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Zahara se emociona al ver a Amaia y Aitana de OT 2017 interpretar su ‘Con las ganas’

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Como bien sabían los seguidores del talent-show de RTVE Operación Triunfo 2017, esta semana Amaia y Aitana –dos de las concursantes favoritas hasta el momento– interpretaron la que es la canción más popular de Zahara. Se trataba de ‘Con las ganas’, un tema incluido en su debut oficial ‘La fabulosa historia de…’ (2009) y que es su composición más escuchada en Spotify (más de 8 millones de reproducciones), mientras que su vídeo oficial acumula en Youtube más de 32 millones de visitas. Curiosamente, ayer la canción cumplía 12 años, según dijo su autora en Twitter. Las dos participantes de OT 2017 hicieron una interpretación con nuevos arreglos y más sobria de lo que hacía esperar el escenario repleto de bailarines, aunque lograron buenas cuotas de emoción, sobre todo en su parte final.

Zahara era obviamente consciente de la situación y horas antes de la gala subió un mensaje a Instagram recordando lo que suponía para ella esta canción y que de repente fuera interpretada por otros en el prime-time televisivo estatal:

«(…) La canción me ha dado muchos dolores de cabeza. No he querido cantarla siembre, me ha dolido demasiado a veces, he estado demasiado lejos de ella como para empatizar… pero me ha dado cosas maravillosas también.
Cada día llega a más gente, se ha hecho mayor en los brazos y voces de otros. Ya no es mía.
Esta noche en ese programa de televisión tan popular mis dos favoritas van a cantarla. Qué emoción.
Qué lejos viaja ya.
Qué bonito verla llegar a tantos lugares».

Además, Zahara envió un mensaje de vídeo a las dos concursantes, que fue emitido antes de su actuación, dando las gracias por que su canción fuera escogida y deseando suerte a las cantantes que la interpretarían –por el momento no lo encontramos ni en Youtube ni en la web de OT 2017–. Tras la actuación, Zahara se mostró emocionada tanto por la actuación como por las reacciones que recibía. Pese a su buen papel, el favorito del público en la gala fue Alfred, que ya brillara la pasada semana con su dueto junto a Amaia. El barcelonés interpretó ‘Amar pelos dois’, la canción con la que Salvador Sobral ganó Eurovisión y que sirvió de homenaje del programa al luso, que como sabréis está viviendo un delicado momento de salud.

Compuse “Con las ganas” hace 12 años. Cuando la terminé sentí que había hecho algo distinto, especial y sabía que esta canción sería importante. No de qué manera, pero cada vez que la cantaba pasaba algo mágico. Decidí inmortalizar cómo me sentía al cantarla y nos juntamos @eibolab, Alfonso Alonso y yo para grabarla. Lo hicimos en una toma. Quedó para siempre este vídeo en blanco y negro. La canción me ha dado muchos dolores de cabeza. No he querido cantarla siembre, me ha dolido demasiado a veces, he estado demasiado lejos de ella como para empatizar… pero me ha dado cosas maravillosas también. Cada día llega a más gente, se ha hecho mayor en los brazos y voces de otros. Ya no es mía. Esta noche en ese programa de televisión tan popular mis dos favoritas van a cantarla. Qué emoción. Qué lejos viaja ya. Qué bonito verla llegar a tantos lugares.

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Las mejores canciones del momento: noviembre de 2017

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Como cada mes, renovamos nuestra playlist con las mejores canciones del momento, que cuenta casi con 1700 suscritos.

Pale Waves / There’s a Honey: Pale Waves, para algunos las nuevas Haim, han sido uno de los grupos en pasar recientemente por nuestra sección de bandas noveles «Revelación o Timo«.
Fever Ray / To the Moon and Back: Primer single del disco que la cantante de The Knife ha lanzado casi por sorpresa, ‘Plunge‘.
Ganges / Classic Lover Covers: Preciosa canción del grupo revelación de Madrid Ganges, que tuvimos el honor de estrenar.
Mujeres / Un sentimiento importante: Arrebatador medio tiempo pensando para gozar en vivo extraído del nuevo disco de los catalanes Mujeres.
Sierra / A ninguna parte: Una de las canciones más pegajosas del nuevo disco de Hugo Sierra es precisamente la que le da nombre.
Mansionair / Astronaut – Something About Your Love: Otros de los protagonistas de Revelación o Timo han sido Mansionair, con este tema que podrían haber producido perfectamente Daft Punk.
Rita Ora / Anywhere: Nuevo hitazo, divertidísimo, de Rita Ora, irresistiblemente pegadizo y situado ya en el top 2 de las islas británicas.
Gata Cattana, Bejo / Mi burra: Una de las canciones del disco desgraciadamente póstumo de la rapera Gata Cattana, en el que se hace acompañar de Bejo.
N.E.R.D., Rihanna / Lemon: Producción 100% Neptunes para esta burbujeante canción en la que el proyecto de Pharrell ha podido contar con Rihanna.
Dark Rooms / I Get Overwhelmed: Canción principal de la banda sonora de ‘A Ghost Story‘ e imposible de disociar de la película y su crisis existencialista.

North State / I Know You: Single de debut de los catalanes North State, influidos por la electrónica británica actual.
Sigrid / Strangers: Uno de los tiros electro más decididos del momento nos lo presenta Sigrid, que se ha adelantado a Halsey sacando como single un tema llamado ‘Strangers’.
Taylor Swift / … Ready for It?: Segundo sencillo oficial de ‘reputation‘, un disco mucho mejor de lo que prometía su primer single.
Poppy / Software Upgrade: El loco proyecto de Poppy ya cuenta con disco de debut, ‘Bubblebath‘, de lo más disfrutable sobre todo en esta pista que roza lo bakala.
David Guetta, Charli XCX, Afrojack: Básico pero infalible trallazo EDM en el que Charli XCX dignifica los sonidos más bastos de David Guetta.
Camila Cabello / Havana: Más fino hila Camila Cabello en este corte latino que ha terminado de redondear con un vídeo tipo telenovela.
Maria Rodés / Fui a buscar el sol: Estupendo primer single del próximo disco de Maria Rodés, inspirado en el trabajo como astrónomo de su tío bisabuelo.
Rosalía / Aunque es de noche: Nueva adaptación del cancionero de Enrique Morente a cargo de Rosalía y el resultado es para cortar el hipo. No podemos dejar de recomendar también la entrevista que realizamos a la artista recientemente.
Marlon Williams / Nobody Gets What They Want Anymore: Muchas pistas de esta playlist han aparecido en nuestra nueva sección «La canción del día», como es el caso de este maravilloso dueto entre Marlon Williams y Aldous Harding, avance de un disco que sale en febrero.
Kumisolo / Pop Girl: La playlist «Bonjour, les copains» de mi compañera Angèle Leciel siempre trae recomendaciones desconocidas e interesantes, como lo es la de la japonesa Kumisolo.

Lia Pamina / Cards on the Table: Precioso tema de Lia Pamina con un toque lounge, extraído de un single que salía en septiembre y convertido en hit tras aparecer en la playlist de Spotify adecuada.
UTO / The Beast: Divertido tema con aullidos de los franceses UTO, que han debutado este año con un EP.
James Holden & The Animal Spirits / Each Moment Like the First: Coincidiendo con la pasada edición de MIRA, James Holden presentó un nuevo álbum que también ha pasado por Discos Recomendados.
Franz Ferdinand / Always Ascending: Sorprendente y mutante single de regreso de Franz Ferdinand, avanzando el disco que sacarán ya el año que viene.
Julien Baker / Turn Out the Lights: Emocionante canción de Julien Baker, extraída de su último álbum, que ha pasado por nuestra sección de Discos Recomendados.
Ezra Furman / Love You So Bad: Los románticos han de celebrar esta maravilla del próximo álbum de Ezra Furman, que todo el mundo debería regalar por el Día de San Valentín.
U2 / Get Out of Your Own Way: El segundo single de ‘Songs of Experience’, a la venta el próximo mes, mejora al primero al menos en cuanto a calidad.
Paracusia / You: Entre las revelaciones de nuestro país también hay que destacar a Paracusia, de momento aparentemente influidos por el sonido ‘Drive’.
RAYE, Mr Eazi / Decline: Bailable canción a cargo de la londinense RAYE, una de las promesas promocionadas por el BBC Sound Of, aquí inspirándose en Ashanti.
Superchunk / What a Time To Be Alive: Estupendo tema de presentación del próximo largo de Superchunk, que saldrá el año que viene.

