A falta de que unas escuchas más confirmen lo que de momento parece, esto es, que Demi Lovato ha publicado hoy el mejor disco de su carrera, permitidnos destacar uno de sus mejores temas. Porque en ‘Tell Me You Love Me’ hay desde funk (‘Sexy Dirty Love’) hasta pop dosmilero (‘Games’) pasando por baladones lloricas (‘You Don’t Do It For Me Anymore’) y R&B contemporáneo (‘Lonely’), todo francamente bien hecho y compuesto, pero la ochentada de ‘Daddy Issues’ es para comentar aparte.
‘Daddy Issues’, una producción de Pop & Oak (‘The Crying Game’ de Nicki Minaj, ‘Invincible’ de Kelly Clarkson, ‘Clumsy’ de Britney Spears; sí, su repertorio es variado) arranca con una frase llamativa: “te llamo demasiado, y nunca lo coges, solo cuando quieres follar”. Lovato canta sobre un hombre del que se ha enamorado hasta las trancas pero que es emocionalmente “inaccesible”, pero al que no puede dejar porque sufre del “síndrome del padre ausente”. Lovato ha hablado siempre sobre su conflictiva relación con su padre, fallecido en 2013 y a quien describió como “abusivo”, de modo que ‘Daddy Issues’ presenta un evidente y divertido punto de humor, que toca su cumbre en la frase: “olvida todas las terapias a las que he ido”.
Acorde al punto irónico de la canción, ‘Daddy Issues’ es una canción abiertamente “chiptune”, un poco CHVRCHES de hecho, que a través de su base machacona y de sus sintetizadores de videojuego disimula ligeramente el mensaje dramático de la letra, no obstante expresado en un estribillo grande y de gran intensidad, que podría darle a Lovato grandes alegrías de jugar bien sus cartas. Sugerencia: hacer un vídeo cómico protagonizado por una novia chiflada en plan “overly attached girlfriend” o ‘Blank Space’ de Taylor Swift. Las posibilidades son inmensas…
Theme Park han sido una de tantas víctimas del hype de la prensa musical de su país, Reino Unido, tan proclive a fagocitar bandas jóvenes a las que encumbra con apenas un par de temas (EPs en el mejor de los casos). Algunos sobreviven al primer disco, muchos no llegan al segundo. Parecía que este sería el caso de Theme Park, grupo del norte de Londres formado por los gemelos Marcus y Miles Haughton y Oscar Manthorpe, que tras un buen pero algo tibio debut homónimo publicado en 2013, parecían haber desaparecido. Especialmente tras lanzar un buen single como ‘Something Good’ en 2015 con el que no pasó nada. Sin sello y con poca gente esperando su regreso, el camino fácil sería haber desistido, pasado a otro tema, buscarse un curro o probar suerte montando otro grupo. Pero ellos, gracias al apoyo de su amigo Ben Garrett (más conocido como Fryars, productor en su día de Lily Allen y Mika), se convencieron de sus capacidades y se animaron a escribir y grabar con él este ‘Is This How It Starts?’. La cuestión es si ha merecido la pena el esfuerzo y, pese a lo que pudiera parecer, lo cierto es que sí.
Convencidos de que ya no podrán ser el grupo de moda, Theme Park han conseguido hacer un disco muy aprovechable y divertido para cualquiera que aún disfrute del buen pop bailable, con base house y ciertos rasgos 80s y 90s, de bandas como Years & Years, Cut Copy o Hot Chip. Porque lo cierto es que si de algo pueden presumir Theme Park es de tener mano para las melodías pop y para hacer bailar: ‘You Are Real’, ‘Dancing With The Other Girls’, ‘LA (Is Stealing My Friends)’, ‘Never Ending Story’, ‘X Box’ –sí, como veis tienen mucha guasa con los títulos–, la ya citada ‘Something Good’, ‘U R Rly Nice’, ‘10AM’… Su colección de estribillos no es ninguna broma y se extiende por la mayor parte del álbum, con algunas excepciones como las anodinas ‘Hello Hello’ y ‘I’ll Do Anything’ (suerte en vuestro intento de crear la canción ideal para un anuncio de telecomunicaciones, chicos). Por acertar, hasta aciertan en la balada (‘Cocoon’). En ‘Is This How It Starts?’ sigue sin haber nada que distinga a Theme Park de proyectos de división B como Miami Horror, Van She, Friendly Fires o Penguin Prison salvo un pequeño detalle: su capacidad para escribir buenas canciones en cantidades notables.
Calificación: 7,1/10 Lo mejor: ‘You Are Real’, ‘Never Ending Story’, ‘Dancing With The Other Girls’, ‘LA (Is Stealing My Friends)’, ‘Something Good’ Te gustará si te gustan: Years & Years, Cut Copy, Hot Chip, Miami Horror Escúchalo:Spotify
La vuelta de The Sound of Arrows será una realidad el próximo 27 de octubre, cuando se publique su esperadísimo segundo disco, ‘Stay Free’. El álbum se ha avanzado hasta ahora con dos singles muy diferentes entre sí, ‘Beautiful Life’, que parece un homenaje a ‘Dancing Queen’ de ABBA, y ‘In the Shade of Your Love’, que replica el sonido de Enya.
Una canción procedía de los setenta, la otra de los ochenta… ¿de dónde viene ‘Don’t Worry’, el nuevo baladón de The Sound of Arrows que ya puede escucharse en las plataformas de streaming? Muy claramente de finales de los noventa y primeros años 2000. Estamos ante una canción de sonido místico que recuerda al pop electrónico ambiental de William Orbit (tiene un arreglo igual al de ‘Pure Shores’ de All Saints, que produjo él) y que destaca por su prominente sección de violines.
