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Perfume Genius / No Shape

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perfumeA pesar de que Mike Hadreas, el alma detrás de Perfume Genius, y su novio Alan Wyffels, llevan ocho años juntos, su historia de amor para nada ha sido un camino de rosas. Ambos, sumergidos en una espiral de drogas y otras tantas adicciones, llevan ya años limpios e intentando llevar un día a día mucho más sano y sereno. Pero el hecho de que la vida aparentemente le sonría a Hedras para nada ha provocado que haya variado ni un ápice ese tormento innato. Sus fantasmas personales siguen paseándose por su cabeza y así seguirá. Por ello, siendo consciente de que aún hoy en día continúa arrastrando numerosas piedras sobre su espalda, Hedras en ‘No Shape’ aborda su actual realidad desde la perspectiva de ese vencedor que ha sido capaz de sobrevivir y que, aun curado, sigue rememorando sus tragedias pretéritas. Tras el drama se pregunta qué es lo que queda.

La metamorfosis musical que mostró hace tres años en ‘Too Bright’ sigue su curso en esta ocasión. El álbum arranca con una balada al piano clásica de sus primeros dos largos como ‘Otherside’ que, al igual que ‘Slip Away’, explota con las justas dosis de caos épico a lo M83. Pocas pegas, por no decir ninguna, se le pueden poner a un inicio tan sentimentalmente evocador capaz de dejarte sin habla. Desde los primeros segundos si algo destaca, sin duda, es el gran trabajo que el productor Blake Mills (John Legend, Fiona Apple) ha hecho llenando los temas de infinitos pequeños detalles. Sin ir más lejos, esa guitarra glam a lo ‘Queen’ que aquí se manifiesta en ‘Sides’, donde además le echa un cable la cantante Weyes Blood; los preciosos arreglos de cuerda de ‘Valley’, o esos vasos de cristal que sirven de percusión para ‘Go Ahead’. Con cada escucha el oyente es capaz de apreciar nuevos elementos que a primeras podrían pasar desapercibidos, por lo que esto augura una larga vida a estos nuevos trece temas.

‘No Shape’ ni es tan cohesivo como ‘Too Bright’ ni resulta tan inmediato. Pero eso se compensa con una interpretación vocal de Hedras magistral en la que mastica versos del todo melodramáticos y catárticos que sirven de hilo conductor para poner sobre la mesa su saco emocional. Cantando mejor que nunca es capaz de apelar a Kate Bush en esa ‘Wreath’ en la que se muestra optimista ante la idea de seguir adelante; de dedicarle una pseudo-nana en ‘Every Night’ a ese Hedras del pasado que sigue deambulando como un espectro por su casa para recordarle que hubo tiempos peores; de sumergirse sólo con su voz en una iglesia en la muy Xiu Xiu ‘Choir’, o de rebosar sensualidad R&B por todos sus poros en una ‘Die 4 You’ que seguro agradará a How To Dress Well.

La segunda parte del álbum, mucho más sosegada e introspectiva musicalmente hablando, con la ya mencionada ‘Die 4 You’ y con ‘Run Me Through’, nos habla de entregarnos por completo a la persona que queremos, dejando claro que es un dependiente sentimental. Pero si una canción brilla por méritos propios esa es ‘Alan’, la pieza que más explícitamente dedica a su pareja, en la que reflexiona acerca de la paz que él le ha dado estos años a pesar de los pequeños problemas lógicos en cualquier relación de larga duración. Por momentos, escuchándole, parece que el mismísimo Jónsi de Sigur Rós se ha apoderado de su ser.

En definitiva, ‘No Shape’ es un arriesgado trabajo de una sensibilidad arrolladora en el que Hedras afianza su posición como uno de los mejores vocalistas de la actualidad. Se tenga o no a primeras empatía con el personaje y lo que cuenta, indudablemente, nadie a quien la sangre le corra por las venas puede afirmar que esta colección de canciones no son emocionantes y preciosas a partes iguales. Otro candidato más a álbum del año.

Calificación: 8,4/10
Lo mejor: ‘Otherside’, ‘Slip Away’, ‘Die 4 You’, ‘Alan’
Te gustará si te gusta: Kate Bush, How To Dress Well y, por supuesto, el Perfume Genius de ‘Too Bright’
Escúchalo: Spotify

Tyler, the Creator cancela su gira europea, lo que incluye el FIB

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tyler the creatorEl rapero Tyler, the Creator ha cancelado su gira europea. Esto incluye una fecha en España, concretamente en el Festival Internacional de Benicàssim, donde actuaba el 13 de julio. Tyler ha anunciado la cancelación en un escueto tuit: «ya no habrá gira europea, lo siento, otra vez será». A ver si es verdad. El rapero tenía fechas en Hamburgo, Colonia, Ámsterdam, Lisboa, París y Frankfurt. Ninguna en Reino Unido, que Tyler no puede visitar desde que se vetara su entrada en 2015. La responsable de este veto fue la Secretaria de Interior, hoy Primera Ministra, Theresa May.

Tyler presentaba en el FIB ‘Cherry Bomb’, su último disco, editado en 2015. Recientemente se ha sumado a ‘Biking’ de Frank Ocean, donde también ha colaborado Jay-Z. El rapero es conocido por su hip-hop experimental y por pertenecer al colectivo Odd Future, del que precisamente ha salido también Frank Ocean. Este ha colaborado en dos canciones de Tyler, ‘She’ y ‘Slater’.

El FIB se celebra del 13 al 16 de julio y su cartel incluye a grandes nombres como Red Hot Chili Peppers, The Weeknd, Kasabian, Los Planetas, Foals, Deadmau5, Liam Gallagher o Ride, además de a Crystal Fighters, Dua Lipa, KAYTRANADA, Years & Years o La Casa Azul, entre muchísimos otros.

Cerrado cartel de Bilbao BBK Live con Primal Scream, Trentemøller, !!!, Blonde Redhead…

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primalscreamBilbao BBK Live da por finiquitado su cartel de 2017 con 12 interesantes confirmaciones. Primal Scream se suma a la programación del festival para presentar su último disco, ‘Chaosmosis’, y a la banda de Bobby Gillespie se añaden también Trentemøller, que sigue presentando ‘Fixion’ por nuestro país tras agotar en Madrid y Barcelona; !!! (Chk Chk Chk), que hará bailar al público de Kobetamendi con la nueva dosis de disco-funk chiflado que contiene su último trabajo, ‘As If’; y Blonde Redhead visitará España de nuevo para desgranar las mejores canciones de su evocador repertorio y las incluidas en su nuevo EP.

El resto de confirmaciones lo componen Faris Badwan de The Horrors, que actuará tras los platos; Saint Motel, Rufus T. Firefly, Izaro, Rrucculla, DJ Maadrassoo y los ganadores del Maketa Lehiaketa de Gaztea, los bilbaínos Empty Files.

Bilbao BBK Live se celebra en Kobetamendi los días 6, 7 y 8 de julio.

Así queda el cartel completo:

Jueves 6

DEPECHE MODE/ JUSTICE/ THE 1975/ AUSTRA/ CAGE THE ELEPHANT/ SPOON/ THE AVALANCHES/ XOEL LÓPEZ/ CABBAGE/ CIRCA WAVES/ GUS GUS/ IDLES/ NIÑA COYOTE ETA CHICO TORNADO/ RRUCCULLA/ RUFUS T FIREFLY/ VULK/ ZAZKEL/ DAVID VAN BYLEN DJ/ DJ MAADRAASSOO
Basoa: DIXON/ THE BLACK MADONNA/ MIKE SERVITO/ HONEY SOUNDSYSTEM/ BALDO

Viernes 7

THE KILLERS/ PHOENIX/ FLEET FOXES/ ROYAL BLOOD/ EXPLOSIONS IN THE SKY/ TRENTEMØLLER/ ANÍMIC/ CARLA MORRISON/ COQUE MALLA/ EMPTY FILES/ IZARO/ JESSY LANZA/ JOE GODDARD Live/ LOS PUNSETES/ SUNDARA KARMA/ THE AMAZONS/ DANILESS B2B DARK DJ/ THE HORRORS DJ SET
Basoa: DAPHNI/ DJ TENNIS/ MARVIN & GUY/ NICOLA CRUZ/ BAWRUT

Sábado 8

DIE ANTWOORD/ TWO DOOR CINEMA CLUB/ PRIMAL SCREAM/ BRIAN WILSON presents PET SOUNDS/ !!! (CHK CHK CHK)/ BLONDE REDHEAD/ ATERCIOPELADOS/ LOS BENGALA/ BIZNAGA/ DELLAFUENTE & MAKA/ KOKOSHCA/ SAINT MOTEL/ THE LEMON TWIGS/ THE ORWELLS/ NARANJA/ JOTAPOP/ MARC DORIAN DJ SET
Basoa: MOTOR CITY DRUM ENSEMBLE/ ANDREW WEATHERALL/ JOB JOBSE/ LENA WILLIKENS/ JAVI GREEN

El mal sonido empaña el triunfo de Future Islands en Barcelona

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En la anterior visita de Future Islands al Razz, en octubre de 2014, la sala les quedó algo holgada. Pero este sábado el lleno fue absoluto. Más allá del pelotazo de ‘Seasons’, Future Islands certifican que, con ‘The Far Field’, ya se han convertido en unos de los grandes. Ellos, para compensar la acogida, fueron generosos: casi dos horas de concierto y, si no conté mal, nada menos que 25 canciones. Gerrit Welmers a los teclados y William Cashion al bajo como los hombres impasibles, a los que se les sumaba un dinámico batería. Cashion alguna vez miraba al público e incluso sonreía, pero Welmers debió estudiar en la academia Chris Lowe de teclistas estáticos. Y, dominándolo todo, Samuel T. Herring. Desde luego, no es un frontman cualquiera; ahora mismo es EL frontman. Puede parecer que sus excesos ofuscan las canciones, pero nada más lejos. Su carisma, sus bailes, sus arrebatos, su sex-appeal -que lo tiene, y mucho- son indisociables de la música de Future Islands. Al fin y al cabo, practican un techno-indie-pop sentimental y emotivo y él representa su espíritu. Más que interpretar las canciones, las vive, las siente y, sobre todo, las suda. Literalmente. El sábado no quedó ni un centímetro de su ropa que no estuviera anegado. Además, todos los excesos que elaboró con su cuerpo, esta vez no los practicó con la voz; apenas un par de veces bramó a lo Increíble Hulk, estuvo vocalmente comedido (dentro de sus parámetros, claro) y esplendoroso, como siempre. Y aunque al inicio el público parecía muy dispuesto simplemente a jalear por jalear los ademanes de Herring, lo que se acabó celebrando fue la música. No, Samuel no oscureció las canciones de Future Islands. El sonido que padecieron, lamentablemente, sí que lo hizo.

Al principio no se notó nada extraño. Empezaron con ‘Aladdin’, el petardazo que abre ‘The Far Field’, seguido de una muy celebrada ‘Time on Her side’. Pero, a partir de una coreadísima ‘Sun in the Morning’, la batería empezó a atronar, los teclados apenas se oían y prácticamente tuve que adivinar la melodía. Todo el recio entramado musical construido en el escenario se desinflaba en los altavoces. El resto de hits de ‘Singles’ sufrieron una suerte similar. En ‘A Dream of You and Me’ ni siquiera el baile ruso de Samuel consiguió paliar el desaguisado, ‘Doves’ también acabó engullida por la batería… Afortunadamente, el fervor de Herring y la respuesta del público (entregadísimo) iban salvando los escollos. Donde no llegaba el sonido, llegaban las ganas. Curiosamente, las canciones de ‘The Far Field’ no parecían sonar tan mal. Supongo que, al ser más comedidas, el desaguisado fue menos evidente. Esta circunstancia adversa paradójicamente sirvió para certificar lo bonitas que son, ya fueran una preciosa ‘Beauty of the Road’ o una ‘Ran’ recibida como un clásico.

