La policía de Edimburgo confirma la muerte de Scott Hutchison después de que un cuerpo fuera encontrado ayer durante la búsqueda del cantante desaparecido de Frightened Rabbit. El cuerpo era hallado en Edimburgo este jueves a las 20.30, hora local. La familia de Hutchison era informada de inmediato y finalmente se ha confirmado que se trata de Scott. Entre los artistas que han mostrado su pesar hay muchos músicos de Escocia, pero también de otros lugares. Stuart de Belle & Sebastian, Stuart de Mogwai, Alex Kapranos de Franz Ferdinand, alt-J y los hermanos de The National están entre quienes han mandado sus condolencias.
Scott Hutchison, cantante, compositor y guitarrista del grupo de indie rock Frightened Rabbit, llevaba desaparecido desde que fuera visto por última vez a la 1:00h AM de este miércoles en un hotel al sur de Escocia. Según reportaba la BBC, su familia denunciaba su desaparición y la policía escocesa anunciaba su busca, especulando con la posibilidad de que estuviera en Edimburgo. La preocupación de su entorno por su situación era grande, teniendo en cuenta que poco antes de ser visto por última vez publicó unos tuits algo erráticos, primero llamando a manifestar el amor por los seres queridos –»Sed bondadosos con todos a los que amáis. No es regalado. Estoy fastidiado por que no lo sea. No viví bajo esos estándares y eso me mata. Por favor, abrazad a vuestros seres queridos»–, para luego añadir un preocupante «Ahora estoy lejos. Gracias».
Su hermano y compañero de grupo, Grant Hutchison, hizo en la mañana de este jueves un llamamiento a través de las redes sociales, con un texto acompañando a una foto reciente de Scott, de 36 años, donde hablaba de su «frágil estado» y expresaba su preocupación y la de toda su familia. Aseguraba que la policía había encontrado el teléfono de Scott y le pedía a este que, si de alguna manera veía su llamamiento, se comunicara con él y le dijera si está bien. Grant pedía la difusión de la imagen de su hermano.
Frightened Rabbit han sido uno de los grupos escoceses más relevantes y exitosos surgidos en esta década. Con un indie rock en la escuela de sus compatriotas The Delgados y cierta influencia norteamericana, debutaban de manera independiente en 2006 con ‘Sing The Greys’. En 2008 y 2010 publicaban en la indie pero internacional Fat Cat Records ‘The Midnight Organ Fight’ (producido por Peter Katis –The National–) y ‘The Winter of Mixed Drinks’, logrando gran repercusión en Reino Unido y Norteamérica, pasando a fichar por la multinacional Atlantic. En ella lanzaron el notable ‘Pedestrian Verse‘, en 2013. En 2016 lanzaban el que hasta hoy es su último disco de estudio, ‘Painting of a Panic Attack’.
Najwa Nimri ha sido una de las últimas invitadas en ‘La resistencia’, el programa de David Broncano en Movistar+. Los 24 minutos de entrevista entre Najwa y Broncano dan a la primera para promocionar sus proyectos actuales (‘Vis a vis‘) y futuros (‘Quien te cantará’ de Carlos Vermut, película que se estrena en 2019 y de la que dice contiene su “mejor interpretación”) pero sobre todo de la aparición de Nimri en ‘La resistencia’ surge una de las conversaciones más surrealistas y desternillantes que se recuerdan en el programa, empezando con un gajo de mandarina, siguiendo por una tensa conversación sobre los orígenes de Najwa que sumerge a los dos en un bucle infinito y terminando con presentador e invitada ligando abiertamente en televisión. Cuando a punto de terminar la charla Najwa y Broncano buscan un lugar donde quedar después del programa, puede oírse de fondo a una persona del público sugerir “en los baños de Atocha”.
Nimri habla también en ‘La resistencia’ de un nuevo disco que está preparando, que será “tecno”, trata de definir sin mucho éxito el trip-hop que hacían Najwajean en su primer álbum y debate con Broncano su trabajo en ‘Los amantes del círculo polar’, la única película de Nimri que Broncano ha visto y que, pese a afirmar que le gustó, califica con un 5,9, a lo que Nimri responde “eso es una mierda”.
El momento cumbre de la entrevista ocurre cuando Broncano pregunta a Nimri por la cantidad de dinero que tiene en el banco (pregunta que hace a todos sus invitados). De momento, la persona más rica en su programa había sido Antonio Resines, pero Nimri afirma tener “12 millones y medio” de euros en el banco y por tanto superar a Resines “por medio millón”. Broncano no se lo cree, argumentando que Resines ha de ser más rico por haber trabajado más años al ser mayor, y Nimri replica que ella ha hecho “otras cosas”. “¿Has vendido discos?”, pregunta Broncano, a lo que Nimri responde “no, he vendido droga”. Un cachondeo tras otro de entrevista que solo podemos recomendar.
Meghan Trainor vuelve este año con un nuevo disco que sigue sin fecha de edición, pero que dice será muy pop y en el que ha trabajado, ya que sea tocando el piano o haciendo coros. Trainor posiblemente esperaba anunciar oficialmente la llegada de su tercer trabajo el momento en que su sencillo principal, ‘No Excuses’, despegara en las listas de éxito, cosa que no ha ocurrido (sus máximas han sido un top 46 en USA y un top 70 en UK) y a estas alturas parece que no es ya una posibilidad.
Por eso, hoy 11 de mayo Trainor estrena no uno sino dos adelantos nuevos de este trabajo, que además de pegadizos, son bastante diferentes entre sí. El primero, ‘Let You Be Right’, presenta un cálido ritmo disco en la onda de ‘Chained to the Rhythm’ de Katy Perry o ‘El momento’ de La Casa Azul (eso sí, el bombo es más contundente) y el segundo, ‘Can’t Dance’, es más similar a ‘No Excuses’ y apuesta por ese sonido fusión que acostumbra Trainor y que en este caso presenta retazos de dance, sintetizadores 80s y R&B.
Tras superar dos intervenciones en las cuerdas vocales, Trainor publicará este año el sucesor de ‘Thank You‘, que pese a producir los éxitos ‘No’ y ‘Me Too’ se quedó muy lejos de repetir las cifras de su debut, el que traía ‘All About that Bass’.
Brisa Fenoy es trending topic en Twitter y el motivo es que parece haberse mostrado contraria a ‘Tu canción’, el tema con el que Amaia y Alfred representarán a España en Eurovisión este sábado 12 de mayo. En Twitter, Fenoy ha calificado de “grande” un comentario de la representante Carmen Villanueva en el que critica a Alfred y en el que asegura que ‘Tu canción’ es “un tostón infumable”. El texto lee: “Desde OT1 y Rosa de España, suelo ver Eurovisión. Me parece tan cutre, tan “así”, que si puedo lo veo. Y siempre quiero los twelve points para Spain, lógicamente. “Mañana seguramente lo ponga de fondo. Pero una cosa os digo, estoy del pesado de Alfred hasta las narices. Si ganó OT Amaia (de España también), que es para comérsela. Él nunca deja de hablar, el pesao, robafoco. Coño ya, qué hartura de chaval. Y, encima, vamos con un tostón de canción infumable. Confesadlo, todos/as queríais que fuese Lo malo. Lo hubiésemos “petao”. Somos gilipollas. Fin”.
Cabe recordar que Fenoy es autora de la adaptación del inglés al español de ‘Lo malo’ de Ana Guerra y Aitana Ocaña, canción que se escribió para Eurovisión aunque ya casi ni nos acordemos debido al éxito que el tema ha alcanzado por cuenta propia en nuestro país. Y cabe recordar, también, que Fenoy forma parte del jurado de España en Eurovisión junto a Conchita, los concursantes de OT2017 Miriam y Roi y el locutor Rafa Cano.
La actitud de Fenoy está siendo criticada en Twitter por “irrespetuosa”. Un usuario escribe: “Da vergüenza que apoyes un comentario donde se meten con un chaval de 21 años solo porque no va ‘Lo malo’ y más siendo jurado”. Otra afirma: “Arde quedó segunda. Lo malo tercera. ¿Está la compositora de Arde reventada y diciéndolo por redes sociales? Tendría más motivos que Brisa”.
Tras la polémica suscitada, Brisa Fenoy ha acudido a la red social para pedir disculpas «si alguien se ha sentido ofendido», recordar que «Amaia y Alfred le flipan» y que el autor de ‘Tu canción’ es «increíble». «Mi amigo Raúl Gómez (el autor) era el que más se merecía ganar», ha indicado.
Todas mis disculpas si alguien se ha sentido ofendido. Todo lo contrario, lo dije ayer y en todas las entrevistas que he hecho, @Alfred_ot2017 y @Amaia_ot2017 me flipan y #tucancion es increíble mi amigo @RaulGomezMusic era el que más se merecía ganar💘
Brisa diciendo que le gusta ‘Tu canción’ pero habría sido mejor ‘Lo Malo’ porque habría sorprendido más por lo latinizado que esta el panorama musical🤔¿Esta de jurado y para apoyarlos o para proclamar que para ella habría sido mejor llevar Lo Malo? Pregunto. #OTVisionAmaiaAlfred
Qué maleducada e irrespetuosa! Pero hija, que has traducido una canción! Luego haciendo la pelota a Raúl… Qué ascazo de verdad! Bájate de donde te has subido tú solita y pisa el suelo que falta te hace… Alimentando el acoso a un chaval, no puedes caer más bajo…
Da vergüenza que apoyes un comentario donde se meten con un chaval de 21 años solo porque no va "Lo Malo" y más siendo jurado. Bastante mierda están tirando a dos chavales que lo único que quieren es vivir su sueño, para que tu les tires más. Ten un poco de humildad. Que asco.
Con los lanzamientos de los álbumes de Arctic Monkeys y Beach House, dos de los más esperados del año por parte de nuestro público medio, estamos ante uno de los viernes más excitantes, musicalmente hablando de todo el año. Y no son los únicos largos importantes que se publican hoy, no: Charlie Puth, Simian Mobile Disco, Mark Kozelek, Ssion, Luke Haines, Axolotes Mexicanos, Hazte Lapón, The Sea and Cake, Za!, Playboi Carti, Carmen Boza y la interesante artista alt-country-rock Jess Williamson presentan sus nuevas obras. Además, los barceloneses Lasers vuelven 5 años después de ‘Exchange Levels’ con un interesante nuevo EP, y El último vecino saca su tema para la serie de ‘Soy una pringada’.
