La semana de Primavera Sound comienza hoy lunes 27 de mayo con los primeros conciertos de Primavera a la Ciutat y seguirá hasta el 2 de junio con la programación del Parc del Fòrum y el CCCB, que volverá a apostar de manera especial por la escena local.
Del 29 de mayo al 2 de junio, Primavera Sound seguirá apoyando la escena catalana dándole un «alcance global». Entre los artistas catalanes confirmados en Primavera Sound se encuentran Mujeres, Renaldo i Clara, Mushkaa o Guillem Gisbert, autor de uno de los mejores discos de 2024.
La presencia catalana en Primavera Sound vivirá uno de sus momentos destacados en Primavera Pro, el encuentro para profesionales de Primavera Sound, con la «botifarrada» que ofrecerá Catalan Arts el miércoles 29 de mayo a las 18.30 horas en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), como parte del encuentro profesional Primavera Pro. Llum, Mar Pujol o dani6ix & IZZKID actuarán durante este evento.
Y, entre las propuestas emergentes surgidas de Cataluña que se expondrán en Primavera Sound, hay que hablar de Ariox, proyecto de la cantante nacida en Cardedeu Ariadna Casas que lleva un tiempo -desde la pandemia- dándose a conocer.
El sonido de Ariox pudo adherirse al bedroom pop en ‘Estiu amb tu’, pero en los últimos tiempos se ha consolidado en las formas del pop electrónico. En esas coordenadas se ubica su disco de debut, ‘ARIOX IS SUPER SAD’, y lo demuestran el pulso bailable-pero-triste de ‘No és amor’ -una colaboración con Julieta-, el trance de ‘NS No em porta’ o el baile de club de ‘Jo sola plorant’. Ariox también explora el reguetón en ‘Tu i jo’ con Maria Hein sin renunciar a su toque personal.
Aunque hay que mencionar que el tema más popular de Ariox es una colaboración con Al·lèrgiques al pol·len: el buen rollito de ‘No et canto amb pena’ se acerca al medio millón de escuchas en Spotify. Es un tema que, con su sonido guitar pop, aguarda la llegada de la «Primavera». Ariox está confirmada en Primavera a la Ciutat y hoy actúa en la Sala Apolo.
El duelo Taylor Swift vs. Billie Eilish deja sus primeros números. En Estados Unidos, Taylor Swift permanece por quinta semana consecutiva en el número 1 de álbumes con ‘The Tortured Poets Department‘, lo que deja a Eilish en el número 2 con ‘Hit Me Hard and Soft‘. Billie, no obstante, logra la mejor primera semana de ventas de toda su carrera.
A Swift y Eilish les separan -en Estados Unidos- 40.000 copias. En su quinta semana, gracias al lanzamiento de nuevas versiones físicas y digitales, ‘The Tortured Poets Department’ despacha 379.000 unidades equivalentes, frente a las 339.000 de ‘Hit Me Hard and Soft’.
Las ventas desglosadas de Billie revelan que ‘Hit Me Hard and Soft’ ha despachado hasta 191.000 unidades físicas en su primera semana, 90.000 de las cuales se han decantado por el formato vinilo. En formato digital, ‘Hit Me Hard and Soft’ suma 166.500 puntos de streaming y 1.500 descargas.
Aunque a Billie Eilish el número 1 de álbumes en Estados Unidos -de momento- se le ha escapado, ‘Hit Me Hard and Soft’ ha superado las ventas en su primera semana en Estados Unidos tanto de su debut, ‘When We All Fall Asleep, Where Do We Go?‘, que se quedó en 313,000 unidades equivalentes, como de su segundo disco, ‘Happier Than Ever‘, que marcó 238,000 unidades. El mérito es enorme tanto para Taylor, que vende en su quinta semana más que Billie en la primera, como para Billie, que, aún quedando en el número 2, logra la mejor primera semana de su trayectoria.
El escenario es diferente en Reino Unido, donde Eilish sí coloca ‘Hit Me Hard and Soft’ en el número 1 de álbumes y deja a Taylor en el 2. Eilish también obtiene, en Reino Unido, la mejor primera semana de su carrera al sumar 67.100 unidades despachadas. Eso sí, el número 1 de singles se le ha escapado por culpa del fenómeno ‘Espresso’, y ‘Lunch’ debuta en el número 2.
Bruce Springsteen ha suspendido cuatro conciertos en Europa a dos semanas de aterrizar en España, alegando «problemas vocales». En el último día, Springsteen ha tenido que suspender un concierto en Marsella a última hora, seguido por una fecha en Praga y otras dos en Milán. Las nuevas fechas para estos cuatro conciertos se anunciarán próximamente.
Springsteen deberá descansar al menos diez días bajo recomendación médica, por lo que el Boss debería llegar recuperado a España. De hecho, promete reanudar la gira en Madrid. La nota de prensa oficial informa que «Bruce se está recuperando cómodamente y él y la E Street Band tienen ganas de reanudar su enormemente exitosa gira el día 12 de junio en Madrid».
La gira de Springsteen en Europa incluye hasta seis fechas en España. El Boss actúa en Madrid los días 12, 14 y 17 de junio, y en Barcelona el 20 y el 22 de junio. Las entradas para los conciertos de la gira de Springsteen -como era de esperar- volaron.
James Blake inicia nueva etapa en su carrera de vuelta a la independencia discográfica, y lo hace estrenando nuevo single, un tema que Blake lleva días promocionando en TikTok y en otras redes sociales de diferentes maneras. ‘Thrown Around’ llega solo medio año después de la publicación de ‘Playing Robots in Heaven‘, el último álbum de James Blake. Y la dirección sonora no puede ser más diferente a la de aquel trabajo.
‘Thrown Around’ es un homenaje a la música que Blake escuchaba en los primeros años de su vida. En concreto, a la música electrónica de los noventa. Y, más específicamente, a aquella electrónica que traía sello de Reino Unido. En ‘Thrown Around’, Blake entrega una producción que se puede ubicar en un punto medio entre el big beat de Fatboy Slim y la electrónica melódica de Moby.
En palabras de James Blake, ‘Thrown Around’ es una «canción desafiante» que cuestiona la relación de los seres humanos con el trabajo. «Nos pasamos horas dedicados al trabajo y no tenemos un sentido de comunidad, solo nos interesa el éxito», ha escrito el artista. Con ‘Thrown Around’, Blake desea «unir a las personas» y «conectarlas a través de la desobediencia».
Si prestamos atención a los números (y no tenemos en cuenta a Rosalía), Rels B es el artista más grande de nuestro país. Tiene prácticamente los mismos oyentes mensuales que la de ‘MOTOMAMI’ y el número de personas que puede reunir en un concierto está al nivel de Taylor Swift. Todo esto sin el apoyo de la industria o la prensa.
‘FORO SOL’ es una grabación del directo que hizo el año pasado en México frente a 65.000 personas y que lo haya incluido en el LP es toda una declaración de intenciones. Escuchar a tanta gente cantar ‘lo que hay x aquí’, uno de sus mayores éxitos, pone los pelos de punta. Es como decir: ‘¿Ves, España? Esto es lo que estoy consiguiendo alrededor del mundo’. Es por eso que ‘a new star (1 9 9 3)’ se siente como una celebración.
El noveno proyecto de Rels B suena tropical, dulce, optimista… ‘1 de Enero, Puntacana» es la típica canción maja para abrir un disco, en el mismo tono celebratorio y festivo de ‘Si Veo A Tu Mamá’ de ‘YHLQMDLG’. «Año nuevo, agua en los pies», canta el mallorquín. Esta intro marca los temas que se desarrollarán en los siguientes cortes -amor, éxito- y también adelanta la corta duración de las canciones, en su mayoría compuestas por un verso y un estribillo.