Durante la segunda parte del set, se dedicaron a reivindicar su obra pre-‘Singles’; ‘Balance’ o un ‘Before the Bridge’ en que Herring reventó los pantalones. Literalmente; dejó a la banda tocando porque él se tenía que cambiar. Regresó pletórico para atacar ‘Cave’ y todo iba cuadrando, pero el mal el sonido continuó haciendo de las suyas y desnató la emotivísima ‘A Song for our Grandfathers’.’Light House’ pareció salvarse, no así ‘Seasons’. La sala se vino abajo porque es un himno, pero perdió parte de su mágica potencia. ‘Spirit’ también se escuchó fatal, pero marcó la “despedida” del grupo; escuchar a todo el Razz cómo jaleaba y reclamaba a la banda ponía los pelos de punta. Los bises fueron lo mejor de la noche. El sonido se recuperó, bajaron la velocidad y aumentaron la emoción, al desgranar las más melancólicas, especialmente una ‘Black Rose’ que resultó particularmente conmovedora. Y cuando Samuel acometió, para finalizar, ‘Inch of Dust’, hubo un momento en que dejó de cantar porque parecía que estaba llorando. Y quizás formara parte del show, pero le echó tanto corazón que yo me lo creí. Una pena que un sonido deficiente empañara el gran concierto de Future Islands, pero la sensación del triunfo ahí quedó.

Johnny Jewel es el nuevo Badalamenti: escucha ‘Television Snow’, de su disco con música para ‘Twin Peaks’

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johnny-jewel-windsweptEste mes de mayo se estrena por fin la tercera temporada de ‘Twin Peaks’, que llega 25 años después de la segunda y contará con la participación de varios músicos contemporáneos como Eddie Vedder, Sharon van Etten, Sky Ferreira o Ruth Radelet de Chromatics. Precisamente estos últimos han contribuido notablemente a la serie, pues su líder, Johnny Jewel, ha compuesto parte de la música que sonará en los nuevos capítulos, haciendo la vez de Angelo Badalamenti, que también ha vuelto al proyecto.

Parte de la música que Johnny Jewel ha escrito para ‘Twin Peaks’ podrá escucharse en ‘Windswept’, un nuevo disco que Jewel firma en solitario y que reúne una mayoría de composiciones originales, algunas de las cuales sonarán en ‘Twin Peaks, con producciones para Desire (‘Saturday’) o Chromatics (‘Blue Moon’). Sale el 10 de mayo. Aunque no se ha especificado qué pistas de ‘Windswept’ exactamente pertenecen a ‘Twin Peaks’, no hay que echarle mucha imaginación para ver que ‘Television Snow’, el nuevo adelanto del disco que ha llegado a la red, contiene un a clarísima inspiración en la sintonía de la serie de Angelo Badalamenti. Como lo tiene también el primer adelanto que se conoció la semana pasada, el tema titular, que bien podría servir de nuevo «Twin Peaks Theme».

‘Twin Peaks’ vuelve el 18 de mayo. Mientras, el nuevo disco de Chromatics sigue haciéndose esperar, aunque recientemente hemos tenido noticias del mismo a través del mánager de Jewel, Alexis Rivera. Rivera ha confirmado a los fans de Chromatics que ‘Dear Tommy’ existe pero no en su estado original: según el manáger, Jewel decidió destruir las copias originales del disco y empezarlo de cero después de tener una experiencia cercana a la muerte en Hawái. Todo pinta a que la salida del álbum coincidirá con el regreso de ‘Twin Peaks’, sobre todo atendiendo al anuncio de este ‘Windswept’.

‘Windswept’:

01 Johnny Jewel: “Television Snow” [with Symmetry]
02 Johnny Jewel: “Windswept”
03 Desire: “Saturday”
04 Johnny Jewel: “Missing Pages”
05 Johnny Jewel: “The Crimson Kiss”
06 Johnny Jewel: “Strobe Lights”
07 Johnny Jewel: “Heaven” [with Heaven]
08 Johnny Jewel: “Slow Dreams”
09 Johnny Jewel: “Insomnia”
10 Johnny Jewel: “Motel” [with Glass Candy]
11 Johnny Jewel: “Between Worlds”
12 Johnny Jewel: “The Flame”
13 Johnny Jewel: “Stardust”
14 Chromatics: “Blue Moon”

El disco de Halsey podría llevar la etiqueta “Anunciado en TV”

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halsey-eyes-closedhopeless fountain kingdom’ es el título del segundo disco de estudio de Halsey, que se publica el día 2 de junio. Tras haber sido adelantado por el single ‘Now or Never’, el pasado viernes conocíamos otra de sus canciones. Se titula ‘Eyes Closed’, un tema en cuyos créditos encontramos a una auténtica colaboración de ilustres: Benny Blanco, Cashmere Cat, Happy Perez (Mariah Carey, Miguel) y The Weeknd figuran, junto a Halsey, como autores. Demasiado nombre, quizá, para unos resultados correctos pero no espectaculares, ¿no?

Lo cierto es que, aunque no lo parezca, el hype en torno a ‘hopeless fountain kingdom’ es considerable: aunque no lo parezca, el citado ‘Now or Never’ ya ha llegado más lejos (Top 50) en el Billboard Hot 100 que cualquier de sus singles anteriores, incluidos ‘New Americana’ o ‘Not Afraid Anymore’. Probablemente esté contribuyendo lo suyo la fuerte apuesta de su sello, Astralwerks, que incluso está realizando una campaña publicitaria en televisión en promoción del álbum, como hemos podido ver en Twitter.

‘hopeless fountain kingdom’ es una especie de adaptación científico-futurista de Romeo y Julieta, en la que su afición por los cómics de superhéroes de Marvel ha sido una inspiración fundamental, según ha explicado Halsey en alguna entrevista. En los últimos días también se ha conocido el tracklist de las ediciones normal y Deluxe del disco, que incluye más temas y una secuencia distinta. De acuerdo con los créditos de la pre-venta aparecida en iTunes, el álbum ha sido producido en su mayoría por Greg Kurstin, Ricky Reed y Lido, e incluye una canción compuesta junto a Sia llamada ‘Devil In Me’:

Edición convencional:
The Prologue
100 Letters
Eyes Closed
Alone
Now or Never
Sorry
Good Morning
Lie (feat. Quavo)
Walls Could Talk
Bad At Love
Strangers (feat. Lauren Jauregui)
Devil In Me
Hopeless (feat. Cashmere Cat)

Edición Deluxe:
The Prologue
100 Letters
Eyes Closed
Heaven In Hiding
Alone
Now or Never
Sorry
Good Morning
Lie (feat. Quavo)
Walls Could Talk
Bad At Love
Don’t Play
Strangers (feat. Lauren Jauregui)
Angel On Fire
Devil In Me
Hopeless (feat. Cashmere Cat)

Nicki Minaj, que lanza los clips a pares, bucea en las lágrimas de su ex

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nicki-minaj-regret-your-tearsDos vídeos, dos, ha lanzado Nicki Minaj esta semana, quizá superando ya los 100 clips. Si no, seguro que lo hará en breve. El primero de ellos, que hasta hace unas horas era una exclusiva de Tidal, es el de uno de esos tres singles que lanzó hace unas semanas. Se trata, sucediendo a ‘No Frauds’, del de ‘Regret In Your Tears’, esa canción tan Rihanna que parece haber dirigido a su ex-novio, el rapero Meek Mill.

Su letra dice cosas como “arrepiéntete en lágrimas, ahora que las pruebas / porque ya sabes que yo no persigo [a los hombres], los sustituyo”. Y su vídeo insiste en este asunto de las lágrimas, mostrando habitaciones anegadas por el llanto de un chulazo (que se supone haría las veces de Mill). La cosa se va un poco de madre cuando las supuestas lágrimas ahogan incluso una vieja furgoneta. Las metáforas detrás de su estrujar de pechos envueltos en sogas y el retozar con efebos blancuchos y el pelo teñido de rojo ya se nos escapan.

El otro vídeo que ha presentado Nicki estos días es el de ese single que ha protagonizado, junto a Lil Wayne, para David Guetta. En el clip de ‘Light My Body Up’ ya encontramos a la Minaj a la que estamos acostumbrados: outfits rocambolescos que incluyen lujosas máscaras que evocan el BDSM y mansiones llenas de dorado en las que, esta vez, se adentra un Guetta persiguiendo a una mujer. Pedimos prestar atención a la capacidad interpretativa del DJ francés, cuyos caretos son un poema en todo el vídeo. Se ve que es de un solo registro: el de jalear a las masas con la única ayuda de un pen-drive.

Orbital y Trentemøller, lo mejor del sábado en WAM 2017, aunque quienes arrasan son Lori Meyers

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orbital-trenteEl WAM cerró su segunda jornada principal con enorme éxito, tanto que ya se ha confirmado la celebración de una nueva edición en 2018, en la que actuarán Sidonie, que han tenido que cancelar este año por razones logísticas. El festival que se celebra una semana después de lo que era el SOS 4.8 ha aprobado con nota gracias a una buena organización, a alguna idea tonta pero efectiva como los divertidísimos dj sets de música pop de la zona VIP (en ocasiones ha sido muy duro salir de ahí para asistir a según qué conciertos) y a una muy buena programación con algunos de los mejores talentos de la música nacional (Sr. Chinarro) junto a los más populares (Lori Meyers) e incluso artistas del pop internacional que no es tan común ver en los escenarios españoles (Shura, Orbital). Fotos: Javier Rosa.

Después de actuar el día anterior en Madrid, Shura presentaba su show en formato cuarteto en el festival murciano. Todo un viaje a los años 80 en ambientación y voces que esperamos que resista más tiempo de moda que las propuestas de Ladyhawke o Little Boots. Cierto tipo de público siempre estará ahí para un buen disco de electropop y canciones como ‘Make It Up’ o la final y excelente ‘White Light’ fueron muy bien acogidas por los asistentes, en su mayoría sorprendentemente muy jóvenes. ¿No estaban todos los post-adolescentes del país escuchando trap? Esperaba un sonido más verde para la artista debutante, que no obstante, tuvo un momento de crisis absoluta cuando sufrió un problema de sonido y su voz siguió sonando: todo el mundo atento interpretará que su voz iba en playback cuando probablemente solo llevaba una segunda pista pregrabada o su voz llevaba aplicado algún tipo de efecto. Muy difícil, en cualquier caso, asegurarlo. ¿Lo mejor? La interpretación de ‘Touch’ tirándose al público y concluyendo: «thank you for TOUCHING me».

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Sr Chinarro actuaba en formato cuarteto y ofreciendo uno de los mejores conciertos del sábado. Daba algo de rabia verle actuar en el escenario pequeño, por donde pasaban más bien artistas noveles, pero sus palabras fueron en todo momento muy humildes (repetidamente «son ustedes muy amables») y hasta agradeció que la gente asistiera pese a coincidir con Lori Meyers, calificando el éxito de estos como «merecidísimo». Para quien pudiera estar cabreado por ver a Chinarro en un escenario más pequeño que -por mencionar a alguien- Viva Suecia o Varry Brava, Antonio Luque recordó que el SOS 4.8 jamás llegó a invitarle con banda. Es decir, vamos «progresando». Gran repertorio el del artista, con momentos emocionantísimos como ‘Los Ángeles’ y su mágico y creciente punteo; ‘Del montón’ en una versión rock; ‘Una llamada a la acción’ o, en el bis, ‘Efectos especiales’ y ‘El progreso’. Luque se emocionó al ver la reacción del público con ‘La mujer’ e hizo en ese momento una referencia a ‘Bailar pegados’ de Sergio Dalma, que fue nada menos que la tercera que conté en el festival: además de la del viernes, la canción se pinchó el sábado en la zona VIP.

Las crónicas hablarán maravillas de Orbital, TrentemøIler o Pablo und Destruktion, pero no necesitáis leer ninguna para saber que quienes triunfaron de verdad en WAM fueron Lori Meyers, congregando a un par de decenas de miles de personas en torno al escenario principal. El grupo presenta nuevo disco, ’En la espiral’, con un nuevo espectáculo que comienza con una pantalla con proyecciones delante de ellos mismos mientras suena la primera canción de ese nuevo disco, ‘Vértigo I’. ¿Son los nuevos Planetas o más bien Gorillaz?