La letra de ‘Don’t Worry’ busca servir de bálsamo contra los pesares del alma, algo que consigue también la belleza de su emocionante estribillo: “te preocupas de tus ex amantes, de la aprobación de tu madre, de que estos días de verano pronto terminarán”, canta el grupo; “te preocupas por tu futuro, y por tu comportamiento irresponsable, de las cosas que hiciste y de las que nunca harás, pero no te preocupes, solo escucha la música y olvídate de todo”.
La actriz Julia Louis-Dreyfus ha comunicado en Twitter que sufre cáncer de mama. Su escrito es el siguiente: “Una de cada ocho mujeres padece cáncer de mama. Hoy yo soy esa una. La buena noticia es que tengo un maravilloso grupo de familiares y amigos que me apoya y me cuida, así como un fantástico seguro médico gracias a mi sindicato. La mala noticia es que no todas las mujeres tienen la misma suerte, así que luchemos contra todos los tipos de cáncer y hagamos de la sanidad universal una realidad”.
Louis-Dreyfus, de 56 años, acaba de ganar su sexto Emmy por su papel de la vicepresidenta de Estados Unidos Selina Meyers en la comedia de HBO ‘Veep’. La actriz, que ya tenía un Emmy por ‘Las aventuras de Christine’, hacía así historia al convertirse en la primera persona que gana seis Emmys consecutivos por el mismo personaje perteneciente a la misma serie. La actriz era conocida anteriormente por su papel de Elaine Benes en ‘Seinfeld’ y también ha aparecido en ‘Arrested Development’ y ‘Web Therapy’.
Este mismo año era otra artista, Olivia Newton-John, quien revelaba sufrir cáncer de mama. La cantante y actriz, que ya superó esta enfermedad en 1992, progresa favorablemente en su camino a la superación del cáncer y asegura sentirse “muy bien”.
Esta ha sido la primera semana del otoño de 2017, pero en cuanto a novedades viene tan caliente como el mismo verano, cerrando un mes en el que, aproximadamente, se han publicado más de 100 discos destacables para nosotros. Hoy destaca la publicación de discos tan importantes comercialmente como los de Miley Cyrus, Demi Lovato, Shania Twain o –a nivel estatal– La M.O.D.A., junto con otros quizá más interesantes o sorprendentes desde el punto de vista artístico como los de Wolf Alice, Four Tet, Benjamin Clementine, Ibeyi, Hurts, Torres, Futuro Terror, Protomartyr, Joana Serrat, Kitty, Daisy & Lewis, Josele Santiago, Ben Frost, Vessels (un álbum con colaboraciones de The Flaming Lips y John Grant), Fitness Forever, Mordem (ex-Jane Joyd), Oscar And The Wolf y Birkins.
También hoy coinciden publicando sus nuevos álbumes dos «estrellas» del pop urbano de nuestro país, Kaydy Cain y Recycled J, lanzan EPs Kamasi Washington y King Henry (productor de Beyoncé y Justin Bieber), y se pone en marcha la maquinaria para captar el goloso filón navideño: Dolly Parton publica nuevo álbum (atención a su portada disfrazada de hada) y David Bowie lanza una nueva caja mastodóntica, esta vez sobre su etapa berlinesa.
La semana ha sido profusa en singles, con nuevos temas de Wild Beasts –que anunciaban su disolución y un último EP–, Alborotador Gomasio, Kurt Vile & Courtney Barnett, Los Koplowitz & Las Chillers, Liam Gallagher, P!nk, Ezra Furman, Tommy Genesis, C.Tangana, Banks y Jessie Ware cantando en perfecto español su último single. Hoy también destacamos los nuevos singles de las hermanas suecas First Aid Kit, Mueveloreina, Disciples (los de ‘How Deep Is Your Love’), Aldous Harding, Majid Jordan (protegidos de Drake) con un featuring de dvsn, Lindstrøm, un Rich The Kid que cuenta con nada menos que Kendrick Lamar, una Avril Lavigne que sorprende al regresar de la mano del dúo de productores Grey, Tulsa, Kimbra, Daddy Yankee con la nueva estrella del trap-reggaetón Bad Bunny, Allah-Las, AMA y Mi Capitán.
Este viernes encontramos también unas cuantas curiosidades, con la inesperada intervención de Beyoncé en el nuevo remix del hit de J Balvin ‘Mi gente’ a la cabeza. Con ella nos han sorprendido una remezcla de ‘Thriller’ de Michel Jackson a cargo de Steve Aoki –que, imaginamos, tendrá algo que ver con ‘Scream‘–, sendos adelantos de sendos discos de demos y rarezas de Angel Olsen y Whitney, la aportación de Run The Jewels con un inédito para la BSO del videojuego ‘Fifa ´18’, un single póstumo de la rapera Gata Cattana –triste e inesperadamente fallecida meses atrás– o la colaboración del actor y músico Michael Cera con la cantautora Sharon Van Etten para la BSO del documental ‘Dina’, recientemente premiado en el Festival de Sundance.
Aerosmith han tenido que cancelar su gira de despedida por lo que a través de Facebook han llamado «problemas médicos inesperados». Los conciertos cancelados han sido los de Brasil y Chile del 27 y 30 de septiembre, pero Aerosmith tampoco actuarán la semana que viene en Argentina y México, donde tenían que hacerlo los días 3 y 7 de octubre. Eran los últimos shows de la gira. El comunicado decía que Steven Tyler tenía que recuperarse por completo de algo que le había pasado, sin especificar qué, pero que con «el reposo y tratamiento apropiados, podría volver a pasear el rock por el mundo».
La nota incluía un mensaje de disculpas del propio Steven Tyler, en el que este decía que después del concierto de São Paulo decidió volver a Estados Unidos siguiendo las instrucciones del médico. «Por favor, no os preocupéis, no tenéis que temer por mi vida, pero necesito recuperarme y descansar inmediatamente para estar en forma para actuaciones futuras. Prometo que volveré. Desgraciadamente, la salud no espera a nadie y es algo que no podemos programar. Como se dice, los humanos hacen planes y Dios se ríe».
