Natalia Lacunza se hace con el número 1 en JNSP al ser lo más votado en X con ‘Nunca llega 05’. La artista logra el 43% de los votos y deja ‘Tension’ de Kylie en el puesto 2.
Entre los artistas que entran están Delaporte, Judeline, Roosevelt, Blonde Redhead, Kim Petras con Paris Hilton y Steven Wilson.
Desde hace unos días, en redes sociales empezó a correr el rumor de que Cher había secuestrado a su hijo, Elijah Blue Allman. Por fin, la cantante ha roto el silencio en una entrevista para la revista People en la que niega que tal hecho haya sucedido.
«Ese rumor no es cierto. Soy madre. Este es mi trabajo: de una forma u otra, tratar de ayudar a mis hijos», comentaba la artista. «Haces cualquier cosa por tus hijos. Siempre que puedas ayudarlos, simplemente lo haces, porque eso es ser madre. Pero es alegría, incluso con dolor; sobre todo cuando piensas en tus hijos simplemente sonríes, los amas y tratas de estar ahí para ellos».
Aunque la artista se negó a hacer más comentarios al respecto, sí que ha hecho alusión al problema de su hijo con la adicción y el abuso de drogas. «No sufro ningún problema que no padezcan millones de personas en Estados Unidos». Pese a que la relación entre Cher y su hijo ha sido complicada a lo largo de los años, sostiene que siempre estará ahí para ellos: «Podría llenar… ni siquiera sé, algo inmenso con lo que no sé sobre la maternidad. Simplemente sigo intentándolo».
Mientras tanto, Cher se prepara para publicar más música. La cantante lanzará su primer álbum navideño en más de 60 años de trayectoria musical el próximo viernes.
Olivia Rodrigo continúa en plena promoción de ‘GUTS’, su segundo trabajo discográfico. Desde que lo publicara el pasado 8 de septiembre, la artista ha concedido entrevistas a los principales medios de comunicación. La última de ellas, a Pitchfork, donde ha revelado que ‘Jagged Little Pill’ de Alanis Morissette es su álbum favorito.
La artista quiso participar en el podcast The Pitchfork Review, donde ya había sido invitada. Allí, se le preguntó por un disco 10/10 que ella considerase una obra maestra. Olivia Rodrigo no dudó en mencionar el álbum de rock alternativo de la cantante Alanis Morissette. «Crecí escuchando Jack FM con mis padres y ponían ‘Hand In My Pocket’, ‘You Oughta Know’, ‘Ironic’ y cosas así, así que creo que inconscientemente conocía esas canciones».
La artista, además, confiesa que escuchó detenidamente ‘Jagged Little Pill’ por una recomendación. «Un profesor de piano me dijo: ‘Dios mío, deberías escuchar este álbum. Es increíble’. Recuerdo que lo escuché y, siendo una niña de 12 o 13 años, pensé: ‘Dios mío, ¿se puede decir esto con música? Es una locura’. Y entonces hice una inmersión profunda. ¡¿Puedes decir ‘se la chupaste en un teatro’ en una canción?!».
Olivia Rodrigo también reconoce que una de las primeras canciones que escuchó del disco fue ‘Perfect’, que curiosamente no es ninguno de los singles. «Debí de ser una niña muy angustiada que tenía la presión del perfeccionismo encima de otra manera. No era de mis padres, pero debía de tener eso encima y simplemente escuché esa canción y fue como: ‘Oh, Dios mío, esto me dice tanto'». Añade que el disco es el «más humano que he escuchado nunca» y que la hace sentir empoderada.
.@OliviaRodrigo is featured on this week's PitchForks podcast, revealing “Jagged Little Pill” by Alanis Morissete is an album she considers flawless. — The PitchFork Review.
Malú tenía marcado en rojo este 2023 en su agenda. La artista cumple 25 años desde que sacara su canción debut, ‘Aprendiz’, y planea celebrar esta importante fecha para ella. Pese a que hasta ahora no había dado muchos detalles acerca de sus intenciones, ya ha revelado que será Ana Mena quien la acompañe en el inicio de esta nueva aventura.
Lo único que se sabía hasta el momento era que Malú estaba trabajando un álbum de colaboraciones. Ahora, parece que es evidente que ese álbum reunirá las canciones más importantes de su carrera. La primera de ellas que verá la luz será su ‘Diles’, tema que pertenece al disco homónimo de Malú. Y, acompañándola casi 20 años después desde que la publicara, estará Ana Mena.
«Viene siendo hora… Malú, diles!!!!», escribía la autora de ‘Madrid City’ en una publicación de Instagram. Malú le respondió al instante: «No te falta razón… Viernes 20/10». La canción saldrá justo en una semana, por lo que apenas habrá que esperar para comprobar cómo suenan juntas ambas artistas.
Esta colaboración es especialmente significativa para Ana Mena porque ‘Diles’ fue la primera canción que interpretó en directo en televisión cuando eran tan solo una niña. Ahora, lo volverá a hacer pero junto a la que le dio vida en 2005.
El nuevo proyecto de Malú la hará regrabar junto a otros artistas parte de su discografía, un movimiento que se está poniendo de moda en la industria musical. Hace unos días Melendi publicaba su himno ‘Con la luna llena’ con la compañía de Manuel Carrasco, que formará parte de su futuro disco ‘20 años sin noticias’, donde también repasará su carrera.
Hace unos días, en nuestra crónica del pasado Festival de San Sebastián, comentamos cómo Jaione Camborda había hecho historia al ser la primera cineasta española en hacerse con la Concha de Oro, el mayor galardón del Zinemaldia (sumando otro “primera vez”: primera película en lengua cooficial que lo consigue). Una semana después, ‘O Corno’ ya está en los cines, y el público puede conocer la historia de María, su protagonista.
Donostiarra afincada en Galicia, Camborda estudió en la Escuela de Cine de Praga y la Escuela de Cine de Munich, y, aunque hasta ahora no te sonase su nombre, no es éste su primer largometraje: ya con ‘Arima’ ganó en 2019 el premio a Mejor Dirección en el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Para esta segunda película, la directora, que se encarga también del guión, cuenta la historia de María, una mariscadora de la Isla de Arousa que, en 1971, ayuda a mujeres de su pueblo a tener sus hijos… y, extraoficialmente, también a no tenerlos. Es esto último lo que le hace tener que huir no ya de su pueblo, sino del país, y cruzar la frontera a Portugal para conservar su libertad. O algo parecido a “libertad”.
El título hace, de hecho, referencia al cornezuelo, hongo del centeno que se usaba en abortos clandestinos y que, claro, no está exento de peligros: el ergotismo, la enfermedad que provoca el hongo a través de la ergotamina, puede conllevar alucinaciones, e incluso gangrena por la contracción arterial. En cambio, en dosis bajas (simplificando mucho), se ha usado con fines terapéuticos; entre otras cosas, para prevenir las hemorragias postparto. Esta ambivalencia es uno de los principales temas de la película desde la misma dualidad parto/aborto, y es algo buscado por su directora, que hablaba en Público de “ese paralelismo entre el parto y la pérdida, donde se mezclan emociones muy profundas, no son exclusivamente placer, no son exclusivamente dolor, es algo que se mezcla con una intensidad más ambigua”. La oscuridad está presente durante casi todo el metraje (fantástica la fotografía de Rui Poças, dicho sea de paso), pero en esa oscuridad cohabitan el miedo (la escena de la barca) con la alegría y el placer (todo el pasaje de la verbena y el polvo).
Pero esa ambivalencia se da también en el propio tempo de la película, donde puede haber largos pasajes sin diálogo, un tempo pausado y dominado por los silencios y la observación (tanto de nosotros como espectadores como de la propia protagonista), pero que conviven con escenas fuertemente relacionadas con lo físico (“lo mamífero”, según contaba la directora en Vogue) y que no escatiman en trasladártelo. Sin ir más lejos, la película arranca con un parto de unos diez minutos que no llega al agobio de ‘Pieces of a woman’ pero casi.
Y este juego entre lo físico y los silencios encuentra su principal aliada en Janet Novás, la encargada de interpretar a María, con la que cuesta creer que sea su primera vez ante la cámara (estaba aterrorizada por ella, de hecho). Camborda había visto ya en escena a Novás, que realmente siempre ha sido bailarina, y la tenía fichada para un casting en el que, finalmente, se hizo con el personaje. Y la danza puede haberle ayudado en lo físico, pero es en el retrato de lo interior donde realmente conectamos con María, y donde más se luce Novás. De hecho, la escena final, donde ambos aspectos se mezclan, es probablemente lo mejor de la película. Funcionan peor otros pasajes donde el punto de vista cambia temporalmente (Anabela y su cliente, Luisa, el contrabando), y en general la película mejora cuando se cruza la frontera, pero igualmente, por lo ya comentado, merece la pena acercarse estos días a ver la Arousa de Camborda en ‘O Corno’.