Rels B le da al afrobeat, al R&B y al rap, desbordando carisma en múltiples ocasiones. ‘Detrás del DJ’ es uno de los temas más interesantes, incluyendo como intro un mashup de diferentes canciones de reggaetón (‘Fiel’, ‘Callaíta’, ‘Candy’…) a ritmo de scratch. El encanto del artista brilla en frases como «Sin ser Bad Gyal la tengo alocá» o «Sin ser gitana tiene compás». En ‘Rapeadita LOVE’, la canción más horny y con el beat más sensual, Heredia canta sobre follar en el coche, con el chófer dentro («Bebé, en verdad es que me sabe mal, pero súbete»).
Ninguna canción en ‘a new star (1 9 9 3)’ es mala, pero tampoco hay un tema realmente sorprendente. La producción, mayoritariamente de la mano de Omar Alcaide, Andrés Yuma y el propio Rels B, no toma en ningún momento el protagonismo, excepto en esos instantes más cercanos al hip hop. Los arreglos de guitarra en ‘La Vida Sin Ti’, por otro lado, ponen el toque especial en una canción que no brillaría tanto de no ser por el vozarrón clásico de Lia Kali.
Los otros dos sencillos, ‘Pretty GIRL’ y ‘Un Desperdicio’, no están entre lo mejor del disco. La primera es un afrobeat buenrollero al uso con muy poca chicha y la segunda tiene un ritmo de reggae a guitarra acústica que suena algo desfasado. Eso sí, por su simplicidad, Rels consigue que algunas frases se te queden en la cabeza: «Tengo el corazón contento, pero mucho más contento si tú fueras mi mujer».
‘El último del contrato’ es la canción que te mantendrá más pegado a la letra, con Rels rapeando sobre el camino recorrido («Cuando YouTube no pagaba, cuando Spoti no existía, cuando cantar por 30 euros era una alegría»), la fama («Andar drogado en cada pary no es sinónimo de éxito, pa’ mí es una desgracia») e incluso sus compañeros de profesión («Tú mira mi generación, de los que salimos ya solo quedamos Pucho y yo»). Entre medias, nos deja algunos momentos realmente vulnerables, como cuando asegura que su dinero «puede pagar lo que sea, pero no puede pagar otra infancia».
‘a new star (2 0 2 4)’ cierra el círculo celebratorio que empieza con el primer corte, pero más que cantar de nuevo por todos los logros y metas cumplidas, Rels B celebra el descubrimiento de su nuevo yo. A su vez, la inclusión de canciones como ‘como un velero (interludio)’, un audio del móvil en el que Rels B se canta una idea, y ‘FORO SOL’ son otros indicios de que este LP va más dirigido a su propio creador que a los oyentes.
Más de 25.000 asistencias, sumando viernes y sábado, consolidan la propuesta del madrileño Tomavistas en un nuevo espacio. El párking de la Caja Mágica puede no tener las «vistas» del Tierno Galván, pero sí la de otros parques de Madrid, y sobre todo no es ese carámbano llamado IFEMA. Hay que destacar, por si no es evidente a primera vista, que Tomavistas sobrevive apostando por talentos diferentes a los de otras citas. En su cartel no verás a Vetusta Morla, ni a Love of Lesbian, ni a Viva Suecia ni mucho menos a Arde Bogotá. Su esencia es la reivindicación de artistas más arraigados en el indie original, y de ahí que su gran baza fueran Los Planetas en la primera jornada, y Belle & Sebastian o The Jesus and Mary Chain en la segunda.
Antes de los de Stuart Murdoch pudimos ver la presentación de Hurray for the Riff Raff. El proyecto de Alynda Segarra se enfrentó a dos trabas: el sol de media tarde, duro de sobrellevar en la mitad del escenario donde no caía sombra; y la prueba de sonido de Aiko El Grupo. Alguien decidió que era buena idea que estos probaran sus baterías y guitarras eléctricas a tope, mientras en el escenario perpendicular había un concierto de suave música country. Antes de su irrupción pudimos disfrutar de maravillas como ‘Buffalo’, que sonó en segundo lugar. Lo de la segunda mitad del show ya dependía de tu propia capacidad de concentración.
Liberto Peiró
El concierto más emotivo de Tomavistas pudo ser el de Belle & Sebastian. Siempre es un placer reencontrarse con ellos, y más en un entorno como este, a plena luz del día, y con el público más o menos atento. No faltaron sus conocidos ases en la manga, y no me refiero a un setlist que ellos siempre van cambiando de concierto a concierto, sino a ese momentazo en que suben al escenario a su público. Es precioso ver a sus seguidores bailar siempre guardando las formas y las distancias, respetuosos con los saltitos particulares de Stuart Murdoch, que no olvidó su icónica camiseta a rayas.
‘Another Sunny Day’ sonó especialmente pertinente, ‘Get Me Away from Here, I’m Dying’ preciosa, y me emocioné sobre todo con la recuperación de ‘Sleep the Clock Around’. Si les hubiera dado por tocar ‘I Fought in A War’, ya me habría podido morir allí mismo. Mención especial para ese momento en que Murdoch se lanza al público y trata de caminar sobre una barandilla. Muy arriesgado, pero como veis, el humor es importante en Belle & Sebastian.
Javier Rosa
Cariño se beneficiaron del encanto que tiene siempre tocar cuando está a punto de anochecer, en un concierto entretenido y hace rato consistente en base a sus hits. Cuando ya era de noche The Jesus and Mary Chain hicieron rugir su sonido shoegaze, sin descuidar la interpretación de su hit ‘Just Like Honey’. Cuánto sentido habría tenido que salieran antes o después de Los Planetas el día anterior.
La fiesta llegó con Alizzz, que habló de la especial relación que tiene con Tomavistas. Hace un par de años realizó aquí una de las primeras presentaciones a lo grande de su debut, y ahora sucede lo mismo con su segundo disco, ‘Conducción temeraria’. Conociendo Rusia fue el único featuring del concierto, interpretando el nuevo single ‘En tu casa o en la mía’, pero Cristian Quirante Catalán se basta y se sobra él mismo para afrontar canciones conocidas por sus voces invitadas. ‘Ya no vales’ no echó ni un poquito de menos a C. Tangana y ‘Amanecer’ y ‘El encuentro’ sobrevivieron sin Rigoberta Bandini ni Amaia.
El impacto entre la gente de ‘Despertar’ y ‘Dónde estás?’ es casi equiparable al de ‘Ya no siento nada’, aunque el momento más bonito fue ese en el que Alizzz hizo a miles de personas canturrear que “vamos a buscar… tiene que haber algo más” en ‘Todo me sabe a poco’. También tiene mucho mérito hacer cantar a miles de madrileños que “Rosalía y Estopa son del Baix Llobregat”, como si supiéramos qué significa eso exactamente.
Adrián YR
Cerraron Tomavistas Phoenix, que no defraudaron como cabeza de cartel, en base a unas proyecciones cucas, a veces muy obviamente ideadas en Versalles, de donde procede la banda, y al carisma e identificativa voz de Thomas Mars. El grupo se deshizo enseguida de ‘Lisztomania’, metiéndose al público en el bolsillo, y a su lado luego no deslucieron temas de discos posteriores como ‘Ti amo’ o ‘After Midnight’. Cundió el pánico porque el grupo acababa de tocar ‘If I Ever Feel Better’ en 7º lugar en su último concierto, pero en Madrid la reservaron para el tramo final. Un tema que dijeron haber escrito hace 25 años pero para el que no ha pasado el tiempo.
Decía la frase más sonora de aquella canción «siento el caos a mi alrededor», pero en Tomavistas sonó ordenada y disciplinada. El festival, que ha logrado que el Metro abriera hasta las 3.30 de la madrugada, había ofrecido una organización ejemplar. Ni colas en barras, ni baños, con el plus de haber incorporado al menú del día vino rosado bien frío. Un acierto que esperamos ver replicado en más festivales.
