La Casa Azul, Sidonie, Novedades Carminha… en MAZ Basauri, el festival que combina gratuidad y abonos

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21 febrero, 2018

Bassmatti & Vidaur publicaban hace ya 4 años un disco llamado ‘Melodías concertantes‘, tan exuberante en arreglos como los discos más orquestados de La Buena Vida y los momentos más festivos de La Casa Azul. ‘Trencadís’ es en ese sentido un paso atrás para uno de sus integrantes, Giorgio Bassmatti, aquí seducido por el sonido casero, el folk de baja fidelidad y el underground del callejón más remoto del barrio underground (que no de moda).

Oficialmente, ‘Trencadís’ hace referencia al arte ornamental popularizado por Gaudí de pequeños azulejos que se van pegando para «hacer una obra más bella según te alejas y ves el conjunto». Y dice su sello Discos de Kirlian que esa era la idea del disco, «juntar los pequeños cachos de cosas lentas/animadas/íntimas/pruebas/experimentos/canciones grabadas en casa y meterlas en un CD para, desde la lejanía, o desde el aglutinado, poder mostrar lo que es Bassmatti hoy en día». La primera impresión es que estamos ante un disco de 5 maquetas sin terminar, extrañamente rematadas por un instrumental de corte electrónico. ¿Qué pasa cuando dejamos reposar todo esto, cuando «nos alejamos y observamos el conjunto»?

Que algunas de esas piezas empiezan ciertamente a brillar. Tenemos ‘La unión hace la fuerza’, un divertido tema metamusical en el que se relata con humor la diferencia entre ser un artista en solitario o un grupo de 2, 3, 4… y así hasta 10 personas dedicándote a la música; un número cuasi pop como es ‘Pablo y Fanny’, sobre un amor de verano, que podría ser un protohit de Los Planetas; y un par de temas bonitos y románticos que se crecen escucha a escucha, como son ‘Un traje gastado y frío’ y sobre todo ‘Que no se te olvide’.

Mientras ‘Y un día no estarás’ termina siendo tan melancólico como una melodía sintética de Casiotone for the Painfully Alone o del primer disco de los alemanes Klee, ‘El glaciar’ sí termina siendo el patito feo de un conjunto mono, pero mejorable en cuanto a producción. Hace justo una década que Moldy Peaches, una referencia clara en ‘Que no se te olvide’, fueron número 1 en Estados Unidos a través de la banda sonora de ‘Juno‘ y la idea de hacer algo amateur, «hogareño, como un hobby sin más pretensiones que la de hacer canciones», no es un «todo vale» para los métodos de grabación. Si doblas voces, llamas a una corista y añades teclados para embellecer estos temas, ¿por qué no de hecho terminar el trabajo?

Giorgio Bassmatti es telonero este jueves de Amateur en el Teatro Lara de Madrid (entradas, aquí); y después actuará en Madrid Popfest, que aparece citado en una de estas canciones.

Calificación: 6,5/10
Te gustará si te gusta: Aventuras de Kirlian, Madrid Popfest, la cuenta de Twitter de su autor
Lo mejor: ‘Que no se te olvide’, ‘La unión hace la fuerza’, ‘Un traje gastado y frío’
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Sesión de Control: Morgan, Cruz Cafuné, Los Pilotos, Fino Oyonarte, North State, Carlos Ann, Mow…

Por

Raúl Guillén

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20 febrero, 2018

Nueva edición de nuestra sección Sesión de Control, dedicada a las novedades más interesantes del panorama alternativo y/o independiente nacional y latinoamericano. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente, conservando las canciones incluidas en la anterior entrega. Hoy añadimos en ella nuevas canciones y lanzamientos de Morgan, Cruz Cafuné, Los Pilotos, Fino Oyonarte, North State, Carlos Ann, Mow, Camellos, The Prussians y Monte del Oso.

Morgan

Con su primer disco, ‘North’, este grupo de Madrid edificado en torno al piano y la voz de Carolina “Nina” de Juan y unas composiciones con gran poso de americana logró una repercusión notable. Ya tienen lista su continuación, que se titula ‘Air’ y verá la luz el día 15 de marzo, y están dispuestos a captar aún más atención con él. Al menos, es lo que se deduce del fantástico adelanto ‘Another Road (Gettin’ Ready)’, un temazo de funk soul que tiene su espejo en el trabajo de Matthew E. White y sus colegas de Space Bomb.

Carlos Ann

Tras avanzarlo mediante canciones como ‘Las hormigas enloquecen‘, el veterano Carlos Ann ha publicado días atrás ‘Mapa mental’, su primer disco en solitario desde que en 2015 lanzara ‘Holograma’. El cantautor catalán que formara con Bunbury el proyecto Bushido y que actualmente vive en México, ha grabado este disco en distintos estudios de España, México, Francia y Berlín, siempre empleando equipos de finales de los 60 para dar con un sonido orgánico, alejado de la electrónica que en otro tiempo le caracterizó. Entre colaboraciones con Abraham Boba (León Benavente), Shuarma (Elefantes) y Alejandro Jodorowsky, singles como esta ‘Nuestro amor fue un fracaso’ –estupendo su clip protagonizado por la actriz Núria Gago– que podrían haber firmado los Pulp de ‘Different Class’.

Camellos

Este cuarteto que debutó el pasado año con ‘Embajadores’ en el sello Limbo Starr se autodenominan punks, aunque lo son en la medida en que lo son (o han sido) Jonathan Richman o El Niño Gusano. Aunque apenas han pasado meses desde su debut –de hecho, siguen presentándolo activamente: el 23 de febrero están en Magazine Club, Valencia; y el 24 en la sala Caribou de Albacete–, su rock costumbrista con retranca social está listo para dar un nuevo giro, como demuestra la nueva ‘Avances’, de sonido más exuberante y afilado.

Los Pilotos

Vuelve el proyecto paralelo de electrospacerock de dos Planetas, Florent y Banin. Cuatro años después de ‘El regreso de Logan’, buscan renovarse en ‘Alianza Atlántica’, un nuevo EP en el que han contado con una batería de colaboradores insignes del panorama alternativo latinoamericano: Javiera Mena, Mariana Montenegro (Dënver), Diosque y Camilo Lara de Instituto Mexicano de Sonido –que canta en el single ‘Guerra en la Tierra’– contribuyen con sus voces y letras en las nuevas canciones de los de Granada.

Cruz Cafuné

Tras los trabajos de Indigo Jams y Choclock, el siguiente integrante del colectivo canario Broke Niños Make Pesos en debutar en solitario será Cruz Cafuné. ‘Maracucho bueno muere chiquito’, que así se llama el disco, se publica en marzo y tanto el primer avance –la reggaetonera ‘Coquito la pesa’– como el segundo, ‘Cuenta conmigo’, resultan prometedores. Este último, con beats de Lex Luthorz, es una pieza de R&B-soul-rap sentimental huele a éxito de la intra-escena.

North State

Los hermanos Vehí siguen sin dando pasos firmes en una de las carreras con más proyección del nuevo panorama pop estatal. Tras el impacto de ‘I Know You’ y ‘Can’t Forget You’, North State acaban de estrenar su tercer single ‘Late Night Calls’, en la que vuelven a mostrar su desenvoltura y magnetismo en el pop electrónico más contemporáneo. Si alguien tiene dudas al respecto, quizá la actuación en directo que le sirve de clip oficial les convenza de que lo suyo es muy real.

Mow

Las canciones de Gabriela Casero han sido una de las mayores revelaciones del pop reciente en nuestro país, con la célebre ‘Grasiah’ llegando a ser más escuchada en Manhattan que en Madrid y ‘Dr. Mike Alon’ –de su EP debut ‘Wom’– aproximándose a las 500.000 escuchas en Spotify. No en vano, es una de las artistas españolas que podremos ver en el próximo Sónar 2018. Hace pocos días ha estrenado como single oficial ‘Lizard Party’, una canción de aires “Twin Peaks” que se empleó inicialmente en una pieza de vídeo para la revista Vogue.

The Prussians

Quizá algunos de vosotros recordéis a este grupo mallorquín que allá por 2014 dieron bastante que hablar como semifinalistas de Proyecto Demo y teloneros de Franz Ferdinand, antes de publicar su «debut» ‘Mul Mul’, entre referentes como Foals o Two Door Cinema Club. Tras el EP ‘Kerala’ (2016), The Prussians vuelven con un sonido diferente, que equilibra soul épico a lo Hozier y cierta pátina electrónica. Lo muestra ‘Soul’, su nuevo single, que además es presentado con un vídeo realmente fabuloso, de un ultrarrealismo inspirado en los trabajos de The Blaze y películas como ‘Moonlight’ y ‘Mother of George’.