En cuanto a singles, esta semana destaca por un nuevo single, buzz-single o como lo queramos llamar de Christina Aguilera, la balada ‘Twice’. Pero también por el single colaborativo de Rita Ora, Charli XCX, Cardi B y Bebe Rexha, ‘Girls’ –ver portadón más arriba–, los nuevos temas de Lenny Kravitz, Bastille, La Zowi, Diplo & MØ, Years & Years,Chromeo, Karol G, Mueveloreina, Courtney Barnett, Washed Out, John Mayer, The Presets, Meghan Trainor, Billy Raffoul, Luluc, White Denim, Kiiara, Gruff Rhys, Ne-Yo, Dillon Francis, Skepta, David Otero, LUMP, Coeur de Pirate, Wet, Ben Khan, KYLE ft 2 Chainz & Sophia Black, Babymetal, Oddliquor & Cruz Cafuné, James Bay, Noah Cyrus, Kid Ink, además de las promesas Chelsea Boots y Didirri.
Nuestra playlist de Spotify –que, por cierto, está a punto de alcanzar las 2.000 suscripciones–, también incluye los temas que Childish Gambino, Jungle, LSD y Justice han presentado a lo largo de los últimos 7 días. Otros lanzamientos destacados son el adelanto de un disco de The Beach Boys con nuevas versiones con arreglos de la Royal Philarmonic Orchestra, un remix bailable de la sintonía de Cecilia Krull para la serie ‘La Casa de Papel’ (quién sabe si, dado el éxito de la serie en todo el mundo, no dará esto un pelotazo), la nueva canción de Selena Gomez para la T2 de ‘Por 13 razones’ y un single inédito del desaparecido Lil Peep.
Se rumoreaba que Christina Aguilera sacaría un single semanal y que ‘Accelerate‘ era un «buzz single». Quizá otro gallo habría cantado si esta excelente canción hubiera calado en radio gustado entre los editores de Spotify, pero no ha sido el caso y aquí tenemos la segunda canción extraída de ‘Liberation’, el nuevo álbum de Christina Aguilera.
Cambiamos radicalmente de tercio y quien esperara de este disco un disco moderno y avanzado, jazzy pero actual, a juzgar por lo oído en ‘Accelerate’, se equivocaba. Aguilera ha posado sin maquillaje durante la promoción de este disco y no podía faltar por tanto la balada de rigor, en estos momentos poniendo en duda si estaremos ante un álbum variado, con singles tan inconexos como los de ‘Lotus’, o si ese carácter de «belleza cruda» anunciado ejercerá de hilo conductor. Por momentos a capella, ‘Twice’ se pregunta por el sentido de la vida, presenta la típica dicotomía «cielo/infierno», «agua/fuego», etcétera, para revelarse en el estribillo como una redención en torno a nuestros defectos.
‘Twice’ será la pista 10 del disco mientras ‘Accelerate’ será la 12. El tema junto a Demi Lovato cuyo vídeo es muy esperado, ‘Fall in Line’, será el corte 6. Christina Aguilera ha anunciado esta semana una gira que la llevará a Estados Unidos, de momento sin parada europea. Será el primer tour de la cantante en una década.
¿Recordáis ver a España en el top 5 de las apuestas de Eurovisión? Qué tiempos… Esta noche se ha anunciado el orden en el que nuestro país actuará en el festival en la final de este sábado, y la noticia parece ser la sentencia de muerte para ‘Tu canción’ de Alfred y Amaia. Se había anunciado que España actuaría en la primera mitad, nada querida entre los eurofans, pero es que además seremos segundos. Los productores asignan un puesto a cada país en busca del ritmo de la ceremonia una vez hecho el sorteo «primera mitad / segunda mitad», tras conocerse los países clasificados de las dossemifinales, y ese es el que han considerado para la delegación española. Ningún país actuando 2º ha ganado el festival a lo largo de sus más de 60 años de historia.
Pese a que algunos seguimos percibiendo en ‘Tu canción’ una buena composición que, con otra presentación -en concreto una a lo The Common Linnets o una que hiciera parecer el escenario mucho más pequeño- habría podido tener sus opciones en el festival (es un consuelo que Jaime Altozano se haya sumado a sus defensores, hablándonos de la rareza de sus acordes); el tema llega a la gala de mañana bastante condenado. ¿Dónde está la «sorpresa en la interpretación» que nos prometía Alfred? ¿Era la versión en inglés y ya? Los ensayos han decepcionado, nadie en Gestmusic ni RTVE ha ideado prácticamente nada para que la canción destaque desde el punto de vista de la realización y, ahora que sabemos que España actúa segunda, parece difícil que el público recuerde algo de Amaia y Alfred al término de la noche. España se hunde en las apuestas hasta el 19º lugar.
Si el público no va a votar por España, quedaría el consuelo del jurado. Sin embargo, las buenas presentaciones en vivo de países como Suecia, República Checa, Moldavia, Hungría o Chipre en las semifinales, junto a canciones que ya eran favoritas como Israel, Francia, Noruega, Bulgaria o Italia; hacen que el jurado se quede sin dedos en las manos para poder votarnos. Nuestra última esperanza es el voto extranjero: es fácil imaginar a los exiliados y emigrantes más entusiasmados y motivados para votar por Amaia y Alfred por el enorme seguimiento de OT, que por Manel Navarro. Esperemos que haya sorpresa, pero si esa es la mayor baza, mala pinta…
Por cierto, las dos favoritas ahora mismo, Israel y Chipre, actuarán hacia el final de la ceremonia, dándose por hecho ahora mismo que ambas quedarán bien posicionadas.
Quizá conscientes de que la fórmula de perfeccionamiento de su sonido alcanzada en ‘Bloom’ tocaba techo en ‘Depression Cherry’, Beach House parecían intentar sacudirse de un posible adocenamiento en su otro disco de 2015, ‘Thank Your Lucky Stars’. En él, buscaban frescura regresando a los sonidos más orgánicos de sus inicios, pero ahora parece que no era, exactamente, lo que necesitaban. En la bio de su nuevo disco ‘7’ –sí, lo habéis adivinado, es el séptimo de su carrera, aunque también una cifra cargada de simbolismo místico–, Victoria Legrand y Alex Scally parecen tener muy claro qué era lo que necesitaban para renovarse: “queríamos repensar viejos métodos y desechar algunas limitaciones autoimpuestas”, dicen. Unas limitaciones que afectarían a su método de composición, acostumbrados a crear canciones que pudieran ser interpretadas en directo de manera fiel a como se ejecutaban en el estudio.
Un sistema que se han atrevido a dejar atrás, apoyados en la figura del legendario Sonic Boom (ex-miembro de Spacemen 3, fundador de Spectrum y productor de Panda Bear o Triángulo de Amor Bizarro), una “gran fuerza” en la creación de este disco al haber ayudado al dúo a “mantener las canciones vivas, frescas y protegidas de las fuerzas destructivas de sobreproducción y sobreperfección del estudio de grabación”. Ellos mejor que nadie deben ser conscientes de hasta dónde se han permitido llegar en unas canciones que, para empezar, se han liberado de la premisa de estar ejecutadas sí o sí con guitarra y sintetizador. Pero lo que nos llega a nosotros, los oyentes, claramente nos lleva a un espacio reconocible y nuevo a la vez, como una habitación de casa en la que los muebles ya no están en el mismo lugar que antes.
No es un cambio sustancial, que nadie se alarme. Los destellos de Cocteau Twins, Mazzy Star, Julee Cruise y My Bloody Valentine siguen estando ahí y siguen ayudando a acotar a qué suenan los Beach House de 2018, aunque ahora podamos sumar a Slowdive (más a los de hoy que a los de ayer, en ‘Pay No Mind’), Air (‘Lose Your Smile’), Lush (‘Dark Spring’, ‘Woo’), Broadcast (en la primera parte de ‘Dive’), New Order (en el catártico final de ese mismo single) y hasta a Mike Oldfield (las guitarras de ‘L’Inconnue’) en esa relación. Relación innecesaria, añado, habida cuenta de que el grupo de Baltimore ha demostrado una entidad propia a la altura de pocos. Pero, retomando lo que decía, sí se percibe en ‘7’ un enfoque distinto, más libre, que revela nuevas perspectivas en su música.
Es cierto que canciones como la coral ‘L’Inconnue’ –en la que Legrand recurre a su francés natal de manera conmovedora–, ‘Last Ride’ –que muta de lo minimalista a una catarsis velvetiana, y no sólo por esos «there she goes»– y, muy especialmente, la soberbia ‘Black Car’ –colisión de indietrónica e instrumentos orgánicos– suponen enfoques realmente inéditos. Pero me refiero a algo casi intangible que planea en todo el álbum, como una especie de efervescencia contenida –la poderosa voz de Victoria suena aquí más comedida que nunca, sometida a la armonía del conjunto, y en ocasiones equilibrada con los coros de Alex– que a veces, irrefrenable, termina por escapar a borbotones a través de sus sintetizadores alienígenas o de esas percusiones de su batería de directo, James Barone, que en ocasiones suenan como cañonazos. Literalmente.
‘7’ es, a la vez, familiar y desconocido, como alguien querido con quien te reencuentras tras años sin verle. La oscuridad y la candidez, el misterio y la luminosidad, lo dulce y lo perverso vuelven a darse la mano en otra fantástica colección de canciones. Canciones preciosas en su capacidad evocadora y su poesía que, aseguran, nos habla esta vez de “la empatía y el amor que emergen tras un trauma colectivo” y “el retorcido doble filo del glamour”. Letras, como siempre, muy simbólicas y abstractas que vuelan libres en un conjunto sin apenas tacha (‘Girl Of The Year’, bonita, no aporta nada especial), que cautiva de inmediato y brilla tanto en su faceta más reconocible (‘Lemon Glow’, ‘Dive’, ‘Pay No Mind’, ’Drunk in L.A.’) como en la más sorprendente (‘Black Car’, ’L’Inconnue’, ‘Woo’). Beach House han atinado a renovarse lo suficiente como para no sonar caducos sin perder un ápice de su carácter y, de paso, entregar su enésimo disco claramente notable. Algo legendario, a la altura de muy pocos grupos de la historia del pop, en activo o no.
