‘River’ de Miley Cyrus es la canción escogida como nuevo top 1 de JENESAISPOP, en este caso a través de Twitter. Desplaza el temazo de Alba Morena, ‘Nadie’, al número 4. La entrada más fuerte es la de ‘Miracle’ de Calvin Harris y Ellie Goulding, directa al número 5.
Otros temas que entran esta semana son los de M83, Fever Ray, Morreo, Renaldo y Clara y Kate NV.
Ya está en el mercado el nuevo disco de Lana del Rey, 15 días después de lo previsto inicialmente. Y hay quien dice que no quería competir con lo nuevo de Miley Cyrus, pero termina compitiendo con ‘Memento Mori’, el primer disco de Depeche Mode sin Andy Fletcher. Veremos quién se termina llevando el número 1 en Reino Unido (en Estados Unidos está fuera de alcance para cualquiera de los 3 artistas mencionados).
‘Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd’ viene precedido de varios singles: el titular, el dedicado a su familia ‘The Grants‘ y ‘A&W’, una de las producciones más excitantes que nos ha dejado Lana del Rey en los últimos años. De hecho, a punto estuvo de colarse en el top 40 británico. Al final quedó en el puesto 41, como sucedió más o menos con ‘Love’ y ‘Doin’ Time’. Finalmente, ‘A&W’ en su requiebro hip hop, no es una canción tan indicativa de lo que encontramos en este nuevo álbum de Lana del Rey, aunque con matices.
El disco comienza con un inusual góspel, como ya sabíamos, para pronto entregarse al piano. Este es el instrumento primordial en la casi navideña ‘Sweet’, en la más oscura ‘Candy Necklace’ con Jon Batiste (para la que se prepara vídeo, como revelan nuestros foros) o en ‘Kintsugi’. Entre las primeras favoritas en ese sentido, podemos destacar ‘Let the Light In’ con Father John Misty, con ciertas reminiscencias de ‘Karma Police’ (esperemos que no emerja otra polémica con Radiohead, como aquella de ‘Creep’ y ‘Get Free’, resuelta de manera amistosa). Y también ‘Paris Texas’, que es nuestra «Canción del Día» hoy, con Lana optando por un registro agudo que ni Elizabeth Fraser.
Obviamente ‘Paris Texas’ es un homenaje al clásico de Wim Wenders rodado a principios de los 80, el que inspiró el nombre de la banda de Sharleen Spiteri. Pero no hay «slide guitar» en esta bella canción, sino más piano. Uno tan hermoso que hace pensar en Beethoven o Chopin. Pero es el artista indie SYML el que Lana del Rey ha sampleado, en concreto su tema ‘I Wanted to Leave’, sobre el que se basa toda la grabación. Es muy curioso que SYML antes tuviera una banda llamada Barcelona porque Lana del Rey menciona España en la letra («I took a trip to Spain / Just a notebook in my hand») en esa canción viajera, escapista, en la que huye de un amor malogrado y se busca a sí misma («tuve que marcharme, supe que no me iban a entender»).
De manera excepcional, muchos de los mejores temas del álbum aparecen en la segunda mitad. La primera, está algo lastrada por un par de interludios que dificultan la escucha del oyente casual. El de Judah Smith va más allá de los 4 minutos -que parecen 7- y el de Jon Batiste dura más de 3 justo después de ‘Candy Necklace’. Pero hace tiempo que los discos de Lana del Rey son para escuchar con las letras bien a mano. La familia, el amor y la fama, están entre los temas tratados.
De hecho, resuenan nombres como Angelina Jolie o Red Hot Chili Peppers en la última parte del álbum, donde sí encontramos retazos de trap y trip hop. Más cajas de ritmo y menos pianos en una parte que parecen «los bonus tracks». Tras una coral ‘Margaret’ con Bleachers y melodía de final, de cierre, aparecen cosas como ‘Fishtail’, ‘Peppers’ (con sample de ‘Angelina’ de Tommy Genesis), y una especie de revisión de ‘Venice Beach’ llamada ‘Taco Truck x VB’. Un álbum tranquilo, contemplativo, que Lana del Rey dice haber hecho «sin esfuerzo» y que ha vuelto a poner el foco en su visión del mundo, en las letras, llenas de autorreferencias y curiosidades, y en las que ahondaremos en los próximos días.
Parece que todo lo que toca Beyoncé no se convierte en oro. Adidas y Beyoncé han puesto fin a su colaboración en torno a Ivy Park, la línea de ropa deportiva de la popstar estadounidense. Según The Hollywood Reporter, la separación ha sido acordada mutuamente debido a «diferencias creativas», pero es posible que las flojas ventas de la marca hayan influido en la decisión.
Según cuenta The Wall Street Journal, Adidas esperaba que Ivy Park vendiese igual de bien que la marca Yeezy de Kanye West, quien ya sabemos todos que dejó de trabajar con Adidas a raíz de sus polémicos comentarios. Sin embargo, las ventas de la marca de Beyoncé no han ido como se esperaba, ya que «casi la mitad del merchandising de cinco de los seis lanzamientos siguen en las estanterías», según informa Billboard.
Para hacernos una idea sobre cómo de decepcionantes han resultado las ventas de Ivy Park, se había pronosticado una facturación de 250 millones de dólares en 2022. Sin embargo, al final de 2022 se estimó que la marca de Beyoncé llegaría a alcanzar los 40 millones de dólares en ventas, casi un 50% menos que en 2021 (93 millones), y una gran bajada respecto al pronóstico del año.
Respecto a las «diferencias creativas» que mencionábamos previamente, The Wall Street Journal también indica que las estrategias de marketing de Adidas y Beyoncé diferían mucho entre sí y que Adidas pretendía impulsar su propia marca.
Neil Young ha sido el último en sumarse a la larga lista de artistas que han criticado el monopolio de Ticketmaster en la venta de entradas y sus abusivos precios. En un nuevo post de su website Neil Young Archives, titulado «Las giras de conciertos están rotas», el músico canadiense ha condenado los precios y tarifas para los artistas de la compañía ticketera. En algunos casos, estas últimas ascienden hasta el 30% del precio total.
«Se ha acabado. Los viejos tiempos han pasado», comenzaba Young el breve comunicado. Junto con fragmentos de un artículo sobre lo sucedido recientemente entre Robert Smith de The Cure y Ticketmaster, Neil Young ha condenado las acciones de la ticketera y ha recalcado que ninguna parte del dinero llega a sus manos: «Recibo cartas culpándome por entradas de 3.000 dólares para un evento benéfico que voy a hacer. Ese dinero no me llega ni a mí ni al evento. Los artistas tenemos que preocuparnos sobre fans estafados que nos culpan por los especuladores y cargos adicionales de Ticketmaster».
Young terminaba el comunicado declarando que «las giras ya no son divertidas» y que «no son lo que eran». Este comunicado llega tras la histórica victoria de Robert Smith frente a Ticketmaster. El frontman de The Cure consiguió acordar con la ticketera una pequeña rebaja en los gastos de gestión de las entradas de la banda en Estados Unidos y Canadá, los cuales solo pueden ser limitados por Ticketmaster.
Lewis Capaldi canceló sus dos conciertos de la gira ‘Broken By Desire To Be Heavenly Sent’ en España por «razones médicas», según informó Live Nation. Además, el propio artista publicó un comunicado en el que detallaba las razones de esta cancelación de última hora. Por suerte, no ha pasado mucho tiempo para que Capaldi encuentre nuevas fechas en España.
Los nuevos conciertos de Lewis Capaldi en nuestro país serán los días 8 de septiembre en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 9 de septiembre en Madrid, aunque para este último el recinto y la fecha de salida de las entradas se anunciarán próximamente.
Las entradas para el concierto de Barcelona saldrán a la venta el miércoles 29 de marzo a las 11h en Live Nation y Ticketmaster. Además, todas las personas que compraron entrada para los conciertos planificados para marzo en Barcelona y Madrid han recibido un email mediante el cual podrán acceder a una preventa exclusiva a partir del lunes 27 de marzo a las 11h.
La noticia del aplazamiento de los conciertos del escocés en Barcelona y Madrid llegaba después de la cancelación de sus shows en Zurich y Milán, a raíz de una bronquitis que le impedía cantar con normalidad.