Tove Lo / Blue Lips

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Haciéndose un dedo. Así terminaba Tove Lo ‘Fairy Dust‘, el cortometraje que, junto con ‘Fire Fade’, ponía imágenes a los temas de ‘Lady Wood‘, y así nos presentaba también uno de los cortes de esta continuación: ‘Bitches’ sonaba en esos últimos minutos, con los fans lamentando que Tove no hubiese incluido un temazo así en el disco. Solucionado. Como nos reveló en una entrevista, se había guardado varias canciones para una segunda parte que por fin ha llegado. Aquí, de nuevo, la sexualidad está presente sin ningún tabú -por algo empiezo así la reseña- y es que, para la sueca, la música y el sexo están “muy conectados, lo cual es genial. Siempre me ha gustado esa forma de expresión, cuando es genuina y no porque alguien te dice que lo hagas”, aclara en referencia a la hipersexualización a la que se obliga a muchas cantantes.

El sexo, el amor, el dolor (las tres partes en que se dividía su debut), las drogas, la diversión, los errores, la amistad y la juventud inundan el tercer y cuarto capítulos con que se finaliza la historia iniciada con los dos primeros allá por ‘Lady Wood’: ‘LIGHT BEAMS’ y ‘PITCH BLACK’ -curiosamente, el primero describe más su vida actual, mientras el segundo es cronológicamente anterior. En una primera escucha parece que el segundo capítulo palidece frente a un primero que grita “bop” en cada canción, pero, al darle alguna más, se descubre que el segundo capítulo ofrece cosas muy distintas. Su potencial está en growers donde “la chica más triste de Suecia” no sube las pulsaciones de su corazón; está ocupada mostrándonoslo abierto en canal.

“It’s all fun and games ‘til it’s real” canta en ‘hey you got drugs?’, que cierra el disco. Coescrito con la conocida por su trabajo en ‘Blue Neighbourhood’ Alex Hope, el corte finalmente no es una ida de olla hedonista como pensábamos por su título, sino lo más cercano a una balada que ha hecho jamás (y bastante decente, por cierto). No, no ha resultado ser un tema para darlo todo en la discoteca, y no son drogas literales las que anhela en esa petición del título: en el paso al segundo capítulo, ‘PITCH BLACK’, nos la imaginamos volviendo a casa, a su cama, sola y rodeada de silencio (y de oscuridad, por supuesto). No en vano, aquí se encuentra una de sus canciones más personales -y mira que hablamos de Tove Lo-, ‘9th of october’: ya ha dicho que le costará mucho cantar en directo este tema sobre el día que cortó con la persona que inspiró casi todo ‘Lady Wood’. Habrá quienes la acusen de intensa, pero ella no sabe ser de otra forma cuando está sufriendo por amor -ya le gustaría ser como esa gente que pasa de un corazón a otro, dice en la más flojilla ‘bad days’.

‘Lady Wood’ tenía cohesión no solo en su concepto sino también en lo musical, algo de lo que su “segunda fase” se desmarca: la autora de ‘Moments’ comenta que quería experimentar y, además de meter aquí su primera balada y de recuperar algún que otro sonido más ‘Queen of the Clouds’, explora nuevos territorios, como pudimos adivinar con su lead-single. De la primera parte hablaremos luego, pero la segunda tiene toques de trap en la discreta ‘romantics’, un rollo Daft Punk en ‘struggle’ (grandioso ese “fuck some sense into me”) y coqueteos con el dancehall en ‘cycles’, que podría ser la prima (muy) oscura del “I’m dying to see how this one ends” de ‘Blank Space’. ‘cycles’ es, sí, la descripción de un círculo vicioso que ni el Eterno Retorno de Nietzsche, el círculo en el que está metida la sueca en cuanto a sus relaciones… pero también podría servir como una respuesta a quienes critican que se repita en sus temáticas: “I’m in a cycle, yeah I admit it (…) my life’s a cycle, don’t mean we ain’t true”. Incluso, con un punto de rebeldía ante los escandalizados: “elijo restregárselo en la cara a la gente aún más, la portada obviamente es una reacción a otras reacciones. Para mí es muy artístico, más que una foto de mi culo.”

El sonido del álbum, como hemos dicho, varía con respecto a los anteriores y, además de los coqueteos ya mencionados, en general se respira una atmósfera más disco -ya nos lo advierte nada más empezar en ‘LIGHT BEAMS’: de “Queen of the Clouds” a “Motherfucking Queen of the Discoteque”. Si en el otro capítulo nos la imaginábamos volviendo a casa, aquí podemos verla repitiéndose esa frase mientras se mira al espejo antes de salir… e inmediatamente nos llegan tres temazos. Primero la ya conocida ‘disco tits’ (ya hay -censurada- versión en directo, por cierto), producida por The Struts al igual que la que viene a continuación, la pegajosa ‘shedontknowbutsheknows’, y luego la especialmente sexual (“lips, lick ‘em / pupils grow wide (…) “I sit on your face / I see you smiling, covered in me”) ‘shivering gold’. ¿Quién puede escuchar esta última sin acabar con el gancho “shiver, shiver, bittersweet that glitter” en la cabeza? No anda lejos en lo sexual la única que ya conocíamos, ‘Bitches’, que bien podría entrar en una de esas “playlists para follar”, y en la que el estribillo (“bitches, I don’t trust them / but they give me what I want for the night”) podría ser una referencia irónica a los “pretty boys” de ‘True Disaster’. Ali Payami está detrás de los toques cuasi-grunge de este corte, pero el sueco-iraní, que ya trabajó en ‘Keep it simple’, es responsable además de la también minimalista ‘dont ask dont tell’ y de la que es una de las mejores canciones que la sueca nos ha entregado en su carrera: ‘stranger’.

‘stranger’ tiene esa mezcla de euforia y miseria, ese “bailar llorando” que tuvieron grandes temas pop como ‘Dancing on my own’ y ‘Chandelier’, tiene el toque escapista de joyas como ‘There’s a Light That Never Goes Out‘ y tiene -sin esto no sería lo que es- la honestidad en la letra y la voz de una Tove que podría romper a llorar en cualquier momento durante estos cuatro minutos. Justo antes del glorioso instrumental final, grita “eres mi última esperanza, no me importa lo que hagas / dejo mi corazón abierto, voy a dejarlo para ti / puedes entrar en él / quiero un corazón que se sienta usado (¿quiero que me duela, quiero sentirme usada?) / sacia mi corazón / simplemente sácialo”. Casi nada. Nuestro compañero Raúl Guillén ya alababa en su debut la honestidad de sus letras, y cómo ella era un ejemplo de que esto podía alcanzarse en el pop y no solo en el rock. Su brutal sinceridad es clave, y es que ella misma dice que sus canciones son como su diario: “no es tanto un “¡me abrazo y acepto a mí misma!”, va más bien de admitir que mi vida no es siempre lo mejor para mí o para las personas involucradas en ella”.

Comenta la responsable de ‘Habits’ que con “blue lips” quería darle un sinónimo femenino al “blue balls” (el “dolor de huevos” al acumular mucha tensión sexual sin llegar a descargarla). El sinónimo “lips” se refiere, pues, a cómo una mujer puede quedarse con el calentón, pero, más aún, a la privación de la sexualidad femenina, que es por lo que un disco de alto voltaje como éste sigue impresionando tanto. Y es que, quienes encajan a las mujeres dentro de su binomio “monja o puta”, sin duda encajarán a alguien como Tove en el segundo grupo -y hay mucha gente que aún lo hace, lo cual implica que cantantes como ella, que se atreven a hablar tan abiertamente sobre sexo, son muy necesarias. Pero lo que hace tan especial a ‘Blue Lips’ no es su aspecto sociopolítico, ya que no es tanto el qué, sino el cómo: “en un sentido más profundo, la expresión “blue lips” va de intentar alcanzar la satisfacción, no solo la sexual, sino la vital”, aclaraba ella recientemente, y esa (in)satisfacción a todos los niveles está muy bien contada en este tercer álbum, que confirma a Tove Lo como una de las autoras pop más interesantes de la actualidad. Y es que este lince (“Lo” en sueco) de la composición consigue afinar su estilo más que nunca en este trabajo, lo que, unido a una cuidada producción, lo convierte en el mejor que ha editado. Esperaremos el siguiente mientras sigue buscándose a sí misma, y mientras abandera un lema que, si muchos lo han hecho, ¿por qué no ella?: sexo, drogas y pop & roll.

