Ha pasado ya muchísimo tiempo desde que SZA hablara por primera vez de ‘Lana’, la supuesta edición deluxe de su aclamado ‘SOS’. Pero, por más que suceden los meses, SZA todavía no ha anunciado oficialmente su lanzamiento. Eso podría cambiar muy pronto (o, por lo menos, todo apunta a ello).
Aunque SZA siempre se había referido a ‘Lana’ como la edición deluxe de ‘SOS’, la artista ha desvelado que el proyecto ha ido evolucionando hasta tomar su propia forma. Esto podría significar que ‘Lana’ acabe siendo un disco hermano de ‘SOS’ (como lo fue ‘evermore’ para ‘folklore’), pero ella sigue considerándolo hasta el momento una edición deluxe.
No obstante, se trate de una edición deluxe o de su próximo trabajo discográfico, SZA no ha dado muchos más detalles acerca de ‘Lana’… excepto a través de la música. La artista ha compartido en redes sociales el fragmento de una futura canción, en la que se la ve dentro de una tienda de campaña en ropa interior. «F*ck around and die over community d*ck / Never Fight over community d*ck», canta.
Este tema formará parte del proyecto en el que trabaja la autora de ‘Kill Bill’, así como la canción filtrada ‘Diamond Boy’, a la cual la artista ha hecho alusión en los comentarios de Instagram para afirmar que se encuentra en la deluxe que está «a punto de lanzar». También se prevee que incluya su reciente lanzamiento ‘Saturn’.
Lo cierto es que se esperaba que ‘Lana’ fuese publicado durante el pasado otoño o invierno como parte de la campaña por el Grammy al álbum del año, pero finalmente no fue así y los fans siguen a la espera. Aunque SZA no se hizo con el prestigioso gramófono, sí que ganó en las categorías de R&B por el disco ‘SOS’ y la canción ‘Snooze’.
Madonna ha triunfado a lo grande en Los Ángeles con sus cinco conciertos en el Kia Forum de Inglewood. Pero, para hacer más especial su última noche allí, la artista ha invitado a subir al escenario a Cardi B para ejercer como jueza durante el baile de ‘Vogue’, como ocurre en todos los conciertos de la gira.
Pero, como es habitual, ellas no fueron las únicas que formaron parte de la actuación. La hija de la autora de ‘Hung Up’ formó parte de la actuación, que Madonna y Cardi B acabaron valorando con una nota perfecta de 10. Los jueces invitados de las cuatro noches anteriores fueron Eric Andre, Terri Joe, Ali Wong y Alexa Demie.
Pese a su gira, Madonna también hizo hueco para organizar una de las after-party de la gala de los Oscar. A esta fiesta también acudieron Taylor Swift y su novio Travis Kelce, aunque no hay fotografías de la pareja junto a Madonna debido a que no estaban permitidas las cámaras.
La artista planea cerrar su Celebration Tour con un enorme concierto gratuito en Brasil. Según informan algunos medios como IQ, Madonna quiere dar un concierto gratuito en la playa de Copacabana a finales de este año. Supondrá el final de una gira que empezó en octubre para conmemorar sus 40 años de carrera musical.
🎥| Cardi B joins Madonna on stage during her ‘Celebration’ tour in Los Angeles tonight! pic.twitter.com/fLJKpuSgKn
Ha fallecido Karl Wallinger, músico de los grupos The Waterboys y World Party. Lo hizo el pasado 10 de marzo a los 66 años. Nacido en Gales en 1957, no se han dado a conocer al público las causas de su muerte.
El artista ha sido reconocido por su trabajo en The Waterboys, grupo en el que era teclista, así como en su proyecto en solitario World Party, donde siempre fue el líder. Asimismo, fue el creador de el conocido hit ‘Is It Like Today?’ (1993).
Desde World Party el autor ha publicado nuevos discos hasta el año 2000. Además, ha dedicado parte de su carrera a trabajar como director de la película musical ‘Reality Bites’ y a colaborar en la banda sonora de ‘Clueless’.
Anoche soñé con ‘BYE BYE‘, el single estrella del segundo disco en solitario de Kim Gordon. La co-líder de Sonic Youth, separados y sin ningún plan de volver tras el divorcio de sus miembros principales, se reinventa a los 70 años. Y siento mencionar su edad, pero es que Gordon nos ofrece en esta canción lo que ni artistas de la generación de Kanye West, ni artistas de la generación de Doja Cat están sabiendo hacer: deconstruir los beats del trap, distorsionarlos junto a otros beats, por ejemplo industriales, insertarles unos ramalazos de distorsión guitarrera… por ejemplo para cuestionar ese arsenal absurdo de cosméticos, gadgets, y pastillas para dormir que el mundo nos ha convencido de que necesitamos.
‘BYE BYE’ es una producción vanguardista. Una de las mejores canciones de 2024. En un universo paralelo, ‘THE COLLECTIVE’ es una agrupación que consigue a mitad de esta década de los 20 que aquellos que pueden permitirse el lujo de convertir en éxito cualquier cosa arriesguen un poquito; que dejemos de ser esclavos de las redes sociales; o que al menos nos planteemos huir de la «sobrecarga sensorial» que nos inunda. En ese universo paralelo, este disco logra destruir patrones y derribar fronteras. Consigue que no se vuelva a copiar un beat de trap de manera tan sumamente holgazana en la vida.
Las intenciones de Kim Gordon, en cambio, no han apuntado tan alto al final. Este ni siquiera es su disco de rap, como habían proclamado algunos titulares. Simplemente ha pedido al productor Justin Raisen (Lil Yachty, John Cale, Yeah Yeah Yeahs, Charli XCX, Yves Tumor) que le mandase unos beats para improvisar cosas por encima. Y no porque el currículum de él se prestara a ello, sino porque al fin y al cabo ya había trabajado con él en el álbum anterior.
Esa lista de la anticompra que es ‘BYE BYE’ -ejecutada en el videoclip por su hija Coco- ya la tenía redactada, pero estaba dispuesta a inventarse sobre la marcha otros textos. Sonic Youth, siempre tan inquietos, habían realizado alguna tímida colaboración con el hip hop como ‘Kool Thing‘ con Chuck D tan pronto como en 1990, y ‘I Love You Mary Jane‘ tan pronto como en 1993. Gordon es una gran seguidora de Nas, Schoolly D o Vince Staples actualmente, pero su intención no ha sido la de destruir. Simplemente hacer algo con más beats. Beats que le parecían tan intensos que decidió que las letras tenían que ser más mundanas.
Así, asistimos a una ristra de canciones más o menos impenetrables, que indistintamente se refieren al sexo («bésame» en ‘Shelf Warmer’), a lo cotidiano («Los Ángeles es una escena artística» en ‘Psychedelic Orgasm’) o a la política. La composición más clara, la que puede entender inmediatamente todo el mundo y sin esfuerzo es ‘I’m a Man’. En ella Kim Gordon se pone en boca de un tío, uno salido de otro siglo, que no entiende nada del movimiento generado a su alrededor: «No me digas que soy tóxico, porque simplemente soy como tú, solo que no es mi culpa haber nacido hombre». Más datos: el disco ha salido a la venta exactamente el Día Internacional de la Mujer Trabajadora.
Con otros temas como ‘Treehouse’ dejando más dudas sobre su cometido -aunque hay títulos tan prometedores como ‘It’s Dark Inside’ y ‘Dream Dollar’-, son los ritmos o el contraste entre los mismos con la voz de Kim Gordon, lo mejor de ‘THE COLLECTIVE’. ‘The Candy House’ tiene todo el flow de una producción de Timbaland o Playboy Carti, mientras la toma vocal pasa de lo emocional y trémulo a lo ininteligible. Mi reino porque esto se viralice en TikTok (red mencionada en este disco) y termine entrando en el Billboard Hot 100. ‘I Don’t Miss My Mind’ como producción arrastrada podría ser una respuesta a los Pixies, como ‘Trophies’ a Käärijä. Guitarras y trap vuelven a encontrarse en la casi sexual ‘Shelf Warmer’, mientras una maraña apocalíptica invade la segunda parte de ‘The Believers’. Ojalá esta locura industrial, con su drop y todo, estuviera inspirada en los fans de Justin Bieber.