Monte del Oso

Monte del Oso son un trío pamplonés compuesto por Ion Minde (Kaskezur,Tirita), Edu Ugarte (Half Foot Outside) y Luis Gomez que no esconde a Sugar, Superchunk y Dinosaur Jr como referentes de su power pop. Ni falta que hace, porque su sencillez es directamente proporcional a la eficacia de las melodías de sus incontestables canciones, que les llevaron a telonear a The Jesus and Mary Chain en su gira del pasado año. Hace un par de semanas han publicado ‘Cosas que salvar de una casa en peligro’, su tercer disco ya, producido por Guillermo F. Mutiloa (Melenas), en el que destaca su avance ‘Apocalipsis nivel usuario’.

Fino Oyonarte

Tras sus aventuras como Clovis y Los Eterno, Fino Oyonarte sigue los pasos de su amigo y compañero en Los Enemigos Josele Santiago (que le lleva unos cuantos años y discos de ventaja, eso sí) y lanza su propia carrera en solitario. ‘Afortunado’, folk autobiográfico con dramáticos arreglos de cuerda –el Nacho Vegas aparece en el horizonte–, es el primer adelanto de ‘Sueños y tormentas’, álbum debut que verá la luz en abril y que ha sido co-producido por él (¿hacer falta recordar que produjo, entre otros, el icónico ‘Super 8’?) con César Verdú (León Benavente, Schwarz), con colaboradores de renombre como Ana Galletero (Mercromina, Travolta), Caio Bellveser (Maderita, Josh Rouse) o Carlos Aquilué (Kiev cuando nieva).

La BSO de ‘The Greatest Showman’ venderá 2 millones, la de ‘Twin Peaks 2017’ no se comió un colín

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20 febrero, 2018

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Hits

La banda sonora de ‘The Greatest Showman’ es uno de los mayores éxitos discográficos de 2018 y ya ha vendido el equivalente a 1,2 millones de copias en todo el mundo. El musical ha sido un taquillazo a nivel global superando los 340 millones de dólares en recaudación (6,5 de ellos proceden de España) y todo han sido alegrías para la música de la película protagonizada por Hugh Jackman, Zac Efron, Michelle Williams, Rebecca Ferguson y Zendaya, muy especialmente desde que ‘This Is Me’ ganara el Globo de Oro a Mejor Canción (también aspira al Oscar).

La canción ronda los 80 millones de reproducciones en Spotify, pero es que además ‘Rewrite the Stars’ de Zac Efron y Zendaya la supera con 86 millones. La música de la película ha sido top 1 en Estados Unidos y Reino Unido, siendo certificada en ambos casos como disco de oro. En España ha logrado el top 11 en ventas pero también el número 1 en cuanto a streaming.

En Reino Unido, el éxito de ‘The Greatest Showman’ es tal que solo Ed Sheeran y Adele con sus sendos últimos 2 discos, han pasado más semanas consecutivas en el número 1. Además, no solo recibe puntos de streaming. Por ejemplo esta semana en el país británico, de sus 51.462 puntos, 25.559 se corresponden con… ¡ventas físicas! Exacto: en un mundo loco en el que tanto se habla de que el disco ha muerto y que lo que mola son las canciones sueltas, hay decenas de miles de personas comprando CD’s de B.S.O. como si siguiéramos en los años 90. Próximamente, el caso ‘Black Panther‘, otro gran éxito discográfico.

Flops

En este mundo tan generoso para la banda sonora, no podemos decir que la música de la tercera temporada de ‘Twin Peaks’ haya mantenido la influencia de la primera y la segunda. La música de ‘Twin Peaks’ fue un éxito particularmente en España, llegando a ser disco de platino. Al margen de eso e, inspirándose en Cocteau Twins, Angelo Badalamenti reformuló las bases del dream pop inspirando a generaciones venideras.

Parte de esas generaciones venideras ha podido aparecer actuando en la tercera temporada de la serie, conformando una banda sonora que no podía resultar más atractiva. Se han editado 2 discos con la música de ‘Twin Peaks’ en 2017 y también existe una pseudo banda sonora a cargo de Johnny Jewel. Es verdad que los discos han tenido una distribución limitada, que la serie ha pasado a ser underground y minoritaria, y que nadie esperaba que se vendieran 2 millones de copias de estos discos, pero como mínimo, esperábamos que aparecer en la serie hubiera supuesto un empujón para alguno de los artistas que han actuado en ella.

Ni Au Revoir Simone, ni Sharon van Etten, ni Lissie, ni siquiera los olvidados The Veils han visto que el paso por el Roadhouse les haya servido para mucho y sus mayores éxitos continúan siendo exactamente los mismos que antes de contribuir con su música a ‘Twin Peaks’. Si casi más bien podríamos hablar de gafe…

La Canción del Día: Father John Misty termina su estrafalaria visita a un hotel en plan «Dock of the Bay»

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20 febrero, 2018

Father John Misty ha anunciado que publicará la continuación del celebrado ‘Pure Comedy‘ en algún momento de 2018, suponemos que temprano pues el disco ya ha pasado la fase de mezcla. El autor de «Honeybear» había estrenado en vivo una canción nueva llamada ‘Mr Tillman’ y hoy llega al fin la versión de estudio, que no decepcionará a nadie.

Estamos en este caso ante un medio tiempo llevado por el piano que más allá de su mención al cantante de country Jason Isbell, es un tibio recibimiento de Mr Tillman, o sea, el propio artista, en un hotel. El/la recepcionista le indica que se dejó su pasaporte en el minibar de la habitación, le pregunta si sus invitados se lo han pasado bien -incluyendo «el chico joven de tatuaje en la cara»- y termina sugiriendo: «quizá no debería beber usted solo».

En esa segunda estrofa quedan claros de nuevo los delirios del artista cuando la persona responsable del hotel indica: «por séptima vez, no sabemos qué película está grabándose fuera, pero esos no son extras, son parte de nuestra clientela»… aunque Father John Misty decide continuar a lo suyo, pues, como dice en el estribillo, «vivo en una nube sobre una isla en mi cabeza».

Así, culmina esta breve canción de 3 minutos con un silbido «no me importa nada» que ni ‘Dock of the Bay’. Pasen y disfruten del nuevo episodio circense de este peculiar artista.

El rapero mallorquín Valtonyc ingresará en prisión al confirmarse la sentencia del Tribunal Supremo

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20 febrero, 2018

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El rapero mallorquín Valtonyc ha confirmado la sentencia del Supremo a 3 años y 6 meses de cárcel por sus canciones, informando en su cuenta de Twitter de que por tanto tendrá que ingresar en prisión. Se trata de la confirmación de la condena que la Audiencia Nacional ya impuso en febrero del año pasado a Valtonyc, cuyo nombre real es José Miguel Arenas Beltrán, por delitos de enaltecimiento del terrorismo, calumnias e injurias graves a la Corona, y amenazas. Valtonyc es el «trending topic» número 1 en España durante el día de hoy debido a esta condena.

El acusado había aludido a la libertad de expresión y creación artística, refiriéndose al carácter del lenguaje del rap como «provocador, alegórico y simbólico». Sin embargo, el Tribunal Supremo ha considerado «graves» las canciones que escribió, suponiendo «apoyos y alabanzas» para ETA o los GRAPO y contra algunas personalidades políticas. Entre los aludidos en sus temas están el expresidente de Baleares José Ramón Bauzá («Bauzá debería morir en una cámara de gas»); el antiguo rey Juan Carlos I (“Miguel Ángel Blanco, Carrero Blanco, bah, ya no, ahora toca a Juan Carlos”); el presidente del Círculo Balear, Jorge Campos, que ha motivado la condena («Jorge Campos merece una bomba de destrucción nuclear»), o Esperanza Aguirre («Mataría a Esperanza Aguirre, pero antes, le haría ver cómo su hijo vive entre ratas”).