Rudolph Isley, uno de los tres miembros fundadores de los Isley Brothers, a la izquierda en la foto, ha fallecido a los 84 años de edad, ha informado su hija en redes. Rudolph Isley ha fallecido acompañado de su mujer, Elaine, con la que llevaba 68 años casado.
Originalmente, los hermanos Rudolph, O’Kelly y Ronald Isley formaron los Isley Brothers a finales de los años 50. Su primer gran éxito comercial, ‘Shout’, tuvo lugar en 1959. Después, los hermanos Ernie y Marvin Isley se unieron a la formación, así como el hermanastro de Rudolph, Chris Jasper.
Aunque en formato trío los Isley Brothers obtuvieron grandes éxitos como ‘This Old Heart of Mine’ o ‘It’s a Thing’, la cumbre comercial de su carrera ocurrió cuando el grupo se transformó en sexteto, durante las décadas de los 70 y 80. Entre sus discos más exitosos se cuentan ‘3 + 3’, ‘Between the Sheets’ y ‘The Heat is On’, y singles como ‘That Lady’, el titular ‘Between the Sheets’, ‘Fight the Power’ o ‘Harvest for the World’ son clásicos del R&B y el soul.
Los Isley Brothers se cuentan entre las bandas más influyentes de la historia del R&B, algo evidente en la cantidad de veces que han sido (y siguen siendo) versionados o sampleados. No hace tanto Drake los sampleó en ‘Her Loss‘. Por supuesto, ‘Luxurious’ de Gwen Stefani se basaba totalmente en ‘Between the Sheets’, canción que seguramente inspiró ‘Between the Cheats‘ de Amy Winehouse. Tampoco hace mucho que Frank Ocean publicó una versión de ‘At Your Best (You Are Love)’ de Aaliyah, que a su vez era una versión de los Isley Brothers. La propia Aaliyah los volvió a versionar con ‘Choosey Lover’. Kendrick Lamar también incorporó una porción de ‘Who’s That Lady’ en ‘i’. En 2022, Beyoncé se sumó a una nueva versión de ‘Make Me Say It Again, Baby’.
De los Isley Brothers hoy sobreviven Ronald, Ernie y Chris. O’Kelly falleció en 1984, y Marvin en 2010. Un primer hermano, Vernon, falleció cuando O’Kelly y Ronald aún eran adolescentes, previamente a la formación de la banda, en un accidente de bicicleta.
A estas alturas del siglo XXI, uno habría imaginado en la discografía de Animal Collective su álbum que deconstruyera el trap, el reggaeton, la cumbia, la bachata y sobre todo el fado, pero nada de eso ha sucedido. Al menos de manera evidente. El grupo formado por Avey Tare, Panda Bear, Deakin y Geologist se tomó un descanso (más o menos) en un lapso tan importante, en el que cambiaron tantísimo las cosas, como fueron los años entre 2016 y 2022. De manera sorprendente, casi decepcionante, después de todo esto, continúan practicando el mismo sonido. Los autores del esencial ‘Merriweather Post Pavillion‘ no eran tan revolucionarios, ni experimentales, ni rupturistas después de todo.
Lo bueno es que su último disco hasta ahora, ‘Time Skiffs‘, fue una reconciliación con los parámetros de calidad, e ‘Isn’t It Now?’ confirma esta senda. En verdad, ambos discos los escribieron a la vez, en una bucólica campiña al suroeste de Nashville en el verano de 2019. Amenazados por la pandemia, seleccionaron los temas que podían grabar a distancia para el primero de estos dos álbumes. Y más adelante, terminaron ‘Isn’t It Now?’ durante 12 días en compañía del productor Russell Elevado.
La implicación de alguien que ha trabajado mano a mano con D’Angelo, The Roots y Kamasi Washington no da lugar al gran proyecto de soul y jazz de Animal Collective. Pero sí al que consideran uno de sus discos más comunitarios y vívidos. El piano de Deakin sorprende en la segunda mitad de ‘Magicians from Baltimore’, al igual que la zanfona de Geologist se asoma por casi la mitad del tracklist.
En una secuencia libre como pocas, ‘Isn’t It Now?’ ofrece algunas de las canciones más inmediatas que recordamos a Animal Collective junto a la canción más larga de su historia (22 minutos), dando lugar a su vez al que es el álbum más largo de los 12 que lleva el grupo. El single ‘Soul Capturer’, su típica producción deudora del sonido Beach Boys, aparece en versión «radio edit» en algunas ediciones, y es uno de sus temas más carismáticos. Mágico e intimidante al mismo tiempo, suena como un cumpleaños infantil al que alguien lleva un «hash-cake» por error. El asunto no acaba mal porque le sigue el kraut circense ‘Genies Open’, casi aceptable como un espídico vals, y a este la breve y popera ‘Broke Zodiac’. Un tema jamaicano, de nuevo infantil para bien, que parece mentira que hayan firmado Animal Collective. Lo mismo que más tarde ‘Gem & I’, una inesperada oda al pop de los 60 más tarareable.
La pieza de 22 minutos se llama ‘Defeat’ y es de lo más reivindicable en su transición de la ceremonia religiosa al éxtasis y de esto a una última parte que incluye uno de los momentos más teatrales de toda su carrera: «Isn’t it now? Defeat! Oh no, not now». Animal Collective se niegan a aceptar la «derrota» en el título que da nombre al álbum, el cual en numerosas ocasiones reflexiona sobre el paso del tiempo, cuándo todo se «convertirá en ceniza» y cómo podemos ser felices aceptándolo.
Más insultante es ese ‘Kings Walk’ en el que el grupo se pasa toda la canción troleando con sus armonías vocales, más bromista es el corte ‘All the Clubs Are Broken’, y más cuestionable es la construcción de ‘Magicians from Baltimore’. Su inicio como de thriller pasado por la psicodelia de los 60 termina incorporando el mencionado piano, con una línea ni bonita ni intrigante, que no sabemos qué quiere decirnos sobre «los magos de Baltimore», en este caso. La canción agradecería ser más loca o más abiertamente estrafalaria.
En cualquier caso, parece mentira que aparezca en el mismo álbum que ‘Stride Rite’, un inesperado tributo a los años 70 entonado por Deakin, que ya estoy esperando que versione Adele. Aun con la sensación de que muchas de las pistas de ‘Isn’t It Now’ van a su bola, es evidente que Animal Collective continúan con cosas que decir.
Troye Sivan publica hoy su nuevo álbum, ‘Something to Give Each Other’. Aupado por ‘Rush‘, a la postre un hit global que supera los 130 millones de streamings solo en Spotify, el disco contiene sorpresas como la colaboración de Guitarricadelafuente en ‘In My Room’ o el aún más improbable sample de Jessica Pratt en ‘Can’t Go Back, Baby’.
Después del estreno de ‘Got Me Started‘, que samplea la melodía de ‘Shooting Stars’ de Bag Raiders, muy conocida en el mundo de los memes; y del lanzamiento de su magnífico videoclip, Troye tiene más sorpresas.
El nuevo single de ‘Something to Give Each Other’ es ‘One of Your Girls’ y, en el videoclip, Sivan hace drag. Sirviendo fantasía de supermodelo de finales de los años 90, o de Britney Spears en diferentes épocas, Troye trata de seducir a Ross Lynch, cantante de R5 y The Driver Era, y estrella de Disney Channel, y con su nuevo look da una original vuelta al significado de la canción.
‘One of Your Girls’ habla, en palabras de Troye, sobre sus experiencias «con chicos que nunca han estado con otros chicos, y que han mostrado interés en mí». La letra es prácticamente una súplica: «di lo que quieras, lo mantendré en secreto, llámame si te sientes solo, seré como una de tus chicas». Troye canta que ese chico posee la «llave de su corazón».
Musicalmente, ‘One of Your Girls’ es una nueva delicia synth-pop de Troye Sivan, producida por su mano derecha Oscar Görres. Aquí, la referencia evidente es Daft Punk, en concreto, su disco final, ‘Random Access Memories‘ (2013). El sonido de vocoders y baterías es tremendamente similar, y la energía melancólica de la canción también. Solo la incorporación de una guitarra acústica lleva ‘One of Your Girls’ a un lugar diferente, a los 90 más que a los 70.
Bad Bunny ha publicado esta noche su nuevo álbum ‘nadie sabe lo que va a pasar mañana’, un título que llega con el mundo sumido en una nueva incertidumbre, debido a lo que se ha agravado el conflicto entre Israel y Palestina en los últimos días. Ese no es el tema de este álbum, no obstante, si bien el artista abre el proyecto con un tema solemne de grandes orquestas, de más 6 minutos, en el que habla de algunas de sus últimas sensaciones y polémicas. Como la del día que lanzó el móvil de una fan al agua (“tú no eres mi fan real, por eso te tiré el celular”).