Hace 74 semanas, Viva Suecia entraron en el número 2 de la lista española con ‘El amor de la clase que sea’. Solo quedaron por detrás de Bad Bunny. Aunque fichados por Universal, el grupo que comenzaba su andadura en Subterfuge no sabía que este iba a ser el disco más exitoso de su carrera. Hoy en día certificado como disco de oro por la venta de 20.000 unidades, el álbum revive una vez más gracias a una edición deluxe. Pero ha vuelto a quedarse sin número 1. El álbum sube del puesto 28 al puesto 2 coincidiendo con su presentación en el WiZink Center de Madrid, con todo agotado con meses de antelación. Y es la tercera vez que les pasa lo mismo.
Los nuevos responsables son Shinova, que colocan su nuevo disco, ‘El presente’, en el número 1 de la lista de Discos española. En parte, gracias a que es número 1 en vinilos. Shinova fueron número 2 con ‘La buena suerte’ en 2021, por lo que este es su primer top 1 en nuestro país. El disco incluye una colaboración de Iván Ferreiro, y singles como ‘Alas’ y ‘Berlín’.
Otras entradas en el top 10 español son ’The Mandrake Project’ de Bruce Dickinson en el número 7 y ‘Retorcidos’ de Sôber en el número 9. En el puesto 15 queda una reedición de ‘Radical Sonora’ de Bunbury, que además es top 2 en vinilos, solo por detrás de Shinova.
Nuestro Disco de la Semana de hace unos días, ‘Balla la masurca!’ de Guillem Gisbert, llega al número 17, lejos de los números 1 a que acostumbraban Manel. Curiosamente eran los mismos Manel quienes dejaban a Viva Suecia sin top 1 en España en 2019 en los tiempos de ‘El milagro’. El disco de Guillem Gibert llega un puesto más alto que ‘Les paraules que triem no dir’ de Els Amics de les Arts (puesto 18).
El actual top 1 en Reino Unido, el disco de Liam Gallagher con John Squire, ha de conformarse con el número 34 en España. Las entradas se completan con ‘Pureza al natural’ de Los Rebujitos en el puesto 55 y la reedición de ‘Celebration’ de Madonna en cuádruple vinilo en el puesto 57. Destacamos la reentrada de Delaporte en el número 98 con ‘Aquí y ahora’ aprovechando su salida en vinilo.
¿Es Mother Mother la nueva superbanda canadiense? Esta pregunta no la hacemos nosotros, sino que la ha planteado recientemente un usuario de nuestros foros. Pero Mother Mother no es una banda «nueva» en absoluto, pues, tras su formación en el año 2005, ha publicado hasta nueve discos. El último de ellos, ‘Grief Chapter’, vio la luz hace escasas semanas.
¿Pero cómo ha logrado Mother Mother doblar en oyentes a Arcade Fire en Spotify? La varita mágica de TikTok es la respuesta. Y es la responsable de que, en los últimos años, canciones como ‘Hayloft’ o ‘Verbatim’ hayan vivido una segunda vida comercial, impensada para el 99% de los artistas que, como Mother Mother, han empezado en la música desde la independencia.
Pero el mérito no es solo de TikTok: las canciones de Mother Mother siempre han sido tremendamente pegadizas. Al quinteto canadiense, integrado por Ryan Guldemond (voz y guitarra), Molly Guldemond, Jasmin Parkin (voces y teclados), Ali Siadat (batería) y Mike Young (bajo), no le asusta un buen gancho. Aunque su fundamento se ubica en el indie-rock, también en ‘Grief Chapter’, disco que Mother Mother estará presentando en España, el día 16 de marzo en el Palacio Vistalegre de Madrid, y 17 de marzo en la sala Razzmatazz de Barcelona. Ryan nos atiende vía Zoom para hablar de los temas que atraviesan ‘Grief Chapter’.
Además, invitamos al concierto de Madrid -junto a un acompañante- a los primeros en enviar un mail a jenesaispop@gmail.com. No olvides indicar tu nombre y apellidos.
¿Cómo hace una banda para llegar a publicar un noveno disco?
¡No te separas! Es el mismo consejo que se le da a la gente que sigue casada, que no se divorcie. El trasfondo de este mensaje es que, aunque llegará un momento en el que querrás romper, en lugar de seguir ese impulso, debes ignorarlo y permanecer unido al grupo. Y después de ese bache encuentras un lugar de nuevos acuerdos. Es así con la banda.
¿Y cómo una banda se mantiene inspirada después de nueve discos?
En la composición de canciones siempre hay cosas nuevas que te pueden inspirar de diferentes maneras. La vida es una fuente de inspiración porque es una locura, es fascinante y maravillosa, realmente. Y, como compositor, me resulta fácil mantenerme inspirado porque la vida me mantiene inspirado. Pero, como grupo, el secreto es cambiar y hacer algo diferente en cada disco.
¿De qué manera el «luto» inspira estas nuevas canciones? ¿O hablan más bien de la vida?
En el disco hablamos de la muerte desde la perspectiva de la vida. El disco lo escribimos en un momento muy bueno en nuestras vidas, y cuando las cosas van bien, empiezas a contemplar el hecho de que acabarán en algún momento, empiezas a reflexionar sobre la mortalidad. Cada día es un día más cercano a la muerte. El disco habla de la relación de la vida con la muerte de una manera global, no se refiere a un luto de manera específica.
¿Por qué tenemos tanto miedo a la muerte? ¿No es más terrorífico darte cuenta de que no has vivido?
En este mundo vivimos engañados llevando una vida en este mundo que no tiene que ver con nuestras pasiones ni nuestros intereses. Esa es una parte del puzzle. Pero creo que el motivo principal de ese miedo a la muerte es que estamos tremendamente desconectados de la naturaleza. Y la muerte es una parte natural del ciclo de la vida. Cuando todo muere, el ciclo de la vida empieza de nuevo. Los árboles caen el suelo, después son absorbidos por la tierra, bla bla bla… Con los seres humanos pasa lo mismo, morimos, nos convertimos en polvo y a través de ese polvo regresamos a la sopa cósmica. Pero no pensamos la vida en estos términos. Nos hemos divorciado demasiado de la evolución y del ciclo natural. Pensamos que somos muy especiales, pero no lo somos. Creo que deberíamos vivir la vida pensando en el ciclo de los árboles. Tendríamos una relación más sana con la muerte si lo hiciéramos.
¿Qué es más reconfortante, pensar que después de la muerte hay algo más, o que no hay nada en absoluto?
Pensar que hay algo más. No sé si es reconfortante, pero abrir la mente y el corazón al misterio, a aquello que depara después de la muerte, hace que la vida sea más interesante y que el proceso creativo sea más enriquecedor. Y hace que la vida sea más poética. Y sé que hay personas a las que estas cosas no les interesan y prefieren buscar seguridad en las reglas de la vida tal y como los seres humanos las han definido. Pero otra gente prefiere entregarse a esa cosa mística, a ese interrogatorio misterioso de la vida. Es un interrogante que inspira la manera en que nos relacionamos con otras personas o incluso la manera en la que creamos arte. Yo soy ese tipo de persona.
Has producido algunos discos de Mother Mother, pero no todos. ¿A qué se debe esto? ¿Cuál es el requerimiento?
Cuando otra persona produce un disco de Mother Mother las voces probablemente no suenan tan bien. Yo le pongo mucho esmero en la producción vocal porque sé cómo canto y cómo Molly canta. Y sé cómo hacer que las voces destaquen en las grabaciones de manera interesante e impactante, porque las conozco bien. Cuando nos producimos a nosotros mismos, las voces se convierten en la mejor parte del disco. Y, para mí, las voces son la mejor parte de la banda. Cuando los discos de Mother Mother los produce otra persona, suele pensar en el sonido global de la banda, en hacer destacar a la banda como un todo. Lo cual no es bueno ni malo, solo diferente. Pero, produzca yo los discos o no, siempre estoy presente en el estudio aportando ideas o sugerencias. Cuando Gavin Brown producía ‘Very Good Bad Thing’, yo estaba ahí soplándole la nuca. Probablemente estaba siendo un poco plasta, pero me da igual, me gusta poner mi grano de arena en todo lo que hacemos.
¿Por qué las voces es lo más importante de Mother Mother? Es verdad que en las producciones suenan muy vívidas.
En las canciones pop de autor, en la que hay una voz y una historia, la voz es siempre la parte más importante. En Mother Mother es más importante aún porque la banda la integramos tres vocalistas. Y con tres voces creamos un tapiz armónico. Es un recurso que define tremendamente nuestro sonido.
¿Cuáles son tus vocalistas favoritos?
Frank Black de los Pixies. El cantante de Violent Femmes. Cat Power. Nina Simone. Daniel Johnston. Me gustan muchos cantantes que “no saben cantar”.
