‘New Rules’ de Dua Lipa vuelve al número 1 de nuestro top semanal al mismo tiempo que otros artistas llegan al top 40 con sus nuevos singles. Se trata de Renaldo & Clara -la entrada más fuerte-, Christina Rosenvinge, Los Punsetes y Kimbra. Entre las canciones que alcanzan nuevos máximos, dos hitazos internacionales, ‘Anywhere’ de Rita Ora y ‘Havana’ de Camila Cabello. Vota por tus 20 canciones favoritas aquí.
Vetusta Morla tienen fijación por los espacios. Nos explican “un día en el mundo”, nos sitúan en “mapas”, nos llevan a “la deriva” y terminan en el “mismo sitio” pero en “distinto lugar”. La mejor canción de su debut se titula como una capital europea, ‘Copenhague’, en la que se plantea que “dejarse llevar suena demasiado bien” y donde se habla de una chica que sueña “con despertar en otro tiempo y en otra ciudad”. Más tarde nos encontramos en “la marea” o incluso en Saharabbey Road, pero si algo se puede decir de ‘Copenhague’ es que precisamente esta canción nunca se va a ir a ninguna parte.
Es la canción de Vetusta Morla más escuchada en Spotify con bastante diferencia: 18 millones de streamings frente a los 8 millones de ‘Valiente’ avalan la calidad de esta preciosa composición sobre un amor imposible que, sin embargo, no es la canción que el grupo más ha tocado en directo (esa sería ‘Valiente’ según las estadísticas de Setlist). Sirven como contrapunto ideal la memorable ‘Sálvese quien pueda’ y la rabiosa ‘Autocrítica’, la canción que abría ‘Un día en el mundo’ y planteaba firmemente el discurso de unos Vetusta Morla que nunca han destacado tanto por su estilo como por sus buenas canciones, desde el principio hechas para ser grandes.
Cuesta creerlo ahora, pero Vetusta Morla empezaron en 1999, así que para cuando grabaron su primer disco, autoeditado en 2008, ya llevaban el suficiente tiempo tocando como para traer al estudio canciones buenas de verdad. La jugada les salió bien, porque los chicos de Tres Cantos terminaban convirtiéndose, desde la autoedición, en el grupo referente por antonomasia del pop-rock nacional, llenando pabellones y consiguiendo discos de oro y platino (‘Un día en el mundo’ alcanzaba en 2014 las 53.000 copias vendidas) como no lograron ni Los Planetas. Vetusta Morla se ganaron no solo llegar lejos sino también hacerlo en sus propios términos.
Como ya supimos en su momento, ‘Un día en el mundo’ no inventaba nada, pero las canciones eran muy buenas, tanto que a día de hoy nadie debería recordar lo mucho que se comparó al grupo con los primeros Radiohead en cuanto este se hizo un poco famoso. ¿Y qué? ¿Por qué siempre tenemos que pensar que lo de fuera es más original? ¿Acaso Radiohead no se inspiraron en nada a su vez? Y aun así, curiosamente si hay algo a lo que achacar a los vetustos es que, pese a cantar en español, el lirismo abstracto de sus canciones a menudo es completamente imposible de entender. La canción titular, que describe disparos “en honor” a un león, encuentros con sirenas y “piernas de neón”, es un buen ejemplo, como también lo es la clase de geografía sudamericana de ‘La cuadratura del círculo’.
No es en frases como “en las sombras me veo al revés, en los libros me encuentro mejor” (‘Pequeño desastre animal’) donde se haya la poesía más bella de Vetusta Morla, sino en sus baladas: la conmovedora ‘Año nuevo’ presenta uno de los estribillos más bonitos de su repertorio, y ‘La marea’ es simplemente una de sus mejores canciones. Vetusta ha compuesto varias baladas emocionantes a lo largo de su carrera, pero ‘La marea’ es posiblemente la más pura de todas, un corazón roto embotellado en canción. ¿A alguien le extraña que ‘Copenhague’, su canción más popular, sea una balada? Y ojo, que cuando les dan arrebatos, como en ‘La cuadratura del círculo’, demuestran que sobre todo en directo hay pocos que les tosan.
Vetusta Morla han publicado canciones mucho mejores después de ‘Un día en el mundo’ y si algo está claro es que es su disco más vendido porque salió el primero, porque el grupo no ha hecho más que superarse con cada nuevo lanzamiento, hasta llegar al que hasta ahora es su mejor trabajo, publicado este año. Pero al contrario que otros grupos, los de Tres Cantos no tendrían en absoluto que avergonzarse de este debut que cocinaron durante tantos años, y que terminó sentando las bases no solo de su sonido sino también de algunas de las mejores canciones que han publicado posteriormente, como ‘Golpe maestro’, que es precisamente eso. Y golpe maestro fue también, indudablemente, ‘Un día en el mundo’.
Vetusta Morla están de gira y las entradas para verlos en directo están disponibles en Ticketea, con descuento de un 20-25% solo durante Black Friday.
Björk plantea ‘Utopia’, su noveno disco, abiertamente como una colaboración entre ella y Arca, después de que ambos compartieran créditos en el anterior largo de la islandesa, ‘Vulnicura’. En la misma portada del disco puede leerse la indicación “concebido por Björk & Arca”, como reflejan además los equitativos créditos del disco, que incluyen también una co-producción de Rabit (‘Loss’). La islandesa aclara que ‘Utopia’ es su disco, pero que “puramente como músicos, [Arca y yo] hemos decidido entrar en este otro mundo que es la superposición entre Arca y Björk”.
La “utopía” que propone Björk no es un fin, sino un medio a través del cual alcanzar lo más parecido a un mundo mejor no solo personal, sino también y, sobre todo, político y ambiental, donde naturaleza y tecnología convivan armónicamente. Para ello ha creado un “mundo” menos lúgubre que el anterior, mucho más abierto, aligerando el peso de las cuerdas y añadiendo un grupo -enteramente femenino- de 12 flautas, además de arpas y sonidos de pájaros procedentes de ‘Oiseaux de Vénézuela’ de Jean C. Roché y ‘Hekura’ de David Toop y Nestor Figueras. Es una “utopía” que, como ‘Homogenic’, en su unión de naturaleza y modernidad tecnológica refleja la Islandia natal de Björk, aunque ahora desde un prisma menos amenazante y más paradisiaco. Un ejemplo de esto es la canción titular, que suena como una escena de Disney en la que Björk pasea alegremente por un bosque encantado, ambientado por lo que parece el graznido de un ave en bucle.
‘Arisen My Senses’ abre ‘Utopia’ y se abre camino mediante explosiones de belleza y luz, conformando una especie de Big-Bang particular para Björk, el que origina esta “utopía” llena de flautas, pájaros, beats ásperos y letras sobre los varios tipos de amor carnal, musical, familiar o espiritual. Es una de las composiciones más inmediatas que ha publicado la artista en años, un single algo más claro para ‘Utopia’ que ese solemne ‘The Gate’ que supone una “entrada” entre ambas etapas de su carrera y nos sume en una especie de ciberespacio líquido, elevado por la presencia de una Björk que invoca emotivamente la presencia de un “amor trascendental” que cure las heridas abiertas en su disco anterior. No es, desde luego, el mismo lugar en el que la encontramos en el segundo single oficial de ‘Utopia’, ‘Blissing Me’, una canción romántica, preciosa, en la que, entre arpas, la cantante intercambia MP3 con su amante platónico e imagina la “fantasía” de su “unión física”.