The Black Keys han cancelado los 31 conciertos en grandes recintos que habían anunciado para la gira norteamericana de ‘Ohio Players’ sin ningún tipo de explicación. El tour iba a comenzar en septiembre y habría terminado en noviembre, con recintos tan importantes como el Madison Square Garden de Nueva York.
En la página de venta de tickets se puede ver como todas las fechas aparecen canceladas, excepto una el próximo 6 de julio en Chicago. La propia página de la banda también ha eliminado todas las fechas de la gira.
Aunque los reembolsos se producirán mediante el método original de compra, muchos fans se han quedado sin palabras y otros lo han achacado a las «poquísimas ventas» y a los «desorbitados precios de las entradas». «Quien haya pensado en programar esta banda para estadios en 2024 debería ser despedido», escribía un usuario.
The Black Keys just canceled their entire North American arena tour for this fall due to extremely poor sales (likely due to exorbitantly priced tickets — most markets were $100+ just to get in the building).
Whoever thought booking this band in arenas in 2024 should be fired.
Nicki Minaj fue arrestada ayer en el aeropuerto de Ámsterdam por transportar drogas entre países, concretamente marihuana, y lo retransmitió todo tanto en su cuenta de X como en un livestream de Instagram. Esto ocurrió a unas horas de su concierto en Mánchester, el cual fue cancelado porque la autora de ‘Pink Friday 2’ no pudo llegar a tiempo tras pasarse «entre 5 y 6 horas» en la cárcel holandesa.
Todo empezó con un directo de Instagram durante la tarde del sábado en el que Minaj grababa un grupo de policías holandeses en el momento del arresto, mientras le pedían a la estadounidense que se metiese en el vehículo policial. La rapera niega inmediatamente tener ninguna droga encima y repite que no va a ir a ningún sitio sin la presencia de su abogado.
Cuando el directo terminó, Minaj continuó retransmitiendo todo por X en lo que es una retahíla de tweets tan surrealista como interminable en los que la cantante de ‘Spaceships’ asegura haber sido «señalada como objetivo». «Han estado intentando todo lo que han podido para PARAR esta gira», se lee en un mensaje.
Después de hablar un poco en general, también aseguró que las autoridades holandesas la impidieron llegar a tiempo al concierto de Mánchester a propósito. Por último, ha pedido perdón por la cancelación del show: «Por favor por favor por favor aceptad mis más profundas y sinceras disculpas. Sabían cómo herirme hoy pero esto también pasará», comenzaba Minaj. «Odio involucraros en cualquier cosa que no tenga relación con el entretenimiento», finaliza tras haber documentado todo exhaustivamente.
Nicki Minaj has been arrested in Amsterdam (of all places) for “carrying drugs.”
Minaj immediately went on Instagram Live and asked for a lawyer.
She initially declined to get into a police vehicle until she had a lawyer and repeatedly asked for the address of where she was… pic.twitter.com/3QwFockAnu
now they said they found weed & that another group of ppl have to come here to weigh the pre-rolls. Keep in mind they took my bags without consent. My security has already advised them those pre-rolls belong to him. Oh yea & the pilot wants me to take my ig post down.
La cantante pakistaní afincada en Brooklyn Arooj Aftab, autora del aclamado ‘Vulture Prince‘ (2021), y ganadora de un Grammy por la escalofriante ‘Mohabbat‘, vuelve con nuevo disco, el cuarto de su carrera (o quinto si contamos su disco colaborativo de 2023 junto a Vijay Iyer y Shahzad Ismaily, ‘Love in Exile’). ‘Night Reign’ sale el 31 de mayo y The New York Times dice que es el más «pop» que ha firmado.
El primer adelanto de ‘Neight Rein’ así lo atestigua. ‘Raat Ki Rani’ es uno de las composiciones más inmediatas de Arooj Aftab en tanto se sustenta sobre un groove de percusiones que recuerda al del qawwali, la música religiosa de Pakistán. A la base, Arooj añade sus típicas notas de jazz valiéndose de pianos y arpas, y de la mezcla nace una canción pop que parece flotar en el aire.
Rítmica, pero tan conmovedora como suelen ser las composiciones de Arooj Aftab, ‘Raat Ki Rani’ se dirige a una «reina de la noche» que baila con un «brillo en los ojos».
Por otro lado, en los últimos días se ha extraído un segundo adelanto de ‘Night Reign’, ‘Whiskey’, esta vez interpretado en inglés. «Bebes demasiado whiskey cuando estás conmigo», canta Arooj el estribillo de esta canción «perfumada» con notas de noir jazz.
Arooj Aftab presentará ‘Night Reign’ en España el próximo mes de octubre: estará el 29 de octubre en la Sala Apolo de Barcelona y el 30 de octubre en el Festival de Jazz de Madrid.
A las siete de la tarde en el Metro de Madrid estaba claro quién iba a Tomavistas, y quién no. Y más concretamente quién iba a ver a Los Planetas. En mi vida -y llevo mucho festival a las espaldas- había visto a tanta gente con camisetas del grupo, desgastadas y casi a estrenar, no sólo de ‘Súper 8’. Daba igual a quién preguntaras qué artista quería ver, todo el mundo respondía «Los Planetas». Un oyente de nuestro podcast, que me identificó por la voz, añadió: «¿A quién voy a venir a ver? ¿Pero no ves que tengo canas?».
Los nervios palpables en la cola para entrar en La Caja Mágica no afectaron a Jota, el líder del grupo. Si Los Planetas tenían que actuar a las 21.30 en el Escenario Vibra Mahou, de 20.25 a 21.00 Jota no quiso perderse la primera mitad del show de Dinosaur Jr. El concierto empezó un poco a trancas y barrancas (sorry), con una guitarra salida de madre que parecía haberse colado por los amplificadores desde otro escenario. De cerca el sonido era mucho mejor, y pese a las pantallas del escenario grande mostrando esa carismática larga melena blanca, la experiencia de ver a los de J. Mascis se saborea mejor en las distancias cortas.
El concierto empezó con ‘What Else Is New’, reservó para los penúltimos lugares la versión de la popular ‘Just Like Heaven’ de The Cure, y entregó hacia la mitad hits como ‘Feel the Pain’, pero diría que se desarrolló sin highlight claro. El highlight en Dinosaur Jr era ir situándote con lo que representa Tomavistas: un (re)encuentro con el indie más erudito y ortodoxo. Y lo digo sin ironía ni mordacidad: el buen ambiente y la civilización eran tales que la gente se ordenaba a la derecha en las escaleras mecánicas de San Fermín – Orcasur. Esto no parecía Madrid. No el Madrid malhumorado y siempre a la gresca de Isabel Díaz Ayuso.
Los Planetas venían a presentar su debut ‘Súper 8’, con motivo de su 30º aniversario, por si hay alguien nos lee desde Marte. El grupo lo toca en orden, lo cual significa que los hits que recordamos con máxima intensidad, suenan todos al principio. Escuchar seguidos ‘De viaje’, ‘Qué puedo hacer’ y ‘Si está bien’ es un viaje propiamente dicho a tus 15 años. Impacta. Pone el vello de punta. J bromeó sobre esta visita al pasado, burlándose de los imitadores que han tenido, y dando cariño al público como ese padre que nunca te dio un abrazo, pero ahora reclama una caricia al final de sus días. «Espero que lo estemos haciendo bien», dijo, y después de otra canción insistió: «Espero que os esté gustando y que lo paséis bien». ¿Desde cuándo J necesita nuestra aprobación y afecto?
Hubo otro mito que cayó, aparte del de la inaccesibilidad de J, y fue el de que sus letras no se entienden. En este concierto fueron las letras lo que más brilló, destacadas además por las proyecciones de arte pop tipo karaoke, y en particular por la voz del artista situada muy por encima de los instrumentos. Curioso para alguien que viene del noise y del shoegaze, pero es que al final son las letras de Los Planetas lo que el público lleva en el corazón.