Calificación: 8,3/10
Lo mejor: ‘stranger’, ‘bitches’, ‘shivering gold’, ‘cycles’, ‘disco tits’, ‘hey you got drugs?’
Te gustará si te gusta: Banks, Icona Pop, Robyn, Iggy Pop, Lorde, la Madonna de ‘Erotica’, Chromeo, Flume, Sia, Hot Chip, Lykke Li
Escúchalo: Spotify

1993 mujeres de la industria musical sueca dan su testimonio contra el sexismo y los abusos

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Robyn, Zara Larsson, Nina Persson, First Aid Kit y Carola están entre las mujeres de la industria musical sueca que han firmado una carta contra el sexismo y los abusos en este sector. Como informa DN, se ha avanzado mucho en los últimos años y hay que celebrar que cada vez más mujeres ganan premios u ocupen puestos directivos en el sector, pero aún queda mucho camino por recorrer en cuanto a igualdad. El artículo incluye el testimonio de artistas, músicas, compositoras, estudiantes, empleadas y becarias que han sufrido acoso sexual o discriminación sexista.

Las historias incluyen a un grupo de cuatro chicas de 16 o 17 años que se encontró con que en el programa de un festival se las describía como «no solo son guapas sino que además saben tocar». «So hold your dick, guys» terminaba aquella nota, mientras otros casos incluyen el acoso sexual más descarnado del director de una compañía discográfica a una becaria de 17 años frente a toda la oficina y algunas testigos narran casos de violación. «Cuando un músico competente te viola, pierdes a un montón de amigos. «Lo que hizo está mal, pero es una parte de la industria musical y no queremos perderle. Esperemos que lo entiendas y lo respetes». Esto es un ejemplo de lo que los amigos dicen cuando les he dicho lo que ha pasado», dice una de las mujeres.

Otra recuerda que, trabajando en un estudio musical de Londres, al intentar volver a Suecia para buscar un empleo similar, se encontró con que se rieron de ella por teléfono y le preguntaron si chupaba pollas. «Si te gusta chupar pollas, tenemos un trabajo para ti», indicó un productor.

Melenas, próximo capítulo en la memorable saga del rock garajero pamplonés

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Pamplona, como ya hemos comentado alguna vez con sus propios protagonistas, es una algo tan insólita como incesante fuente de nombres interesantes para el panorama pop rock nacional, al menos en lo que a espíritu underground se refiere. Tras Kokoscha, Exnovios o Tremenda Trementina, el próximo nombre al que seguir que surge de la capital navarra es el de Melenas. Foto de Ander Iribarren.

Se trata de cuatro chicas cuya juventud puede engañar, pues no son ni mucho menos novatas en esto: Laura, su batería, tocó en aquel divertido y fugaz proyecto también femenino llamado Panty Pantera, y sigue formando parte de Río Arga; Leire, la bajista, formó parte de los ya extintos Los Ginkas. Completan la formación Ohiana, voz y guitarra, y María, a los teclados. Lo suyo es un rock garajero con cierto espíritu psicodélico, contundente pero con gancho, a lo Vivian Girls o Las Robertas, y cristalizado en temas tan magnéticos como ‘Volaremos’ y ‘¿Dónde estás?’, balance suficiente para ser seleccionadas para actuar en varios festivales estatales, como los últimos Santander Music Festival o BIME Live.

Hace pocos días Melenas han anunciado la inminente publicación de su álbum de debut, una co-edición entre El Nébula Recordings, Snap Clap Club y Elsa Records cuya producción ha corrido a cargo de Guillermo F. Mutiloa (Kokoshca). 10 canciones que incluyen esas dos primeros “singles” y de la que también acaban de dar a conocer ‘Una voz’, que da nuevas razones para confiar en ellas como otro memorable episodio en la saga del rock pamplonés.

Melenas son uno de los primeros nombres confirmados, junto a Eggstone o BMX Bandits, de Madrid Popfest 2018.

Rita Ora se arriesga a concursar de manera anónima en ‘The Voice Germany’

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Rita Ora ha acudido a The Voice Germany para interpretar el tema ‘Your Song’, pero no ha sido una actuación cualquiera. Su presentación se produce con los jueces de espaldas a ella como si fuera una concursante más y han de optar por girarse si les gusta su «voz» o pasar de ella. Rita se arriesga así a sufrir una humillación pública bastante difícil de olvidar si nadie hubiera apostado por su voz en directo, pero sale beneficiada considerablemente pues los jurados parecen encantados con su actuación. Eso sí, o disimulan muy bien si esto estaba preparado o amañado o no parecen reconocerla cuando se giran. Incluso la comparan con «la original», llegan a preguntarle su nombre y, finalmente, si es una doble. Rita Ora, que también recuerda que ha sido juez en The Voice UK, reconoce haber pasado nervios durante su actuación.

‘Your Song’, co-escrita por Ed Sheeran, ha sido top 7 este año en las islas británicas, superando los 200 millones de reproducciones en Spotify, y también ha triunfado su colaboración con Avicii ‘Lonely Together’, que ha llegado a ser número 4. Aunque la canción que definitivamente se ha llevado el gato al agua es la delirante ‘Anywhere’, que sube al puesto 2 y es una de las mejores canciones del momento para nuestra redacción.

Paloma Faith dejará a Morrissey sin número 1 en Reino Unido este viernes

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Morrissey, adicto a las listas de éxito y de actualidad por las razones equivocadas, sufrirá este viernes cuando vea su nuevo disco ‘Low In High School’ en el mejor de los casos en el puesto 2 en Reino Unido. Según las «midweeks» publicadas los lunes, el próximo número 1 en las islas será ‘The Architect’ de Paloma Faith, pues ha vendido 24.160 unidades durante el fin de semana pese a que la cantante no tiene ninguno de sus singles en el actual top 100 ni tampoco sonando en la emisora más importante del país, Radio One. ‘Crybaby’ en su momento sí llegó al puesto 36, pero ‘Guilty‘ no ha llegado a las listas pese a que ahora mismo está siendo pinchada por la emisora más adulta Radio Two.

Si todo sale bien, será el primer disco de Paloma Faith en ser número 1 en Reino Unido, pues ‘Do You Want the Truth or Something Beautiful?’ fue top 9 y ‘Fall to Grace’ y ‘A Perfect Contradiction’ quedaron en el top 2. De manera sorprendente, todos terminaron siendo doble platino, despachando más de 700.000 unidades solo dentro de este país.

En cuanto a Morrissey, ha vendido 20.407 unidades en el fin de semana, y después de la polémica sobre su defensa de Kevin Spacey en el caso de acoso a un menor, es bastante dudoso que las ventas se animen, también teniendo en cuenta las críticas negativas que está teniendo el álbum. Los discos en solitario de Morrissey que han sido número 1 en las islas son ‘Viva Hate’ (1988), ‘Vauxhall and I’ (1994) y ‘Ringleader of the Tormentors’ (2006).

Igualmente es noticia la caída de ‘reputation’ de Taylor Swift, que tras vender unas impresionantes 84.000 unidades en su primera semana (muy poco por debajo de lo que conseguía ‘1989’), podría caer hasta el puesto 7, ya por debajo de Sam Smith, cuyo disco salió antes: Taylor va necesitando los puntos de streaming.

Nick Cave acusa a Roger Waters de intentar «humillarle públicamente» por tocar en Israel, Waters contesta

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La decisión de tocar en Israel continúa dividiendo a los músicos. Si este verano Radiohead ofrecían uno de los conciertos más largos de su vida en este país como respuesta a la petición de Roger Waters de Pink Floyd y otros músicos de que no actuaran, ahora este ha decidido enfrentarse de nuevo a Nick Cave.