Pese a lo que sugiere su título, ‘Utopia’ no es un disco explícitamente político y su oscuridad se vierte a lo largo del álbum en otras formas, sobre todo en lo musical y lírico. La litúrgica ‘Features Creatures’ sitúa a Björk en una conjura solitaria, acompañada únicamente de unos coros fantasmales (producidos en realidad por los tubos armónicos de Sarah Hopkins) que parecen protegerla mientras invoca al hombre de sus sueños, hasta que al final una fantasía de flautas se crea a su alrededor. Lo hace en una letra no exenta de ingenuidad millennial en frases como “cuando veo a alguien de la misma altura que tú, y que va a las mismas tiendas de discos, literalmente pienso que estoy a cinco minutos de enamorarme”. Incluso en la épica ‘Body Memory’, que emerge del pantano de ‘Black Lake’, y dura casi lo mismo, contrarresta su oscuridad con pasajes sobre el “ADN sexual” y “rayos X de mis kamasutras”, situándonos después en una sudorosa “pista de baile de Brooklyn”.
A pesar de que son muchos los que siguen buscando melodías accesibles en los discos de Björk como si fueran LaToya Jackson y su lupa, y al margen de algunas composiciones redundantes como ‘Courtship’ y ‘Claimstaker’ o del repelente aroma “new age” de ‘Saint’, el mayor punto flaco de ‘Utopia’ siguen siendo las letras. Björk presenta en el disco pasajes hermosos, como en la tierna ‘Tabula Rasa’, pero también es capaz de lo peor en ‘Sue Me’, una canción dramática, pero cuya ejecución roza la parodia, sobre el litigio por la custodia de su hija entre Björk y su ex pareja Matthew Barney, a quien la islandesa se enfrenta de manera bastante explícita, comunicándole que “ya era hora que te enseñara algo de dignidad”. A su hija entonces dedica unas confesionales palabras, viniéndose demasiado arriba: “no voy a dejar que corten a nuestra niña por la mitad, no puedo aguantar que ella sufra, es tan injusto, los pecados del padre lo han jodido todo, teníamos la mejor familia, lo teníamos todo”.
‘Utopia’ concluye positivamente, con una ‘Future Forever’ que en su visión de esperanza -desde luego no en su sonido ambiental y flotante- remite, quizá trágicamente, a ‘Unison’, la canción que cerraba ‘Vespertine’ y en la que Björk proyectaba hacia el infinito su sueño de futuro con su familia. En ‘Future Forever’, Björk pide que la observemos “formando nuevos nidos, tejiendo una cúpula matriarcal, construyendo un andamio musical”, pero la base musical curiosamente establece un puente con ‘The Gate’: ambas existen en la misma dimensión abstracta y abren sendos umbrales hacia la posibilidad de esa “utopía” que suena exactamente a lo que parece, a una fantasía que, con sus altibajos, con sus claroscuros, se ha hecho realidad.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Arisen My Senses’, ‘Blissing Me’, ‘The Gate’, ‘Utopia’, ‘Body Memory’, ‘Features Creatures’, ‘Tabula Rasa’ Te gustará si te gusta: Robert Wyatt, Juana Molina, Scott Walker, Jenny Hval… y sobre todo Björk Escúchala:Spotify
Los fans de la “escuela” de The xx o London Grammar están de enhorabuena, porque tienen un nuevo nombre con el que gozar, emocionarse o sufrir. Se trata de Lo Moon, un trío de Los Ángeles formado por Matt Lowell (voz, teclados, guitarras), Crisanta Baker (bajo, voz) y Samuel Stewart (teclados, voz) que hacen de la delicadeza y la melancolía su mejor arma, pero tratadas con un punto de vista sofisticado y expansivo, no solo intimista. Otros referentes que les van como anillo al dedo pueden ser los elegantes The Blue Nile o también, de manera algo más difusa, aquellos Unbelievable Truth que comandaba Andy Yorke, hermano de Thom, ¿recordáis?
El caso es que, aunque el proyecto lleva en marcha unos 5 años –Lowell reconoce que cuidan todos los detalles al máximo, como parte de su filosofía– no ha sido hasta este 2017 cuando han comenzado a despuntar. Lo hicieron a finales del pasado invierno con ‘Loveless’, un medio tiempo que por momentos tiene ecos del Peter Gabriel de ‘Don’t Give Up’, alternados con otros más épicos. Aquella canción les llevó a ser teloneros de MUNA durante una gira norteamericana, pero en estos meses han seguido ascendiendo.
Porque ahora son ya teloneros de Phoenix en EEUU y han presentado otras dos nuevas muestras de que son un valor de futuro fiable. La primera, ‘This Is It’, un tema que discurre próximo a ‘Loveless’, con un sugerente riff de sinte que se incrusta en el recuerdo a la primera de cambio, y la más reciente ‘Thorns’, un tema precioso que sitúa a Rhye como otro nombre que orbita en la mente al escucharles. Todo ello con un buen acabado estético y con producción, atención, de Chris Walla (Death Cab For Cutie, The Postal Service) y François Tetaz (Gotye, Kimbra). El debut que editarán en Columbia, probablemente el año que viene, debería confirmar las buenas sensaciones que dejan estos tres singles.
Stevens ha ido publicando varios avances de la “mixtape” en los últimos meses, como el descarte ‘Wallowa Lake Monster’ o una grabación de iPhone de ‘John My Beloved’. Hoy podemos escuchar, mediante vídeo, el tema titular, una breve canción -dura menos de 2 minutos- en la que el oriundo de Detroit canta sobre alcanzar la iluminación a través del amor espiritual. En su letra clama que se pueden “adorar la montaña y la lluvia”, pero que el “mayor regalo de todos” es el “amar a tus amigos y amantes, y entregar tu vida a tus hermanos”, así “en paz te quedarás, y tu alegría crecerá”.
Para ‘The Greatest Gift’, Stevens ha realizado él mismo un videoclip en stop-motion en el que se suceden varios recortes de fotografías y revistas, muchos de los cuales representan personajes e iconos de la religión cristiana como Moisés con el Testamento (Stevens es anglocatólico). En la misma letra de la canción hay una referencia a Asa Lovejoy, fundador de Portland, en Oregón, donde Stevens pasó tiempo junto a su madre de niño y donde grabó parte de ‘Carrie & Lowell’.
“La misión del copiloto es rular uno tras otro”. El título del 13º álbum en la carrera del provecto Julio Bustamante surgió durante un paseo en coche con su hijo, que le iba “rulando” los cigarros. Más allá de una anécdota divertida, ‘La misión del copiloto’ esconde “la necesidad de luchar juntos”. Un elepé ecléctico –a este venerable señor nunca le ha gustado pensar en discos, ya que su atención se centra en las canciones– que pasa de ‘La doble’ (un poema de Sam Shepard) y ‘El cel de les cançons’ (El cielo de las canciones), temas que abren y cierran el disco, a ‘Iratxi’ (cantada a dúo con Nacho Vegas), recorriendo mientras tanto diez canciones escritas, mes a mes, a su joven amante. “No quiero mencionar cuántos años nos llevábamos, me da demasiada vergüenza”, cuenta Bustamante. “Fue algo que ella me pidió, e incluso la relación se dio por ella. Fue ella la que tiró de mí. Es una buena amiga”. Circunstancia que hace que este disco del llamado “artista de culto” valenciano sea el más redondo de su carrera. O, mejor dicho, el más planteado como un disco en sí mismo y no como una recopilación de canciones.
Nos encontramos con Julio Bustamante (Valencia, 1951) en las oficinas de El Volcán, su agencia discográfica. Juntarse con él es estar dispuesto a que nos cuente lo que él tenga a bien narrar, sea lo que sea, sin seguir un rumbo fijo. Con la mirada perdida y un cierto aire tímido, nos cuenta que acaba de echarse la siesta (“es algo obligatorio”) mientras nos recibe con sus andares espigados, un vaquero raído y una boina, como salido de la estampa de aquellos cantautores de los años 70, una década que sirvió a este letrista para darse a conocer, hace más de treinta años: “Soy un niño que sabe muchísimas cosas. Creo que fue Dylan el que dijo “todo el mundo se muere por ser joven, cuando los que disfrutan son los niños”. Y es verdad. Cuando eres joven son todo ansiedades e intensidades. También es cuando empiezas a relacionarte más con el mundo exterior”, comenta, recordando aquellos tiempos.