Pensado para el sing-along, el concierto reservó para los bises temas como ‘Mi hermana pequeña’ o ‘Nuevas sensaciones’, en lucha contra lo que era la estructura de ‘Súper 8’. ‘La caja del diablo’ habría sido un final de concierto justo, pero había demasiada hambre de Planetas. Al final, J prometió un reencuentro dentro de otros 30 años, y por cierto, recordó a los músicos originales del grupo, en plena polémica por la ausencia de Eric y Banin.
Adrián YR
Quienes compitieron con Los Planetas en asistencia y atención -aparte de Editors, el grupo favorito de nuestro redactor Gabriel Cárcoba– fueron The Blaze. Tomavistas los programó al cierre, en el escenario grande, y respaldados por unas gigantescas proyecciones de ojos, bebés gigantes y cosas así, algo siniestras. Fueron probablemente Moderat los que abrieron la veda de lo que podía significar un concierto de electrónica melancólica, más bien tristona, en la madrugada de los festivales -pura poesía etílica, si me preguntáis-, y The Blaze son claramente de esa escuela. Cumplieron.
Liberto Peiró
Lo cual no quiere decir que haya que hacer de menos a los escenarios pequeños. El kraut pop de Melenas logró una comunión maravillosa con un público bastante considerable. Escuchar gemas como ‘Bang Bang’ con el equilibrio perfecto entre «aquí hay cientos de personas» y «nadie me está empujando ni tirando su mini encima» fue mágico. También era fácil colarse entre las primeras filas de Joe Goddard, que pinchó sus canciones de particular electropop primas hermanas de Hot Chip, en ocasiones agarrando el micro para entonarlas. De nuevo, plena complicidad y buen ambiente en las primeras filas de su concierto.
Hoy Tomavistas celebrará su jornada estelar, con los conciertos de Belle & Sebastian, Phoenix, Hurray for the Riff Raff, Alizzz o Georgia, entre muchos otros.
Después de un EP que mezclaba temas inéditos con otros ya publicados a modo de rareza como ‘Sweg 777’, ‘Disco 9’ es la primera colección completamente inédita de Soto Asa desde ‘Super Sintiendo 64’. El 9 es el número favorito del ceutí, el disco se publicó el 9 de mayo a las 9pm con 9 canciones (una menos que el último de Billie Eilish), y tiene sentido tanta referencia a la suerte porque ‘Disco 9’ es un paso distinto en la carrera de quien es probablemente uno de nuestros artistas más interesantes en la actualidad.
‘Las 12’ y ‘Spaceship’ son quizás los mayores precedentes de lo que encontramos en un disco lleno de tech house y que pone las cartas sobre la mesa desde su inicio con ‘Galaxy’, donde lo que parece una intro que presenta el “tema de verdad” es realmente el tema (perdón, el temazo) de verdad. Desde aquí al cierre con el feat de Lea de Leandro en ‘Bubu’ (lo de “el negro favorito de tu parienta” es pa enmarcar) hay un solo género que podríamos bautizar como “melancolía espacial cani”, y que, aunque a veces está más afortunado que otras, es una buena noticia en tanto que muestra a Álvaro Soto no conformándose con lo que ya sabemos que sabe hacer, sino experimentando. Al final es así, probando cosas que quizás en otros no funcionarían, como ha dado con maravillas como ‘Smartphone’.
Precisamente La Zowi vuelve a aparecer aquí. ‘Cryminal’ no es tan buena como ‘Smartphone’ (tampoco lo era ‘Contarte’, la colaboración de ambos en el disco de ella, pero es que pocas canciones de los últimos años lo son), pero funciona muy bien eso de “la primera vez que la vi caminando por ahí / la segunda que la vi estaba llorando por Madrid / como fue una buena actriz no se la ve tan mal”, y nos lleva a Zowi a un lugar donde no es común verla (muy bien traída la mención a su ‘Matrix’). Es quizás la mejor de las tres colaboraciones vocales del disco, aunque también es interesante la aportación de ILLEY en ‘Volvo’, que recuerda a ‘BABY HELLO’ pero con una letra que, en la parte de Soto, sabe mezclar pena con humor: “se enteraron sus amigas / de que había varias mentiras / y una de ellas era yo / ahora tristes los dos, ahora tristes los tres / porque el bicho ni se levantó”.
Además de su fiel escudero rjmussic, Soto colabora aquí en la producción con Klein Beats, Whysoicy, Flanchetto Beats o Papa Pedro, con quien ya hizo ‘Spaceships’, y que paradójicamente no está en ‘Share’, pese a que ésta es prácticamente la segunda parte de aquella. Hay temazos que tiran más a lo vulnerable, como ‘Baby Yono’ o ‘Nome Kere’, pero otros vienen a ser disfrutones, como la mencionada ‘Share’, o el “la señora que quiere-que-peque” de ‘blesS’ – Aitana, no tengas miedo al éxito y llama a Soto la próxima vez. Y, amantes de ‘Coupé’, estáis de enhorabuena: ‘X Ti’ podría estar en ese tracklist perfectamente. “La ciudad se va a dormir, yo voy a escapar” se une a esas barras que el autor de ‘Si tu kiere’ se saca como si nada, y la canción es una de las mejores que ha sacado últimamente. En resumen, ‘Disco 9’ muestra que Soto Asa sigue en plena forma y, a la vez, con ganas de probar cosas nuevas. O quizás en él ambas cosas vienen de la mano.
‘LUNCH’ entra directamente en el número 1 de JENESAISPOP, habiendo obtenido el 45% de los votos en X. Se trata del tercer número 1 para la artista en nuestra web, tras ‘bad guy’ y ‘NDA’. Si te preguntas qué estaba votando la gente cuando salió, por ejemplo, ‘What Was I Made For’, la respuesta es ‘Rush’ de Troye Sivan.
Otras entradas de la semana son AG Cook, Camera Obscura, María Escarmiento o Kokoshca.
Bambie Thug, que representó a Irlanda en la última edición de Eurovisión de forma explosiva, ha anunciado dos conciertos en España para finales de año como parte de la gira ‘Crown The Witch’. Se celebrarán el 11 de septiembre en Madrid y el 12 de septiembre en Barcelona. Las entradas saldrán a la venta el próximo martes 28 de mayo a las 10 de la mañana (hora local).
«Emocionade por poder llevar el ouija pop a tantos países con mi primera gira titular. Esperad magia, música y mucho más. Deseando daros la bienvenida al aquelarre», contaba la delegade irlandesa en sus redes sociales.
Bambie actuará el 11 de septiembre en Nazca Club, en Madrid, y el 12 de septiembre en la Sala Bóveda de Barcelona.
No a todos los artistas les agrada la idea de hacer conciertos de tres horas. Aunque es lo normal entre los pesos pesados de la industria, muchos se han visto obligados a extender los espectáculos para competir con sus compañeros de profesión, incluso si no es plato de buen gusto. A juzgar por sus recientes comentarios, Paul McCartney y Billie Eilish son de los que preferirían hacer un concierto de una hora y media.
La autora de ‘HIT ME HARD AND SOFT’ tiene claro lo que no quiere: «No voy a hacer un concierto de tres horas, porque es literalmente psicótico», ha comentado durante una conversación con sus fans. «Nadie quiere eso. Vosotros no queréis eso, Yo no quiero eso, ni siquiera como fan», ha concluido.
Aunque estos comentarios se han producido en mitad de una guerra comercial entre Eilish y Swift, Billie ha aclarado en el pasado que tanto Beyoncé como Taylor son «superestrellas intocables» y que el hecho de poder «montar un concierto tan largo» es «alucinante».
Por otro lado, Paul McCartney también ha expresado rechazo hacia los shows de larga duración durante los Premios Ivor Novello, mientras se reía de su amigo Bruce Springsteen. McCartney era el encargado de entregar el galardón al de ‘Born To Run’ y comenzó su discurso de la mejor manera: «Al contrario que los conciertos de Bruce, voy a hacerlo breve».
