Estados Unidos ha bombardeado esta noche tres centrales nucleares de Irán, entrando efectivamente en guerra con el país persa. Irán ha advertido que se reserva «todas las opciones» para responder.
Donald Trump ha declarado que el objetivo del ataque de Estados Unidos contra Irán es impedir cualquier posibilidad de una ofensiva iraní. Trump exige al país de Oriente Próximo que «firme la paz» o, de lo contrario, habrá «ataques peores». Trump ha asegurado que la operación busca “destruir la capacidad de enriquecimiento nuclear de Irán y eliminar la amenaza que representa el principal Estado patrocinador del terrorismo en el mundo”. La ofensiva se ha llevado a cabo con el respaldo de Israel.
La cultura no ha tardado en reaccionar al ataque de Trump. Mientras Pop Base, una cuenta de información sobre música pop, ha informado del ataque como de cualquier novedad musical, la artista iraní-neerlandesa Sevdaliza ha pedido «paz en Irán» en su cuenta de Instagram.
Sin publicar un mensaje propio, Sevdaliza ha compartido una publicación de la cuenta de Instagram «Armenian Art Community» que informa sobre el ataque y menciona la presencia de iraníes en Armenia. La imagen muestra a cuatro personas visitando Persépolis, acompañada del mensaje: «Que Irán conozca la paz». De fondo suena ‘Gole Bi Goldoon’, una canción de Sevdaliza interpretada en persa.
Conocida por sus éxitos ‘Alibi’ y ‘Ride or Die’, Sevdaliza -nacida en Teherán pero residente en Países Bajos desde los cinco años- es una de las primeras figuras públicas de la cultura que se pronuncian sobre el ataque de Estados Unidos a Irán.
Sen Senra ha publicado estos días el tercer volumen de su serie de discos largos autobiográficos ‘PO2054AZ’, después de los lanzados consecutivamente en 2023 y 2024. ‘PO2054AZ (Vol.III)‘ es el Disco de la Semana. JENESAISPOP ha podido hablar sobre él con su autor.
Un disco mayormente compuesto por canciones acústicas, ‘PO2054AZ (Vol.III)’ contiene alguna concesión abiertamente pop por la vía de melodías pegadizas y percusiones. Es el caso de ‘Romeo’, la Canción Del Día para hoy domingo.
Adscrita a un estilo lo-fi y ligeramente distorsionado, ‘Romeo’ se abre paso como una de las canciones más inmediatas de de ‘PO2054AZ (Vol.III)’. No extraña que se haya promocionado con un bonito videoclip en el que Senra aparece tumbado en la cama, a la luz de la luna, vestido de blanco impoluto, o bañándose en el agua, rodeado de flores.
‘Romeo’ (estilizada ‘R O M E O’, perdonadme la licencia) es una canción de amor idealista. La figura de Romeo -probablemente extraída de ‘Romeo y Julieta’ simboliza el amor apasionado, juvenil, eterno, imposible de apagar a pesar de las adversidades. Solo la muerte, el «destino» final de la vida, se impondrá entre Senra y la persona amada. Un mensaje muy shakespeariano, realmente.
En la canción, Senra profesa un amor que atraviesa las épocas, del pasado («yo sabía que te iba a encontrar mucho antes de verte»), al futuro («Así se siente nuestro amor, como las olar del mar y sus vaivenes, me pregunto dónde nos veremos en todas las siguientes») a, por supuesto, el presente. Uniendo todos los tiempos, canta: «Fui yo siempre tu Romeo, quiero ser yo tu Romeo, seré siempre tu Romeo». Un amor atemporal, como esta canción.
sombr es el alias del cantante y compositor estadounidense Shane Michael Boose. Su música hace honor a su nombre, ya que canciones como ‘back to friends’ o ‘undressed’ transmiten una gran oscuridad a pesar de sus pegadizas composiciones. No extraña que muchas de las fotos promocionales de sombr -nacido en 2005- sean en blanco y negro o que él aparezca en ellas en actitud pensativa o melancólica. Suena a Miles Kane y a la Lykke Li más trágica, en uno.
Hay un elemento de torch song en sus canciones, mezclado con las guitarras del indie rock clásico y las melodías de la fórmula pop. Él pudo quedarse en una escala modesta, escribiendo canciones correctas de folk-pop como ‘would’ve been you’, pero su salto comercial ha sido mayor del esperado, en estos últimos meses.
En especial ‘back to friends’ o ‘undressed’ han logrado una enorme viralidad en TikTok, y el paso de esta plataforma a las listas de éxito ha sido asombroso. Ambos temas llevan meses pegados a la parte alta de la tabla global de Spotify: ‘back to friends’ sigue en el 3 y ‘undressed’ en el 10. Nada mal para un artista debutante sin disco en el mercado. Geffen Records y el «gurú de la industria» Tony Berg, su productor, se encuentran detrás de este éxito.
En listas oficiales, los datos son igualmente sorprendentes. En Estados Unidos, ‘back to friends’ ha alcanzado el puesto 32 y ‘undressed’ el 25 del Billboard Hot 100. Además, ‘undressed’ ha sido número 1 en Irlanda y ha alcanzado los top 5 de Australia, Nueva Zelanda y Reino Unido. ‘back to friends’ también ha sido top 5 en Australia, Irlanda y Nueva Zelanda. Estamos ante una nueva estrella del pop anglosajón. España todavía no se ha enterado de su existencia, pero lo hará pronto.
Entre las canciones más torch song de sombr se encuentra ‘i don’t know you anymore’, que refleja una de las temáticas favoritas de su obra, el desamor. Sus letras recorren sentimientos de nostalgia (‘do i ever cross your mind’), vulnerabilidad (‘weak’) o miedo a la soledad (‘willow’). ‘we never dated’, el nuevo single de sombr publicado este viernes, narra otro de esos amores trágicos, el que jamás pudo ser. «Si nunca salimos, ¿cómo es que pienso en ti a diario?»
«No puedo hacer que te enamores de mí», repite como un mantra el estribillo de esta canción que busca acercarse a la repercusión de ‘back to friends’ y ‘undressed’. La melodía vuelve a ser pegadiza, pero ahora se potencian las guitarras eléctricas y las armonías vocales. Con su sólido playlisting (2º lugar en New Music Friday, donde es portada), ‘we never dated’ se lanza hacia el éxito. ¿Logrará sombr sumar un tercer hit global?
Para muchos, ‘The Soft Bulletin’ es la verdadera obra maestra de The Flaming Lips. Sin embargo, es difícil imaginar qué habría sido de ellos sin ‘Yoshimi Battles The Pink Robots’, su particular blockbuster discográfico y el protagonista absoluto de su espectacular concierto en Kalorama.
Desde luego, Wayne Coyne y los suyos saben cómo empezar un show. El frontman aparece en el escenario con una enorme bola azul de plástico, de esas que tanto gustan al público festivalero, e inmediatamente anima a la gente a hacer todo el ruido que puedan: “¡Vamos, vamos, vamos! ¡Tenéis que gritar!”, con lo cual se comprometería durante todo el concierto. Ocasionalmente, él mismo soltaba un par de gritos para que le imitásemos. Un poco más y se queda afónico. También queda claro desde el principio el tremendo despliegue de medios que habían preparado los estadounidenses.
Cuatro enormes robots hinchables y mucho confeti (sí, en la primera canción) acompañaron la interpretación de ‘Fight Test’. Está claro que la banda, y en especial Coyne, que no paró de sonreír durante todo el set, le tiene un grandísimo cariño al disco. Todo estaba preparado para hacerte sentir que estabas presenciando algo sumamente especial. Entre el público, fanáticos y curiosos por igual. Este inicio estaba ideado para que los presentes se encargasen de cantar el estribillo, pero no funcionó demasiado bien, incluso con las letras proyectadas en la pantalla. Unas horas después, y con un público mucho menor, Alizzz demostraría que eso nunca es un problema para él.