El Supremo ha valorado «la gravedad de las expresiones contenidas» y cree que «no reelabora ni saca de contexto sus letras». Dice que estas «van más allá de la expresión de coincidencia con objetivos políticos, solidaridad con los presos o camaradería nacida de vínculos ideológicos» y «comportan una alabanza, no ya de los objetivos políticos sino de los medios violentos empleados por las citadas organizaciones terroristas y por sus miembros y contienen una incitación a su reiteración». Se recalca que «los referidos contenidos no quedan amparados por la libertad de expresión o difusión de opiniones invocada por el acusado y su defensa».

La defensa de Valtonyc ha anunciado que recurrirá pues la sentencia le parece «una auténtica aberración».

LA SENTENCIA DEL SUPREMO YA HA SALIDO. 3 AÑOS Y 6 MESES DE CARCEL POR LAS CANCIONES. TENGO QUE INGRESAR EN PRISIÓN. EN CUANTO TENGA MÁS INFO. DIRÉ COSAS.

— Josep V. 🎗️ (@valtonyc) February 20, 2018

Rihanna, un icono universal que ha dignificado el mainstream, cumple 30 años

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20 febrero, 2018

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Rihanna cumple hoy 20 de febrero 30 años. Y en Instagram lo celebra con sentido del humor, colgando una foto de ella en la que lleva una camiseta rosa con la frase impresa “odio a Rihanna”. No tiene desperdicio el texto que acompaña a la imagen: “último día para tomar malas decisiones y culparlos a la veintena”. ¿Pero quién odia a Rihanna?

Se ha hecho adulta ante nuestros ojos una persona que, descubierta por el rapero y magnate Jay-Z, empezó haciendo dancehall en ‘Pon de Replay’, y que llega a la treintena cuando este estilo, y en general los ritmos caribeños y tropicales, no podrían estar más de moda en todo el mundo. No puede pasarse por alto la influencia que ha ejercido Rihanna en el pop desde su aparición en 2005, y a eso ha contribuido enormemente su carismática voz, que tantas imitaciones ha producido en los últimos años, y también su adorable personalidad, que frente a la artificialidad del modelo de estrella del pop distante, ha destacado por su naturalidad y humildad, en definitiva, por su humanidad, regalando al mundo momentos tan vulnerables en sus peores momentos como llenos de actitud y “swag” en los mejores, perfilando en el camino un icono en el que buscan reflejarse tanto mujeres como hombres, tornándose universal.

En lo musical, sobre todo ha sido la versatilidad de Rihanna para adaptarse a cada sonido que requería el momento la que le ha llevado donde está. Se puede trazar una cronología de la historia del pop de los últimos 10-11-12 años y en todos ellos habría al menos una canción de Rihanna, muchos de ellos grandes éxitos recordados a día de hoy, como ‘Umbrella’, ‘Only Girl (In the World)’, ‘Diamonds’, ‘Stay’ o ‘Work’, solo por mencionar unos pocos. Rihanna ha hecho “cool” todo lo que ha tocado, incluso a Calvin Harris (‘This is What You Came For’) y a Carlos Santana (‘Wild Thoughts’) y en su camino de representar el sonido de moda en cada época, ha dignificado el mainstream como pocas personas han conseguido en la historia del pop, mucho menos antes de cumplir 30 años.

Por supuesto, Rihanna también ha tomado “malas decisiones” en su carrera: cuesta mucho, por no decir que es tarea imposible, atribuirle un disco perfecto, ya que en cada uno de ellos suele haber varias canciones muy cuestionables. Le perdonamos su primer disco porque estaba empezando, pero el nivel de ‘Good Girl Gone Bad‘ ni de lejos replicaba el de su single principal, ‘Talk That Talk‘ tenía más relleno que un pavo en Acción de Gracias y ‘Unapologetic‘ era un batiburrillo de estilos muy confuso. Pero quizá lo mejor de todo es que Rihanna tiene toda la vida por delante para resolver esos problemas y regalarnos el mejor disco de su carrera, dándose la circunstancia además que ella, a diferencia de otros y otras, también tiene los hits.

Tampoco ‘ANTI‘ era una obra perfecta, pero sí se ha convertido en el primer disco de Rihanna en el que la barbadense ha conseguido cierto halo de artista seria, gracias a la influencia de ‘Work’ y ‘Needed Me’ pero también a su producción experimental y oscura. Dice mucho de este disco que ‘Consideration’ acabe de romper el récord de más canciones en la lista dance de Billboard, dos años después de la publicación del disco y cuando su “featuring”, SZA, ya es toda una estrella por cuenta propia. Pero este éxito es muy representativo de Rihanna, una artista simplemente infatigable. Como dice el refrán en Internet, no hay más que hacer, “that Rihanna reign just won’t let up”.

“Not for long” – 😂 @JennnRosales #Rihanna30 🎉 pic.twitter.com/xYDLMvHnz4

— Rihanna Diva (@r_divacom) February 20, 2018

Rihanna vía historias de Instagram.

¿Estás listo para su cumpleaños #30 el día de mañana? 🎉 pic.twitter.com/5Vthv7SntC

— Rihanna México (@RihannaMexico) February 19, 2018

Tras co-escribir una balada para Katy Perry, Alexis Taylor de Hot Chip vuelve a la electrónica

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20 febrero, 2018

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Alexis Taylor y Joe Goddard de Hot Chip dieron la sorpresa en 2017 apareciendo en los créditos de ‘Witness‘, el último disco de Katy Perry, aunque no como productores sino como compositores y curiosamente en la canción más clásica del disco, la que lo cerraba, ‘Into Me You See’ (por cierto, producido por el compositor neoclásico Dustin O’Halloran).

Después de esta experiencia, no tan alejada de los últimos proyectos en solitario de Alexis Taylor, en los que el piano era el instrumento principal, el integrante de Hot Chip anuncia nuevo disco, ‘Beautiful Thing’, un trabajo que a su vez supone su vuelta a la electrónica de mano de Tim Goldsworthy, integrante de UNKLE y co-fundador de DFA Records (LCD Soundsystem, The Rapture, los propios Hot Chip).

‘Beautiful Thing’ se publica el 20 de abril y el primer single es el tema titular, un tema rítmico a la par que ambiental que reúne pianos house y envolventes texturas granulares, y que debería gustar a fans de Pantha du Prince o el primer Trentemøller.

‘Beautiful Thing’:

01 Dreaming Another Life
02 Beautiful Thing
03 Deep Cut
04 Roll on Blank Tapes
05 Suspicious of Me
06 A Hit Song
07 Oh Baby
08 There’s Nothing to Hide
09 I Feel You
10 Out of Time

ionnalee / EVERYONE AFRAID TO BE FORGOTTEN

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20 febrero, 2018

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Jonna Lee, integrante de iamamiwhoami, dice que dedica su nuevo disco en solitario, que firma con el nombre de ionnalee (para no confundir con sus primeros discos previos a su colaboración con Claes Björklund, más folk que electropop), a la necesidad de poder e influencia en la época actual. “‘EVERYONE AFRAID TO BE FORGOTTEN’ es mi reflejo de una época de angustia en la que todo el mundo alza su voz más y más alto, en la que una canción no es suficiente, en la que la individualidad se vende y se promociona a modo de producto para las redes sociales, donde se hacen declaraciones para ser inmortalizadas”, ha dicho. “Es mi propio miedo no ser visible en la penumbra”.

Una investigación en las letras de “AFRAID” revela sin embargo que el disco indaga sobre todo en el lado oscuro de la fama y en el conflicto que esta crea en una Lee insegura y atormentada por sus propios demonios. La sueca declara en ‘TEMPLE’ que no “le sobra el autoestima” y habla en ‘LIKE HELL’ de su martirio físico, cantando “arrastro mi cabeza encima de este cuerpo mutilado, duele lo que no está escrito”. Pero en el otro lado del espejo, Lee es una diosa para sus miles de fans en todo el mundo, y en “AFRAID”, la sueca deja claro, casi canción a canción, que es incapaz de soportar este peso, y que cuanto más grande la hacen sus fans, más pequeña se torna ella en realidad. En el single principal del disco, ‘SAMARITAN’, llega a enfrentarse a ellos, cantando: “no creo en Dios, dejemos la religión al margen de esto; no recuerdo prometer mi vida y mi alma para daros felicidad, si soy lo que decís que soy, espero colgar de una cruz de madera, cuando todos esto acabe, se ha acabado”.