No son vocalistas académicos, pero tienen personalidad.
Para mí son sabios y profetas.
¿Qué diferencia este nuevo disco del anterior?
Es más muscular. Le hemos puesto empeño en dar importancia a cada pilar de la banda, incluyendo el bajo y la batería. Todos los elementos del grupo se hacen notar en la música. Por eso es un sonido más rudo.
En ‘The Matrix’ cantas sobre el “9 to 5 suicide”. ¿Qué es la Matrix para ti y cómo se sale?
Todos tenemos que trabajar. No es realista sugerir a alguien que simplemente deje su trabajo. No es tan sencillo. El “9 to 5 suicide” es una metáfora que invita a vivir la vida entregándote a una pasión que te haga escapar de la rutina del trabajo. Cuando lo único que haces es trabajar, tu vida adquiere un tono pálido, deja de ser interesante para ti. En ‘The Matrix’ invito a los oyentes a ponerse en primer lugar y a no dejar de hacer algo por ellos mismos. Eso puede ser practicar guitarra, escribir poesía, esculpir… todo aquello que te haga perder la noción del tiempo. Es importante dar prioridad a estas pasiones que te hacen sentirse presente y vivo. Es difícil porque trabajas durante todo el día y llegas a casa completamente agotado. Puede que la canción sea idealista. Puede que sea beligerante invitar a alguien a “dejar la Matrix”, no lo sé.
Bueno, a veces hay que exagerar el mensaje para que se entienda.
Creo que el trabajo de los compositores es precisamente exagerar las cosas, inflamarlas, trabajar con esa “suspensión de la incredulidad”, para transmitir nuestras ideas.
«No es justo que haya personas a las que simplemente no se les permite ser ellas mismas»
¿’Normalize’ habla de la relación con vuestros fans? Tenéis un fandom considerable en la comunidad queer y LGBTQ+.
La idea de ‘Normalize’ es que la normalidad es algo que hemos inventado. Todo es normal y nada lo es el mismo tiempo. Tenemos muchos fans que viven marginados por culpa de las convenciones sociales, y sabemos lo duro que es eso. Y no es justo que haya personas a las que simplemente no se les permite ser ellas mismas en este mundo. Nosotros nos sentimos tremendamente afines a nuestros fans y queríamos dedicarles un himno.
¿Os ha condicionado de alguna manera vuestra viralidad en TikTok, por ejemplo, a la hora de abordar vuestras composiciones?
No hemos dejado que (nuestro éxito en TikTok) nos condicione a la hora de escribir canciones. No queremos ser ese grupo que escribe canciones pensando en triunfar en TikTok. Pero es cierto que, cuando escribimos un tema, se nos ocurre que una parte de la canción puede funcionar en la plataforma. Pero esa reflexión ocurre después de escribir la canción. Sobre todo, TikTok ha cambiado la manera en que nos relacionamos con nuestros fans. Ahora es más real y auténtica, porque es más cercana. Y creo que para todos los artistas es lo mismo. Todos los artistas nos estamos intentando ajustar a esta nueva “realidad Facetime” en la que la interacción entre bandas y seguidores es más desnuda y vulnerable. Es una bendición y una maldición, al mismo tiempo.
¿Tienes TikTok?
La banda, sí, pero nosotros individualmente no. Creo que lo mejor que puede hacer un ser humano biológico es no mirar la pantalla de un ordenador nunca más en la vida. Eso si quieres hacer lo mejor para tu organismo. Pero, claro, somos una banda y no vivimos en el bosque, así que tenemos que estar online.
¿Qué queda de los Mother mother de 2005 que empezaban y qué falta?
Queda el amor por componer canciones. Y el deseo de hacer algo único. Y lo mucho que esto nos sigue importando. Cuando empiezas, cuando eres joven, todo lo sientes de manera mucho más intensa. Vives y respiras la música. Eres más ingenuo también. El mundo es nuevo, descubres todo por primera vez. Esto sigue con nosotros, quizá no de manera tan grande e intensa, pero sí en la forma de una pequeña llama azul que sigue viva. Y esa es la energía que nos mantiene en el camino.
Por si había alguna duda sobre la recepción comercial de lo nuevo de Ariana Grande, la artista se lo está llevando calentito. Es verdad que no mueve tantas copias en soporte físico como otros artistas de k-pop, country en Estados Unidos o Taylor Swift; pero en cuanto a streaming, la entrega del público hacia las canciones de ‘eternal sunshine‘ está siendo incontestable.
Por tercer día consecutivo, ‘we can’t be friends (wait for your love)’ es el número 1 del Global de Spotify. Curiosamente, el tema empezó el viernes moderadamente en el puesto 5, pero después subió al 2 y más tarde escaló al primer puesto. La actuación en Saturday Night Live, con sus efectos acuáticos e inspiración «bedroom pop», parece fundamental para su explosión definitiva, pero el fenómeno empezó antes. Con 9 millones de reproducciones por día, el tema bien podría terminar rebasando en streams al primer single de esta era, ‘yes, and?’.
Además, las 13 canciones de la edición normal permanecen entre los 66 primeros puestos del Global de Spotify 5 días después del lanzamiento. Los temas no se han desmoronado ni decepcionado a medida que han pasado los días. De hecho, destaca especialmente la buena acogida de ‘the boy is mine’, el número disco ‘bye’ y la propia ‘eternal sunshine’, que permanecen en el top 20 Global todavía a fecha de miércoles. ‘supernatural’ y ‘don’t wanna break up again’ lo estuvieron hasta ayer.
Con estas cifras, apostamos a que las playlists de hits, especialmente Today’s Top Hits, van a mejorar su apuesta por el electropop a lo Robyn de ‘we can’t be friends’. Este tema fue posicionado en el #15 de dicha poderosa playlist (algo bajo para un tema nuevo de Ariana), pero seguro que este viernes mejorará su lugar, pues el público está respondiendo mejor de lo que Spotify esperaba.
Los datos en soporte físico son menos espectaculares. Ariana Grande será número 1 de Álbumes en Reino Unido con unas 30.000 unidades. Una cifra nada desdeñable pero no tan espectacular. El fin de semana vendió 19.000, la mitad aproximadamente en soporte físico, y la mitad puntos de streaming.
En Estados Unidos se espera un número 1 más voluminoso para el disco: 196.000 unidades, asegura HDD, siendo 68.000 de ellas ventas reales.
Este lunes se han cumplido 20 años de los atentados del 11-M, en los que murieron casi 200 personas que viajaban en la red de Cercanías en Madrid. Muchos de ellos fallecieron en las explosiones de la estación de Atocha. Los informativos de RTVE han querido rendir un bonito homenaje a las víctimas, a instancias del periodista de Cultura Carlos del Amor.
El director Fernando León de Aranoa, especializado en cine social a través de películas como ‘Familia’, ‘Barrio’, ‘Los lunes al sol’ o ‘Princesa’, ha dirigido una pieza de 5 minutos. En la primera parte, vemos a trabajadores de la estación de Atocha cerrando la estación, limpiando los trenes. La segunda parte es un plano secuencia en el que Leiva y Travis Birds interpretan una versión acústica de Joaquín Sabina, mientras recorren las vías de la Estación de Atocha.
El tema de Sabina es ‘Yo me bajo en Atocha’. Originalmente incluido en su disco con Fito Páez de 1998 ‘Enemigos íntimos’, el que incluía su famoso dúo ‘Llueve sobre mojado’, el tema fue resignificado tras los atentados. En la última década, ha aparecido en ocasiones en el Setlist de Sabina, pese a no ser uno de los singles principales de aquel disco. Su letra incluía frases como «La primavera sabe que la espero en Madrid», así como referencias a la música de la ciudad o a su arquitectura e historia, de la la II República a la Guerra Civil.
Al final, le letra concluye:
«He llorado en Venecia,
Me he perdido en Manhattan,
He crecido en la Habana,
He sido un paria en París
México me atormenta, Buenos Aires me mata,
Pero siempre hay un tren
Que desemboca en Madrid
Pero siempre hay un sueño
Que despierta en Madrid».
Tanto Leiva como Travis Birds estuvieron presente en el disco homenaje a Sabina ‘Tributo a Sabina. Ni tan joven ni tan viejo’. Travis Birds interpretó ’19 días y 500 noches después’ junto a Benjamín Prado, y Leiva se hizo cargo de ‘El caso de la rubia platino’. Después, ambos coincidieron en el disco de Travis Birds, ‘Perro deseo’.