Sergio Albert.
The Flaming Lips no tomaron atajos y optaron por ser totalmente fieles a la grabación original, con todos los detalles robóticos y frikadas sónicas incluidas. Igual que el LP, el concierto también estaba construido como un universo propio. Uno lleno de vivos colores, láseres del espacio y un mimo especial para cada canción. Destacaron la narcótica bola de discoteca que apareció en ‘Are You a Hypnotist??’ y la simulación de guerra total que significó la segunda parte de ‘Yoshimi Battles The Pink Robots’, con Coyne disparando su pistola de confeti y guirnaldas al aire.
Los robots volvieron para la canción titular. El karaoke sí que funcionó con esta, resultando en una sección totalmente mágica, pero no en lo mejor del show. The Flaming Lips saben cuáles son los temas más conocidos del disco, y por eso le dedicaron más tiempo a ‘Do You Realize??’. “Espero que no vayáis al baño o a pillar algo para beber, porque quiero que estéis aquí con las personas que amáis y con este arcoíris hinchable”, comentó Coyne. Fue un momento de armonía festivalera capaz de provocar escalofríos a un maniquí.
El final del disco, con el detallito del confeti en forma de robot rosa, fue totalmente satisfactorio. Sin embargo, no tanto como la traca final al son de ‘Pompeii Am Gotterdammerung’ y ‘Race for the Prize’. Esta última, con unos simpáticos alienígenas invadiendo el escenario en el último minuto. La espectacularidad del concierto se consolidó con la aparición de unos globos que rezaban lo que todos pensábamos: “FUCK YEAH KALORAMA MADRID”. El público ya se encargó de repartirse las letras entre ellos.
Hay que hacer una mención especial a las personas que se encargaban de menear los monigotes y, sobre todo, de inflarlos y volverlos a recoger varias veces durante el set. Con lo que cuesta a veces guardar una de esas tiendas de campaña que se arman solas, no me quiero ni imaginar lo mismo con un hinchable de 3 metros de altura.
Menos aparatoso fue el recital instrumental de BADBADNOTGOOD, que daban su primer concierto en Madrid. A eso de las 20h, a medida que el cielo se llenaba progresivamente de nubes cada vez más oscuras, se me vino a la cabeza el diluvio que sucedió en la pasada edición de Kalorama, celebrada en IFEMA. En la Caja Mágica, el festival adquiere una dimensión más reducida, permitiendo admirar muy de cerca conciertos como el de los canadienses. Además, es un show construido totalmente para eso. No es jazz puro, sino algo más cercano a una jam de funk, rock y soul que no admite descanso. Entre los múltiples pasajes temáticos, homenajearon a distintas leyendas de la música fallecidas recientemente. Así, convirtieron la melodía de ‘Family Affair’ de Sly & The Family Stone en un pegadizo riff de guitarra y dijeron adiós a la amenaza de lluvia con la interpretación de ‘Everybody Loves The Sunshine’ de Roy Ayers. Faltó el guiño a Brian Wilson.
Sergio Albert
Una de las coincidencias de los artistas programas en la primera jornada de Kalorama fue la presencia de grandes bandas. Jorja Smith, con todo un elenco de baterías, teclados, bajo, guitarra y coristas, no se quedó atrás. La cantante británica era uno de los nombres más esperados y demostró por qué sin ningún tipo de esfuerzo visible, lo cual creo que añade más mérito al asunto. La única pega que se le puede poner es que se habría agradecido que su voz estuviese un pelín más presente en la mezcla. Aun así, esta es delicada de por sí. La británica tiene una forma tan suave de hablar que cuesta entender lo que dice. Su presencia, que había sido algo estática en previas ocasiones, era disfrutona. No paró de bailar durante el fiestón de ‘The Way I Love You’ y jugó con los cánticos del público durante ‘Teenage Fantasy’.
El de Jorja fue un concierto que empezó discreto, pero que terminó haciéndonos bailar a todos. Canciones como ‘Try Me’ o ‘Blue Lights’ abundaban en la primera parte del set como un relajado aperitivo antes de temazos como ‘Be Honest’ o ‘Come Over’. Como en los mejores conciertos, el set fue de menos a más. Aunque Smith era el centro indiscutible del show, los coristas también cobraban protagonismo en algunas secciones. Por otro lado, los momentos a capella, que no fueron tantos como me habría gustado, pararon el tiempo en el recinto madrileño.
Después del buen rollo de Jorja Smith, llegó la disociación de Father John Misty. En un elegante traje y luciendo una frondosa barba, el cantautor estadounidense sale al escenario pequeño con una actitud de «sí, soy yo, qué pereza me da la vida», pero en el mejor de los sentidos. Es justo lo que cualquiera que conozca su música esperaría de él. Lo que quizás no era tan obvio es la caña que puede dar Misty en el escenario. El show comienza de repente con ‘I Guess Time Just Makes Fool of Us All’. No hay orquesta, como en su último y magistral disco, pero lo suple a la perfección con una banda de 7 músicos. De hecho, consigue que suene totalmente fiel a la versión de estudio. Ya desde estos primeros momentos se intuye que el show de Josh Tillman va a ser uno memorable.
Sergio Albert
El impresionante muro de sonido de la banda se hace evidente en ‘Mental Health’ y ‘Screamland’, que de alguna manera suenan incluso más redondas que en su versión grabada. «Vamos a subir el ritmo, pero primero tenemos que tocar algunas de desesperación», suelta el artista. No dio tiempo a muchas canciones, porque todas eran bastante largas. Con ‘Mahashmashana’, por otro lado, experimenté los 10 minutos más cortos de mi vida. Recrear esa canción sin una orquesta detrás es una tarea mayúscula y el padre John Misty lo consiguió con creces en una de las mejores demostraciones de poderío sónico que he disfrutado en un festival.
Josh Tillman se mueve más de lo que esperaba. Excéntrico, imprevisible y con un repertorio de gestos inacabable, en muchas ocasiones este parecía más un mago que un frontman. No llega a bailar, pero sí se mueve de forma muy cool. Durante ‘She Cleans Up’, la cual sintió con todos los huesos de su cuerpo, recuerda a Mick Jagger. Interpreta sus canciones sin una seriedad exagerada, como siendo consciente de la pretenciosidad de sus letras e intentando rebajarla. De vez en cuando, incluso las representa, como cuando se mira las manos en el mal viaje de ‘Josh Tillman and The Accidental Dose’ o cuando siente el fatal golpe del amor en ‘I Love You, Honeybear’, que ejemplifica balanceándose aturdido por el escenario con el atril en la mano.
Entre los «veranos» que han de suceder a ‘brat‘ (2024) este año, el de These New Puritans. Al menos, según Charli xcx, que incluyó al dúo de los gemelos Jack y George Barnett en su lista de sucesores durante su segundo show en Coachella del pasado mes de abril, junto a nombres tan dispares como Rosalía, PinkPantheress o Ari Aster. Y eso que These New Puritans ya no son el «hype» que fueron en la época de ‘Hidden‘ (2010), su innovador segundo disco.
En ‘Crooked Wing’, su quinto largo y el primero desde 2019, These New Puritans siguen yendo por libre, muy lejos de los ecos post-punk de su debut (su nombre se inspira en el título de una canción de The Fall), y profundizan en sus influencias minimalistas y neoclásicas. Aunque el material de ‘Crooked Wing’ remite al de obras previas de TNP (‘A Season in Hell’ es hermana de ‘We Want War’; ‘Bells’ recuerda a Steve Reich tanto como ‘Organ Eternal’), ‘Crooked Wing’ vuelve a ser un disco único en la discografía del grupo inglés.
Este disco llamado «Ala torcida» que habla de ríos, mares, cavernas oscuras, campos de nieve y pasajes subterráneos, también es una exploración de diversas dicotomías como lo ancestral y lo industrial, lo sacro y lo profano, o lo natural y lo terrenal. Por cada mención a «cielos de cristal», sigue otra a «regaliz y violencia».