Lamentamos comunicar que debido a razones médicas Lewis Capaldi se ve obligado a cancelar sus conciertos en Barcelona y Madrid este fin de semana. pic.twitter.com/QhFC7xaZBj
Además de Lana y Depeche hoy publica disco Ana Mena. La «diva doliente» entrega ‘Bellodrama‘ incluyendo algunos de sus éxitos recientes, como ‘Un clásico’ y ‘Música ligera’ representando la vena italiana y mediterránea de Ana Mena, o ‘Las 12’ con Belinda o ‘Me he pillao x ti‘ con Natalia Lacunza, entregados a su línea bailable y discotequera.
El «focus track» de ‘Bellodrama’ de hoy es ‘Lentamente’, que abre el álbum en clave disco pero con una referencia a los «22 añitos» de su amante que preferimos no volver a escuchar; y también podríamos destacar en la secuencia ‘Llorando en la disco’, que trae un sonido más aflamencado de lo esperado. Pero hoy comentamos otro de los cortes destacados.
Como es sabido, Ana Mena disfruta de gran éxito en Italia, hasta el punto que suele adaptar sus éxitos al italiano y ha participado en San Remo. ‘Mañana Dios dirá’ es una versión de ‘Stasera… Che Sera’, el clásico de 1976 de Matia Bazar, como ‘Un clásico’ y ‘Música ligera’ ya lo eran de otras canciones italianas más recientes. «Ma stasera, qué será, estar contigo me sienta bien, hacerte el amor esta noche hasta que llegue el amanecer», canta la malagueña.
Matia Bazar es una banda italiana que nació en 1975 y que ha seguido publicando discos con diversas formaciones. ‘Stasera… Che Sera’ no fue en principio uno de sus mayores éxitos. Esos fueron ‘Solo tu’ (1978), ‘Vacanze Romane’ (1982), ‘Souvenir’ (1985) y ‘Ti Sento’ (1985). Sin embargo, sobrevive entre sus más escuchados en streaming a día de hoy.
En la agradable y bonita adaptación de Ana Mena, ‘Mañana Dios dirá’ presenta un sonido no disimilar al de los alemanes Milky Chance, una mezcla de guitarras acústicas y ritmos semibailables que no llegan con ganas de petarlo en la discoteca sino de serenar el espíritu. ‘Mañana Dios dirá’ es suave como la brisa, o como la propia voz de Ana Mena, un pedazito de pop reconfortante que se quita de «dramas» y se queda solo con lo «bello».
«Orwell tenía razón. Huxley tenía razón. Eisenhower tenía razón. Y yo tenía razón». Este lema que puede leerse en las inmensas pantallas con forma de cruz de la nueva gira de Roger Waters viene a resumir el show. Vivieras los años 70 o conocieras discos como ‘Animals’ y ‘The Wall’ a posteriori, su cuestionamiento del capitalismo y de los líderes de Occidente siempre ha estado ahí, empapando a nuevas generaciones cada vez. Es difícil rebatir que el artista no haya sido consecuente consigo mismo.
A día de hoy, Waters se ha convertido en un grano en el culo. En Frankfurt cancelan sus conciertos porque su aversión a Israel por su opresión al pueblo palestino le hace lucir como un antisemita. Sus críticas a Zelenski han llevado a algunos por error a propagar el bulo de que apoya a Putin, cuando también ha criticado a este. Persigue a todo aquel que toca en Tel Aviv, mientras provoca odios en el mundo del artisteo. De lo primero que vemos en las pantallas de esta gira es una advertencia: «Si eres de los de «me gusta Pink Floyd, pero no su política», VETE AL PUTO BAR».
Hay más guasa de lo que parece en todo esto. A la voz que también nos pide que apaguemos los móviles durante el show le da la risa. Como diciendo… ¡eso sí que sería una utopía y no lo del marxismo! Casi me caigo de culo cuando una carcajada estalló por la megafonía en la parte de ‘Brain Damage’ que habla de «lunáticos». Y Marx Madera: esta gira tiene a bien llamarse «primer tour de despedida», una idea ya patentada por no otro que Phil Collins, pero que nos hace recordar que nunca sabremos cuándo será la última vez que veremos a un artista sobre las tablas. Saludos a Leonard Cohen, allá donde esté, quizá en el cielo de los judíos.
‘1984’, ‘Un mundo feliz’ y el discurso por la paz de Einsenhower son, como decía, el esqueleto sobre el que se vertebra ‘Sheep’, al tiempo que una oveja gigante sobrevuela el WiZink Center y nosotros la grabamos embobados, todo ello en perfecto retrato de nuestra propia estupidez. La operación se repetirá después con un cerdo, tan solo una de las muchas imágenes míticas recreadas esta noche que todos asociamos a la iconografía de Pink Floyd, a destacar el homenaje realizado a ‘The Dark Side of the Moon’, el disco que ha cumplido este mes 50 años y que ha vendido 50 millones de copias.
El escenario es generoso en triángulos como el de la portada realizada por el desaparecido Storm Thorgerson, y el repertorio en la interpretación de su icónica cara B. Suenan, seguidas, ‘Money’, ‘Us and Them’, ‘Any Colour You Like’, ‘Brain Damage’ y ‘Eclipse’, muy poco antes del cierre del show, en una segunda mitad que a veces se resintió de ese descanso de más de 15 minutos que parece obligatorio en artistas de cierta edad. O de todas las edades: la inmensa mayoría masculina de público asistente colapsó por completo los baños en dicho interludio, mientras los servicios de mujeres lucían vacíos. El mundo al revés, vaya. Kate Izor
El edadismo fue, por cierto, una de las cuestiones abordadas anoche por Roger Waters («si veis que cojeo, es porque me acabo de torcer un tobillo, no por mi edad»), pero desde luego no fue la principal. Los muertos por brutalidad policial fueron el foco durante ‘The Powers that Be’. En ‘The Bravery of Being Out of Range’ se acusó de «crímenes de guerra» a Ronald Reagan (Guatemala), Clinton y Bush (Irak) e incluso Obama (por su apoyo a los drones). Se dio la oportunidad de las interrogaciones a Biden, pero como anticipando que hará lo mismo.
Waters disparó una metralleta en ‘In the Flesh’, rodeado de banderas con martillos. ‘Run Like Hell’ se convirtió en un alegato contra los números de plataformas como Youtube. ‘Déja vu’ se dedicó a Assange, sobre el que se repartieron panfletos dentro del recinto; y si digo que Roger Waters sigue tocando cojones a sus casi 80 años es porque dedicó lemas pancarteros de sus pantallas contra «el patriarcado», y también hubo vídeos a favor de las personas trans, a las que equiparó en marginación con indígenas y palestinos.
A veces, el repertorio se resiente. ‘The Bar’, compuesta en confinamiento con el fin de que «nos hablemos los unos a los otros en lugar de matarnos», no resiste comparaciones con sus clásicos. Y él mismo reconoce que ‘Two Suns in the Sunset’ no fue la mejor canción de Pink Floyd, pero que si la recupera es por su dedicación a las armas nucleares, ya en el año 1983. No puede ser más pertinente, pero tampoco más aburrida cuando ya es casi medianoche y el show se había retrasado 20 minutos. Por último, pero no menos importante, de todos los españoles en el «arena», Waters escogió saludar a su amigo Pitingo, amigo a su vez de la ultraderechista Isabel Díaz Ayuso. Una persona gritó indignada detrás de mí. Quizá le salvó que casi nadie le había entendido.
Viendo el concierto de mi amigo, hermano, único, genial y leyenda viva ROGER WATERS 🙌🏽🙌🏽🙌🏽🙌🏽 ES UNA PASADA !!!! pic.twitter.com/ZO2d56ZBpD
En cualquier caso, la solvencia de una banda de 10 personas vestidas de riguroso negro, a destacar Jonathan Wilson con una de las guitarras y el saxofonista Seamus Blake (y también esas dos coristas que aguantaron ahí estoicamente, a veces sin tanto que hacer), y las enormes pantallas de visualización 360º aprovechando la totalidad del graderío, te distraían del tedio en esos contados momentos. No se puede ir diciendo por ahí que el antiguo Palacio de los Deportes suena mal después de lo oído anoche. Y todos los subtítulos que complementaban las composiciones -rara vez en redundante efecto karaoke- eran un entretenimiento, cuando no arrancaban alguna lagrimita. Toda la historia narrada sobre la amistad entre el pionero Syd Barrett y Roger Waters, ese tren que compartieron, ese momento en que decidieron formar una banda, emocionaron incluso a aquellos que, de los 70, siempre fuimos más de Kraftwerk.