Varios medios de comunicación han informado de que Steven Tyler sufrió un grave ataque con convulsiones tras actuar en Brasil, ante lo que la hija del artista Mia Tyler decidía reaccionar anoche indicando a través de Instagram que su padre estaba bien y que se estaba recuperando: «Si los 70 no pudieron con él, nada podrá».
La canción tenía una percusión latina un tanto chachachá que ahora se corresponde con su nuevo texto, de desamor. «Egoísta, el amor que me das / y luego me lo quitas / Egoísta, y me vuelvo a quedar creyendo en tus mentiras / No hay solución, no hay vuelta atrás / Yo no me puedo enamorar», dice el estribillo, mientras la segunda estrofa apunta: «Vamos a decirnos la verdad / Este juego siempre acaba igual / Ya no me divierte volver a quererte / y dejarte ir siempre cuando tú quieras».
Jessie Ware, una de las cantantes británicas de R&B más importantes de los últimos años tras la edición de ‘Devotion‘ y ‘Tough Love‘, tan comparada por su timbre con Whitney Houston, soportaría aquí las comparaciones con Ana Belén (lo que hace un cambio de ritmo y escuchar una letra en castellano). ¿No sería una gozada escuchar una versión de esta canción a cargo de la intérprete de ‘Lía’ y ‘Desde mi libertad’?
El tercer disco de Jessie Ware se llama ‘Glasshouse’ y sale el 20 de octubre.
1. «Midnight» 3:57
2. «Thinking About You» 3:28
3. «Stay Awake, Wait for Me» 3:35
4. «Your Domino» 3:47
5. «Alone» 3:36
6. «Selfish Love»
7. «First Time» 4:05
8. «Hearts» 3:33
9. «Slow Me Down» 3:24
10. «Finish What We Started» 3:49
11. «Last of the True Believers» (featuring Paul Buchanan) 3:53
12. «Sam» 5:15
Anoche comenzaba en la Moby Dick madrileña la nueva edición del Jägermusic Tour, con dos de los artistas más recientes de su roster, La Plata y FAVX, quienes abrían y cerraban respectivamente la noche, dejando en medio a las londinenses Goat Girl, conformando un cartel que no pierde comba con la actualidad musical de jóvenes y prometedoras bandas.
Los valencianos La Plata salieron como un torbellino y, pese a su juventud, poseen ya unas tablas que muchos quisieran. Defendieron con garra y casi sin pausa un repertorio que ya va dejando a su paso hits como ‘La Luz’ o ‘Un Atasco’, que en directo impactan aún más si cabe. En un abrir y cerrar de ojos pasaron por el escenario de una sala a la que agradecieron el buen sonido, además de contarnos lo contentos que estaban de comenzar una gira que, por primera vez para ellos, les iba a llevar de seguido a distintos lugares.
Tal vez fuera por la tremenda fuerza que desplegó la primera banda del cartel, pero en comparativa, el concierto de Goat Girl resultó algo soso, anodino. Está claro que la desidia y la ironía son señas de identidad del cuarteto femenino, pero llegaba a haber algún momento en el que la desidia llegaba a confundirse con desgana y eso también se notaba entre el público, que venía de estar encendido al comienzo del evento. Aun así, temas como ‘Scum’ o ‘Country Sleaze’ se dejaron escuchar, pues tienen la suficiente calidad como para ser disfrutados sea cual sea la manera en la que se interpreten.
Aquellos que se quedaron con ganas de más cera para terminar la velada, a buen seguro que lo dieron todo con el abrasivo directo de FAVX, con una puesta en escena entre lo violento y lo destartalado, pareciendo que todo se iba a caer a cachos por momentos, pero con el control de la situación. El trío madrileño despachó temas como ‘Flowers Of The West’, estrenando formación y dedicando algún tema a su antiguo bajista, quien se encontraba entre el público, metido de lleno en el pogo para apoyar a sus excompañeros. Enseguida se han hecho un hueco y a buen seguro que seguiremos sabiendo de ellos. Como otro torbellino, llegaron, soltaron la furia y se fueron pitando. Noche fugaz e intensa, sobre todo para sacar pecho con el panorama musical nacional.
Estas tres bandas repiten juntas hoy 29 de septiembre en Oviedo, en Donosti el 30, en Valencia el 5 de octubre, en Barcelona el 6 de octubre y en Zaragoza el día 7. Entradas, aquí.
Banks sorprende hoy con un nuevo single que no estaba incluido en su segundo disco ‘The Altar’, sino que podría adelantar un tercero no anunciado o simplemente ser un single suelto en su discografía. La canción se llama ‘Underdog’ y a pesar de que no tiene una traducción literal, pues su título se refiere a “aquel que se espera que pierda” o al “previsible perdedor”, incluye pseudoladridos por aquí y por allá a modo de gancho.
La letra vuelve a tratar los trapos sucios del corazón, con un puente que dice “You got what you wanted / I’ll do what you say” y una pulla del tamaño de “Your drunken words were honest”. El tema ha sido estrenado en primicia en Beats1 y según Sopitas, Banks lo ha presentado recalcando que no es precisamente todo sumisión, como apuntan algunas frases de la letra: “Hay una bestia dentro de mí que no he dejado salir por completo. Y sigo sin hacerlo, pero estoy permitiéndole sacar su cabeza encima del agua un poco más. Creo que eso es sentirse libre, y es por eso que me siento tan libre ahora mismo”.
Lo que es mejor, este medio tiempo electrónico entre el electropop y la oscuridad marca de la casa, sirve para recordarnos que Banks está a punto de visitarnos de gira. El 15 de noviembre estará en Apolo, Barcelona, y el 16 de noviembre en La Riviera, Madrid. Las entradas están a la venta aquí.