Esta estado entre dos mundos se refleja en lo musical, pues ‘Crooked Wing’ alterna pasajes y texturas celestiales con otras que llevan a la amenazante realidad. El sueño de ‘Bells’, mecido con el sonido de campanas y vibráfonos, pasa a la rítmica industrial de ‘A Season in Hell’, que incluye dos órganos y, según Jack, «doscientas percusiones». En medio de estos dos mundos, Caroline Polachek canta a dueto con Jack la preciosa ‘Industrial Love Song’, una canción sobre dos grúas enamoradas en una obra.
La emoción de ‘Crooked Wing’ es fría y austera como una misa. De hecho, en el álbum se tocan órganos de iglesia y se incluyen grabaciones de campo de iglesias griegas. La idea parece ser la de unir tradición y futuro en una obra que suena a la vez ancestral y moderna. ‘Crooked Wing’ es un disco de pop que parte del minimalismo y, a la vez, es un disco tremendamente inglés, que solo podría haber hecho este grupo de esta forma.
Sin embargo, la riqueza melódica e instrumental de ‘Crooked Wing’ deja momentos sobrecogedores como ‘I’m Already Here’, una canción sobre alguien perdido, al que el narrador espera. Una nana al vibráfono que se convierte en ensoñación épica con la ayuda de cuerdas, órganos y la voz de Polachek, que recorre el centro del disco como un hada que nos guía por un lugar oscuro.
Enmarca la obra la angelical voz de un niño del Southend Boys Choir, que parece simbolizar un retorno a la pureza de un mundo ya muy lejano. Antes del cierre, el antepenúltimo corte, ‘Goodnight’, añade una capa de noir jazz al conjunto, pero de la oscuridad emergen voces alienígenas que nos recuerdan que seguimos en algún lugar entre el pasado y el futuro.
Patrick Walden, guitarrista fundador de Babyshambles, la banda paralela de Pete Doherty, líder de los Libertines, ha muerto a los 46 años. Así lo ha comunicado la banda en redes «Con profundo pesar y tristeza compartimos la noticia del fallecimiento de Patrick Walden. Nos sentimos muy afortunados de haberlo conocido, querido y trabajado con él, y pedimos amablemente respeto y privacidad en estos momentos difíciles». La causa del deceso no se ha hecho pública.
Walden, que había sido guitarrista en bandas como Fluid o The White Sport, entró en Babyshambles en 2004. Pete Doherty formó la banda después de ser expulsado de los Libertines debido a su consumo de drogas, y contó con Walden desde el inicio. Walden co-escribió 6 de los 16 cortes que forman parte del debut de Babyshambles, ‘Down in Albion’ (2004), incluidos el single top 10 ‘Fuck Forever’ y ‘The Man Who Came To Stay’, la cara b del single ‘Killamangiro’.
El consumo de drogas afectó también a Walden, que, por esta razón, abandonó Babyshambles en 2005, aunque entre 2006 y 2009 volvió a tocar en el grupo, esporádicamente y ya por última vez. En 2006, Walden fue acusado de agredir a su novia y detenido y pasó nueve días en la cárcel. Walden salió libre de cargos. En agosto de 2010, Walden declaró ante el juez acusado de receptación. En 2014, aseguró encontrarse estudiando un grado de composición de jazz. En los últimos años, había sido relativamente activo en Instagram, aunque no publicaba contenido desde mayo del año pasado.
Amaarae, estrella del afrobeat detrás del macrohit ‘Sad Girl Luvz Money’ y de uno de los álbumes mejor valorados de 2023, ‘Fountain Baby‘, vuelve. ‘Black Star’, su nuevo álbum, se pone en circulación el 8 de agosto. El primer adelanto es una intrigante fusión de estilos que solo Amaarae podría haber imaginado.
‘S.M.O.’ (siglas de «slut me out») es un club banger que mezcla el «highlife ghanés de Ata Kak con un malvado bajo de Detroit club», en palabras de la artista. Por si fuera poco, Amaarae se ha inspirado en los redobles de batería de ‘1er Gaou’ (2003) de Magic System y ‘Rock with You’ (1979) de Michael Jackson. Y a todo ello ha añadido una «contagiosa melodía de «zouk» que suena como un tambor metálico imitando a un sintetizador malvado».
Todo esto significa que probablemente jamás hayas escuchado nada parecido a ‘S.M.O.’. El nuevo single de Amaarae es oscuro, sexy y moderno, una atípica fusión de estilos que apunta a la globalidad y que suena innovadora. Puede que Amaarae no sea la primera artista de la diáspora africana que mezcla géneros y borra fronteras sonoras, pero quizá nadie lo haya hecho de esta forma.
«Me siento como la nueva Donna Summer mezclada con la Janet Jackson de ‘Control'», cuenta Amaarae en la nota de prensa. Dice que ‘S.M.O.’ se parece a ‘Love to Love You Baby’ y ‘The Pleasure Principle’ en la claridad de su mensaje sexual. Quizá, como esos dos clásicos, ‘S.M.O.’ también marque un punto de inflexión en un mainstream sediento de novedades.
Sebastián Yatra ha sido anunciado como cabeza de cartel de Cosquín Rock España, el festival de Valladolid, que celebra su segunda edición el próximo 30 de agosto en el Pingüinos Arena. JENESAISPOP es medio oficial.
Yatra presentará en Cosquín Rock España su nuevo disco, ‘Milagro’, en una parada única en España de su gira ‘Entre tanta gente’.
Además de Yatra, están confirmados The Kooks, Love of Lesbian, YSY A, Duncan Dhu y León Gieco, Barry B, Marlena, Instituto Mexicano del Sonido, Agarrate Catalina, Silvestre y La Naranja, La Garfield o NDLR, en este festival que ofrece un «cruce de culturas y sonidos».
Los abonos para Cosquín Rock Festival están disponibles en la web del festival.
Miley Cyrus no ha desaprovechado su paso por París. En primer lugar, Cyrus ha protagonizado la gran sorpresa en el último concierto del Cowboy Carter Tour de Beyoncé, que esta noche ha hecho escala en París. Su aparición se rumoreaba muy fuerte en redes, pues Cyrus había sido vista ensayando en la gira de Beyoncé en la misma tarde del concierto.
Miley y Beyoncé por supuesto han cantado en directo su balada conjunta, ‘II Most Wanted‘, que, a pesar de ser ganadora de un Grammy, ahora mismo solo es la 58ª canción más escuchada de Beyoncé en Spotify, y la 29ª más reproducida de Miley. Además, Miley se ha convertido en la primera estrella invitada del Cowboy Carter Tour desde el inicio de la gira. Su entrada al escenario es pletórica y la actuación, el derroche de talento esperado.
Aunque esta es la primera vez que Beyoncé y Miley interpretan ‘II Most Wanted’ en directo, no es la primera ocasión en la que comparten escenario, pues ya lo hicieron en 2008 durante un evento benéfico contra el cáncer. En cuanto a ‘II Most Wanted’, hasta ahora, Knowles la había cantado en solitario.