No hubo homenaje como era de prever al archienemigo David Gilmour, que se ha despachado a gusto en Twitter contra Waters, y de hecho sonado está siendo el modo en que Roger Waters ha fulminado algunos de sus solos. Antes de la explosiva ‘Another Brick on the Wall’, este ‘This Is Not a Drill Tour’ se abre con una versión reflexiva de ‘Comfortably Numb’ y logra ser uno de los momentos más recordables del set sin la impronta de Gilmour. También lo es el final. Roger Waters elogia a su esposa, habla del hermano mayor que acaba de perder, confiesa que ha saqueado a Bob Dylan y termina con un reprise de ‘The Bar’ y ‘Outside the Wall’, sonando en efecto al autor de ‘Blonde On Blonde‘. Es un cierre muy folk emocionante, en el que toda la banda desfila por todo el escenario, en fila india, portando sus instrumentos, hasta incluso la entrada de sus camerinos. Es ahí donde los vemos despedirse, en lo que sí que ha sonado durante casi 3 horas como la mismísima voz del pueblo.
‘Hunnybee‘, ‘So Good at Being in Trouble’, ‘Multi-Love‘, ‘That Life‘, ‘Necessary Evil’, ‘Swim and Sleep (Like a Shark)’… ¿cuántos discos faltan para que tengamos entre manos el disco de «greatest hits» perfecto de Unknown Mortal Orchestra? Cada nuevo trabajo de Ruban Nielson deja al menos un par de canciones imposiblemente pegadizas que solo pueden ser escuchadas en bucle, y en ‘V’, su quinto álbum de estudio, hay unas cuantas. Aunque el propósito es otro.
‘V’ es el primer disco doble de Unknown Mortal Orchestra. También es, en conjunto, un trabajo cohesionado de principio a fin, tanto que la secuencia intercala varios interludios que extienden y complementan el viaje alargándolo hasta la hora de duración. Un viaje que parte de Palm Springs, California, donde reside Nielson, pero que pasa también por Hawái, pues el neozelandés ha pasado tiempo allí últimamente por motivos familiares (su madre es hawaiana).
El rock lo-fi de Unknown Mortal Orchestra suena en ‘V’ en todo su esplendor. Sus canciones siguen siendo como una especie de nugget de pollo pop: crujientes por fuera pero tiernas por dentro. Las guitarras suenan áridas, su micrófono inundado de distorsión, la producción busca la bruma en lugar de la claridad… pero las melodías abiertamente pop de Nielson y su interesante timbre vocal no se dejan vencer por esa misma producción.
En ese pulso, UMO suma nuevos aciertos a su repertorio. ‘That Life’ es otra de sus canciones pegadizas hasta la extenuación. Dedicada a la buena vida, pero también a la oscuridad que se esconde cuando en el paraíso cae la noche. ‘Weekend Run’, una oda al fin de semana que conocemos desde hace dos veranos, llega con otro gancho infalible. ‘Layla’ es igualmente adictiva, una «slow jam» que se clava en el cerebro como una garrapata aunque no quieras. El estribillo resulta «annoying» al principio (ese «let’s get out of this to-o-own» arrastrado con voz de viejo), pero después es imposible escapar de ella.
Para su quinto disco, UMO ha querido hacer un trabajo que esté a la altura de su posición actual en la industria. Sin embargo, esa ambición le juega en contra por dos motivos: la duración no queda justificada porque las canciones, al final, no se diferencian tantísimo las unas de las otras ni siquiera en comparación con su repertorio previo, y porque las pistas instrumentales terminan aportando poco. Además, la brumosa producción hace que ‘V’ suene más pesado de lo que debería, cuando Nielson sigue escribiendo melodías estupendas que merecen disfrutar de mayor claridad.
El disco aún contiene otros buenos momentos. ‘The Garden’ no teme abrir la secuencia alargándose hasta los seis minutos, consciente de que su estribillo, repetido ad nauseam, podría durar el doble. Otro de los singles recientemente publicados, ‘Messhugah’, agrega un ritmillo disco y nos habla del amor desde un punto de vista más científico que espiritual, con referencias al «metabolismo» y a la «insulina» que, la verdad, apetece poco escuchar. En la tierna ‘Nadja’, Nielson recuerda la vez que se encontró en su cama un pelo de la chica a la que amaba y se lo tragó.
‘V’ añade diferentes capas dejándose influir por la música tradicional hawaiana en la acústica ‘I Killed Captain Cook’ o por la Motown en ‘In the Rear View’. No son, en cualquier caso, las canciones más inspiradas de ‘V’ y las pistas instrumentales pueden ser interesantes (‘The Widow’) o no (‘Keaukaha)’. Otra composición instrumental, ‘Drag’, pone fin al disco dejando una evidente sensación de alegría y satisfacción. UMO está contento y en ‘V’ se nota.
Hoy es el día más esperado por los fans de Depeche Mode que temimos el fin de la banda al fallecimiento de Andy Fletcher. ‘Memento Mori’ ya versaba sobre la muerte desde antes, pues Martin L. Gore tenía alguna composición desde 2019, pero ni que decir tiene que frases como «primero nos levantamos, luego nos caemos, tenemos que salir adelante antes de ahogarnos» adquieren un nuevo significado ahora.
Esta letra pertenece a ‘Before We Drown’, una de las muchas canciones lánguidas del disco, cuyo mejor exponente parece la afectada canción final. ‘Speak to Me’ es una de las 5 pistas del álbum que ya han incorporado al repertorio de la gira mundial en que se acaban de embarcar y que les traerá al Primavera Sound -tanto a Madrid como a Barcelona- en un par de meses. En el tour, el tema que han dedicado a Andy Fletcher no es nuevo, sino viejo, ‘World In My Eyes’.
Curiosamente, no han aparecido aún por su setlist dos de las pocas pistas de ‘Memento Mori’ que ligeramente se pueden bailar. Y las dos presentan títulos familiares a dos de los mayores hits de Depeche Mode, ‘People Are People’ y ‘Never Let Me Down’. Hablo de ‘People Are Good’, conectada con aquellos Depeche Mode que nos conquistaron en los años 80 de la eclosión industrial. Y sobre todo de la guitarrera ‘Never Let Me Go’, una de las pocas concesiones medio comerciales de ‘Memento Mori’.
Y es que el resplandeciente single ‘Ghosts Again’, coescrito con Richard Butler de Psychedelic Furs, no ha resultado nada representativo de lo que encontramos en el disco. De hecho, las otras contribuciones de Butler no tienen absolutamente nada que ver. ‘Don’t Say You Love Me’ parece -sin serlo- una de esas composiciones de crooner acabado que ha aportado Dave Gahan a la banda en lustros recientes.
Al grupo parece gustarle especialmente el baladón cantado por Martin L. Gore ‘Soul With Me’, de arranque celestial, pues ya lo están tocando, como el que parece el nuevo single ‘Wagging Tongue’, que como ‘Caroline’s Monkey’ suena a Kraftwerk. Medios tiempos medio dignos para un disco que pretendía ser una vuelta a la sencillez, como el ahora dúo ha explicado a Apple Music, pero que no termina de aprovechar dicha idea en absoluto.
Rosalía y Rauw Alejandro han publicado esta noche ‘RR‘, su EP conjunto, que contiene solo tres temas, ‘BESO’, ‘VAMPIROS’ y ‘PROMESA’. En el vídeo de ‘BESO’, Rosalía presume de anillo y revela que Rauw y ella se han comprometido. Es la última escena en un vídeo lleno de amor, paseos por la playa u otras ciudades del mundo y, sobre todo, muchos, muchos besos.