Lily Allen, otrora uno de los grandes valores comerciales de Reino Unido, ha concedido una entrevista a Radio Times Podcast en la que se ha mostrado muy crítica en cuanto a conciliación. Se puede decir más alto pero no más claro: «De verdad que me molesta cuando la gente dice que puedes tenerlo todo, porque la verdad es que no». Sobre sus años dorados, añade: «Nunca tuve una estrategia en lo que se refiere a mi carrera, pero sí, tener hijos arruinó mi carrera». Después, puntualiza: «Les quiero mucho y me han completado como persona, pero si hablamos en términos de estrellato, lo arruinaron por completo».
La artista vendió más de 1 millón de copias solo en Reino Unido con su debut ‘Alright, Still’ de 2006. Eran los tiempos en que tanto se hablaba de soul pop, siendo Amy Winehouse su contrapunto oscuro. En 2009 volvió a superar el millón de copias, de nuevo solo en Reino Unido, con ‘It’s Not Me, It’s Yours’. Ambos superaron los 2 millones de unidades a nivel mundial. Pero las cosas empezaron a complicarse con el lapso hasta el álbum siguiente, ‘Sheezus’ (2014) y el posterior, ‘No Shame’ (2018).
Exactamente Lily Allen fue madre en 2011 tras haber reportado un par de abortos, y por segunda vez en 2013. Ninguno de estos dos últimos discos igualó el impacto de los dos primeros. ‘Sheezus’ fue solo disco de oro en UK y ‘No Shame’ quedó sin certificación alguna (y en UK dan discos de plata por 60.000 unidades). Y no, no estaban tan mal.
De manera significativa, Lily Allen ha sido considerada «nepobaby» por ser hija de un conocido actor y cómico británico, pero siempre ha hablado sobre lo que eso representó en su infancia para mal, pues siente que se crio sola. Ahora cuenta: «algunas personas escogen su carrera sobre sus hijos y es su derecho, pero mis padres estuvieron bastante ausentes cuando era pequeña. Siento que eso me dejó unas heridas que no he querido repetir con mis hijos. Escogí dar un paso atrás y concentrarme en ellos y estoy contenta de haberlo hecho porque creo que son personas muy equilibradas».
En la actualidad, Lily Allen está preparando su regreso musical. Como recoge el NME, recientemente respondió a una pregunta en redes sociales sobre cuándo saldría el sucesor de ‘No Shame’. Su respuesta fue: «lo estoy haciendo ahora, no sé cuánto me va a llevar, pero podréis oír cosas pronto».
Hace 4 años que Hinds no publicaban música nueva. En este lapso, Carlotta Cosials y Ana Perrote se han convertido en un dúo. Ahora están de regreso con un medio tiempo llamado ‘Coffee’ en el que cantan a lo que les gustan el café y los cigarros. Pero no solo eso.
Se trata tan sólo de una excusa para desarrollar una canción de rock de corte clásico que se remata con el pegadizo estribillo “just don’t look at me with those eyes”. Es el gran gancho de un tema que también se levanta en la segunda estrofa, como bien demuestra ese vídeo que pasa de estar inspirado en un taller mecánico a caminar sobre ruedas. Parece una canción sencilla, pero después de una década de carrera, tiene la gracia de mantener intacta la frescura de sus inicios.
El vídeo dirigido por las propias Hinds añade la gracia de contar con la colaboración de amigas como La Meji, cantante de Menta; Valdivia, Mira Paula o Ganges, entre otras. En un mundo en el que los vídeos parecen en decadencia, desde luego han cuidado la estética retro y los detalles.
Hinds detallan el trasfondo de la cosa: «‘Coffee’ es un sincericidio, gritar la desagradable verdad tan alto como puedas sin vergüenza. Se trata de admitir todas las cosas que se supone que no te gustan o de hacer todas las cosas que se supone que no debes hacer. Es muy divertido cuando puedes ser totalmente sincero y callar esa vocecita en tu cabeza que te dice lo que debes o no debes hacer».
El tema tiene la producción artística de Pete Robertson (The Vaccines, beabadoobee) y ha sido mezclado por Caesar Edmunds (The Killers, Wet Leg). La nueva gira de Hinds ya está en marcha, con fechas en Estados Unidos, Alemania, Francia, Reino Unido y España.
«Quiero transmitir la verdad de las dificultades por las que todos pasamos. Y quiero decir la verdad sobre mi determinación por experimentar esta vida en todas sus facetas. La vida también puede ser maravillosa». Con estas palabras, Hurray for the Riff Raff nos hablaba en 2022 de la luminosidad en sus composiciones, incluso en tiempos amargos. Poco después, Alynda Segarra se enfrentaba a la grabación de este nuevo álbum tras conocer la muerte de su padre, un veterano de la guerra de Vietnam con quien no se crio pero sí influyó en su desarrollo como persona, apareciendo incluso en la portada de uno de sus discos o en el videoclip de ‘Pa’lante’.
El noveno álbum de Hurray for the Riff Raff se llama ‘The Past Is Still Alive’ y en él encontramos canciones tan encantadoras y desenfadadas como sombrías y bellísimas. ‘Vetiver’ y ‘Dynamo’ suenan casi abiertamente pop. ‘Buffalo’ y ‘Hourglass’, mucho más tristonas. Lo que las une no es su estado de ánimo, sino esa sensación de «verdad» de la que nos hablaba Alynda.
La historia de Segarra huyendo de casa tras las malas notas obtenidas en el colegio, colándose en trenes para viajar, introduciéndose en la escena punk o en la cultura queer estadounidense desde los 13 años, ha sido contada varias veces a lo largo de esta década y media de carrera. Pero pocas veces ha sido narrada con la riqueza, la fidelidad a la realidad y el detalle de ‘The Past Is Still Alive’. Fiel a artistas como Woody Guthrie, Allen Ginsberg y a la generación Beat en general desde siempre, dice ahora que casi no considera poéticos los textos de este disco, porque a menudo son una mera enumeración de recuerdos. Una mirada al pasado tan solo para celebrar lo aprendido o, sencillamente, lo vivido.
Casi todas las entrevistas y textos promocionales del álbum hablan de cómo ‘Hawkmoon’ cuenta su primer encuentro con una mujer trans cuando tenía 17 años, o de cómo ‘Colossus of Roads’ es un homenaje a la comunidad queer, en especial a las personas que murieron en el tiroteo del Club Q de Colorado. Pero hay muchos más detalles. La primera es una buena canción de rock que nos habla de alguien que duerme en un autobús todo el día, se «bebe la quinta antes de las 3 de la tarde», viaja con carnet falso… y ahora lamenta «haberse convertido en la chica que le habían advertido». La segunda, más política, quiere «decir adiós a América, verla disolverse», antes de culminar con un deseo de inocencia eterna.
En contra de lo que explica Alynda sí hay un carácter poético en estas 10 composiciones, por ejemplo en esa ‘Snake Plant’ que nos recuerda a los amigos que han caído, que nos habla de la guerra dentro de la gente o de cómo el fentanilo está destruyendo vidas. O en ‘Alibi’, que abre el disco proponiendo que «no tenemos que morir si no queremos». O en esa colaboración bellísima con Conor Oberst que es ‘The World Is Dangerous’. «Tus sueños no son tus sueños. Solo son visiones de lo que necesitas. No eres la persona que creías que serías, pero aun así te quiero», parece decirse a sí misma.
Es esta una de las canciones más hermosamente arregladas junto al productor Brad Cook, de la misma manera que la casi final ‘Ogalalla’ se beneficia de unos tímidos arreglos de cuerdas y distorsión al final del largo. Solo antes de que escuchemos un par de mensajes del padre de Alynda en ‘Kiko Forever’.
‘The Past Is Still Alive’ es un álbum precioso que no sé si atreverme a situar bajo el paraguas de la «Americana» porque Alynda rechaza tal término por la desvinculación política que suele conllevar, y por sus orígenes portorriqueños. Sin embargo, en este entorno tan proclive para el country, Hurray for the Riff Raff se anota el tanto de haber dejado de lado a tiempo los sintetizadores y los experimentos fallidos de su disco anterior, para volver a sus raíces, solo que en una versión mucho más depurada. Suena a la Jenny Lewis después de Rilo Kiley, al Adam Green después de Moldy Peaches. Y eso solo puede ser un enorme cumplido.
Beyoncé ha anunciado su octavo álbum de estudio. Se titula ‘Cowboy Carter’, sirve como el Act II de un proyecto que empezó en 2022 con ‘Renaissance’ y se publica el próximo 29 de marzo. Tal y como indican los primeros adelantos del disco, ‘Texas Hold ‘Em’ y ‘16 Carriages’, la artista se embarca en el country para esta segunda entrega.