Pero, ¿qué hacía Miley en la capital francesa? Cyrus ha viajado a París para grabar un concierto especial de Spotify, el Billions Club Live, en el que ha interpretado en directo sus seis canciones más escuchadas en la plataforma, todas las que superan los mil millones de reproducciones. De ‘Flowers’ a ‘We Can’t Stop’ fusionada con ‘The Climb’, no se ha dejado ninguna. Además, ha tocado temas de su nuevo disco, ‘Something Beautiful‘. La película del concierto, ‘Billions Club Live with Miley Cyrus: A Concert Film’, se estrenará a finales de verano en Spotify. Parece que, aunque no está dispuesta a salir de gira, sí le apetece ofrecer conciertos especiales como este. Aquí el setlist:
Flowers
Nothing Breaks Like a Heart
The Climb / We Can’t Stop
Angels Like You
Wrecking Ball
End of the World
More To Lose
Easy Lover
Waldo Faldo es una banda de synth-punk de Madrid que por ahora ha publicado dos EPs, ‘Colega de playa’ (2021) y ‘Nueva especie humana’ (2033). Su sonido es urgente, nervioso y casero y mucho más divertido de lo que parece en una primera impresión que evoca a Suicide. En realidad, las melodías de teclado de Waldo Faldo remiten a la obra de Devo, Aviador Dro o los primeros The B-52’s. Ahí están las infecciosas ‘Año 2033’ y ‘Nutrición’ entre sus mejores cartas.
El nombre de Waldo Faldo, extraído del famoso personaje de ‘Cosas de casa’, avisa del humor presente en sus letras. «Todo está caducado» es uno de sus pegadizos estribillos, e incluso la desesperación de ‘Pekín’ suena divertida en sus manos.
Carmelo Rodríguez Torres (Melo), Álvaro González Larrodé, Eduardo Arriero Hernández y Marco Fernández Rivas integran esta banda surgida de otras previas como Campamento Rumano y The Hollywood Sinners y que está recuperando los sintetizadores más incendiarios del punk primigenio. ‘Inútil Funcional’ es otro de sus aciertos.
Waldo Faldo actúan esta noche en El Sótano de Madrid y comparten cartel con otras dos bandas, Dolerme y .moov, ambas más próximas al shoegaze que a Devo y Ataque de caspa. Los conciertos se enmarcan dentro de la programación Escenarios Madrid de Vibra Mahou. Las entradas están a la venta a un precio de 13 euros anticipada y 16 euros en taquilla. Los shows empiezan a las 20.00.
Respaldada por el enorme éxito de ‘Si antes te hubiera conocido’, uno más en su larga lista de macrohits, Karol G ha publicado un disco que se mira en los clásicos. En la portada de ‘TROPICOQUETA‘, Carolina Giraldo posa estirada en tres congas, evocando las cubiertas de la salsa. Y la pista titular se inspira en ese género y cierra un extenso trabajo de historiografía musical, en el que Karol G repasa todos o casi todos los estilos de la música latina que ha crecido escuchando.
Karol ha explicado que tenía claro el concepto del álbum antes de empezar a escribirlo allá por agosto de 2023. «No se trataba de mirar más lejos, sino de mirar más adentro… Más adentro de mí, de quién en realidad soy, de las cosas que me gustan y de todo lo que me representa». En ‘TROPICOQUETA’, Karol regresa «a la canciones con las que crecí escuchando y a los sonidos que me hicieron enamorarme de la música». Dice que es el disco que «siempre ha soñado con hacer».
‘TROPICOQUETA’ transcurre como un recopilatorio de éxitos o como un catálogo de géneros de la música latina. Hay reggaeton en ‘LATINA FOREVA’, pero también bolero en ‘Ivonny Bonita’, merengue en ‘Papasito’ o por supuesto ‘Si antes te hubiera conocido’, funk brasileiro en ‘Bandida entrenada’, balada romántica a lo Rocío Dúrcal en ‘Ese hombre es malo’, dancehall en ‘Dile luna’…
Pero la gran curiosidad de ‘TROPICOQUETA’ no es su colaboración con Manu Chao, que suena exactamente a Manu Chao, ni esa ‘Canción 13’ que Karol ha decidido no titular a pesar de que se sabe que es una canción antigua llamada ‘Verano rosa’ que cuenta con la colaboración de Feid, su pareja. La sorpresa de de ‘TROPICOQUETA’ es ‘Cuando me muera te olvido’, que adapta a la cumbia la melodía de ‘Careless Whisper’, el éxito de George Michael de 1984.
No es un sample lo que utiliza ‘Cuando me muera te olvido’, sino una interpolación que traslada el gancho de ‘Careless Whisper’ a una melodía de gaita colombiana que parece de un tema de Selena Quintanilla. De esta manera, Karol G borra los límites entre la música latina y anglosajona.
¿Cómo se compara ‘TROPICOQUETA’ con el que está siendo el disco del año, latino o no, ‘DEBÍ TIRAR MÁS FOTOS‘ de Bad Bunny? ‘TROPICOQUETA’ parece más un ejercicio de nostalgia musical que de curiosidad innovadora. Sin embargo, cada canción «cuenta una historia» -como ha declarado Karol- y tiene personalidad propia. Aquí vuelve a haber hits potenciales a machete. ¿Cuál será el siguiente?
Lorde ha lanzado ‘Hammer’, el tercer y último single de ‘Virgin‘, su nuevo disco, que se pone a la venta la semana que viene, el 27 de junio. ‘Hammer’ es el tema que abre ‘Virgin’ y de momento está disponible en Spotify y otras plataformas de audio. El videoclip se estrena a las 15.00.
‘Hammer’ se debate entre la compostura y el caos. La base -diseñada junto a su productor Jim-E Stack- es un remolino de ruido y guantazos de percusión que refleja el torbellino mental de Lorde y también el caos físico que la rodea, el de la gran ciudad. Ella cuenta que ‘Hammer’ es una «oda a la gran ciudad y a estar cachonda» y la letra alude a su fertilidad, pues la neozelandesa no sabe si está «enamorada u ovulando».
Sin embargo, la presencia de Lorde es calma, poética incluso. Quizá porque ha descubierto que «hay paz en la locura de nuestras cabezas». ‘Hammer’ no solo transmite la pulsión sexual de Lorde, también sus ganas de volverse a enamorar, su comodidad dentro de la fluidez de género y su deseo de vivir la vida «sin pensar que tengo todas las respuestas». De ahí que sienta que «ha vuelto a nacer».
‘Virgin’ cuenta con el single de éxito ‘What Was That?’, que aún ronda el top 50 de Reino Unido, tras haber llegado al 11. ‘Man of the Year‘, segundo single, ha quedado en un puesto 62 en Reino Unido y después ha abandonado la lista. Al menos, ‘Man of the Year’ ha dado a Lorde su 8º número 1 en el top 40 de JENESAISPOP.
JADE sigue adelantando el contenido de su álbum debut, ‘That’s Showbiz, Baby!’, que se pone a la venta el 12 de septiembre. El disco suma ya seis singles: ‘Angel on My Dreams‘, ‘Midnight Cowboy‘, ‘Fantasy‘, ‘It Girl‘, ‘FUFN (Fuck You for Now) y ‘Plastic Box’. Es decir, se conoce ya casi la mitad del álbum, que no sale hasta dentro de tres meses.
‘Plastic Box’, el tema que sale hoy, es uno de los mejores. También es uno de los más limpios y pulidos en cuanto a instrumentación. Es la Canción Del Día de hoy.
Con un pulsante beat de electropop y una melodía ensoñadora, ‘Plastic Box’ es el single de JADE que más evoca la esencia de Robyn (‘Dancing on My Own’) o Ariana Grande (‘we can’t be friends’). El productor sueco Oscar Görres, que ha trabajado en ‘Eternal Sunshine‘ y es mano derecha de Troye Sivan, se encuentra detrás de la producción de ‘Plastic Box’, así como GRADES, alias del inglés Daniel Traynor, colaborador de NAO o Dua Lipa.
El secreto de ‘Plastic Box’ es su contención. La producción es sutil y elegante, y la melodía, lejos de estallar, permanece en un estado de ensoñación suspendida. En ese sentido, es la antítesis de ‘Angel of My Dreams’, pero igual de efectiva.
‘Plastic Box’ narra una historia de celos e inseguridad de JADE hacia el pasado romántico de su pareja. JADE pide guardar el corazón de esa persona en una «caja de plástico» para ser la única propietaria de ese amor, pero sabe que ese deseo es «irracional e imposible». Sin embargo, no deja de doler. En ‘Plastic Box’, ese sentimiento suena agridulce y maravilloso.