El EP exhibe un sonido deliberadamente crudo, poco refinado, pues el proyecto, desde su portada, parece improvisado. ‘BESO’ es el reggaetón melódico que ya esperábamos, ‘VAMPIROS’ es el otro banger reggatonero hecho para perrear en las discotecas. ‘PROMESA’ es el prometido bolero.
Las canciones de Rosalía y Rauw han sido producidas principalmente por ella con la asistencia de Noah Goldstein. Se trata de un productor que ha trabajado con Kanye West y también con la propia Rosalía en ‘MOTOMAMI‘. Otros dos colaboradores en el último disco de Vila Tobella aparecen acreditados en las tres pistas, por un lado, Dylan Patrice (‘SAOKO’, ‘DESPECHÁ’), por el otro, El Zorro, que no es otro que el propio Rauw.
Chris Martin ha seguido el ejemplo de Bruce Springsteen y ha revelado en una nueva entrevista con Conan O’Brien que solo hace una comida al día. El frontman de Coldplay ha comentado que empezó a llevar a cabo esta estricta dieta a partir de un encuentro con el rockero de Nueva Jersey.
Tras revelar que ya no cena, Martin explicó que ahora siempre para de comer a partir de las 16 de la tarde a raíz de «un almuerzo con Bruce Springsteen» y su esposa Patti: «Ya estaba en una dieta estricta, pero pensé, «Bruce está todavía más en forma que yo», y Patti dijo que era porque solo come una vez al día, así que pensé que ese era mi próximo desafío», contó el cantante británico.
Aunque pueda parecer una locura, Bruce Springsteen y Chris Martin realizan una estrategia nutricional conocida como ayuno intermitente, la cual está cada vez más de moda. Esta consiste no en dejar de comer, sino en concentrar las comidas en intervalos de tiempo, según el Colegio de Dietistas y Nutricionistas de la Comunidad Valenciana. En el ayuno intermitente las comidas se hacen en intervalos de entre 8 y 12 horas, y no se come nada el resto del día.
Es importante recalcar que no es una dieta en la que se prohíban ciertos alimentos como la de la piña o la de la alcachofa, sino que pretende ser una dieta equilibrada y se recomienda que se realice bajo la supervisión de un profesional.
Parece que Chris Martin y Gwyneth Paltrow, expareja del cantante, también tenían las dietas estrictas en común. Hace unos días, Paltrow dijo en su podcast ‘El arte de estar bien’ que su rutina alimenticia consistía en ayunar hasta el mediodía, «caldo de huesos» como almuerzo y una cena temprana.
La primavera ya ha llegado y con ella el Primavera Sound en Madrid. Este mismo 25 de marzo comenzarán los eventos gratuitos organizados por el festival en la capital española, los cuales incluirán conciertos y sesiones de DJ esparcidas por varios mercados emblemáticos de la ciudad y una programación especial del Primavera Sound para las fiestas de San Isidro.
Además de las jornadas principales del festival en Arganda del Rey, entre el 8 y el 10 de junio, la actividad del Primavera Sound comenzará este sábado 25 de marzo a la 13h en el Mercado de Barceló, como inauguración del espacio Primavera en los Mercados. Las Petunias e Indiespot DJ serán los encargados de presentar el formato.
El 1 de abril Julia Amor y la DJ Fernanda Arrau tomarán el relevo en el Mercado de Prosperidad y el 15 de abril será el turno del Mercado de la Paz, donde se presentará una edición en directo del pódcast 620 BPM, conducido por Ismael Silva y Daniel Galeano, junto con una sesión de Umami. Por último, el 22 de abril el Mercado de Vallehermoso exhibirá el show de LVL1 y un DJ set de Valverdina.
Por otro lado, el 18 de abril se celebrará en la Sala Clamores la primera sesión de Primaveras Experiencias en Madrid, que se caracteriza por ser un ciclo gratuito para estudiantes de Bachillerato. En esta ocasión, Paola Rivero, vocalista de Cariño, compartirá con un grupo de jóvenes las canciones que han marcado su trayectoria.
El 15 de mayo, Primavera Sound programará cuatro actuaciones especiales en Matadero Madrid para celebrar las fiestas patronales de San Isidro, tan queridas en la capital. Sin embargo, los artistas que formarán parte del escenario Primavera Sound en San Isidro todavía no han sido anunciados, pero se espera que haga próximamente.
Por último, entre los días 5 y 9 de junio los estudios Halley Music Hub de Madrid acogerán la primera edición de #FollowTheSong, un Camp Internacional de Composición en el que colaboran Primavera Pro y Sony Music Publishing. Además, en los próximos días las entradas de día para el festival estarán a la venta en Marilians Records, una de las tiendas de discos de referencia en Madrid.
Daft Punk lanzarán la edición extendida de ‘Random Access Memories’ el próximo 12 de mayo, a raíz del décimo aniversario del proyecto, y ya está disponible una de las 9 maquetas de música inédita. Se trata de ‘The Writing of Fragments of Time’ y muestra el proceso creativo de Todd Edwards y Thomas Bangalter mientras intentan terminar los versos de la canción original, ‘Fragments of Time’.
‘The Writing of Fragments of Time’ es una experiencia parecida a ‘Giorgio by Moroder’, de forma que se trata de un tema en el que alguien habla sobre una pieza instrumental. También tiene algo de ‘Get Back’, en el sentido de que es un vistazo al intrincado proceso de crear música.
En este caso, Todd Edwards y Thomas Bangalter hablan sobre el concepto detrás de la canción mientras esbozan sus melodías y letras, hasta que finalmente llegan a las palabras que todos conocemos. Bangalter brilla especialmente, improvisando las líneas de «turning our days into melodies» y «familiar faces I’ve never seen».
Edwards visitó el espacio de Zane Lowe en Apple Music 1 y habló sobre una posible reunión de Daft Punk, declarando que él «no lo descartaría»: «No sabes qué va a pasar de aquí a cinco años. Quizás el tiempo los vuelva a juntar». Daft Punk se separaron en 2021 y se fueron por la puerta grande con ‘Random Access Memories’, que les valió 5 premios Grammy y hits masivos como ‘Get Lucky’ o ‘Instant Crush’.
Los discos de Lagartija Nick hace décadas que reivindican figuras y artistas españoles. Desde el seminal ‘Omega’ con Enrique Morente. O sirven para realizar tremendas obras temáticas, ya sea alrededor de la guerra como ‘Los cielos cabizbajos‘ o sobre la pérdida y la memoria histórica (‘Crimen, sabotaje y creación’). Su curiosidad y sus ánimos de expandirse no parecen tener fin. Esta vez el protagonista es Luis Buñuel. El proyecto viene de lejos. El festival de Cine de Albacete, Abycine, les encargó en 2017 musicar películas de Buñuel. Cinco o seis años después, retomaron el proyecto.
‘El perro andaluz’ no es un tratado exhaustivo sobre la obra y vida de Buñuel. Este disco recoge poemas de Buñuel de los años 20, una faceta poco conocida del director maño. Son poemas surrealistas, muy visuales, llenos de imágenes poderosas, en crudo. Lagartija Nick adaptan los versos directamente, apenas sin modificaciones. Para tanto lujo lírico hacía falta otro lujo sónico: el que otorga la producción de El Extintor (David Soler y Marcel Bagés) y las mezclas de Jake Aron (el productor de Manel). Entre todos conciben una producción expansiva, algo grandilocuente (en el buen sentido) y de sonido excelso. Y muy pop: la particular abrasión de Lagartija Nick se dulcifica y nos ofrecen un pop de orfebrería, casi barroco, muy orientado hacia la psicodelia de los sesenta. Y presenta (no sé si voluntaria o involuntariamente) también homenaje a otros maños ilustres: El Niño Gusano.
‘Palacio de Hielo’, la canción inicial, ya es un arrebato muy en la línea de, precisamente, El Niño Gusano. Los fantasmagóricos textos de Buñuel son difíciles de encajar en apariencia, pero Arias lo consigue sin apenas pestañear: “Los charcos formaban un dominó decapitado de edificios de los que uno es el torreón que me contaron en la infancia de una sola ventana tan alta como los ojos de madre cuando se inclinan sobre la cuna”, canta después de una introducción a base de un órgano tipo Hammond, que da paso a una tormenta, a una sucesión in crescendo de bárbaras imágenes que culmina con una descarga final. Así logran una hermosa pieza de pop psicodélico.