El álbum se ha presentado con dos sencillos llamados ‘WHERE SHE GOES’ y ‘UN PREVIEW’, que no son nada representativos de lo que encontramos en esta hora y 20 de música. Lo más llamativo es que el single principal ‘MONACO’ contiene una sonora reivindicación de Charles Aznavour, uno de los grandes genios de la canción francesa. Escuchamos arreglos de ‘Hier encore‘ y su propia voz como leit motiv. En esos primeros instantes del álbum, el Kanye West de los grandes samples y de los grandes gospels parece una referencia.
Si pensabas que se podía “voguear” con el single ‘WHERE SHE GOES’, enmarcado en la moda “club rap”, esa tendencia se confirma en la pista ‘CYBERTRUCK’, que no en vano es sucedida por un interludio llamado ‘VOU 787’ en el que se samplea el ‘Vogue’ de Madonna. No encontramos a la artista acreditada, pero sí mencionada: «Si fuera mujer, yo fuera Madonna, yo fuera Rihanna (RiRi) / Implantando moda; Mariana y Silvana».
‘nadie sabe lo que va a pasar mañana’ no parece contener featurings, porque no hay nadie más visiblemente invitado si miramos el disco en plataformas. Pero no es cierto. Mora aparece en el techno machacón de ‘HIBIKI’. Luar L L aparece rapeando en ‘TELÉFONO NUEVO’, un tema que menciona a Michael Jackson. Y Ñengo Flow & De La Ghetto están entre los invitados de ‘ACHO PR’.
Bad Bunny dice que no es “rapero ni trapero” en ‘NADIE SABE’, pero hay muchísimo de rap y sobre todo trap en el grueso de estas 22 canciones. Lo que casi no hay es reggaeton. Diría que hay que dejar pasar hasta 19 pistas del álbum para que aparezca un reggaeton claro, el de ‘PERRO NEGRO’. De hecho, su primera frase, pronunciada por una voz femenina, es «Al menos dame un perreíto, amor». Entre las pistas más juguetonas, los sintetizadores de ‘NO ME QUIERO CASAR’, una rara avis dentro de este proyecto, y el R&B de ‘LOS PITS’.
Hoy viernes 13 de octubre se ponen en circulación nuevos discos de Bad Bunny, Troye Sivan, Jamila Woods, CMAT, Offset, Holly Humberstone, The Drums, L’Rain, Crosses o Maple Glider. En formato corto salen epés de boygenius, COBRAH o Yarea.
Entre los singles destacados, PinkPantheress entrega un segundo adelanto de su disco de debut, ‘Heaven Knows’, Zahara publica -al fin- ‘Esto no es una canción política’, Lenny Kravitz vuelve bailongo con ‘TK421’, Loreen publica nuevo single, ‘Is it Love’; Ice Spice y Rema unen fuerzas en ‘Pretty Girl’ y Allie X vuelve con ‘Black Eye’.
También salen nuevos adelantos de los próximos discos de The Vaccines, Brittany Howard, blink-182, Niña Polaca, Actress, Putochinomaricón o Beirut.
No olvidamos lo nuevo de Lauren Mayberry, el dueto de PNAU y Empire of the Sun, el ‘Sex’ de George Riley y Hudson Mohawke, el homenaje a los 90 de Samantha Hudson ni las novedades que hoy entregan Chica Sobresalto, DELLAFUENTE, Em Beihold, Sen Senra con Mc Dricka, Maricka Hackman o Mr Eazi.
Como siempre, comentamos algunas curiosidades: The Haxan Cloak (co-productor de ‘Vulnicura‘ de Björk) publica su primer single en 10 años, Skepta homenajea a Amy Winehouse sampleando ‘Tears Dry on Their Own’, easy life publican single en medio de la polémica de su cambio de nombre y Alfred García lanza nuevo single en catalán.
En 1991, un joven director afroamericano que acababa de irrumpir en Cannes y en los Oscar como un miura en Estafeta, apareció en un anuncio de Levis: era Spike Lee corriendo los Sanfermines. La visión del cineasta en este contexto tan inesperado y tan “nuestro” provocó en España una especie de cortocircuito cognitivo. Algo así como ver arder los pasos de Semana Santa cual fallas en ‘Misión Imposible 2’.
Algo parecido ocurre cuando aparece Travis Scott en el vídeo ‘Sirens’. Ver a un rapero tejano vestido de casteller de Vilafranca o pintando grafitis por Ciutat Meridiana mientras un yayo sin camiseta riega las plantas de su terraza, es un impacto visual que hay que asimilar poco a poco.
Recuperados de la impresión, ‘Sirens’, fragmento dirigido por Canada extraído del largometraje musical ‘Circus Maximus’, funciona bastante bien como exótica ilustración de una canción que pertenece a un álbum de título tan significativo como ‘Utopia’. La demostración de compañerismo y fraternidad que supone el levantamiento de una torre humana casa muy bien con la resonancia semántica de la palabra “utopía” que el rapero escribe en una escena del clip.
La puesta en escena del vídeo enfatiza este concepto. Muchos planos de gente corriendo, en grupo, apoyándose unos a otros, casi como hormigas que trabajan juntas para conseguir un objetivo, una “utopía”: salir del hoyo, escapar de la oscuridad en la que se encuentran.
El filósofo, escritor y activista trans Paul B. Preciado presentó en la pasada Berlinale su opera prima, ‘Orlando, mi biografía política’, donde se alzó con el Premio Especial del Jurado de la sección Encounters, el Teddy Award al mejor documental LGTB y una Mención Especial al Mejor Documental del festival.
Definirla como una adaptación de ‘Orlando’ no sería del todo preciso, pero la obra de Virginia Woolf sirve como hilo conductor para exponer la experiencia trans y no binaria desde diferentes personajes de distintas edades y entornos sociales. Aquella novela, publicada en 1928, se centraba en un personaje que cambiaba de sexo hacia la mitad de la historia, estableciendo así uno de los primeros referentes trans de la literatura. Preciado utiliza su película para escribir a Virginia Woolf y contarle el impacto que su obra ha tenido para las personas trans y no binarias: “el mundo actual está lleno de Orlandos y estamos cambiando el curso de la historia”.
En esta suerte de ensayo fílmico, Preciado pone sobre la mesa las dificultades a las que tienen que enfrentarse las personas trans por mostrarse al mundo tal y como son. Hay rabia y fuerza en este sentido retrato hacia un colectivo cuya existencia choca de bruces contra una sociedad encorsetada en unos patrones de género muy definidos y que tiene que pasar por procesos médicos y administrativos complejos. En esto último, se hace hincapié: en la violencia implícita que se oculta detrás de que un documento de identidad marque obligatoriamente el sexo. Preciado aboga por que la documentación prescinda de este dato, al igual que nunca se indicaría la raza o la orientación sexual.
Esta es una de las muchas causas sociales que defiende ‘Orlando, mi biografía política’, un proyecto cuyo objetivo principal es defender el lugar de las personas trans en el mundo, sacarlas de las sombras, mostrarlas para que las vean. En medio de este potente manifiesto sociopolítico, Preciado brinda en ocasiones momentos demasiado divulgativos y didácticos, que quizá podrían haberse omitido. Es evidente que su intención nunca fue jugar con la sutileza, sino gritar su mensaje para que llegue al mayor número de gente posible, pero lo cierto es que la película funciona mucho mejor cuando se adentra a explorar y celebrar la belleza de lo trans -mediante las declaraciones de los “intérpretes” o en su juego metatextual- que cuando se excede en subrayar las situaciones desagradables a las que se enfrentan diariamente sus Orlandos.
Es interesante que aunque, como su título indica, la cinta se trata de una autobiografía, Preciado extrapola sus experiencias individuales a una experiencia colectiva, pues entiende que los detalles de las vivencias personales no son tan importantes como las compartidas. En esta falta de ego y en ese ímpetu por visibilizar a los suyos es donde se encuentra lo más valioso de ‘Orlando, mi biografía política’, un ejercicio de cine tan libre e híbrido como la propia identidad de género.
Ni ‘Las Babys’ -que, ojo, es doble platino- ni ‘miamor’ con Rels B, ni la colaboración con Danna Paola que tan bien ha acogido el público. La producción más sofisticada de ‘alpha’, el nuevo disco de Aitana, después de ‘Los Ángeles’, es ‘Dararí’.
En un momento dado, parecía que podía convertirse en su nuevo hit. Pero Éxitos España, la playlist más importante de Spotify en nuestro país, ha dejado de apoyarla tan sólo después de 3 semanas. Están demasiado ocupados apoyando ‘El mambo’ de Kiko Rivera. En cualquier caso, ‘Dararí’ es la Canción del Día para este jueves en JENESAISPOP.