Hoy 20 de junio salen nuevos discos de Karol G, Haim, SAIKO, Benson Boone, Unknown Mortal Orchestra, Yungblud, U.S. Girls, Hotline TNT o Matmos. Entre las reediciones, ‘Product‘ de SOPHIE.
Lorde abre la playlist «Ready for the Weekend» con ‘Hammer’, el último single de su próximo disco. Siguen también presentado sus próximos trabajos La Paloma, Lola Young, Belén Aguilera, JADE, Besmaya, CMAT o Lorena Álvarez.
Entre los «comebacks» de la jornada destacan los de Cardi B y Muse. Esta semana ha visto también el regreso de múm, que han anunciado su primer disco en 12 años.
La playlist incluye además novedades de Gala Nell, Nourished by Time, Sofia Kourtesis, Rels B, Four Tet sampleando a Mazzy Star, LUSILLON, sombr, KATSEYE, Blackpanda, Kesha con Slayyyter y Rose Gray, Baxter Dury o Celeste.
Entre las curiosidades del día, ‘Still Blue’ celebra el 10º aniversario de ‘blue‘ de ionnalee (antes iamamiwhoami). Además, Bruno Mars lanza single en portugués.
Aitana es la protagonista del nuevo capítulo de nuestro podcast REVELACIÓN O TIMO, en el que a veces desgranamos carreras de artistas. Tenemos oportunidad de escuchar una interesante declaración de ella de la última entrevista que concedió a JENESAISPOP, pero sobre todo aprovechamos que no nos oye nadie para analizar desde un punto de vista crítico sus últimos pasos artísticos. ¿Hasta qué punto ‘alpha’ fue un punto de inflexión para su credibilidad? ¿Es ‘CUARTO AZUL‘, actual número 1 en España, su obra definitiva? ¿Qué tiene Aitana para estar llenando estadios como el Bernabéu/Metropolitano? ¿Estamos infravalorándola en los medios de comunicación especializados y la trataríamos mejor de ser una popstar anglosajona?
La primera parte del podcast la dedicamos a desgranar ‘CUARTO AZUL’. Un disco con una estructura evidente en dos partes, separadas por un interludio; pero también divisible entre baladas y canciones entregadas al electropop. Tanto mi compañero podcaster, Claudio M. de Prado, como yo, nos decantamos por la partes 80’s y 90’s y explicamos por qué. Planteamos si tendríamos que dejar de hablar de Aitana con condescendencia, cuando todo el mundo parece saber mejor que ella lo que tiene que hacer y a ella no le va nada mal.
En la segunda parte del podcast debatimos sobre el documental ‘Metamorfosis’. «No lo recomiendo, pero lo he gozado como una perra» es una de las conclusiones sobre él, si bien cuenta con sus altibajos: de los entresijos de la industria hasta la revolución solar, del huracán a un Bernabéu que no termina de llegar. Hablamos sobre la coincidencia en día de lanzamiento con Miley Cyrus, de la canción con Fangoria y, cómo no, sobre la absurda polémica de la «listening party» a 16 euros, que finalmente tan contentos dejó a sus fans. Este capítulo está patrocinado por turismocastillalamancha.es.
Luz Casal figura entre las seis personalidades distinguidas con un título nobiliario por el rey Felipe VI con motivo de su primera década de reinado. La intérprete de ‘Piensa en mí’ será a partir de ahora marquesa de Luz y Paz. También en el ámbito cultural, aunque desde el deporte, Rafa Nadal ha sido nombrado marqués de Llevant de Mallorca.
Además de Casal y Nadal, han sido galardonados con títulos nobiliarios -los primeros otorgados por Felipe VI desde el inicio de su reinado- otras figuras destacadas de distintos ámbitos. Jaime Alfonsín Alonso, jefe de la Casa del Rey durante diez años, será marqués de Alfonsín; la nadadora paralímpica Teresa Perales, marquesa de Perales; el bioquímico Carlos López Otín, marqués del Castillo de Lerés; y la fotógrafa Cristina García Rodero, marquesa del Valle de Alcudia.
Todos los premiados «son exponentes de la excelencia, ya sea al servicio de la Corona o en el ámbito del pensamiento, la cultura, la ciencia, las artes o el deporte”, en palabras de Felipe VI. Como informa El País, todos los títulos nobiliarios concedidos serán hereditarios, es decir, podrán transmitirse a los descendientes, a excepción del otorgado al bioquímico Carlos López Otín, que tendrá carácter vitalicio, es decir, sus sucesores no podrán heredarlo.
Luz Casal publicó su disco más reciente, ‘Las ventanas de mi alma‘, en 2023, y en 2024 lo presentó en Sonorama Ribera en uno de los mejores conciertos de aquella edición. Sobre su último trabajo, JENESAISPOP tuvo ocasión de charlar con Casal en el Teatro Albéniz de Madrid.
múm, la banda islandesa que tanto dio de qué hablar a principios de siglo con su innovador sonido de clicks n’ cuts y peculiares instrumentaciones, y de la que fue integrante la oscarizada compositora Hildur Guđnadóttir, vuelven con nuevo largo, el primero en 12 años. ‘History of Silence’ se pone a la venta el 19 de septiembre. Es el primer álbum de múm desde ‘Smilewound‘ (2013), que, como quizá recordaréis, contenía una colaboración de Kylie Minogue, ‘Whistle’, tema que en realidad formaba parte de la banda sonora de ‘Jack & Diane’, película de 2012 en la que Kylie aparecía.
‘History of Silence’ es un disco «grabado, deconstruido, vuelto a ensamblar, refinado y terminado a lo largo de dos años». Es decir, será un trabajo tan artesano como de costumbre.
Los ocho cortes de ‘History of Silence’ «oscilan alrededor de una paleta cuidadosamente seleccionada de sonidos electrónicos y analógicos». Esta es la propuesta de ‘Mild at Heart’, primer adelanto lleno de curiosidad musical que, guiada por las voces femeninas de múm, Gyða Valtýsdóttir, Sigurlaug Gísladóttir y Róberta Andersen, parte de unos apacibles acordes de guitarra acústica para, poco a poco, ir incorporando diferentes elementos, como programaciones electrónicas u otros instrumentos o efectos. Una pequeña pieza de orfebrería pop como solo múm las saben hacer.
Stevie Wonder lidera la lista de los mejores 75 cantantes de R&B de la historia para Billboard. El ránking se basa en un conjunto de criterios que incluye «poder vocal, trayectoria artística, longevidad, logros en la industria, influencia revolucionaria e impacto generacional/cultural duradero».
Lista actualizada de una original publicada en 2015 que estaba liderada por Michael Jackson, la nueva deja a Jackson en tercer lugar y a su hermana, Janet, en 17º. Además de Stevie y Michael, aparecen en el top 5 Aretha Franklin (2), Beyoncé (4) y Whitney Houston (5). El noveno puesto se lo queda R. Kelly, actualmente encarcelado por varios delitos sexuales.
El top 10 se completa con nombres como los de Prince (7), Mariah Carey (8) o Marvin Gaye (10) y deja fuera, por ejemplo, a Usher, que ha de conformarse con el 12. Menos suerte ha tenido Alexander O’Neal, que no aparece en absoluto. Él trabajó codo con codo con Jimmy Jam & Terry Lewis, pero su obra no es tan recordada como la de Janet.
El top 75 se abre con Ruth Brown y recorre nombres indispensables como los de Teena Marie (65), Rick James (51), Lauryn Hill (48) Aaliyah (40), Frank Ocean (37), Toni Braxton (36) o Al Green (18). Entre las sorpresas, que Rihanna (46) aparezca por encima de Brandy (41). TLC o Boyz II Men solo aparecen mediante la inclusión de Babyface (35).