Calificación: 8,2/10 Lo mejor: ‘Black Car’, ‘Lemon Glow’, ‘Dive’, ‘L’Inconnue’, ‘Pay No Mind’ Te gustará si te gusta: Slowdive, Mazzy Star, Broadcast, Angelo Badalamenti Escúchalo:Spotify
En Peggy Lee todo estaba en la voz. Sus inicios actuando en hoteles la habían conducido a cantar de manera sutil; harta de elevar la voz para competir con las conversaciones del público, decidió atacar por el lado contrario, lo que además de conseguir la deseada atención sentó las bases de un estilo vocal seductor y a la vez natural que la definiría completamente. El cual, unido a sus muchas otras cualidades -que incluían componer música y letras de muchas de sus canciones- la convirtieron en una de las artistas de música popular más exitosas de los años 50 y los 60 pre-Beatles.
Su versión de ‘Fever’ cristalizaría su sonido sugerente de manera irreversible en el imaginario popular, y cada versión subsiguiente no pudo ya evitar la sombra de su interpretación, desde Elvis hasta Beyoncé pasando por Madonna. Y sin embargo hay otra canción de su repertorio que planea sobre las siguientes décadas con una influencia quizá más olvidada, mucho menos mainstream, y sin embargo cierta: ‘Johnny Guitar’.
Peggy la coescribió con Victor Young para la película de Nicholas Ray del mismo nombre. Film y canción fueron todo un éxito en 1954. La evocadora melodía -inspirada en parte por cierto en la danza española nº 5 de Enrique Granados- tenía algo de increíblemente bello en su tono desesperado, y en la voz de Lee sonaba a verdad desnuda. El embrujo de sus acordes, que concluían con esa secuencia de aire aflamencado, le daba un toque fronterizo ideal para la temática western de la película, y redondeaba una pieza que es una verdadera piedra preciosa:
¿Cuál es entonces la influencia de ‘Johnny Guitar‘? Sin querer obviar otros ascendientes, parece la gran precursora de un tipo de canción que después perfeccionarían artistas como Lee Hazlewood o Nancy Sinatra, romántica e inquietante, a menudo acompañada de atmosféricas guitarras españolas o eléctricas con reverberantes trémolos, y con frecuencia dedicadas a amores entre adolescentes y hombres poco recomendables. Sin ella parece difícil imaginar a Sonny Bono componiendo ‘Bang Bang (My Baby Shot Me Down)’ para Cher diez años después, o a Angelo Badalamenti y David Lynch componiendo ‘Sycamore Tree’ en los 90. Sin embargo ‘Johnny Guitar’ no ha gozado de la cadena de versiones ininterrumpidas que han tenido ‘Bang Bang’ o los clásicos de Hazlewood, más allá del sensacional “cover” del grupo alemán Die Haut junto a Blixa Bargeld en 1992 o la delicadísima recreación de Tindersticks de hace un par de años (y que enlazaban, apropiadísimamente, con el ‘Into the Night’ de Julee Cruise).
Y aun así, cada vez que vuelve a sonar esa música, esa letra sobre el amor a un hombre “cruel”, que “mentía y robaba” y era “frío pero cálido por dentro”, se percibe una sombra que recorre las décadas y llega hasta la mismísima Lana Del Rey. La propia orquestación de la canción y esa nota de contrabajo que se repite cíclica y parcamente al principio de cada compás tienen una curiosa resonancia pre-trip hop, y no cuesta imaginarla reconstruida con un ominoso beat por la citada artista, cuyo estilo vocal contiene además trazas del aterciopelado ADN de Peggy Lee. En esta versión alternativa de la canción procedente de una aparición televisiva el personaje de Peggy Lee, mirando hipnotizada y añorando a su chico malo, anticipa a Lana del Rey con medio siglo de adelanto.
‘Johnny Guitar’ suena en el último Popcasting de Jaime Cristóbal, ya disponible en este enlace.
Los clasificados de la segunda semifinal para Eurovisión han sido Serbia (!!), Moldavia, Hungría, Ucrania, Suecia, Australia, Noruega, Dinamarca, Eslovenia y Países Bajos. Entre los eliminados, Rusia con la representante que no pudo llevar a Ucrania el año pasado por problemas políticos, y la buena presentación de Letonia.
Esta segunda semifinal de Eurovisión ha estado marcada por la aparición del rock en varias de sus formas. Los metaleros de Hungría han hecho uno de los shows más llamativos, recordando a aquel momento en que Lordi se hicieron con la victoria, aunque sin sus trucos escénicos. Aun así, la energía mostrada por AWS sobre las tablas se pega y su actuación ha sido una de las más entretenidas y recordables de la noche. También ha dado muchísimo la nota Moldavia. Hay que olvidarse de la canción en este caso, porque ni dice ni molesta: lo que importa es su vistosísima puesta en escena. Una matrimoniada que juega con el trío cantante y sus tres dobles detrás de un biombo con puertas y ventanas que sugieren, muestran y esconden, durante sus 3 minutos de duración. Hay quien dirá que su show es blando e ideado por José Luis Moreno, pero hey, ¿hemos visto antes una simulación de penetración en Eurovisión?
Al rock que decíamos ha contribuido Dinamarca con su show de nieve, bandera blanca y maquillaje más blanco todavía; Holanda con un tema country-rock inocuo muy Bon Jovi; y Ucrania cerrando con un show a lo conde Drácula que, la verdad, ha de pasar para arrancar a todos nuestros colegas y familiares unas risas el próximo sábado. Las tres se han clasificado.
Suecia ha llevado una puesta en escena de neones como siempre modernísima, aunque al primo pequeño de Ingrosso le falta carisma para llenar el escenario. Entre los que partían como favoritos además de Moldavia y Suecia, no ha decepcionado el otrora ganador Alexander Rybak desde Noruega, con una puesta en escena con sobreimpresiones en la estela de ‘Heroes’. Eso sí, la canción -mona, como él- se hace inexplicablemente larga. Aunque no haya pasado, notable ha sido el montaje de la balada a lo Lana del Rey de Letonia, que nos ha dado todo lo que Bélgica no quiso darnos en la primera semifinal.
Sensaciones agridulces ha dejado Australia, con un desmadre de cantante y vestido que no pegan nada con una canción que de otra manera podría resultar notable; Eslovenia y su falso final, mucho mejor hecho eso sí que el de Barei; Malta y su cubículo en rojo de locura; o Polonia. Su canción era medio moderna, pero la puesta en escena con DJ estaba muy desperdiciada y no puede ser más holgazana y reiterativa. Australia y Eslovenia han pasado, pero Malta y Polonia, no.
Entre los grandes aburrimientos y despropósitos, la fantasía de máscaras y maniquíes de Rumanía, el rollo étnico de Serbia (clasificado, eso sí), el volcán de Rusia que se habría pisado con el de Estonia, esa canción de Georgia que da ganas de abrirse un turrón o peor, unas peladillas, y la visita en canción y vestuario a Eurovisión 1989 de Montenegro. Mención especial para San Marino, un completo sinsentido con pop, rap, robots, mensaje anti-bullying y otro sobre que «el tamaño no importa»… «a veces». No dejen de disfrutarlo ya en Youtube.
Hace unos días se presentaba un nuevo proyecto llamado LSD a cargo de Sia, Diplo y Labrinth. Estrenaban una canción llamada ‘Genius’ bastante resultona y hoy es el turno de la segunda, llamada sencillamente ‘Audio’. ¿Puede triunfar un tema llamado secamente ‘Audio’? En cualquier caso, «no podemos seguir viviendo sin el ritmo, pon ese «audio»» es el lema de esta canción que irá en el álbum que suponemos que preparan, pues esta es la segunda canción que les conocemos en menos de un mes.
En el estribillo Sia tararea «bomb bomb beat» «en busca de la melodía», mientras Labrinth alude a Marilyn Monroe en su estrofa, si bien la canción llama la atención sobre todo por el arranque tan Purity Ring que tiene en cuanto a la producción incluso de la voz. Entre los proyectos numerosos de Diplo, parece próxima también a Jack Ü en ese momento. Después, es verdad que evoluciona hacia otra cosa, transformándose en una canción bastante clásica de Sia.
El single se ha presentado con un vídeo semi animado en el que vemos a Diplo queriendo comprar un coche en una especie de 3×2 o echando gasolina, mientras Sia, tan esquiva como siempre, aparece en forma de globo-fantasía. Labrinth aporta luminosidad en medio del escenario urbano, mientras el final es un tanto ‘Grease’.
En una decisión sin precedentes, Spotify ha anunciado que elimina al rapero y cantante de R&B R. Kelly de todas sus playlists oficiales o creadas mediante algoritmo, como serían, por ejemplo, RapCaviar, Descubrimiento Semanal or New Music Friday. Esta postura se enmarca dentro de una nueva política interna de la compañía sueca referente a «contenido con odio y conductas reprobables [«odiosas», en el original]».
En un comunicado de Spotify recogido por Billboard, el gigante sueco dice que «su música seguirá disponible en el servicio, pero Spotify no la promocionará activamente. No censuramos ningún contenido por el comportamiento de un artista o creador, pero queremos que nuestras decisiones editoriales –lo que escogemos programar– refleje nuestros valores. Cuando un artista o creador hace algo que es especialmente doloso u odioso, puede cambiar la manera en la que trabajemos o apoyemos al mismo».
Todo esto surge tras la aparición esta semana de dos nuevas mujeres que acusan a Kelly de haber creado y mantener, supuestamente, un «culto sexual». Dichas acusaciones se suman a otras que se conocieron el pasado año por parte de otras seis mujeres de entre 17 y 21 años, pero la investigación policial concluyó que no existía razón para incriminarle puesto que eran mujeres mayores de edad que no estaban retenidas contra su voluntad, como se decía.