Beyoncé se ha prestado a poner su voz a un nuevo remix de ‘Mi gente’ de J. Balvin y Willy William, el hit internacional de estos artistas que antes de la llegada de ella ya sumaba 357 millones de escuchas en Spotify y 892 millones de visualizaciones en Youtube. La canción ha sido número 1 en España, número 5 en Reino Unido y número 19 en Estados Unidos, aparte de un hit en muchos otros lugares que la han llevado a liderar la lista global de Spotify durante un mes.
Y ahora nos llega este remix, justo 3 meses después del estreno de la original, que se suma a la estrategia de ‘Despacito’ añadiendo a Justin Bieber, con la diferencia de que aquí el dinero se destinará a las víctimas del huracán de Puerto Rico y al terremoto de México. Beyoncé canta una parte de esta canción en castellano. Aunque su dicción no nos permitía esclarecer si realmente canta «La fiesta la llevo en mis genes / Yo soy la reina de los nenes», hay lyric video casero confirmando que sí. En el vídeo salen Cristiano Ronaldo, Martin Garrix y Diplo, entre otros.
En caso de que J Balvin y Beyoncé logren hacer de este remix tan shakiresco un número 1, sería el primer número 1 para Beyoncé en Estados Unidos desde 2008 y en Reino Unido desde ‘Telephone’ de Lady Gaga en 2010. Una década «de vacío» en la que, no obstante, se ha confirmado como artista de álbumes y llenaestadios.
Solo una semana después de estrenar el remix de ‘Mala mujer’ con French Montana y Farruko, actual puesto 65 en Spotify España mientras la canción original continúa en el top 20 (no hay noticia sobre su repercusión internacional), C. Tangana estrena nuevo single. Y esta vez no es una curiosidad a lo ‘Pop Ur Pussy‘ (que, ojo, se acerca al millón de streamings), sino una canción que realmente puede darle un nuevo éxito, grande o pequeño.
‘De pie’ es una nueva colaboración con su mano derecha ahora mismo, el productor Alizzz, que publicaba el EP ‘Ascension‘ este verano y ya produjera ‘Mala mujer’; y también El Guincho, que según la nota de prensa de Sony, trabajaba igualmente en el remix de ‘Mala mujer’. La letra, una canción de amor básicamente, está llena de autorreferencias, muy especialmente a ‘Antes de morirme’, el éxito de C. Tangana con Rosalía el año pasado.
C. Tangana ha compartido en redes sociales esta imagen promocional al tiempo que indica que este fin de semana se cumplen dos años de ‘C.H.I.T.O.’ No hay noticia sobre el posible nuevo disco de C. Tangana para su nuevo sello, Sony.
Chenoa ha publicado esta semana un libro llamado ‘Defectos perfectos’ cuya descripción oficial en Amazon dice así: «En plena madurez artística y personal, Chenoa pasa revista a su vida a través de las páginas de un libro sincero, donde repasa su trayectoria profesional y vital hasta llegar al presente, en el que se siente plena y feliz. El libro contiene testimonios reales, algunos verdaderamente desgarradores, junto con episodios desenfadados y anécdotas divertidas; a lo largo de sus capítulos desfilan amores, amigos, compañeros de profesión, familiares… Chenoa nos presenta a Laura, despojada de su nombre artístico y de esa máscara del triunfo que, con frecuencia, oculta otras visiones más auténticas. Glamur, emoción, penas y alegrías se dan la mano en estas páginas que nos acercan a la personalidad de una gran artista y de una persona extraordinaria».
¿Testimonios reales y desgarradores? Los usuarios de la red han ido corriendo a ver qué decía sobre su relación con David Bisbal, en torno a la página 70 del libro, han subido fotos a las redes sociales y la cantante se ha transformado en «trending topic» rápidamente. Rara vez se habló en su momento de cómo fue aquella ruptura, y ahora Chenoa la afronta, de la misma manera que habla también sobre la supuesta cobra que David le hizo frente a los espectadores durante ‘OT, el Reencuentro’.
Si este último paso es un final feliz, pues Chenoa dice que Bisbal le dijo algo al oído que jamás revelará, más angustioso fue el modo de romper con ella, pues asegura que David se fue de casa de manera repentina, que se terminó de enterar de que la ruptura no era temporal por televisión y que además cuando le llamó para hablar las cosas resultó que había cambiado de número de teléfono. Y nadie le dio el nuevo. Por si fuera poco, ella y su madre tuvieron que meter en cajas las cosas de él.
El mundo descubre así que el final de la relación entre dos de las estrellas más conocidas de nuestro país acabó peor de lo que parecía, con media red apoyando a Chenoa y la otra planteando por qué cuenta todo esto ahora. Os dejamos con unos tuits y con su hitazo de la época, ‘Atrévete’, al que solo faltó una producción más moderneta para terminar de ser un clásico del pop.
Actualización 29-9: Bisbal ha comentado respecto a la publicación de este libro, según recoge El Mundo, que el texto le ha «sorprendido», pues pensaba que gracias a El Reencuentro, Chenoa ya tenía este tema «superado».
Bastantes vaciles y gilipolleces ha tenido que aguantar Chenoa con el tema Bisbal para que ahora no pueda contar SU vida. Ea. pic.twitter.com/CuqTVKtNW4
¿Cuántas veces habremos oído aquello del “difícil segundo disco”? Sin negar que no debe ser sencillo superar un debut que ha tenido una repercusión notable y que casi siempre es básico en la carrera de cualquier artista, es un mito que no necesariamente aplica cuando hablamos de grupos/artistas de gran talento. Ese, al menos eso deducimos tras analizar ‘Visions Of A Life’, parece ser el caso de Wolf Alice, un grupo cuyo debut ‘My Love Is Cool’ logró calar profundamente entre el público y la crítica (especialmente los británicos) pese a que en un principio no parecía para tanto.