Sola ahora ante las máquinas, “AFRAID” es una continuación lógica de ‘BLUE’, un disco que restaba densidad al sonido original de iamamiwhoami, acercándolo más que nunca al pop de sintetizadores de los ochenta en canciones de synth-pop glacial como ‘hunting for pearls’ o ‘vista’. Un disco dedicado al agua, donde ‘AFRAID’ se adentra en la profundidad de los bosques suecos, como puede verse en la película que complementa al disco. Es un disco más cálido, más oscuro, casi gótico, pero también más tenso; Lee no está en paz y lo transmite en canciones de sonido defensivo, casi bélico, como ‘WATCHES WATCHES’, ‘SIMMER DOWN’ o ‘WORK’ (esas cuerdas), compensando ese elemento hostil con otras temas que expresan tristeza (‘LIKE HELL’, ‘DUNES OF SAND’) o relajando la tensión a través de estribillos grandes y gloriosos como los contenidos en ‘JOY’, ‘SAMARITAN’, ‘NOT HUMAN’ o ‘HARVEST’. Si “AFRAID” nos habla del conflicto de Lee con la fama, sus canciones lo expresan musicalmente, proyectando a una artista abatida por las expectativas y la presión que, sin embargo, todavía busca componer canciones emocionantes y épicas y reunirlas en una nueva colección que cree un mundo nuevo para sus oyentes.

A veces, ese abatimiento muestra también a una compositora en conexión con su lado más creativo y pop, como en ‘JOY’, ’SAMARITAN’ o ‘GONE’, tres de las canciones más accesibles de la carrera post-“yanomami” de Jonna Lee, por no hablar de la gran ‘HARVEST’, una colaboración junto a TR/ST que no pasaría desapercibida en una rave cibergótica; pero también muestra a una artista algo cansada, como ocurre en los momentos menos memorables del disco, especialmente contenidos en una segunda mitad donde canciones como ‘BLAZING’, ‘HERE IS A WARNING’ o ‘MEMENTO’, cuya transición de estrofa a estribillo no podría ser más bizarra, apenas dejan huella en la historia del disco.

Pero sobre todo, en “AFRAID” Lee parece traumatizada por el endiosamiento de sus fans, tanto que a lo largo del largo se presenta cual mártir a merced de ellos, acentuando el efecto contrario en su estado emocional y físico que ejerce su adoración en ella, e impregnando así el álbum de una amargura que, finalmente, la humaniza, pero también cayendo por poco en lo monotemático en las letras. Se echa de menos, por ejemplo, que Lee explore otras dimensiones de su fama en el disco, que hable de sus buenos momentos, del poder que le ha brindado, del arte y la creatividad… Por lo menos, eso sí, el disco mantiene la variedad en lo musical, añadiendo un nuevo logro artístico al mundo iamamiwhoami, que nos hace preguntarnos, como siempre, cuál será el siguiente paso.

Calificación: 7/10
Te gustará si te gusta: Austra, The Sound of Arrows, Fever Ray, New Order
Lo mejor: ‘JOY’, ‘SAMARITAN’, ‘HARVEST’, ‘GONE’, ‘NOT HUMAN’
Escúchalo: Spotify

Premios MIN 2018 destaca la variedad de estilos y representación en sus semifinales

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JNSP

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20 febrero, 2018

El pasado 16 de febrero finalizó la fase de votación del público para elegir a los semifinalistas de la décima edición de los Premios MIN de la Música Independiente, que se entregan el 14 de marzo en el Teatro Circo Price de Madrid. Más de 19.600 usuarios han participado en las votaciones, en las que han sido seleccionados 30 artistas por categoría de entre los 874 candidatos inscritos. Los premios revelan ahora los semifinalistas, que puedes consultar en su página web.

MIN destaca la variedad de estilos y representación en las nominaciones, sobre todo en cuanto a “hip-hop, trap y músicas urbanas” (están nominados, por ejemplo, Bejo, Bad Gyal o Recycled J) y también en cuanto a la presencia de las mujeres: “Las mujeres vienen pisando fuerte: más de la mitad de las candidatas a Mejor Artista Emergente son solistas o bandas conformadas por mujeres”. También subraya la nominación de ‘El cor de la terra’ de Txarango, un disco cantado íntegramente en catalán que opta a cuatro categorías. Entre los nominados que repiten presencia en los premios, La Bien Querida, Xoel López o Viva Suecia.

La fase de votación popular termina y ahora es el turno del jurado, que será el encargado de decir a los nominados y los ganadores de los Premios MIN 2018. Para ello, el comité volverá a contar con profesionales de diferentes ámbitos dentro del panorama musical de España, como periodistas, programadores o especialistas de cada una de las categorías existentes. JENESAISPOP es uno de los medios colaboradores.

Los Planetas, Pony Bravo y Perro suman tres generaciones distintas a Tomavistas 2018

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20 febrero, 2018

Los Planetas, Pony Bravo y Perro son las tres nuevas confirmaciones del festival Tomavistas, que celebra su nueva edición días 25 y 26 de mayo en uno de los pulmones verdes de Madrid, el Parque Enrique Tierno Galván. Un grupo surgido en los 90, otro a principios de siglo y el tercero durante la década actual suman por tanto tres generaciones distintas al festival unidas por el rock. Los Planetas presentarán, naturalmente, ‘Zona temporalmente autónoma‘, uno de los mejores discos de 2017, y tanto Pony Bravo como Perro desgranarán las canciones de sus respectivos nuevos discos. El último de Pony Bravo, ‘De palmas y cacería‘, de hecho, data de 2013, hace cuatro años, mientras el de Perro es más reciente, de 2015. El próximo trabajo de Perro se titula ‘Trópico Lumpen’ y su primer avance, ‘El sereno’, ya está disponible.

Tres nuevos nombres que se suman a Tomavistas junto a los ya anunciados The Jesus and Mary Chain, Django Django, Superchunk, Princess Nokia, La Casa Azul, El Columpio Asesino, Javiera Mena, El Mató a un Policía Motorizado, La Bien Querida, Belako, Chad Vangaalen, Tulsa, Melange, Disco Las Palmeras!, Altin Gün, Kokoshca, La Plata, The Zephyr Bones y Chlöe’s Clue.

Todas las confirmaciones y noticias sobre Tomavistas, aquí.

Amaia y Alfred, en el remix makinero de ‘Tu canción’ con “subidOT” que ha de sonar en las discotecas

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20 febrero, 2018

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A todo el mundo ha sorprendido el éxito de ‘Lo malo’ de Aitana y Ana Guerra frente a ‘Tu canción’ de Amaia Romero y Alfred García, la canción que representará a España en el próximo festival de Eurovisión. ‘Lo malo’ se ha terminado llevando el agua y es actualmente nº1 en nuestro país y se postula ya como canción del verano.

Una de las razones del triunfo de ‘Lo malo’ frente a ‘Tu canción’ puede ser que la segunda es una balada y, por tanto, menos apta para escuchar en sociedad, por ejemplo en una discoteca. Y aquí entra Nadi. Como vemos desde nuestro foro, esta persona ha realizado un “remix” de ‘Tu canción’ que por fin puede bailarse bebida en mano, y que rompe radicalmente con la versión original: no, su remezcla no es medianamente tranquila en plan tropical, sino directamente makinera. Un “subidOT” en toda regla.

La versión nueva de ‘Tu canción’ transcurre en principio con toda normalidad, en su forma original, al piano, clásica y romántica, hasta que al final de su primer estribillo irrumpe una base que pronto se convierte en un maquinote. El cambio es tan brusco que la gente ya está dejando comentarios en el vídeo tipo “qué puta risa”, y alguno irónico: “Que pasada, de una cancion intima de por si has hecho un remix mas intimo si podia ser y mas dulce! Gracias y bendiciones”. ¡Gracias Nadi!

La Bien Querida une ‘Las vírgenes suicidas’ con Tarkovsky en el vídeo de ‘Dinamita’

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20 febrero, 2018

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Selena Gomez no es la única artista pop que se inspira en el trabajo del legendario cineasta soviético Andrei Tarkovsky. La Bien Querida también, o más bien el director de su nuevo videoclip, Juanma Carrillo, que ha ideado para ‘Dinamita’, una de las canciones destacadas de ‘Fuego‘, una historia de rebeldía adolescente con lazos en ‘Las vírgenes suicidas’ de Sofia Coppola y Tarkovsky, hasta el punto que una de sus escenas replica casi exactamente “la mejor secuencia de la historia” según un usuario de YouTube, presente en ‘El espejo’.