Aun así, en las redes sociales se lanzó el pasado abril una campaña contra él bajo el hashtag #MuteRKelly («#SilenciaARKelly») debido a su historial con la justicia y la permanente sombra de un comportamiento sexual delictivo que, por lo visto, ha calado en Spotify. R. Kelly no parece haberse visto especialmente afectado por la noticia, y en sus redes sociales promociona sus conciertos por EEUU, sin mencionar el asunto ni remotamente. Por el momento se desconoce si la plataforma de streaming aplicará la misma política con otros artistas como Chris Brown, que acaba de ser acusado de violación por una mujer.
Esta noche se celebra la segunda semifinal de Eurovisión, después de la primera, que dejó como clasificados a países favoritos como Israel, República Checa… y atención al hype liado en torno a la participación de Chipre con ‘Fuego’.
Clasificaciones aseguradas
Entre las clasificaciones que parecen aseguradas de esta segunda semifinal encontramos el caso de Alexander Rybak desde Noruega, que tras haber ganado el certamen en 2009, abrirá la gala con un buen tema pop, ‘That’s How You Write a Song’. Otros dos países que aparecen en el top 10 de las casas de apuestas no para clasificarse esta noche sino directamente para ganar el festival son Moldavia y, por supuesto, Suecia. Moldavia actuará en 7º lugar con una fiesta folk que nuestro compañero Manu Palmer calificaba como «mamarracha» al tiempo que advertía que no paraba de subir en las apuestas… et voilà, son octavos en las mismas ahora mismo. Por su parte, Suecia (15ª) lleva a un joven llamado Benjamin Ingrosso, con grandes posibilidades entre los que hemos disfrutado del último Justin Bieber o el primer Timberlake.
Favoritos para pasar
Australia (9ª en orden hoy) suele caer en gracia y pese a las reticencias, ‘We Got Love’ sonará como un esperanzador, optimista y edificante medio tiempo ya en la segunda mitad de la ceremonia de esta noche. Hungría (13ª) es el único país que apuesta por el jevi, así que por supuesto puede dar la sorpresa. También ha gustado el medio tiempo de rock de Ucrania, o quizá solo sea que cierra la semi (18ª) y que Ucrania pasa siempre.
No van nada mal en las apuestas, pero estarán en la cuerda floja la épica étnica a lo ‘Juego de tronos’ de Dinamarca (5ª); Rusia (6ª), cuya presentación a cargo de Julia Samoylova no ha gustado mucho pero siempre ha llegado a la final y el country-rock de Países Bajos (8ª).
Previsibles «losers»
Aparentemente sin posibilidades acuden Rumanía (2º lugar en orden de actuación hoy) con una balada muy Céline Dion que se va creciendo, Serbia (3º) con su canción tradicional, el pop de la siempre desafortunada San Marino (4º) esta vez con un featuring que debería haber hecho Nicki Minaj, los Il Divo de Georgia (10º), el entretenido EDM de Polonia que sonará a gloria después de Georgia (11º), el tema inspirado en mil canciones de pop de Malta (12ª), la balada jamesbondiana de Letonia a cargo de Laura Rizzotto a la que los fans de Alfred conocen muy bien (14º), la canción típica que esperas de Montenegro (16º) y el electropop con drop de Eslovenia (17ª). Esperemos que haya suerte para Polonia y Eslovenia: al menos son entretenidas.
Como cada año por estas fechas, Primavera Sound 2018 presenta los horarios completos del festival que, con su amplísima y diversa oferta, suelen suponer para muchos un auténtico drama debido a los solapes de artistas que coinciden en la misma franja horaria, o que se ubican en lugares opuestos del vastísimo recinto del Parc del Fórum o que se sitúan en el Auditori (que, atención, este año no acoge conciertos en las jornadas de viernes 1 y sábado 2 de junio)… Hemos buceado en el esquema de tiempos de este año y estas son las cosas más llamativas que hemos encontrado en cada jornada.
Primavera Sound empieza fuerte… ¡el miércoles!
Para aquellos que piden un par de días en sus trabajos u ocupaciones para poder acudir a la tradicional jornada inaugural del jueves en el Parc del Fórum, tenemos dos noticias: una mala y otra… peor. La primera es que este año, de nuevo, los fastos en el recinto del Besós comienzan… ¡el miércoles! Y la segunda, es que ese día no es una anécdota en cuanto a artistas: Spiritualized (de 20:00h a 21:30h en el Auditori, ojo), Belle & Sebastian (22:15-23:45h en el Primavera With Apple Music), Maria Arnal i Marcel Bagés (de 18:00h a 19:00h en el Auditori), Javiera Mena, Wolf Parade, Starcrawler y Holy Bouncer conforman los nombres de esta tempranera y ya potente primera jornada.
Nick Cave VS Fever Ray, el gran dramón del jueves
Tras esa primera jornada no-tan-anecdotica, comienza el festival a todo tren el jueves 1 de junio: y tras unas primeras horas en las que habrá que decidir entre Hinds, Capullo de Jerez o The Zephyr Bones, entre Warpaint (19:40h-20:40h en el escenario Seat), Sparks (19:25-20:30h en el Primavera With Apple Music) o Za!, entre Kelela, The War On Drugs (21:50h-22:50h en el escenario Mango) o Mavi Phoenix, llegan las decisiones complicadas: cabe la posibilidad de ver el principio de Unknown Mortal Orchestra antes de ver a Björk (de 22:00h a 23:30h en el escenario Seat), pero si eliges a la islandesa has de olvidarte de James Holden & The Animal Spirits (22:00h-23:00h en el Bacardi Live), C. Tangana y/o Rostam. Y la cosa va aún a peor: nada menos que Nick Cave (23:40h-01:10h en el escenario Mango) comenzará su actuación casi al mismo tiempo que Fever Ray (23:35-00:35h en el Primavera With Apple Music). ¿Podría ser peor? Claro: si te quedas a ver al australiano hasta el final, te perderás a Vince Staples (00:40h-01:40h en el Ray Ban), que coincide casi al completo con Chvrches (01:25h-02:25h en el Seat).
Migos VS Thundercat VS Ibeyi, en un viernes benevolente
En comparación con la del jueves, la jornada del viernes parece un regalito… aunque tampoco está mal la cosa: en las primeras horas de la tarde, habrá que decantarse por el regreso de The Breeders (19:10h-20:10h en el escenario Mango) o un John Maus (19:15h-20:00h en el escenario Pitchfork) que ya no está para boutades, antes de que coincidan Father John Misty (20:20h-21:20h en el escenario Seat) presentando su nuevo álbum con los siempre sugerentes Rhye (20:25h-21:10h en el Ray Ban). Tras eso, el concierto de The National (21:30h-22:45h en el escenario Mango) podría impedirte ver a Mogwai (21:20h-22:30h en el Primavera With Apple Music) o a la revelación Superorganism, pero la peor hora del día coincide con el solape entre los reyes del trap Migos (23:00h-00:00h en el escenario Mango) en su primera vista a España, Thundercat (22:35h-23:25h en el Ray Ban), Ibeyi y la más que prometedora Jorja Smith, nada menos. Luego, durante el concierto de Charlotte Gainsbourg (23:30h-00:30h en el Primavera With Apple Music) habrá que ponderar si abandonarla en favor de Haim (00:15h-01:15h en el escenario Mango), o quedarte hasta el final para poder ver a Cigarettes After Sex (00:40h-01:40h en el Ray Ban). La decisión de ver a Tyler, The Creator (01:30h-02:30h en el escenario Seat), Ty Segall (01:50h-02:50h en el Primavera With Apple Music) o Arca (02:15h-03:15h en el escenario Pitchfork) tampoco es moco de pavo.
Arctic Monkeys VS Deerhunter y A$AP Rocky VS Beach House, traca final
El sábado 2 de junio, jornada final en el Parc del Fórum, todo juega a favor de las grandes estrellas del sábado, unos Arctic Monkeys (23:50h-01:30h en el escenario Mango) con el flamante ‘Tranquility Base Hotel & Casino’ bajo el brazo. Deerhunter (00:50h-01:50h en el Ray Ban), Oneohtrix Point Never (00:10h-01:10h en el escenario Bacardi Live) y la joven ABRA (00:45h-01:30h en el escenario Pitchfork) son sus alternativas que parece asumible perderse en su favor. Antes de eso, no faltará quien haya soltado una lágrima ante la coincidencia entre Jane Birkin (19:50h-21:05h en el escenario Seat), Ariel Pink (20:25h-21:25h en el Ray Ban) y Belly (20:25h-21:25h en el Hidden Stage) o, más arde, entre Lykke Li (21:15h-22:15h en el escenario Mango) y Slowdive (21:30h-22:30h en el Primavera With Apple Music), cuyo final de show coincidirá con el comienzo de Lorde (22:25h-23:40h en el escenario Seat) que, a su vez, se alinea con los conciertos de Grizzly Bear (22:35h-23:35h en el Ray Ban) y Jay Som (22:45h-23:30h en el escenario Pitchfork). Tampoco está nada mal el último gran dilema de Primavera Sound 2018: la casi total sincronía entre las actuaciones de A$AP Rocky (01:40h-02:45h en el escenario Seat), Beach House presentando el nuevo ‘7’ (01:55h-03:05h en el Primavera With Apple Music), Jon Hopkins haciendo lo propio con el gran ‘Singularity’ (01:30h-02:10h en el escenario Bacardi Live) y el siempre imperdible John Talabot (un sesión de 02:00h-04:00h en Desperados Club).
A veces no he entendido el éxito de una canción de Post Malone: demasiado sencilla, demasiado lineal, demasiado autocomplaciente, demasiado parecida a otras cosas. Pero lo que está sucediendo con ‘Better Now’ lo he pillado desde el principio. A pesar de no haber sido escogida aún como single oficial de su segundo disco, el muy exitoso ‘beerbongs & bentleys‘, la canción ha pasado 9 días en el número 1 global de Spotify (ahora mismo desbancada por el exitazo de ‘This Is America’ de Childish Gambino). En su caso tiene un gran mérito porque como decimos no ha sido sencillo, no se ha enviado a radios, no tiene videoclip, etcétera.