La cantante ya anunció el álbum durante una de las pausas de la pasada Super Bowl, momento que aprovechó para publicar dos de las canciones que lo componen. Desde entonces, el éxito de ‘Texas Hold ‘Em’ ha sido brutal, otorgándole a Beyoncé su noveno top 1 en Estados Unidos y rompiendo numerosos récords.
Aunque la imagen que encabeza este artículo es la portada que se ha usado hoy para el anuncio, en la página web de Beyoncé todavía no aparece una portada oficial, por lo que podría no ser la definitiva. Sin embargo, la artista ha puesto a la venta cuatro ediciones diferentes de ‘Cowboy Carter’, con distintas imágenes y una canción exclusiva.
Por otro lado, el nuevo disco de Beyoncé podría también contar con una cover del clásico de Dolly Parton ‘Jolene’. Así lo ha hecho saber la cantante de country en una entrevista ofrecida a Knox News, donde ha confesado que cree que Beyoncé lo incluirá en su próximo disco. No obstante, el tracklist se conocerá más adelante.
Es difícil imaginar a una nueva Madonna, pero aun así hay quien se atreve a describirse como tal. Un artista cuya identidad no ha sido todavía revelada asegura ser «la nueva Madonna», y bajo esa etiqueta está promocionando su nueva música.
La locura empezó a desatarse hace unos días en redes sociales, cuando se viralizó un vídeo de apenas 20 segundos en el que se presentaba a «la nueva Madonna». El anuncio, pese a no dar muchos detalles, juega con el misterio incluyendo una silueta intermitente del artista que hace llamarse como tal bajo un sonido house.
Como era de esperar, los rumores han inundado el mundo de la cultura pop. Hay quien dice que se trata de una promo de la propia Madonna, pero hay que tener en cuenta un dato importante: el anuncio ha sido publicado por Sony. A no ser que Madonna haya cambiado de discográfica (actualmente está con Warner), es poco probable que la promo pertenezca a ella.
«Sin ánimo de ofender a quienquiera que sea, esta es posiblemente la forma más desesperada y bochornosa de promocionarse en la industria musical… ¡así que probablemente sea Lil Nas X!», apunta otra persona en Reddit tras el fracaso de ‘J Christ’.
En las quinielas también se baraja el nombre de JoJo Siwa, que ha dado comienzo a su nueva era con un misterioso mensaje en Instagram: «El siguiente contenido no está hecho para niños y puede resultar perturbador u ofensivo para algunos espectadores. Puede contener temas sexuales, violencia, lenguaje fuerte, escenarios traumáticos y luces intermitentes».
Sea quien sea el cantante que se esconde bajo esa promo, aún no hay confirmación oficial por su parte y parece estar disfrutando con la intriga. Hay hasta quien piensa que no es ningún artista, tratándose así de un posible programa o reality show. ¿Quién es, o qué es, la nueva Madonna?
Gonzy acaba de firmar el nuevo número 1 de la lista de singles en España. Lo ha hecho gracias a su éxito ‘X’CLUSIVO’, que desde su lanzamiento en diciembre de 2023 ha ido creciendo en streaming hasta acumular casi 20 millones de reproducciones solo en Spotify. Ahora, un último empujón le ha ayudado a encabezar la lista: el remix de ‘X’CLUSIVO’ junto a Saiko y Arcángel.
Entre los temas que alcanzan nuevos picos, destacan ‘Gata Only’ (#5) de Floyymenor y Cris MJ, y ‘la_original.mp3’ (#8) de Emilia y Tini. Mientras que la primera lleva tres semanas en Singles España y ha ascendido de la posición 17 a la quinta, la segunda acumula ya hasta 18 semanas en la lista y parece que ya está cerca de tocar techo.
Otro de los artistas que se hacen notar esta semana es Benson Boone, que con su hit internacional ‘Beautiful Things’ (#44) sigue haciéndose un hueco en una lista repleta de canciones en español. Esta es su cuarta semana dentro del top 100 de España. Además, también está ‘Texas Hold ‘Em’ (#52) de Beyoncé, tercera semana en nuestro país del single principal de ‘Cowboy Carter’. Asimismo, Dua Lipa logra mantener ‘Houdini’ (#77) y ‘Training Season’ (#85), mientras que Tate McRae hace lo propio con ‘greedy’ (#67).
En cuanto a las nuevas entradas, destacan Dei V y Myke Towers con ‘Trending Remix’ (#48), Manuel Turizo y Yandel de la mano de su colaboración ‘Mamasota’ (#65), y JC Reyes junto a Biwan La Pauta con ‘38’ (#97), una canción de hace más de 3 años.
Lady Gaga se ha pronunciado en redes sociales sobre los mensajes de odio que ha recibido la influencer Dylan Mulvaney desde el pasado 8M, cuando celebró el Día Internacional de la Mujer compartiendo una imagen junto a Lady Gaga en Instagram que pronto se llenaría de comentarios tránsfobos.
La artista ha confesado que le parece «espantoso» que una publicación escrita por Dylan Mylvaney y ella por el Día de la Mujer haya sido recibida «con tanto desprecio y odio». «Cuando veo a un medio informar sobre el odio llamándolo ‘reacción violenta’, creo que es importante aclarar que el odio es odio, y que este tipo de odio es violencia. La ‘reacción violenta’ implicaría que a la gente que nos quiere o nos respeta no les ha gustado algo que hemos hecho, pero esto no es reacción violenta. Esto es odio».
La autora de ‘Born This Way’ desvela, no obstante, «que no es sorprendente, dado el inmenso trabajo que todavía tenemos que hacer como sociedad para que las vidas transgénero sean apreciadas y defendidas por todos nosotros». Su alegato continúa: «Me siento muy protectora en este momento, no solo de Dylan, sino de toda la comunidad trans, que se sigue abriendo camino con su interminable e infinita inspiración frente a la degradación constante, la intolerancia y la violencia física, verbal y mental».
«Espero que todas las mujeres nos unamos para honrarnos a TODAS en el Día Internacional de la Mujer, y que lo hagamos siempre hasta EL DÍA en que todas las mujeres sean celebradas por igual. Que todas las personas sean celebradas por igual. Un día en el que se celebre a las personas de todas las identidades de género en la festividad que les corresponda. Porque las personas de todas las identidades de género y razas merecen paz y dignidad», escribe Lady Gaga en su publicación de Instagram.
La cantante acaba así su alegato: «Deseo que todos nos unamos y seamos cariñosos, tolerantes, comprensivos, acogedores. Que todos nos pongamos de pie y honremos la complejidad y el desafío de la vida trans, que no conocemos, pero que podemos tratar de comprender y por la que podemos sentir compasión. Quiero demasiado a la gente como para permitir que el odio se denomine ‘reacción violenta’. La gente se merece algo mejor».
Lady Gaga está actualmente trabajando en su séptimo álbum de estudio. La artista ha dejado verse en el estudio gracias a algunas fotografías compartidas en redes sociales, aunque todavía no hay ningún anuncio oficial sobre nueva música. Su siguiente trabajo discográfico supondrá la continuación de ‘Chromatica’, publicado en 2020.
Sound Isidro vuelve un año más a Madrid contando con más de 100 artistas que actuarán repartidos entre veinte salas diferentes de la capital. Entre abril y junio se sucederán los conciertos de artistas como Mushkaa, Widowspeak, Cecilio G, Zuaraz, Hofe x 4:40, mori o Dano. Entre los artistas que hemos recomendado en la web y que podrás ver en Sound Isidro se encuentran los siempre fabulosos Axolotes Mexicanos, Paco Moreno, Orslok o Rebe. En este artículo repasamos otros 10 nombres a tener en cuenta.
rusowsky
Prueba de su cada vez más creciente popularidad es que rusowsky ofrecerá en Sound Isidro no uno sino dos conciertos en La Riviera. Los días 9 y 10 de mayo, Ruslán Mediavila seguirá desgranando el repertorio que, de ‘mwah’ a ‘LOTO’, le ha convertido en uno de los artistas que están empujando el pop español -o de cualquier nacionalidad- hacia el futuro.
A Place to Bury Strangers
Entre los nombres internacionales que figuran en el cartel de Sound Isidro se encuentra A Place to Bury Strangers. El grupo de Nueva York actúa el 20 de abril en Sala El Sol. Templarán las paredes con su arrollador directo de noise-pop y darwkave… en el que cabe el grupo portugués MÁQUINA -también muy recomendable- en el papel de telonero.