«Yo creo que todas las obras buenas, en el fondo son un libro de historia que relatan su época desde el fondo, no desde la superficie»
Ese mundo exterior que servía como inspiración principal en los primeros discos del valenciano (‘Cambrers’ –1981– o ‘Cargo de mí’ –Discos Medicinales, 1987–) aparece reflejado de manera tenue en ‘La misión del copiloto’. Como una pátina de realidad que sirve de fondo a los sentimientos: “Yo creo que todas las obras buenas, en el fondo son un libro de historia que relatan su época desde el fondo, no desde la superficie. Aunque no se lo propongan. Es lo que yo llamo la impersonalidad. En mis canciones procuro que pase. Que todo eso que está pasando es una circunstancia social, en gran medida. Todos somos producto de una circunstancia social”, explica con su voz ronca de profesor de filosofía.
“No hay que hablar de España, hay que pensar en los españoles, que somos gente de carne y hueso”
Después de décadas reafirmándose en la lucha social y en la protesta, nos sorprende encontrar una mirada tan tranquila en las letras de su último trabajo. ¿Qué hay de la situación que estamos viviendo, qué hay de Cataluña? Le preguntamos, a tenor de lo exótico que podría resultar en estos momentos un disco escrito en ambos idiomas, catalán y castellano: “No aporta nada. Es algo que tienen que arreglar. Hay temas más importantes. Me parece una cortina de humo todo esto. Y también pienso que algo de interés habría por forzar la situación tanto. Pienso que la política maquiavélica es de derechas, más todavía. Hay temas mucho más importantes, como son las pensiones, la educación, la investigación, la sanidad. Todo eso lleva esperando muchísimo tiempo. Cuando hay gente en Valencia estudiando en barracones, de todo lo que robaron. Todo eso no es dinero, es voluntad política. Decir “no va a haber gente muriéndose en la camilla de una sala de espera”. Es denigrante. No tiene por qué haber 60 alumnos en un aula, tiene que haber 20. Todo eso es voluntad política, pensar en hacer las cosas bien y no hablar de España, sino pensar en los españoles, que somos gente de carne y hueso. Pero no, solo somos contribuyentes, y punto. Y esto si quieres lo sacas, o no lo sacas”, remata con un cierto deje de hastío, dando a entender que ya nadie “quiere mojarse”.
“He vuelto al mundo de cuando yo tenía 8 años. Eso dicen, que la vida es como una curva y, al final, vuelves a ser tan niño como eras al principio”
Esa intensidad de la que hacía gala en su juventud (“empecé en esto a los 27 años, ¡qué intensidades!”), el miedo a hablar de sus propios sentimientos o a narrar su propia vida son parte de las capas que se ha ido quitando Julio Bustamante: “He ido quitándome cosas” – continúa-, “Internet no tengo. Bajo todos los días a la biblioteca, que además es muy grande y muy bonita y antigua. Y voy todos los días una hora a internet. Y los días que necesito más, voy por la tarde otra hora. Pero, por lo general, voy una hora nada más. No tengo televisión, tampoco (como dice la canción). Y tampoco tengo electrodomésticos. La verdad es que vivo solo y me apaño muy bien. Los he ido cerrando poco a poco. El frigorífico me cansé de verlo siempre con un plátano y un huevo y pensé “¿Para qué quiero esto aquí?” Luego lo apagué. Llevaba años apagado y este verano, cuando pinté la casa, lo saqué a la calle. Pero me apaño bien, porque salgo a comer al parque normalmente, y en casa tengo cosas que no caducan nunca, como el arroz. Pasta, huevos, jamón, galletas, cebollas… viviendo solo, las cosas cambian mucho. Lavar la ropa a mano. Me gustan mucho los trabajos manuales. Aparte, no me gustan los ruidos. Las lavadoras, las neveras… siempre acaban haciendo ruido. Yo también tengo una edad y he nacido en una época en la que esas cosas no existían. No ha sido inventar nada, ha sido como volver al principio. Tocadiscos y guitarra sí que tengo. Esas son cosas importantes para mí. En fin, que he vuelto al mundo de cuando yo tenía 8 años. Eso dicen, que la vida es como una curva y, al final, vuelves a ser tan niño como eras al principio.”
Tras haber participado incluso en un documental sobre su vida y obra (‘Bustamante Perkins’) decidimos terminar la entrevista preguntándole al sabio qué es lo que le preocupa ahora que no tiene intensidades, ni frigorífico ni prisas: las mujeres. “Yo siempre estoy leyendo. Creo que leo incluso demasiado. Suelo leer un par de libros a la semana. Y sigo estudiando filosofía. Ahora estoy con la temática de las mujeres contemporáneas españolas. Más allá de si me gusta o no me gusta, por recabar información. Rosa Montero me encanta.”
Hoy mismo podremos verle en directo, en una de sus espaciadas actuaciones, en la sala Fun House de Madrid (entradas, en Ticketea), acompañado por su grupo, Lavanda, y Kiko Sumillera. Veremos a ver qué nos cuenta esta vez este venerable letrista.
Sia intentará llevarse un buen trozo del pastel navideño -el mejor periodo de ventas del año para la industria- con su nuevo disco de villancicos originales, ‘This is Christmas’, que llegaba al mercado el 27 de noviembre adelantado por varios singles como el alegre ‘Santa’s Coming to Town’ o la emotiva balada ‘Snowman’.
La australiana, que era noticia recientemente por otros asuntos menos navideños, presenta ahora videoclip para ‘Santa’s Coming For Us’, para el que ha sentado a cenar por Navidad a un reparto de personajes famosos como Kristen Bell, Caleb McLaughlin (Lucas en ‘Stranger Things’) o Sophia Lillis, quien interpreta a Beverly en ‘It’. También los actores Dax Shepard y Henry Wrinkler, el cómico J.B. Smoove, la actriz Susan Lucci y Wyatt Oleff, otro niño de ‘It’, se dejan caer por aquí. No, no se te ha pasado el nombre de Maddie Ziegler: la bailarina favorita de Sia no aparece en el vídeo.
Caleb es el último niño de ‘Stranger Things’ en apuntarse a un videoclip: antes que él, Millie Bolly Brown (Eleven) protagonizó el vídeo de ‘Find You’ de Sigma con Birdy y Finn Wolhard (Mike) apareció en el clip de ‘Sleep in the Heat’ de PUP. Wolfhard, de hecho, tiene su propio grupo, Calpurnia. Por su parte, Sophia Lillis acaba de aparecer en un vídeo de The War on Drugs.
El pasado 10 de noviembre llegaba a las tiendas ‘Stranger’, el nuevo trabajo de Yung Lean, el “sad boy” sueco autor de canciones como ‘Kyoto’, ‘Ginseng Strip 2002’ o ‘Yoshi City’ que acumulan decenas de millones de escuchas en Spotify, pero que también han valido críticas a Lean por su apropiación descarada de la cultura negra estadounidense.
Jonatan Leandoer Håstad publica ahora videoclip para otro de los temas incluidos en su nuevo disco, la pista 5, ‘Metallic Intuition’. El colectivo francés Suzie and Leo dirige esta pieza audiovisual ambientada en el lejano oeste americano y en el que el rapero sueco está en busca y captura. La tensión puede cortarse con un cuchillo en este vídeo que se desarrolla con una inquietante tranquilidad y que termina en una carnicería.