Sin embargo, su melodía es tan infalible que, aun permaneciendo fiel a esos ritmos pausados de música urbana (trap pop o comercial, R&B y demás), es fácil imaginar en ella una remezcla electro, trance… o una reducción a la acústica o al piano. Sobre la letra, tres cuartos de lo mismo. Al margen del guiño a Jonas Brothers («And I’m rollin’, rollin’, rollin’, rollin’ / With my brothers like it’s Jonas, Jonas»), Post Malone habla aquí sobre una ruptura con la que todo el mundo se puede identificar.
Después de que, junto a una chica, haya mirado al futuro hasta el punto de «contemplar el resto de la vida juntos», algo ha salido mal, y el estribillo por ello repite hasta la saciedad «probablemente piensas que estás mejor ahora / pero solo lo dices porque no estoy yo». Esta tontería que parece acusar a ella de deseo de venganza termina de funcionar a las mil maravillas dado el tono alegre y de superación de la melodía: el artista está buscando pasar página («la vida sigue adelante, ¿qué le vamos a hacer?»).
Se ha acusado y con razón a Post Malone de ser machista en algunos de sus textos, pero aquí los roles no parecen especialmente marcados por el género y ‘Better Now’ suena como un himno de superación de una ruptura bastante universal y correcto. De hecho, hay escenita de celos bien resuelta («te he visto con otro tío / y la verdad es que parecía bastante guay»). Un himno, pues, optimista en medio del dolor al que queda un largo recorrido…
El actor norteamericano Viggo Mortensen es trending topic mundial esta mañana por motivos que poco tienen que ver con su carrera profesional. Según informaba la propia entidad en un tuit, el intérprete se ha sumado a la asociación Òmnium Cultural, fundada en los años 60 para promover la cultura y la lengua catalana y, más recientemente, asociada a las movilizaciones sociales por la independencia de Cataluña.
Como era de esperar, su nombre llena ya titulares en la prensa generalista y está en boca de todos, quienes desean que la República Catalana sea una realidad como de quienes se oponen a ello. Por eso ha sido carne de numerosos mensajes elogiando su postura como de otros denostándola, asegurando que no volverán a ver una de sus películas o aludiendo a su matrimonio con la actriz catalana Ariadna Gil y su familia.
También ha habido, en ambas facciones, quien se lo ha tomado con humor, recordando tanto su papel del heroico Aragorn en la adaptación fílmica de ‘El Señor de los Anillos’ como el del ‘Capitán Alatriste’. Pero, sobre todo, ha sido curioso cómo numerosos tuiteros foráneos, al ver el nombre de Mortensen como trending topic mundial, han creído que podría tratarse de algo grave relacionado con su salud, pensando incluso que podría haber muerto.
La família d'@omnium cada dia és més gran i, des d'avui, tenim l'honor de comptar amb el suport de l'actor Viggo Mortensen com a nou soci. Gràcies per ser-hi, Viggo! 🙌
Que Viggo Mortensen se declare indepe me hace pensar que nadie mejor que él para luchar contra Mordor (Españita cañí), donde el Señor Oscuro (Rajoy), tiene su fortaleza para intentar atacar y dominar a todos los pueblos de la Tierra Media. Me resulta absolutamente MARAVILLOSO😍.
Tonto del día!! Pues nada, menda no pagará un euro para ver tus pelis😜El actor Viggo Mortensen ficha por Òmnium Cultural y las redes reaccionan así https://t.co/IeWM3xpPLD
Acabo de recordar que Viggo Mortensen hizo de Alatriste, y me estoy imaginando a Arturo Pérez-Reverte soltando espuma por la boca al enterarse de que Viggo se ha hecho socio de Òmnium Cultural.
— Ygritte 🎗 #oficialidá (@Ygritte_Snow) May 10, 2018
No os quejéis con lo de Viggo Mortensen que vosotros os quedáis con los Orcos pic.twitter.com/9MTeaQMcLu
Justo cuando esperábamos que La Prohibida nos sorprendiera con algo relacionado con su inminente nuevo álbum, nos sorprende… sacando un clip de su disco anterior, ‘100k años de luz’. Se trata del vídeo oficial de ‘La pubblicità’, el tema que cerraba aquel disco. Se trata de una canción de tecno retro interpretado, como insinúa su título, en italiano. Y su clip es, entre otras cosas, un homenaje a la cultura de los 80 70 más prototípica del país transalpino.
Dirigida por Marc Ferrer –‘La maldita primavera’, numerosos clips de Papa Topo– y con fotografía de Ion de Sosa y Stanley Sunday, se trata de una pieza que toma literalmente algunos fragmentos de la letra de la canción –un himno sobre huir de una perfección artificial y abrazar la diferencia– y lo convierte en el argumento de una «película» en la que La Prohibida vive anclada a un matrimonio aparentemente idílico que la anula, mientras sueña con un efebo que la libere y le haga ser realmente feliz. Su realización, con un cuerpo de baile vestido de licra metalizada y los trucos de zoom que puso de moda Valerio Lazarov, rememora el cine y la televisión de hace 30 años, con su punto kitsch y demodé, pero el argumento, como la misma artista nos ha explicado en Twitter, es un homenaje a la versión fílmica de Truffaut para la novela ‘Fahrenheit 451’.
Por otra parte, La Prohibida ha hablado sobre ese nuevo disco que publicará gracias a un exitoso crowdfunding. En una entrevista con Brays Efe (‘Paquita Salas’) para Yasss, ha contado cosas que ya sabíamos o intuíamos, como que repiten en la producción ItaloConnection y en la composición Mario y Nacho Canut, Algora (autor de su gran hit, ‘Baloncesto’) y Loud, colaboradores habituales suyos. Pero también ha revelado que en el álbum habrá un dueto con un artista español que por el momento no revela pero que, dice, es “la persona con la que más veces me han pedido [sus fans, se entiende] que colabore”. ¿Quién será?
El próximo mes de junio Paraíso abre sus puertas por primera vez, los días 8 y 9 en el Campus de la Universidad Complutense de Madrid. Diferentes territorios de la electrónica convergen en esta primera edición en la que ya habían sido confirmados nombres de la talla de Apparat (una sesión de DJ), Roísín Murphy, Floating Points, Kiasmos, Hot Chip (en su versión DJ, «Megamix»), Ibeyi, Kelly Lee Owens, Danny L Harle (PC Music) o Tune Yards.
Hoy el cartel se completa con GusGus y Tornado Wallace. Los primeros vuelven desde Islandia para presentar el reciente ‘Lies Are More Flexible‘ y «hacer bailar al público del festival con un estilo propio, que va desde el techno al trip-hop, pasando por el house y adentrándose en el trance pop». Por su parte, Tornado Wallace es una de las cabezas visibles de la electrónica de Melbourne. El selector «traerá a Paraíso su limpia e irreverente técnica ante los platos y una actitud que desmonta la lógica en la pista de baile».
Con estas dos últimas confirmaciones, Paraíso cierra el cartel de su primera edición con 38 bandas y DJs, y publica su cartel por días. Así, el viernes día 8 de junio se alinean Apparat DJ Set, Awwz, Black Coffee, Danny L Harle, DJ Tennis, GusGus o Hot Chip Megamix, mientras que el sábado día 9 estarán Roísín Murphy, Floating Points, Ibeyi, Henry Saiz & Band o Delaporte. Los abonos (80€ + g.g.) y las entradas de día para viernes (44€ + g.g.) y sábado (49€ + g.g.) están a la venta aquí.
Ariana Grande y Mac Miller han roto, informa TMZ. Ambos salían desde 2016 y han decidido poner fin a su relación debido a sus apretadas agendas. Sin embargo, siguen siendo “muy buenos amigos y lo seguirán siendo”, como apunta el tabloide estadounidense.
Aunque no empezaron a salir hasta 2016, Grande y Miller ya habían colaborado en el segundo single de ella, ‘The Way’, publicado en 2013 y posteriormente incluido en su debut, ‘Yours Truly‘. Más tarde, sería Grande quien prestaría sus servicios a Miller en ‘My Favorite Part’, incluido en el disco de él, ya en 2016, y ese mismo año el rapero apareció en un remix (bastante bueno, por cierto) de ‘Into You’.
No está muy claro cuándo decidieron Grande y Miller finalizar su relación, pero el rapero escribió un mensaje de apoyo a Grande en Twitter el día que se lanzó el nuevo single de ella, ‘No Tears Left to Cry’. Se incluye en su próximo álbum, ‘Sweetener’, a la venta en julio. El último trabajo de Miller, ‘The Divine Feminine’, salió en 2016.
Poco a poco la nueva generación de triunfitos va dando con su camino en el mundo artístico. Mientras aguardamos por ver qué papel hacen Amaia y Alfred en Eurovisión 2018 y este último es confirmado en uno de los festivales pseudo-indies más populares del verano, Aitana y Ana Guerra triunfan con ‘Lo malo’ y ya preparan sus debuts, Miriam Rodríguez compone e interpreta la sintonía de la serie ‘Vis a vis’ y Cepeda está a punto de lanzar su primer single, hoy hay novedades sobre Nerea Rodríguez.
La joven catalana, sin duda una de las que más sorprendió por su gran tesitura vocal, ha sido anunciada como la nueva protagonista de ‘La llamada’, la premiada obra musical creada por Los Javis, Javier Ambrossi y Javier Calvo, que celebra 5 años en la cartelera madrileña. Nerea se incorpora al elenco en el papel de María Casado, la protagonista del musical, junto con Andrea Guasch y Paco Arroyo. En su actual formación –debido a otros compromisos laborales, su reparto ha ido cambiando– también se encuentran Angy Fernández y Lucía Gil.
Nerea comenzará a participar en ‘La llamada’ a partir del 17 de mayo en el Teatro Lara de Madrid, su “hogar” desde hace ya varios años. La joven cantante ha dado las gracias a Los Javis, a los que conoció en su paso por la academia de Operación Triunfo 2017 donde ellos ejercían de profesores de interpretación.