Ahora llega su segundo álbum que, de manera clara, supera al primero en prácticamente todos los aspectos: cohesión, sonido, personalidad, canciones… Grabado en Los Ángeles con el productor Justin Meldal-Johnsen (Paramore, Beck, M83), Wolf Alice llevan un decidido paso más allá todo lo mostrado en su debut. Sobre todo, a nivel de diversidad sonora, con una variedad que sobre el papel parece difícil de encajar: si el cambio del punk-pop iracundo de ‘Yuk Foo’ (un himno angst que encuentra una nueva réplica en la eficaz ‘Space & Time’) a los atinados y poperos singles ‘Don’t Delete The Kisses’ (quizá la canción más memorable del disco, con esa excitante subida de intensidad final) y ‘Beatifully Unconventional’ (un coqueteo con el rock de Arctic Monkeys) te sonaron inconexos, es solo la punta del iceberg.
Porque en ‘Visions Of A Life’ hay rock de todo pelaje: guiños a My Bloody Valentine (‘Heavenward’), los Radiohead de ‘The Bends’ (‘Planet Hunter’), Cocteau Twins (‘Sky Musings’), Muse (‘Formidable Cool’), Smashing Pumpkins (‘Sadboy’), folk pastoral (‘After The Zero Hour’, uno de los temas más sorprendentes y bonitos del disco, con una Ellie Goswell emocionante). Y lo mejor es que todo es bueno o, como poco, distintivo. Y en esa mezcolanza a priori imposible emerge la personalidad del grupo y la voz de Ellie para darle un hilván a todo, consolidando una propuesta que cristaliza del todo en las canciones menos inmediatas pero más elaboradas e interesantes del conjunto, esas que cada vez que escuchas te sorprenden con nuevos puntos de vista y detalles. Con un sonido realmente espectacular y Black Sabbath y los Led Zeppelin de influjo asiático emergiendo como probables referentes, la fantasía post-metalera de ’St. Purple & Green’ y el tema titular (pasa tanto en sus 8 minutos que se hacen hasta cortos) se antojan como un pirotécnico final hacia el que confluyen las distintas facetas presentadas en las otras nueve canciones del disco.
Como mayor pero a ‘Visions Of A Life’ podemos señalar unas letras que, al igual que en ‘My Love Is Cool’ pecan de cierto tono naíf que ni engancha (a excepción de ese “you bore me to death / I don’t give a shit” de ‘Yuk Foo’ –simplón juego de palabras con “fuck you”, por si alguien no lo había notado–) ni emociona especialmente. Pero eso no enturbia demasiado un disco con un encanto especial, de esos que te engatusan con 3 o 4 cortes de manera inmediata y que poco a poco te van dando más hasta que prácticamente todo el álbum se antoja imprescindible. ‘Visions Of A Life’ va directo a la selecta lista (precisamente junto a ‘The Bends’, ‘Loveless’, ‘Siamese Dream’, ‘Origin of Symmetry’…) de segundos discos que superaron en alcance comercial y calidad a sus debuts.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Don’t Delete The Kisses’, ‘Heavenward’, ‘Yuk Foo’, ‘After The Zero Hour’, ‘Visions Of A Life’ Te gustará si te gustan: –o te gustaron en algún momento– Muse, Smashing Pumpkins, los Radiohead de ‘The Bends’ Escúchalo:Spotify
Tommy Genesis es una rapera de Vancouver (aunque sus orígenes se dividen entre Suecia y Tamil Nadu) que ha dado que hablar desde que en 2015 publicara su primera mixtape. En este tiempo gracias a canciones como ‘Execute’ de aquella ‘World Vision’ ha ido engrosando un ego que le ha dado para construir una canción en la que se reivindica a sí misma, algo muy común en el género, por otro lado.
El single que publicaba hace unos días, llamado como ella, ’Tommy’, tiene un gancho que llega mucho más lejos que su portadón. Un hipnótico ritmo se repite hasta la saciedad taladrándote el cerebro (parece que ha aprendido un truco o dos de su colega M.I.A., con la que ha colaborado en un anuncio de Mercedes), llevando hasta un desenlace asfixiante más propio de los tiempos en que Alice Glass era la líder de Crystal Castles.
La cantante explica que ‘Tommy’ es una canción en la que habla sobre sus dos personalidades. “Es tal y como soy en sociedad. Es solo una canción de rap, pero también una representación de lo que es Tommy sin Genesis, a la que conoceréis más adelante”. Esta idea en la línea de Beyoncé/Sasha Fierce se perfecciona bajo la producción del productor de G.O.O.D. Music Charlie Heat, mientras ella da vueltas sobre su nombre: “Nobody fuck with Tommy / Nobody’s high like Tommy / Nobody rock like Tommy / All these bitches get off me”. El tema aparece ya entre los mayores virales de Estados Unidos.
Esta mañana conocíamos el fallecimiento a la edad de 91 años de Hugh Hefner, conocido por ser el creador de la cabecera ‘Playboy’ y todo el emporio que se originó después en torno a esa revista de corte erótico principalmente orientada al hombre heterosexual cisgénero, lo cual hoy, aparte de obituarios, le ha valido también algunas críticas por su contribución a la cosificación de la mujer.
Recordemos que entre las llamadas “conejitas” que aparecieron en su famosa portada se cuentan iconos femeninos de distintas generaciones como Marylin Monroe, Madonna, Kate Moss, Pamela Anderson, Paris Hilton o Kim Kardashian. Recientemente, hemos visto como artistas habituales de esta página como Azealia Banks, Sky Ferreira o Halsey, se desnudaban para esta revista.
Hefner, además de un excéntrico millonario y alimentar el deseo y las fantasías sexuales de muchos, fue todo un icono del sueño americano durante décadas, y como tal apareció en numerosas películas y series haciendo de sí mismo. Incluso U2 dedicaron una canción a la famosa Mansión Playboy en su álbum ‘POP’. Hoy numerosos famosos, de Nancy Sinatra a Mark Hammill, pasando por Rob Lowe o Gene Simmons (Kiss) entre otros muchos, han lamentado su muerte públicamente.