Psicodelia que aumenta en ‘Una jirafa/Undécima mancha’, donde saben sacar petróleo de delicada manera. En las canciones hay pocos estribillos, al seguir la estructura de los escritos de Buñuel. Pero los pocos que hay son gloriosos, como en ‘Me gustaría para mí (Las libélulas)’, donde Lagartija Nick nos ciegan con una introducción épica entre fuentes de sintetizadores y la batería de Eric Jiménez, avasalladora, para calmarse aparentemente antes de romper en ese fabuloso “Para que se reproduzcan las libélulas/¡Me gustaría para mí!”. O piezas tan pizpiretas como ‘Bacanal’ (¡aunque debiera llamarse San Bartolomé!), casi Smiths por momentos, pero muy El Niño Gusano también.
La apoteosis “gusanil” son ‘Poisoir Blanco’, con su fanfarria circense, ‘No me parece ni bien ni mal’ y ‘Al meternos en el lecho’. En esta última brilla su puente hecho de sintetizadores mágicos y estrellitas en que todo: instrumentos, letras, quiebros melódicos, incluso la voz de Arias, remeda a la banda zaragozana, para cerrar con un quiebro jotero de lo más folklórico y divertido. Y sirve, además de para añorar a Sergio Algora, para comprobar hasta qué punto él mismo bebió también de la fuente de Buñuel.
Pero no solo cantan a Buñuel. También él pone su propia voz. En ‘Pájaro de angustia’ lo escuchamos hablando de música y entonando un para-pa-pa de jazz, que los Lagartija Nick usan como leitmotiv en un tema amenazador, que oscila entre los trenzados de guitarras más tradicionales, lo épico y el folclor. En ’20 sueños’, la pieza más experimental y surrealista de todo el álbum, Buñuel relata 20 sueños, 20 pesadillas recurrentes, mientras sus palabras se envuelven con un celofán alucinado como colofón y cierre. ‘El perro andaluz’ no solo funciona como homenaje a Buñuel. Fuera de él, es uno de los discos más pop, redondos, accesibles y emocionantes que han parido Lagartija Nick.
Lagartija Nick actúan este viernes 24 de marzo en La 2 de Apolo.
Con un poco de retraso -quizá debido al festivo del lunes 20, no ha habido tantas novedades en miércoles- compartimos nueva “Sesión de Control”. Nuestra playlist dedicada al pop español o en castellano comienza con ‘Billete de amor’, lo nuevo de Jimena Amarillo, a punto de publicar su nuevo disco en Mushroom Pillow. Y sigue con una banda sonora, la de Viva Suecia para ‘Últimas voluntades’ de Joaquín Carmona Hidalgo.
Amatria, que hace poco estuvo en nuestro podcast hablando de su carrera y de la industria musical, estrena una canción marcada por el folclore, ‘Llámame loco’. También a su manera y en parte se inspira en ello lo nuevo de los poperos Besmaya, ‘Gas’.
Destacamos el R&B pasado por todo tipo de post-producción de toorai (el proyecto de la madrileña Ruth Cañada, producido por Sergio de Delaporte), la ‘brujjita’ que presentan rusowsky y Saramalacara y el tema de la novel Mina Mia con CML6.
Hablando de colaboraciones, Travis Birds ha estrenado ‘Urgente’ con DePedro, MTINES un tema con David Caraben de Mishima y Anna Andreu otro con Rita Payés y Pol Batlle.
daniel sabater tira por lo guitarrero en ‘CABI’, CARABALLO estrena su tercer tema en solitario en Elefant, muy al margen del sonido de su grupo Colectivo da Silva; y LUNA KI cambia el psicólogo por el mecánico en ‘La partida’.
Os presentamos el proyecto de la pareja de productor y cantante Eva Sola (no, no es una solista). Y entre los habituales de estas páginas que tienen nuevos temas están JEDET -que deja los boleros para entregarse “en el club”-, Cora Yako, Kora, Alien Tango o Belén Aguilera, que estrena tema nada menos que con Pimp Flaco.
Cala Mijas cierra su cartel de 2023 con la confirmación de los últimos nombres. Entre ellos se encuentra Siouxsie, definitivamente de vuelta a los escenarios después de 10 años, pues este es ya el segundo festival español en el que está confirmada; y también Moderat, los reyes de la electrónica actual.
Entre los nombres que se suman se encuentran Belle & Sebastian, que presentarán nuevo disco, José González recuperando ‘Veneer’, su icónico álbum de 2003, y Arca. Aunque la confirmación inesperada la protagoniza Lil Yachty, cuyo último disco ha dado una de las sorpresas de la temporada por su giro al rock psicodélico de tintes progresivos.
Duki, uno de los raperos más populares de Argentina, Pabllo Vittar, Idles y Lori Meyers completan la tanda de confirmaciones de Cala Mijas, que volverá a celebrarse en el recinto Sonora Mijas los días 31 de agosto y 1 y 2 de septiembre.
Todos estos artistas se agregan a los ya confirmados, entre ellos, cabezas de cartel del tamaño de Arcade Fire, Florence + the Machine y los Strokes, además de The Blaze, Amaia, Foals o Metronomy, y magos de la electrónica como James Holden o Nicola Cruz.
Aún queda por anunciar la programación de día del festival, que llevará a Mijas Costa la fiesta diurna. Los bonos continúan a la venta en la web del festival con la posibilidad de pago a plazos y acceso a camping. Las entradas de día estarán disponibles a partir del próximo miércoles 29 de marzo a un precio promocional de 65 euros.
Entre carteles de festivales que se parecen demasiado, y el eterno retorno de grupos que hemos visto en directo 150 veces, una gira anómala: la que han ideado de manera conjunta The Hidden Cameras y Owen Pallett. Ambos en solitario, sin más banda que ellos mismos. Conocimos a los primeros como el proyecto del «hombre orquesta» Joel Gibb, hace justo 20 años, los que acaba de cumplir su obra magna, ‘The Smell of Our Own‘. A Pallett, también canadiense, parece haberle superado su labor como violinista de cientos de artistas, como The Last Shadow Puppets, muy especialmente Arcade Fire y, últimamente, hasta Taylor Swift.
Los investigadores de los orígenes de la música queer se van incluso hasta los nacidos en el siglo XIX para hablar de los primeros artistas de jazz que fueron homosexuales, como Tony Jackson o Bessie Smith, quien a pesar de casarse con un hombre, tuvo varias compañeras sexuales femeninas. Pero lo cierto es que en 1984 Elton John se casó con una mujer y los referentes realmente activistas, como The Communards, se contaban con los dedos de una mano hasta hace bien poco.
Tibias fueron las primeras declaraciones sobre bisexualidad y homosexualidad de Michael Stipe de R.E.M. o incluso Pet Shop Boys, bien entrados los años 90. Por eso, el mencionado disco de Hidden Cameras fue tan revolucionario para la comunidad LGTB+ en 2003. Les ficharon en Rough Trade, más que probablemente por cierto parecido en sus orquestaciones a un grupo que empezaba a vender tantos discos y entradas como Belle & Sebastian. La diferencia es que sus letras no insinuaban nada ni eran ambiguas como las de los Smiths: eran atrevidas al respecto hasta lo insólito.
Los textos de Hidden Cameras apelaban a lluvias doradas, posturas muy anteriores al Kama Sutra Gay y erecciones. En pleno debate sobre la legalización del matrimonio homosexual, en medio de toda aquella polémica que tan amarga resultó en lugares como España o Canadá sugiriendo que las parejas gays que adoptaran iban a traumatizar a los niños -si no a comérselos-, Hidden Cameras publicaron un single que sugería la prohibición del matrimonio, como institución retrógrada, propia del heteropatriarcado.
Por eso da un poco de pena pensar que alguien pueda identificar el pop queer de los 2000 con Britney Spears y otras personas que jamás pertenecieron al colectivo. En años como 2003, 2004, 2005 y 2006 vimos desfilar por salas y festivales proyectos abiertamente LGTB+ como The Hidden Cameras, Owen Pallett, Scissor Sisters, Gossip y ANOHNI, entonces bajo el nombre de Antony & The Johnsons, mostrando su transición en un disco llamado ‘I Am a Bird Now’, que llegó mucho antes de que el mundo estuviera preparado para él. Qué bien habría estado que algunos lo escucharan en plena polémica por la ley trans.