01 Stevie Wonder
02 Aretha Franklin
03 Michael Jackson
04 Beyoncé
05 Whitney Houston
06 James Brown
07 Prince
08 Mariah Carey
09 R. Kelly
10 Marvin Gaye
Ava Max ha anunciado fecha en Madrid, la única en España dentro de su gira Don’t Click Play, que incluye dos tramos, uno en Estados Unidos y otro en Europa/Reino Unido. La fecha en Madrid es el 19 de noviembre de 2025 en Live Las Ventas.
Las entradas estarán disponibles en preventa a través de SMusic a partir del miércoles 18 de junio a las 10h, y mediante Live Nation desde el jueves 19 de junio a las 10h. La venta general comenzará el viernes 20 de junio a las 10h, con precios desde 45 euros (más gastos de distribución).
Ava Max presentará en España su próximo disco, ‘Don’t Click Play’, que se pone a la venta el 22 de agosto. La gira por Europa/Reino Unido comienza el 25 de octubre en Londres y acaba el 20 de noviembre en Lisboa. Madrid es la penúltima cita.
EUROPA/UK:
25/10 – O2 Academy Brixton – London, UK
26/10 – Zenith – Paris, France
28/10 – Forest National – Brussels, Belgium
29/10 – Mitsubishi Electric Halle – Dusseldorf, Germany
01/11 – Uber Eats Music Hall – Berlin, Germany
03/11 – AFAS Live – Amsterdam, Netherlands
05/11 – Falconer – Copenhagen, Denmark
07/11 – Annexet – Stockholm, Sweden
09/11 – Stodola – Warsaw, Poland
11/11 – Gasometer – Vienna, Austria
13/11 – O2 Universum – Prague, Czech Republic
16/11 – Fabrique – Milan, Italy
17/11 – Halle 622 – Zurich, Switzerland 19/11 – Live Las Ventas – Madrid, Spain
20/11 – Lisboa Ao Vivo – Lisbon, Portugal
Belinda ha publicado su primer disco en 13 años y es de corrido tumbado. El desamor marca el grueso de las letras, por lo que tenía todo el sentido recurrir a este sonido tan popular actualmente. No solo porque Belinda sea mexicana, sino porque las guitarras del corrido sientan bien a sus letras de despecho, aunque la aproximación a este estilo sea puramente comercial y no busque innovar el sonido. Aunque sí otras cosas.
El mayor mérito de ‘Indómita’ es aportar una perspectiva femenina a un género históricamente dominado por hombres. El corrido tumbado ha diversificado sus temáticas, pero no tanto sus narradores. En ‘Indómita’, Belinda desmonta el concepto de lealtad masculina entre machos -tan presente en el reggaeton, el trap y en la vida real- al retratar a hombres mentirosos y falsos: «No todo fue lo que me mostrabas / Si supieran cómo tú me tratabas / Una piedra que no fue real / En un compromiso para aparentar», canta en ‘Cactus’, la pista final.
Belinda utiliza el corrido para señalar a los hombres de su vida, en este disco editado de forma independiente. «Fue por ti que todo se jodió» es una frase contenida en la popular ‘300 Noches’ con Natanael Cano, una de las mejores aproximaciones tradicionales del disco. «Tú fallaste en lo básico», canta en ‘Death Note’, una de las pistas menos convincentes por su fusión con trap. Una capa de autocrítica o de culpa propia en las letras habría añadido complejidad al material, a menos que reconocerse «intensa en el amor» cuente como autocrítica, que yo creo que no.
El concepto de ‘Indómita’ también refleja experiencia de Belinda en la industria musical, marcada por la insatisfacción profesional y las limitaciones a su libertad creativa. De ahí que, en la portada, aparezca atravesada por flechas, pero en actitud de victoria porque ha logrado apropiarse del arco, que parece simbolizar su independencia y el control sobre su carrera.
La idea detrás de ‘Indómita’ no tiene ningún misterio y las canciones tampoco. Las composiciones de corrido pueden ser notables (la de ‘Cursi De +’ es la mejor melodía, y su interpretación recuerda a Mon Laferte), pero predomina una sensación de fórmula durante todo el camino, tanto en los corridos (‘Mírame Feliz’ con Xavi) como en las fusiones (‘Death Note’) como en los préstamos a otros géneros musicales. ‘Never Not Love You’, con Thirty Seconds to Mars, es la típica balada atmosférica que escribe Jared Leto con los ojos cerrados. En otra galaxia, al menos el discopop de ‘Jackpot‘ es muy divertido.
Tampoco brinda Belinda una visión diferente a sus aproximaciones al neoperreo (‘Wet Dreams’) o al reggaeton clásico (‘+ Perra + Bitch’), que parecen meras excusas para colaborar con Tokischa y Neton Vega, respectivamente. El guiño a la balada pop americana de ‘Rayo Macqueen’ suena especialmente apagado, aunque se agradecen estas excursiones estilísticas en un trabajo donde el corrido reina.
En la faceta tradicional convencen algunas letras y conceptos que conectan ‘Indómita’ con la actualidad. De ‘Aries’ llaman la atención sus menciones a Grupo Frontera y a ‘Soltera’ de Shakira, y un tal Benito recibe una mención en ‘La Cuadrada’ con Tito Double P. ‘Heterocromía’, entre las más originales, samplea a Los Aristogatos y critica el clasismo intrafamiliar. Peores son algunas rimas («te creíste Tony Montana, pero no llegas a Hannah Montana») o juegos de palabras: «soy mala, tengo mala re…puta…ción» es una rima con la que a La Zowi le habría dado la risa.
Estopa, según informaban ayer en verTele, iban a despedir la primera temporada de La Revuelta en RTVE en un concierto que formaría parte de la emisión de este jueves 19 de junio. Hoy, La Revuelta ha aclarado que se trataba de «información incorrecta».
En un mensaje en X, la cuenta oficial del programa ha comunicado que lo que iba a llevarse a cabo hoy «no era un concierto de Estopa ni se iba a cortar ninguna calle». No solo eso, sino que también se han visto obligados a cancelar lo que tenían preparado, que no se ha especificado: «La dimensión que ha tomado todo a raíz de que se publicase esta información incorrecta nos obliga a cancelar lo que estábamos preparando hoy en la Gran Vía y plaza de Callao».
«Nos da mucha pena porque llevamos mucho tiempo trabajando en esto, pero ahora mismo nos dicen que no sería seguro hacerlo», finaliza el comunicado, aludiendo a una posible falta de seguridad. Adelantan que darán más información en el programa de esta noche.
Después de la celebrada actuación de Amaia con ‘Tengo Un Pensamiento’, el programa de Broncano parecía que se proponía hacer algo todavía más grande. Desde verTele, apuntaban que el evento se celebraría en la Plaza de Callao y que sería más grande que el de Amaia «en cuanto a duración» e «infraestructura».
VerTele ha publicado un artículo en el que se disculpa con La Revuelta por la información filtrada: «Sólo queríamos contar por qué había un escenario gigante en la plaza del Callao de Madrid, y poner en valor la enorme apuesta que el programa iba a hacer al día siguiente. Jamás pensamos que querer cuidar una noticia, una exclusiva como otras que hemos dado, acabaría en la cancelación del evento y en el daño a un programa que desde antes de su estreno siempre hemos valorado y respetado».
Nos da pena comunicar que, aunque no era un concierto de Estopa ni se iba a cortar ninguna calle como se contó ayer en algunos medios, la dimensión que ha tomado todo a raíz de que se publicase esa información incorrecta nos obliga a cancelar lo que estábamos preparando para hoy…
Mark Ronson y RAYE han publicado esta semana un nuevo single que roza el top 40 en Reino Unido, según las midweeks. Se trata de ‘Suzanne’ y ambos se deshacen en elogios mutuos hacia esta colaboración. Él ha dicho que admira el talento de RAYE desde hace años; y ella ha dicho que en sus inicios, tan solo con pisar el mismo estudio de Londres en que solía trabajar Mark Ronson, se motivaba mucho.