‘Metallic Intuition’ destaca por su producción líquida y oscura, desarrollándose hacia un climax ultra sutil. En la letra, Yung Lean se jacta de su futuro “sin techo” y rapea sobre solucionar la vida a su familia gracias a su éxito. También hay hueco en la letra para menciones a Elvis Presley, ‘Las uvas de la ira’ y la mejor frase es entre lapidaria e irónica: “me importa una mierda, Narnia me ha hecho sabio”.
Arenal Sound se marca un “Raphael en Sonorama” o un “Los Del Río en SanSan Festival” más fuerte todavía con la confirmación de su primer cabeza de cartel para 2018, Bad Bunny, uno de los mayores exponentes del trap latino actualmente en el mundo gracias a canciones como ‘Sensualidad’, ‘Krippy Kush’ y actualmente a su colaboración con Becky G en la exitosa ‘Mayores’. Arenal Sound se celebra en Burriana del 31 de julio al 5 de agosto.
La nota de prensa de Arenal Sound recuerda los éxitos del puertorriqueño, uno de los cuales, ‘Sensualidad’ con Prince Royce y J Balvin, es ahora mismo la canción número uno en España. La segunda es ‘Mayores’, la colaboración de Bad Bunny con Becky G, que ya ha sido número uno y saluda actualmente desde el top 3. También ‘Tú no metes cabra’ y ‘Soy peor’ aparecen por el top 100. Además, se rumorea que Bad Bunny hará con Maluma la próxima canción del Mundial. “El joven puertorriqueño no para de ascender y de cosechar éxitos y el próximo verano será uno de los shows más esperados de la novena edición de Arenal Sound”, comenta el festival.
Bad Bunny, presente también en ‘Si tu novio te deja sola’ de J Balvin, de la que os hablábamos en su momento con motivo de su curiosa letra, acaba de publicar un remix de su éxito ‘Krippy Kush’ con Farruko, 21 Savage (presente en ‘rockstar’), Rvssian y Nicki Minaj, quien en su parte rapea en español sobre su “pelo rosa” y su “culo gordo”.
Rosalía nos adelantaba hace unas semanas que antes de que acabara el año estrenaría un single nuevo no incluido en su disco ‘Los Ángeles’. Esa canción ha resultado ser una escalofriante interpretación de ‘Aunque es de noche’ de Enrique Morente, que desde hoy cuenta con su propio videoclip.
El sencillo vídeo, en el que la figura de Rosalía como cantaora va emergiendo, ha sido dirigido por Ignasi Monreal y producido por Pink Salt & Collateral Films. El concepto es “utilizar la noche como metáfora de lo desconocido y pretende ser una celebración de la muerte como parte de la vida”. Las superposiciones cromáticas del final no hacen sino acentuar el desenlace, dibujando por ejemplo lágrimas en el rostro de Rosalía.
Cabe preguntarse por qué esta canción impresiona tantísimo desde la primera escucha. Y es que además de que Rosalía suena en su mejor momento en su interpretación, la original de Enrique Morente, que abría el disco ‘Cruz y luna’, de 1983, planteada en plan «tango», ya era alucinante. Rosalía la ha reducido a lo mínimo, quitándole algo de ritmo en principio, pero recalcando los momentos más pasionales de la letra en la búsqueda de un clímax que no existía. Claramente una de las mejores canciones del momento y del año.
Guille Milkyway es profesor de cultura musical en la nueva edición de Operación Triunfo, por lo que por la imaginación de todo el mundo en algún momento ha pasado la posibilidad de que La Casa Azul presente un nuevo tema en el programa, al modo de los «coaches» de The Voice. De momento no va a pasar pero lo que sí se sabe es que ‘La revolución sexual’, el gran hit de su proyecto, será la canción grupal en próximo lunes en OT.
Los ensayos de la canción ya han sido subidos a Youtube, no exentos de polémica (algunos comentarios preguntan de dónde ha salido esta canción -que lleva 4 millones de reproducciones en Spotify-, e incluso cuestionan su calidad; también hay quien no entiende la negativa de Milkyway a interpretar con ellos la canción) ni anécdotas (alguien tiene que indicarle a Guille que se suba la bragueta). Pero lo seguro es que la interpretación será toda una curiosidad de nuestro prime-time. ¿Alguien recuerda alguna canción editada por Elefant sonando en vivo y en directo en el prime-time de una cadena mayoritaria desde… que Guille Milkyway fue candidato a Eurovisión justo con esta canción?
Al término de 1 hora de ensayos y vídeos, podéis ver cómo quedará la canción previsiblemente el lunes (al final del vídeo). La decisión de bajarla un tono y de separar chicos y chicas en una voz ultra aguda, solo puede recordarnos a la mojigata ‘Amo a Laura’ del falso grupo Los Happiness, un anuncio-viral para MTV creado hace una década por Guille Milkyway.
Rosa López está recibiendo críticas muy negativas por la actuación vocal ofrecida en una gala benéfica de UNICEF emitida por Canal Sur durante este fin de semana. La cantante escogía interpretar la canción ‘Sueña’ que en su momento interpretará junto a Chenoa en Operación Triunfo, acompañada de unos arreglos de cuerda que ya solo pueden sonar a Navidad.
Se ha hablado mucho sobre el estado de la voz en vivo de Rosa, después de haber sufrido un problema en las cuerdas vocales, una negligencia médica y finalmente una operación, pero el problema es que hoy por hoy su voz está ahí en algún lugar. Parece más bien que la cantante no termina de encontrar el tono adecuado para reconducir el estado de su voz sea cual sea ahora mismo (ni en este caso el tempo). De cualquier forma, la cantante parece haber contestado por Twitter «no tengo fuerzas para rendirme«, está de gira y tiene un concierto en Barcelona ya mismo, el día 26 de noviembre.
Por otro lado, la cantante continúa con la promoción de su último disco, ‘Kairós‘, y el nuevo single es ‘Ahora sé quién soy’, la canción que tanto se parecía a ‘The Scientist’ de Coldplay. El vídeo presenta un triángulo amoroso con rollo bollo. ‘Kairós’ ha abandonado el top 100 de ventas en España tan solo tras 12 semanas de permanencia, siendo por tanto el álbum menos longevo de su discografía.
El Último Vecino, proyecto retrofuturista que ha publicado dos discos ochenteros como el debut homónimo de 2013 y ‘Voces‘ (2016), no se ha retirado finalmente, y publicará en febrero su nuevo disco, adelantado por el single ‘Dónde estás ahora’. Foto: LaPanteraRusa.
La canción llegará esta noche a las 0.00 a las plataformas de streaming, pero se estrenó anoche en Los 40 Trending, el programa de Los 40 Principales de Arturo Paniagua. Puede escucharse, por tanto, en el podcast del 22 de noviembre de este programa, en concreto a partir del minuto 16. El tracklist y la portada del largo aún no se han dado a conocer.
‘Dónde estás ahora’ es una canción de letra corta, muy uptempo, de base electrónica lo-fi, sintetizadores con la magia de los 80 y acordes aún en la onda de The Smiths y The Drums. Sobre todo viene caracterizada por unos significativos gorgoritos, definitivamente cercanos al Morrissey más histriónico. Al fin y al cabo, el proyecto de Gerard ya había utilizado ‘Some Girls Are Bigger than Others’ en su adaptación de ‘Mi chulo’ de La Zowi. Seguro que sus seguidores no está decepcionados ante este nuevo paso, continuista al fin y al cabo, pero contagioso como siempre.
Os dejamos con los dos teasers que se habían dado a conocer, en los que se habla un poco en clave sobre el inminente disco y sobre cómo escribir el nombre de la canción.