El ex Beatle contó que culpaba a Springsteen por el cambio de duración de los espectáculos: «Solíamos tocar una hora, o una hora y media. Los Beatles tocábamos durante media hora. Él lo hace una vez y ahora todos tocamos durante tres horas», bromeó el compositor británico. Eso sí, el roast a Springsteen no cesó: «No puedo pensar en alguien más apropiado para ser el primer compositor internacional en aceptar el premio, excepto quizás Bob Dylan, Paul Simon, Billy Joel, Beyoncé o Taylor Swift».
“Espero que nunca me necesites”, sentencia fulminante Rachel Chinouriri en el estribillo de ‘Never Need Me’, el corte más destacado de su álbum debut ‘What A Devastating Turn Of Events’. Lejos de lo que pueda parecer, no lo dice desde la rabia o el despecho, sino más bien desde la ternura y el respeto.
En los primeros versos se sorprende y, en cierta medida, se alegra de recibir la llamada en mitad de la noche de un antiguo amor, pero a medida que la canción avanza, la cantante va aclarándose las ideas: “prométeme que estarás bien” pero “si no puedes cambiar, dudo que te puedo ayudar”. Esa persona solo la llama cuando está en problemas, pero ella ya ha pasado página y ha aprendido la lección. En el videoclip, Florence Pugh es la amiga que, por si acaso, no le deja caer en la tentación de volver a seguirle el rollo.
La canción, con un decidido aire pop-punk, comienza con unas amables guitarras y la voz dulce de Chinouriri acostada sobre ellas. La intensidad progresivamente va subiendo hasta llegar al estribillo, donde la producción encuentra su punto álgido gracias a una melodía irresistible y una letra que merece ser cantada eufóricamente en un karaoke. Aunque los números no la respalden lo que deberían y Rachel Chinouriri siga siendo una artista independiente y no demasiado conocida para las masas, Never Need Me’ tiene todo lo que se le puede pedir a un gran hit pop.
La vida soñada de Miss Fran (Rachel Lambert)
Menudo ojo tiene Daisy Ridley. Tras alcanzar la fama interpretando a Rey Skywalker en tres secuelas de ‘Star Wars’, la actriz británica tenía que reconducir su carrera para no acabar convertida en una nueva Hayden Christensen. El estrepitoso fracaso de ‘Chaos Walking’ (2021) no auguraba nada bueno. Ridley decidió tomar cartas en el asunto: le dio a su agente una lista de cineastas con quienes le gustaría trabajar. Entre ellos estaba la desconocida Rachel Lambert, cuya única película hasta ese momento, ‘In the Radiant City’ (2016), apenas había circulado fuera de los festivales.
La elección no ha podido ser mejor. ‘La vida soñada de Miss Fran’, horrorosa traducción del original ‘Sometimes I Think About Dying’, ha confirmado que Ridley sabe hacer mucho más que mover una espada laser (es su mejor interpretación hasta la fecha) y ha dado a conocer a una directora muy prometedora. Filmada en la costa de Oregon, en la melancólica Astoria (el pueblo de ‘Los Goonies’), Lambert utiliza los códigos estéticos del cine indie para narrar la historia de una introvertida oficinista que verá cómo su pequeño mundo de aislamiento y fantasías suicidas dará un vuelco cuando llegue un nuevo compañero de trabajo. Un romance tan delicado y tristón como el ‘Mysteries of Love’ de Julee Cruise que suena en un momento especialmente hermoso de la película. 8. Disponible: Filmin
¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret (Kelly Fremon)
En Estados Unidos es conocido como “el libro de la regla”, un clásico juvenil que lleva pasando de generación en generación desde 1970. Su autora, Judy Blume, siempre ha sido muy reacia a que sus libros se lleven al cine. Sin embargo, cuando apareció Kelly Fremon en el proyecto para adaptar ‘¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margaret’, no se lo pensó dos veces: nadie mejor que la directora y guionista de ‘Al filo de los diecisiete’ (2016) para llevarlo a cabo.
Blume tenía razón: la película es estupenda. Un divertido y tierno “coming of age” que describe con mucha sensibilidad y humor las convulsiones sentimentales y existenciales de una preadolescente (fabulosa Abby Ryder Fortson). Una chica que acaba de cambiar de ciudad (de Nueva York a un barrio residencial de Nueva Jersey), está experimentando los cambios de la pubertad y no sabe qué hacer con la religión: ¿ser cristiana como su familia materna, judía como la paterna, o dejar de creer en Dios? Un ejemplo de cómo hacer cine juvenil sin ñoñerías ni moralismos. 8. Disponible: Prime Video, Apple TV+
Los delincuentes (Rodrigo Moreno)
Después de su exitoso periplo festivalero, de Cannes a San Sebastián, y tras ser elegida por Argentina para los Oscar, ‘Los delincuentes’ tuvo un estreno fugaz en las salas españolas, donde la vieron exactamente 312 espectadores (datos de ICAA), algo ya habitual en este tipo de películas (fue también el caso de la extraordinaria ‘Trenque Lauquen’). Ahora, con su estreno en plataformas, debería encontrar su público.
Inspirada en el clásico argentino ‘Apenas un delincuente’ (1944), la nueva obra de Rodrigo Moreno (‘El custodio’) es una película de atracos de espíritu lúdico y bressoniano (hay una cita a ‘El dinero’), donde la intriga es lo de menos. Sobre la base del drama criminal, el director toma diversas desviaciones, tanto formales como narrativas, para articular un largo relato (tres horas de duración, aunque dividido en dos mitades), lleno de inventiva, que reflexiona y fantasea sobre la posibilidad de liberarse de las ataduras laborales y morales impuestas por el sistema capitalista a través del dinero. Esto es: robando a quienes roban, al banco. Peliculón. 8’5. Disponible: Filmin
Falcon Lake (Charlotte Le Bon)
Otro caso parecido al anterior. El notable debut de Charlotte Le Bon se estrenó de tapadillo el pasado verano y lo vieron poco más de mil espectadores (también se pudo ver en el Atlántida Film Fest). Adaptación muy libre de la novela gráfica ‘Una hermana’ (Diábolo, 2017) de Bastien Vivés, ‘Falcon Lake’ es un singular relato de iniciación atravesado por los códigos del género de terror. La película retrata un romance juvenil, un amor de verano entre un adolescente parisino y una chica algo mayor a quien conoce durante sus vacaciones en un lago de Quebec.
Lo que parece ser una tópica y nostálgica historia de crecimiento veraniego, con paseos en bici, botellones en el campo y primeras experiencias sexuales, se transforma, gracias a su delicada puesta en escena, la elección del formato 1:37 (que favorece la intimidad del relato), el punto de vista (siempre centrado en los dos jóvenes protagonistas, con los padres fuera de campo) y una sugerente banda sonora que acentúa el carácter fantástico de la narración, en un precioso cuento de fantasmas de esos que se cuentan a la luz de la hoguera. 7,7. Disponible: Filmin
Metronom (Alexandru Belc)
Uno de los debuts más celebrados de los últimos años. El rumano Alexandru Belc llegó a Cannes con su primera película de ficción y se llevó el premio al mejor director en la sección Un Certain Regard. ‘Metronom’ narra una historia de iniciación adolescente situada en Bucarest en 1972, en plena era Ceausescu. Gran parte de la película transcurre en una fiesta de estudiantes en la que se escucha “Metronom”, un programa musical clandestino conducido por el locutor exiliado Cornel Chiriac, que se emitía desde Alemania a través de la célebre Radio Free Europe.