«Da, da-ra-ra-ra-ri-ra-rá» es el estribillo de esta canción, por lo que tiene su gracia que aparezca en la secuencia de ‘alpha’ justo después de la adaptación de ‘Saturday Night’. Recordemos que aquel hit noventero también se conocía como el «dididadadá» porque así es como comenzaba.
‘Dararí’ se sitúa igualmente en la misma década, especialmente a través de bombo y piano, pero es un tema más melancólico y triste, de ruptura. Aitana afirma que «nunca nos entendimos» y que «aquí no queda nada / Lo sabеmos de hace tiempo / aunquе tú no lo aceptabas».
En un «track by track» realizado para Los 40 Principales, Aitana sitúa ‘Dararí’ como una de sus favoritas del disco, gracias a su trabajo con Kuinvi (la productora ecuatoriana Valentina López): esta es una de las producciones que NO ha realizado con Andrés y Mauricio, autores de ‘Despacito’ y frecuentemente su mano derecha. Indica: «‘Dararí’ es de las que más me gusta del disco. Trabajé con Kuinvi y fluyó mucho en el estudio. Me cogí el micro, me puse los cascos, me puse una base y empecé a soltar melodías. Fue súper fuerte. Luego ya acabé la letra, pero es una canción muy de aquel momento».
‘Al Final Abrazos’ es el single más escuchado de toda la carrera de Mujeres. Un grupo que lleva 10 años en activo, que es capaz de lanzar el mayor éxito de su carrera en el momento presente, en lugar de solo al principio, no le debe tanto a la suerte, y sí mucho -todo- al talento y a la constancia. El trío de Barcelona no ha parado de tocar, en su paso al castellano ha sacado los mejores discos de su trayectoria, y el nuevo, ‘Desde flores y entrañas’, continúa lógicamente por la senda de su sorprendente colaboración con Cariño.
Como ya demostró ‘Rock y amistad’ (2021) después de ‘Siento Muerte’ (2020), y también exhibieron lanzamientos previos, Mujeres están sabiendo esculpir su sonido cada vez mejor, disco a disco. ‘De flores y entrañas’ es un disco particular en su discografía, en tanto que Yago Alcover, Pol Rodellar y Arnau Sanz lo han podido preparar y amasar poco a poco, sin prisa, por primera vez, sin la presión de tener un plazo respirándoles en la nuca. Ellos se han dejado llevar por el río de la inspiración, y les han terminado saliendo 17 canciones, nada menos. No han querido dejar ninguna fuera.
Y no tendrían motivo. Las canciones de ‘De flores y entrañas’ son sólidas e inmediatas, y equilibran potencia guitarrera y melodía pop como pocas veces en su carrera, sobre todo a nivel proporcional. La influencia del surf-pop, sobre todo de las armonías de los Beach Boys, sigue muy presente, pero los mimbres siguen anclados en el garaje-punk clásico, y el trío prueba otras cosas también, logrando que el disco se pase más rápido de lo esperado ante un tracklist tan largo.
‘Las victorias y derrotas’ abre sonando a todo un tiro de los Ramones, pero Mujeres ni mucho menos se estancan explorando este sonido en el disco. El mejor ejemplo es el sorprendente primer single, ‘Horizontal en llamas’, que, prescindiendo de percusiones, directamente es una canción de dream-pop, y una de las más bellas que el grupo ha firmado. En el estilo clásico de Mujeres despunta el single ‘Si piensas en mí’, aún apegado al organillo que ya sonaba en ‘Al final abrazos’, y ‘Diciendo que me quieres’ ni siquiera disimula la influencia de Phil Spector, utilizando el ritmo clásico de ‘Be My Baby’.
‘No puedo más’, con toda la desesperación que reúne su letra, en un disco que habla básicamente de los males de la vida, del amor, resacas y demás tópicos cotidianos, es otro buen single de Mujeres, pero ‘Entre flores y entrañas’ presenta otras agradecidas sorpresas. Ninguna de las cuales tiene que ver con el flamenco, por cierto, a pesar de que la banda dice que el título del disco está inspirado en el de ‘Potro de rabia y miel’ de Camarón de la Isla.
‘Se avecina una herida’, la pista 2, apuesta decididamente por un sonido que es puro bubblegum-punk. La influencia surfera está en todo el disco, pero el sonido hawaiano quizá nunca había sido tan explícito. Es una pena que Mujeres solo lo exploren de manera tangencial: ‘Cuando lágrimas arden’ podría ser una de las mejores canciones del elepé, pero se acaba antes de que haya empezado. Con un guitarrazo, Mujeres, más que acabarla, se la quitan de encima. ’Por lo visto ya da igual’, por otro lado estupenda, inicia esta misma senda para abandonarla enseguida. Quizá ‘Como una bendición’ despunta muy por encima del resto, pues es una canción basada en la tensión, que nunca explota.
A lo largo de 47 minutos, a Mujeres les da tiempo de entregar canciones que se crecerán en sus cada vez más concurridos directos, como la trotona ‘Una consecuencia extraña’; ‘Se contempla una opción’, que vuelve a recoger el legado punk pop de los mejores Alaska y los Pegamoides; o ‘Estallido sin cambios’, algo así como su versión particular del mayor hit de The Jesus & Mary Chain. También les da tiempo a repetirse a sí mismos, como en temas como ‘Solamente es brutal’ o en el tramo final del repertorio en canciones bastante irrelevantes para el global del disco como ‘Doblemente mal’. Por suerte, ‘Temporal sentimental’ ofrece un necesario respiro de tanta energía sonando curiosamente country, y ‘Una pasión concreta’ es otro caramelo a un organillo pegado. Mujeres, en forma.
La Comunidad de Madrid está celebrando la Hispanidad con una serie de actividades culturales que están teniendo lugar entre los días 6 y 15 de octubre. Los conciertos más destacados llegarán después de este 12 de octubre, a cargo de Carlos Sadness, Delaporte o Cupido. Todos ellos actuarán de manera gratuita en la Plaza Mayor. Delaporte lo harán el viernes 13 a partir de las 19.00 horas, y Carlos Sadness a partir de las 21.30 horas hasta completar aforo. Cupido actuarán un día después, el sábado 14 de octubre a las 21.00 horas después de la cantante portorriqueña Rainao.
Entre las sorpresas, hoy 12 de octubre, la panameña Lorna (sí, la del ‘Papi Chulo’) actuará en Matadero a las 17.30 en colaboración con AIE. En este caso, hay que descargar invitaciones en esta web.
Los eventos culturasles se sucederán en La Plaza de la Remonta, Plaza de España, Parque Santander, Cibeles o Callao. En total, serán 700 artistas procedentes de 17 nacionalidades. Los detalles los podéis consultar en esta web. Os dejamos la programación de 12 y 13 de octubre.
12 DE OCTUBRE
MÚSICA, FOLCLORE Y CIRCO
Mestizas. Plaza del Callao. 12h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Susobrino. Plaza del Callao. 18:30h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Las Karma. Matadero. 13h. Actividad gratuita.
Concierto AIE: Lorna. Matadero. 17:30h. Actividad gratuita.
La huella teatro – Los Ckuris. Plaza de Oriente. 20:30h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Asociaciones hispanas de folclore de la Comunidad de Madrid. Puerta del Sol. 13h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo. Asociaciones participantes: Fraternidad cultural diablada Bolivia, Cal y canto, Yubadanza – Un paso por Colombia, Ballet andino ecuatoriano Quitus, Proyección folclórica Honduras, Nicaragua mía, Escuela de danza paraguaya Kathia Coronel, Ballet folclórico arte y tradición andina del Perú.
Actua Produccions. Puerta del Sol. 19:45h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Ballet corporación juventud folclórica. Plaza de Remonta. 13h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Vicente García. Plaza de Remonta. 21h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Lucía Campillo. Galería de las Colecciones Reales. 11:30h y 12:30h. Entrada gratuita con la entrada del Museo. Aforo muy limitado.
Tyl y Tyl. Jardines de los Palacios de la Finca Vista Alegre. 13h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Inti Killa. Jardines de los Palacios de la Finca Vista Alegre. 14:30h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Circo Bucraà. Parque Santander. 12h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Arrabel. Parque Santander. 12:50h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Estranya Cía Teatre. Parque Santander. 13:15h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Tyl y Tyl. Parque Santander. 17:30h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Juan Valderrama, María Toledo y la orquesta Cruz Diez. Plaza Mayor. 13h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Corral de la Morería. Plaza Mayor. 21h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Yo soy Ratón. Plaza de España. 13h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Héctor Guerra. Plaza de España. 20h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Nativos Macondo. Plaza de Felipe II. 13:30h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Nativos Macondo. Plaza de Toros de Las Ventas. 17h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Los Chocolatinos. Sala El Intruso. 21:30h. Madrid
Grupo Bonyé. Plaza de San Francisco (Sevilla) . 20h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
TEATRO
Rodrigo Sosa. Sala de Cristal de Teatros del Canal. 21h.