Sharemusic!, responsable de uno de los fenómenos musicales de este año, Love the 90’s, festival desdoblado en varias ciudades españolas que en Madrid lograba agotar entradas con meses de antelación, ha tenido una fresquísima idea: un festival llamado Love the Tuenti’s para celebrar a los artistas dance de la primera década de los años 2000. El festival, que se celebra el 5 de mayo en el Wizink Center de Madrid, reunirá en un mismo concierto a una veintena de artistas de las cuales destaca gente como Safri Duo, Kate Ryan, Lasgo, Cascada, Sylver e Ian Van Dahl, entre otros. Las entradas salen a la venta el próximo 30 de noviembre en www.lovethetuentis.com. Las primeras 2.000 entradas de pista saldrán con un precio promocional de 25 euros.
El evento de presentación, celebrado ayer, contó con la presentación de La Terremoto de Alcorcón, a la que la nota de prensa presenta como «protagonista en la primera década de los 2000 de uno de los primeros vídeos virales en redes sociales con su parodia del ‘Hung up’ de Madonna». También estuvo por allí Fernandisco.
Un festival en el que no faltarán las interpretaciones más populares de Safri Duo (‘Played-A-Live’, ‘Samb-Adagio’), Kate Ryan (‘Ella Elle L’A’, ‘Desenchantee’), Cascada (‘Everytime we touch’), Sylver (‘Turn the tide’) y XTM feat. Annia (Eva Martí) con ‘Fly on the Wings of Love’. Completan el line up Lasgo, La Luna, Ian Van Dahl, Jessy, Fragma ft. Tess, Marvin & Andrea Prezioso, Anneke Van Hoof, Dee Dee, Noyze, Clublanders, Orion Too feat. Caitlin y Tess. Además, el festival contará con la animación de Jumper Brothers y Dj Marta.
Seis largos años después de ‘Zona de conflicto’, su último álbum de estudio, tras dos álbumes en solitario de Antonio Arias, reediciones de su catálogo de Sony, celebraciones y documental de ‘Omega’, el estratosférico proyecto que cambió el rock y el flamenco de nuestro país, vuelven Lagartija Nick. Y son a la vez los de siempre y otros diferentes, literal y metafóricamente. Reunida la formación original al hilo de las giras que celebraban su primer cancionero, la inercia les ha llevado a grabar un nuevo álbum, un disco en el que se reconoce a los Lagartija de siempre –ese rock poderoso, propulsado en todas direcciones y con gran poso poético persiste en ‘Mapa de Canadá’, ‘Analema’, ‘Nuda vida’, ‘La ira de noviembre’– y se encuentra a unos nuevos Lagartija.
Unos Lagartija Nick en los que está más presente que nunca la reivindicación del folclore popular, por un lado; y la sombra –o mejor, el aura– de Jesús Arias, el músico y periodista granadino, instigador de ‘Omega’ y hermano de Antonio fallecido en 2015, por otro. Ambos componentes vertebran ‘Crimen, sabotaje y creación’ (titulado, por cierto, como una canción de su anterior disco), pero no como dos ramas separadas, sino que se funden en una sola cosa. Un conjunto cohesionado por el hermoso lirismo de las letras de Antonio y Jesús –la explosiva ‘Agonía, agonía’ y la comprometida ‘Europa, Europa’ son versiones de temas que el último hizo con su último proyecto musical, Qüasar–, que se funden y mezclan sin aparente esfuerzo con la adaptación de las sevillanas proletarias (‘Soy de otra Andalucía’) de los rebeldes Gente del Pueblo, el bolero flamenco ‘La soledad es política’ o el apasionante murder ballad local ‘La leyenda de los Hermanos Quero’.
Esta reivindicación múltiple –de esos cuatro hermanos, maquis urbanos que fueron perseguidos primero y luego silenciados por el franquismo, de su nieto, el cantaor Víctor Blaya Quero, ‘El Charico’, que murió tristemente tras una profunda depresión y cuya voz suena en forma de sampler– es un foco hacia lo local que se proyecta de manera universal. Porque sí, ‘Crimen, sabotaje y creación’ es también el disco más políticamente comprometido de Lagartija Nick, con una denuncia explícita de la uniformidad de pensamiento dictada por las oligarquías para polarizar y controlar al pueblo –“ningún medio retransmitió la imagen ni vendió la información / traen consigo bitcoins para el viaje, se dirigen a Google-Oz”, ingeniosa referencia en ‘Mapa de Canadá’– y la poesía como forma de rebeldía, como estética contracultural.
La búsqueda permanente de la belleza lírica, incluso cuando se muestran más enigmáticos y crípticos es, también, un posicionamiento político y funciona como hilo conductor o catalizador allí donde las composiciones no son tan deslumbrantes (‘La canción del tiempo’, ‘La ira de noviembre’) e incluso las hace mejores (‘El teatro bajo la arena’). Como un quinto Lagartija Nick, Jesús Arias impregna cada rincón de su propio homenaje, en una formidable paradoja que culmina con ‘Exilio / Adagio Súbito’, un delirio en el que Antonio hace realidad una fantasía de Jesús –una sinfonía con el ruido de motores de la Fórmula 1– y a la vez le dedica un precioso panegírico al que se suman otro de sus hermanos, Ángel –con esos sonidos sinfónicos sintetizados que cierran el tema–, y Noni y Alejandro de Lori Meyers en los coros. Las líneas “lo que más pena me da es no poderte alcanzar en tu nuevo destino” permanecen como un emotivo eco al final de un disco que es un hermoso compendio de factores aparentemente aleatorios que cobran un estupendo sentido en manos de Lagartija Nick.
Lagartija Nick presentan ‘Crimen, sabotaje y creación’ esta noche –23 de noviembre– en Barcelona, en La [2] de Apolo. Mañana, 24 de noviembre, estarán en la sala Malandar de Sevilla y más tarde, el 15 de diciembre, harán lo propio en la sala Rock City de Valencia.
Calificación: 7,8/10 Lo mejor: ‘Agonía, agonía’, ‘La leyenda de los Hermanos Quero’, ‘Analema’, ‘Soy de otra Andalucía’, ‘El teatro bajo la arena’. Te gustará si te gusta: Los Planetas, Los Evangelistas, Chucho Escúchalo:Spotify
SSION, el proyecto del artista multidisciplinar Cody Critcheloe, que seguramente recuerdes por ‘Bent‘, editado en 2012, volverá en 2018 con un nuevo disco llamado ‘O’. De momento ha compartido el adelanto ‘Comeback’ en exclusiva a través de The Fader, donde habla de todo el proceso de creación tanto de la canción como del vídeo, pues él también es director de videoclips y ha trabajado con gente como Perfume Genius (‘Queen’) o la mismísima Kylie Minogue (‘Sexercize’), a la que cita como influencia en la creación de este estribillo.
Si ‘Comeback’ en su versión corta para Spotify es una canción ochentosa con una pequeña influencia del pop actual en cuanto a tratamiento de voces, que decide culminar por alguna razón con un destartalado noise; su vídeo -mucho más largo- es un gran batiburrillo que él mismo presenta como «de estructura circular» y como «collage» de ideas. Entre sus influencias están tanto los videoclips de Tyler the Creator como de Róisín Murphy y también le ha marcado una biografía que ha leído de Bob Fosse.
El vídeo comienza en plan cantautor: por un momento nos parece que va a salir Destroyer. De ahí pasamos a una cafetería rollo años 50 hasta que una tacita de café se ilumina y comienza la fiesta ochentera, CD mediante. Las mutaciones de SSION que conocemos incluyen una animadora, un disfraz de vaca que se reproduce en la portada del single (referencia a Pink Floyd, además del guiño a Robert Plant de la foto promocional) y un cásting medio eurovisivo que sufre un boicot que ni ‘Carrie’. El vídeo refleja «pasado, presente y futuro de un modo extraño» y pretende funcionar a modo de «sinopsis» del álbum, aún sin fecha de edición.
