anima a la gente: «¿No sería increíble que estos no fueran TT mañana? Sería ideal, y que en vez de eso nos politizáramos de verdad. Politizarse no es escribir algo en Twitter ni odiar el pescadero porque no se haya posicionado lo suficiente. Politizarse es lo que más odiaría esta gente. Que nos asociemos, que nos metiéramos en las asociaciones que defienden nuestros barrios de especulaciones, que acogen a personas racializadas, que acogen a personas en situación irregular, que nos organicemos en el día a día, que dediquemos parte de nuestro tiempo a organizaciones que luchen de verdad contra el fascismo”.
Rodrigo Cuevas publicó uno de los mejores discos de 2023, ‘Manual de romería‘. Ya entonces nos dejaba el titular durante una entrevista «Todo es política, incluso la diversión; el silencio también es político».
Hoy se publican nuevos discos de Kehlani, Gracie Abrams, Kate Nash, Peso Pluma, Ptazeta, Kygo, Linda Thompson, Alexxandra y King Krule (EP). De todos ellos podéis escuchar un pequeño fragmento en nuestra playlist de novedades Ready for the Weekend.
Por otro lado, hay nuevos singles de grandes artistas internacionales como Coldplay, Karol G, Camila Cabello o Kali Uchis. Charli XCX estrena remix con nada menos que Lorde, y por si no tenéis suficiente con eso, Mura Masa tiene pepinaco con yeule y TSHA con Rose Gray.
Recomendamos especialmente los temas de Ezra Collective, The Softies, Beach Bunny, Maeta, Lauren Watkins, Cold Cave y The Japanese House, entre otros. Yenesi nos aporta esta bonita portada.
En España es un día especialmente relevante porque llegan nuevos temas de Amaral, León Benavente, Russian Red, Mujeres con La Élite, nudozurdo con Alondra Bentley y Kora, caracazador, Aiko El Grupo y San Tosielo con Toldos Verdes, entre muchos otros.
Michael Fellow y Jonathan Hadden, que denunciaron a Madonna a principios de año por «incumplimiento de contrato, publicidad engañosa, tergiversación negligente y prácticas comerciales desleales y engañosas» tras llegar tarde a sus conciertos, han retirado la denuncia.
Según TMZ, han sido los propios denunciantes los que han echado atrás la demanda, por razones desconocidas. También se ha revelado que estos no llegaron a ningún tipo de acuerdo con la cantante, pese a que en una situación como esta es normal que ocurra esto. De media, la autora de ‘Music’ tardaba entre 45 y 120 minutos de más en salir al escenario, una constante desde su gira de 2012, ‘MDNA Tour’.
NxWorries nos regala el segundo capítulo de su discografía justo donde ‘Yes Lawd!’ (2016) lo dejó. Ocho años y muchísima música después, Anderson .Paak y Knxwledge se han vuelto a juntar para darnos… ¿más de lo mismo? Sí y no. Sí porque ‘Why Lawd?’ sigue los derroteros musicales de su predecesor sin apenas cambios: brillantes y dulces beats de neo soul y R&B, samples setenteros (en su mayoría) y loops que querrías hacer eternos. No porque, y solo hay que fijarse en el contraste de títulos, mientras que ‘Yes Lawd!’ era un disco de celebración, este es de arrepentimiento.
Tanto Knxwledge como .Paak han crecido y madurado, y se nota. Este último acababa de cumplir los 30 cuando salió el primer LP y ahora está cerca de los 40. Es más sabio. Esto se refleja en el gran enfoque temático del disco, que es la ruptura con su propia esposa, con la que llevaba casado 13 años. La inmensa mayoría de canciones al menos referencian la situación, si no tratan el tema directamente, así que aunque .Paak haya solicitado el divorcio el pasado enero, está claro que llevan separados un tiempo. Según TMZ, ni siquiera él conoce la fecha de separación, escribiendo un «TBD» (to be determined) en el documento legal.
NxWorries son los únicos que pueden construir un relato tan doloroso, plagado de sentimientos negativos, con un sonido tan buenrollero. El disco comienza con .Paak realmente enfadado en ‘Keep Her’, un corte que de no ser por la letra sería perfecto para crear bebés: «No te ves bien en ese Honda, puta / Deberías estar conmigo», canta claramente dolido. El integrante de Silk Sonic se va relajando según avanza el disco, pasando por la inseguridad y la duda de la magnífica ‘FromHere’ («¿A dónde voy ahora?») hasta terminar tomando responsabilidad y admitiendo su arrepentimiento en los últimos temas. «Es el tipo de dolor que los analgésicos no curan, voy a tener que cambiar», canta en la encantadora y breve ‘NVR.RMX’.
Ojo, que aunque .Paak esté jodido, no pierde el humor ni la ironía. Como en ‘HereIAm’, cuando cuenta que su propia madre le llamó «estúpido» cuando le dio la noticia («Eres un tonto por ir y arruinar una cosa buena»), o como en la ligerísima ‘SheUsed’, en la que un Anderson .Paak con el tono subido canta que «todo esto puede pasarle factura al corazón» solo para aclarar que «no hago esto por mi salud». Por cierto, con la outro más celestial del disco.