A continuación, la pantalla se eleva para pasar a mostrar ya simplemente proyecciones, y el grupo ofrece un buen equilibrio -apto para ese público tan numeroso- entre viejos temas (‘Luces de neón’, mucho más adelante ‘Emborracharme’ y ‘Mi realidad’) y nuevos. Entre estos, hacia el final ‘Pierdo el control’, hacia la mitad la bellísima ‘Océanos’ cantada por Alejandro y en la primera parte una verdadera monada llamada ‘Todo lo que dicen de ti’. ¿Se oyeron los coros de Anni B Sweet que hace en el disco y aprovechando que ella estaba programada a primera hora del día? Muy poca cosa: si estaba realmente, que es dudoso, se esforzaron por ocultarla. Aunque no es nada personal, Lori Meyers siempre han puesto sus canciones por delante de ellos también en la propia escenografía y sobre las tablas muchas veces son meras sombras. Un único recelo: ¿a la gente le está gustando el nuevo disco? A duras penas ’Siempre brilla el sol’ estuvo entre las canciones más coreadas. ¡Pero si no está nada mal! Escuchen directamente su cara B o el disco desde ‘Océanos’.

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Entre los mejores shows del día, el de los cabezas de cartel Orbital, con una puesta en escena muy destacable que los alzaba en una plataforma gigante delante de unas estupendas proyecciones que mostraban margaritas, teñían todo el escenario de colores tan vistosos como un amarillo muy vivo y por supuesto realzaba a Phil y Paul Hartnoll provistos de unas linternas de minero en sus cabezas. Aunque Orbital actuaban a unas extrañas doce de la noche (supongo que lo pidieron, era bastante raro verles salir antes de, por ejemplo, The Sounds), convencieron a todo el mundo de que eran las 6 de la mañana gracias a su recuerdo de los sonidos acid, el technazo y, en algún momento, los sonidos de la Ruta, lo que incluye las ambientaciones más espirituales a lo new-age. ¿El momento más pop? Su habitual referencia a ‘Heaven Is A Place On Earth’ de Berlinda Carlisle. Una pena que no sonara ‘Kinetic’.

The Sounds continúan exprimiendo el sorpresivo éxito de ‘Tony the Beat’ pero todavía sin saber llenar un escenario ni con canciones igual de buenas ni con un sonido que realmente se expanda por la amplitud de un recinto ferial. Se echa de menos una contundencia que no termina de llegar. Eso sí, tienen a su favor dejar la sensación de estar viendo a unos Blondie pero en joven, sobre todo por su líder Maja Ivarsson, que se permitió echarse algún piti sobre el escenario. Quizá no debería estar tan relajada y buscar un buen técnico de sonido o músicos que terminen de dar empaque a lo suyo. Mucho mejor habían estado poco antes Varry Brava, que en el futuro podrían editar un recopilatorio con la pegatina “conoces más canciones de las que creías”. Entre ellas ‘Entre el cielo y el mar’, ‘Flow’ o ‘Vietnam’. A destacar, la reivindicación del sonido Tino Casal y los 80 en general. Parece cuestión de tiempo que se hagan tan famosos como Miss Caffeina, si no lo son ya, que ayer lo pareció, aunque es verdad que no coincidían con absolutamente nada y jugaban en casa.

Impecable concierto el que ofreció Trentemøller a las dos y media de la madrugada en presentación del notable ‘Fixion’ que salía a la venta el año pasado. Sin dedicarse específicamente a aquellos que esperasen zapatilla a esas horas de la mañana, pero tampoco defraudándolos (había de vez en cuando arrebatos de elegante agitación), el artista nos visitó en formato grupo, contando con un sonido de lo más orgánico y con la inestimable presencia de una cantante ocupando el lugar de Jehnny Beth con una pose y voz muy similares Jehnny Beth de Savages sobre el escenario, a pesar de que esta está enfrascada en los actos promocionales del nuevo disco de Gorillaz. Grandes momentos de oscuridad en conexión con The Cure, Massive Attack y Depeche Mode, que empujaban la puesta en escena hacia lo fantasmagórico.

Puede que Delorean no estén en su mejor momento de popularidad internacional, pero a la espera de que den con un single que vuelva a ponerles en la primera plana en Europa, América, Asia… todos esos sitios en los que han tocado, siguen teniendo grandes conciertos que ofrecer para la muchachada más fiestera. El cuarteto sigue compartiendo protagonismo en primera línea (Ekhi con nuevas gafas de freak, Unai aún hipnotizando con el balanceo de su teclado) y su propuesta post-house es una de las que menos pereza puede dar hacia las 4 de la mañana. El repertorio formado por canciones como ‘Stay Close’, ‘Deli’ o ahora ‘Muzik’ trasciende de calle la moda chillwave: es totalmente imperecedero.

La noche terminó hacia las 6 de la mañana con un escenario pequeño dedicado al pop y otro más electrónico (mención especial a la gente bailando en la puerta de la zona VIP por no tener la pulsera adecuada) y después un after en la sala REM con dj’s afines al festival. No lo hemos llegado a conocer, por lo que no podemos opinar, pero tener al menos la opción debería ser obligado en la organización de todos los festivales. Lo dice la propia palabra. Elena H. Sebas E. Alonso.

Gran presentación del nuevo doble single LCD Soundsystem en televisión

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lcd-soundsystem-snlEste viernes LCD Soundsystem presentaban, al fin, las dos primeras muestras de ese álbum de retorno que llevamos un largo tiempo esperando. Se trata de un single doble en el que encontramos en la “cara A” la intensa ‘Call The Police’, mientras que su “cara B” contiene la más reposada ‘American Dream’.

La pasada noche en Estados Unidos el famoso show televisivo Saturday Night Live ha contado con el actor Chris Pine como anfitrión y el grupo neoyorquino dirigido por James Murphy como invitado. Estos han interpretado, precisamente, estos dos nuevos temas. El primero ha sonado de forma abrumadora, quizá algo deslavazada en lo sonoro, y el segundo ha resultado tan ensoñador como suena en su versión de estudio, con Murphy cantando hasta el desgañite en ambas. Como detalle curioso, Nancy Whang, en primer plano, lucía una camiseta con el lema racista de campaña de Donald Trump, “Bad Hombre” –dirigido a los hispanos–, pero aplicado al propio Presidente de los EEUU.

Según parece, pues, el nuevo disco de LCD Soundsystem está a punto, tras un largo tiempo hablando de él. En la Navidad de 2015/2016 los autores de ‘Sound of Silver’ anunciaron su reunión tras una separación aparentemente definitiva en 2011. Tras una gira que les trajo, por ejemplo, aPrimavera Soundpor partida doble, James Murphy confirmaba que estaban trabajando en este nuevo disco. Por el momento, no han comunicado más detalles sobre su título, tracklist o fecha de edición prevista.

Depeche Mode rinden homenaje a Bowie en el arranque de su gira mundial

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depeche-2017Este fin de semana los británicos Depeche Mode arrancaban su nueva gira mundial, en la que presentarán su flamante nuevo álbum ‘Spirit’. El tour ‘Global Spirit’ se inició el viernes en Estocolmo y Dave Gahan, Martin Gore y Andrew Fletcher ofrecieron una grata sorpresa a los espectadores suecos: en homenaje al desaparecido David Bowie, interpretaron una personal adaptación del celebérrimo ‘Heroes’.

En el primer show de esta nueva etapa interpretaron unas 22 canciones, alternando temas de su último disco de estudio con clásicos de todas las épocas. Este ‘Heroes’ llegó mediado el bis del show, y el público sueco lo recibió con palmas tan pronto Gahan entonó las primeras líneas de su letra ante una imagen de una bandera negra hondeando.

‘Spirit’, un disco con cierto carácter político, se publicó a mediados del pasado mes de marzo. En general, según Metacritic, ha obtenido críticas generalmente favorables. En nuestro site obtuvo un 6,2 sobre 10 por parte de nuestro director Sebas E. Alonso, lo cual, pese a suponer un “bien”, decepcionó a muchos fans. Sus comentarios fueron respondidos por El Defensor del lector de JENESAISPOP en nuestro canal de Youtube. Recordamos que la única parada de este ‘Global Spirit Tour’ en nuestro país tendrá lugar dentro del festival Bilbao BBK Live 2017, junto a The Killers, Justice, Fleet Foxes o Die Antwoord, entre otros.

Las canciones más infravaloradas de Eurovisión 2017

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svala-paperA pesar de no aparecer entre las 15 primeras canciones de las casas de apuestas para ganar el festival de Eurovisión 2017, hay una serie de temas que merece la pena destacar. Estas son las canciones medio modernas o medio dignas que sonarán en las semifinales de este martes y jueves.

Islandia

La Aminata de este año, pero con bastantes más posibilidades de quedarse por el camino (razón, aquí), es Svala. La cantante, que publicaba dos discos en su país en 2001 y 2005, presenta un irresistible medio tiempo de electropop gélido. Su vídeo, pese a caer en el tópico de neones ochenteros, tiene también posibilidades entre los fans de Tove Lo, Robyn, Shura y Ladyhawke. Le toca el martes.

Noruega

No sé si el fenómeno de productor y autor que acude con cantante invitado tiene algún sentido en Eurovisión, donde la música es en playback, pero quizá sea un guiño a las sesiones de algún que otro DJ de nuestros tiempos. En cualquier caso, el tema de JOWST con Aleksander Walmann al frente, ‘Grab the Moment’, es uno de los más modernillos de este año, merced a ese estribillo irresistible de voces distorsionadas a lo AlunaGeorge, Jack Ü, Justin Bieber, etcétera. Les toca el jueves.

Austria

Austria presenta algo parecido a lo que ha querido hacer España, pero con mejores resultados: un chiquillo debutante con una canción sencillita y amable pero con su gancho. ‘Running On Air’ podría haber sido escrita perfectamente por Gary Barlow o servir para lanzar la carrera de un One Direction en solitario. Veremos si Nathan Trent tiene suerte el jueves, pero no es que vaya muy por encima de España en las casas de apuestas.

Letonia

Entre la poca zapatilla que encontraremos este año, la propuesta de Letonia. Es la sexta vez que el grupo Triana Park intenta representar a su país en Eurovisión y este año lo ha conseguido con un ‘Line’ de ecos trance que tiene su momento para la melancolía y el recogimiento.

Serbia

Fuera del top 20 de favoritas, aunque por poco, aparece esta canción de Serbia que no está nada mal. Sin ser la panacea de la modernidad, Tijana Bogicevic ha encontrado un punto medio entre el ‘Firework’ de Katy Perry y los ritmos drum&bass que, como mínimo, servirá para abrir con fuerza la segunda semifinal. La puesta en escena parece que será un tanto ‘Euphoria’.

Moldavia

También con pocas posibilidades parece esta entretenida canción que alterna un ritmo a la moda tropical house (muy raro que no haya inundado por completo Eurovisión) con el dance de ínfulas jazzy de hace unos años (‘Americano’, ‘Mambo nº5’). Una completa bobada que además copia un título de un hit reciente de David Guetta y se llenará de novios y novias en vivo, pero que no será lo peor que veamos en la tele en la primera semifinal. Muy entretenido.

FYR Macedonia

Jana Burčeska se presenta por Macedonia con una canción pop bien fresquita, de la escuela también de Tove Lo. Asimismo presta para fans de t.A.T.u. y un poquito la Róisín Murphy más pop, ‘Dance Alone’, cuyo vídeo es un regreso a la juventud (o una crítica al ageism), por alguna razón no va favorita en las apuestas y aún tiene que lidiar con crítica y público en la segunda semifinal. Sólo han llegado a la final 1 vez en los últimos 9 años y desgraciadamente en cuanto a puesta en escena, parece que no van a liarla…

Montenegro

Entre los cantantes que puede que no superen las semifinales pero puede que sí veamos en el próximo Orgullo, Slavko, desde Montenegro. En topless en su vídeo y con una trenza-serpiente que ni Mø, este pequeño Adam Lambert presenta un corte disco llamado ‘Space’ medio mal hecho que, entre rebozamientos por el suelo y “sorpresas” de vestuario, desapercibido no va a pasar. Los ensayos prometen grandes momentos para la historia del festival. Deseando que se autoagarre la trenza el mayor número de veces posible.