El NME ha estado revelando la lista de sus mejores discos de 2017 a través de Twitter durante los últimos dos días. En concreto han ido desvelando su top 10, que incluye los últimos trabajos de gente como Lana del Rey, SZA, LCD Soundsystem y Liam Gallagher. El top 3 está compuesto de ‘DAMN.’ de Kendrick Lamar, ‘Visions of a Life’ de Wolf Alice y finalmente se ha revelado que ‘Melodrama’ de Lorde es su disco del año. El top 50 ya puede consultarse online.
La mirada estaba puesta en los discos que más alto había puntuado el site este año, que se pueden visitar en la web Album of the Year. Allí encontrábamos que hasta 10 discos de este año habían sido puntuados por NME con un 10/10, pero de ellos sólo 5 aparecen en el top 10 dado a conocer. Eso significa que 5 han quedado fuera del top 10 definitivo, probablemente debido a la falta de apoyo de colaboradores, a un cambio de opinión o al hecho de que se encargara su crítica a la persona menos representativa en ese caso de la redacción.
Esos 5 discos desechados finalmente del top 10 pese a haber sido puntuados con un 10 son ‘Everything Now’ de Arcade Fire (puesto 29), ‘Need to Feel Your Love’ de Sheer Mag (puesto 21), ‘Big Fish Theory’ de Vince Staples (puesto 15), ‘Semper Femina’ de Laura Marling (puesto 49) y ‘Gang Signs & Prayer’ de Stormzy (puesto 14). Así ha quedado el top 10:
1.-Lorde / Melodrama
2.-Wolf Alice / Visions of a Life
3.-Kendrick Lamar / DAMN
4.-Father John Misty / Pure Comedy
5.-LCD Soundsystem / American Dream
6.-J HUS / Common Sense
7.-SZA / CTRL
8.-Lana del Rey / Lust for Life
9.-Wiley / Godfather
10.-Liam Gallagher / As You Were
‘Sensualidad’ de Bad Bunny con Prince Royce y J Balvin, entre otros, es el nuevo número 1 en España tras haber entrado la semana pasada al puesto 16. Bad Bunny ha sido número 1 recientemente en nuestro país al aparecer en ’Mayores’ de Becky G, aún en el puesto 3 en su 18ª semana. Entra al top 10 ‘No vaya a ser’ de Pablo Alborán, que sube hasta el #9 antes de que llegue el huracán del disco de Alborán a las listas la semana que viene con su nuevo disco.
La entrada más fuerte es Jennifer Lopez con Wisin en ‘Amor, amor, amor’, directa al puesto 70, mientras Vetusta Morla aparecen en el 72 con ‘Deséame suerte’, el segundo single de ‘Mismo sitio, distinto lugar’, que de hecho llega más arriba que el primero ‘Te lo digo a ti’ (actual reentrada al #90, nuevo máximo). ‘Deséame suerte’ se beneficia de ser algo más accesible, pero sobre todo de abrir el disco, que es top 1 en ventas y top 1 en streaming álbumes.
La lista de entradas se cierra con la boyband latina CNCO y ‘Mamita’, que llega al puesto 91, mientras otro corte suyo ‘Hey DJ’ es número 44 aun en su 32ª semana en lista.
Hace escasas horas la banda chilena Paracaidistas ha publicado su disco largo ‘Bruxar’, que puedes escuchar a través de Youtube o Bandcamp. Seguramente te suene la formación por el EP que publicaban en 2015 incluyendo sencillos como ‘Mc Donalds’ o ‘Jardinería del Mar’, pero el sencillo homónimo que presenta ‘Bruxar’ es un corte más pegadizo aún gracias a su trepidante ritmazo, a su posible inspiración en los primeros Planetas, también a sus acordes ultra The Cure y primeros Pegamoides (ojo, suelen versionar a Los Fresones Rebeldes) y a su estribillo “Y si nos volvemos a ver / No podríamos contener / No sabríamos qué hacer”. La irresistible canción se presentaba a principios de este mes con un vídeo dirigido por Bernardo Quesney, conocido por sus muchos trabajos con Dënver, también con Gepe, Fakuta o en España Reina Republicana y Templeton.
El disco de Paracaidistas ha sido grabado en Estudios del Sur bajo el mando de Tito Astete junto a Joaquín Saavedra, vocalista de la banda, ambos también responsables de las labores de la mezcla. Ha sido masterizado por Drew Cappoto (Metallica, Jane’s Addiction) en Verité Sound de Nueva York.
Sobre el resto del álbum, su sello destaca «la variedad de sonidos y estilos que van desde el pop naïf de “Noche” que podría recordar a Los Fresones Rebeldes, a la melancolía indie de “Nos Caemos”, el pop-rock guitarrero del single “Bruxar”, el shoegaze de “Días de infancia” o estallidos de punk ramoniano como “Rompamos los Carteles Electorales”». Puedes escucharlo al completo bajo el vídeo del single.
Nick Carter de Backstreet Boys ha sido acusado de violación por Melissa Schuman, también cantante y ex integrante de la banda Dream (autora de éxitos como ‘He Loves U Not’ y ‘This is Me’). En su escrito, Schuman asegura que Carter la violó en 2002, cuando ella tenía 18 años y él 22, y que no ha revelado lo sucedido hasta ahora porque en su momento, su manager Nils Larsen le comunicó que sería inútil, ya que Carter tenía el “abogado más poderoso del país”.
Schuman, que en ese momento era virgen, relata que Carter les invitó a ella y a su compañera de piso a su apartamento de Santa Monica y que, tras unas bebidas, Carter invitó a Schuman a su despacho para mostrarle la “música nueva en la que estaba trabajando”. Tras unos besos, Schuman describe que Carter la llevó al cuarto de baño, le desabrochó el pantalón y empezó a practicarle sexo oral sin su consentimiento, a lo que ella se resistió. Schuman explica que Carter no hizo caso y le obligó a practicarle sexo oral a él, a lo que ella se negó, tras lo cual Carter colocó la mano de ella en su pene. Schuman relata que entonces accedió con tal de que la situación terminara cuanto antes. Entonces, cuenta que Carter la llevó a su habitación, la tiró en la cama y se colocó encima de ella para violarla.
La acusación de Schuman se suma a las decenas y decenas de acusaciones por abusos sexuales que han trascendido en las últimas semanas tras el escándalo Harvey Weinstein y el movimiento viral #metoo.
Horas después de hacerse público el escrito de Schuman, Nick Carter ha negado las acusaciones mediante un comunicado: «Estoy en shock y entristecido por las acusaciones de la señora Schuman. Melissa nunca me dijo mientras estuvimos juntos ni en ningún momento que lo que tuviéramos no fuera consensuado. Llegamos a grabar una canción y a actuar juntos, siempre tuve mucho respeto por ella y la apoyé en todo tanto en lo personal como en lo profesional. Esta es la primera vez que oigo estas acusaciones, cerca de dos décadas después. Va en contra de mi naturaleza y de todo en lo que creo causar intencionadamente ningún daño a nadie».
Como era de prever, pues España nunca ha sido uno de sus mercados clave, lo cual suponemos que implicará que jamás vaya a visitarnos de gira, Taylor Swift se vuelve a quedar sin número 1 en nuestro país. Parecía misión imposible para ‘reputation’ lograr la cima al coincidir su lanzamiento con el del nuevo disco de Vetusta Morla, uno de los grupos más exitosos del país, y así ha sido, con otro disco interponiéndose entre ambos, ‘Fitografía’ de Fito y Fitipaldis, el cual incluye 53 canciones y casi 4 horas de música. Repasamos las novedades de la semana en ventas en España.