“¿Se puede desear conocer el mundo desde un rincón perdido del universo?”, se pregunta Carrillo, que explica el origen de su videoclip. “Desde el primer momento que escuché ‘Dinamita’ me imaginé la escena inicial, visualicé a una adolescente acosada por la pubertad, las dudas y un padre autoritario y severo. La idea de una niña saliéndose de una fila de adultos recta y escapando por una puerta bañada de luz invadió mi cabeza durante meses. Tenerlo claro es algo bueno, pero también es doloroso y complicado visualizar algo durante tanto tiempo, te pone las cosas más difíciles. Por ello, cuando vi que esa imagen cobraba forma real junto a una de mis apuestas, la joven Alejandra Bittini, y el complejo decorado, no me lo podía creer. ‘Dinamita’ es una canción de amor, un canto a la libertad y el romanticismo, por ello, aunque una de las referencias claras que llevaba rondando desde hace varios vídeos era la pureza adolescente de ‘Las vírgenes suicidas’ de la joven Coppola, y mi obsesión desde la trilogía por los complejos encuadres de Tarkovsky, no debía dejar que la oscuridad que tanto me atrae, venciera a la luz que impregna toda la canción. Por ello, también tenía claro que un final feliz, aunque abierto, se imponía y nuestra protagonista debía sugerirnos a todos la idea de salir afuera, de buscar nuevos caminos y de no tener miedo a saltarnos las normas y tradiciones que nos impone cada día la sociedad en la que nos ha tocado vivir”.

La Casa Azul: «Vivimos una época súper excitante en la música pop… estoy feliz de vivir este momento»

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20 febrero, 2018

7

La Casa Azul es el nuevo top 1 semanal de JENESAISPOP votado por el público con su nuevo single ‘El momento’. Guille Milkyway nos responde unas preguntas sobre esta canción, hablando de sus influencias, sintetizadores, y derivando hacia el pop actual o ‘Lo malo’. El titular que nos deja es llamativo si recordamos que las influencias de su proyecto suelen concentrarse entre la década de los 60 y los 80.

Aunque ya has dicho que La Casa Azul es un proyecto con su sonido particular y que tu afán “nunca ha sido sorprender ni innovar”, sí que creo que ‘El momento’ es bastante diferente respecto a lo que sueles hacer. ¿A ti mismo te parece continuista o de las más distintas?
Bueno… hay varias en este disco que supongo que suenan algo diferentes respecto al sonido habitual. Aunque a mí me cuesta juzgar eso… en los dos últimos años digamos que estoy grabando cosas con BPM’s más lentos, con algún cambio en mi paleta de sonidos, introduciendo algunas cosas nuevas que me han ido interesando en estos últimos años. Lo que pasa es que en el disco hay canciones grabadas hace 5 ó 6 años y otras grabadas hace 5 meses… supongo que eso se tiene que notar. ‘El momento’ es una de las canciones que ilustra más o menos ese impass.

Elefant la ha comparado con Daft Punk, a mí me lleva más que nada a la electrónica de la segunda mitad de los 70, pero creo que no doy con los artistas exactos: ¿Kraftwerk, Jean Michel Jarre, Yellow Magic Orchestra? Creo que no estoy muy acertado con mis referencias. ¿Qué tipo de sonido o sintes has usado esta vez sobre todo en esas notas tan melancólicas de las estrofas y de dónde han salido? Quizá así lleguemos a dar con una referencia más acertada una vez conocida la procedencia de los aparatos…
Bueno… las referencias… es complicado siempre. Se suelen nombrar grandes referentes para ubicarse un poco… pero claro, respecto a los grandes referentes uno siempre sale perdiendo. Daft Punk se deja influenciar por esos que nombras, entonces supongo que todo está bien. A nivel de sonido he utilizado algunos sintes que se suelen identificar con algún momento entre 1982 y 1985: Oberheim (en mi caso un par de Matrix 1000 porque no accedo a más, jajaja), un Roland jx3p, dos Alpha Juno y las “cuerdas» de un Elka. Me gustan mucho esos sonidos… otra cosa es la canción en sí, que como siempre intento que sea muy melódica, que es lo que me gusta… y eso en realidad es más italiano o francés que alemán, ¿no?

«De las cosas que más me interesan de los últimos años en la evolución de la música pop es la desaparición del estribillo como “totem”»

Como proyecto pop, siempre has cuidado mucho los estribillos, pero en esta canción me gusta más el pre-estribillo y el puente del final que el estribillo en sí (que también está muy bien). ¿Estás de acuerdo? ¿Te has propuesto a conciencia trabajar otras estructuras ahora que está de moda jugar con ellas (la moda de los estribillos instrumentales, falsos o inexistentes) o simplemente ha salido así?
Yo creo que la canción tiene un estribillo claro, pero es totalmente cierto que de las cosas que más me interesan de los últimos años en la evolución de la música pop es la desaparición del estribillo como “totem” y la aparición del “drop” heredado de la electrónica como un elemento que puede competir por el trono dentro de la música pop. Es interesante. Creo que vivimos una época súper excitante dentro de la música pop… estoy feliz de vivir este momento.

Esta es la segunda canción seguida que editas sobre la muerte del amor, ¿va a ser la temática principal de ‘La gran esfera’ o habrá otros temas, quizá más alegres?
Bueno, como te decía antes, es un disco que tiene canciones grabadas hace casi 6 años que estaban compuestas incluso antes y otras que tienen pocos meses. Hay de todo… como siempre. Son ciclos. Por otro lado una cosa es hablar sobre la muerte venidera y otra describir la muerte una vez muerto. Y como nadie puede hacer eso… supongo que en toda muerte venidera hay resquicios lumínicos, jajajaja… Yo qué sé…

En la línea de lo anterior, según leo en un texto que hiciste para Rockdelux, el mencionado Nico no es otro que uno de tus hijos, ¿este podría por tanto ser tu disco más personal? Diría que las historias de tus inicios eran más genéricas y abstractas…
Bueno, en realidad es mi hija… No sé, siempre he intentado ser muy personal en todo lo que he escrito. Es como me sale mejor. Me cuesta hacerlo de otra forma. Quizás intento esforzarme por ser más costumbrista y menos metafórico… pero no sé, todo tiene su momento, supongo.

«Soy adicto a las esdrújulas, a la aliteración… Y bueno, no me voy a privar de esos placeres en mis propias canciones»

Es imposible no concluir que te has mimetizado un poco con Fangoria en ese estribillo larguísimo absolutamente imposible de recordar entre “morfogénesis mental” o “maglev”, y luego con el “evo laser” y “micro-tig”. Todos notamos la influencia que has ejercido en Fangoria, ¿pero quizá a su vez ellos te han influido en algo en este disco tanto como Dinarama en su momento?
No lo sé. En cualquier caso no soy muy consciente de ello. Los elementos científicos y tecnológicos creo que los he utilizado siempre. Me gusta hacerlo porque ayudan a que los conceptos emocionales tomen una relevancia así como exagerada. Si apoyas e “hiperbolizas” con “evo-laser y micro-tig” el concepto de precisión, es una exageración que deja claro lo que quiero decir. Yo soy muy así a la hora de hablar en general, lo de llevar un poco al extremo la exageración… me resulta divertido. Luego está el tema de cómo suenen las palabras, su métrica… soy adicto a las esdrújulas, a la aliteración… Y bueno, no me voy a privar de esos placeres en mis propias canciones.

Otra teoría sobre lo largo de la letra es que te hayas propuesto finalmente que te oigamos cantar entre todo el griterío de tus fans, en tus conciertos…
Jajajaja no, por Dios, no hace falta… Sé que ciertos trozos van en contra de un canto así global… no es algo que me guste especialmente. Creo que suele tener mérito en una canción pop que tenga una letra interesante pero que sea a la vez muy fácilmente cantable. Esta es menos cantable, supongo… voy a tener que esmerarme más.