Alba Morena
Alba Morena -no confundir con la divulgadora científica choni Alba Moreno- es una de las promesas del pop español a tener muy en cuenta. ‘Nadie’ fue una de las mejores canciones de 2023, y el pop electrónico de su reciente himno “Yo te quiero pero tengo que producir» hace igualmente cosquillas. 11 de abril en El Sol.
Nerve Agent
La mezcla de electro-punk e iconografía pueblerina ha calado y ‘Albacete Rural Crew’ se acerca al millón de escuchas en Spotify. Con títulos como ‘Putos vecinos’ o ‘Trabajar? Una mierda’ no extraña que Nerve Agent lo esté petando. Claro que esos beats que facturan de hardbass sampleando eructos (‘Vandalizar y bebé’) son irresistibles. El 29 de abril en la BUT tambaleará el suelo.
Bb trickz
Probablemente el nombre más mediático de Sound Isidro 2024, se tarda más en leer todo lo que se ha escrito sobre Bb trickz que en escuchar su discografía al completo. Pero con canciones como las contenidas en su EP ‘Trickstar’, que Belize Kazi es más que el viral de ‘Missionsuicida’ debería está ya fuera de toda duda. 31 de mayo, en Sala BUT.
YellowStraps
El dúo de Bruselas se ha dado a conocer en los últimos tiempos gracias al cuidadísimo sonido de singles como ‘notice’, ‘blue’ o ‘slowdown’. Moviéndose en diferentes aguas que van del neo-soul al afrobeat pasando por el garage, los hermanos Yvan y Alban Murenzi representan la faceta más elegante de la llamada música urbana. Estarán en The Bassement el 24 de mayo.
Kinder Malo
El ‘Chico triste’ del trap -con perdón de su hermano Pimp Flaco– ha editado recientemente un disco, ‘La Nube’, que en sus mejores momentos suena lo mismo a Joy Division autotuneados (‘No estoy’) que propone una visión diferente y personal del ‘Imagine’ de John Lennon. El 16 de mayo, Kinder Malo presentará ‘La Nube’ en la Shoko. ‘SO’ es su nuevo single.
Gara Durán
En la constelación del sello Rusia IDK se mueve la cantante madrileña Gara Durán: su single ‘Malaquita’ está producido por Ralphie Choo. Influida por Billie Eilish y la ópera indistintamente, Gara Durán es una de las nuevas artistas de pop nacional que seguir de cerca. Una oportunidad la da la sala Cadavra el día 6 de abril. Su nuevo single ‘Valor’ -autoproducido- es igualmente recomendable.
Dengue Dengue Dengue
No solo Nicola Cruz ha modernizado la cumbia peruana. Dengue Dengue Dengue, el dúo de Rafael Pereira y Felipe Salmón, también está aportando una visión renovada de los ritmos andinos, bordeando la psicodelia y el dub. Sus texturas electrónicas son exquisitas, y ellos salen enmascarados en directo. El 23 de mayo, la sala Shoko acogerá su imperdible show.
Nina Emocional
El último fichaje de Sonido Muchacho se ubica en el linaje de artistas que no tienen miedo de llevar su música a su extremo experimental y alienígena. No extraña que Nina Emocional se identifique con artistas como Grimes, SOPHIE o Arca. Incluso ha adaptado una canción de Eartheater al español. Producciones como ‘homies’ o ‘Suave’ te llevarán directamente al año ‘2035’ el 16 de mayo en la sala Vesta.
Hay vida más allá de Two Door Cinema Club. Wallows es otro de esos grupos de «indie» corporativo -fichado en una multinacional- que se está haciendo un hueco en la industria. Debe tener algo que ver que su vocalista, Dylan Minette, es además el actor principal de la serie ‘Por trece razones‘.
Wallows se ha anotado tremendo macrohit en el último lustro con ‘Are You Bored Yet?’, un dueto con Clairo que está a punto de alcanzar los 900 millones de reproducciones. Otros éxitos de Wallows como ‘Pleaser’, ‘Remember When’ o ‘These Days’ también se mueven en los cientos de millones de streamings. Con estos números no extraña que Wallows haya anunciado gira internacional, aunque España no es uno de los países incluidos en la ruta.
‘Model’, el nuevo disco de Wallows, que se publica en mayo, es el motivo de la gira. Y su single principal oposita para convertirse en el nuevo gran éxito de la banda de Los Ángeles integrada también por Braeden Lemasters y Cole Preston.
‘Your Apartment’ es uno de esos temas de rock «indie» bailables y festivaleros. La comparación con Two Door Cinema Club no es casual, aunque el sonido de Wallows es más rockero y menos electrónico. Aunque ‘Your Apartment’ sigue siendo, en el fondo, un tema de baile. La melodía del estribillo, con ese salto de nota olímpico, remite también a los Wombats, porque en el corazón de muchos sigue siendo 2009.
La Canción Del Día de hoy, ‘Your Apartment’ narra la historia de una relación que tambalea. Dylan sospecha que alguien está intentando «meterse» en la cama de su chica. Los celos le invaden, y su tono es pasivo agresivo cuando canta que tiene «muchas cosas que decir», pero que prefiere callar. Dylan también lidia con heridas del pasado. Y, en el fondo, sabe que su relación nunca «ha funcionado». Como tratando de escapar de sus pensamientos, ‘Your Apartment’ opta por el hedonismo.
Dua Lipa está inmersa en la promoción de su próximo disco, el tercero de su carrera. Sin embargo, algo huele raro en la que debería ser una de las campañas promocionales más exitosas del año en el mundo del pop. Con dos singles publicados, el disco sigue sin anunciarse. No se conocen ni título ni fecha de lanzamiento. Dua Lipa protagonizó la portada de Rolling Stone del mes de enero, donde confirmó que el disco estaba terminado y se componía de 11 pistas. Sin embargo, nada se sabe.
¿Qué está pasando? ¿Está Dua Lipa «flopeando»? Parece que es así si atendemos el discurso que está calando en redes o incluso en los medios británicos. The Telegraph, por ejemplo, ha descrito ‘Training Season‘ en términos de esa canción que NO es ‘Dance the Night‘ y que por tanto «no conoce todo el mundo». The Guardian se ha curado en salud escribiendo que no sería «apropiado» decir que ‘Houdini’ y ‘Training Season’ están fracasando, pero ha señalado que «algunas personas» piensan lo contrario.
El éxito de ‘Training Season’ a la larga es difícil de adivinar, pues el tema apenas tiene tres semanas de vida. De momento, es cierto que no está incendiando las listas de éxito como probablemente se esperaba. Quizá al público le está costando hacerse al nuevo sonido de Dua Lipa producido por Tame Impala. Quizá Dua Lipa no se está desvinculando del todo de la música disco aunque haya dicho que su nueva música no tira por esa dirección. Pero tampoco se puede hablar de fracaso. No cuando ‘Training Season’ continúa entre los 50 temas más populares en el mundo. No cuando está siendo un gran éxito especialmente en Reino Unido, donde sigue en el número 8 de la lista oficial.
El caso de ‘Houdini’ es aún más llamativo. «Me ves y no me ves» es su gran gancho pero, irónicamente, el paso de ‘Houdini’ por listas está siendo de todo menos breve. En el global de Spotify continúa incluso haciendo mejores cifras que ‘Training Season’ habiéndose publicado en noviembre. Hace casi medio año. De hecho, fue una de las mejores canciones de 2023. El éxito cocido a fuego lento de ‘Houdini’ es evidente observando su «chart run» en Estados Unidos, que sigue así: #11 – #33 – #52 – #51 – #59 – #57 – #59 – #26 – #29 – #29 – #25 – #30 – #22 – #25 – #22 – #24. Aunque no ha sido número 1 en ningún mercado importante (sí en un puñado de territorios europeos), no se apea de las listas de éxito.
Puede que haya faltado un directo más de ‘Houdini’ que convirtiera la canción en icónica. Puede que el fantástico directo de ‘Training Season’ en los BRIT Awards no haya sido suficiente. Puede que Warner Records haya confiado demasiado en el efecto ‘Future Nostalgia’ y pensara que Dua Lipa lo tenía pan comido para arrasar en todos lados en esta nueva era. No obstante, con ninguna de estas dos canciones está pasando nada que no pasara ya en la era ‘Future Nostalgia‘ en el lejano 2020. Aunque ‘Don’t Start Now’ y sobre todo ‘Levitating’ terminaron siendo grandes macrohits, tampoco llegaron al número 1 ni de Estados Unidos ni de Reino Unido. Lo que sí hicieron fue conquistar al público generalista poco a poco, sin prisa pero sin pausa.