Los Colochos – Reina. Sala Verde de Teatros del Canal. 19:45h.
Luis de Tavira – La última Cinta de Krapp. Teatro de la Abadía. 19h.
Linda Mirabal, Nelson Toledo y Clara Zayas. Jardín del Teatro de La Abadía. 13h. Actividad gratuita.
La abuela del escorpión. Centro Cultural Paco Rabal. 20h.
Leviatán. Replika Teatro. 19h
Anan DJ Set: Cosas inútiles. Sala Tarambana. 21h
MUSEOS Y EXPOSICIONES
Concierto Musae. La canción americana. Museo de América. 12h.
Visita temática Galdós y la fragata numancia. Museo Naval. 17h
OTRAS ACTIVIDADES
Espectáculo Piromusical. Plaza de Cibeles. 21.30h
Corrida de Toros de la Hispanidad. Plaza de las Ventas. 18h
13 DE OCTUBRE
MÚSICA, FOLCLORE Y CIRCO
Encuentros 1ª Jam Session. Casa de América. 19h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Yeli Yeli. Plaza del Callao. 18h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Nico Sorín. Matadero. 17:30h.
Alas Cierto Teatro. Puerta del Sol. 17:30h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
La Huella Teatro – Los Ckuris. Puerta del Sol. 19.45h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Naiza. Plaza de Remonta. 18:30h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Grupo Bonyé. Plaza de Remonta. 18:30h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Camino a Mercedes. Casa Sefarad-Israel. 19h.
Delaporte. Plaza Mayor. 19h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
Carlos Sadness. Plaza Mayor. 21:30h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
TEATRO
Susana Baca. Sala Verde de Teatros del Canal. 19:45h.
H.E.R.N.I.A. Sala Tarambana. 20h.
Leviathan. Replika Teatro. 20h.
Se suponía que esto era el futuro. Teatro Pradillo. 20:30h.
MUSEOS Y EXPOSICIONES
Mesa Redonda: Espacios de reflexión. Nuevas miradas sobre la colección: afrodescendientes. Museo de América. 17h.
OTRAS ACTIVIDADES
Cocina Mexicana, a cargo del puesto Vegicano. Mercado municipal de Tirso. De 12h a 13:30h. Actividad gratuita. Acceso libre hasta completar aforo.
CINE: El Suplente. Casa de México. 19h
RTVE informa de que ha recibido 825 propuestas de canciones para la nueva edición de Benidorm Fest. La cifra es similar, aunque más baja, que en 2023 y 2022, cuando se presentaron 876 y 886 temas, respectivamente. No obstante, indican que ha aumentado la variedad de estilos en favor de la “electrónica, el trap y el reggaeton”.
De estas 825, 23 de las registradas han surgido de un campamento de composición llevado a cabo por RTVE entre compositores españoles e internacionales. Próximamente se sabrá más de ese encuentro que se realizó en septiembre. Rayden, que es uno de los asesores musicales este año, ha dado algunos de los detalles más interesantes sobre estos 825 nombres.
En un tuit publicado en X, ha revelado que hay artistas “de renombre con millones de oyentes mensuales que quieren sorprender”. Es decir, gente bastante famosa. No todo el mundo tiene más de 1 millón de oyentes mensuales. También que hay “artistas de prestigio de la escena indie”. E igualmente “artistas emergentes” de los que ya se ha hecho fan.
El próximo 11 de noviembre se presentará en Sevilla a los 16 participantes definitivos de Benidorm Fest 2024. Será en el entorno de los Latin Grammy que se celebran en la ciudad.
Como es habitual, el Benidorm Fest se celebrará los días 30 de enero, 1 de febrero y 3 de febrero. Este último día será el de la Gran Final.
Gracias a todos los grupos y artistas que habéis querido mostrar vuestro saber hacer: – A los de renombre con millones de OM que quieren sorprender. -A los de mayor prestigio en la escena indie. -A los artistas emergentes de los que me he hecho fan.
Lolahol ha sacado nuevo single, ‘Spelling’. La hija de Madonna, que se llama Lourdes Leon pero que cuando graba lo hace bajo el nombre Lolahol, continúa dando sus andadas musicales y su nuevo lanzamiento sirve para hacer homenaje a su madre.
Pese a que todavía faltan unas semanas para Halloween, en Estados Unidos ya ultiman los preparativos y Lolahol lo sabe. Por ello, para meterse de lleno en la festividad del 31 de octubre, la artista ha sacado una canción que juega con la temática. De hecho, el videoclip está lleno de murciélagos, un elemento fundamental de Halloween.
Sin embargo, lo que más ha llamado la atención de este nuevo lanzamiento son las intenciones que hay detrás del mismo. La cantante ha confesado en redes sociales que ‘Spelling’ ha sido inspirada por su madre. Más concretamente, por la canción ‘Frozen’, que ella misma describe como una «obra de arte atemporal».
«Esa canción [‘Frozen’] ha aparecido innumerables veces en mi vida, conectándonos a las dos. No sería nada sin la mujer que me trajo al mundo», ha escrito Lourdes Leon en su cuenta de Instagram, quizá refiriéndose a que ella misma protagonizó una performance sobre el tema para la gira ‘Madame X’ de Madonna. El homenaje al tema también es palpable en el videoclip, dirigido por Claire Farin y en el que hay guiños a algunas de las escenas de ‘Frozen’.
Esta es la continuación de la canción ‘Lock & Key’ con la que la artista debutó el año pasado. Posteriormente publicó un EP titulado ‘GO’.
Kali Uchis había prometido sacar este año dos discos: uno en inglés y otro en español. El que estaba en inglés se llamó ‘Red Moon in Venus‘ y ya lo conoces porque ha dejado un pequeño hit llamado ‘I Wish You Roses’ y un poderoso viral titulado ‘Moonlight’.
Quizá por el alcance de esta última, por encima de los 400 millones de streaming, es que su álbum en español se ha retrasado un poquito, pero al menos hoy la artista le ha puesto fecha. Se llamará ‘Orquídeas’ y será uno de los primeros discos que nos traerá 2024. Saldrá el 12 de enero.
Kali Uchis ha explicado que la orquídea es la flor nacional de Colombia y que hay allí más tipos de esta flor que en ningún otro lugar de la Tierra. «Siempre me he sentido intrigada y atraída por esta flor. Este álbum está inspirado por el encanto atemporal, inquietante, místico, llamativo, elegante y sensual de la orquídea. Con este vasto alcance de energía fresca, deseo redefinir la forma en que miramos a las latinas en la música».
Doja Cat vuelve a estar envuelta en polémica. La artista, que acaba de publicar su nuevo disco ‘Scarlet’, ha sido objeto de controversia en redes sociales por su última publicación, en la que se la veía con una camiseta de un conocido cómico de ultraderecha.
A la cantante, que en las recientes semanas ha sufrido el cabreo de sus fans por diversos motivos, como lo fue la portada de su álbum o sus comentarios acerca de su relación con sus seguidores, vuelven a lloverle las críticas. En esta ocasión, por la camiseta que mostró en una de sus publicaciones de Instagram, donde se veía a Sam Hyde, humorista vinculado a los movimientos de extrema derecha.
Según amplía Buzzfeed, Hyde había sigo coguionista en la serie de Adult Swim Million Dollar Extreme Presents: World Peace de Adult Swim, que acabó siendo cancelada por incluir mensajes racistas y sexistas. Además, en la imagen del cómico que llevaba la camiseta de Doja Cat se lo podía ver sosteniendo un rifle, meme que se usa a veces en Internet después de tiroteos masivos.
Las redes sociales empezaron a llenarse de comentarios al respecto, predominando la decepción por la elección de ropa de la artista. A raíz de ello, Doja Cat eliminó la publicación. Pero no se quedó ahí: a los pocos minutos, volvió a subir una fotografía similar en la que recortaba esa misma camiseta. La foto era acompañada por emoticonos de resignación.
Aunque Doja Cat no ha vuelto a manifestarse sobre la polémica, su número de seguidores disminuyó en las horas posteriores a la publicación de la controvertida fotografía. Actualmente, su canción ‘Paint The Town Road’ es número 1 en Spotify.
Doja Cat deletes and reposts cropped photo after being called out for wearing a shirt of alleged Neo-Nazi comedian Sam Hyde:
easy life tiene los días contados bajo ese nombre, que los ha visto crecer desde su formación en 2017. Después de 6 años que los cinco integrantes han aprovechado para darse a conocer dentro del nicho del indie pop alternativo, la banda tendrá que decir adiós a su nombre debido a una demanda.