¡Y esto es lo que os quería decir hoy! Soy muy feliz porque voy a estar en @lallamada_ interpretando el papel de María Casado. Gracias a mis @javviercalvo y Javi Ambrossi por confiar en mí. ¡Os quiero! ♥️ pic.twitter.com/n1Aif83SI3
El dúo francés Justice estará este año actuando el próximo verano en algunos de los festivales más importantes de nuestro país: el 12 de julio, en Mad Cool Festival, en Madrid; el 14 de julio, en Cruïlla Festival, Barcelona; y el 22 del mismo mes en el FIB de Benicássim. “¿Seguirían presentando las canciones de un ‘Woman’ que estrenaban hace ya dos años?”, nos preguntábamos. Y hoy sabemos que no… o sí… pero no exactamente.
Nos explicamos: Gaspard Augé y Xavier de Rosnay publican el próximo 24 de agosto un álbum titulado ‘Woman World Wide’. Con ese título, es fácil pensar que se trata de la traslación al directo de la gira de ‘Woman’, como ocurriera con ‘A Cross The Universe’ y ‘Access All Arenas’ –que, dicen, “suenan como grabaciones pirata en directo”–, pero no es exactamente así: adaptando las canciones de ese álbum para poder tocarlas en directo, “descubrieron que las canciones tomaban una nueva dimensión. Tras un año probando, actuando, refinando el sonido y grabándolas en la carretera, volvieron al estudio en París para darles el acabado y la precisión que las actuaciones en directo no siempre permiten”.
En el tracklist de este álbum encontramos, por tanto, temas de toda su discografía, desde los hits ‘D.A.N.C.E.’, ‘DVNO’ o ‘Audio, Video, Disco’ hasta los recientes ‘Randy’ o ‘Stop’, tema que lanzan como primer adelanto de este disco. La presentan, además, con un video animado en el que los artistas Mrzyk & Moriceau reinterpretan la iconografía del grupo, y dando una idea de hasta qué punto llegan a mutar las canciones en esta regrabación, una especie de «greatest hits» renovado.
Tracklist de ‘Woman World Wide’:
1.) ‘Safe and Sound’
2.) ‘D.A.N.C.E.’
3.) ‘Canon’ x ‘Love S.O.S.’
4.) ‘Genesis’ x ‘Phantom’
5.) ‘Pleasure’ x ‘Newjack’ x ‘Helix’ x ‘Civilization’
6.) ‘Heavy Metal’ x ‘DVNO’
7.) ‘Stress’
8.) ‘Love S.O.S.’
9.) ‘Alakazam!’ x ‘Fire’
10.) ‘Waters of Nazareth’ x ‘We Are your Friends’ x ‘Phantom 2’ x ‘Alakazam!’
11.) ‘Chorus’
12.) ‘Audio, Video, Disco’
13.) ‘Stop’
14.) ‘Randy’
Bonus track:
15.) ‘D.A.N.C.E.’ x ‘Fire’ x ‘Safe and Sound’
No exageran –quizá un poquito, pero no mucho– Arctic Monkeys cuando dicen que ‘Tranquility Base Hotel & Casino’ requiere de unas 10 escuchas para poder entrar en ese mundo. Y su decisión de no adelantar su sexto álbum de estudio con single alguno parece coherente. Primero, por mantener esa incertidumbre, ese factor sorpresa que la actual dinámica de la industria casi ha perdido; y segundo, porque realmente es muy difícil escoger una entre estas 11 canciones que en su totalidad no pasan, rítmicamente, de la velocidad de un medio tiempo y cuyos estribillos, cuando los hay, están lejos de lo obvio y lo destacable. Pinto bien la cosa, ¿eh?
Desde luego, los fans de los viejos Arctic puede que no les perdonen nunca este viraje, salvo que, como ellos, hayan madurado lo suficiente como para no temer al cambio y sí a la autoparodia. Y, a cambio, vaticino que muchos que no le veían tanta gracia al grupo de Sheffield lo encontrarán fascinante. Es un disco exuberante y complejo en lo sonoro, con las guitarras tomando un papel más ornamental y testimonial y basado, sobre todo, en el piano, el nuevo juguete favorito de Alex Turner. Un Turner al que la vida en Los Ángeles ha cambiado mucho y que ha trasladado ese lado de crooner trasnochado y socarrón que ofrecía con la última personificación de The Last Shadow Puppets: en muchos sentidos, sería más coherente escuchar ‘Tranquility Base Hotel & Casino’ bajo la etiqueta de su proyecto con Miles Kane.
Él y su forzadamente sensual voz son los absolutos protagonistas en la cálida maraña instrumental creada y coordinada junto al habitual James Ford y en la que intervienen miembros de Mini Mansions, Tame Impala (Cameron Avery), Klaxons y otros músicos habituales de sus directos. Un tejido denso y nocturno, repleto de sonidos añejos de vibráfono, Farfisa o clavicémbalo, bajos funk, armonías vocales y guitarras en la que centellean destellos de Prince (‘Star Treatment’), Beach Boys (‘The World First Ever Monster Truck Front Flip’), David Bowie (‘Four Out of Five’), Nick Cave (‘Science Fiction’), Serge Gainsbourg (‘Tranquility Base Hotel & Casino’), el Elvis de los 70 (‘The Ultracheese’) o los Pulp de ‘This Is Hardcore’ (‘One Point Perspective’, ‘American Sports’). Además, claro, de referentes menos frecuentes citados explícitamente por los Monkeys, como Electric Prunes, Nina Simone, The Walker Brothers, Leon Russell, David Axelrod, Nino Rota o Ennio Morricone. Estos dos últimos son especialmente significativos, en cuanto estamos ante una obra que a menudo parece más una banda sonora que un álbum de rock.
De hecho, las canciones ofrecen el hilo conductor para una suerte de película de ciencia ficción retro-futurista –Turner ha llegado a citar ‘El mundo conectado’ de Fassbinder como influencia– en la que encontramos a una vieja estrella del rock en decadencia –obviamente, una especie de fantasma del futuro del propio Alex–, recurriendo a sus demodés recursos de seducción desde lo más profundo de la barra de un bar situado en ese imaginario hotel-casino establecido en el Mar de la Tranquilidad donde alunizó el Apolo XI –ideado hasta el punto de que su portada es una maqueta del mismo, realizada por el propio Alex en cartón-pluma e inspirándose en las obras de los arquitectos Eero Saarinen y John Lautner–.
A partir de ahí Turner, presumiblemente influido por la lírica de Father John Misty, se sirve de sardónicas, y a menudo cómicas, alegorías repletas de referencias a la tecnología, la política (adivinad quién puede ser ese “líder del mundo libre que recuerda a un luchador embutido en calzoncillos dorados”) y la cultura popular –de ‘Blade Runner’ a ‘1984’, de la lucha libre americana a viejos programas musicales de la televisión británica, de la realidad virtual a la religión– para esbozar, al estilo ‘Black Mirror’, un futuro que se parece terriblemente al presente. “Te he reconocido por el destello de tu pantalla”, “desde el Éxodo, todo se ha gentrificado” o “no hay nada como el exótico sonido del almacenamiento de datos por la mañana” son algunas de las múltiples líneas memorables en las que el Turner de dentro de 30 años retrata el proceso de degradación al que se aboca la humanidad, en lo ético, lo social y lo político, pero desde una perspectiva divertida y desconcertante. Una gozada para desmenuzar y disfrutar tanto como la música que le da soporte.
Asimilado, pues, el gran progreso de Arctic Monkeys en lo sonoro y lo lírico, ¿dónde quedan, a todo esto, las canciones? Esta es la parte, sin duda, más polémica y discutible del álbum, puesto que sus ganchos son esquivos, nada evidentes y lo que más llama la atención es la renuncia explícita –o así lo asumo yo– al estribillo. O eso se desprende de unas áridas primeras escuchas, que apenas sirven para asimilar los cambios, y que dejan la impresión de que ‘Tranquility Base Hotel & Casino’ es una obra densa en la que las partes no son nada, o muy poco, distanciadas del conjunto. Pero la persistencia y el magnetismo que desprende sobre todo la parte instrumental del disco, aunado a una observación cuidadosa de sus enrevesados y divertidos textos, van revelándonos momentos de verdad memorables que, por ahora, parecen concentrados en su primer tramo, destacándose ‘Four Out of Five’, ‘American Sports’, ‘Star Treatment’ y ‘One Point Perspective’ –precisamente, las que ya han comenzado a mostrar en directo–. Pero ‘Science Fiction’, ‘Batphone’ y hasta la medio cómica balada crepuscular ‘The Ultracheese’ van poco a poco ganando enteros, a menudo más reconocibles por sus riffs y arreglos que por sus melodías vocales.
Pero no es un disco fácil, seguro que dividirá y habrá quien pase ampliamente de dedicarle más allá de dos o tres escuchas. No les culpo, pero honestamente creo que merece la pena hacerlo. Y no es, de verdad lo digo, la pose presuntuosa de un crítico que quiere hacer ver que hay algo que no ven los demás: la persistencia, en este caso, tiene premio y va desnudando que ‘Tranquility Base Hotel & Casino’ es un gran disco que brilla –eso sí– por cosas distintas a las que solemos valorar en el pop. No es inmediato, no es pegadizo, no es fácil de rememorar… “¿Y qué narices han hecho bien, entonces?”, se preguntará alguien. Se podría decir que lo mejor –porque lo contrario, a todas luces, hubiera significado el fin de la banda–, es que huyen de la preconcepción general de Arctic Monkeys: no hacen una 2ª parte de ‘AM’, su disco más exitoso hasta la fecha, ni regresan a la exuberancia brit-rock de ‘Suck It And See’, al post-stoner-rock de ‘Humbug’ o a la efervescencia de sus dos primeros álbumes. Curiosamente, aunque parezca que se han pegado un tiro en el pie, con este giro están siendo más Arctic Monkeys que nunca: nunca se han repetido a sí mismos, siempre han mirado hacia adelante y han desafiado sus límites. Quizá esta vez más que nunca. Si este fuera el último disco de los Monkeys –una posibilidad con la que se viene especulando desde hace tiempo–, sin duda sería un epitafio difícilmente superable.