Una de las más curiosas diversificaciones de su marca incluyó una especie de late night que se emitió entre 1969 y 1970, llamado ‘Playboy After Dark’. Lo más curioso de aquel programa televisivo que él mismo presentaba desde un plató instalado en un salón de su mansión-picadero fue que, durante su existencia, invitó a algunas de las figuras musicales más relevantes del momento –hoy Historia de la música, la lista es para caerse de culo– mientras un público de lo más sofisticado y desprejuiciado bailaba y aplaudía. Vamos a repasar algunos de esos momentos, los mejores que hemos encontrado:
B.B. King
El maestro del blues también pasó con su banda por el programa de Hefner para interpretar su clásico ‘The Thrill Is Gone’ en plenitud de forma.
The Byrds
Resulta curiosísimo ver a Roger McGuinn con evidente nerviosismo, admitiendo la influencia de The Beatles antes de unirse al grupo para interpretar ‘You Ain’t Going Nowhere’, de Bob Dylan, y su ‘This Wheel’s On Fire’, co-escrita con Rick Danko de The Band.
Deep Purple
Después de que Jon Lord le asegure a Hefner que ellos también vivieron en una mansión pero que tuvieron que dejarla porque estaba encantada, el grupo británico que entonces estaba comenzando a despuntar interpretó ‘Hush’, el single escrito por Joe South que ellos popularizaron y que en los 90 fue revitalizado por Kula Shaker. Los looks pre-glam son una auténtica pasada.
Fleetwood Mac
Tras un numerito de “humor”, nos encontramos con estos clásicos del rock pero antes de etapa más memorable, previa a la entrada en el grupo de Lindsay Buckingham y Stevie Nicks, interpretando el blues ‘Rattlesnake Shake’, frecuente también en la carrera en solitario de Mick Fleetwood.
Grateful Dead
Nada menos que Jerry Garcia con un poncho charlaba con Hefner sobre una controvertida marcha anti-hippie que tuvo lugar en San Francisco un par de años atrás, antes de interpretar ‘Mountains Of The Moon’ y ‘St. Stephen’, del disco que los Dead editaban aquel año ‘Axomoxoa’. Un documento fantástico.
Harry Nilsson
Tras “padecer” un truco de magia en presencia de Otto Preminger (en aquellos momentos presentaba la película ‘Skidoo’, que incluía algunas canciones de Nilsson), el cantautor de Brooklyn interpretó, de manera un tanto extraña, sentado sobre el brazo de un sillón ‘Good Old Desk’ y ‘Together’ mientras sonaban pregrabados de su disco de 1968 ‘Aerial Ballett’.
Ike & Tina Turner
Antes de su controvertido y traumático divorcio por el maltrato del músico hacia la diva soul, trasladaron un torbellino de soul al picadero de Hugh, con interpretaciones apabullantes de ‘I Want to Take You Higher’ de Sly & The Family Stone, ‘Come Together’ de The Beatles, ‘Proud Mary’ de Creedence Clearwater Revival y ‘Brown Sugar’ de The Rolling Stones. Una barbaridad.
James Brown
Antes de la imagen icónica con el traje de solapones, pelucón y sudor que ofreció con la explosión funk de los 70, Brown pasó por la mansión Playboy en una faceta más comedida y soulera. Casi irreconocible con el pelo corto, interpretó maravillosamente la balada ‘If I Ruled The World’ y su clásico ‘Say It Loud – I’m Black And I’m Proud’.
Linda Rondstadt
Hoy en un injustísimo semi-olvido debido al Alzheimer que la atenaza, la maravillosa cantante de Tucson estaba en lo más alto en 1970. Así lo mostró en las dos ocasiones en que apareció en este show, como podemos ver en la interpretación del tema bluegrass ‘Living Like A Fool’ de Jimmy Martin. Majestuosa.
Como recordó el propio Jagger gracias a un ingenioso teleprompter que le marcaba qué debía decir al público (en un potable mix de castellano y catalán que le llevó a contar que había comido butifarra y trinxat) para metérselo en el bolsillo de su ajustado pantalón (el tipín que gasta este hombre no es normal), este ‘No Filter Tour‘ de anoche era ya la octava vez que Rolling Stones visitaban Barcelona, la última de ellas en 2007. Así que las sorpresas que pudiera deparar el concierto eran más bien pocas. Apenas el espectacular escenario de esta gira, con unas pantallas abrumadoramente altas que mezclaban imágenes de la banda en directo con efectos visuales –por momentos dignos de Power Point–, y certificar que el grupo estaba en una relativamente buena forma anímica y física.
Así como a Charlie Watts y Keith Richards se les vio notablemente cascados –lo cual no afecta a su pericia instrumental, cuidado–, Mick Jagger se mostró a sus envidiables 74 palos tan inquieto como siempre durante las más de 2 horas de concierto, bailando, caminando y hasta haciendo un par de sprints que a mí me dejarían echando el bofe. Aun así, se notaba que medía mucho sus esfuerzos, que era algo que tenía perfectamente controlado, de manera tan mecánica como el propio show, tan poco dado a la improvisación como casi cualquier otro concierto de estadio. Pero es evidente que su papel en escena es fundamental: cuando Keith tomó las riendas vocales durante un par de temas (‘Happy’ y ‘Slipping Away’), el bajón de energía fue palpable. Por otra parte, con Watts impasible en su escueto set de batería, Richards ensimismado en el mástil de su guitarra y moviéndose de manera algo pesada y Jagger a la suya (mi impresión es que los dos últimos ni se hablaron, miraron o tocaron en todo el concierto), el único que parecía salirse ocasionalmente por la tangente era Ronnie Wood, que bailó y sonrió de manera casi permanente. Sabiendo que acaba de superar un cáncer de pulmón, debe estar disfrutando cada segundo al máximo y su entusiasmo era visible y genuino.