Nick Cave ha decidido dar una conferencia de prensa para explicar su decisión de tocar en Tel Aviv, que ya había generado polémica hace unas semanas. En ella ha asegurado que le «encanta Israel» y que los músicos que deciden tocar en este lugar «han de enfrentarse a una especie de humillación pública por parte de Roger Waters y compañía». Para él su concierto va «contra cualquiera que intente censurar y silenciar a los músicos».

Un nuevo comunicado de Roger Waters y Brian Eno y otras personas a favor del boicot responde. Las palabras de Roger Waters son: «¿De verdad Nick piensa que esto va sobre la censura de su música? ¿Qué? Nick, con todo el respeto, tu música es irrelevante para estos menesteres, como la mía, como la de Brian Eno, como la de Beethoven, esto no es sobre música. Es sobre derechos humanos». Por su parte, Brian Eno añade: «No tiene nada que ver con «silenciar» a los artistas, una acusación que encuentro bastante irritante cuando estamos en un contexto en el que millones de personas están siendo permanente y grotescamente silenciadas».

La Canción del Día: Dellafuente escribe desde la perspectiva de una mujer fuerte y segura en ‘Demonia’

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Tras haber triunfado el pasado año con el ecléctico ‘Ansia viva’, Dellafuente parece que se ha tomado su trabajo con algo más de calma en 2017. Y aún así, se puede decir que este año también ha sido relevante, al escuchar cómo su nombre era citado en uno de los hits del año en nuestro país, ‘Mala mujer’. Pero, volviendo a su trabajo propio, tras el silencio que sucedió a la tanda de temas sueltos que presentó a inicios del pasado verano (‘Con otro andas ahora’, ‘Romea y Julieto’, ‘Hay flores flotando en el agua’), acaba de volver a la actividad.

En el último par de semanas ha presentado tres nuevos temas: ‘Lo quiero ver’, con producción de Jayeem y una letra con ese toque sentimental tan suyo; ‘Prêt-à-porter’, con base de Highself y una letra bastante divertida –“tengo supporters, también dislexia: Harry Porter”– que habla de sus aspiraciones en la música –“yo quiero un Grammy, como la Shaki”–. Y el tercer tema es el que, al menos en una primera impresión, parece que tiene un potencial comercial mayor.

Se trata de ‘Demonia’, tema lanzado el pasado viernes que desde ayer cuenta con un vídeo oficial producido por Onza Studio, dirigido por que ha contado con la colaboración de Jägermusic. Sobre una atractiva base trapera de Danni Ble (Banana Bahía Music, C. Tangana), El Chino ofrece una perspectiva no demasiado común en el rap: la de una mujer joven que está segura de sí misma y que no necesita a los hombres para ser quién es (“No te hace falta ni un hombre que diga que a ti te comprenda / No necesitas que nadie dirija tu vida y te compre las prendas”), y precisamente por eso siempre despertará injustas sospechas y la harán sentir una “demonia”.

Bruno Mars arrasa y ‘Despacito’ triunfa en los AMAs 2017

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Esta madrugada se han celebrado la gala de entrega de los American Music Awards 2017, premios que son otorgados cada año con los votos del público. El indiscutible vencedor de esta edición ha sido Bruno Mars, que se ha llevado nada menos que 7 premios, incluidos los más importantes: Artista del Año, Vídeo del Año (por ’That’s What I Like’), Álbum Favorito de Pop/Rock y de Soul/R&B (por ‘24K Magic‘), Artista Masculino Favorito de Pop/Rock y de Soul/R&B y Canción Favorita de Soul/R&B por, de nuevo, ‘That’s What I Like’.

La otra ganadora destacada de la noche fue ‘Despacito’, de Luis Fonsi, Daddy Yankee y Justin Bieber, que obtuvo dos premios (Canción Favorita de Pop/Rock y Colaboración del Año). Otros premiados destacados fueron Lady Gaga (Artista Femenina Favorita de Pop/Rock), Beyoncé (Artista Femenina Favorita de Soul/R&B), Imagine Dragons (Grupo Favorito de Pop/Rock), Niall Horan (Artista Novel del Año, ganando algún tipo de pulso a sus ex-compañeros en One Direction), Drake (Artista Masculino Favorito de Rap/Hip-Hop), Kendrick Lamar y su ‘DAMN.’ (Álbum Favorito de Rap/Hip-Hop), Linkin Park (Grupo Favorito de Rock Alternativo), Coldplay (Gira del Año) y The Chainsmokers (Artista Favorito de EDM). Diana Ross recibió un premio a su carrera.

Entre las actuaciones más destacadas, Christina Aguilera rindió homenaje a Whitney Houston interpretando un medley que incluía fragmentos de ‘I Will Always Love You’, ‘I Have Nothing, ‘Run to You’ y ‘I’m Every Woman’ –aunque su actuación vocal no convenció a todo el mundo–; Selena Gomez hizo su primera aparición en vivo tras serle trasplantado un riñón, interpretando su single con Marshmello, ‘Wolves’; P!nk, con una de esas actuaciones acrobáticas que le pirran –esta vez bailando descolgándose por la fachada de un edificio–, y que más tarde repitió cantando ‘Everybody Hurts’ de R.E.M. a dúo con Kelly Carkson; Lady Gaga interpretando su último single, ‘The Cure’, en un piano transparente; la boyband coreana BTS haciendo su debut en la televisión norteamericana –aunque ya cuentan con muchas fans, parece ser– o Imagine Dragons compartiendo su ‘Thunder’ con Khalid, una de las revelaciones del último año.

Palmarés completo
Artist of the Year: Bruno Mars
New Artist of the Year: Niall Horan
Collaboration of the Year: «Despacito» by Luis Fonsi featuring Daddy Yankee & Justin Bieber
Tour of the Year: Coldplay
Favorite Male Artist – Pop/Rock: Bruno Mars
Favorite Female Artist – Pop/Rock: Lady Gaga
Favorite Duo or Group – Pop/Rock: Imagine Dragons
Favorite Album – Pop/Rock: «24k Magic» by Bruno Mars
Favorite Song – Pop/Rock: «Despacito» by Luis Fonsi featuring Daddy Yankee & Justin Bieber
Favorite Male Artist – Country: Keith Urban
Favorite Female Artist – Country: Carrie Underwood
Favorite Duo or Group – Country: Little Big Town
Favorite Album – Country: «Ripcord» by Keith Urban
Favorite Song – Country: «Blue Ain’t Your Color» by Keith Urban
Favorite Artist – Rap/Hip-Hop: Drake
Favorite Album – Rap/Hip-Hop: «DAMN.» by Kendrick Lamar
Favorite Song – Rap/Hip-Hop: «I’m the One» by DJ Khaled featuring Justin Bieber, QUAVO, Chance The Rapper and Lil Wayne
Favorite Male Artist – Soul/R&B: Bruno Mars
Favorite Female Artist – Soul/R&B: Beyoncé
Favorite Album – Soul/R&B: «24k Magic» by Bruno Mars
Favorite Song – Soul/R&B: «That’s What I Like» by Bruno Mars
Favorite Artist – Alternative Rock: Linkin Park
Favorite Artist – Adult Contemporary: Shawn Mendes
Favorite Artist – Latin: Shakira
Favorite Artist – Contemporary Inspirational: Lauren Daigle
Favorite Artist – Electronic Dance Music: The Chainsmokers
Video of the Year: «That’s What I Like» by Bruno Mars
Top Soundtrack: «Moana»
Lifetime Achievement: Diana Ross