Todos los años que han pasado hasta este disco también se refleja en las propias canciones. En ‘Yes Lawd!’, muchos cortes se sentían como bocetos inacabados de algo mayor. En este segundo intento las canciones se sienten completas y robustas, con la excepción de los temas más cortos, que cumplen su propósito a la perfección y no necesitan nada más. ‘DistantSpace’, por ejemplo, es tan breve como preciosa.
Para cuando llega la pegadiza ‘WalkOnBy’, con una sorprendente aparición de Earl Sweatshirt, .Paak ya lo ha comprendido todo, y así lo refleja el tono de la canción, que pasa por superar la situación con su exmujer («Nah, no lloro / Es triste pero a veces pasan estas cosas») hasta abordar problemas más grandes («Cuando me preguntan que tal estoy me siento culpable / Negros muriendo, mientras yo me lo paso como nunca»).
Donald Sutherland, considerado una leyenda del cine por sus actuaciones en ‘MASH’, ‘La invasión de los ultracuerpos’ o ‘Los Juegos del hambre’, ha fallecido a los 88 años. Así lo ha anunciado su hijo Kiefer Sutherland, también actor, en redes.
«Con una gran tristeza, os cuento que mi padre, Donald Sutherland, ha fallecido. Personalmente pienso que es uno de los actores más importantes en la historia del cine. Nunca le ha intimidado un papel, ya sea bueno, malo o feo. Amaba lo que hacía y hacía lo que amaba, y nadie puede pedir más que eso. Una vida bien vivida», publicaba su hijo Kiefer esta tarde en Instagram.
Queen han llegado a un acuerdo con Sony Music y han vendido todo su catálogo por la inmensa cantidad de mil millones de dólares, convirtiéndose en la mayor adquisición de este tipo de todos los tiempos.
Según Variety, el trato incluye toda la producción musical de la banda inglesa, además del merchandising y otras «oportunidades de negocio». Lo único no incluido en el contrato será lo generado de futuras actuaciones en directo.
La cantidad del acuerdo supera a la del catálogo de Bruce Springsteen en 2021, que lo vendió por 500 millones de dólares también a Sony. La multinacional también tiene en su poder toda la música de Bob Dylan y pretende hacerse con la mitad de la discografía de Michael Jackson, valorada en 600 millones de dólares.
Solo unos días después del arresto de Justin Timberlake, Travis Scott es arrestado en Miami por «ebriedad y alteración del orden público» e «invasión de propiedad privada».
El artista de ‘UTOPIA’ fue llevado a comisaría alrededor de las 4:30 de la mañana. Según el Daily Mail, el rapero pagó una fianza de 650 dólares, de los cuales 500 son por colarse en una propiedad privada. Según el informe obtenido por Pitchfork, los agentes acudieron por un altercado en un yate en el puerto deportivo de Miami. Estos vieron al rapero gritar a gente del yate y aseguraron que pudieron notar «un gran olor a alcohol proveniente del aliento de Scott».
Al hablar con los implicados, los agentes procedieron a echar a Travis del yate, ya que no hubo deseo de presentar cargos. Sin embargo, mientras este se alejaba, «iba gritando obscenidades a los ocupantes del crucero». Cinco minutos después, Scott volvió a causar escándalo en el puerto. Fue trasladado al centro más cercano y admitió haber bebido alcohol, supuestamente exclamando: «Es Miami».
Kendrick Lamar se dio un baño de masas anoche en el Kia Forum de California, en el que presentó el show especial ‘The Pop Out: Ken & Friends’, anunciado con dos semanas de antelación. Lamar y los suyos -Dr. Dre, Tyler, Steve Lacy, Black Hippy y muchos más- celebraron su victoria en el beef contra Drake cantando ‘Not Like Us’ seis veces seguidas en la noche de Juneteenth, que conmemora la liberación de los esclavos afroamericanos.
El evento fue retransmitido por Twitch y Amazon Prime, pero ya no estaría disponible para su reproducción. La noche se sintió como una unificación de la costa oeste, con varios líderes de bandas callejeras en el escenario juntos por una única razón: su odio a Drake. «No sabéis lo que esto significa», dijo un emocionado Kendrick por la proeza de juntar a todas esas personas en el mismo escenario.
Antes del turno de Kendrick, Mustard, productor de ‘Not Like Us’, hizo una exhibición de los cientos de hits que tiene en su catálogo e invitó a una serie de pesos pesados al escenario. Entre estos, Tyler, the Creator y Steve Lacy, que cantaron sus imprescindibles ‘EARFQUAKE’ y ‘Bad Habit’, respectivamente.
Kendrick comenzó su set con ‘euphoria’, consiguiendo una reacción ensordecedora del público. Este, vestido con una sudadera y una gorra rojas como Tupac en 1994, también desplegó sus mayores éxitos, como son ‘DNA.’, ‘ELEMENT’, ‘Alright’ o ‘HUMBLE’. Con la excepción de ‘meet the grahams’, que hubiera sido demasiado, Lamar cantó todos los disses al canadiense.
Uno de los momentos más memorables se produjo con la salida de Dr. Dre, con el que cantó los clasicazos ‘Still D.R.E.’ y ‘California Love’, antes de que el mítico productor introdujese la primera ‘Not Like Us’: ‘Pssst, I see dead people’. Después, Lamar la cantó cinco veces más. Una con Dre, dos él solo, otra con Mustard y otras dos veces con todo el mundo en el escenario.
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