Mientras suenan éxitos de Jimi Hendrix, Janis Joplin o The Doors, los estudiantes bailan, beben y hacen chistes sobre el dictador. Hasta que llega la Securitate, la brutal policía secreta del régimen. El director utiliza el formato cuadrado como forma de enfatizar la sensación de opresión y vigilancia a la que estaba sometida la sociedad rumana de la época y el infierno burocrático y los abusos de poder que tenían que sufrir si eran detenidos. ‘Metronom’ es un notable relato sobre el fin de la inocencia sentimental y política, sobre el decisivo peso que tiene el contexto sociopolítico en las relaciones humanas. 7,5. Disponible: Movistar+
Perro feroz (Jean-Baptiste Durand)
Otro debut fabuloso. ‘Perro feroz’ ha sido una de las revelaciones del año pasado en Francia, optando a siete premios Cesar y llevándose dos: Mejor ópera prima y actor revelación para Raphael Quenard, una de las estrellas emergentes del cine galo, quien, curiosamente, también estaba nominado como Mejor actor principal por ‘Yannick’ (disponible en Filmin).
‘Perro feroz’ es un cuento de verano, una historia de amistad y primeros amores situada en un pueblo del sur de Francia. El filme destaca por dos aspectos: el extraordinario guion firmado por el propio director, Jean-Baptiste Durand, un libreto lleno de sutileza, riqueza psicológica y profundidad dramática a la hora de retratar las relaciones entre los personajes (si no hubiera competido con ‘Anatomía de una caída’ seguramente hubiera ganado el Cesar), y la estupenda interpretación del trio protagonista: además de Quenard, Anthony Bajon (‘Atenea’, ‘Teddy’) y Galatea Bellugi (‘A fuego lento’), todos ellos nominados. Un director a seguir muy de cerca. 8. Disponible: Filmin, Apple TV
Vera (Tizza Covi, Rainer Frimmel)
Vera Gemma es una especie de Belén Esteban a la italiana. Una estrella del salseo y la telerrealidad, de llamativa presencia y rostro deformado por el bisturí, famosa por ser hija del sex symbol e icono del spaghetti western Giuliano Gemma. “Pobrecita, con lo guapo que era su padre”, cuenta Vera que ha escuchado miles de veces en su vida. Crecer a la sombra de un progenitor bello, famoso y talentoso es uno de los temas que explora este interesantísimo híbrido entre ficción, autoficción y documental, realizado por el matrimonio de cineastas italo-austriaco Tizza Covi y Rainer Frimmel.
El otro tema, desarrollado en una trama de ficción, nos habla también de relaciones paternofiliales, pero esta vez marcadas por la pobreza, la desestructuración familiar y la pequeña delincuencia. El chófer de Vera atropella a un niño pequeño, hijo de una familia humilde, y la celebrity decide ocuparse de él. Estas dos líneas argumentales y formales se mezclan y confunden hasta dar forma al retrato de Vera. Un retrato en el que intuimos, más que descubrimos, a la persona que se esconde tras el personaje. ‘Vera’ es un ejemplo de que puede haber más verdad en la ficción que en la realidad impostada del famoseo. 7,9. Disponible: Filmin
Flora y su hijo Max (John Carney)
Hay qué ver lo bien que se le dan a John Carney los musicales indies, el dominio que tiene del género. Tras darse a conocer con la deliciosa ‘Once’ (2007), poner a todo Hollywood a silbar melodías pop con ‘Begin Again’ (2013) y regresar a su Dublín natal (y al de su niñez, en los 80) en la notable ‘Sing Street’ (2016), el director y músico (ex bajista de The Frames) vuelve con otra película de melodía irresistible. Presentada con éxito en el festival de Sundance, Apple se adelantó a Amazon y pagó un pastizal por ella, como ya hizo con ‘CODA’ años atrás.
Eve Hewson (hija de Bono) y Joseph Gordon-Levitt (músico además de actor) son los protagonistas de esta comedia musical con toques de realismo social y mágico. Dos personajes frustrados -una madre soltera que trabaja como niñera y es incapaz de conectar con su hijo adolescente y un músico fracasado que se dedica a dar clases de guitarra online- a quienes la música les servirá como terapia, vehículo de conexión sentimental y trampolín vital. Carney sigue tocando los mismos acordes de siempre, pero la melodía sigue sonando igual de pegadiza y encantadora. 7,5. Disponible: Apple TV+
La mesita del comedor (Caye Casas)
Ha bastado un mensaje de Stephen King -«Creo que nunca, ni una vez en tu vida, has visto una película tan negra como esta”- para poner las expectativas por las nubes. ‘La mesita de comedor’ ha pasado de no conseguir apenas distribución en salas, a convertirse en un pequeño fenómeno en su estreno en streaming. Como suele ser habitual, no es para tanto.
‘La mesita de comedor’ parte de una premisa argumental muy potente. Caye Casas, conocido por la granguiñolesca ‘Matar a Dios’ (2017), realizada junto a Albert Pintó (‘Malasaña 32’, ‘Nowhere’), propone una situación enormemente audaz y macabra capaz de dejar al espectador con la mandíbula en el suelo. A partir de ahí, la película hace equilibrios entre la comedia negra, el thriller psicológico y el dramón conyugal. Aunque nunca se cae, su paso tampoco es demasiado seguro: la mezcla de tonos chirría un poco y algunos personajes (la niña, el vendedor) no están muy logrados. Aun así, incluso con la sensación de estar ante un corto alargado -hubiera sido un magnífico episodio de una antología de terror tipo ‘V/H/S’ o ‘El gabinete de curiosidades’- la película es bastante disfrutable. 6,9. Disponible: Filmin
Lana del Rey ha acudido a los premios Ivor Novello para recoger un galardón de reconocimiento. Allí ha dado un discurso sobre la importancia de que las mujeres tengan libertad para escribir sobre lo que quieran.
En relación a la acusación que recibió en su momento de «glamourizar» el abuso, parece ahora responder: «Fue muy estresante pensar que escribir sobre tus relaciones era algo que podía verse como gratuito, fingiendo vulnerabilidad. Escuché mucho de eso. Pero quiero decir que es algo muy vulnerable, no sólo para las mujeres. También para los hombres. He aprendido mucho en los últimos años de mis compañeros sobre cómo afrontar retos en la música».
También está siendo noticia una charla con BBC News en la que reconoce que no entiende por qué todavía no ha escrito ninguna canción para la banda sonora de James Bond. Lana entonces reconoce que en un momento dado escribió un tema para la saga, pero que fue rechazado. Y revela que se trata de ’24’, en su momento incluido en ‘Honeymoon’. «Lo escribí para ellos, pero Sam hiciste un trabajo maravilloso, de verdad».
Lana del Rey, por fechas, tiene que estar refiriéndose a ‘Spectre‘, y a la canción que Sam Smith escribió para aquella cinta, que no fue otra que ‘Writing’s on the Wall‘, a la postre premiada con un Oscar.
En cuanto a ’24’, es curioso recordar que en la reseña de ‘Honeymoon’ nos extrañaba la violencia que contenía su letra. «El día tiene solo 24 horas, y la mitad de ellas las pasas tumbado despierto / pensando en asesinato y masacre (…) Si te tumbas con perros, entonces cogerás pulgas», decía misteriosamente. La razón es que estaba pensando en James Bond. Os dejamos con el tema, cuyos arreglos ciertamente no pueden sonar más a las bandas sonoras clásicas de la película.
‘Interplay’ es el séptimo álbum de Ride, el tercero desde su regreso en 2015. Y siguen cómodos en esa posición un poco ajena al tiempo, como si su parón de 22 años no se hubiera producido y aún estuviéramos en el 2000 (por ejemplo). Si en su anterior álbum, ‘This Is Not a Safe Place’, había cierto conato de innovación, en ‘Interplay’ han dado un pasito atrás para autorreivindicarse (aún más) como unos de los padres del invento del indie pop/britpop/shoegaze.