En las próximas semanas, Arctic Monkeys presentarán ‘Tranquility Base Hotel & Casino’ en nuestro país en sendos festivales: el 2 de junio lo harán en Primavera Sound 2018, en Barcelona; y el 13 de julio en Mad Cool 2018, en Madrid.
Calificación: 8,2/10 Lo mejor: ‘One Out of Five’, ‘Star Treatment’, ‘American Sports’, ‘One Point Perspective’, ‘Tranquility Base Hotel & Casino’. Te gustará si te gusta: los últimos Pulp, Father John Misty, The Last Shadow Puppets. Escúchalo:Spotify
Las acusaciones de presunto acoso sexual y abuso hacia el líder del grupo Izal, Mikel Izal, canalizadas a través de un story de Instagram convulsionaron ayer al mundo de la música y la cultura. Pero, en realidad, el origen de esta ola de supuestos fue la denuncia de una instagrammer por unos mensajes privados que había recibido del cómico y locutor de radio Antonio Castelo. A raíz de la experiencia narrada, muchas otras mujeres ofrecían testimonios –similares e incluso más graves– referidos también supuestamente a Castelo.
Izal respondía ayer tarde con un comunicado en sus redes sociales, y Antonio Castelo, que en principio guardó silencio, hizo lo mismo a última hora de ayer. El cómico tilda en él las acusaciones de «injustas y falsas» y dice hablar por «el grave daño [causado] hacia mi entorno familiar, amigos, compañeros» y él mismo. Castelo ha argumentado que «todas» sus relaciones han tenido «siempre» el «libre consentimiento por ambas partes» y, en línea con el escrito del músico, se manifiesta «en contra de cualquier actitud machista o acto violento contra las mujeres», y asegura que pretende emprender «acciones legales» para «la defensa de mi intimidad, mi familia y mi honor».
Esta ola de acusaciones provocó que una mujer iniciara una petición en change.org en la que solicitaban al programa radiofónico en el que trabaja, ‘YU, no te pierdas nada’ –emitido en Los40–, que despidiera a Castelo, obligando a su director, Dani Mateo a manifestarse al respecto. Mateo ha publicado una carta en Twitter en la que recuerda que tanto su programa como la emisora «siempre» se han posicionado en contra del acoso a las mujeres y de los abusos y agresiones sexuales, pero manifiesta que «no son las redes sociales ni Internet el lugar, donde en un país democrático, se decide quién es o no culpable de un delito». En todo caso, respecto a la petición de prescindir de Castelo, ha dicho «tomaremos las decisiones correctas», acordes con lo que consideran «justo». Dicho texto, dice recoger la postura de «toda la gente que formamos YU». Sin embargo, una conocida colaboradora del programa no ha sido tan comedida y prudente como ese comunicado. La youtuber Soy Una Pringada ha sido muy explícita en un tuit: «Me he estado callando desde que me he enterado pero no puedo más, @SrCastelo es un machista y un acosador de mierda. Que sea mi compañero de trabajo no significa nada y no me iba a impedir seguir mis principios como siempre he hecho y mucho menos ser real. Ahí lo llevas, “señor”».
La postura de toda la gente que formamos YU sobre el asunto. Espero que tengáis paciencia y que seáis comprensivos. Gracias. pic.twitter.com/XFAvezszMd
Me he estado callando desde que me he enterado pero no puedo más, @SrCastelo es un machista y un acosador de mierda. Que sea mi compañero de trabajo no significa nada y no me iba a impedir seguir mis principios como siempre he hecho y mucho menos ser real. Ahí lo llevas, “señor”.
Con la eclosión del pop latino, ha quedado claro que las listas británicas y estadounidenses están muy bien, pero no lo son todo en esta vida. La brasileña Anitta es un exponente. Sin número 1 en Reino Unido o en el Billboard, los streamings de hits como ‘Downtown’ con J. Balvin, la hipnotizante ‘Vai Malandra’ o ‘Machika’ se cuentan por cientos de millones en Youtube. Aprovechando su visita a Madrid la semana pasada, pudimos hablar con ella en un céntrico hotel sobre los nuevos tiempos para la música pop, el pop latino, el apropiacionismo, la importancia de una buena melodía al margen de la producción o el mensaje de su música al margen -o no- de la sexualidad.
Si has terminado aquí para conocer mejor a Anitta, es importante leer esta entrevista imaginando un acentazo obviamente brasileño. En pos de ser fiel a lo que fue la conversación original y vista la buena voluntad de Anitta de hacer la entrevista en castellano en lugar de en inglés o con traductor, he mantenido algunas incorrecciones -he corregido errores solo cuando era imprescindible-, evitando castellanizarla o poner en su boca cosas que no había dicho exactamente. En todo caso, es claro que estamos ante toda una líder y una superestrellaza, desde el primer momento en que habla. Foto: Fernando Tomaz.
«Cuando veo algo que me parece imposible, lo quiero hacer»
Brasil es una potencia musical muy grande: hay mucha gente y muy interesada por la música, ¿por qué para ti es importante un mercado como España?
Es un sueño. Los artistas de Brasil no sienten la necesidad de salir. Es casi como un continente porque es muy grande, puedes ser muy feliz haciendo la música que haces, y luego ir a otros países de vacaciones por tu privacidad. Pero para mí es un desafío, cuando veo algo que me parece imposible, lo quiero hacer. Mucha gente me decía que era imposible hacer lo que hago hoy y por eso lo quería hacer. No tenía ganas («intenciones») al principio, pero una canción mía en portugués empezó a tocar aquí en España, ‘Show das Poderosas’. En Portugal es normal, pero España era muy nuevo para mí. En 40 Principales pidieron que cantase, vine aquí y no sabía hablar una palabra de español. 5 años hace. Me sentí muy mal porque amo comunicarme, tenía vergüenza de la traducción en televisión en vivo y yo me quedaba loca. Cuando volví a Brasil me puse un maestro de español y así empezó mi gana de aprender español. Mi profesor me dijo que la historia del reggaetón era la misma que la del funk para Brasil, me enseñó cosas nuevas y quedé muy interesada. Empecé a viajar para conocer la industria de otros países, y así descubrí a J Balvin. Hice otro viaje solo para descubrir música.
Hubo un momento en que trabajar con Major Lazer, Iggy Azalea… habría representado para ti un salto internacional, pero en realidad, ahora mismo, parece que abre más puertas trabajar con un artista latino. ¿Cuándo crees que hubo un cambio?
Hice ‘Ginza’ con J Balvin para Brasil, y un tema con Maluma. Yo creo que fue la unión de estos movimientos. Luego Major Lazer, Alesso… Pero J Balvin fue el más importante de todos. No solo por ‘Machika’ y ‘Downtown’, sino porque me ayudó mucho detrás de las cámaras, en cosas que no tenían nada que ver con él.
¿Cosas como consejos personales?
Cosas de mi carrera: «qué programa vas a hacer, toma este teléfono, toma estos contactos, ve a esta radio»… me ligaba («contactaba») con personas diciendo: «una amiga va para allá». Y yo hice lo mismo para J. Balvin en Brasil.
¿Trabajas cara a cara con tus colaboradores o vía mail?
Yo soy mi propia mánager, comando mi propia empresa en Brasil y para administrarla tiene que ser por teléfono. No me gusta el mail porque es muy demorado. Hago todo por teléfono. Si no, no podría ser mánager de mí misma.
Me refería más que nada a la composición.
A veces escribo una idea, o mando «voice notes». «¡Tuve esta idea, mira!», y me mandan algo de vuelta. Hago muchas cosas así en portugués. Trabajo con los mismos productores hace 6 o 7 años. Estamos muy acostumbrados. Cuando digo algo, ellos ya saben (lo que quiero).
¿Para ti es más importante la melodía, la producción o el ritmo?
La melodía. La producción puede matar, pero también puede salvar una canción. Pero cuando tienes una melodía muy buena (en la) que tú no necesitas nada, para mí esa es la mejor canción de todas. Cuando hago una canción solo con la voz, esa canción es muy bonita. Para mí esa es la llave: una canción que no necesita producción. Podemos poner producción, ¡claro! «Vamos a poner producción para quedar más comercial», obviamente, como en todas las canciones, pero si tú cantas y no necesita nada más, eso es una canción buena.
¿También es el caso de ‘Vai Malandra’?
‘Vai Malandra’ es una canción que necesita de la producción. Si yo canto ‘Vai Malandra’ para usted aquí, no va a ser tan increíble, porque tiene una parte más hablada, menos cantada. Pero la parte cantada (tararea la parte de «vai malandra»), esto es muy fuerte. Esta melodía es la llave.
Cuando salió esta canción e inundó Youtube, y tenía una tonelada de streamings en Spotify en Brasil, pensé que podía funcionar mejor en Estados Unidos y España. Pero no…
¿Con ‘Vai Malandra’? No esperaba nada. Solo en Brasil. Hice un proyecto llamado «Jaque mate»: hice canciones en otras lenguas, un trabajo dedicado a cada lugar. Por suerte fue más exitoso de lo que yo esperaba, (aunque) mi intención solo era tener buenos números en Brasil para presentar que canto en inglés, que canto en español… pero no tenía grandes sueños. ‘Vai Malandra’ era la finalización de ese proyecto «Jaque mate», para que mi público de Brasil no dijera que yo no estaba cantando más en portugués, que no me gustaba más mi país. ‘Vai Malandra’ fue totalmente para Brasil. Nunca imaginé que otros país escucharían ‘Vai Malandra’ por ser un funk, que es un ritmo nuevo, que las personas de otros países no conocen tan bien todavía. Y por ser en portugués, porque el idioma es una barrera muy grande. Quedé muy sorprendida.
Pero en Estados Unidos han triunfado muchas canciones latinas.
Latinas sí, pero en portugués, no. La comunidad latina que habla español en EE UU es muy grande, pero en portugués, no tanto. Y el idioma hace mucha diferencia.
«Quiero hacer música que amo, no hacer música para alcanzar algo, un público, un país»
¿Estados Unidos para ti es importante o, a estas alturas, es un país más?