Me pareció raro que la canción se presentase un lunes en lugar de un viernes. Yo estaba segurísimo de que la ibas a presentar por ese motivo en OT, pero no… ¿Nunca fue una opción?
Bueno… siguen saliendo novedades a lo largo de toda la semana, pero bueno… las plataformas digitales suelen centralizar esfuerzos y el viernes es el día de la actualización de novedades. No sé… no nos planteamos mucho ese tipo de cosas… Respecto a OT, no no… que joder, OT es un concurso con alegría. Esta canción es muy triste…

«‘Lo malo’ es una canción muy guay. La sobriedad es uno de los elementos que define bastante la música pop actual»

‘El momento’ es top 1 en JNSP, al haber recibido un voto más que ‘Lo malo’. No me resisto a preguntarte qué opinas de esta canción y si no opinas que un productor debería mejorarla. ¿O la gracia es que es así de sobria? Recuerdo pensar que ‘Shape of You’ era sobria de más y luego mira…
… Sí, mira, ya ves, tuvo algo de recorrido jajajajaja. ‘Lo malo’ es una canción muy guay. La sobriedad es uno de los elementos que define bastante la música pop actual pero aun así yo no la veo sobria en exceso para nada. Pero quizás hay elementos como la poca definición del bombo o algún otro que me despista… no sé, supongo que es personal.

Quizá por estilo igual no eres el indicado, ¿pero quizá Alizzz? ¿Alguna otra sugerencia para producir o remezclar ‘Lo malo’?
Hombre, Alizzz sería de puta madre… Es lo mejor. Pero vamos, que es una canción que yo imagino tranquilamente así rollo con los grandes del género del otro lado del océano, no sé, The Rude Boys, Luny Tunes o cosas así… Estos, ¿cómo son…? Los Evo Jedis estos también, ¿no?

Raveena y la belleza de la simplicidad

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20 febrero, 2018

Raveena Aurora es una cantante y compositora de música R&B y soul (fans de estos géneros en el foro, os invocamos) de Nueva York que en 2017 publicó su primer EP, ‘Shanti’. Como puede deducirse de su nombre y del título de este trabajo, Raveena es de origen indio, lo cual se plasma en su propio arte, como en el videoclip de ‘Sweet Time’, su mayor éxito hasta el momento, en el que Raveena aparece acompañada de amigas vistiendo atavíos tradicionales de su país de origen.

No así ocurre en su música. Su EP ‘Shanti’ recibe su título del sánscrito para “paz”, y eso es precisamente lo que transmite un trabajo que no absorbe influencias de la música india, pero sí se entrega con total simplicidad y transparencia a los sonidos R&B de siempre, buscando la sensualidad en ‘If Only’ y ‘Natural’ en dos canciones que, como los singles posteriores ‘Sweet Time’ y ‘Wherever U Go’, son muy propias de Janet Jackson o Aaliyah. Y en otros temas como ‘Spell reina el romanticismo del soul más clásico, mientras en la exquisita ‘Johnny It’s the Last Time’, la fusión de sonoridades jazz y ritmos hip-hop remite a Macy Gray o a la primera Amy Winehouse, dando lugar a una de las mejores canciones de Raveena.

El nuevo single de Raveena es aún más sencillo todavía. ‘I Won’t Mind’ se compone de un arreglo de piano jazz, muy 50s, de unos detalles de arpa y de la melódica voz de Aurora para crear una preciosa balada de amor que suena como si procediera de esa misma nube en la que se encuentra su autora por culpa de un nuevo amor. “Eres mi hombre en la luna”, canta, “deja que te arrope”. La cantante consigue, con poco, que no podamos dejar de prestarle atención, dando gran sentido a la expresión de “menos es más”.

‘Maestros de la Costura’ sí es la versión «de-sastrería» de ‘Masterchef’

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20 febrero, 2018

8

RTVE ha estrenado los lunes ‘Maestros de la costura’, un formato que dio la campanada en 2013 en BBC Two, conquistando durante 4 temporadas a una audiencia media nada desdeñable superior a los 3 millones de telespectadores. ¿Cuál ha sido el truco de la cadena para enganchar a esta adaptación de The Great British Swing Bee a aquellos que no sabemos nada de moda y utilizamos la ropa hasta que se nos cae a cachos? Vestirlo abiertamente de Masterchef en cuanto a jueces -duros pero mordaces-, estructura, guión, montaje y cásting.

En este último lugar, el cásting repite el patrón de Masterchef de mezclar concursantes de distintas edades, unos más apegados a la tradición y otros a la vanguardia, pero sin duda se ha apuntado un gran tanto alternando con orgullo la pluma inherente al mundo de la moda (gay o no), con amas de casa y hasta una profesora de religión. Sobre todos ellos, salva el programa del hastío desde el primer plano Eduardo, un joven estudiante de diseño de moda y pelo lacio, que resulta todo un «consejos vendo, para mí no tengo». Es además responsable de llevar a ‘Maestros de la costura’ el lenguaje de la calle, de «la última caja sorpresa va a ser un buen pedazo de mierda» a «mira a Mahi, pidiéndole fuerzas a Extremoduro» pasando por «Vanessa, ¡te han puesto fina filipina!».

Como en Masterchef, la torpeza de los concursantes es parte de la gracia: no hay más que echar un vistazo a la de-sastrosa Anna. Hay dos gemelos y uno de ellos -Sergio- ha definido al otro -Vicente- como «la persona más lenta de España». Así, se han vivido momentos surrealistas solo vistos en este tipo de realities, como una horda de concursantes negando al jurado y a las jefas de taller de una empresa invitada Premio Nacional de Moda, que el corte de sus prendas estuviera mal hecho. Lorenzo Caprile, María Escoté y Palomo Spain (gran nombre), cada uno en un estilo muy diferente, pero todos tan imprescindibles como Pepe, Samantha y Jordi Cruz en Masterchef, tienen material de sobra para concluir cosas como «esto es un disfraz cutre de Blancanieves» o por otro lado ejercer de guía para el público elogiando un vestido con imperdibles por su parecido a una antigua colección de Versace.

Aunque todos sabemos que aquí nadie va a aprender a coser. El objetivo del programa es entretener y en ese sentido hay que elogiar que dure 1 hora menos que Masterchef pese a copiar su estructura y hasta pruebas como la subasta. Se agradecería un recorte de media hora más y algo más de riesgo (entre las pocas aportaciones está el comodín del Imperdible para casos de desesperación total, que solo se puede usar una vez en todo el concurso), pero el programa, el jurado y el cásting pueden dejarnos en semanas venideras grandes momentos televisivos. Sobre todo si recordamos la ausencia de Top Chef este invierno. 6.

Puedes seguir el programa en nuestro foro Maestros de la Costura.

Hit de ayer: ‘Anyone Who Had A Heart’ de Dusty Springfield (1964)

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Jaime Cristóbal

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19 febrero, 2018

6

En 1963 Dusty Springfield rompió definitivamente con The Springfields, el trío familiar de folk-pop que la había llevado a la popularidad pero con el que ya no se identificaba artísticamente. En su última gira con ellos por los EE.UU. la música negra que oyó en escenarios y transistores le había seducido completamente y la impulsó a emprender una nueva dirección musical en solitario. Tras un par de singles de transición, en 1964 llegó el álbum ‘A Girl Called Dusty’, cuyo primer impacto lo proporcionaba la portada: atrás quedaban los anticuados vestidos que la cantante había llevado con su anterior grupo. La nueva Dusty lucía un formidable “total look” denim, pantalones incluidos, que servía de explícita declaración de nueva estética con una velada referencia a su identidad sexual.

El disco es uno de los grandes debuts del pop de los 60, en el cual Dusty pudo elegir repertorio de entre los estilos negros que la estimulaban: en su vertiente más pop, con versión de Holland-Dozier-Holland o del ‘Mama Said’ de las Shirelles, en su lado más funk con el ‘Mockingbird’ de Inez & Charlie Foxx y en los tonos más rhythm and blues gracias a versiones de Earl King o Ray Charles. Pero en el álbum también quedaba espacio para las baladas: además de una estupenda reinterpretación del reivindicativo ‘You Don’t Own Me’ de Lesley Gore, una de las tres canciones de Burt Bacharach y Hal David del disco es la apoteósica ‘Anyone Who Had A Heart’.

En los 60 los artistas británicos (en toda Europa, en realidad) no tenían muchos miramientos a la hora de regrabar un éxito trasatlántico copiando los arreglos al milímetro. Así que la versión de Dusty de la original de Dionne Warwick de 1963 no es una relectura radical. De hecho casi a la vez que Dusty la grababa en los estudios Olympic de Londres en enero de 1964, Cilla Black hacía lo propio pocos días después (en ambos casos con las Breakaways de coristas), también con un arreglo inspirado en el americano. La versión de Cilla estaba destinada a editarse en single, y por tanto fue la versión inglesa que se conoció primero, llegando al número uno de las listas para irritación de la mismísima Dionne Warwick.