El desempeño de los singles de Dua Lipa nunca es usual. Empezando por el hecho que tuvo que llegar a su séptimo single, ‘New Rules‘, para petarlo internacionalmente, todos los singles de Dua Lipa han titubeado al principio, pero han terminado haciendo grandes números. El éxito de ‘Don’t Start Now’ fue progresivo, y Dua Lipa picó piedra para que calara hartándose a presentarla en directo por todas partes. ‘Physical’, que a la postre parece uno de los singles que peor funcionaron del disco, se acerca a los mil millones de streamings. ‘Levitating’, que no fue ni el primer ni el segundo ni el tercero ni el cuarto single de ‘Future Nostalgia’, sino el quinto, como hace a bien de corregir un lector, vapuleó las cifras de todos los sencillos anteriores, también de ‘Break My Heart’ y ‘Hallucinate’. Una canción publicada como single en octubre, que el público conocía desde marzo.
Tampoco se pudo hablar de «flop» especialmente con ‘Break My Heart’, que supera los mil millones de reproducciones, y estamos hablando de un disco que, reedición incluida, conoció hasta ocho singles. Y todos sabemos que triunfar más allá del primer y el segundo single es tremendamente difícil si no estás en tu etapa imperial o, más difícil aún, si no eres Rihanna (que sigue siendo el estándar aunque esté retirada). Es cierto que la era ‘Future Nostalgia’ se alargó hasta lo indecible, pero no se puede decir que el público esté cansado de Dua Lipa cuando ‘Dance the Night’ ha funcionado extremadamente bien sonando a descarte de aquel álbum. Y tanto ‘Houdini’ como ‘Training Season’ ofrecen un sonido diferente pero no tan diferente. Algo más orgánico, menos purpurinesco, Dua Lipa ha arriesgado explorando otro tipo de influencias. El éxito también progresivo de ‘Houdini’ demuestra que el público está comprando este nuevo sonido aunque no sea de manera inmediata. No hay motivos para subestimar ‘Training Season’ por ahora.
Puede que el éxito de ‘Houdini’ y ‘Training Season’ no parezca masivo porque Dua Lipa no cuenta con una base de fans tan dedicada como la de Taylor Swift o BTS. Pero ninguna de estas canciones está cayendo en picado. La nueva música de Dua Lipa sigue llegando al público generalista aunque no barra récords. Sobre todo, Dua Lipa sigue haciendo carrera de fondo, confiando en que el público le pillará el ritmo. Y así está sucediendo. Ahora solo queda que Warner Records anuncie la fecha de lanzamiento de su disco. Quedan descartadas las fechas de Beyoncé (23 de marzo) y Taylor Swift (19 de abril). Deberá ser antes de Glastonbury. Se rumorea el mes de mayo, tiempo suficiente para que un tercer single calle bocas. Aunque para ello haya que masticar la canción durante meses.
Eric Carmen, el cantante y compositor estadounidense que escribió grandes éxitos de los 70 y 80 como ‘All By Myself’ o ‘Hungry Eyes’, ha fallecido. Carmen ha muerto mientras dormía acorde con el comunicado oficial de su familia. Tenía 74 años.
Nacido en 1949, Carmen se dio a conocer como integrante de la banda de glam rock los Raspberries. Carmen era su vocalista y compuso todos sus éxitos, entre ellos el multimillonario ‘Go All the Way’, uno de los mayores éxitos de 1972 en Estados Unidos.
Conocido por su rasposa voz, Carmen inició su carrera en solitario en 1975 cambiando el sonido rock ‘n roll de los Raspberries por el soft-rock y las power ballads. ‘All by Myself’, posiblemente una de las baladas más famosas de la historia, principalmente en voz de Céline Dion, que la versionó en 1996, es una composición y grabación original de Eric Carmen.
Carmen se anotó otro gran éxito en los años 80 con ‘Hungry Eyes’, una de las canciones incluidas en la banda sonora oficial de ‘Dirty Dancing’ (1987), uno de los discos más vendidos de la historia rondando ls 40 millones de copias. ‘Hungry Eyes’ llegó al número 4 de Estados Unidos y, en los tiempos en que se vendían CD singles, logró colarse en el chart británico -en el número 82- solo gracias a ventas importadas, pues el single no se editó en las islas.
Aunque durante los años 80 Eric Carmen siguió sumando éxitos a su carrera, como ‘Make Me Lose Control’, sus lanzamientos se fueron pausando con el paso de las décadas. Su último álbum de estudio, ‘I Was Born to Love You’, se publicó en el año 2000. En 2013 lanzó su primer single en 15 años, ‘Brand New Year’.
Kanye West acaba de sumar un nuevo número 1 en Estados Unidos, el quinto de su carrera. Lo hace gracias a ‘Carnival’, el single principal de su álbum colaborativo junto a Ty Dolla $ign ‘Vultures 1’. Este es, además, el segundo top 1 de Ty Dolla $ign en el Hot 100 de Billboard.
Desde el lanzamiento de ‘Vultures 1’ hace apenas un mes, el disco está manteniendo buenos números en streaming y su canción ‘Carnival’ es todo un hit en el país norteamericano. Tanto es así que el tema se ha convertido en el más rápido de Kanye West en alcanzar el top 1. Supera de esta forma las siete semanas que pasaron desde la publicación de ‘E.T.’ con Katy Perry hasta su llegada a la cima de la lista.
‘Carnival’ ha acumulado hasta 33,7 millones de reproducciones esta última semana en Estados Unidos, además de 3.000 descargas. Estas cifras le han servido a Ye para hacer historia como el primer rapero y único hombre en encabezar el Hot 100 en tres décadas distintas (2000s, 2010s y 2020s), uniéndose a Beyoncé, Mariah Carey y Lady Gaga en conseguir dicha hazaña. Además, extiende a más de 20 años el periodo de tiempo desde su primer top 1 hasta el último, convirtiéndose en el primer artista de rap en lograrlo.
Kanye West no se hacía con un número 1 desde hace ya más de 13 años, mientras que el caso de Ty Dolla $ign se remonta a hace 6 años cuando liderara la lista junto a Post Malone con ‘Psycho’. Se espera que ‘Carnival’ se mantenga en el top 1 la próxima semana, pero Ariana Grande podría evitarlo con ‘we can’t be friends (wait for your love)’ de seguir creciendo en streaming.
Estos son los cinco top 1 de Kanye West:
1. Slow Jamz (2004)
2. Gold Digger (2005)
3. Stronger (2007)
4. E.T. (2011)
5. Carnival (2024)
Dentro de justo dos meses, el 11 de mayo, se celebrará la próxima edición de Eurovisión, en la que Nebulossa y su ‘ZORRA’ representarán a España en su lucha por el micrófono de cristal. Y, mientras que acaban de preparar los últimos detalles, la UER ha presentado algunos cambios de cara al certamen, como la inclusión del Big 5 en las semifinales o la ampliación del tiempo de votación.
Por primera vez en la historia del Festival, el Big 5 y el país anfitrión formarán parte de las semifinales, aunque sin que peligre su pase a la final, que seguirán teniendo garantizado. De esta forma, Francia, Alemania, Italia, España y Reino Unido (incluyendo a Suecia, la anfitriona) también actuarán en directo en las semifinales. Alemania, Suecia y Reino Unido lo harán en la primera, mientras que Francia, Italia y España lo harán en la segunda.
Hasta ahora, durante las semifinales solo se mostraba un breve extracto de la actuación de cada uno de estos países durante los ensayos, pero a partir de esta edición también deberán subirse al escenario. Además, sus actuaciones se intercalarán con las del resto de países competidores. «Creemos que este cambio ofrece unas condiciones más equitativas de cara a la Gran Final, ya que ahora tienen la oportunidad de actuar de verdad en las semifinales», ha declarado la productora ejecutiva Ebba Adielsson.
Por otro lado, se ha ampliado el periodo de votación. Mientras que antiguamente había que esperar a que todos los participantes hubiesen actuado para que se abrieran las votaciones, desde esta misma edición se podrá votar nada más comience la gala. Esto hará que el orden de actuación no tenga tanta importancia y que los representantes que canten en la primera mitad no se vean tan perjudicados. Esta será la tercera vez que se vote desde el inicio del programa, como ya ocurriera en Eurovisión en 2010 y 2011.