Rusos Blancos / Algo nuevo, algo viejo, algo prestado

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En el concierto de Rusos Blancos en el Bis Festival, Manu Rodríguez nos ofreció un breve discurso contra el amor romántico antes de tocar ‘Tampoco nos hemos querido tanto’; “del amor romántico también se sale” remató, todo (pretendidamente) serio. El deseo sexual y las relaciones de pareja como campo de batalla son temas recurrentes de la banda y este EP de cuatro canciones no es ninguna excepción. Como en la portada de ‘Museo del Romanticismo, parodian de nuevo los rituales del emparejamiento convencional (ese “algo nuevo…” que supuestamente han de llevar las novias en su boda). Grabado por Julio de la Rosa, el EP varía con respecto al sonido de ‘Museo del Romanticismo’. Suena más limpio. Y sí, esta vez más Prefab Sprout. Sus cuatro temas tienen más empaque en lo instrumental, son menos sintéticos, más sofisticados, menos guitarreros. Los hits no son tan rotundos como la tríada inicial de ‘Museo del Romanticismo’ o los portentosos ‘Camas y trincheras’ o ‘A otra con esas’, pero sí que son de una efectividad y adhesividad importantes. ‘Amor, ¿que si tengo o que si quiero?’ es prácticamente una canción del verano, tropical, con una línea de bajo zumbona y coros juguetones. ‘Tampoco nos hemos querido tanto’ es pegadiza, con algún fugaz instante de ligera vergüenza ajena (ese “no te cortes las venas, con lo bonitas que te quedan largas”, ay) pero tras este pequeño desliz remonta gracias a esa letra sobre cómo dejar a tu novia en medio de un jolgorio alegre y un estribillo luminoso; una rutilante muestra de cinismo sentimental. Así da gusto que te manden a pastar. La que rompe con la temática amorosa es ‘Blablacar (viaje al éxito)’, adaptación respetuosa en lo musical pero libérrima y desternillante en lo lírico del ‘Black Cab’ de Jens Lekman sobre viajes en coche compartidos con emprendedores de palo (y, spoiler, final feliz). ‘Pimentón húngaro’ es otra nueva vuelta de tuerca al tema de la insatisfacción sexo-sentimental y la necesidad de encontrar nuevas víctimas, con aire de himno religioso y leve crescendo épico. Rusos Blancos continúan ahondando en su particular visión del mundo mientras van abriendo su horizonte pop.

Rusos Blancos celebran el día 25 de enero el concierto fin de gira de ‘Museo del Romanticismo’. Será en el Teatro Lara de Madrid.

Calificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘Amor, ¿que si tengo o que si quiero?’, ‘Tampoco nos hemos querido tanto’
Te gustará si te gusta: Betacam, Jens Lekman
Escúchalo: Spotify

Nine Inch Nails, Yo La Tengo y La M.O.D.A., nueva tanda de confirmaciones de Mad Cool 2018

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Como sabéis, este año el festival Mad Cool, radicado en Madrid, ha elegido ofrecer las incorporaciones al cartel de su edición 2018 con cuentagotas. Así, días atrás hemos ido conociendo la presencia, primero, de Queens of The Stone Age, MGMT, Future Islands o Real Estate, luego de Fleet Foxes y Ofenbach, y más tarde de Depeche Mode, Massive Attack y Jack Johnson.

Hoy llega una nueva ocasión de actualizar las últimas adiciones al cartel, con el anuncio de Nine Inch Nails como nuevo nombre destacado. El proyecto de Trent Reznor, ahora junto a su nuevo socio Atticus Ross, presentará su última obra, tres EPs de los que ya conocemos ‘Not The Actual Events’ y ‘Add Violence’. Junto a NIN, en los últimos días Mad Cool también ha deslizado los nombres de Yo La Tengo –confiamos en que eso implique la publicación de su primer álbum de temas propios inéditos tras ‘Fade’ (2013)– y La Maravillosa Orquesta del Alcohol –La M.O.D.A.–, nuevos referentes del rock estatal.

Mad Cool se celebrará los días 12, 13 y 14 de julio de 2018 en una nueva ubicación, el Espacio Mad Cool de Valdebebas, próximo a Ifema y que acogerá hasta a 80.000 personas por día. Los abonos ya están a la venta en la web del festival.

Jeffrey Tambor no volverá a ‘Transparent’ tras dos acusaciones de abuso sexual de compañeras en la serie

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La pasada semana saltaron nuevas denuncias de abuso sexual en medio del torbellino de la campaña #MeToo. Entre ellas, las de la dos compañeras de trabajo del actor Jeffrey Tambor en el serial de Amazon ‘Transparent’. Tanto la que fuera su asistente en la serie, Van Barnes, como la actriz Tracy Lysette explicitaron –la última con gran detalle en un escrito en Twitter– las aproximaciones sexuales no consentidas, verbales y físicas, de Tambor durante el rodaje de la premiada serie, protagonizada por Tambor. Este daba vida a Maura Pfefferman, y precisamente su transición de género un maduro padre de familia a la mujer que interpretaba el veterano actor era el eje primordial de la serie. Este papel le dio un Globo de Oro al mejor actor en el año 2015.

Tras haber negado esas acusaciones en un comunicado, finalmente Jeffrey Tambor ha anunciado a la web Deadline que deja la serie. “Interpretar a Maura Pfefferman en ‘Transparent’ ha sido uno de los grandes privilegios y experiencias creativas de mi vida. Lo que ha quedado claro en las últimas semanas, en todo caso, es que este ya no es el trabajo por el que firmé hace cuatro años”, ha dicho, aludiendo a la deriva de su personaje en las últimas temporadas. “Ya he dejado patente mi profundo arrepentimiento si cualquier acción mía fue malinterpretada por alguien por ser agresiva, pero la idea de que yo acosara a alguien deliberadamente es simple y totalmente incierta”, ha dicho, según Deadline. “Dada la politizada atmósfera que parece afligir a nuestro set [de grabación], no veo cómo podría regresar a ‘Transparent’”.

En las últimas horas, Morrissey ha defendido a otros recientes acusados de acoso, como Kevin Spacey y Harvey Weinstein, de sufrir un linchamiento público ante algo que, según él, también era responsabilidad de los presuntos agredidos.

Muere Charles Manson, oscuro icono de la cultura norteamericana

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Tal y como se esperaba tras su último ingreso hospitalario de hace pocas horas, Charles Manson ha muerto a la edad de 83 años, mientras seguía cumpliendo condena –cadena perpetua, tras serle conmutada la pena de muerte inicial– por asesinar o instigar la muerte de al menos 8 personas a través de la secta que él fundó, la Familia Manson. Su más sonado crimen fue el cometido en 1969 en casa del músico y productor Terry Melcher (hijo de Doris Day), donde sus acólitos destriparon el cuerpo de, entre otros, la actriz Sharon Tate, entonces embarazada de su marido, el director de cine Roman Polanski. Unos acontecimientos que aún hoy siguen marcando la sociedad norteamericana y que han sido referenciados en numerosas novelas y películas. La fantastica novela ‘Las chicas’, de Emma Cline, se centra en las mujeres de aquella secta, mientras que Quentin Tarantino está preparando una película sobre lo acaecido aquellos días.

Ya desde antes de estas atrocidades, Charles Manson se convirtió en un oscuro icono de la cultura norteamericana, llegando a hacer amistad con el Beach Boy Dennis Wilson, con el que se dice que grabó una maqueta que nunca se ha encontrado. Pero sí llegaron a ver la luz otras grabaciones de Manson en formato cantautor, con algunas canciones realmente destacables como ‘Look At Your Game, Girl’ o ‘Home Is Where You’re Happy’. Pese a ser, sobre todo, un delincuente, un camello y un proxeneta, a Manson le obsesionaba la música, llegando a elaborar un estudio profundo del álbum blanco de los Beatles, particularmente de la canción ‘Helter Skelter’, en la que quiso ver una invocación a la guerra racial.

Manson nunca dejó de dar titulares llamativos ni desde la prisión en la que vivió más tiempo que en libertad. Por ejemplo, aseguró que quería grabar un disco con Phil Spector, aprovechando la estancia de este en su misma prisión, cumpliendo condena por el asesinato de Lana Clarkson. Además, una buena cantidad de bandas de rock como Guns N’ Roses, White Zombie, Devendra Banhart, System of a Down y, por supuesto, Marilyn Manson se han inspirado en su figura en algún momento de su obra.

Los Caramelos de Charlie Mysterio comienzan a publicar la “disco-saga” ‘Cicatrices de un cuento’

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Los Caramelos son uno de los proyectos más fantásticos –por su exquisitez sonora, por su aura misteriosa y, en fin, por sus canciones– del pop de nuestro país. También involucrado en distintos proyectos como La Ruleta China –con Fernando Márquez “El Zurdo”– o, recientemente, Os Peregrinos –con Roger de Flor–, Charlie Mysterio lleva desde finales de los años 80 hasta hoy haciendo aparecer y desaparecer su proyecto de forma intermitente e inesperada, si bien en los últimos años parece que su frecuencia es, felizmente, mayor. Así, tras la edición en 2014 del magnífico ‘Esconde tus alas en la torre fantasma’ y un posterior apéndice en forma de EP, “sólo” hemos tenido que esperar 3 años para escuchar nuevas canciones suyas.