Esta vez la producción no corre a manos de Erol Alkan, sino de un estrecho colaborador, Richie Kennedy. Lejos de querer llevarlos a nuevos derroteros, la producción navega cómoda entre sonidos de los primeros 90: la manera de cómo las voces de Mark Gardener y Andy Bell están semi-enterradas, la pátina, los redobles de batería, las guitarras ora vaporosas, ora lejanas, el uso puntual de sintetizadores añejos…
Ride dicen que para este disco les inspiró la pandemia, pero también la batalla legal contra su ex manager. Una batalla que, en palabras de Gardener: “amenazó a nuestra propia existencia”. Quizás por eso hay tantos temas acerca de la libertad, aunque la amenaza, el peligro, no llegue a palparse en los 58 minutos de duración. Un tanto excesivos, si me preguntan.
Las dos piezas iniciales de ‘Interplay’ son pura gloria pop venida desde la frontera de los 80 y 90. ‘Peace Sign’, pizpireta, pegadiza y alegre, es una canción clásica y brillante. Tiene la virtud de sonar hija de una época, como ese hit perdido que reaparece en una sesión de nostalgia de tu ex-discoteca favorita. ‘Last Frontier’ nos arrastra con otra poderosa introducción de batería, tiene un gancho entre ‘Heroes’ de Bowie, New Order y la épica de las bandas brumosas de finales de los 80. La voz de Bell suena tan juvenil, tan confortable, que te lleva a terrenos conocidos.
Las muy buenas sensaciones familiares prosiguen con ‘Light in a Quiet Room’, que parece que quiera acercarse a U2, pero no: acaba como un mantra de psicodelia a base de bajo y platillos. Y, sobre todo, ‘Monaco’, más buena épica ochentera sintética cargada de deliciosos sintetizadores, orgullosamente anacrónica: otro hit enterrado.
Con tan buena predisposición, una abraza el rollo Depeche Mode inicial de ‘I Came to See the Wreck’ y la sexy, desértica y morosa ‘Stay Free’, aunque su letra sea un poco topicazo (“stay free, stay golden (…) stay away from the darkness”). Pero, ay, el hechizo se rompe a partir de aquí.
La segunda mitad exagera demasiado esta sensación de familiaridad, lo que hace que cueste fijar la atención en los temas: como en ‘This Is Not a Safe Place’, el problema es la repetición. A Ride se les acaba el gas de fabricar canciones-ya-escuchadas-pero-memorables, y se quedan simplemente en las “ya escuchadas”. Quizás ‘Midnight Rider’ sea lo suficiente adictiva, gracias a su melodía, su garra y fuste nocturno y las voces de Bell y Gardener enlazadas, aunque la letra tampoco sea para enmarcar: “I’m a midnight rider / On my way to an unknown plane”.
El final es un poco aburrido por acumulación. ‘Essaouiria’ en vez de ser esa gran pieza de psicodelia para cerrar, acaba derivando en algo monótono, monotonía que infecta a la final ‘Yesterday Is just a Song’. Una vez más Ride son especialistas en demostrarnos que siguen siendo muy buenos en lo suyo: regalarnos algunas canciones que nos recuerdan a lo mejor del indie pop de finales de los 80 y primeros 90, pero no logran dar a todo el conjunto el mismo nivel de brillo.
El festival Coca-Cola Music Experience volverá los próximos días 13 y 14 de septiembre. Rauw Alejandro, Paul Thin, Ruslana, Violeta y Dennis son los últimos confirmados en un cartel formado por más de 25 nombres que mezclan el talento emergente y el consagrado tanto a nivel nacional como internacional. Myke Towers, Manuel Turizo y Chanel, entre otros, completan el line up. Los abonos ya están a la venta.
Rauw Alejandro abre la última tanda de confirmaciones como uno de los nombres más potentes del cartel. El puertorriqueño ha convertido sus dos últimos lanzamientos, ‘Santa’ y ‘Espectacular’, en dos absolutos hits y ya lleva un tiempo posicionado como uno de los referentes del género urbano a nivel mundial. Este continuará con la promoción de ‘PLAYA SATURNO’, que incluye temazos como ‘DILUVIO’ o ‘BABY HELLO’.
La nueva generación de OT también se ha sumado al cartel del festival. Tras conseguir el segundo puesto en la última edición, Paul Thin no ha hecho más que seguir ganando seguidores gracias a su carisma y ambición musical. El granadino nos pareció lo más interesante de la última edición del concurso musical y su primer single, ‘DÓNDE’, es prueba de ello. El dark pop y gabber que caracterizan a este lanzamiento serán recibidos con los brazos abiertos en Coca-Cola Music Experience.
Ruslana llegó a la final del programa gracias a una fuerza y presencia escénica especiales que también veremos en el escenario del festival. Sobre todo, cuando presente ‘Las chicas malas desafinan’, su primer trabajo después de la academia. El cartel no termina aquí con los concursantes de OT, ya que Violeta y Denna también se sumarán a la fiesta de Coca-Cola. Las granadinas acumulan millones de escuchas en sus lanzamientos y también presentarán sus trabajos más personales: ‘el x venir’ en el caso de Violeta y ‘404’ en el caso de Denna.
Rauw Alejandro, Paul Thin, Ruslana, Violeta y Denna se suman a un cartel con nombres estelares. Myke Towers es uno de los referentes del reggaeton y el trap latino a nivel mundial y presentará tanto sus mayores éxitos, como ‘Diosa’ o ‘Playa del Inglés’, como su último disco, ‘LA VIDA ES UNA’. Manuel Turizo se convirtió en uno de los artistas más grandes del mundo con ‘La Bachata’ y también estará presente en Coca-Cola Music Experience.
Desde el lado nacional y tras representar a España en el festival de Eurovisión de 2022, Chanel traerá su fuerza y pasión al escenario de Coca-Cola con ‘SloMo’ y ‘Clavaito’. Íñigo Quintero, con el inesperado pelotazo mundial de ‘Si No Estás’, y Judeline, con su irrepetible sensibilidad y buen gusto para mezclar estilos, también estarán presentes en la decimocuarta entrega del evento. Niña Polaca, Veintiuno, Michenlo, Besmaya, Almacor y Mar Lucas completan el resto de los confirmados, aunque todavía quedan nombres por anunciar.
Los abonos generales de “tramo 2” (60€+ GG) ya están a la venta hasta agotar existencias. Llegan tras haberse agotado en tan solo unas pocas semanas los abonos del tramo anterior, y pueden adquirirse directamente en la web oficial.
Lady Gaga está estrenando la película que filmó en su gira de macroestadios, ‘Chromatica Ball’, con la que realizó 20 shows hace un par de años. El tour tuvo que ser pospuesto por la pandemia, pero finalmente pudo realizarse. Ahora, Lady Gaga ha acudido a un preestreno de la cinta que llegará a lo largo del fin de semana a HBO, y en el evento ha dado algunas pistas sobre la música que está preparando.
Al tiempo que se despide de la era ‘Chromatica’ con esta première, advierte que la nueva música será «totalmente diferente», pues al mismo tiempo su último disco y aquella gira fue «un principio y el final de una etapa».
“He estado trabajando en mi música en todo momento. No puedo esperar a que mis fans lo puedan escuchar. Odian cuando digo “pronto”, pero será “pronto””, bromea. Cuando le preguntan si la era será distinta a ‘Chromatica’, dice que será «completamente diferente».
Finalmente, sobre la rumoreada secuela de ‘Telephone’ con Beyoncé, Lady Gaga dice que cuando Beyoncé la “llame”, “cogerá el teléfono”. Está, pues, en el tejado de Beyoncé. Podéis ver el vídeo con la entrevista en ETOnline.
Rauw Alejandro ha demostrado en el pasado que no tiene miedo a salir de su zona de confort, que cada vez es más amplia. En ‘Touching The Sky’, el puertorriqueño se mete en el lado más pop del funk.
Su último single, ‘Espectacular’, no mostraba ningún cambio tan brusco en lo musical, al ser dirigido por el productor Sky Rompiendo. Sin embargo, ‘Touching The Sky’ parece ser un intento de replicar el éxito de ‘Todo de Ti’. Es inmediata, fácil de escuchar y, aunque no es tan pegadiza como la canción de 2021, es un cambio de estilo que sorprende y se agradece.