«Esta colaboración no es solo otro proyecto más, es algo en lo que nos hemos volcado por completo… sesiones de grabación que se prolongaban toda la noche en Londres, Nueva York y Los Ángeles. La música que hemos creado juntos lleva el ADN musical de ambos, pero nos lleva a un lugar al que ninguno de los dos habría llegado por separado”, indican en nota de prensa sobre la que es nuestra Canción del Día hoy.
Más que al clásico homónimo de Leonard Cohen que también retomó Françoise Hardy, ‘Suzanne’ nos lleva a otra grabación con nombre de mujer. Ronson es muy recordado por la versión de ‘Valerie’ de The Zutons que popularizó junto a su amiga Amy Winehouse. Aunque ‘Suzanne’ es menos uptempo, no deja de ser otra producción de neo-soul con guitarras eléctricas y vientos, y la admiración y melancolía con que se habla de la destinataria es similar.
RAYE nos habla aquí de una joven de «uñas verdes», que «fuma» y tiene un pelo que «cuelga como cortinas». Esta canción no es sino el intento de acercarse a ella.
«Me gustaría abrazarte si puedo» y «te necesito Suzanne» son algunas de las declaraciones de amor ofrecidas a alguien que nos regala «la mejor vista que jamás haya tenido». La producción atemporal y retro, la que más asociamos a Mark Ronson pese a sus experimentos puntuales, logra distanciarse de la mayoría de temas producidos en 2025.
Sen Senra ha completado el proyecto más ambicioso de su carrera. Un viaje de ida y vuelta a su Galicia natal que también sirve como un testamento sonoro de la versatilidad del artista. Han pasado ya dos años desde el primer volumen de esta trilogía, nombrada ‘PO2054AZ’ en honor a la matrícula del coche del padre de Senra, y todo llega a su fin con la tercera entrega, que nombramos Disco de la Semana. Todo un regreso a los orígenes musicales del gallego, con la guitarra como instrumento líder.
Christian se muestra sorprendentemente cercano en nuestro encuentro, relajado. El tipo de tranquilidad que se encuentra cuando uno está satisfecho. Inmediatamente comenzamos hablando de nuestra experiencia compartida como emigrantes y poco a poco tocamos temas como su devoción por la guitarra, el peso emocional de un proyecto tan personal, su relación con la creación o ese número 1 que no parece llegar.
Yo también soy emigrante de mi tierra. Yo nací en Cantabria, y me vine a Madrid con 18 años a estudiar periodismo. Con toda la gente con la que hablo, porque al final la mayoría de amigos son de fuera, coincido con que cuanto más te alejas de tu sitio de origen, más lo valoras. Incluso renegaba un poco de ello y ahora echo de menos hasta la lluvia.
Cien por cien, tío.
¿Te ha pasado algo parecido con Galicia?
Sí que es cierto que la mirada de repente es otra. Es mucho más elevada. De aprecio. Al final, cuando te acostumbras a estar en un lugar, digamos, como que parece normal y de repente, cuando te alejas, como dices tú, puedes llegar a valorar muchísimo más lo que te rodeaba en todos los ámbitos. Entonces, sí me ha pasado y también me ha pasado con la propia guitarra, porque también me alejé de ella y ahora como que me reconcilié con ella a otro nivel.
Tú cuando estabas empezando en Galicia, imagino que eras consciente de que si triunfabas en algún momento, te tendrías que ir. ¿Cómo esperabas ese momento?
Sabía que era una consecuencia de la búsqueda, del llamado. El llamado de la propia exploración, de la experimentación, a veces va de la mano con conocer. Entonces, me tuve que ir a conocer. Va un poco de la mano con el ganar una perspectiva más amplia para luego poder brindarlo desde otro lugar.
¿Cómo es ahora tu relación con Galicia?
Mi relación es que vivo ahí, o sea, me mudé ahí. Es como mi oxígeno, mi paz. Estuve aquí en Madrid viviendo un tiempo, luego viajando mucho por el mundo y ahora tengo mi espacio allí en Galicia tranquilo.
«He vuelto a los discos que escuchaba cuando empecé, como Jacuzzi Boys, Thee Oh Sees, Sonic Youth…»
Todo este viaje comienza con la matrícula del coche de tu padre, si no me equivoco. ¿Por qué es tan especial para ti ese coche?
Es un símbolo. Es el primero que recuerdo con la intensidad de sentirme que estaba como en casa y protegido. Ahí es donde empezaba a escuchar los casetes que ponía mi padre. Por ahí empezaba a generar esta relación con el mundo de la música. A escucharlo y a sentirlo. El viaje en sí, cuando vas mirando por la ventana y vas escuchando música, pues también te entra de otra manera. La matrícula es el tótem por donde hilar toda una narrativa de viaje, de ida y vuelta.
Un proyecto tan ambicioso como este, ¿nace de una necesidad de expresar?
Sí, quería reflejar un poco varias cosas. Es un viaje ya no solo geográfico, sino emocional también, y luego también un reflejo de una historia que también va en paralelo con lo que yo he vivido cerca, con mi familia, amigos de mi familia, desconocidos… que es un poco lo de salir fuera para volver. A través de ese hilo, hay una narrativa visual de imaginario y sonora que refleja un poco estas dos vías.
Y esa llamada de la familia, con los audios de tus abuelos apareciendo a lo largo de los tres discos. Imagino que todos ellos tienen un importante papel en todo esto.
Claro, por ejemplo, en el volumen 2 los audios ya son desde lejos. Desde el desconocimiento de no saber cómo le está yendo a alguien de tu familia que está lejos y que está buscándose la vida por ahí. Eso era muy importante que estuviese en la narrativa. Y bueno, son audios que rescaté, que son reales.
La primera entrega se me hace como un disco en el que pruebas cosas, es más experimental, luego el segundo es más pop, y en este tercero, como has dicho antes, vuelves a tus raíces con la guitarra al frente de todo. Para empezar, te quería preguntar si es tu favorito este último.
Los tres tienen su sentido y así lo siento. Ahora mismo no sé si es por el momento de ahora, de estar justo con esto más fresco y tal, que sí que es cierto que conecto mucho con este disco porque me toca mucho más. Me toca una tecla dentro de mí que venía persiguiendo como esa vuelta que era necesaria en mí, esa reconciliación con la guitarra, con el método que ya tenía antes cuando empezaba a hacer la música como más psicodélica, más garage. Ha tenido como una importancia en mí a otro nivel. Me he puesto los discos que me escuchaba cuando empecé. De repente, me estaba escuchando otra vez a Jacuzzi Boys, Thee Oh Sees, a Sonic Youth… Y entonces como que me ha tocado una tecla que sabía que estaba por ahí, pero necesitaba despertar.
¿Siempre compones con la guitarra o te es un poco indiferente?
Entre guitarra y teclas, pero la guitarra es la más protagonista de mis escrituras y mis composiciones. Por eso luego también en el segundo volumen me alejo y de repente hay presencia de otros ritmos, de otras cosas que ya no son tanto la guitarra.
¿Nunca has tenido un momento en el que pensabas que ya no daba para más la guitarra?
No, la verdad que no. La guitarra a mí me hace expandirme. Es increíble que aún haya cosas por hacer con la guitarra y eso es lo bonito de ella. A mí dos, tres acordes, cuatro, un pequeño punteo, te puede llevar a miles de posibilidades.
«Ahora necesito volver a vivir para ir sintiendo cosas que me puedan encender algo más adelante»
¿Qué es importante para mantenerte fresco en ese sentido después de tanto tiempo y, sobre todo, a medida que creces?