Todo comenzó hace unos días, cuando easyGroup, propietario de la marca de aerolíneas británica easyJet, iniciara acciones legales contra el grupo alegando que su nombre infringía la marca que ellos mismos habían registrado, siendo demasiado similar.
Según The Guardian, la empresa también alegó que la banda había dañado la reputación de easyGroup al utilizar palabras obscenas en el escenario, y citó un informe que afirmaba que el líder Murray Matravers se había emborrachado durante una actuación. Asimismo, el periódico ha desvelado que EasyGroup suele emprender acciones legales de este tipo, destacando el intento de impedir que Netflix titulara Easy a una de sus series en 2018.
La banda de ‘life’s a beach’ ha informado en un comunicado que no se defenderá por la alta carga financiera que implicaría hacerlo. «Simplemente no tenemos fondos para acceder a un juicio justo en el Tribunal Supremo. Por no mencionar el hecho de que esto probablemente se prolongaría hasta 2025, y con esto pendiendo sobre nosotros no podríamos publicar música mientras tanto. Nuestras carreras, y de hecho nuestras vidas, estarían en suspenso».
El grupo se despedirá de su actual nombre en los dos conciertos que tiene programados para esta semana, tanto en Leicester como en Londres. Se rumorea que será entonces cuando haga el anuncio de su nuevo nombre.
El multiinstrumentista, compositor y productor Masego ha anunciado su próxima gira, Where We Going? Tour. Por primera vez en su carrera, el artista visitará hasta 15 países, entre los que se incluye España, con paradas tanto en Barcelona como en Madrid el 6 y 7 de febrero de 2024 respectivamente.
Las entradas saldrán a la venta este mismo viernes a las 10:00, aunque la preventa comenzará el día anterior a las 18:00. El precio rondará en torno a los 37 euros. Se podrán comprar en livenation.es.
La girá comenzará el 24 de enero del año que viene y, entre sus platos fuertes, está el emblemático Alexandra Palace de Londres. Cuando visite nuestro país, lo hará con conciertos en el Sant Jordi Club de Barcelona el 6 de febrero y en La Riviera de Madrid el 7 de febrero.
El artista jamaicano-estadounidense es respetado por diversos cantantes del nicho como Andre 3000, Cab Calloway o Jorge Ben Jor, y ha sido pionero en una evolución del sonido que comenzó como «traphousejazz» y desde entonces ha florecido en una fusión multicultural. El año pasado logró una nominación en los Grammy por su ‘Studying Abroad: Extended Stay’ y, entre sus últimos singles, destacan su cover de ‘Lost’ y ‘Tipsy’ junto a IzyBeats y Toian.
Fechas Where We Goin? Tour:
24 enero – Oslo – Sentrum Scene
26 enero – Estocolmo – Annexet
27 enero – Copenague – Falkoner Salon
30 enero – Hamburgo – Edel-Optics.de Arena
31 enero – Berlin – Columbiahalle
1 febrero – Viena – Gasometer
3 febrero – Zurich – Komplex 457
4 febrero – Milán – Fabrique
6 febrero – Barcelona – Sant Jordi Club
7 febrero – Madrid – La Riviera
8 febrero – Lisboa – Sagres Campo Pequeno
11 febrero – París – Zénith
12 febrero – Bruselas – Ancienne Belgique
15 febrero – Amsterdam – AFAS Live
16 febrero – Colonia – Palladium
19 febrero – Glasgow – O2 Academy Glasgow
20 febrero – Londres – Alexandra Palace
22 febrero – Manchester – O2 Apollo
23 febrero – Bristol – O2 Academy Bristol
25 febrero – Dublín – 3 Olympia Theatre
Coincidiendo con el décimo aniversario del lanzamiento de ‘The Bones of What You Believe‘, el debut de CHVRCHES de 2013, su vocalista Lauren Mayberry ha decidido publicar sus primeras canciones grabadas en solitario. Su salto a solas se anticipó con el anuncio de una nueva gira que traerá a Mayberry a Barcelona y Madrid los días 24 y 25 de octubre, respectivamente.
Sorprendente fue el primer single, ‘Are You Awake?‘, una balada a piano compuesta junto al mano derecha de Adele, Tobias Jesso Jr. El segundo, ‘Shame’, ha llegado hace unas horas, y se desmarca por completo del formato balada para entregarse a las guitarras y a los sintetizadores. ‘Shame’ propone un sonido glam que puede recordar al de St. Vincent.
‘Shame’ habla de la vergüenza que ha sentido Lauren por sentirse atraída sexualmente hacia un tipo de masculinidad tóxica. Lauren pone de ejemplo a Troy Dyer, el personaje que interpretó Ethan Hawke en la película de 1994 ‘Bocados de realidad’, y también el festival ‘Woodstock 99’, la «época de los sex tapes» o la serie ‘Girls Gone Wild’. Mayberry asegura que crecer con ese tipo de cultura en sus años formativos influyó negativamente en el desarrollo de su propia sexualidad, en sus relaciones y en su «identidad en el mundo».
En ‘Shame’, Mayberry canta que se siente «esquizofrénica» y que «romantiza el dolor» y compara metafóricamente su vergüenza con el acto de «beber gasolina» y, a la vez, ser la «llama». La vergüenza llega a un punto desesperante cuando Mayberry canta cosas como «qué embarazoso llegar tan lejos y nunca poder cambiar». Mientras, el sonido de ‘Shame’ representa ese conflicto que Mayberry siente en su fuero interno. El contexto musical no puede ser más diferente al de CHVRCHES.
LA MAMIE’s, el colectivo de DJ’s de París, muy conocido en la escena electrónica por sus alucinantes sesiones donde mezclan deep house, techno, acid, dub, jazz y soul, como la que podéis ver bajo estas líneas, grabada en el Boiler Room de Hong Kong, vuelve a España.
La sala Razzmatazz de Barcelona acogerá una nueva sesión de LA MAMIE’s que promete ser inolvidable: será el sábado 14 de octubre y la entrada está disponible a un precio de 17 euros anticipada, 20 euros en taquilla. La apertura de puertas será a la 1 horas, en la noche del sábado al domingo.
Fundado en 2007, el colectivo LA MAMIE’S «ha iluminado la escena musical de París en sus shows en Le Mellotron, el Macki Music Festival y La Ferme du Bonheur», citando las palabras de Razzmatazz. El colectivo «ha hecho innumerables conciertos en París, incluso en La Machine du Moulin Rouge, alrededor de Europa, en festivales en Asia como Wonderfruit en Tailandia y la coorganización de Shi Fu Miz En Hong Kong».
El sonido de LA MAMIE’S «se sumerge en todas las formas de la música house, abrazando otros géneros como el reggae, el jazz y el drum&bass», continúa la nota. Creando la atmósfera apropiada, el colectivo está en la constante búsqueda de ese lugar donde prevalece el espíritu festivo».
En el evento, LA MAMIE’s compartirá cartel con DJ2D2. El proyecto de David Pérez es conocido desde finales de los 90 y es muy querido por la elegancia de sus sesiones.
Travis Birds ha venido presentando durante los últimos meses hasta media docena de singles de su tercer disco. ‘Perro Deseo’ es su trabajo más luminoso, como probaba la deriva del single ‘Mis aires‘, o la misma portada del álbum, tan colorida. La cantante se niega a apegarse a ningún estilo ni etiqueta -de hecho muchas de sus canciones presentan varios cambios de ritmo-, aborrece la palabra «cantautora», y pasamos media hora de charla bromeando y reflexionando sobre géneros y su feliz difuminación. Estopa, Pereza y Sabina salen a colación, aunque la noticia es la sonrisa y la ilusión con que la artista presenta su trabajo nuevo. Desde este jueves 12 de octubre, lo estará presentando en directo en las siguientes plazas. Detalles, aquí.
12 de octubre | Bilbao | Kafe Antzokia
13 de octubre | Vitoria | Jimmy Jazz
28 de octubre | Valladolid | Porta Caeli
4 de noviembre | Madrid | La Riviera
11 de noviembre | San Sebastián | Doka
17 de noviembre | Alicante | Sala Stereo
18 de noviembre | Valencia | Jerusalem
14 de diciembre | Burgos | Sohho
15 de diciembre | Pamplona | Sala Totem
16 de diciembre | Oviedo | Sala Gong
26 de enero | Villena | Teatro Chapí
2 de febrero | Granada | Aliatar
3 de febrero | Murcia | Sala REM
9 de febrero | A Coruña | Garufa Club
10 de febrero | Vigo | La fábrica de chocolate
23 de febrero | Zaragoza | Sala López
24 de febrero | Barcelona | Sala Apolo
2 de marzo | Sevilla | Sala Custom
9 de marzo | Almería | Berlín Social Club
10 de marzo | Málaga | La Cochera Cabaret
Tu sello vende este disco como el más luminoso de tu carrera… ¿Estás de acuerdo?