Tampoco cupieron demasiadas sorpresas en su setlist –evidentemente, nadie querría que prescindieran de sus mayores clásicos– pero sí algunas bastantes jugosas. Destacó la inclusión de ‘Rocks Off’ –a petición del público– y una ‘Under My Thumb’ que hasta hace poco no tocaban desde más de una década atrás. Y algo más (un par de concesiones de rigor a su reciente disco de clásicos del blues, ‘Blue & Lonesome’). Pero poco más, gracias. Porque en un concierto así, no nos engañemos, uno quiere ver exactamente lo que espera y en ese sentido las expectativas se superaron con creces. Cuando, tras cierta demora sobre la hora prevista –quizá debido al caótico y lento acceso del público al Estadio Olímpico–, comenzaron a sonar las percusiones introductorias de ‘Sympathy For The Devil’ se instaló en el repleto Lluís Companys algo que solo puede definirse como magia. Rolling Stones abrieron la puerta de su Museo del Rock y se fueron sucediendo de forma apabullante –al cuarteto le respalda una amplia banda con notables coristas, teclistas y vientos, pero ellos y el bajista Darryl Jones llevan el peso en buena medida– clasicazos como ‘It’s Only Rock ’N’ Roll’, ‘Tumbling Dice’, ‘Paint It Black’, ‘You Can’t Always Get What You Want’, ‘Street Fighting Man’, ‘Midnight Rambler’ (con un espectacular solo de Ronnie), ’Miss You’ (fantástico solo de bajo de Jones)… que derivaban hacia una irresistible traca final (literalmente) con ‘Start Me Up’, ‘Brown Sugar’, ‘Jumpin’ Jack Flash’ y el éxtasis ante ‘(I Can’t Get No) Satisfaction’.
Podemos tirar de cinismo, aludir a lo previsible del show –lo más inesperado fue el solo vocal más dueto con Mick que se marcó durante ‘Gimme Shelter’ la corista Sasha Allen en la plataforma central– y quedarnos con que son ricos empresarios ordeñando su vieja vaca (el merchandising inundaba todos los pasillos del estadio y diría que había más gente con camiseta del grupo que sin ella). Pero lo cierto es que lo que vimos anoche fue el espectáculo de rock ’n’ roll genuino que cualquiera querría ver, con un ambiente muy especial y una química evidente con un público animado y bailón (una encantadora mezcla de personas maduras y jóvenes, en el que se veía a padres bailar con hijos e hijas e incluso nietos). Una, como he dicho antes, magia ante la que habría que ser muy necio para no derretirse. 8.
Fotografía de Jesús A. MArtínez cedida por Doctor Music.
Ezra Furman ha sacado una canción nueva, ‘Driving Down to L.A.’, que ya puede escucharse en las plataformas de streaming y es su primer single desde que su anterior disco, ‘Perpetual Motion People‘, se publicara en 2015. Es una canción de glam-rock desgarrada y dramática de la que destaca la suciedad de su arreglo electrónico.
El vídeo de ‘Driving Down to L.A.’, dirigido por Joseph Brett, se ha rodado en Virginia y cuenta la historia de dos amigos “queer” que escapan de un grupo de supremacistas blancos, sin embargo Furman insiste en que el parecido del vídeo con la tragedia acontecida en Charlottesville hace unos meses es una coincidencia. Furman escribe: “habíamos planeado grabar el vídeo en Virginia mucho antes de que supiéramos que se celebraba una marcha derechista en Charlottesville, así que tuvimos la extraña experiencia de hacer un vídeo sobre escapar de los supremacistas blancos al tiempo que todo el país hablaba de ellos y el presidente se negaba a condenar inequívocamente la supremacía blanca”.
Furman sigue: “es terrible ver florecer de nuevo las raíces de la América supremacista, por no hablar de la misoginia, la fobia al colectivo queer y el anti-semitismo que suelen ocurrir al mismo tiempo. Pretendo que esta canción, el vídeo y mi carrera entera sean una protesta contra esas actitudes. Este vídeo va sobre cómo el miedo se convierte en violencia. No hace falta decir que no defiendo disparar a un coche lleno de gente, sean supremacistas furiosos o no. El vídeo es una fantasía y una pesadilla. Creo que encaja con la pesadilla cultural que vivimos ahora mismo y de la que espero nos levantemos pronto”.
P!nk está triunfando con su single ‘What About Us’, también en España, pero para mantener el interés en su nuevo disco, ‘Beautiful Trauma’, que sale el 13 de octubre, ha compartido un nuevo single promocional, el que lo titula.
En cuanto entra la base de ‘Beautiful Trauma’, marcadamente electrónica, queda claro que estamos ante una producción de Jack Antonoff, líder de Bleachers y uno de los productores más solicitados del momento: él ha producido ‘Look What You Made Me Do’ de Taylor Swift, los dos nuevos singles de St. Vincent y por supuesto es productor principal del último trabajo de Lorde y de ‘I Don’t Wanna Live Forever’, el éxito de Zayn y la misma Swift.
Acorde a la paradoja que presenta su título, ‘Beautiful Trauma’ se sirve de un sonido electro un poco sucio, oscuro y con garra para contarnos una dulce historia de amor: P!nk está “colgada” por su amante en esta canción en la que canta que “no hay nada más que tú” y en la que le describe como una droga y como su medicina. Por cierto, la conexión de P!nk con Antonoff no acaba aquí: en su anterior disco había una colaboración con Nate Ruess de fun., la otra banda de Antonoff.
Si Maroon 5 y SZA han hecho el vídeo más absurdo del día (o del año) y Ariel Pink el más inquietante, Grizzly Bear han hecho el más surrealista de todos para su canción ‘Losing All Senses’. El vídeo está protagonizado por la actriz Busy Phillips, a quien recordarás por ‘Freaks and Geeks’ y ‘Dawson crece’, y parece contarnos la historia de una mujer que pierde completamente la noción de la realidad.