Pues yo creo que mantenerse fiel a uno, a sus tiempos, a su metodología, a realmente darle un peso a los procesos. Soy bastante pesado conmigo mismo con esto de darle perspectiva a las canciones, de realmente valorar si tiene sentido, si aporta algo o si no aporta nada. Aquí hay como 51 canciones en total, pero hay el doble o más que nunca saldrán.
Empezaste la trilogía con ‘No Quiero Ser Un Cantante’, y ahora tenemos toda la perspectiva, pero en aquel momento fue una declaración chocante.
Sí, creo que toda la trilogía ahora va a cobrar mucho más sentido. Ahora ya conoces toda la historia. A veces pienso en ella como si fuera un libro que se cierra. Esa canción era el punto de partida de la búsqueda, que tenía de trasfondo ser algo más que un cantante.
«Aquí hay como 51 canciones en total, pero hay el doble o más que nunca saldrán»
Leí en tu canal de difusión que lo habías dado todo en este volumen. ¿Cuál es el peso o la secuela emocional de hacer una trilogía como esta?
Un vaciado por completo. También estoy orgulloso porque me entregué a esto, que es lo que más amo, pero claro, tiene sus consecuencias. Ahora necesitaré un tiempo para volver a llenarme. Una pausa para volver a sentir algo que por ahí me llame la atención. Ha sido un viaje muy fuerte.
¿Qué has aprendido?
A nivel musical siempre me gusta crecer como artista. Ya sea tocar mejor ese acorde o lo que sea. En términos vitales, fue un aprendizaje total. A través de esta narrativa uno vuelve a su yo más verdadero, a quererse mucho, a cuidarse a uno mismo, a cuidar su paz, el bienestar. Por eso, si hay alguien que por ahí lo puede llevar a su vida para no sentirse solo, sino acompañado en el viaje, pues con eso me doy por contento y por feliz.
¿Alguna vez has tenido una relación tóxica con la creación?
No, porque la creación te lleva al límite y a mí me gusta llevarme al límite. A la obsesión, incluso, al no dormir… Pero creo que forma parte de ello y de realmente conseguir algo de valor. No es tóxico, es algo que va de la mano en esa cosa que nace de cierta locura al encontrar un tesoro. Tienes que entrar hasta el fondo y no dejarte nada. Es ahí cuando creo que tiene el peso y el valor suficiente como para yo quedarme tranquilo.
¿Nunca has tenido el bloqueo del escritor?
Gracias a Dios, no, tío.
«Cuando empecé a escribir en español fue un proceso muy lento, porque decía: Vaya mierda»
Lo próximo que tienes delante tuya es una página en blanco. Nada a lo que agarrarte.
Sí, o sea, realmente uno ya tiene un poco el conocimiento y la dinámica para poder escribir una canción mañana. Después de tanto tiempo, uno ya tiene esa facilidad, digamos, pero para mí no tiene valor si no me da nada emocionalmente. Ahora lo que toca es volver a ver la vida, porque, claro, mientras haces todo esto no te paras. Ha sido un proceso de encierro total que no paraba y que era constante. Ahora necesito volver a vivir para poder ir sintiendo cosas que me puedan encender algo más adelante. Quiero disfrutarlo, celebrarlo y descansar.
¿En qué orden has hecho las canciones? ¿Todas a la vez o de volumen en volumen?
Lo he hecho de volumen en volumen. Primero el 1, luego el 2, luego el 3… Para juntar los sentimientos, porque si no habría sido un poco caos. Lo único que he rescatado han sido algunas frases, pero dos o tres contadas. Precisamente, la idea de darle el peso y tiempo a cada volumen era esa, la de entrar a fondo en cada uno.
¿Por qué tipo de proceso pasaste cuando dejaste de hacer música en inglés?
Me sentía cómodo en la creación. Me venía sintiendo cómodo con lo del inglés y mi hermana me ayudaba mucho. También escuchaba mucha música de esa y me divertía, que también es muy importante divertirse. Cuando empecé a escribir cosas en español, fue un proceso muy lento, porque decía: «Vaya mierda, esta frase o este tal no me mola». Cuando empecé a sentir que sí tenía algo que me llamaba la atención, fui entrando y adaptándome.
¿Cómo visualizabas el futuro de pequeño en Vigo? ¿Te preguntabas sobre el futuro?
Sí y no. Siempre me agarré un poco a la fe. Y siempre fui feliz con el proceso. Es algo que me hace más feliz que cualquier otra cosa. La realidad es que nunca he dejado de estar en un proceso, desde que empecé a hacer la música, desde que tuve bandas hasta que luego ya empecé con mi carrera en solitario. Si miro hacia atrás y me pregunto ahora eso me doy cuenta de que nunca he parado de estar pensando en cómo seguir avanzando. Sigo en el proceso y soy feliz.
Hay una cosa que se te resiste un poco todavía, aunque imagino que te importará poco. Un número 1.
¿Qué número 1?
En las listas.
Bueno, no me importa. Soy feliz con lo que estoy haciendo, con mi método, con mi forma de ver la música y luego lo que viene siendo un número 1 o este tipo de cosas, pues bienvenido sea. Brindaremos por eso, pero es secundario. Mi prioridad es otra.
La imagen de Wayne Coyne dentro de un globo gigante que pasa de mano en mano por las primeras filas de los conciertos de Flaming Lips es imposible de borrar de la retina, ¿verdad? Esa comunión insuperable entre público y artista es posible sobre todo gracias a dos canciones de su amplio repertorio que suenan más grandes que la vida: ‘Race for the Prize’ de su álbum de 1999 ‘The Soft Bolletin’ y ‘Do You Realize??’ de su sucesor, frente a vuestros ojos.
Por si la sucesión de acordes de ‘Do You Realize??’ fuera poco escalofriante, su letra es una llamada al Carpe Diem que paradójicamente hace “llorar de felicidad” como propone. A Coyne le aterroriza la precariedad de nuestra existencia en esta galaxia, como explica en un texto promocional de su web, y de ello le sale una composición que te reconcilia con el mundo en lugar de empujarte por una ventana.
Su estribillo puede repetir “¿Te das cuenta de que todo aquel que conoces algún día morirá?” sin asumirlo, pero sus estrofas nos invitan a darnos cuenta de que “la vida pasa pronto” en lugar de limitarnos a “decir adiós” a todos aquellos que queremos.
‘Do You Realize??’ tiene la suerte de formar parte de un álbum más o menos conceptual sobre la lucha de una joven contra unos robots rosas. El personaje principal está inspirado por la baterista Yoshimi P-We de los japoneses Boredoms (también por otra amiga nipona que ha fallecido), y existe cierto debate sobre si “los robots rosas” son en realidad un cáncer, teoría que sustentará el musical que llega a realizarse a pequeña escala en 2012.
Las primeras canciones de ‘Yoshimi Battles the Pink Robots’ hablan expresamente sobre esta lucha, como ‘One More Robot/ Sympathy 3000-21’ y la primera parte de la canción que da nombre al álbum. Otras sirven a The Flaming Lips simplemente para elaborar un álbum sobre el perdón y la mentira (‘Are You a Hypnotist??’), la vida adulta ( ‘Fight Test’, a la postre con créditos de Cat Stevens por el involuntario parecido con ‘Father and Son’), la tristeza (‘It’s Summertime’) o la diferencia entre el amor y el odio (‘In the Morning of the Magicians’).
El querido productor Dave Fridmann, conocidísimo por su trabajo con The Flaming Lips y Mercury Rev durante los 90 (recientemente ha trabajado en el cuarto de Vetusta Morla) está aquí en la cumbre de su carrera, a los mandos de una producción que conjuga electrónica, psicodelia, lo-fi… haciendo muy difícil la decisión de qué es más hermoso: si una guitarra o la máquina.
Esta crítica fue publicada originalmente en papel, en el libro de JNSP sobre Discos del siglo XXI. Este sábado 20 de junio, Flaming Lips presentan «Yoshimi» en KALORAMA.
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