Sin embargo, la versión de Dusty -aparecida en abril con la publicación del elepé- aporta toda una riqueza de nuevos coloridos en dos aspectos principalmente: por un lado en la voz, que en su interpretación se retuerce y tensa en una cascada de matices de desesperación y deseo como sólo Dusty era capaz de hacer. En el libro ‘Dusty’ de Lucy O’Brien, el ingeniero de sonido Brooks Arthur -que trabajó en ‘A Girl Called Dusty’- habla de su técnica frente al micro: “lo trabajaba al máximo, consiguiendo fantásticos sonidos en su interpretación vocal, acercándose y alejándose del micrófono, e incluso cantando de lado”. En ‘Anyone Who Had A Heart’ se aprecia perfectamente ese magistral viraje de tonos, del susurro de las estrofas al lamento de los estribillos. Todo un viaje de sentimientos expresados, que contrastaban con la brillantísima interpretación de Dionne Warwick, mucho más correcta pero también más plana.

El otro aspecto es el de la producción, que aunque acreditada a Johnny Franz, iba comandaba a medias con Dusty (quien no se cansó de reivindicar en los 90 que ella de hecho coproducía, hecho nunca reconocido en la sexista industria del disco). Entre los dos recubrieron la canción de un oscuro y prolongado eco, que se proyectaba en la voz, en la increíble y trémula guitarra (¡el armónico del minuto 0:53 pone la piel de punta!) y en ese fantasmagórico solo de saxofón barítono, casi pre-lynchiano. El resultado es algo atmosféricamente bello, un paisaje sonoro onírico y opresivo perfecto para esa letra de amor mal correspondido y desesperado.

“Cualquiera que alguna vez haya amado / Podría mirarme y saber que te quiero / Cualquiera que alguna vez haya soñado / Podría mirarme y saber que sueño contigo (…) No puedes tener corazón si me has herido de esa manera / Y has sido tan deshonesto. ¿Qué voy a hacer?”

Toda una suma de elementos que convierte a esta en la versión definitiva de una de las más innovadoras piezas de pop sofisticado bacharachiano (ese compás que alterna 4/4 y 4/5 fue uno de los primeros ejemplos de polirritmia en el pop occidental). El álbum marcaría el comienzo de una fructífera sucesión de “covers” de Bacharach y David a cargo de la cantante inglesa. De hecho, para septiembre del mismo año ya habría clasificado en la lista de singles su versión del ‘I Just Don’t Know What To Do With Myself’.

‘Anyone Who Had A Heart’ suena en el último Popcasting de Jaime Cristóbal, ya disponible en este enlace.

Belle & Sebastian / How to Solve Our Human Problems (Pt. 3)

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19 febrero, 2018

3

Belle & Sebastian han publicado este viernes la tercera y última parte de su nueva sucesión de EP’s, cada uno con 5 canciones y conformando entre todas un nuevo álbum de 15 pistas. El objetivo del grupo era captar la atención durante 3 meses consecutivos ahora que los lanzamientos discográficos llegan en modo aluvión y se olvidan en un par de semanas. Ignoro si la banda está satisfecha con la repercusión conseguida con pequeñas joyas que se suman a su discografía como ‘Fickle Season’ en la parte 1, ‘I’ll Be Your Pilot’ en la parte 2 o ‘Too Many Tears’ en esta tercera parte, pero lo seguro es que, sin llegar al nivel de los mejores discos de Belle & Sebastian (‘If You’re Feeling Sinister’, ‘Tigermilk’, etcétera), aquí no hay prácticamente nada de lo que avergonzarse.

El paso del tiempo, pero a través de un prisma optimista, vuelve a ser uno de los temas principales en la versión completa de la contemplativa ‘Everything Is Now’, que se había adelantado como pseudo instrumental en la parte 1. En ella escuchamos cosas como «todo lo que quería me ha llegado demasiado tarde (…) lo que nunca ha pasado nos duele siempre» pero también «no existe el destino / no hay tal cosa como estar condenado al fracaso». También es motivador escuchar la mencionada ‘Too Many Tears’, un paseo desolado a través de la lluvia, lleno de celos y pequeñas tragedias que nos remite a los temas de Burt Bacharach con textos de Hal David, con unos estupendos arreglos que han de volver loco al Miqui Puig del inolvidable ‘Casualidades’.

En sintonía, cierra una canción girl group muy Motown llamada ‘Best Friend’, sobre una pareja enfrentada al problema de querer ser amigos («aquí estamos, intentando ser sofisticados / ser adultos y no enamorarnos»); después de una de las sorpresas del disco. Los Belle & Sebastian que ahora se asoman al «baroque pop», al glam e incluso al disco-funk en la pimpinelesca e inane ‘Poor Boy’, que tiene su gracia pero jamás debió ser el single de esta parte, retroceden para ofrecer un número de country-folk tan desnudo como ‘There Is An Everlasting Song’. Por supuesto, aprueban con nota, pues para ellos eso no es un reto desde hace tiempo.

Que ‘Best Friend’ sea la última canción del conjunto y no la versión definitiva de la épica ‘Everything Is Now’ seguramente sea una muestra de las intenciones optimistas de este disco de Belle & Sebastian, pues algunos textos son más luminosos de lo que parece. Al fin y al cabo, el título del largo hace referencia a la «solución» de los «problemas» tratados (la nostalgia de lo que nunca volverá, el desamor, etc). Sin embargo, también nos deja cierta sensación de desestructura: por momentos esto parece, más que un disco del grupo, uno de los proyectos paralelos y corales de Stuart Murdoch, bien su película ‘God Help the Girl‘ o una ajena a lo ‘Storytelling’. Quizá hay demasiados estilos y vocalistas: a veces parece que ha valido todo, cualquier palo estilístico, aunque hay algo que sí que no encontramos en ‘How to Solve Our Human Problems’ y es un grupo en decadencia.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Too Many Tears’, ‘There Is An Everlasting Song’
Te gustará si te gusta: la Motown, Burt Bacharach, ‘God Help The Girl’
Escúchalo: Spotify

Nos Miran se presentan con ‘Humo’, una nueva victoria para la melancolía en la pista de baile

Por

Raúl Guillén

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19 febrero, 2018

5

Desde la desaparición de Sally Shapiro, no vivíamos una catarsis similar de melancolía en la pista de baile, como la que nos ofrecen el recién llegado dúo Nos Miran con su primer single, ‘Humo’. Aunque en este caso se trata de una canción que, más que al italodisco, remite al eurodance de finales de los 90 descifrado con el filtro indie de Elefant Records –no podía ser otro que el sello madrileño el que diera cobijo a este proyecto–.

Nos Miran son Marta Quintana y Sergio Rodríguez, que forman o formaron parte de proyectos como Ventolín y Capitán Sunrise –la referencia a su canción ‘Un verano en la luna’ no es casual, puesto que fue Santi Diego el que les presentó–. Ya tienen listo su primer EP – titulado precisamente como este single–, que verá la luz en la colección «New Adventures In Pop» de Elefant el día 16 de marzo y en el que tocarán palos muy distintos como el punk-pop o el tecno lo-fi.

Cuenta Sergio que ‘Humo’ fue escrita después de engancharse a ‘Another Night In’ de Tindersticks, pero dándole la vuelta con el filtro de La Casa Azul. Presentada con un vídeo sencillo pero bastante efectista en lo visual, jugando con lo onírico y lo simbólico, y con la inquietante presencia de una niña de pelo rojizo que conecta extrañamente a la pareja protagonista, ‘Humo’ se transforma casi instantáneamente en una de esas canciones que marca drásticamente la carrera de un grupo y le hace sobresalir de la masa.

Liam Gallagher intenta, sin éxito, convencer al mundo de que el disco de Noel es «una versión mierdera de Kula Shaker»

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19 febrero, 2018

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Liam Gallagher no para. Con el nuevo año su propósito sigue siendo el mismo que el pasado: poner fino a su hermano Noel. Sus últimas declaraciones dicen que el álbum editado por su hermano en 2017, el más o menos experimental ‘Who Built the Moon?‘, es «tonto» y una «versión mierdera de Kula Shaker». La cita dice: «él hace su cosa del pop cósmico y yo estoy a lo mío, dándole a la gente lo que quiere. Que yo sepa, siempre ha sido así». Liam dice que ‘Dead In The Water’ (el bonus track) tiene melodía, pero que prefiere los dos primeros discos de Noel, que son más clásicos. «Me gusta su fórmula. No creo que las canciones nuevas sean tan buenas, hay mucha tontería y la producción no es ni siquiera tan buena».