Para entender un poco más el vídeo de ‘Losing All Senses’, Ed Droste de Grizzly Bear ha hablado sobre él en DAZED, donde ha dicho que es “surrealista” (el vídeo incluye por ejemplo una escena donde Phillips entra en las profundidades del mar a través de un plato). Según Droste, el vídeo es “una mezcla entre David Lynch y ‘Mujeres desesperadas’ o entre ‘Beverly Hills’ y ‘Heathers’ o algo parecido” y de su reparto destaca no solo la presencia de Phillips sino también la de la actriz Freckle, amiga suya y una “importante figura genderfluid”.
El vídeo, de impecable factura, como acostumbra Grizzly Bear actualmente, y que sirve para promocionar el último álbum del grupo, ‘Painted Ruins‘, ha sido dirigido por Cody Critcheloe, más conocido como SSION, muy conocido de hecho por sus propios vídeos y autor últimamente por ejemplo de la fiesta de los pijamas de Robyn y Maluca para ‘Love is Free’.
Ariel Pink estrena vídeo para una de las canciones más experimentales de su nuevo disco, ‘Time to Live’. El colectivo ucraniano Gorsad se ha encargado de poner imágenes a esta canción trasladándose a un cementerio, donde vemos vagar a una siniestra niña, que también se entretiene practicando rituales satánicos o disfrazándose de demonio.
Por su realización totalmente lo-fi y casera, y por lo inquietante de su contenido, el vídeo de ‘Time to Live’ parece uno de esos vídeos raros escondidos en las profundidades de Youtube que reflejan el lado más oscuro y extraño de la naturaleza humana. Un vídeo muy “dark side of Youtube” que pide a gritos una sección de comentarios llena de mensajes tipo “yo estaba viendo vídeos de gatos, ¿cómo he llegado hasta aquí?”
‘Time to Live’ ya se había presentado antes de la publicación del notable ‘Dedicated to Bobby Jameson’ junto a otros singles como ‘Feels Like Heaven’ y ‘Another Weekend’ y por su extraña estructura puede decirse que daba pie a un vídeo incluso más raro todavía. La canción combina una parte post-punk con la melodía de ‘Video Killed the Radio Star’ y además incluye un intermedio que parece replicar una interferencia de radio.
Después de dirigir el que es probablemente el vídeo pop del año para ‘Look What You Made Me Do’ de Taylor Swift, Joseph Khan ha prestado ahora sus servicios a Maroon 5 y SZA para dirigir el videoclip de su single conjunto, ‘What Lovers Do’. Y se ha vuelto a superar porque ha hecho el vídeo más absurdo que podría haber hecho para esta canción o para cualquiera.
El vídeo es un festín de efectos especiales más propio de una película de animación que de un single más o menos sensual como el que nos ocupa, y su “argumento” es un “mindfuck” tras otro. Quizá jugando con una doble interpretación del título de esta canción que habla sobre “lo que hacen los amantes”, Khan ha puesto a Adam Levine y SZA a hacer cosas de pareja como surcar los mares en moto acuática, jugar en el casino, correr por un bosque o surfear.
Aunque parece que todas estas cosas son más o menos normales, Khan las hilvana en el vídeo de manera que den pie a situaciones tan surrealistas como que, al caer al mar, SZA se convierta en sirena, o que Levine corra en una carrera junto a un dinosaurio. También hay animales que cantan la canción y el vídeo se remata con un homenaje a King Kong completamente random.
Donald Trump consiguió convertirse en presidente de Estados Unidos, pero desde luego no fue por el apoyo de los músicos. El líder de los republicanos encontró serias dificultades para poder contar con artistas de música pop en sus mítines. Uno de aquellos a los que se lo ofreció -con sobre incluido- fue 50 Cent, o al menos eso es lo que este cuenta en una entrevista con Hot 97 que puede verse online, en el minuto 37.50 del vídeo bajo estas líneas.
Sus palabras son: “quisieron pagarme 500.000 dólares por ser parte de la campaña, solo por aparecer”, añadiendo que por supuesto lo rechazó y que Trump es presidente por accidente. “No creo que nada haya dividido a la gente tan rápido como lo ha conseguido Trump”.
En la larga entrevista que lleva ya medio millón de visualizaciones, también habla de si es necesario gustar y conquistar a las nuevas generaciones, de Jay Z o de su carrera pasada. Recuerda de hecho cómo lo vendió todo en Estados Unidos con ‘Get Rich or Die Tryin» (2003). Sin embargo, su quinto disco, varias veces retrasado, continúa sin fecha de edición pese a barajar el nombre de ‘Street King Immortal’ desde que se habló por primera vez de él en 2011. ‘Animal Ambition’, de 2014, fue una compilación de singles sueltos que no tuvo demasiado éxito ni de crítica ni entre el público.
Fermín Muguruza y uno de los grupos de electrónica más destacados del país, The Suicide of Western Culture, autores de discos como ‘Long. Live. Death! Down With Inteligence’, se han unido para construir un tema llamado ‘Barcelona / Sant Andreu’. En él protestan por las detenciones a varios altos cargos de la Generalitat con el objeto de impedir el referéndum del 1 de octubre. El tema comienza con las voces de Marala (Paula Giberga, Selma Coll y Clara Fiol), entonando ‘Txoria Txori’ de Joxean Artze y Mikel Laboa: “Si le hubiera cortado las alas / habría sido mío / pero así / habría dejado de ser pájaro / Y yo lo que amaba era el pájaro”.
Por si fuera poco ilustrativa esta intro, el tema contiene después frases como “Solo el pueblo salva al pueblo” y “El cinturón rojo comienza en Sant Andreu”. El estribillo repite “Barcelona antifascista”. Todo ello se puede entender aún mejor a través del “lyric video” con subtítulos en inglés y castellano que se ha subido a Youtube. Fermín Muguruza explica en Facebook cómo le acogió el barrio de Sant Andreu tras asistir al evento de Voces Contra el Machismo, cómo ha decidido escribir su primera canción en catalán y menciona también las referencias a Lluís Llach, Inadaptats y KOP.