Había por tanto un componente profundamente emocional en esta gira para todas las personas LGTB+ que vivimos aquello, y que hemos tenido la suerte de observar cómo el mundo cambiaba, en general a mejor, con penosas excepciones, durante los últimos años. Hace poco Natalia Lafourcade nos contaba lo excitada que estaba por observar lo que sucederá en las próximas décadas con la androginia y el no-binarismo. Por el contrario, escuchar estas canciones en vivo era meterse en una cápsula del tiempo, en un viaje a 2003 hasta desconcertante, como precedente de todo esto. Emocional a pesar de lo austero o de cierto desacierto en la puesta en escena: aquel que no paraba de darle al botón de los cañonazos de humo blanco, bien se podría haber quedado en casa.
Joel Gibb se conserva tan guapo como siempre, y no lo digo yo, sino el mismo Owen Pallett, que espetó un «he looks good, huh?» cuando el líder de Hidden Cameras decidió quitarse la camisa y quedarse en camiseta de mangas. Pallett se escondió, en cambio, detrás de ropa ancha y una gorra: fue un placer descubrir al autor de ‘He Poos Clouds‘ -qué gran título- despachando por sí mismo en el puesto de merchandising y aceptando fotos con sus seguidores. Firmando vinilos y dibujando soles a diestro y siniestro.
También es un músico mucho más virtuoso y divertido, bromeando sobre los amigos que ha perdido en Madrid, porque estos han decidido pelearse entre sí, o sobre la tristeza que arrastra su propio repertorio. «Me han dicho que no toque muchas canciones nuevas, porque son deprimentes. ¿Pero qué pasa, que las viejas no son deprimentes?».
El concierto se abrió con ‘Golden Streams’, uno de los espectaculares clásicos de Hidden Cameras, algo deslucido en su reducción a guitarra eléctrica, perjudicado por un tic que nunca curó Joel Gibb: una extraña modulación de su preciosa voz, que en algunas frases se convierte en inaudible sin explicación. Por lo demás, equilibró bien canciones de diferentes épocas, haciendo al público cantar cosas como ‘Awoo’, incorporando cajas de ritmos y música pregrabada para hacer parte del repertorio más bailable, casi abiertamente discotequero, y sobre todo logrando momentos bellísimos cuando Owen Pallett se incorporaba a la última parte de su set. ‘Ban Marriage’ y sobre todo ‘Boys of Melody’ estuvieron entre lo más emocionante de un listado que al final incorporó aquella belleza total llamada ‘A Miracle’. Canciones de 20 sobre 10.
Susana Godoy
El repertorio de Owen Pallett, que no hizo descanso entre su cable a Joel y su propio set, y actuó en segundo lugar en contra de lo que informamos hace unas semanas, puede ser más obtuso. Lo compensa porque es un espectáculo verle samplear guitarra, violín, hacer pizzicatos y cantar a la vez, dejando momentos hermosos de un pop de cámara que se ha dejado de hacer por completo en algún momento entre el nacimiento del trap y el nacimiento del bedroom pop.
Otras veces brillaban cierta ansiedad noise y la experimentación. A veces su repertorio lucía más próximo a lo que hemos visto de un Panda Bear en solitario, o a la discografía del último Scott Walker o el último John Cale, que otra cosa. Cerró eso sí con su gran hit ‘Lewis Takes Off His Shirt’, tras haber deslumbrado con piezas como ‘This Lamb Sells Condos’ o ‘Fire Mare’. Al final, Joel volvió al escenario para una interpretación conjunta de otro tema (‘We Oh We’, si no recuerdo mal). Uno de esos conciertos que no agotaron localidades, pero se mantendrán en la memoria de los asistentes mucho tiempo.
Rayden ha anunciado que se retira de la música. El autor de ‘Haz de luz’ ha convocado a la prensa este mediodía en Madrid para confirmar sus planes de abandonar la profesión, no sin antes realizar una amplia gira por España a la que ha llamado ‘Quiero que nos volvamos a ver por última vez’. El artista apunta que seguirá escribiendo novelas en las que la música tendrá protagonismo, y también escribiendo para otros o incluso ejercer de A&R para lanzar artistas nuevos.
Rayden ha explicado su decisión en un comunicado: «Llega un día en el que lo sabes. Una voz dentro de ti, dice que el trabajo ya está completado. Que ya lo conseguiste. Que ya has dejado tu impronta. Que ya… Es difícil hacer caso a esa voz cuando el resto del mundo te comenta que estás viviendo «tu mejor momento». Cuando tienes la mejor banda posible. Cuando tienes un público fiel, que llena y agota cada vez más salas. Y, menos aún cuando queda menos de un mes para que escuchéis uno de los discos de los que más orgulloso estoy. Pero cuando escuchas a esa voz interior y sientes calma, sabes que, lo más honesto que puedes hacer es hacerle caso.
Dejo la música. Al menos, desde este lado. (A partir de ahora abrazaré la música de otra manera mientras escribo mis novelas). Me despido de los discos, las canciones y los escenarios para siempre. Me despido, pero no sin antes hacer una gira de despedida para que sea imposible olvidarnos de este sueño y para dejar las canciones en las mejores manos posibles: las vuestras».
El artista ha descartado volver a la música ni en «4 meses, ni en medio año» ni en ningún futuro. Además, no utilizará el nombre de Rayden para firmar sus novelas. Entre las declaraciones de la rueda de prensa de este jueves, ha declarado que le «pone terminar a tiempo y no arrastrar el muerto». Además, ha sido crítico con los artistas que ha seguido y han «estirado el chicle» después de anunciar una retirada.
Rayden ha dado frente a la prensa tres razones para retirarse: que ya no se escuchen discos, que ya no sea prioritario hacer vídeos y que cada vez tengas que «hacer más para demostrar lo mismo». «Cada vez como artista vales menos, y lo digo desde el privilegio de ser hombre heterocis. Es peor para las mujeres». También ha aclarado que saldrán algunas colaboraciones ya grabadas junto a amigos en el futuro, pero que ha declinado grabar más.
La gira final de Rayden arrancará en Huesca el 21 de abril de 2023, despedirá el año en el WiZink Center de Madrid (como ya se sabía) y volverá el año que viene en Zaragoza hasta concluir definitivamente el 1 de abril en la sala Razzmatazz de Barcelona, pasando antes por otras muchas ciudades como Córdoba, Alicante o Sevilla. Las entradas salen a la venta este viernes 24 de marzo a partir de las 12 horas. Habrá festivales y los últimos conciertos definitivos serán en agosto de 2024.
La noticia de la retirada de Rayden llega a poco menos de un mes de que se edite su nuevo elepé, ‘La victoria imposible’, que será ya su disco final. Sale el 21 de abril y llega con colaboraciones de Dani Fernández, Travis Birds o Álvaro de Luna.
Rayden ha sido uno de los MCs más exitosos de España como demuestran los excelentes datos que han producido sus lanzamientos discográficos, que han solido entrar en los puestos más altos de la lista de álbumes española. Sin ir más lejos, ‘Homónimo‘, publicado en 2021, entró en el cuarto puesto.
Autor de éxitos como ‘En el cielo de la boca’ o ‘La mujer cactus y el hombre globo’, Rayden alcanzaba un nuevo nivel de popularidad en 2022, año en que concursaba en la mediática primera edición de Benidorm Fest. No ganó, pero la puesta en escena de ‘Calle de la llorería’, así como la divertida canción, se aseguraban de que sigamos recordando su participación a día de hoy.
Este viernes 24 de marzo, en competencia con titanes como Lana del Rey y Depeche Mode, se publica el primer disco de Valeria Castro. Por eso nos adelantamos un día para recomendar uno de los anticipos de esta obra como Canción del Día.