Israel

Barei no ha escrito la canción de Israel de este año, pero ‘I Feel Alive’ sí tiene un puntito de drum&bass y EDM que habría podido llevar a IMRI a alcanzar la parte baja del top 40 británico en algún momento de 2014. Y eso incluye su puente étnico: peores cosas se han visto triunfando en las islas.

República Checa

Martina Bárta aparece entre las últimas posiciones de las casas de apuestas, incluso por debajo de España, con esta balada llamada ‘My Turn’, cuyo gancho en realidad es ese «baby, it’s you”. No dista tantísimo de las composiciones de Brill Building. No está muy bien redondeada, pero tampoco resulta odiosa para quienes sueñen con una maqueta de Céline Dion que pueda salvar de la quema Phil Spector.

Suiza

Timebelle canta un medio tiempo inofensivo llamado ‘Apollo’ que no va a salvar la vida de nadie y perfectamente podría aparecer en el especial «canciones de Eurovisión que no van a ningún lado» de mañana, pero en algún lugar hay una melodía medio apañada que con una puesta en escena curiosa no aburriría la que más en una final.

San Marino

La única habitante real de San Marino Valentina Monetta vuelve al festival por 4ª vez para interpretar, esta vez acompañada del americano Jimmie Wilson, un tema de corte disco. ‘Spirit of the Night’ tiene algo más que un puntito a Abba que no le ha impedido ir última en las casas de apuestas, si bien a todo el mundo le da igual: ¡esperamos verte el año que viene, Valentina!

Gorillaz / Humanz

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gorillaz-humanzDice Damon Albarn que ‘Humanz’, el nuevo disco de Gorillaz, proyecto audiovisual compartido con el artista gráfico Jamie Hewlett, surgió en 2015 con la premisa argumental de ser la «banda sonora de una fiesta en una oscura fantasía apocalíptica», en un mundo que se hubiera vuelto lo suficientemente loco como para aupar a la Presidencia de Estados Unidos a un personaje como Donald Trump. Y hastaluegomaricarmen.

En cierto modo, tiene bastante sentido que un grupo formado por cuatro personajes animados como 2D, Noodle, Murdoc Niccals y Russel Hoobs sean estrellas del pop en nuestro tiempo, una suerte de Archies del siglo XXI. Al fin y al cabo, cuando buena parte de nuestra vida transcurre en una pantalla, ¿quién puede decir que no es tan real lo que ocurre dentro como fuera de ella? En todo caso, este mensaje que subyace desde el inicio del grupo y que no hace sino alimentarse cada vez más, no es el eje de ‘Humanz’. Tampoco es un disco de estricto compromiso político ni revolucionario, por más que adelantos como ‘Hallelujah Money’ (con Benjamin Clementine, presentado con motivo de la toma de posesión de Trump y que crece con las escuchas) o ‘We Got The Power’ (un canto al amor y la solidaridad entre el pueblo como salida al callejón sin salida de la Humanidad) tengan ese cariz.

En realidad, ‘Humanz’ es casi literalmente lo que pretendían sus autores: la sintonía de una fiesta en un mundo que se ha salido del eje. Así, parece de lo más coherente su estructura extensa a la que parece no haberse puesto demasiada contención: 20 cortes, 26 en la edición Deluxe, en las que caben muchísimos estilos y aún más invitados. Tantos que parece inevitable que el disco logre tener un mínimo de coherencia y sentido. Escuchado al completo, parece evidente que en algún momento se les ha ido la mano con los colaboradores, que no solo ocupan los featurings destacados: en la letra pequeña del disco encontramos a otros participantes tan destacables como Jean-Michel Jarre o Graham Coxon, guitarrista de Blur.

Es cierto que en ‘Plastic Beach’ ya comenzaba a parecer un poco demasiado, pero es que ‘Humanz’ va aún más allá, contando con featurings en todas sus canciones salvo en los interludios (aunque, ojo, son narraciones del actor Ben Mendelsohn –villano de ‘Rogue One’, por ejemplo–) y la preciosa balada –un sosiego melancólico necesario– ‘Busted and Blue’. A menudo, también, esos grandes nombres se quedan en poca cosa: no parece que hubiera cambiado mucho ‘Charger’ de no tener a Grace Jones soltando su non-sense (aunque su crescendo resulta bastante atractivo a la postre), ni hay ningún rastro distintivo de Gorillaz en temas de R&B-funk contemporáneo random como ‘Strobelite’ (con Peven Everett), ‘Carnival’ (con Anthony Hamilton) o ‘Let Me Out’ (con Mavis Staples y Pusha T).

Ahora bien, asumiendo ese caos de estructura y nombres, ‘Humanz’ puede ser muy disfrutable si uno se limita a escucharlo fuera de la estructura de álbum y como lo que pretende ser: la música que podría sonar en una fantasía futurista en la que los estilos se diluyen. House, hip hop, R&B, funk y pop sintetizado metidos en una batidora que deglute números llenos de detalles y de producción brillante, tan atractivos como ‘Submission’, el fabuloso tema que comparten Kelela y Danny Brown, ‘She’s My Collar’ (con Kali Uchis, que repite en el descarte ‘Ticker Tape’ –con nada menos que Carly Simon–), la asfixiante y adictiva ‘Sex Murder Party’ (con Zebra Katz y el veterano del house Jamie Principle) o el future funk de ‘The Apprentice’ (recado directo, aquí sí, a Trump). De nuevo, no llega a comprenderse muy bien por qué un tema tan sugerente, que cuenta con Rag’n’Bone Man, de nuevo Zebra Katz y la prometedora Ray BLK, queda relegado al disco extra.

Y, por descontado, en esa buena línea también está el cuarteto presentado como anticipo: ‘Ascension’, ‘Saturn Barz’, ‘We Got The Power’ (aunque al final lo de Gallagher sea más testimonial que la participación de Jarre) y, sobre todo, ‘Andromeda’, la joya del disco con las preciosas voces de D.R.A.M. Un tema que, además, tiene una doble inspiración emocionante: primero, es un homenaje a su suegra fallecida en los últimos tiempos, que era gran aficionada a la astronomía; y segundo, Andromeda era el nombre de un club de funk y soul en Essex, al que Albarn solía acudir en su mocedad, en los 80. Un oasis de hedonismo en una mierda de mundo, un recuerdo reconfortante cuando las cosas van mal: “Haces de luz atrapados en tus ojos, regresan; lo hacen por el mejor de los tiempos; dolor creciente, buenos tiempos; (…) Llévalos en tu corazón, cuando todo se desmorone”.

‘Humanz’ es, por tanto y a la postre, todo ese caos de buenas canciones mezcladas con decisiones cuestionables, colaboraciones aparentemente poco aprovechadas y una duración exagerada. Pero, quizá porque pretende augurar un futuro catastrófico, tan cercano que casi parece presente, lleno de confusión y dolor en el que solo las relaciones humanas y las manifestaciones culturales parecen ser el único asidero de la humanidad, cumple con su meta.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Andromeda’, ‘Submission’, ‘We Got The Power’, ‘Ascension’, ‘Busted and Blue’
Te gustará si te gusta: Gnarls Barkley, The Avalanches, Damon Albarn
Escúchalo: Spotify

4 razones para visitar ‘Z, la ciudad perdida’ y una para perseguir al director con un machete

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z-ciudad-perdidaBrad Pitt lo vio claro enseguida. Aún antes de estar terminada, ya había comprado los derechos de ‘Z, la ciudad perdida’ (Literatura Random House), la obra sobre el aventurero Percival Fawcett escrita por el periodista David Grann. Y no se equivocó: el libro fue un éxito (sobre todo en el mercado anglosajón) y su potencial cinematográfico se reveló innegable. Pero lo más sorprendente fue a quién contrató Plan B, la productora de Pitt, para que realizara la adaptación: James Gray. El director de ‘Two Lovers’ y ‘La noche es nuestra’ siempre se había movido en el terreno del melodrama criminal y/o familiar. ¿Sería capaz de salir vivo del género de aventuras rodado en escenarios naturales?

Te damos cuatro razones para ir a ver ‘Z, la ciudad perdida’ como si fueras a encontrar El Dorado y una para que veas que no existe:

1. No verás una película igual en mucho tiempo. James Gray es el patito feo de la generación que domina Hollywood. No tiene el favor de la taquilla de David Fincher, ni el aplauso de la crítica de Paul Thomas Anderson, ni el culto fan de Wes Anderson. Pero sus películas de caligrafía neoclásica, herederas tanto de Coppola como de Visconti, no tienen nada que envidiar a las de sus tres compañeros. En ‘Z, la ciudad perdida’ vuelve a demostrar que su cine no es de este mundo: la precisión en la composición de los planos, la perfecta arquitectura del guión, la narración reposada, la riqueza de los conflictos dramáticos, la madurez de su discurso…

2. Percival Fawcett. La vida del militar, arqueólogo y explorador británico es tan apasionante que no es de extrañar que sirviera de inspiración para el personaje de Indiana Jones. Pero Gray no lo utiliza como mero soporte narrativo para elaborar un relato de aventuras. Al contrario: construye el relato a partir de la personalidad del personaje, un hombre atrapado por su irrefrenable necesidad de escapar, de huir de si mismo. El director lleva la película a su terreno y casi la mitad de su metraje lo dedica a los conflictos familiares de su protagonista: con su mujer, otro personaje atrapado (entre su deseo de emancipación y su rol de madre y “esposa del guerrero”), y su hijo mayor, quien le echa en cara su desatención pero que le acompañará en su último viaje.

3. La ambientación. Como ya ocurría en ‘El sueño de Ellis’, los viajes al pasado de Gray transmiten tal potencia evocadora que dan ganas de quedarse a vivir en ellos. Con la ayuda de la gran Sonia Grande, el director ha recreado la Inglaterra y la Amazonia de principios del siglo XX con la elegancia, el rigor histórico y la capacidad de sugerencia del mejor Visconti.

4. El plano final. El mejor ejemplo de lo que es el cine de Gray: un recurso estético y narrativo de enorme sencillez que explota en la mente y el corazón de los espectadores con la fuerza poética de una ópera interpretada en medio de la selva.

5. Después todo lo dicho, ¿por qué no funciona ‘Z, la ciudad perdida’ tan bien como debería? Por su estructura narrativa. Las continuas idas y venidas del aventurero consiguen que veamos su obsesión por encontrar la “ciudad perdida”, pero no que la sintamos. A la película le falta intensidad dramática. Y no me refiero a sentar al espectador al lado de la canoa en 3D y que se agarre a la butaca como si fuera a caerse al río. No. Pero sí ser capaz de implicarle emocionalmente, no solo intelectualmente. En este caso, el habitual ritmo sosegado que utiliza Gray no ayuda. Y la falta de carisma de su protagonista (un Charlie Hunnam a quien se meriendan como una tribu caníbal Sienna Miller y Robert Pattinson), tampoco. ¿Qué hubiera sido de la película si la hubiera protagonizado el actor en un principio elegido, Benedict Cumberbatch? 7.

Lennon Gallagher, hijo de Liam, trolea a su padre luciendo una camiseta de Blur

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lennon-gallagherNos gustaría haber visto por un agujerito la cara de Liam Gallagher en su casa la pasada noche, mientras Damon Albarn y su hermano y ex-compañero en la banda Oasis escenificaban su amistad actuando en directo en la tele británica. ¿Se habrá reafirmado, pese a la notable actuación, en la bilis que vertía esta semana sobre ambos, diciendo que habían fracasado en su intento de emular a David Bowie y Mick Jagger en ‘Dancing in The Streets’?

Aunque diría que nos hubiera gustado aún más ver esa misma cara mancuniana cuando haya pasado por un kiosko y haya visto la portada de este mes de la revista de tendencias ‘Buffalo’. Porque en ella aparece como modelo protagonista su hijo primogénito, Lennon, fruto de su matrimonio con la también cantante Patsy Kensit. Suponemos que debe ser todo un orgullo para él… salvo por un pequeño detalle: en la imagen Lennon luce una camiseta de Blur, a los que, a tenor de sus últimas declaraciones, Liam sigue teniendo una inquina enorme. Menudo troleo, Lennon, guapo. Te la has ganao, chaval: un mes sin paga.