Vetusta Morla logran su 2º top 1 en ventas y el 1º en streaming
‘Mismo sitio, distinto lugar’ es el segundo disco de Vetusta Morla que logra ser número 1 en España después de que ‘Un día en el mundo’ (puesto 19 en su momento) fuera un gigantesco sleeper y ‘Mapas’ quedara en el puesto 3. El tercero, ‘La deriva’, fue ya número 1. Además de ser número 1 en ventas, lo nuevo de la banda de Pucho lo es también en la tabla de streaming. No es que sea una sorpresa: todas las canciones del disco tienen ya cientos de miles de escuchas en Spotify y además ‘Te lo digo a ti’ reentra al top 90 en singles, alcanzando un nuevo máximo, y ‘Deséame suerte’ entra al puesto 72. Por otra parte, ‘Un día en el mundo’ sigue en el top 27 de «streaming álbumes» y el directo ‘15151’ en el top 40.
Taylor Swift logra su mejor resultado en España
Pese a que ‘reputation’ queda en España por detrás de Vetusta y Fito, el top 3 conseguido es el mejor logrado por Taylor en nuestro país, pues tanto ‘Red’ como ‘1989’ fueron número 4. En general, mientras ‘reputation’ ha arrasado Estados Unidos, Reino Unido o Canadá, tiene dificultades para repetir méritos en la Europa Continental: Alemania (#2), Italia (#3), Dinamarca (#3) y muy especialmente Francia (#16).
El público recuerda a The Corrs, Evanescence, Seal
Varios artistas procedentes de los 90 o los primeros 2000 llegan a la lista española. Se trata de The Corrs con ‘Jupiter Calling’ (#13, un resultado mejor que el de la propia Irlanda), Evanescence con ‘Synthesis’ (#20) y Seal con ‘Standards’ (#48).
Los tres han rondado el top 20 en Reino Unido, destacando el número 8 logrado por Evanescence en Estados Unidos.
Lagartija Nick se apuntan un tanto
Lagartija Nick se han colado en el puesto 29 con su nuevo disco ‘Crimen, sabotaje y creación’, cuya reseña publicaremos mañana. Que hayamos podido localizar en bases de datos y libros de la SGAE, es el mejor registro de toda la historia para la banda de Antonio Arias en la lista de ventas española.
Carlos Vives no saca partido de ‘La Bicicleta’
La entrada de ‘Vives’ de Carlos Vives no es muy buena si tenemos en cuenta que incluye ‘La Bicicleta’ con Shakira y un dúo con Sebastián Yatra. El disco es puesto 57 en ventas, si bien hay que destacar que es número 48 en “streaming álbumes”, una de las pocas novedades en esa lista.
La lista se llena de recopilatorios y reediciones
Con motivo de la proximidad de la Navidad, la lista de ventas se llena de recopilatorios y reediciones: ‘Fitografía’ de Fito y Fitipaldis se cuela en el #2, ‘Grandes éxitos y pequeños desastres’ de Dani Martín llega al #6, el remaster de ‘Master of Puppets’ de Metallica al #26, ‘Diamonds’ de Elton John al #50 y ‘Automatic for the People’ de R.E.M. llega por los pelos al #93.
Otras entradas son Jose Maria Ruiz de La Voz Kids con ‘Caminando juntos’ (puesto 8), ‘Ecos del rocío’ con ‘Una nueva vida’ (#12), La Fuga con ‘Humo y cristales + Mientras brille la luz’ (#15) y Cecilia & Sol en ‘Dolce duello’ (#59).
También ha salido un disco de Aretha Franklin con orquesta filarmónica que se ha colado en el #44, y con el que os dejamos.
‘rockstar’ de Post Malone salió hace 67 días, de los cuales lleva 65 en el número 1 del global de Spotify. Un éxito monstruoso que le ha llevado por supuesto al número 1 de Estados Unidos y Reino Unido, entre otros logros que han hecho sumar al artista 418 millones de reproducciones en Spotify con este tema en tan solo estos dos meses. Todo ello sin videoclip oficial.
Hasta hoy. Al fin se estrena el vídeo de la canción, una lucha de espadas algo tarantinesca que deja una buena charca de sangre alrededor del artista principal y su acompañante 21 Savage. El clip es obra del británico Emil Nava, quien antes ha trabajado para Ed Sheeran (‘Thinking Out Loud’ y ‘Sing’, entre muchos otros), Calvin Harris (‘This Is What You Came For’, ‘How Deep Is Your Love’ y el bobo pero entretenido ‘Feels’, entre muchísimos otros), o AlunaGeorge (‘I’m In Control’), por poner solo algunos ejemplos. Su extensísima videografía, que incluye colaboraciones con Jennifer Lopez, Julia Michaels o Nick Jonas puede consultarse en su web.
Parece confirmarse que el nuevo disco de Post Malone llega al mercado el 1 de diciembre tras haberse ido retrasando reiteradas veces desde el pasado verano. En principio se esperaba que ‘stoney’ y ‘Beerbongs and Bentleys’ fueran largos mucho más consecutivos.
Stormzy, autor del excelente ‘Gang Signs and Prayers‘, que fue uno de los favoritos en el reciente Mercury Prize, se ha disculpado por una serie de tuits homófobos, en concreto 19, que escribió en esta red social entre 2011 y 2014. Así lo recogía el medio Pink News, donde se dieron cuenta ayer de que había usado las palabras «maricón», «marica» y «gay» (en concreto «faggot», «fag» y «gay» en inglés) de manera despreciativa reiteradas veces.
El que es uno de los mayores exponentes del grime británico ha querido pedir perdón de nuevo a través de Twitter, como recoge NME: «Pronuncié cosas ofensivas y repugnantes en Twitter hace años en una época en la que era joven y me enorgullecía mi ignorancia. Fueron sentencias muy dañinas y discriminatorias que he corregido a medida que he crecido y me he convertido en un hombre».
Continúa: «Los comentarios que hice son inaceptables y repugnantes, punto y final. Son comentarios de los que me arrepiento y pido perdón a todos aquellos a los que he ofendido, lo siento, son cosas que he dejado en el pasado. El lenguaje homofóbico que usé era, para mi vergüenza, parte de mi vocabulario cuando era joven y la ignorancia me hacía sentir a gusto, y no entendía lo que conlleva el odio. No es una excusa, asumo la responsabilidad de mis errores y espero que entendáis que mi yo más joven no refleja quien soy hoy (…) De nuevo, lo siento, a la comunidad LGTB+ y a mis fans y amigos, mis más sinceras disculpas».
Si ‘Mikel Laboa’ es un paréntesis, “un giro momentáneo en el sonido de Delorean, que en esta ocasión aparcan el indie con matices electrónicos y de baile al que nos tienen acostumbrados para adentrarse en un terreno mucho más personal e introspectivo”, como ellos mismos declaran, quizá no haga falta extenderse mucho en los antecedentes del grupo vasco de indie-pop electrónico. Avanzadilla internacional de un conjunto cada vez más nutrido de propuestas locales exportables, Delorean echan esta vez la vista atrás para rendirle homenaje al cantautor donostiarra Mikel Laboa, fallecido en 2008; sin abandonar el lenguaje binario de la electrónica, pero sumergiéndose en la tradición lírica, musical e instrumental vasca.