Rauw canta sobre tocar el cielo acompañado de unas guitarras funky a lo Nile Rodgers, que no está en el tema, pero tampoco sería su primera vez colaborando con el autor de ‘PLAYA SATURNO’. «Por ti de un paracaídas yo me arrojo / Mi corazón antes estaba gris, ahora es rojo», entona Alejandro, que le vuelve a cantar al amor. Por otro lado, en el videoclip podemos ver a Rauw exhibiendo sus mejores movimientos de baile por las calles de Nueva York, con un aire a lo ‘West Side Story’.
Hoy publican sus nuevos discos Nathy Peluso, Los Estanques, Vince Staples, Paul Weller, Mala Rodríguez, DIIV, Twenty One Pilots, Lenny Kravitz, Wallows y La Luz, que además presentan en Tomavistas este mismo fin de semana. Puedes escuchar un pedacito de todos ellos en nuestra playlist de novedades Ready for the Weekend.
Zahara ha producido el nuevo tema electro de Chica Sobresalto y Vicco saca el bonus track de ‘Noctalgia’, que se llama ‘Tonteando’. Aunque para electro el tema que estrena Masoniería desde Austrohúngaro, ‘Quiero ser tu novia’.
Entre los valores nacionales, vuelven Carolina Durante con sonido sorprendente y hay estrenos de Los Punsetes, San Tosielo, Veintiuno, Muerdo, Ruinosa y las Strippers de Rahola y La Plazuela, entre otros. Varios artistas sacan temas en torno a Madrid: Parquesvr, Delaporte y Sidecars.
También hay novedades de totems del streaming como Rauw Alejandro, Rvfv, Trueno y Tiago PZK. Drake se aparece en un tema de Sexyy Red. Bad Gyal estrena remix de ‘Perdió este culo’ con Ivy Queen, y Becky G con Mura Masa.
Otros que estrenan canción son SIMONA, NIA, Rag’n’Bone Man, Pinkpantheress y Alfie Templeman y un largo etcétera. Entre ellos, Charlie Puth, que lanza el tema ‘Hero’ animado por la reivindicación de Taylor Swift. Comenzamos con el comeback de Nelly Furtado, en el que se ha acompañado de Tove Lo y SG Lewis.
Nathy Peluso ha lanzado su nuevo disco, ‘GRASA’. El esperado tercer LP de la artista argentina ha llegado con un vídeo temático para cada canción y con la fuerza que siempre ha caracterizado a la cantante. ‘LEGENDARIO’ es uno de los cortes más inmediatos y nuestra Canción del Día.
‘GRASA’ contiene colaboraciones de todo tipo, desde Duki, Ca7riel & Paco Amoroso y Lua de Santana, hasta un interludio protagonizado por C. Tangana. También sorprende ver a Blood Orange en el tracklist. Sin embargo, en el focus track del álbum la cantante argentina no necesita a nadie más para brillar.
Sobre un atareado beat con toques de principios de los 2000, a lo Kanye o Timbaland, Nathy enumera sus múltiples logros y muestra una ventana a su estilo de vida. «Me tomé siete pastillas para ir a dormir / Todo el mundo dice: «Nathy, ¿qué te pasa?», canta en el principio de la canción. Mientras lo hace ‘LEGENDARIO’, la argentina no pierde su distintivo humor: «Cara de resaca y tengo que salir, con los paparazzis en la puerta de mi casa».
La Sandunguera tampoco se olvida de sus detractores en su nuevo banger con un verso centrado en el rap. «No apostaban y clasifiqué / Me girabas cuando te llamaba, ¿y ahora qué?», rapea la argentina, que nos recuerda que ganó un Grammy haciendo justamente esto: rapear. Antes de meterse de lleno en el potente estribillo, Nathy mete un chute de confianza: «No me queda casi nada que perder / Y si lo pierdo será haciéndolo legendario».
Billie Eilish ha cuestionado su segundo disco, ‘Happier than Ever‘, durante una entrevista con Zane Lowe en Apple Music. La artista se encuentra promocionando su nuevo álbum, ‘HIT ME HARD AND SOFT‘, nuestro Disco de la Semana. Por tanto, es lógico que, como todos los artistas, construya el relato de que en esta obra, ahora sí que sí, se ha encontrado a sí misma. Aunque eso se lleve por delante alguna obra anterior.
Ha dicho sobre ‘Happier than Ever’, hablando de cómo lo compuso junto a Finneas: «Éramos dos personas a las que les habían dicho las cosas más bonitas imaginables y nos sentamos a hacer estas canciones. Recuerdo que nos sentábamos y decíamos «somos tan buenos…» Estas canciones las trabajábamos durante un día y decíamos «ya está»».
Añade: «no pusimos demasiado en el disco. Por eso hay 16 canciones. Nadie necesita esa cantidad de canciones. Además de venir de ese lugar de «somos tan buenos, esto suena tan bien», al menos para mí, suponía no saber quién era realmente. Y ‘HIT ME HARD AND SOFT’ es casi el reverso de eso. Es más algo así como «no sé si lo que estamos haciendo es bueno en absoluto. Puede que sea terrible. Y ahora cuando lo pienso, me digo: «sí, me siento a gusto consigo misma»».
Por supuesto, ‘HIT ME HARD AND SOFT’ representa el descubrimiento sexual de Billie Eilish. ‘LUNCH’ es la primera canción que dedica a una chica, y que suena explícita. Pero también es cierto que la artista está siendo demasiado dura consigo misma. Quizá afectada, aunque sea inconscientemente, por que su debut ganó el Grammy a Álbum del Año, y ‘Happier than Ever’ perdió contra una cosa tan inocua como ‘We Are’ de Jon Batiste.
‘Happier than Ever’ se abría con una composición llamada ‘Getting Older’, publicada cuando la artista aún no había cumplido los 20 años. Era un disco variado, más allá de la gracieta de llamar un tema ‘Billie Bossa Nova’, y algo disperso. Jordi Bardají escribía en su crítica, puntuada con un 7,9 sobre 10, que en el largo «Billie intenta unificar unas canciones bastante distintas entre sí. A veces lo consigue y otras no». También, sobre lo de las 16 canciones, que con «sus aventuradas producciones queda claro que el segundo disco de Billie Eilish está hecho para callar bocas, pero sigue sin ser del todo redondo debido a que su secuencia es larga de más».
El nuevo álbum, por el contrario, tiene solo 10 cortes, claros, distinguibles, y concisos. Es evidente que el cambio le ha sentado muy bien y las cifras empiezan a acompañar. Según pasan los días, parece que a la buena recepción de ‘LUNCH’, hay que sumar la de ‘CHIHIRO’ y ‘BIRDS OF A FEATHER’. Pero además es que ‘BLUE’ y ‘L’AMOUR DE MA VIE’ están ganando cada vez más enteros. Así que sí, definitivamente este disco es mejor que el segundo.
Está bien tener criterio, avanzar y no reconocerte en errores del pasado, pero tampoco hay que quitar méritos a lo que se hizo mejor que OK en su momento. Especialmente el tramo final de ‘Happier than Ever’ era apabullante, desde el minimalismo de ‘Your Power’ hasta el subidón hacia la mitad de ‘Happier than Ever’ -que tanto debe de haber gustado a Olivia Rodrigo-, pasando por la electrónica de ‘NDA’ -muy importante para el desarrollo del nuevo álbum- o aquel ‘Therefore I Am’ de vídeo inenarrable.
Sería una pena que todas estas canciones desaparecieran de su setlist. En otoño, cuando comience su gira -que no llega a España hasta junio de 2025-, averiguaremos cuáles son las composiciones de ese segundo disco que Billie tiene en mejor estima.
(@yashar) 
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