Recordemos que Liam está preparando el lanzamiento de su primer disco en solitario, tras publicar varios discos como Beady Eye. Un álbum “atrevido” que, asegura, contiene melodías dulces y letras divertidas. De momento, no hemos podido escuchar ninguna de sus canciones ni tenemos detalles sobre el mismo. Sí sabemos, en cambio, que lo presentará en directo en nuestro país. Primero, en el mes de julio, en el Festival Internacional de Benicassim 2017. Y más tarde, en septiembre, en DCode 2017, en Madrid.

Estética trash y vecindades peligrosas en lo nuevo de Cheetah Brava

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cheetah-brava-vecinaEl cuarteto mixto radicado en Barcelona Cheetah Brava –formado por Jo Miramontes y Carla Blanc, en las voces, sintes y percusiones, Julián Figueres, guitarra y samples, y Oscar Durán, a la batería– fue uno de los grupos que señalábamos este año como posibles revelaciones nacionales. Aunque habían anunciado su álbum de debut ‘Taká’ para el mes de marzo, parece que finalmente ha sido retrasado y verá la luz el día 16 de mayo, ya sí que sí. Antes, en 2013, habían editado un EP de 5 canciones titulado ‘Tremor Forto’.

Después de avanzar este disco con canciones como ‘Negrito’ o ‘Hielo seco’, que remitían al lado más kitsch y loco de los 80 (nosotros les comparábamos con las Xoxonees de Blanca Li y Chus Gutiérrez), ahora muestran otro adelanto del álbum llamado ‘Vecina’. Esta canción, que nos hace reiterarnos en esa comparación pero que también nos hace pensar en Objetivo Birmania, pero también en Papaya y Las Bistecs, se presenta con un vídeo tan simpático como low cost. El clip reproduce casi literalmente su letra cantada en la voz de una vecina envidiosa e invasora, con una estética trash que remite al underground de mediados de los 90, entre colores ácidos, Playmobiles y huevos fritos maltratados.

Hoy mismo, sábado 6 de mayo, Cheetah Brava presentan las canciones de ‘Taká’ en el Poblenou de Barcelona, en el Urban Disctrict Art Festival.

Montones de Gorillaz (entre ellos, Damon Albarn y Noel Gallagher) juntos en TV

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Gorillaz performing during the filming of the Graham Norton Show at The London Studios, to be aired on BBC One on Friday. (Photo by Isabel Infantes/PA Images via Getty Images)

Gorillaz performing during the filming of the Graham Norton Show at The London Studios, to be aired on BBC One on Friday. (Photo by Isabel Infantes/PA Images via Getty Images)
Gorillaz performing during the filming of the Graham Norton Show at The London Studios, to be aired on BBC One on Friday. (Photo by Isabel Infantes/PA Images via Getty Images)
Una semana después de publicar ‘Humanz’, el nuevo disco del proyecto audiovisual Gorillaz, Damon Albarn acudía anoche a The Graham Norton Show, en la televisión británica, para interpretar una de sus canciones. Se trataba de ‘We Got The Power’, el single que ha contado con la implicación de Noel Gallagher, Jehnny Beth (de la banda Savages) y Jean-Michel Jarre.

Todos ellos, excepto Jarre, estuvieron junto a Albarn en el set de televisión, junto a un extensísima banda que incluía dos baterías, coristas, teclistas, bajista y guitarrista. Hasta tenían a un tío exclusivamente para tocar una gran campana de la que luego habló Damon. Su interpretación, ante dos pantallas sobre las que se proyectaban imágenes de una de las integrantes virtuales del grupo, Noodle (atención al “tatuaje” de su cara y nombre sobre el brazo de Beth), resultó bastante notable e intensa, acrecentando sin duda el interés por esa nueva gira que han anunciado y que no pasará, desgraciadamente, por nuestro país.

Tras la entrevista, Damon y Beth se acercaron al set de entrevistas para charlar con Graham Norton y sus invitados, nada menos que cuatro grandes figuras de Hollywood como Jessica Chastain, Diane Keaton, Michael Fassbender y Kevin Bacon. La charla fue breve pero muy intensa: comenzó con Beth asegurando que lleva tres años sin probar el alcohol (estuvo a punto de beber accidentalmente de la copita de Damon); más tarde esta aseguró que conoció a Damon en Tinder (?!?!?), a lo que él asintió misteriosamente; y Jehnny también confirmó que estará en al menos una parte de la gira de Gorillaz.

También lo hará Noel Gallagher, según confirmó afirmando desde el escenario, puesto que según Damon en esta gira estarán acompañados de montones de invitados que irán sumándose en distintas ciudades. Norton también preguntó al vocalista de Blur por la curiosa campana, que tiene una gran historia detrás y que dejó fascinado al mismísmo Kevin Bacon, que le pidió tocarla. Mañana, domingo día 7 de mayo, publicaremos nuestra crítica de ‘Humanz’.

Las canciones favoritas para ganar Eurovisión 2017

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gabbanioccidentaliLa próxima semana se celebra en Kiev una nueva edición del Festival de Eurovisión. A través de varios especiales ofreceremos un breve análisis de las canciones favoritas para ganar el certamen según las casas de apuestas; una reivindicación de canciones con pocas posibilidades de ganar pero bastante gancho; y finalmente canciones que, salvo sorpresa, se presentarán en Kiev sin ninguna opción. Os recordamos que el martes y el jueves se celebrarán las dos primeras semifinales y el sábado 13, la gran final. Podéis seguir toda la actualidad a través de nuestro foro de Eurovisión 2017.

Italia

El país que todo el mundo da por ganador este año en Eurovisión es Italia. La canción de Francesco Gabbani tiene el primer vídeo para Eurovisión que ha superado los 100 millones de reproducciones en Youtube, y su letra y su vídeo han tenido la ocurrencia de reírse del apropiacionismo cultural de Occidente. Italia suele caer en gracia en Eurovisión por razones que se me escapan y, pese a su gran cantidad de años de ausencia, suele quedar bien: de sus 6 últimas participaciones, 4 han llegado al top 10 y 2 de ellas al top 3 (!). Aunque parece que es el momento de Italia y su temática es original, ‘Occidentali’s Karma’ llega al festival pelín sobrevalorada como canción: se refugia en un pop-rock algo sobado y carente de mayor interés y en unos cambios estructurales algo desubicados en pleno 2017 (también en un humor un tanto cuñao). El momento gorila de la coreografía no habría sobrevivido a las críticas en España pero ahí está él, inamovible en el puesto 1 de las casas de apuestas. ¿Ganará o será el ‘J’ai cherché’ de este año? Ojalá lo segundo.

Portugal

Al fin Portugal parece tener alguna posibilidad con esta preciosa balada muy de musical, ‘Amar Pelos Dois’, presentada por el expresivo -tanto, que se ha especulado con su salud- Salvador Sobral. Cuando se le mira se ve a un absoluto animal de escenario, no del tipo Iggy Pop, pero sí del tipo Lorde. Hay un poso de Astrud Gilberto en la deliciosa melodía, y también de Henry Mancini, en la que es posiblemente la mejor canción de este año. Rezando todo lo que me sé para que, como mínimo, el jurado la salve en la primera semifinal: Portugal no llega a una final desde 2010 (dos años no ha podido participar) y no son top 10 desde 1996. ¡Justicia para Portugal de una **** vez!

Rumanía

Rumanía, tradicionalmente uno de los países más efectistas, acude este año con un infierno de yodelling que, de manera muy imaginativa, han decidido titular ‘Yodel It’ y que mezcla, cómo no, folclore con un ritmillo hip-hop que seguro que gusta muchísimo al Nega. #NO Illinca y Alex Florea presentan el típico infierno de modernidad y tradición que me niego a escuchar una tercera vez por miedo a recordarlo hasta el día de mi muerte. «Como Eminem secuestrando a Heidi», dicen por ahí. Un 0.

Bulgaria

Ramas de árboles sin hojas, gente vestida de negro, animales random… Woodkid se perfila como una influencia de nuevo en Eurovisión aquí de mano del pseudo-emo Kristian Kostov, de 17 años, concursante de The Voice Kids Russia y X Factor Bulgaria y con diastema a la moda. Bulgaria, que el año pasado se quedó con las ganas de ganar con la explosiva ‘If Love Was a Crime’, parte también como favorita, aunque el medio tiempo medio pintón ‘Beautiful Mess’, que podría ser de los primeros Hurts, aún ha de pasar la segunda semifinal.

Suecia

¿Qué canción ha impedido a Loreen representar a Suecia por segunda vez? ‘I Can’t Go On’ del bellísimo Robin Bengtsson, a medio camino entre Adam Levine y Justin Timberlake, que realizará una coreografía en el escenario acompañado de bailarines, con toda la pinta de dejar al eurofán medio bastante engorilado. Se oyen muchas voces hartas de que Suecia domine el festival y sea eterna favorita, pero lo cierto es que tienen que seguir lidiando con las semifinales como uno más y este número entre Modern Talking y Maroon 5, con un puente ultra Olé Olé circa Luis Carlos Esteban, sería escandaloso que no pasara. ¿Qué queréis? ¿Más música étnica mezclada con rap? Abre la primera semifinal del próximo martes y ahí estaremos como un clavo para verlo.

Armenia

Artsvik parte como favorita con ‘Fly With Me’, este intento, en mi opinión algo frustrado o como mínimo aburridillo, de meter en una batidora a The Knife, Woodkid y Helena Paparizou. El ensayo no es especialmente prometedor y esto no es Aminata, pero con todo, ya hubiera querido Ruth Lorenzo defender algo tan medio moderno como esto. Porque sí, en cierta medida le pegaba.

Australia

Hello? It’s me… Australia parece haber caído bien en Eurovisión y de momento el país que más madruga para ver el festival ha quedado 5º y 2º. Esta vez la clasificación también parece asegurada con esta balada en la línea de la última Adele (esos dos acordes de piano iniciales y finales), titulada ‘Don’t Come Easy’ y entonada por Isaiah, otro joven de 17 años salido de X Factor Australia VIII.

Azerbaiyán

t.A.T.u. no ganaron Eurovisión después de ponerse a media Europa en contra con sus ademanes de estrellas venidas a más. Se arrepentirán toda su vida. Y sin embargo, la sombra de su influencia es alargada, sirviendo aún de inspiración a propuestas como esta. Ecos de neones ochenteros y ‘Drive’ y bien de humo en el vídeo de ’Skeletons’, un correcto medio tiempo de corte electrónico y medio siniestrillo, en el que funciona incluso la afectada interpretación de Dihaj. Los ensayos prometen una puesta en escena vistosa. Clasificación segura de nuevo para Azerbaiyán, uno de los países más fans del festival (tanto que a veces hasta se les ha ido un poquito la olla por el camino).

Bélgica

Uno de los países que mejor ha tomado nota de la moda imperante en las radios (de hace 1 año o 2) vuelve a ser Bélgica. Esta vez envían a Blanche con una canción llamada ‘City Lights’ que se mueve entre los patrones estéticos de Alan Walker, los melódicos de Avicii y la sobriedad de Lorde. Entretenido y bastante sutil. Una pena que las críticas a los ensayos estén siendo pésimas. Podría quedarse por el camino tras semanas estando entre las favoritas… en una nueva parte del Día de la Marmota. We LOVE Kate Ryan.

Dinamarca

También un eco a radio 2015, pero bastante lejano, solo presente en la base musical, tiene la canción de la danesa Anja. ‘Where I Am’ es, por encima de modas, un medio tiempo cuyo encanto se ha depositado al 95% en la miniexplosión del estribillo y el grito de turno. Agradable como el té verde de media tarde. ¿Me he tomado ya el segundo o se me ha pasado?

Francia

Francia va aproximadamente 11ª en las apuestas, lo cual puede significar que quede en el bottom 5. Al país vecino le faltan claramente aliados: no quedan top 5 desde 2002 pese a ir automáticamente a la final y el año pasado solo pudieron ser sextos con el temazo de Amir, que tardarán años en superar. Este año ‘Requiem’, que ha tenido que introducir frases en inglés para poder competir (se ha descubierto que la canción es más vieja de lo que permitían las normas), mezcla los ritmos del belga Stromae con el pop de una Alizée, mientras el vídeo muestra un tango y lugares típicos de París. ¿Solo falta algo tipo Los Del Río para que aquí haya más mejunje que en el cartel del SanSan o esto es justo lo que se busca en Eurovisión? ¿Habrán aprendido algo de su fallida puesta en escena del año pasado?