Hoy Discos Walden presenta ‘Cicatrices de un sueño (I)’, primera entrega de lo que pretende ser una “disco-saga”, “disco-saga que irá apareciendo por entregas, como pequeños volúmenes de una novela de bolsillo barata”. Sigue así la nota de prensa:

“Canciones domésticas, sin terminar, unas suenan mejor que otras. 
Rescates de viejos archivos de hace diez años o más, que aparecen por arte de birlibiloque, en medio de esta nueva colección.
Canciones grabadas en casa y mezcladas con parsimonia (y un toque de colonia, en este caso alcarreña) en la casa-estudio de Nacho Ecuánime, Guadalajara.

El cuento de hacer música, por puro cuento; por el mero gusto de hacerla… y de contar cosas. 

Cuentos azules y espesos como volutas de humo. Cuentos de caramelo, de confitero ambulante en ferias. 
Cuentos como caricias de fantasma. Cuentos ingrávidos, inofensivos. Cuentos que llevarse a la boca. Otros salen de ella y acarician tu oído, sin lastimarlo nunca. 
Cuentos de caracolas marinas. Cuentos bogando a merced de quien los narra. 
Cuentos que producen una inmediata sensación de bienestar. Cuentos molestos, estrechos y perezosos. 
Cuentos largos y maliciosos. Cuentos que son un remanso. Otros, un rayo que anuncia tormenta acústica. 
Cuentos de zozobra y naufragio. Cuentos encontrados en el interior de una botella.
Aquí están sus huellas, sus costuras, sus cicatrices sonoras”.

Este primer volumen está compuesto por 15 canciones que, formato digital al margen, apenas verán la luz en una edición limitadísima –50 unidades– en formato de cassette celeste. Están ya disponibles, también para escucha, en el Bandcamp de Discos Walden.

Morrissey culpabiliza a las presuntas víctimas de Harvey Weinstein y Kevin Spacey

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¿Echábais de menos a Bigmouth? Probablemente, no. Como si no pudiera perder la ocasión de arruinar la promoción de su nuevo disco, ‘Low In High School’ –publicado este viernes 17 de noviembre–, en una entrevista con el diario alemán Spiegel Online ha realizado unas declaraciones no controvertidas: lo siguiente. En dicha conversación publicada ayer por la tarde, la periodista Juliane Liebert preguntaba a Mozz sobre algunos asuntos espinosos, como el Brexit (“El resultado del referéndum Brexit me fascinó porque fue una victoria para la democracia”) o la campaña #MeToo, por la que se han aireado numerosos casos de violación y acoso sexual en el mundo del espectáculo.

“¿Has seguido los debates sobre Harvey WeinsteinKevin Spacey y #MeToo?», interroga Liebert. “Sí, pero luego se convirtió en una obra de teatro. Todos a la vez todos son culpables. Cualquiera que alguna vez le haya dicho a otra persona, «Me gustas», de repente está siendo acusado de acoso sexual. (…) Si no puedo decirle a nadie que me gusta, ¿cómo podría saberlo? Por supuesto, hay casos extremos, la violación es desagradable, cada ataque físico es repulsivo. Pero tenemos que verlo en términos relativos. De lo contrario, cada persona en este planeta es culpable”.

Hasta aquí hasta parece comprensible su punto de vista, sin embargo, sigue así cuando le pregunta por la sustitución de Spacey en la nueva película de Ridley Scott: “Creo que eso es ridículo. Por lo que yo sé, él estaba en una habitación con un chico de 14 años. Kevin Spacey tenía 26 años y el chico 14. Me pregunto dónde estaban los padres del niño. Uno se pregunta si el niño no sabía lo que podría pasar. No sé tú, pero nunca he estado en situaciones como esta en mi juventud. Nunca. Siempre supe lo que podría pasar. Cuando estás en la habitación de alguien, tienes que ser consciente de a dónde puede llevar eso. Es por eso que no me parece muy creíble. Me parece que Spacey ha sido atacado innecesariamente”.

Obviamente desconcertada, Liebert pregunta a continuación: “¿Debería eso también aplicar a las actrices que fueron a la habitación del hotel con Weinstein?». “La gente sabe exactamente lo que sucede. Y ellos siguen el juego. Después, se sienten avergonzados o no les gusta. Y luego lo giran y dicen: fui atacado, me sorprendió, fui arrastrado a la habitación. Pero si todo hubiera ido bien y les hubiera dado una gran carrera, no hablarían de eso. Odio la violación. Odio los abusos. Odio las situaciones sexuales en las que se obliga a alguien. Pero en muchos casos, uno mira las circunstancias y piensa que la persona referida como una víctima simplemente está decepcionada”.

Por si la periodista no hubiera tenido suficientes titulares –por cierto, no se habla prácticamente de música en toda la entrevista: apenas se citan el single ‘Spent The Day In Bed’ y la canción ‘Jacky’s Only Happy When She’s Up on the Stage’ por su supuesta relación con el Brexit–, Morrissey también tiene palabras sobre la política de Angela Merkel (“La UE es un Imperio Alemán”) y culpabiliza a la inmigración de las violaciones (“Berlín es la capital de la violación”). Para esto, mejor haberte quedado en la cama.

Selena Gomez camina sobre las aguas, cual Jesucristo, en el vídeo de ‘Wolves’

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Pese a haber lanzado un par de buenos, interesantes y razonablemente exitosos singles como ‘Bad Liar’ y ‘Fetish, parece que a Selena Gomez le va mucho mejor cuando se alía con productores afamados. ‘It Ain’t Me’, junto a Kygo, ya es su single más exitoso, y ‘Wolves’, el que ha publicado junto a Marshmello hace un par de semanas, parece seguir el mismo camino.

Esta semana ha sido la subida más fuerte del Billboard Hot 100, pasando del puesto 88 al 35 directamente, y este efecto probablemente se verá incrementado con el videoclip oficial que acaba de presentar. Está íntegramente protagonizado por Gomez –su productor y co-autor Marshmello solo hace acto de aparición a modo del “cameo” de su característico casco-malvavisco–, y muestra a la ex-chica Disney cantando con gran dramatismo en un oscuro club de natación, revolcándose por las duchas con un vestido que tiene pinta de ser carísimo y, como colofón final, caminando sobre las aguas de la piscina cual Jesucristo contemporáneo.

Dado que no hay confirmación de que vaya a publicar un álbum que contenga todos estos singles en 2017 –salvo sorpresa fin de año–, parece que habrá que aguardar hasta 2018 para la continuación de ‘Revival’. Quizá haya tenido que ver quesu situación sentimental no parece precisamente estable: tras dar la campanada a inicios de año cuando confirmaba su romance con The Weeknd, recientemente ha roto con él e, inesperadamente, podría haber vuelto con el que ya fuera su pareja antes, Justin Bieber. Este verano ha tenido que dejar toda su actividad profesional tras un trasplante de riñón al que fue sometida.

La Canción del Día: Charlotte Gainsbourg lleva a Sylvia Plath a la pista de baile en ‘Sylvia Says’

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Este viernes se ha publicado ‘Rest’, el nuevo álbum de Charlotte Gainsbourg en el que la hija de Serge y Jane Birkin ha trabajado codo con codo con el músico y productor SebastiAn, además de músicos, compositores y arreglistas como Guy-Manuel De Homem-Christo (mitad del dúo Daft Punk), Paul McCartney, Owen Pallett o Connan Mockasin. Un álbum grabado en Nueva York cuya gestación ha sido objeto de un mini-documental llamado ‘Charlotte by Charlotte’ –se estrena el día 2 de diciembre en Aplle Music–, dirigido por la actriz-fetiche de Lars Von Trier.

Ella, animada por el directo danés, también ha dirigido algunos de los clips que han servido como adelanto del álbum, como los de ‘Rest’, ‘Deadly Valentine’ –en el que Dev Hynes (Blood Orange) cumplía un rol de pareja de la actriz– o ‘Ring-A-Ring O’ Roses’. Sin embargo, ‘Rest’ tiene muchas más cosas que ofrecer y está cosechando excelentes críticas ya en las primeras horas tras su publicación.