Valeria Castro tiene 23 años y procede de la isla de La Palma. De momento ha destacado con un primer EP más desgarrado llamado ‘chiquita’ (2021) en el que despuntan pistas preciosas como ‘culpa’, ‘cuídate’ y ‘cómo te voy a olvidar’. Este disco que presenta ahora presenta un sonido menos de cantautora, más «agresivo» como ella misma describe en una entrevista con este medio que publicaremos próximamente. Habla poco de rupturas o hallazgos amorosos. Considera que no son de interés general.
Así que La Palma y sus orígenes son protagonistas de temas como ‘un hogar’, y la producción de ‘lo que siento’ muestra de ese nuevo carácter más agresivo. La ha realizado la propia Valeria junto a los venezolanos Santamarta y los mexicanos Daniel, me estás matando.
El disco evita los featurings pero aquí cabe también un crédito de DePedro por su buena comprensión y acercamiento a la música latina, tan querida desde siempre en Canarias por razones tradicionales.
Rítmica y casi bailable, ‘lo que siento’ se definía como «un grito de sinceridad, para no olvidarse de dónde está el camino, tener que quitarse las capas de fuera, todas las posibilidades de encima y limitarse a contar la historia de una salga como salga». Entre beats, voz temblorosa (pura sensibilidad), esa llamada al poder curador de la música («¿cómo voy a saberlo si no canto lo que siento?”) y crescendo (sintetizadores y coros mediante), ‘lo que siento’ es solo la punta del iceberg de lo que puede ser el futuro de Valeria Castro.
Bizarrap ha estrenado su nueva sesión, la número 54, que cuenta con la participación de Arcángel. Se trata, por supuesto, de la «session» que sucede a la de Shakira, la número 53, y, de hecho, la letra de Arcángel incluye una referencia a aquella canción: «Descansé un par de año’, volví y me pegué / Matándolo’ como Shakira a Piqué / Yo no juego al fútbol, pero los pelé».
La sesión de Bizarrap y Arcángel ya es número 1 en tendencias de Youtube, y nos da lo que esperamos de ambos. Por un lado, el beat de hip-hop de Biza pisa tan fuerte como de costumbre, mientras, esta vez, es un arreglo de violines árabes los que captan nuestra atención… hasta que el beat se transforma en uno de house, como ya sucedía en producciones previas de Biza, como las de Ptazeta o, por supuesto, la de Quevedo, la más exitosa a nivel internacional.
Por otro lado, las barras de Arcángel cuentan una historia de superación. Como Duki, el rapero neoyorquino apela a la calle, recuerda que del barrio ha llegado a lo más alto y que ahora posee propiedades y viaja por todo el mundo de gira. «Estos traperos son mis hijos» parece una línea inspirada en el «these bitches is my sons» de Nicki Minaj y nos recuerda que el éxito de Arcángel viene de lejos.
«Este flow legendario no tiеne adversario, como Maradona en la cancha» es otro de los versos que deja la sesión 53 de Bizarrap y Arcángel. No sabemos si Arcángel tiene rival como rapero o no… aunque hemos escuchado rimas más inspiradas en otras colaboraciones de Bizarrap. ¿Tiene la de Nathy Peluso, acaso, rival? Lo seguro es que la «fórmula Bizarrap» se empieza a desgastar en esta producción que poco nuevo aporta ya a la discografía del argentino.
Os recordamos que Bizarrap tiene un puñado de fechas confirmadas en varios festivales españoles este verano. Además, ha anunciado la primera fecha de su gira propia, ‘BZRP Tour‘, que arrancará en Buenos Aires el próximo mes de junio.
«He sobrevivido a la sequía de Joanna Newsom 2015-2023» es uno de los mensajes que se pueden leer en redes sociales acerca del regreso de Joanna Newsom a los escenarios. La californiana ha sido la telonera sorpresa de Fleet Foxes en Los Ángeles y ha estrenado hasta cinco canciones nuevas, al menos, según las personas que estuvieron presentes en el concierto.
El setlist que Newsom ha tocado en The Belasco ya circula por Twitter. En él figuran dos canciones viejas, ‘Go Long’ de apertura y ‘Sawdust and Diamonds’ de cierre, y cinco inéditas. Son ‘Bombs Are Whistling’, ‘Marie at the Mill’, ‘Little Hand’, ‘The Air Again’ y ‘No Wonder’.
Pero hay más. Según fuentes que estuvieron presentes en el show, Joanna confirmó que prepara el lanzamiento de un nuevo disco que se compondrá de 11 canciones. Una de ellas narraría un «cuento de fantasmas sobre un canario» y duraría 15 minutos.
A espera de que confirmación oficial por parte de Newsom o su sello Drag City, parece que está todo en orden para que Newsom lance nuevo material después de ocho años. Su último disco, ‘Divers‘, salió en 2015. Después, Newsom se retiró de la vida pública para dedicarse a la maternidad, y solo volvió en 2020 para ofrecer una serie de conciertos «íntimos» en Estados Unidos.
Como la presentó Robin Pecknold en el concierto, Joanna Newsom es la «emperatriz del folk», hoy por hoy, la artista folk más prestigiosa de nuestra época. También es una de las más celosas de su trabajo, pues, como es sabido, su discografía no está disponible en Spotify, plataforma que Newsom detesta. Sí lo está en Apple Music y otras.
Conocimos a Kate NV por una recomendación de Nicolas Godin de AIR, que colaboró con ella en la maravillosa ‘Back to Your Heart’. Esa canción tenía poco que ver con lo que la rusa Ekaterina Shilonosova hacía por su cuenta: su disco de 2020, ‘Room for the Moon‘, era un homenaje pletórico al pop vintage japonés de los 80 y 90. Inspirado también en las animaciones niponas de la época, ‘Room for the Moon’ descubría un fascinante mundo infantil y naíf que apenas había asomado en sus lanzamientos previos, los más experimentales ‘Binasu’ (2016) y ‘для FOR’ (2019). ‘WOW‘, el nuevo álbum de Kate NV, lleva su faceta infantil a su máxima expresión, en una colección de pistas que sorprenden a cada segundo. Hemos tenido oportunidad de hablar con ella sobre ‘WOW’, su marcha de Moscú por la guerra y su decisión de publicar un disco tan alegre en un contexto que no lo es en absoluto.
El disco es divertidísimo de escuchar, ¿fue igual de divertido de hacer?
Me he divertido mucho haciendo este disco. Llevo trabajando en estos «tracks» desde hace tiempo, algunos desde hace años. El disco simplemente reúne una parte de todos los temas que he creado en los últimos años. El origen es ‘mi (we)’: cuando lo grabé me di cuenta de que tenía ya bastantes temas que compartían un sonido parecido y, a partir de ahí, hice el resto.
Tienen un sonido muy diferente, como infantil. ¿Te apetecía adentrarte en este mundo como de niños?
Creo que todos mis trabajos tienen ese vibe, no es una cosa que haya planeado, es que mi manera de hacer música es así. Me gusta trabajar desde la espontaneidad y divertirme en el proceso, me encanta utilizar sonidos ridículos y combinarlos. A veces improviso en el sintetizador y me salen sonidos tan cómicos que simplemente no me puedo resistir a utilizarlos (ríe).
El sonido «slapbass» es cómico, me recuerda a las sitcoms de los 90.
¡Era la referencia! Me encanta el slapbass. Yo no sé tocar el bajo, el que uso en el disco es electrónico, y uno de mis efectos favoritos de sintetizador se llama «Jerry’s bass», que suena como el bajo de la sintonía de ‘Seinfeld’ (NdE: el nombre de pila de Seinfeld es Jerry). Estoy segura de que, quien creó el efecto, estaba pensando en la serie.
¿Qué instrumentos hay en este disco? Hay electrónica MIDI, efectos de pájaros… hasta violines y otros instrumentos.
En el álbum uso muchas grabaciones de mis amigos. Algunos de ellos vienen del mundo académico, son flautistas, saxofonistas o clarinetistas profesionales. Los invitaba a casa y les grababa tocando. En el inicio de ‘meow chat’ mi amigo toca una flauta que imita el sonido del timbre de un teléfono. En ‘mi (wi)’ me grabé tirando palillos de sushi sobre las láminas de una marimba. En ‘early bird’ suena un pájaro que grabé a las tres de la mañana cantando en un parque de Moscú. El pájaro emitía un sonido que parecía electrónico y mi amigo y yo flipamos cuando lo escuchamos (ríe).