Grecia

Grecia se consolida una vez más como uno de los países más ambiciosos con esta princesa Disney de rojo sobre fondo gris que ve transformada su aburridilla balada en un número de dance antiguamente llamado poligonero que une a negros y blancos, jóvenes y gente de mediada edad. Que se quite de en medio Benetton. ‘This Is Love’ se llama la propuesta por la paz mundial de Demy, por si a alguien no le había quedado claro. Atención al final, ultra Dido circa ‘Take My Hand’.

Estonia

El espíritu de Modern Talking sigue vivo en cadencia en Eurovisión a través de la parejita de Estonia. O si no atentos al minuto 0.45. Ellos son Koit Toome y Laura (así a secas) y acuden con un medio tiempo llamado ‘Verona’ que ha calado por razones que son totalmente “classified”. La melodía no da más volantazos porque, debido a las normas del festival, no puede durar ni un segundillo más.

Finlandia

Entre las baladas con más posibilidades, la finesa. Norma John tiene un timbre parecido a Jennifer Rush, ‘Blackbird’ tiene cierto eco en sonoridades a la Enya más oscura, pero a su vez la canción es apta para seguidores de Céline Dion. Parece que la puesta en escena, al piano, no será estridente ni hortera y en su minimalismo puede estar su virtud.

Países Bajos

O’G3NE es un trío formado por 3 hermanas (2 de ellas gemelas) con bastante fuerza visual. Una pena que nadie les enviara un simpático enlace a Spotify con el disco de HAIM a tiempo para presentarse a Eurovisión. «Mejor imitemos a The Corrs, que son las que lo petan ahora mismo», parecen decir. Lucharán por clasificarse en la segunda semifinal.

Clap Your Hands Say Yeah / The Tourist

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thetouristAlec Ounsworth se ha quedado solo tras los mandos de Clap Your Hands Say Yeah, pero lejos de suponer esto una desventaja para su nuevo disco, que Ounsworth compuso durante un periodo oscuro de su vida, ‘The Tourist’ contiene varios buenos temas y un laborioso cuidado estético que remite a los tiempos de su celebrado álbum debut homónimo. Ounsworth abre ‘The Tourist’ con una de las mejores canciones de su carrera, una ‘The Pilot’ que eleva su fórmula de indie rock clásico a través de unas armonías tan celestiales como su ascenso melódico, mientras ‘Fireproof’ tiene un fondo de pop y funky psicodélico que desemboca en una coda progresiva con guitarras, sintetizadores y maracas que hipnotiza sin que uno se dé cuenta. Por su parte, ‘Better Off’ reúne la peculiar a la par que dramática voz de Alec con una épica nada forzada que buenamente remite a unos Arcade Fire lo-fi y ‘Unfolding Above Celibate Moon’ se sirve de esta estética para elaborar una cuca a la par que extravagante y robusta balada con piano y acordeón. Buenas canciones en ‘The Tourist’, en general, aunque lejos de deslumbrar como los clásico del grupo; canciones que se juntan con otras más discretas (‘Vanity of Trying’), que incluso llegan a pasar desapercibidas (‘Loose Ends’) o a resultar demasiado anacrónicas para su propio bien (¿no son los teclados de ‘Ambulance Chaser’ demasiado The Cure?). En definitiva, otro buen disco de Clap Your Hands Say Yeah que vuelve a no ser mejor que el primero.

Clap Your Hands Say Yeah! actúan el 3 de octubre en Caprichos de Apolo, Barcelona; el 4 de octubre en Valencia; y el 6 de octubre en OchoyMedio, Madrid.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘The Pilot’, ‘Fireproof’, ‘Better Off’, ‘Unfolding Above Celibate Moon’
Te gustará si te gusta: of Montreal, Car Seat Headrest, Mitski
Escúchalo: Spotify

La legendaria Loretta Lynn hospitalizada a causa de un derrame cerebral

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lorettalynnLa legendaria cantautora de country Loretta Lynn, de 85 años de edad, ha sufrido un derrame cerebral, según reporta Rolling Stone. En los últimos días, Lynn había cancelado varios conciertos por circunstancias no especificadas en su momento, y ahora un portavoz de la cantante ha confirmado que ha sufrido un derrame y que está en tratamiento médico, aunque se espera que se recupere totalmente.

Por increíble que parezca dada su avanzada edad, Lynn estaba a pleno rendimiento en su carrera musical. Esta semana comenzaba una gira por Estados Unidos, como anticipo al nuevo disco de estudio que publicará el próximo mes de agosto, titulado ‘Wouldn’t It Be Great’. Se trata de un álbum producido por su hija Patsy y el hijo de Johnny Cash y June Carter Cash, John Carter Cash. Pedigrí country por todas partes.

Y el año pasado Lynn publicó también y junto a este mismo equipo técnico ‘Full Circle’, un disco que recorría su vida en canciones reinterpretadas para la ocasión, y que contaba con colaboraciones de Elvis Costello y Willie Nelson. Se trataba de su primer disco en 12 años, puesto que en 2004 lanzó el gran ‘Van Lear Rose’, una obra compuesta y producida para ella por Jack White.

El eclecticismo casi extremo del primer día de WAM: de Editors a Future Islands pasando por Ojete Calor

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editors-1La primera edición de WAM «We Are Murcia» se ha abierto -tras las actividades de entresemana, con Lidia Damunt, Ana Curra, etc- con una jornada cercana al sold-out, por encima de los 23.000 espectadores. Puede que no lo pareciera a primera vista, pero el cartel se ha caracterizado por una considerable variedad que ha servido como reflejo perfecto (probablemente involuntario) de lo que es a día de hoy lo que antes se llamaba «mundo moderno». Tan pronto te encontrabas cantando a grito pelado una canción de Laura Pausini como en un concierto de Alien Tango, tan pronto te encontrabas bailando una canción vieja de Katy Perry como entonando una nueva de Fangoria. De «dónde está nuestro error sin solución» a «fiesta en el infierno».

Para resumir, un par de imágenes que se han dado. El WAM es ese tipo de festival que evita que coincidan los artistas más populares de los dos escenarios principales (luego hay un tercer escenario con propuestas más minoritarias), presentando sin solapes una actuación detrás de otra en los escenarios enfrentados o incluso en el mismo. ¿Esto a qué ha dado lugar? A sucesiones realmente desternillantes. Mato por ver la cara de Editors escuchando a Fangoria esperando a que acabaran, o la de The Magician esperando a que acabara Ojete Calor. Fotos: Javier Rosa (WAM)

La organización tuvo la ocurrencia de programar a los locales Viva Suecia, una semana después de que estos abarrotaran el Ochoymedio de Madrid, de día. Claro que al menos no tuvieron que salir a las seis de la tarde como Los Enemigos. Es normal que el grupo murciano llene ya recintos con capacidad para 1000 personas, porque su sonido aunque noise pop es asequible -y casi de hecho limpio- y cuentan cada vez con más hits: de momento 4 o 5 seguros. El cantante reivindicó la escena local de músicos y el orgullo de ser músicos murcianos viviendo en Murcia, después de interpretar uno de los éxitos de la banda, ‘Los Años’. Terminaron con su trío de hits, ‘Permiso o perdón’, ‘Bien por ti’ y ‘Hemos ganado tiempo’. Público numeroso y entregado, aunque esperaba más para tratarse del grupo revelación de moda en el indie nacional y jugando en casa. Quizá fue acertado programarlos a las 19.25 de momento, después de todo.

Pablo und Destruktion presentaba su nuevo disco el mismo día que salía a la venta. Él decía confiar en que alguien hubiera podido escucharlo, lo cual era poco probable teniendo en cuenta que la gente tenía que trabajar, viajar, comer, dedicarse a sus cosas, etcétera. Pero aun así, el concierto no fue menos. Hay una sonoridad brutal en las letras de Pablo, que además cuenta con un vozarrón de lujo que permite seguir sus letras de pe a pa sin problema, y así, entre referencias a puticlubs, extranjeras y citas sobre que no todo en la vida es «comer, follar y viajar», el concierto pasa en un suspiro. Porque tampoco faltaron hits como «Limonov». Él prefiere ser una cosa arisca, medio hippie y ultra auténtica pero en algún lugar hay una superestrella en cuanto se sube a un escenario. Unos minutos antes del concierto de Pablo und Destruktion, Niños Mutantes comenzaban su show frente a ya miles de espectadores, con el público entregado a hits como ‘Hermana mía’ y dedicando la ligera ‘La puerta’ a todos los jefes que nos putean. Ovación asegurada, claro, aunque ojo, ellos a estas alturas también habrán de ser jefes de alguien, ¿no? Muy bonita voz en vivo la de Juan Alberto Martínez.

Sensaciones encontradas en el concierto de Future Islands, aparentes cabezas de cartel. Por un lado, el grupo tiene una personalidad arrolladora, y no solo por su líder Samuel T. Herring, uno de los más queridos de la actualidad: por ejemplo, muchas de las líneas de teclado son una verdadera chulada. Por otro, estas deberían tener mucho más protagonismo en lugar de los excesivos e histriónicos carraspeos/quiebros de la voz de Sam, que son demasiados y hacen imposible seguir las letras a diferencia de lo que se acababa de disfrutar con Pablo und Destruktion. Paradójicamente, entre todo el teatro, el show de Future Islands termina tendiendo a lo uniforme, a lo que no ayuda que el público generalista no pueda precisamente mencionar 10 canciones suyas. Con todo, un concierto entrañable (también esos fans que se saben todas sus canciones y emulan los bailes de Sam) y carismático, asistido por unas elegantes proyecciones en blanco y negro en contraste con la camisa roja de Samuel, que solo se sacó de dentro del pantalón cuando llegó ‘Seasons’. ¿Lo mejor? Los bailes del cantante, de la tradición rusa a las sentadillas en todas sus formas, pasando por los movimientos sensuales de culo de espaldas al público. A la próxima (este sábado en Apolo con sold-out), que le pongan una pole bar.

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En contraste con lo que se oía en los distintos escenarios del WAM a la hora de la cena (Belako, Future Thieves), hay que mencionar que Venga Monjas pinchaban en la zona VIP canciones como ‘Halo’, ‘Firework’, ‘HDA’, ‘Hooked On a Feeling’ o ‘Wannabe’. Y triunfaron.

Una vez asumido que White Lies ya no están en la primera línea del rock, la verdad es que ofrecieron un concierto equilibrado entre sintetizadores a lo Killers y guitarras y bajo a lo Joy Division. El cantante no paró de mostrar cara de sufrimiento en ningún momento del concierto (no hubo problemas de sonido, es imperativo de las letras), y quizá eso explique el gran número de camisetas que se vieron de White Lies a lo largo de toda la noche. El emo, el post-punk, el neorromantico nunca morirá no matter what.

Debido a la cancelación de Joe Crepúsculo por motivos personales, actuaban en sustitución Las Chillers. Era un acierto absoluto de la organización llamarlas para que hicieran sus versiones de Rocío Jurado, Camela, Laura Pausini, Mecano, Mónica Naranjo… todo ello además con un humor y un tipo de público muy parecido a Crepus. Grande la adaptación de Diva Internacional «Viva Getafe, viva Coslada, Fuenlabrada» y grande el final de ‘Como yo te amo’: «Gracias a Rocío. A Ortega Cano no». El domingo por la mañana, más: vuelven a tocar.

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Fangoria, fácilmente el grupo con mejor repertorio de todo el festival, sin exagerar y con diferencia, salió a lo grande con hits como ‘Rey del glam’ y ‘Ni tú ni nadie’ (con ‘El cementerio de mis sueños’ entre ambas). Después inmediatamente ya sacaron las habituales ‘Iluminados’ y ‘Disco Sally’ en una versión extendida ad eternum con bailarines. En contra, un bombo que rebotaba en el fondo de la provincia, a millas de distancia y en nuestros corazones. Muy duras subidas y bajadas de volumen que se olvidaban con un poco de fuerza de voluntad, más que nada porque el concierto de Fangoria no coincidía con absolutamente nada más. Y hubo recompensa para quien aguantase, porque el repertorio fue excelente con temas que no suelen tocar como ‘A quién le importa’ y ‘No sé qué me das’, y otros recientes infalibles, como ‘Geometría polisentimental’, ‘Dramas y comedias’ y como cierre definitivo ‘Fiesta en el infierno’. ‘Life on Mars’ de Bowie hizo las veces de outro.