Una de las canciones que más rápidamente ha llamado nuestra atención es ‘Sylvia Says’, un número de funk sintético elegante y bailable. El característico french-touch de su producción es obra de Sebastian Akchoté-Bozovic, SebastiAn, que no publica un disco propio desde su debut ‘Total’ (2011). Últimamente ha estado más en la palestra por producir álbumes para sus compatriotas Kavinsky y Katerine y temas sueltos para Woodkid, Fall Out Boy y Frank Ocean (en su disco-experimento-jugarreta ‘Endless’). También aparecía en ‘Blonde’ del autor californiano, pero relatando una historia personal en el interludio ‘Facebook Story’.

‘Sylvia Says’ cuenta además con un curioso trasfondo literario. La Sylvia a la que se refiere su título no es otra que la escritora norteamericana Sylvia Plath, autora del poema ‘Mad Girl’s Love Song’, cuyas primeras frases –“I shut my eyes and the world drops dead”– son citadas por Charlotte en el estribillo de esta canción: “Cierro mis ojos y el mundo cae muerto, dice Sylvia; levanto mis párpados y todo nace de nuevo”. En contra del aura triste que rodea a Plath a causa de su trágico final, su obra es fuente de esperanza. Tanto que, como ya hicieron tiempo atrás Belle and Sebastian, sea susceptible de bailar ante sus palabras.

Un contenido Father John Misty convence por su buen repertorio, pero no arrasa

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Quizá nuestro recuerdo de aquel concierto en Vida Festival 2015 era tan intenso que cualquier otra cosa nos habría sabido a poco. Pero el regreso de Josh Tillman y su personaje Papa John Murphy Father John Misty a nuestro territorio fue algo menos subyugante de lo que hubiéramos deseado. Tillman se mostró contenido y reservón, guardándose sus poses y su histrión de estrella del rock rompebragas para momentos muy contados. O quizá es solo que no anda sobrado de fuerzas, después de haber empalmado –qué bien traído este verbo, no es por nada– la gira de ‘I Love You, Honeybear’ con la de ‘Pure Comedy’. Tras la fecha de hoy, 19 de noviembre, en Madrid y mañana en Lisboa, se tomará un descanso que, visto lo visto, se antoja imprescindible hasta comenzar una gira australiana en febrero de 2018. Aunque le va la marcha: dice que está ultimando un nuevo álbum, producido junto a Jonathan Rado (Foxygen) y que verá la luz el año que viene.

El caso es que el concierto de ayer alcanzó el notable gracias sobre todo a su solvente banda en directo y al sobresaliente repertorio de sus tres álbumes como Father John Misty –recordemos que antes incluso de formar parte de Fleet Foxes publicaba como J Tillman–. Que no teman aquellos que no han tenido paciencia para acabar cayendo en la cadencia reposada de su último disco: su presencia es importante, en cuanto a que protagoniza el primer tramo del show, pero medida, porque se concentra en sus cuatro temas más populares, ante proyecciones relacionadas con el imaginario apocalíptico de su diseño y su temática de denuncia político-social-ecológico.

Pero el resto del show consta de una equilibrada alternancia de temas de ‘I Love You, Honeybear’ y ‘Fear Fun’, con sorpresas negativas –‘Chateau Lobby #4’, ‘I Love You, Honeybear’ y ‘Bored In The USA’ resultaron algo desangeladas, interpretadas en modo piloto automático– y positivas –‘Nothing Good Ever Happens At The Goddamn Thirsty Crow’ y ‘When You’re Smiling and Stride Me’ (diría que esta es una de las mejores canciones que haya escrito jamás) fueron de los mejores momentos de la noche. Mientras que la inclusión de un séptimo miembro en el grupo (sorprendentemente parecido a Patrick Styles de Titus Andornicus, aunque parece que no es él) palia un poco la ausencia de los resultones arreglos de viento, Tillman parece más centrado en ofrecer una buena interpretación que un espectáculo, sin apenas dirigirse al público o haciéndolo de manera discreta –apenas bromeó con que tenía que acabar pronto para dejar paso a las sesión de discoteca, donde haría un «set de 60 horas de tropical music y house»–. Incluso dejó que algunas imágenes –las de su famoso vídeo en el que se enrolla consigo mismo– tomaran el protagonismo en ‘The Night Josh Tillman Came To Our Apt.’.

Se fue desatando, eso sí, poco a poco con temas como la bailable ‘True Affection’ o ‘Hollywood Forever Cemetery Sings’ hasta partirse la camisa (me temo que solo virtualmente) del todo en el bis, con una inesperadamente importante ‘Real Love Baby’ –single suelto que escribió para Lady Gaga y se guardó para sí– y una atronadora ‘The Ideal Husband’, que obtuvo como respuesta final una gran ovación mientras Josh lanzaba besos, sonreía y se despedía sacudiendo la manita de un Father John Misty de trapo que le entregaron los fans de las primeras filas. 7.

Pese a la temprana hora, Weyes Blood congregó a una notable cantidad de público en torno a su cálido clasicismo, composiciones atemporales (entre Beach House y The Everly Brothers) impulsadas por su característica y aterciopelada voz. Ataviada con un traje de, precisamente, terciopelo plateado –o eso parecía desde lontananza–, logró mantener atento al público que esperaba por Josh Tillman con cautivadoras canciones de su último disco ‘Front Row Seat To Earth’ como ‘Seven Words’, ‘Generation Why’ o ‘Do You Need My Love’, con la que cerró tras su estupenda revisión de ‘Generation Why’ de Soft Machine. 7.

Maroon 5 / Red Pill Blues

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No tengo yo tan claro que el flop de ‘Red Pill Blues’ sea porque, sencillamente, el disco sea malo. De hecho, ¿cuántos discos malos –o por lo menos regulares– hay que no son un flop, y al revés? Creo que podría ser una cuestión de malas decisiones, como la de elegir un título polémico –aunque haya sido involuntariamente– o dejar los dos singles que precedieron al disco y fueron hits fuera de la edición normal del álbum y reservarlos para la Deluxe –junto con temas tan flojos como ‘Denim Jacket’ o ‘Visions’–. Un detallito de nada, ¿verdad? Al fin y al cabo, ¿quién iba a querer comprarse un disco con megaéxitos como ‘Don’t Wanna Know’ y ‘Cold’, junto a dos de los artistas de hip hop más admirados del momento –Kendrick Lamar y Future, respectivamente–?

Y es que ‘Red Pill Blues’ no está tan mal como pueda parecer. Se dice que han forzado su modernización, tratando de sonar como el R&B contemporáneo. Pero parece olvidarse que Maroon 5 siempre destacaron por hacer R&B (rhythm & blues, ¿recordáis?) y soul blanco en un estilo contemporáneo y han sabido mantenerse vigentes, adaptarse álbum a álbum a las tendencias, en lo cual radica gran parte de su éxito. La pátina de así-suena-2017 en la producción de ‘Red Pill Blues’ es bastante inteligente, seductora y acertada, apostando por cierta sobriedad y contención, en lugar de la pirotecnia de ‘Move Like Jagger’ o ‘Sugar’. Y es sorprendentemente coherente, pese a estar realizada por un enorme y variopinto equipo humano que incluye a Jason Evigan –Britney, Fifth Harmony–, John Ryan –One Direction– o Charlie Puth. Si acaso, lo que se les podría echar en cara es que hayan sumado un nuevo miembro a la banda –Sam Farrar completa el ahora septeto– cuando suenan más sintéticos que nunca.

Tampoco se puede achacar a ‘Red Pill Blues’ que tenga malas canciones, aunque sí regulares: ‘Wait’ y la balada hottie ‘Lips On You’ son resultonas pero prescindibles. Lo de rematar ‘Closure’ con una jam session final de más de 8 minutos es, directamente, pegarse un tiro en el pie. Pero si los dos temas que antes citábamos y que no están en la versión básica del disco triunfaron pese a ser bastante simplones, no sería extraño que otro par de canciones aquí contenidas corrieran la misma suerte. Recordemos que su éxito ha sido bastante paulatino, y algo similar podría suceder con la pegadiza ‘What Lovers Do’, con SZA como invitada estelar, o la aún más bobita –pero de innegable gancho– ‘Help Me Out’, con otra triunfadora de este año, Julia Michaels.