«Es importante poder disfrutar de cosas bonitas y alegres en tiempos oscuros como el que estamos pasando»
A veces el disco suena como si fuera la banda sonora de un videojuego, y ‘Katamari‘ ha inspirado el vídeo de ‘oni (they)’.
No soy nada «gamer», en mi vida he jugado tres o cuatro videojuegos. Cuando era niña mis padres eran pobres y no se podían permitir comprar videojuegos, pero cuando iba a casa de mi hermanastro, él y yo nos pasábamos la tarde jugando a SEGA. Jugar no se me daba bien, pero la música me llamaba mucho la atención, me parecía muy divertida y simple pero a la vez compleja. El videojuego que más me ha inspirado es ‘Katamari’, me encantan tanto el juego como la banda sonora. Lo amo con todo mi alma. Lo descubrí con mis amigos cuando empezamos a escuchar música pop japonesa de los ochenta. No teníamos dinero para comprar una consola y nos pasábamos el día mirando vídeos de gente jugando. Después, el que era mi novio en la época me compró una PlayStation de segunda mano y el juego de ‘Katamari’. La consola era tan vieja que el disco se quedó atrapado en el lector y nunca más pudimos jugar a otra cosa (ríe). El vídeo de ‘oni (they)’ es una reflexión sobre el materialismo, la gente tiene muchas cosas y no necesitamos tantas.
En el disco parece que las cosas se te caen encima, prácticamente.
En 2018 hice un concierto en Berlín, era mitad improvisación, mitad canciones. Cuando improvisaba creaba un «loop» tocando botones a lo loco y recopilaba sonidos hasta que todos ellos empezaban a crear algún tipo de melodía o estructura. Al final del show un compañero de Underground Resistance me dijo que le había recordado a un vídeo loquísimo que había visto. Al parecer existe una teoría que defiende que, si metes un montón de relojes rotos dentro de una centrifugadora en marcha, llegará un punto en que todos estos relojes se organizarán para crear un reloj nuevo.
La música japonesa ha sido muy importante en tu vida. ¿Qué la hace tan especial?
Me siento muy apegada a esta música, me llega al alma. Por qué exactamente no lo sé. Para mí, la música japonesa es muy entretenida, divertida, es simple pero a la vez compleja. Y lo que más me fascina de ella es que no tiene miedo a sonar boba o ridícula. La música japonesa tiene mucho humor pero, a la vez, es increíblemente innovadora, porque cuando no te da miedo hacer tonterías se te ocurren ideas muy interesantes. Es un tipo de música que no deja de sorprender todo el tiempo. Por otro lado, yo me crié en los 90, una época muy interesante para Rusia. Fue el final de la Unión Soviética, un momento en que de repente se respiraba mucha libertad en todas partes y eso se reflejaba en el arte. Los artistas se volvieron locos experimentando y la música japonesa les inspiraba mucho porque también era muy libre y probaba cosas nuevas.
No estabas segura de publicar este disco tan divertido en el contexto de la guerra de Ucrania. ¿Qué te hizo tomar la decisión de sacarlo?
El disco ya estaba hecho, lo terminé de grabar en 2019, a la vez que ‘Room for the Moon’. La mezcla de ambos discos se hizo a la vez. La discográfica y yo decidimos sacar primero ‘Room for the Moon’ y ‘WOW’ después. En otras palabras, llevo años esperando a publicarlo. Después de pensarlo mucho tomé la decisión de sacarlo porque creo que es importante poder disfrutar de cosas bonitas y agradables en tiempos oscuros como el que estamos pasando. Cuando empezó la guerra, durante meses fui incapaz de escuchar música porque todo lo que escuchaba me parecía intrascendente. ‘WOW’ es un disco alegre que creé en un entorno feliz y hogareño, en una casa de la que me he tenido que ir. Creo que la vida es corta y que damos muchas cosas por sentadas, pero el mundo tal y como lo conocemos ha colapsado, estamos entrando en una nueva era. Quizá, esta era la última oportunidad de sacar un disco como este…
Ahora mismo estás asentada en Belgrado, Serbia.
Estoy en Belgrado pero mi plan es irme en algún momento. No tengo muy claro adónde pero de momento me quedo aquí, sí…
¿Volverás al pop? ‘Back to Your Heart’, tu canción con Nicolas Godin, de AIR, es fantástica.
Me encanta cantar y bailar y tengo un montón de borradores de canciones que sé que van a ser canciones pop. Cuando hago música nunca sé dónde me va a llevar, a veces planeas sacar un disco de pop y terminas haciendo otro más experimental y raro (ríe). No me fuerzo a hacer las cosas, me parece importante que el proceso sea ameno. Echo de menos tocar con una banda, ahora mismo no tengo banda porque todo el mundo vive en diferentes países. Mi plan es ir pronto a Estados Unidos a tocar y, de paso, terminar las canciones que tengo enfiladas, que van a ser pop seguro.
Tienes un nuevo proyecto con Angel Deradoorian, Decisive Pink.
Me encanta colaborar. Si no, me aburro (ríe). Angel y yo somos muy diferentes pero, a la vez, tenemos muchas cosas en común. Vemos la música de manera muy similar y tenemos un sentido del humor parecido. Decisive Pink es totalmente diferente a lo que hacemos cada una por separado, y eso es excitante.
Como ya hacía Alaska hace una semana, Mario Vaquerizo ha respondido a las palabras que Jorge Javier Vázquez le ha dedicado a él y a su mujer en un artículo de Lecturas.
Jorge Javier había cargado contra Alaska y Mario Vaquerizo a raíz de las inclinaciones políticas del dúo. Bajo el título de «Alaska y Mario, la gran decepción», el presentador de ‘Sálvame’ reprochó a la cantante su colaboración con Federico Jiménez Losantos y al líder de Nancys Rubias su complicidad con Ayuso tras el viral anuncio de la Comunidad de Madrid.
La respuesta de Vaquerizo va en la misma línea que la de Alaska, sin echar mucha leña al fuego, e incluso alude directamente a las palabras de su pareja: «Lo que dijo Alaska, que es una mujer muy sabia y por eso estoy casado con ella, es lo que yo suscribo. Jorge Javier está en su derecho de ejercer su derecho, nunca mejor dicho, a opinar. Otra cosa es que su opinión yo la comparta o no, se la respeto y ya está, pero no hay que darle más vueltas», ha declarado el líder de Nancys Rubias, según ha recogido Chance.
Vaquerizo ha dejado claro el poco efecto que han tenido en él las palabras de Jorge Javier: «A mí me duele una caída, una pérdida de un ser querido, me duele que me quede calvo… pero las opiniones de los demás no me tienen que doler. Hay que respetarlas, simplemente», ha expresado el madrileño, no sin antes parafrasear a Fangoria para dejar la guinda final: «No busquemos más dramas donde no los hay, yo quiero comedias entretenidas».
Aitana ha anunciado en su cuenta de TikTok el nombre y la fecha de lanzamiento del primer single de su nueva etapa, ya que, como aclaró hace unas semanas en Twitter, ‘αlpha’ no es «solo un álbum». ‘LOS ÁNGELES’ estará disponible el 30 de marzo y ya podemos escuchar un adelanto.
La artista de San Clemente de Llobregat ya había publicado un teaser con la frase «αlpha community unlocked» en el que también se escuchaban unos ritmos de house muy en la línea del último disco de Beyoncé, adelantando un cambio de estilo para Aitana. En el nuevo vistazo el elemento dance no está presente, pero es probable que la extriunfita nos haya querido poner los dientes largos enseñándonos la parte más relajada de la canción.
En ‘LOS ÁNGELES’, Aitana canta «yo te besaba a escondidas, eso nadie te lo hacía, me buscabas, me comías, pero fue culpa de Adán cuándo Eva se perdía y otra manzana mordía». Es probable que ‘LOS ÁNGELES’ signifique otro éxito más para la catalana, que en estos momentos tiene tres singles en el top 100 oficial español: ‘Mariposas’ con sangiovanni en el número 51 (4 platinos), ‘Mon Amour’ con Zzoilo en el 76 (8 platinos) y ‘Formentera’ con Nicki Nicole en el 94 (5 platinos).
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