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Alien Tango, entre bromas hablando en inglés sobre su origen suizo, o las canciones dedicadas a sus hijos, hicieron una buena presentación de su sonido 70s de estructuras cambiantes, que podríamos emparentar con los últimos MGMT o los últimos Foxygen. Y aun así, hubo sus momentos de funky-disco. En una noche de considerable variedad, no era muy apetecible ver un concierto de Editors tres horas después de uno de White Lies y a las 3 de la mañana, pero la verdad es que los autores de ‘Eat Raw Meat = Blood Drool’ estuvieron algo mejor, con un Tom Smith totalmente magnético y con un sonido heterogéneo que tiró de pianos, efectos electrónicos, crescendos y clásicos punteos indie-rock. Recapacitemos: hay que agradecer que sigan mirando a Depeche y no a Coldplay.

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Ojete Calor saltaban al escenario casi a las 4 de la mañana y una semana antes de Eurovisión, con una versión de Sergio Dalma de ‘Bailar pegados’, que no ha estado nada mal por lo que ha tenido de inesperado. Después, han ido tocando canciones de su repertorio y alguna adaptación tipo Gala, dejando sus hits ‘Viejoven’ y ‘Tonta Gilipó’ para la parte final. No son lo más sofisticado sobre la faz, pero si alguien se preguntaba si hacen reír y bailar a gente de diferentes generaciones en un festival, la respuesta es sí. A su término, The Magician comenzó pinchando a Drake, como para retener al público más pop, pero esto no es Estados Unidos y finalmente lo que le funcionó fue una muy solvente sesión de ritmo techno-house como las que terminan levantando al público del FIB. No es de extrañar que sea habitual de salas como Razzmatazz.

Perfume Genius: «Me avergüenza sentirme atraído por la masculinidad tradicional»

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Perfume Genius - No ShapeMike Hadreas está en Madrid en medio de la promoción de su nuevo disco, que sale a la venta hoy 5 de mayo. Llego prácticamente con el tiempo justo, el anterior periodista se ha marchado ya, así que comenzamos la conversación mientras yo me quito la chaqueta y preparo todos los artilugios necesarios para grabar la entrevista. Comenzamos rompiendo el hielo hablando de lo perruno: he leído en un reciente reportaje en The Fader que Hadreas posee un can, así que le pregunto si prefiere estar de gira o acariciando a su perrete en casa. Sonríe de una forma extraña -cuando Mike sonríe lo hace con toda la cara, boca, ojos e incluso orejas-, y su gesto deja un poso de melancolía, del hogar lejano y distante. “No, la verdad es que estoy muy contento de estar de promo. Tenía muchas ganas de lanzar este disco, y a mi perro lo he acariciado mucho estos últimos meses”.

Siento que no puedo comenzar esta entrevista sin hablar de la situación de la comunidad LGTBQ alrededor del mundo (la entrevista se realizó el 15 de marzo de 2017, ni siquiera teníamos idea de lo que pasaba en Chechenia); especialmente en tu país ahora mismo. ¿Cómo ves la situación, cuáles son tus preocupaciones?
Estoy muy preocupado. Es terrible, es difícil decir algo… (medita unos segundos). Y esto es tan solo el comienzo. Si lo piensas demasiado puede que termines aterrorizado, a veces es difícil continuar con tu vida y, al mismo tiempo, luchar por lo que crees.

¿Te has unido a alguno de los movimientos de protesta, al movimiento feminista, al movimiento queer…?
Ya soy parte de estos movimientos, pero sí es verdad que actualmente siento que es más importante que esté presente en sus manifestaciones o apariciones públicas.

«Mi vida nunca ha tenido un propósito concreto, y sin embargo ahora siento que necesito ser más específico en mis letras, y más honesto con respecto a mi sexualidad»

Cuando hablamos de la comunidad LGTBQ, especialmente en nuestra generación, siento que tenemos una falta total de modelos a seguir. Al final, hay solo un pequeño número de cantantes gays que están vivos y fuera del armario, como comunidad todavía estamos construyendo esa identidad. ¿Te ves a ti mismo como un modelo a seguir?
En cierto modo sí, lo intento (ríe tímidamente). Siento muchísima responsabilidad. Mi vida nunca ha tenido un propósito concreto, y sin embargo ahora siento que necesito ser más específico en mis letras, y más honesto con respecto a mi sexualidad para que esto de algún modo se refleje en mi música. Porque mientras crecía no tenía ningún sitio a dónde mirar y sentirme identificado al 100% con mis experiencias.

Ser gay puede ser algo muy solitario, especialmente cuando creces. Obviamente es todo relativo, pero yo me sentí solo. Yo ya era delgado, extraño, y eso solo me hizo sentir todavía más apartado. Tenía la sensación de que simplemente añadía más mierda a mi situación según crecía, así que terminé mirando hacia la música y eso me ayudó a encontrar refugio, a encontrar un acompañante, incluso si no era físico.

Todas estas preguntas vienen porque he estado leyendo tu… ¿entrevista? ¿reportaje? No sé cómo describirlo en The Fader.
(Ríe) Oh, sí, es bastante largo.

Parece como si el periodista hubiese estado viviendo contigo durante unos días, de hecho.
Estuvo con nosotros solo dos días, pero fue muy observador y ¡madre mía! No me corté un pelo. Se fijó en cada detalle.

En un momento de la entrevista decías que recibes mensajes a través de las redes sociales de jóvenes que tienen problemas para salir del armario, y me preguntaba qué les dices, cómo les respondes.
No les doy consejo, es más una cuestión de decirles que estoy ahí, que les estoy escuchando. Eso era lo que quería yo, contarle algo a alguien y que lo entendiera.

También me gusta saber que alguien tan famoso como tú puede tener una relación tan cercana con sus fans.
Tío, lo intento, pero no soy tan bueno como lo era hace unos años.

Estoy seguro de que tu carga de trabajo ha aumentado.
Sí, y además hay también gente que contacta conmigo con diversos motivos, un tanto más extraños (ríe). Hay muchos mensajes contándome historias, pero hay muchos más que dicen “qué camisa tan bonita, ¿dónde la has comprado?».

«Mi música ha venido como parte del proceso de estar sobrio. Cuando me drogaba mi mundo era muy pequeño. Así que cuando paré, mi vida se inundó de cosas en las que no había pensado»

¿Crees que las drogas -o si lo prefieres, la ausencia de ellas- te han ayudado a hacer música? ¿O la música te ha ayudado con el proceso de rehabilitación?
(Medita unos segundos) No. Mi música ha venido como parte del proceso de estar sobrio. Cuando me drogaba mi mundo era muy pequeño. Así que cuando paré, mi vida se inundó de cosas en las que no había pensado, de problemas a los que no había prestado atención. La música me ayudó a procesarlo, a resolverlo. Definitivamente, recomiendo que si alguien tiene un problema con las drogas, trate de desengancharse. Yo de algún modo sabía que iba a ser un drogadicto desde joven. Era una persona triste, artística, y sabes que vas a terminar ahí de algún modo. Hay algo de glamour al respecto.

Sí, como una especie de “modo de vida bohemio”.
Exacto. Yo tenía eso en mi mente. Pero la experiencia fue bastante diferente. No creaba nada, no hacía nada. Al principio era divertido, y no estoy en contra de las drogas, pero yo no puedo controlarlas. Así que desde que estoy sobrio la música ha sido un motivo más para estarlo, porque tengo algo que decir.

Grabaste tu primer álbum, ‘Learning’, en una habitación en casa de tu madre. ¿Preveías de algún modo llegar a donde estás ahora? ¿O era solo una forma de quitarte toda esa mierda de encima?
Quería quitarme la mierda de encima. Y al mismo tiempo compartir algo con mis amigos, tenía muchos amigos músicos y quería demostrarles que yo también podía hacer algo. Es radicalmente diferente de cómo trabajo ahora.

En tus dos últimos álbumes has pasado del piano a melodías más ricas. ¿Por qué?
Lo que quería era ir más lejos. Para este disco había escrito muchas cosas que eran similares al anterior, pero no me resultaban inspiradoras, quería ir más allá, ver la música desde diferentes ángulos. Siento que mi música no es buena si cuando la toco estoy a gusto, si no siento que está un poco por encima de mis capacidades.

Yo diría que ‘No Shape’ es difícil de encapsular en un solo género musical, porque tiene un millón de cosas diferentes. ¿Cómo se lo describirías a quien no ha tenido la oportunidad de escucharlo aún?
No tengo ni la más remota idea, de hecho lo estoy pasando fatal cuando la gente me pregunta. En los dos primeros podía decir “sí, es un poco folk, es oscuro, es triste…”. Pero en los dos últimos no tengo ni idea. Es verdad que eso mola bastante, pero me gustaría tener palabras para describirlo y no las tengo, especialmente con este último.

Es precisamente por eso por lo que tengo interés en saber cómo sonaban las primeras maquetas, cómo ha sido el proceso creativo de ‘No Shape’.
Yo escribo mientras grabo, así es como hago mis letras. Ha sido diferente esta vez porque yo quería que la música estuviese hecha en estudio, así que yo tenía las armonías, las melodías y los acordes para empezar. Toco el piano, pero de forma muy limitada, solo aprendí durante unos cuantos años y no sé solfeo, lo que quería era que los músicos se volviesen locos durante las canciones y ver qué sucedía. También Blake (por Blake Mills, productor) escribió mucho, es un guitarrista estupendo, aportó mucha magia a las canciones.

He leído que trabajaste las melodías y la música antes que las letras para este álbum.
Sí. Intentaba hacer algo nuevo, y creo que he utilizado acordes que nunca hubiese utilizado si el proceso hubiese sido el contrario: encajar la música en las letras. No sé si lo volveré a hacer, porque ha sido muy difícil, me he tirado semanas enteras escribiendo las canciones, y eso que algunas son muy sencillas.

He notado que las letras son quizá más complicadas de entender que en otros álbumes. Especialmente para quienes el inglés no es nuestra lengua materna.
Es un poco más poético. Yo escribo de cómo me siento en el momento, y eso puede hacerlo más complicado. Utilizo muchos nombres más que contar una historia, y al mismo tiempo son cosas que están en torno a mí, dentro de mí. Ha sido algo que me ha preocupado un poco mientras escribía, por si la gente no lo entendía o no conectaba.

La música es más animada, pero las letras definitivamente no lo son. ¿Buscabas un contraste?
¡Justo! Me encanta engañar a la gente (ríe). Algunas de las canciones, mientras las escribía, decía “esto es una canción de pop”. Y luego las grababa de algún modo un poco jodido, para que la gente cuando las escuchara viera una melodía accesible, pero unas letras desgarradoras.

Hablaba de ello porque ‘Choir’ es bastante gótica, es como estar en misa, y luego ‘Wreath’ es mucho más movida, es como una canción de pop, algo que pueden poner en la radio…
(Interrumpe) ¡Sí, por favor! Me encanta la música pop, y cuando me compro un disco suelo escuchar las canciones más pop. He pensado mucho más en la estructura de mi música esta vez, en los puentes, en los estribillos… Mucho más que en discos anteriores.

¿Crees que esto va a hacer tu música más accesible?
¡Eso espero! No es algo que haya buscado a conciencia, pero lo espero.

«‘Run Me Through’ es una canción que yo escribí sobre la masculinidad tradicional, y cómo me siento atraído hacia ella… y cómo eso me resulta vergonzoso porque me considero una persona progresista»

Hay dos canciones que creo que hablan sobre rendirse, sobre entregarse a otro por completo, ‘Run Me Through’ y ‘Die 4 You’. ¿Crees que rendirse, entregarse al otro por completo es el único modo de amar?
No, es que me gusta ser muy dramático. Es un tema recurrente, escribo mucho sobre anularte a ti mismo y entregarte a otro. En parte porque es algo extremo, y me inspira a escribir. Luego algunas canciones las canto, o las reescucho y me resultan complicadas, embarazosas. ‘Run Me Through’ por ejemplo es una canción que yo escribí sobre la masculinidad tradicional, y cómo me siento atraído hacia ella… y cómo eso me resulta vergonzoso porque me considero una persona progresista, así que me resulta despreciable estar atraído por esa masculinidad tóxica de mierda.