Usamos el término “luminoso” porque son canciones que tienen bastante más color y luz que las del disco anterior, que era muy oscuro, como muy de subconsciente y de dentro. Este sale más fuera y no está tanto en los pensamientos como en la acción.
¿El concepto está más bien en las letras?
¡Y musical también! Porque, al final, la música tiene un color más potente, más fuerte y contrastado.
El disco tiene mucho matiz, es difícil de situar en un género. Tiene partes más rockeras, otras más electrónicas, algunas de pop de los 90… ¿Para ti tiene un estilo concentrado, o has dejado que vuele en libertad?
He dejado que vuele en libertad, con trozos de cosas que me gustan. No busco unificarlo todo en un estilo ya hecho, sino coger todo lo que me inspira y me gusta y, dentro de mi caos, darle una forma y una interpretación. A veces sí que me siento a componer diciendo: “Hoy voy a hacer un bolero al uso” como ejercicio, pero al día siguiente soy otra persona, porque fluctúo todo el tiempo y, de repente, cuando me vuelvo a sentar a seguir con ese trabajo, lo termino convirtiendo en otra cosa. Lo dejo fluir libremente, no me gusta hablar de géneros ni demasiado de referencias concretas porque, si te digo alguna cosa, me estoy dejando otras muchas que a lo mejor son igual de importantes.
¿Y de qué te gusta hablar?
(Ríe). ¿En lo profesional?
O de lo que quieras…
Pues podemos hablar de otras muchas cosas, pero de nada que suponga una etiqueta, no me gusta hablar de cosas que etiqueten y que te hagan dar una definición que deje otras muchas cosas fuera, porque en una entrevista no cabe hablar de todo eso. Pero sí que podemos hablar de lo que a mí me genera y el motor que me enciende. A mí me gusta mucho admirar y coger las canciones que me han llegado de otra gente y de otros momentos, y hacer mis traducciones y darles mi concepto.
¿Qué escuchabas de pequeña?
Depende de la época, pero mis padres afortunadamente nos han puesto música de todo tipo. Desde musicales, porque mi padre es muy friki de los musicales y, aunque yo no soy tan fan, lo he mamado muchísimo y de alguna forma me ha afectado y dejado ciertas semillas.
¿Qué tipo de musicales?
‘Sunset Boulevard’, que le encantaba aunque a mí no me gusta nada, ‘Cats’… No sé, todos le encantan.
¿Y qué más música?
Me han puesto mucha copla, a los Beatles, también música clásica…
Es gracioso que digas eso porque una canción del disco, ‘Canción del Valle’, me parece muy teatral.
Es súper teatral, porque de hecho es una reinterpretación de ‘Bodas de Sangre’, con el personaje de la luna y de la chica perseguida y acusada un poco por su luz. Al final, ‘Bodas de Sangre’ es una tragedia. Los «cánticos» hacen también referencia a los cánticos de Lorca en el libro…
He visto esa obra muchas veces. No es muy luminosa, ¿eh?
Para nada.
Cuando estás componiendo este tipo de canciones, que tienen tanto cambio de ritmo, o que empiezan de una manera y de repente dan un salto y son de otra… ¿estás pensando en la interpretación escénica?
Sí, este disco ha estado muy pensado para eso precisamente. Me apetecía, por un lado, ir rápida para poder defender estas canciones en el momento vital en el que las he escrito. Es algo que no me ha pasado hasta ahora porque siempre todo se ha dilatado mucho. Desde que he tenido unas composiciones y las he publicado, siempre ha pasado bastante tiempo, y en el momento de la gira ya no estaba tan conectada con ellas y he tenido que hacer ejercicios para reconectarme en cada actuación y en cada directo porque ya estaba componiendo otra cosa. Esto he querido condensarlo para poder vivir ese momento y, además, el hecho de vivir una gira como la que he vivido, que me ha enseñado un montón de cosas, me ha hecho tomar decisiones de cara a dónde me apetece estar y qué tipo de canción quiero hacer.
Volviendo a lo que decías de la oscuridad, y que ‘Bodas de Sangre’ es bastante oscura, a mí me inspira mucho la oscuridad y los rincones de las cosas. La luminosidad no me resulta tan inspiradora, pese a que sea la traducción que haya hecho, que es más luminosa de lo que venía haciendo.
Es un contraste esta luminosidad con el verano tan turbulento que ha habido política y socialmente. De repente, escuchar un disco así, tan luminoso y con un componente social tan reducido o inexistente… No sé si estás viendo reflejado a tu yo del 2022 o ahora estás en otra película más combativa.
Me veo reflejada en estas canciones y en las vivencias que he tenido con ellas, pero estoy en constante transformación y busco eso. No me gusta quedarme en eso, me sigo sintiendo identificada y me apetece interpretarlas en directo, encuentro esa conexión más fácil que con canciones del primer o segundo disco de las que me siento más alejada.
Sobre los cambios de ritmos, ¿como compositora te surgen de forma natural; primero das con una melodía concreta de la canción y luego desarrollas, o te viene todo junto?
Voy desarrollando. Si me apetece hacer algo oscurito, busco la línea de bajo, empiezo a desarrollar por ahí la melodía, y al día siguiente cuando retomo quizá voy cambiándolo.
Mi sensación es que no eres el tipo de compositora que dice que ha escrito una canción en cinco minutos.
No, no suele pasar. Lo reposo bastante. Es verdad que cuando tengo una idea que me tira, sí que digo que hay que trabajarla y a veces sale más rápido y he compuesto cosas en una tarde que luego terminas de redondear, dándole vueltas a la armonía e intentando sofisticarlo partiendo de una idea más simple. Pero sí, sí que dedico bastante tiempo a cada canción.
Y, en este disco, ¿qué canciones han salido más rápido y cuáles más despacio?
Qué buena pregunta. ‘Mis Aires’, por ejemplo, tardó meses.
¡Parece muy espontánea! Igual es por el vídeo.
Pues esa tardé meses en terminarla. La dejé aparcada y no sabía si la iba a usar, pero luego la acabé. Y, de las más rápidas, ‘Oruga’.
¿Crees que ‘Mis Aires’ pueda ser tu gran himno? Esa canción que siempre tengas por encima de tu homenaje a Sabina en Spotify. ¿O está por venir?
Yo es que no sé valorar eso. Cuando hice la canción con Coyotes, yo nunca hubiera dicho que esa canción llegaría a ser uno de mis emblemas. No soy buena tomando esas decisiones ni teniendo esa visión.
Pero cuando tocas en directo sí que lo ves, es muy evidente.
Sí, lo veo. Y sí que me parece que, dentro de todo mi repertorio y de cómo han funcionado mis canciones a lo largo de mi carrera, ‘Mis Aires’ debe de ser una importante.
Ha salido casi todo el disco como single, ¿cómo has seleccionado realmente las canciones que hacías de adelanto?
He ido fluyendo según componía y me apetecía publicar. No ha habido una selección para publicar lo que va a funcionar mejor, sino que he fluido según lo que iba teniendo. Sí que, a medida que nos hemos ido acercando a esta fecha, ha estado todo más pensado y no podíamos publicar todo el disco como single, pero el resto ha sido bastante fluido.
A mí, la canción ‘Una romántica’ me parece muy popera, por lo menos para mis oídos.
Lo es.
Y otras canciones que has sacado me parecían menos comerciales, pero claro, si fluyes…
Claro, no he pensado en eso. Pero porque mi proyecto no creo que tenga esa característica de tener canciones comerciales. Habrá canciones que funcionen mejor y otras que funcionen peor, pero no creo que sea ese tipo de música la que yo hago, y hay que dejarlo vivir así. No pienso tanto en eso.
‘Mis Aires’ tiene dos millones de reproducciones en streaming. Y no tiene ninguna playlist gigantesca apoyándola especialmente. ¿Esta canción ha funcionado de manera orgánica?
Sí, bastante orgánica. Estoy muy contenta.
Ese vídeo lo estrenamos nosotros.
Lo sé, lo agradezco un montón. Yo es que me siento muy conectada y no tengo esa visión comercial de las cosas, y afortunadamente mi equipo sabe cómo pienso y van conmigo en eso.
Pero colaborar con Leiva es una estrategia.
No, colaborar con Leiva era un deseo.
Pero está muy arriba, que tú también, pero Leiva es que llena dos WiZinks. No puede ser “bueno, he fluido con mi amigo Leiva”.