Pero es que ‘Red Pill Blues’ tiene además varias buenas canciones: la inicial ‘Best 4 U’ tiene un groove irresistible, muy Michael Jackson, mientras que ‘Girls Like You’ y ‘Bet My Heart’, como la luminosa ‘Who I Am’ –feat. LunchMoney Lewis–, son buenos temas de soulpop contemporáneo. Aunque la gran canción de ‘Red Pill Blues’ es, precisamente, la menos explosiva y contenida del conjunto, ‘Whiskey’, una estupenda melodía en la que Adam Levine se muestra enganchado al recuerdo de una persona tóxica, con una tensión subyacente que va creciendo hasta que llega el gran verso de A$AP Rocky. Esto, con un buen remix, podría pitar. Quizá son demasiados altibajos, demasiadas malas decisiones –desde el punto de vista comercial, sobre todo–, pero eso no hace de ‘Red Pill Blues’ un mal disco en absoluto.

Calificación: 6,6/10
Lo mejor: ‘Whiskey’, ‘What Lovers Do’, ‘Best 4 U’, ‘Bet My Heart’
Te gustará si te gustan: productores de pop contemporáneo como Matoma, Kygo, Felix Jaehn…
Escúchalo: Spotify

Hoy en «Yo he venido de mi casa»: Taylor Swift, Britney o Lola Flores, ¿quién pinta mejor?

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«Yo he venido de mi casa» anterior: Los emojis nuevos.
Oli + Glu son la ilustradora Oli, líder de Axolotes Mexicanos, y el diseñador y músico Gonzalo R.Flu.

Pros y contras de ‘Liga de la Justicia’, el nuevo desastre fílmico de DC Cómics

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A pesar de su éxito (comercial y creativo), ‘Wonder Woman’ no ha significado el necesario cambio de rumbo que necesitaba el universo extendido DC. Solo ha sido su excepción. ‘Liga de la Justicia’ sigue más o menos el mismo camino marcado por las grandilocuentes y repetitivas ‘El hombre de acero’ y ‘Batman v. Superman: El amanecer de la Justicia’. Es verdad que se intenta desviar a veces, pero es casi peor. Zack Snyder, el auténtico supervillano de DC, lo ha conseguido: estamos ante la que quizá sea la peor trilogía de películas de superhéroes de la historia. Estos son sus pros (que los tiene), y sus (muchos) contras:

Lo mejor de ‘Liga de la Justicia’

1. Wonder Woman. Ni hombre de acero, ni anfibio, ni murciélago; el personaje que más brilla en esta apagada ‘Liga de la Justicia’ es la mujer maravilla. A pesar de la mediocridad –de historia, de personajes, de estilo- que le rodea, o quizá por eso, su carisma y atractivo continúan intactos. Gal Gadot nos sigue atrapando con su lazo luminiscente. Se lleva todas las miradas por mucho que Henry Cavill y Jason Momoa se quiten la camiseta. El director lo sabe, y le da casi el mismo protagonismo que a Batman. Suyas son algunas de las pocas escenas salvables de la película (el ataque terrorista, por ejemplo).

2. The Flash. Aunque su función narrativa sea casi calcada a la de Spider-Man en la saga de Los Vengadores, su presencia como contrapunto cómico dentro de un grupo tan anodino aporta algún chispazo humorístico y metalingüístico a la película. No tanto como para hacerle un puente, pero sí para que parezca que arranca. Chistes como el de ‘Cementerio de animales’ o la carrera hacia el Pacífico tienen su gracia.

Lo peor de ‘Liga de la Justicia’

1. Steppenwolf. No falla. Cuando un personaje tiene que decir continuamente cómo es, verbalizarlo en voz alta, es que no funciona. Y eso es precisamente lo que ocurre con el “supervillano” (así, con unas comillas bien gordas) de ‘Liga de la Justicia’. Steppenwolf se pasa toda la película diciendo, con la voz distorsionada de malo, lo desalmado y despiadado que es, todo lo que va a romper con sus “cajitas madre”, y el sufrimiento y las penalidades que va a provocar. El problema es que este señor mayor malencarado y con cuernos lo único que sabe hacer es dar empujones muy fuertes mientras unos ridículos mosquitos sobrevuelan a su alrededor. Y del horrible CGI mejor ni hablar…

2. Su enorme falta de personalidad. ¿Qué demonios es ‘Liga de la Justicia’? ¿Una sombría y oscura historia de Batman? ¿Una comedia de aventuras como las últimas de Marvel? ¿Una metáfora sobre el mundo contemporáneo, como parecen apuntar las primeras escenas? ¿Una de acción macarra donde Batman y Wonder Woman brindan con un güiscazo o Aquaman nada al ritmo de ‘Icky Thump’ de White Stripes? Es todo eso y nada a la vez. La película da bandazos y cambia de color como Woody Allen en ‘Zelig’. Es como si avanzara al ritmo marcado por las decisiones de última hora de un dubitativo comité de ejecutivos.

3. Es tremendamente aburrida. Y plana. Y repetitiva. Y anodina. Es tan correcta y formularia que ni siquiera te puedes enfadar o reírte de ella, como en la enervante y risible ‘Escuadrón Suicida’. El guión cabe escrito en la entrada del cine. Las peleas, parecen recicladas de entregas anteriores. Y los diálogos, al haber metido mano Joss Whedon, quedan postizos, como de otra película. ¿Qué millonario está hablando aquí, Bruce Wayne o Tony Stark?

4. La familia rusa. ¿¡Por qué!? 4.

William Patrick tira la toalla: vuelve a ser oficialmente Billy Corgan

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No es fácil para un artista proceder a un cambio de nombre cuando ya tienes un bagaje, y más aún si eres tan popular como Billy Corgan, el líder de Smashing Pumpkins. Para la publicación de su reciente trabajo en solitario, ‘Ogilala’, Corgan había optado por firmar con su nombre de pila –doble–, William Patrick, porque se le hacía raro que siguieran llamando “Billy” a un señor de 50 años. “»Billy» suena raro, en cierta forma. Era «Billy» en Smashing Pumpkins, pero ahora suena como si fuera otra persona”, decía a Rolling Stone.

Sin embargo, como ha percibido Pitchfork, finalmente se ha rendido y retoma su apelativo más popular para firmar su obra. Así, en plataformas de streaming como Apple Music o Spotify ‘Ogilala’ ya no aparece firmado como “William Patrick Corgan”, sino solo “Billy Corgan”. Incluso ha cambiado la portada del álbum, con una imagen –ahí arriba– diferente a la que hasta ahora habíamos visto. También ha cambiado el nombre de su canal de Youtube, no así el de su perfil de Facebook.

‘Ogilala’ es un disco –producido por el afamado Rick Rubin– en el que Corgan muestra su perfil más acústico y baladista, con canciones como ‘The Spaniards’ o ‘Aeronaut’. Desde ese mismo ángulo ofrecía recientemente una gran versión de ‘Wrecking Ball’ de Miley Cyrus.

Adiós a Malcolm Young, «la fuerza impulsora tras» AC/DC

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Según ha confirmado el grupo australiano en su perfil de Facebook, el que fuera guitarrista fundador de la banda AC/DC, Malcolm Young, ha fallecido hoy a la edad de 64 años. Young se había retirado de los escenarios en 2014 a causa de una enfermedad –al parecer, demencia–, que hoy ha terminado definitivamente con su vida. Este es el comunicado, cuya parte final está firmada por su hermano y aún guitarrista del grupo, Angus:


“Hoy, con profunda tristeza, AC/DC tiene que anunciar el fallecimiento de Malcolm Young. 
Malcolm, junto con Angus, fue el fundador y creador de AC/DC. Con enorme dedicación y compromiso, él fue la fuerza impulsora detrás de la banda.
Como guitarrista, compositor y visionario, fue un perfeccionista y un hombre único. 
Siempre se mantuvo firmo a sus ideas e hizo y dijo exactamente lo que quería. 
Se enorgulleció de todo lo que emprendió. 
Su lealtad a los fans fue insuperable.
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Como su hermano es difícil expresar con palabras lo que él ha significado para mí durante mi vida, el vínculo que tuvimos fue único y muy especial. Deja atrás un enorme legado que perdurará para siempre. Malcolm, has hecho un buen trabajo».