Es bueno. Antes pensaba más: «¡yo quiero, yo quiero, yo quiero!». Pero ahora que todo está saliendo muy bien en mi carrera, estoy muy realizada. Me encanta el idioma español, la gente, el público, quiero disfrutar más de este momento sin prisa. No necesito prisa. Yo tengo 25 años. Si ocurriera en otros países, si (me proponen) alguna canción que me gusta, yo (la) voy a hacer. Pero quiero hacer música que amo, no hacer música para alcanzar algo, un público, un país. Quiero hacer lo que me gusta. No (quiero) hacer una canción porque las radios van a tocar eso. Si no (la) amo…
¿Por qué rodaste el vídeo de ‘Vai Malandra’ en agosto, pero no lo sacaste hasta diciembre?
Porque grabé en la favela como parte de lo que sería «Jaque mate», la última tacada, el último movimiento. Yo hice las fotos, y la expectativa era grande. La gente decía: «¿qué está pasando?» Esperaban por la canción (‘Vai Malandra’) y cada vez que yo iba sacando otro tema (‘Downtown’, etc), la gente decía: «¡no está en portugués!». Yo dejaba claro que para ellos Brasil, la favela, el funk, estarían al final del todo.
¿Te influye tanto lo que opina la gente?
Sí, porque yo quería llamar la atención sobre (todas) las canciones. Si yo hubiese lanzado un funk al inicio, ‘Vai Malandra’ habría sido la más grande y las demás no habrían tenido la atención necesaria.
De todas formas, siempre va a haber críticas: si cantas en otro idioma, porque cantas en otro idioma. Si sacas la favela, por apropiacionismo…
De apropiacionismo hablaron poco, pero (les) digo: «mira, estoy mostrando algo que es parte de mi vida». ¿Ahora vivo en otro lugar? Sí. ¿Ahora yo tengo dinero? Sí, Pero los 8 o 9 años de mi vida fueron de esta manera, de la que hicimos en el vídeo.
¿Cómo era tu vida de niña y adolescente?
Muy simples. (Me) quedaba mucho en casa porque no tenía dinero para salir. Vivía en un barrio de Brasil en el que para ir cerca de la playa era muy peligroso. No tenía dinero para pagar las conducciones, entonces (me) quedaba en casa o brincando con amigos de mi calle, o con mi mama, mi familia. Una vida feliz pero cerca de casa. Jugando en la calle con (los otros) niños, pero muy contenta.
¿Y de ahí viene la idea del biquini con cinta aislante? De no poder pagarte uno…
No, no de mí. Yo hacía esto de tomar el sol, porque hace mucho calor en Brasil, pero la playa me quedaba lejos y tienes que gastar mucho dinero (para ir). Entonces te quedas en casa tomando el sol. Esta idea de la fita está surgiendo en estos lugares de Brasil donde moraba antes. Aunque ya no viva allá, sigo visitando a mi familia, doy dulces a los niños, y veo todo. Empezó la moda de la fita y la puse en mi vídeo. Traje a la chica que creó esta idea para el vídeo (Erika Bronze). Es la primera de todas que estaba (confirmada) en el vídeo poniendo las fitas.
«Lo que intento hacer es usar mi sensualidad para transmitir mensajes más importantes (…) Siempre intento hacer algo que va a hacer al pueblo pensar»
Tu música tiene un componente sexual muy marcado. La música pop siempre lo ha tenido, desde Elvis, Michael Jackson… ¿Crees que ese componente sexual hace que, como arte, esté peor valorado?
Es parte del interés de las personas: cuando quieren divertirse, cuando quieren bailar, cuando quieren cosas que te hagan pensar en diversión, piensan en sensualidad. Yo tengo mi sensualidad, amo bailar, en las letras también. Pero lo que intento hacer es usar esto para pasar («transmitir») mensajes más importantes. Como el de la favela: fue para mostrar una cosa alegre en un momento muy difícil para Brasil. Yo quería mostrar una parte bonita. Con mi celulitis quería hablar para las chicas: si tienes celulitis, no vas a llorar por eso. Las chicas tienen. Cuando miran las revistas, piensan que solo ellas tienen imperfecciones, y yo quería mostrar que yo misma, siendo artista, también tengo. Cuando invité a la drag queen de ‘Sua Cara’, fue para (transmitir) un mensaje: también merece respeto, también merece trabajar. Porque en Brasil los travestis no (reciben) tanto respeto. Mi público es muy joven y en esta edad no les gusta (escuchar) mucho discurso. «¡Es aburridoooo!». Intento pasar un mensaje de manera divertida, cuando escuchan la canción de manera divertida, dicen: «mira, un drag queen», y ellos empiezan a debatir acerca de eso sin sentir que están haciendo algo importante. Cuando puse la flor amazónica en mi vídeo fue porque el presidente del país quería liberar la matanza de los árboles y yo pensé que era muy importante que prestasen atención a esto. Sin hablar, lo puse y las personas dijeron: «gracias, porque el turismo está muy bajo y es importante que la gente quiera venir porque fomenta el dinero, las finanzas». Siempre intento hacer algo que va a hacer al pueblo pensar, no solo una canción que va a hacer a la gente bailar.
«Hago (vídeos) para las mujeres, porque yo quiero que las mujeres se sientan libres para hacer lo que quieran»
Una compañera hizo un artículo que me pareció muy interesante diciendo que le parecía ver en los vídeos de Madonna a Madonna en su propia fantasía sexual, con 7 chicos, etc, pero a Beyoncé dedicándose más que nada a la fantasía masculina. ¿Cuál sería tu caso? ¿Te diriges más al público masculino o haces los vídeos para ti misma?
Yo hago (vídeos) para las mujeres, porque yo quiero que las mujeres se sientan libres para hacer lo que quieran. Hay mujeres que les gusta (mostrar su sexualidad), pero tienen miedo de ser juzgadas, y tienen que ser libres para escoger lo que quieren hacer. Tengo una canción llamada ‘Will I See You’ con Poo Bear, el compositor de Justin Bieber, y en el vídeo estoy desnuda completamente. Pero la canción es romántica, es la más difícil que yo canté, y quería mostrar ese opuesto. Puedo cantar bien y ser sensual, ser romántica y ser sensual. Para ser romántica no necesito dejar mi sensualidad a un lado, ese es el mensaje que yo quería transmitir. (Me dedico) mucho a las mujeres, para que ellas miren qué estoy haciendo, (afrontando) las críticas y digan: «Lo puedo hacer también».
He leído que el disco no es importante para ti, que prefieres las canciones sueltas.
Porque a veces las personas, para completar el número de canciones de un disco, ponen cualquier canción y y no me gusta. Yo solo quiero las mejores.
¿No escuchabas discos enteros de pequeña?
Escuchaba, pero yo creo que ahora es un momento diferente. Las personas están escuchando una canción y se cansan, buscan otra. Se cansan muy rápido de todo. Para mí es más inteligente hacer una canción, otra… con espacios pequeños entre ellas, no tan juntas.
Pero entonces no te van a dar nunca el Grammy a mejor álbum.
¡No me importa! (se ríe)
¿Qué conoces de música española?
Escuché un poco, estoy escuchado más canciones en español, en inglés ya sabía más. Me encanta Alejandro Sanz, canté para él en los Grammy latinos, crecí escuchando su música, que es increíble. Y amo a Luis Miguel. ¡Amo! Quiero escuchar más cosas porque me encanta saber hablar de referencias antiguas, saber de referencias antiguas.
¿Cómo es tu disciplina diaria en cuanto a composición o grabación? ¿Te mandan ritmos y cantas sobre ellos, al revés…?
No. (Me) despierto y si tengo una inspiración, cojo el teléfono y le digo (a uno de los productores): «mira la idea». Si no tengo una inspiración, no me quedo en mi casa y digo: «tengo que hacer (forzosamente) una canción». A veces estoy en casa, en el baño y me viene, y ya está. Lo prefiero así.
¿Y tu empresa es todo sobre Anitta, no?
Sí.
¿Supongo que para hacer un producto a lo Rihanna, con perfume, acuerdos con marcas…?
No. Tengo una empresa porque no tengo mánager en Brasil. Tengo mi oficina con mis empleados, uno para lanzamientos, otro para conciertos… La empresa es mi oficina, donde hago mi carrera, porque no tengo un mánager.
¿Sabes algo de Iggy Azalea desde vuestra colaboración? Era una canción muy chula…
No tengo contacto pero fue muy importante para mí.
Está como desaparecida…
Hay momentos en la carrera de cada artista. Pero la canción me gustó y fue muy generosa conmigo, fue mi primera actuación en la televisión de Estados Unidos, en el show de Jimmy Fallon: una conquista grande para mi país. Fue un momento muy importante.
«No tengo contacto con Iggy Azalea, pero fue muy importante para mí. Fue muy generosa conmigo»
¿Qué crees que le ha pasado? ¿Crees realmente que se ha podido echar a perder su carrera por la cuestión del apropiacionismo?
Yo no sé… creo que es una cosa del momento. A veces la persona no da importancia a eso. Ahora tengo 4 temas en el top 20 de Brasil, pero yo no los hice pensando en tener números. Fue una consecuencia, como ‘Indecente’. Esta canción fue que estaba en Miami y mi cumpleaños estaba llegando. Estaba con los compositores de ‘Machika’ y ‘Downtown’ y quería invitarlos a una fiesta porque amo la fiesta, e hice una en mi casa. Pensé: «en 20 días quiero hacer un vídeo en vivo en mi fiesta de cumpleaños». Y por eso lancé la canción, pregunté a la disquera si me autorizaba este lanzamiento (al tener otros singles en el mercado). Pensaba: «quiero divertirme, hacer la canción con mis amigos, después pensamos en la divulgación».
¿Y serás tan espontánea para mantenerte?
No. Algunas canciones las tengo que planear. Estoy planeando las próximas para que todos las escuchen y den su opinión, pero a veces lo hago solo por placer.
¿De qué canción perdida estás orgullosa? De discos viejos o que no haya tenido tanto éxito.
‘Will I See You’ no es tan grande porque es romántica, la canción romántica es más difícil de pegar. Es una bossa nova. Una canción tan lenta…
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