Era algo que musicalmente me apetecía muchísimo hacer. Sin embargo, si te fijas, es una canción muy pequeña y sencilla. No es una canción pensada para que sea un hit, sino pensada en la música, en la historia y en el ambiente que tiene. Y, por eso, ha sido tan guay precisamente compartir esta canción con él. La ha hecho muy especial porque, estar al lado de alguien de la importancia y profesionalidad de Leiva en una canción así, para mí rompe un montón de cosas y queda únicamente la música como importante.
Muchos artistas se quejan de que hoy en día tienen que hacer una colaboración cada dos meses o forzar un featuring en un disco. Casi que te extraña escuchar un disco sin artista invitado y, a veces, piensas, “¿qué aporta esta persona realmente al concepto que tiene este artista?”.
Eso pasa un montón y sí que hay bastante presión en este momento dentro de la industria musical. Como que las colaboraciones son lo más, las nuevas radios, las nuevas formas de alcanzar oyentes que no irían a ti de forma orgánica o que tardarían más en llegar. Hay bastante presión con eso, pero mi sincera opinión es que se está agotando.
¿Por qué?
Porque se ha hecho mucho. Ya no es una novedad, algo que la gente diga “hala, vamos a escuchar esta combinación y ver cómo funciona”. Ya está todo en el mercado y no llama tanto la atención.
También la crítica fácil es ponerlo a caldo, pero hay cosas que han salido muy chulas. Por ejemplo, la gente pedía la colaboración de Billie Eilish y Rosalía, y efectivamente colaboraron y no pasó nada. Pero otras veces de manera orgánica han salido cosas chulas de artistas que de pronto te encajaban totalmente las voces.
Sí, a veces funciona de puta madre y otras pasa más desapercibido. Es una lotería lo que salga.
«No me gusta el término «cantautora» ni me siento ahí metida, ya que ha definido a un género en concreto y no me veo ahí»
¿Te ves como una cantautora?
Para nada, soy compositora e intérprete. Pero no me gusta el término ni me siento ahí metida, ya que ha definido a un género en concreto y no me veo ahí.
Me interesa mucho la evolución que ha tenido esta palabra. Cuando era pequeño era una cosa, luego fue otra, ahora prácticamente no se usa… Pero, en realidad, si tú compones y cantas, ¿no eres una cantautora?
Sí, en la composición de las palabras responde perfectamente. El problema, lo que envenenó el término, es que se convirtió en un género. Por eso, en el momento en que toma esa forma y se contamina de ciertas tendencias, ya no interesa tanto.
¿Por el componente social que se le asociaba?
No, yo creo que hay más cosas en juego. Es un estilo bastante definido. Lo que la gente entiende por cantautor suele tener algo mucho más potente que el simple mensaje social. Hay grupos muy potentes que lo tienen y que jamás asociarías con el término cantautor, no tiene nada que ver.
Tú estuviste en el homenaje a Sabina, que es como «El Cantautor». Supongo que te gusta él.
Sí, yo lo admiro mucho como artista, aunque no me considere cantautora. Entiendo la definición y por qué muchas veces me han puesto esa definición, pero si me preguntas a mí si me siento cantautora, te digo que me siento compositora. Y fluyo y hago música muy diferente que, a lo mejor, no tiene tanto que ver con el género que puede entenderse cuando hablas de un cantautor.
Me interesa mucho cómo ha evolucionado la visión de lo que era la música de los años 90. Cuando era adolescente en los años 90, había muchas etiquetas, estaban los indies, etc. Toda esa música que vendía tanto de Sabina, los Rodríguez, Rosario… era lo peor en ciertos sectores y ahora se ha revisitado un montón. Sobre todo a partir del disco de C Tangana, que es ese sonido, de los 90. Está ahí hasta Calamaro metido, que tiene una imagen nefasta. Hay un montón de cosas que parecían horribles, pero que resulta que no son horribles. Y tu música me recuerda a eso, a ese punto españolete de Estopa, de Bebe… ¿Has escuchado eso de pequeña?
Un montón.
«El daño que nos hacen las etiquetas es que nos obligan a situarnos a algún lado»
¿Y cuál es tu visión sobre eso?
Mi visión es que, por cómo somos y que tenemos que categorizar todo mucho, pasan cosas que están mal vistas socialmente. Eso es lo nocivo que tienen las etiquetas. Ahora algo ha vuelto porque alguien lo ha puesto de moda y, de repente, es cool y aquello molaba y no lo sabíamos, ¿sabes? Ese es el daño que hacen las etiquetas y que nos hace sentirnos muchas veces obligados a situarnos a algún lado. Vamos a difuminarnos un poco y a romper con eso. Yo he mamado esa música muchísimo y ha marcado mi personalidad como compositora. De hecho, fui ultra fan de Pereza en su momento, y ahora me pongo el primer disco de Estopa y me maravilla, me parece increíble. Sí, claro que he mamado eso y apreciaba lo que tenía.
¿Eran grupos que ibas a ver en directo?
Cuando era adolescente me partía la cara por ver a Pereza.
¿Has sufrido críticas por géneros o etiquetas?
No.
Es que te veo muy determinada con las etiquetas. “Qué hartura de las etiquetas…”
Porque me parece que nos limita un montón de veces. Algo puede no conectar contigo en un momento concreto y está bien, igual que al revés. Es una cosa que me parece nociva y por eso notarás que reacciono fuerte ante eso. Es que me parece limitarte.
¿Crees que esto se está perdiendo?
Creo que, afortunadamente, se está difuminando. Cada vez nos sentimos más libres para decidir lo que nos gusta y lo que no, y poder decirlo claramente.
En JENESAISPOP siempre hemos defendido la diversidad y nos hemos querido quitar muchos prejuicios musicales. Luego vas a un festival y de repente ves cosas rarísimas, unas pegadas unas a otras… Yo en mi web hablo de Quevedo, de ti, de Bad Gyal… Pero en un festival este año se ha visto a gente mezclada sin mucho sentido. ¿Hay festivales que te hayan encantado particularmente, o en el que creas que encajes?
Me encantaría estar en un montón de festivales que me parecen muy top, pero también me ha pasado lo de estar en sitios donde dices “¿qué hago aquí?”. Esos son duros, son difíciles.
Eso le pasó a Ginebras este verano en un festi. Salieron a un concierto y dijeron que no les habían hecho ni caso.
Lo leí, que estaba empezando a ser un poco habitual. Sobre todo porque, la gente que quería ir a ver al cabeza de cartel, pasaba de los demás.
Yo hice un artículo sobre eso. Me encanta la diversidad, pero programad los espectáculos para que puedan interesar a alguien.
Estoy de acuerdo, debería de haber cierta coherencia. Porque mola descubrir cosas que no sabes lo que son o que no has escuchado, pero aun así sí que creo que, cuanta más coherencia tenga el grupo de gente que actúa seguido, mejor para todos.
Finalmente, sobre el trabajo de producción del disco, ¿hay alguna canción que haya cambiado especialmente desde el proceso creativo?
Los productores le han dado bastante color, personalidad y onda. Trabajé con listas de referencias para cada canción y así ver qué mundos quería explorar.
¡Creía que no te gustaban las referencias!
Sí me gustan, pero no me gusta hablar de ellas para mi música porque, cuando lo hago, me dejo otras muchas. Lo que quiero decir es que hay tantas cosas ahí que, al final, me quedo corta. Pero en otro contexto me encantan las referencias. Y los productores le han dado bastante color.
Ponme algún ejemplo, porque claro, hay tantos cambios en el disco y tantísimos estilos que no sabría por dónde empezar. ‘Peligro’ me parecía un pasodoble pero de repente es como un rock.
Tal cual, es un buen ejemplo. ‘Peligro’ es una canción que, cuando yo la toco, es muy italiana, y Paco la llevó a un rollo mucho más americano. Que también fue adrede, de las referencias que pusimos en cómun, porque queríamos darle un poco esa onda y al final acabó cogiendo más ese otro color. Pero es una canción que en la producción cambió absolutamente. ‘Urgente’ también cambió bastante; a priori yo la quería llevar por un rollo mucho más cubano en la producción y terminó siendo bastante más del norte de Europa. Han cambiado las cosas, sí.
¿Y estás contenta con el resultado? Se te ve en la cara, ¿no?
Estoy muy contenta, bastante orgullosa, sobre todo de lo que he aprendido con todos ellos. A nivel producción no estoy igual de contenta con todas, evidentemente, eso siempre pasa. Pero estoy muy orgullosa.
A nivel de producción, supongo que cambiarías cosas, pero si has hecho el vinilo hace 6 meses…
Yo cambiaría cosas, pero claro, ya no puedo, me matan (se ríe)
Dime un cambio posible. Alguna cosa que te raye.
Me he quedado con ganas de probar la producción que tenía en la cabeza para ‘Urgente’, que era más Cuba.
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