Sin el miedo de que la candidatura caiga en el olvido para el final de la ceremonia como sucediera con icónicas actuaciones como ‘El Diablo’ de Chipre en 2021, Suecia se atreve este año a abrir la gala en Malmö. Puesto que es el país anfitrión, puede decidir la posición en la que se sube al escenario. Un anfitrión no actuaba en primer lugar desde que lo hiciera Países Bajos en 1970, hace 54 años.
«El Festival de Eurovisión siempre está evolucionando y, con más actuaciones y posibilidades de votar, promete ser la edición más emocionante hasta la fecha», ha afirmado Martin Österdahl, supervisor ejecutivo. De momento no hay ningún comunicado acerca de la participación de Israel, que ya ha sido confirmada por la KAN y cuya canción acaba de ser presentada.
Aunque probablemente lo hayas ya olvidado, Lil Nas X sacó su single de regreso tras más de dos años de sequía hace tan solo unas semanas. ‘J Christ’ prometía ser la carta de presentación del segundo álbum de estudio del rapero tras el éxito de ‘Montero’ en 2021, pero su pobre acogida lo ha obligado a recular.
La realidad es que ‘J Christ’ ha hecho más ruido por las polémicas que han girado en torno a sus tácticas de promoción que por la mera canción en sí, que ya está fuera de cualquier lista de éxitos posible. En Estados Unidos no logró mantenerse dos semanas dentro del Hot 100 de Billboard tras debutar en la posición 69, mientras que en Spotify Global solo duró dos días.
Ahora, abortando misión y tratando de evitar el fracaso que iba a ser su siguiente disco, Lil Nas X ha anunciado que su próximo proyecto no es un álbum, sino un mixtape. En concreto, supondrá la continuación de su mixtape de 2018 ‘Nasarati’, titulándose ‘Nasarati 2’. El artista ha compartido en redes sociales algunos adelantos.
Entre los temas que abordará ‘Nasarati 2’, el rapero destaca sus luchas con la sexualidad y la homofobia en la juventud. «Odio dar explicaciones cada vez que hago algo, pero esto no es con tal de escandalizar. Solo soy yo contando mi historia, y que os incomode no lo convierte en un montaje o en una mentira. Esto es para mí y mis fans, que le den a todo el mundo», ha comentado Lil Nas X.
Una mención pasajera -pero simbólica- a ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’ en la película ‘Vidas pasadas’ de Celine Song -que se ha ido de vacío en los Oscar- llama especialmente la atención observando el título del nuevo disco de Ariana Grande. En el videoclip de ‘we can’t be friends (wait for your love)’ la inspiración es directa. En él, Ariana acude a una clínica para borrar de sus memoria sus recuerdos más dolorosos.
Es comprensible que Ariana se imagine a sí misma viviendo en una “luz de sol eterna”, buscando en su vida esa utopía que la realidad le ha privado enfrentándola a situaciones tremendamente difíciles. Pero, en ‘eternal sunshine’, Ariana no escapa de sus demonios, sino que los pone sobre la mesa. Como tanto recomienda la terapia, los expresa y dice “thank u, next”.
La “terapia” aparece mencionada en una de las mejores canciones del disco. En ‘don’t wanna break up again’, Ariana ofrece un retrato realmente crudo de la infelicidad conyugal: “Me gasté una pasta en terapia, culpé a mi codependencia, pero tú ni siquiera lo intentaste”, canta Ariana. Cuando expresa que “yo era demasiado para ti”, lo hace con orgullo. En ‘eternal sunshine’ -canción- plantea la línea narrativa del elepé: «preferiría olvidar que saber realmente / lo que podríamos haber luchado detrás de esa puerta», canta, en una vena autobiográfica que marca el álbum.
El sonido R&B de estas dos canciones, en el estilo de -sorpresa- Mariah Carey, elegante y perfectamente pulido, tiene más protagonismo en el disco de lo que probablemente esperabas. Y lo esperabas con razón. Al fin y al cabo, el primer single es un rompepistas inspirado en ‘Vogue’ que ha sido -y sigue siendo- un éxito mundial. Pero ‘yes, and?’ no marca el camino de ‘eternal sunshine’ en absoluto.
En realidad los medios tiempos campan a sus anchas. Pueden ser electrónicos, como ‘supernatural’, de corte synth-pop, o nostálgicos. Tan nostálgicos que ‘the boy is mine’ se inspira abiertamente en el clásico de Brandy y Monica. Tan nostálgicos que ‘true story’ reproduce el sonido del R&B futurista de Aaliyah. Claro que ‘eternal sunshine’ está a años luz de ser ese disco visionario que fue ‘One in a Million‘.
Max Martin e Ilya se encargan de producir la mayoría ‘eternal sunshine’. Aunque técnicamente el disco presenta un sonido inmaculado, y las canciones en ningún caso caen en picado, el conjunto acusa una evidente falta de dirección creativa por varios motivos.
En primer lugar, una pregunta planteada en la ‘Intro’ y respondida al final con un audio de la abuela de Ariana pegado de mala manera, no es suficiente para hablar de “disco conceptual” (tiene guasa que se considere lo de Nonna un «featuring»). De hecho, el tracklist de ‘eternal sunshine’ parece ordenado aleatoriamente, pues los dos sencillos principales aparecen pegados el uno después del otro en el tramo medio-final del disco. Pasada ‘Bye’, la sensación de «random» predomina.
En segundo, la ausencia de singles potenciales -escuchados los dos primeros- es curiosa cuanto menos. El sonido de ‘yes, and?’ y ‘we can’t be friends (wait for your love)’ -tan Robyn que parece un sample de ‘Dancing on My Own’- es completamente excepcional dentro del álbum. Pero lo peor es que el R&B de ‘eternal sunshine’ -canción- aunque mono, es intercambiable con el resto de su discografía. ‘the boy is mine’ nace de una parodia… y la parodia habría sido más interesante. O, como mínimo, habría tenido algo nuevo que contar. De momento, suena calcada de ‘Positions‘.
El cuidado de las melodías y la producción siguen presentes en un disco de Ariana Grande, como lo ha estado desde su debut. El ritmo disco a lo Donna Summer de ‘bye’ da pie a una canción realmente pletórica que Ariana canta como nadie. Y solo su voz convierte ‘supernatural’ en algo grande y puede hacer que una pieza menor como la nana ‘i wish i hated you’ valga la pena. Sin embargo, la autora de ‘thank u, next’ ha cerrado discos mejor en el pasado. Los deleites que ofrece ‘eternal sunshine’ son varios, pero el conjunto no constituye ese gran regreso de Ariana que esperabas, cuatro años después.
Amigas! es un quinteto de Granada que lleva unos pocos años en activo. Casa Maracas, actual sello / editorial / agencia de management -entre otras cosas- de Los Planetas, Jota en solitario, El Último Vecino o çantamarta, le ha echado el ojo y publicará su primer disco el día 12 de abril.
Llamado ‘Todo importa tanto’, el debut de Amigas! es «un manual de canciones pop nostálgicas y ensoñadoras» en palabras del sello. De hecho, se atreve a describir ‘Mis movidas’ de la siguiente manera: «Etiquetarla como ochentera serviría para reducirla al mínimo sin mentir».
La primera new wave impregna el sonido de ‘Mis movidas’ de la misma manera que ‘Déjame en paz’ devanea entre el dream-pop y el sonido Future Islands. De hecho, los sintetizadores synth-pop están presentes en la música de Amigas! desde sus inicios, pues ya asomaban -recordando a New Order- en su ‘Canción Pasivo Agresiva’ de 2021, También autoeditada.
Pero las canciones de Amigas! también prosperan en la sencillez del indie-pop. Es el caso de su lanzamiento más reciente. No es ‘Nuevas formas de echar de menos’, en la que primaban guitarras en el estilo de Mitski o Phoebe Bridgers, sino su single posterior.
Publicado hace apenas días, ‘Afonía de alma’ -qué concepto- es la gran balada de Amigas!. Por un lado, la melodía remite al pop-rock alternativo de los 90. La etiqueta «college rock» viene a la mente necesariamente. Por otro, los punteos de guitarra luminosos gritan «Beach House» aunque las Amigas! estén afónicas.
Esa ‘Afonía de alma’ nace de un desencuentro amoroso. «Decepción» es de hecho la última palabra que se escucha en la canción. Amigas! utiliza la idea de afonía para hablar metafóricamente de un «corazón afónico», cansado, que «no te puede gritar más». Tienen las «heridas llenas de puta sal». ‘Afonía de alma’ hurga en la herida… y deleita, a la vez.