Lo malo es que su concepto de «lo que quiere la gente» puede estar equivocado. Es verdad que en principio ‘As You Were‘, el disco de Liam Gallagher, se vendió mejor, llegando al top 9 de lo más vendido de todo el año 2017 en Reino Unido, frente al top 18 conseguido por Noel. Todo ello cuando hasta ahora Noel había vendido mucho más que Liam. Sin embargo, al final puede que haya vuelco.

Ambos discos están siendo apoyados por BBC 2, que tiene en su playlist «A» (lo que antes se llamaba «disco rojo») tanto ‘Paper Crown’ como ‘It’s a Beautiful World’, pero es el disco de Noel el que sube del puesto 28 al 18 en ventas británicas, mientras que Liam está en el puesto 24.

Traduciendo: el álbum de Noel está resistiendo en las listas mucho mejor de lo que se esperaba en un principio teniendo en cuenta su carácter experimental y puede dar alguna sorpresa aún en este 2018. Recordando la buena nota que tiene en Metacritic, ¿sería descabellada una nominación al Mercury, la primera en más de 20 años?

Os dejamos con la canción de Noel que le gusta a Liam, que no es nada significativa de cómo suena el álbum, lo cual tiene bastante guasa…

Manic Street Preachers ya no distinguen «izquierda y derecha» en la política ‘Distant Colours’

Por

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19 febrero, 2018

La de Manic Street Preachers es una de las canciones que os presentábamos el viernes en nuestra playlist de novedades semanales «Ready for the Weekend». La canción recibe el nombre de ‘Distant Colours’, y es una de sus composiciones eufóricas, si bien tiene fondo, como revela la nota de prensa de su sello en España.

Según esta, «la canción habla del desencanto con la izquierda de la juventud del cantante James Dean Bratfield», reflexionando sobre cómo «ha terminado el clásico partido Laborista de Nye Bevan». El vídeo rodado en Gales muestra al personaje principal del single anterior ‘International Blue‘ (la actriz Sarah Sayuri) mientras recorre el país parando en lugares históricos y culturales clave y que, de alguna manera, están relacionados con los temas de los que habla la canción.

El director Kieran Evans recorre «Cofiwch Dreweryn en recuerdo a Treweryn (el monumento que se construyó en protesta por haber dejado bajo el agua al pueblo de Treweryn), la estatua del guerrero galés Llewelyn ap Gruffydd en Llandovery, los llanos de Brecon Beacons, las piedras de Aneurin Bevan en el ventoso Ebbw Vale, el monumento en honor a los mineros Guardianes del Valle en Six Bells, Abertillery, y Chartist Monument en las afueras de Blackwood antes de llegar al pueblo, al Little Theatre, el sitio donde los Maniacs ofrecieron su tercer concierto».

La letra de la canción acusa a su destinatario de “mentir”, se pregunta si “vivimos en el pasado” y sentencia: “ya no distingo mi derecha de mi izquierda”.

El álbum ‘Resistance Is Futile’ sale a la venta finalmente el 13 de abril.

La canción del día: Tom Boyle demuestran que el noisepop no morirá si hay canciones como ‘Hojas amarillas’

Por

Raúl Guillén

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19 febrero, 2018

Quienes siguieran nuestra web con asiduidad desde casi sus inicios y aún estén por aquí seguro recordarán a Tom Boyle, un grupo de Getxo que en algún momento se definió a sí mismo a medio camino entre el Getxo Sound (El inquilino coumnista) y el Donosti Sound (La Buena Vida, Le Mans…). Su estupendo debut de 2009, ‘Maniobra de aproximación’, añadía a la ecuación el nombre de Yo La tengo y, sin embargo, el combo no ha gozado en estos casi 10 años de la suerte que merecía, anunciando un parón indefinido por razones personales en 2011 con algún amago de retorno, publicando el escueto ‘Agur’ en 2015.

Sin embargo, Gloria Para y Xabier Setién ni han desistido ni han dejado de escribir canciones en este tiempo. Y ahora, con una formación renovada –Miguel Terán y Oskar Hernández se incorporaron a la batería y guitarra, respectivamente–, han publicado ese segundo disco que pensamos que ya nunca llegaría. Grabado por Raúl Pérez en los sevillanos Estudios La Mina, se titula ‘Vuelve a empezar’ y ya su primera canción supone un reencuentro con todo aquel encanto que nos cautivó en canciones como ‘Desdobladas’ o ‘La caja’.

Con un videoclip que nos sitúa de lleno ante Gloria, caminando por ese escenario otoñal al que alude su título, ‘Hojas amarillas’ es una auténtica preciosidad que funde en mágico equilibrio ruido, melancolía y melodía perfectos, que ellos mismos emparentan con ecos de Ride y Slowdive. Por si fuera poco, el hecho de imaginar que esas hojas que llenan los suelos de las ciudades y campos podrían ser pensamientos humanos, “unos secretos y otros abiertos, que viven por un momento” es terriblemente encantador. Cuando llega ese “no veo el momento de decirte que lo siento, que me dejo llevar por el viento, que he dudado algunas veces pero al final me quedo contigo”, la emoción es pura y real. Y la certeza de que el noisepop no puede morir mientras sigan apareciendo canciones así, también.

Marta Sánchez llora (de alegría) en la tele tras la reacción a su versión del Himno de España

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19 febrero, 2018

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¿Todavía te dura el ataque de risa por la versión del Himno de España que se ha sacado de la manga Marta Sánchez? Pues espérate porque la cantante está riendo la última y ha podido apuntarse uno de los mayores tantos de su vida, si finalmente esta adaptación, que ha escrito ella misma, sigue prosperando, como parece que va a suceder tras las felicitaciones de Mariano Rajoy, Albert Rivera o el Ministro de Cultura, que ha pedido su teléfono. Rajoy y Rivera, en su pugna por ganar las siguientes elecciones generales del país, han peleado por resultar el más efusivo. Mariano ha escrito en Twitter: «Como a muchos de vosotros, me llega este vídeo. Muy buena iniciativa de @Martisima_SoyYo. La inmensa mayoría de los españoles nos sentimos representados. Gracias, Marta. MR». Rivera ha dicho: «Valiente y emocionante @Martisima_SoyYo poniendo letra y corazón al himno nacional».

Marta ha explicado en el programa de Susana Griso que hace un año ideó esta adaptación en su cama de Miami, terminándola a tiempo de presentarla en el Teatro de la Zarzuela. “La que se ha liado nunca lo habría imaginado”, declara antes de echarse a llorar de la emoción. Sobre la posibilidad de que Sánchez interprete esta versión en la Final de la Copa del Rey, que ha sido sugerida por un diputado del Partido Popular, responde: “No me quiero hacer esas ilusiones, con que se plantee ya me siento feliz”. Las mismas declaraciones las ha repetido en Al Rojo Vivo. A su vez, considera que la repercusión que ha tenido este tema es mayor que su concierto en el Golfo interpretando ‘Soldados del amor’, aquel tema de Olé Olé que produjo Nile Rodgers de Chic.

Marta ha declarado en el programa de Griso que esta versión se escribió antes de la problemática catalana: ”no hay ninguna doble intención», pues la hizo «antes de que explotara todo lo que explotó en este país y de que los españoles colgaran banderas en los balcones». En la mesa del programa, eso sí, hay un crítico con su versión, que recuerda que ya se han escrito muchas letras para el Himno, y esta no sería para él de las mejores.

Como a muchos de vosotros, me llega este vídeo. Muy buena iniciativa de @Martisima_SoyYo. La inmensa mayoría de los españoles nos sentimos representados. Gracias, Marta. MR pic.twitter.com/k5ruZPMhHE

— Mariano Rajoy Brey (@marianorajoy) February 18, 2018

‘Rojo y amarillo, colores que brillan en mi corazón y no pido perdón’ . Valiente y emocionante @Martisima_SoyYo poniendo letra y corazón al himno nacional. https://t.co/DkaYwPwyAq

— Albert Rivera (@Albert_Rivera) February 18, 2018

¿Ha cambiado para siempre ‘La llamada’ la carrera de Leiva?

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