Laboa fue el máximo exponente de la Nueva Canción Vasca desde mediados de siglo pasado y su primer disco de larga duración, ‘Bat-Hiru’, publicado en 1974, fue considerado como el mejor de la historia de Euskadi por los lectores de El Diario Vasco y apareció entre lo mejor del siglo XX para Rockdelux. Su compromiso con la cultura de su pueblo, traducido en una obra fuertemente personal, mezcla de tradición, poesía y experimentación, ha sido un referente para varias generaciones de artistas de su comunidad, por lo que el homenaje de Delorean no es, ni mucho menos, el primero que se le hace. Sí es, quizá, el que mejor rescata ese espíritu aventurero y vanguardista del legendario autor, fundiéndose con asombrosa facilidad los sintetizadores y la instrumentación clásica de Delorean (menos efusiva y más introspectiva que de costumbre) con un legado orgánico y vocal extraído de las sesiones de grabación del propio Laboa.
Además de la voz, tanto la guitarra como la txalaparta, el famoso instrumento tradicional de percusión vasco –presentes en ‘Bentara noa’ y en ‘Orreaga (Lekeitio 6)’–, sirven de puente etnográfico entre el pasado y el presente, lanzándose hacia el futuro mediante un revestimiento electrónico que, por lo general, y cuando la hay, deja que la voz marque el camino. Así sucede, al menos hasta la mitad, en ‘Kantuz’: una alabanza al poder mismo de la canción, desnuda de instrumentación en su versión original, y envuelta aquí en un discreto beat sobre un fondo ligeramente new age. Ocurre de manera desigual en dos de las piezas denominadas como «Lekeitioak», un formato de canción experimental de Laboa donde intercala gritos onomatopéyicos. Así como en ‘Dialektikaren laudorioa (Lekeitio 3)’ la voz y la instrumentación electrónica parecen convivir codo con codo en cierta barrena rítmica, en ‘Orreaga (Lekeitio 6)’ –tema que conmemora el 1200º aniversario de la batalla de Roncesvalles, en la que los vascos le frenaron los pies a Carlomagno– los protagonistas indiscutibles son la voz, la txalaparta y la guitarra originales.
Pero, sobre todo, es la fórmula infalible y tremendamente atractiva de ‘Bentara noa’. La pieza central, la que fuera segundo single de presentación del álbum, es la versión más redonda y memorable de cuantas hay en el disco. Sobre una elegante y sobria base de beats, cercana a Moderat, Delorean sacan brillo a la preciosa guitarra original de Laboa y a su melódico canto, reconstruyendo y actualizando un pedazo de historia cultural vasca de incalculable valor.
Los cortes más Delorean de ‘Mikel Laboa’, aunque muy lejos del colorido habitual de su obra convencional, son ‘Komunikazio-Inkomunikazioa (Lekeitio 5)’, un rompecabezas de sintetizadores con algún fragmento vocal intercalado, y la breve aunque suculenta ‘Denbora galduaren bila (Doneztebe)’. No es que sean licencias ni desahogos electrónicos libres por el esfuerzo de adaptación a un lenguaje distinto, sino más bien interpretaciones del universo estético de Laboa en clave un tanto clubber en la última mitad de la primera de las mencionadas y, sobre todo, en la segunda. El ejercicio de homenaje, por tanto, va desde las covers más pretendidamente fieles a las originales, realzando la materia prima, hasta esta suerte de interpretaciones, que parecen puntos de encuentro entre los espíritus de experimentación y vanguardismo de Delorean y de Mikel Laboa. Un tipo de espíritu frente al cual ninguna frontera, ya sea real o ficticia, política o de estilo musical, podrá hacer nunca nada.
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘Kantuz’, ‘Bentara noa’ y ‘Orreaga (Lekeitio 6)’, sobre todo cuando suena la instrumentación original de Laboa. Te gustará si te gustan: Delorean y Mikel Laboa por separado, la canción tradicional y las propuestas de electrónica con acento étnico tipo Bonobo. Escúchalo: Spotify.
‘New Rules’ de Dua Lipa vuelve al número 1 de nuestro top semanal al mismo tiempo que otros artistas llegan al top 40 con sus nuevos singles. Se trata de Renaldo & Clara -la entrada más fuerte-, Christina Rosenvinge, Los Punsetes y Kimbra. Entre las canciones que alcanzan nuevos máximos, dos hitazos internacionales, ‘Anywhere’ de Rita Ora y ‘Havana’ de Camila Cabello. Vota por tus 20 canciones favoritas aquí.
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El pasado 10 de noviembre llegaba a las tiendas ‘Stranger’, el nuevo trabajo de Yung Lean, el “sad boy” sueco autor de canciones como ‘Kyoto’, ‘Ginseng Strip 2002’ o ‘Yoshi City’ que acumulan decenas de millones de escuchas en Spotify, pero que también han valido críticas a Lean por su apropiación descarada de la cultura negra estadounidense. 
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Rosalía 
Guille Milkyway es profesor de cultura musical en la nueva edición de Operación Triunfo, por lo que por la imaginación de todo el mundo en algún momento ha pasado la posibilidad de que La Casa Azul presente un nuevo tema en el programa, al modo de los «coaches» de The Voice. De momento no va a pasar pero lo que sí se sabe es que ‘La revolución sexual’, el gran hit de su proyecto, será la canción grupal en próximo lunes en OT.
Rosa López está recibiendo críticas muy negativas por la actuación vocal ofrecida en una gala benéfica de UNICEF emitida por Canal Sur durante este fin de semana. La cantante escogía interpretar la canción ‘Sueña’ que en su momento interpretará junto a Chenoa en Operación Triunfo, acompañada de unos arreglos de cuerda que ya solo pueden sonar a Navidad. 
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Sharemusic!, responsable de uno de los fenómenos musicales de este año, Love the 90’s, festival desdoblado en varias ciudades españolas que en Madrid lograba agotar entradas con meses de antelación, ha tenido una fresquísima idea: un festival llamado Love the Tuenti’s para celebrar a los artistas dance de la primera década de los años 2000. El festival, que se celebra el 5 de mayo en el Wizink Center de Madrid, reunirá en un mismo concierto a una veintena de artistas de las cuales destaca gente como Safri Duo, Kate Ryan, Lasgo, Cascada, Sylver e Ian Van Dahl, entre otros. Las entradas salen a la venta el próximo 30 de noviembre en www.lovethetuentis.com. Las primeras 2.000 entradas de pista saldrán con un precio promocional de 25 euros.
Seis largos años después de ‘
SSION, el proyecto del artista multidisciplinar Cody Critcheloe, que seguramente recuerdes por ‘
El NME ha estado revelando la lista de sus mejores discos de 2017 a través de Twitter durante los últimos dos días. En concreto han ido desvelando su top 10, que incluye los últimos trabajos de gente como Lana del Rey, SZA, LCD Soundsystem y Liam Gallagher. El top 3 está compuesto de 
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Nick Carter de Backstreet Boys ha sido acusado de violación por Melissa Schuman, también cantante y ex integrante de la banda Dream (autora de éxitos como ‘He Loves U Not’ y ‘This is Me’). En su 
Como era de prever, pues España nunca ha sido uno de sus mercados clave, lo cual suponemos que implicará que jamás vaya a visitarnos de gira, Taylor Swift se vuelve a quedar sin número 1 en nuestro país. Parecía misión imposible para ‘
Stormzy, autor del excelente ‘
Si ‘Mikel Laboa’ es un paréntesis, “un giro momentáneo en el sonido de Delorean, que en esta ocasión aparcan el indie con matices electrónicos y de baile al que nos tienen acostumbrados para adentrarse en un terreno mucho más personal e introspectivo”, como ellos mismos declaran, quizá no haga falta extenderse mucho en los antecedentes del grupo vasco de indie-pop electrónico. Avanzadilla internacional de un conjunto cada vez más nutrido de propuestas locales exportables, Delorean echan esta vez la vista atrás para rendirle homenaje al cantautor donostiarra Mikel Laboa, fallecido en 2008; sin abandonar el lenguaje binario de la electrónica, pero sumergiéndose en la tradición lírica, musical e instrumental vasca.