Actualmente hay un movimiento, todavía pequeño, en el mundo gay que busca precisamente alejarse de la masculinidad tóxica que nos ha estado oprimiendo durante los últimos años. Hemos pensado que siendo más masculinos evitábamos ser acosados, así que entiendo por completo tu punto de vista.
Exacto.

Mirando las redes sociales, hay una cierta representación de nuestras vidas como modelos de felicidad inmaculada. Y sin embargo, tú tienes bastante éxito hablando del daño, del horror, de cosas que te han pasado que son muy duras. Lo encuentro muy interesante, ¿qué opinas, que las redes sociales son un espejo que muestra solo lo que queremos mostrar, mientras nos sentimos deprimidos por dentro?
(Rompe a carcajadas) Es precisamente lo que opino.

Sí, me he contestado a mí mismo.
Incluso si realmente miras las cuentas de Instagram de hombres perfectos, con cuerpos perfectos, si les miras detenidamente hay algo ahí, detrás de los ojos. Hay inseguridades, desesperación, a veces no es ni siquiera difícil de ver. Incluso yo en Instagram intento aparecer bien. (Hace un gesto como de hacerse un selfie mientras posa de diferentes maneras).

A veces leo tus letras, de este último disco y de otros anteriores y tengo la sensación de que no crees merecer las cosas buenas que te han pasado todos estos años. ¿Estás esperando que la vida vuelva a arrebatártelo todo?
Creo que para que me sucedan cosas buenas necesito ser bueno. Hacer deporte, meditar, comer bien, tener buenas prácticas espirituales… Hay muchas cosas que tengo que hacer antes de que Dios, o el universo permita que me pasen cosas buenas. Especialmente en estos últimos meses, que me han pasado muchas cosas buenas, y a veces me siento como un troll. Pero lo intento, y lo llevo intentando mucho tiempo. No soy perfecto, pero tengo esta versión de mí mismo en mi cabeza a la que quiero llegar, aunque nunca lo consigo, y nunca lo haré, así que quizá debería relajarme.

No creo que nunca ninguno consigamos ser esa persona perfecta que tenemos en la cabeza.
Parte de eso es culpa de que, cuando crecemos, nos enseñan que debemos ser humildes, que somos malas personas si esperamos que nos pasen cosas buenas, que tenemos que ganárnoslas. No soy religioso, pero es este pasado cristiano que tenemos. Hay cosas buenas en ello, pero la contrapartida es terrible.

En una entrevista anterior con JENESAISPOP comentabas, refiriéndote a ‘I’m A Mother’ que estabas pensando en ser padre. ¿Has hecho algún progreso en ello?
¿En ser padre?

Sí.
En cierto modo (reflexiona) creo que es fruto de que, mientras crecía, veía imposible que me fuera a casar o a tener hijos. No creía que pudiera pasar, y no creo que pase. Es lo mismo que lo que hablábamos antes: tengo que ser esa persona perfecta que hay en mi cabeza antes de hacerme cargo de otro. Y nunca habrá un momento perfecto, en el que esté preparado para ser padre, no creo que nadie llegue a ese momento nunca.

Mi novio está más interesado en eso que yo, que al mismo tiempo me seduce la idea de no tener hijos, de vivir en la ciudad para siempre, viajar… No hay una forma buena o mala de vivir. Luego veo amigos que tienen hijos, que al minuto de tenerlos simplemente dejan ir ese estilo de vida y no supone un suplicio para ellos. Pero ese es mi miedo, que me pase como si me comprara cinco chihuahuas ahora mismo y hablase constantemente de ellos, y mi vida girase solo en torno a ellos. Que mi novio y yo terminásemos hablando de nuestro chihuahua en una cena con nuestros amigos de forma muy seria “oh, ya sabes, está enfermo, ha estado enfermo toda la semana” y entonces pienso “oh, cielos, ¡esto es horrible!”.

Sí, según tienes hijos las conversaciones cambian a colegios, pediatras…
Ya veremos, no lo sé. Mi vida es muy diferente a lo que era hace cinco años, así que igual dentro de otros cinco tengo diez hijos.

¿Vas a competir con Madonna?
Sí. Y también quiero su acento británico de mentira. Me imagino a mí mismo en eso, ¡te lo juro! Lo haría si pasase un par de años viviendo en el Reino Unido. Lady Gaga hace lo mismo y estoy obsesionado.

«Imagínate que alguien le dijera a un heterosexual «deja de cantar sobre mujeres» o «deja de cantar sobre algo que amas». Hay gente que está jodida, que no entiende nada.»

También en esa entrevista hablabas de que hay gente que te dice que no escribas sobre “temas gays”. Y me pregunto cómo alguien puede sentirse con derecho a decir algo así cuando no se lo dirían a un cantante heterosexual.
Imagínate… “deja de cantar sobre mujeres” o “deja de cantar sobre algo que amas”. Hay gente que está jodida, que no entiende nada. Solo son capaces de comprender sus propias experiencias. Y ahora la gente me preguntará que por qué no soy más directo. Es todo relativo a las tendencias. Hace un par de años era “todo el mundo en contra del bullying” y hace un tiempo que ya no he escuchado hablar más del tema.

Algunas de tus canciones son muy personales, me preguntaba si alguna vez has tenido problemas para interpretarlas en directo, porque algunas son muy difíciles.
Sí, claro, me ha pasado (medita un buen rato). Pero no soy una persona muy emocional con mis propias cosas. Lo soy a veces con películas, con canciones de otros. Pero de algún modo cuando canto sobre mi propia experiencia, aunque sea muy trágica, es catártico, me permite dejarlo ir.

No puedo finalizar esta entrevista sin preguntarte sobre tu colaboración con Christine & The Queens. Cómo sucedió, cómo surgió, cómo lo decidisteis…
Soy un gran fan suyo. Me escribió, y yo no la conocía. Me escribió y me preguntó si quería colaborar con ella, y entonces vi todos sus vídeos, conecté inmediatamente. Me encanta porque es muy ambiciosa, pero no sacrifica su mensaje. Nos apasionan las mismas cosas, usamos la música del mismo modo, así que estoy muy agradecido de haber colaborado con ella.

Ready for the Weekend: Haim, LCD Soundsystem, Slowdive, TLC, !!!, Halsey, Beth Ditto…

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tlc-hatersLas novedades discográficas de la semana vienen marcadas sin duda por el lanzamiento de dos singles muy potentes en el pop internacional: la doble cara A presentada hace unas horas por LCD Soundsystem, primeras muestras de su álbum de regreso (si es que llegaron a irse); y el verdadero single de las tres hermanas Haim, un ‘Want You Back’ que es exactamente lo que cabía esperar de ellas. En cuanto a álbumes, sin duda destacan el primer disco en décadas de los veteranos shoegazers Slowdive, y el nuevo álbum del siempre interesante Mike Hadreas, Perfume Genius, con el que teníamos una extensa charla hace días, plasmada en esta entrevista.

Junto a estos, también cabe reseñar los nuevos álbumes de Blondie, At The Drive-In, Kasabian, Mac DeMarco, Natalia Lafourcade, The Afghan Whigs, Juana Molina, Nite Jewel, Pablo Und Destruktion, Pond, The Primitives, el islandés Ásgeir, Mishima, Black Lips, Moon Duo, Day Wave o Diana Krall. También hemos querido destacar los discos de artistas menos conocidos, de momento, como Ruth B. (ganadora del Juno 2017 a la artista revelación), el dúo de interesante rap-punk Ho99o9 y el debut de Apartamentos Acapulco, auspiciados en el sello de Los Planetas. Hay nuevos EPs, por otra parte, de Animal Collective y el primero de Summer Spree, renovado proyecto de Álvaro Muñoz (Tarik y la Fábrica de Colores).

En el apartado de singles y adelantos de próximos LPs, esta semana estrenábamos nuevas canciones de The New Raemon, Modern Cosmology y Mow, además de los de Paramore, Niall Horan, Grizzly Bear, Black Grape y Die Antwoord. Junto a ellos, hay nuevos avances de TLC, Halsey, !!!, Beth Ditto, Flume (con un tema solo disponible en vinilo hasta ahora), Kele Okereke, Sexy Zebras, Rancid, Iseo & Dodosound, Jay-Jay Johanson, Lil Yachty, dvsn, Galantis, ZHU, Charlie Fink (el que fuera líder de Noah and The Whale), y Harry Styles. Destacamos, además, un curioso single conjunto entre los británicos Toy y Rose Elinor Dougall, dos temas inusitadamente acústicos, y el regreso de la tecno-rumba de Camela, por qué no.

Nicolá Cruz: «Las remezclas de ‘Cantos de visión’ son la representación sónica de una experiencia con enteógenos»

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nicolaLa música de Nicolá Cruz es especial. El ecuatoriano, que ha colaborado con Nicolas Jaar, fusiona ritmos de baile elegantes con sonidos procedentes de la tradición andina, lo que da lugar a una música hipnótica en la que futurismo y pasado ancestral se funden en un profundo abrazo. Hablamos con Cruz sobre su último EP, ‘Cantos de visión’, que presenta este 6 de mayo en The Loft de Razzmatazz en Barcelona. El 11 de mayo estará en La Noche del Jaguar (Joy Eslava, Madrid).

Próximamente actuarás en las Noches del Jaguar de Madrid, una fiesta de «global disco» que reúne artistas especializados en fusión. Qué opinión te merecen términos como «world music» o «música exótica»?
No le presto mucha atención a las categorías últimamente, me he desligado un poco de eso.

Este mes de enero has lanzado nuevo EP, ‘Cantos de visión’. Me gustaría, en primer lugar, preguntarte por su portada. ¿Quién la ha diseñado, quién es la persona que aparece, qué has intentado expresar con ella?
La portada la diseñó Ventral is Golden, quien se encarga de hacer todo el concepto y diseño de Multi Culti. La idea era expresar los «cantos de visión» de alguna manera futurista, simbólica, en collage, al estilo que la disquera ha mantenido durante este tiempo. Fue la propia interpretación de Ventral y me gustó. Intentamos que el personaje de la portada no perteneciera a ninguna etnia, más bien que fuera más de carácter global.

Tu música fusiona electrónica con sonoridades de los Andes y el Amazonas. Para quien no esté familiarizado con los estilos andinos, ¿qué sonidos exactamente has explorado en ‘Cantos de visión’?
‘Cantos de visión’ explora un poco más la selva, más que la montaña. Marimbas selváticas, samples de flautas, pedazos de voces; la idea estética fue recrear justamente este espacio, a diferencia de ‘Prender el alma’, que se enfoca mas en el frío de la montaña, en la neblina, en las quenas, charangos…

‘Bruxo’ tiene unas percusiones muy atractivas. ¿Cuál es tu relación con el ritmo y cómo abordas su fusión con los beats electrónicos de manera que tu música mantenga su sensación «orgánica»?
Desde siempre toqué la percusión, por ahí inicié mi instrucción musical, de modo que tiendo a abordar mis composiciones desde un aspecto rítmico. El ritmo en ‘Bruxo’ es un mapale, que crea una especie de mantra, muy destinado al baile. Nunca le pensé mucho el tema de lo orgánico, sin embargo resulta de esa manera; pienso que es la idea de tratar mi música analógicamente.

¿Qué aprendiste durante la creación de ‘Prender el alma’, tu primer disco, que has aplicado en la creación de ‘Cantos de visión’?
‘Prender el alma’ se creó cuando finalmente aprendí a conceptualizar arte, parte muy importante de un grupo de composiciones a mi forma de ver. De igual manera, me quedé contento con el resultado de ‘Cantos de visión’, poder bajar todas estas imágenes e ideas a música. Aparte de seguir indagando más profundo en el mundo del diseño de sonido.

Recientemente has reeditado ‘Cantos de visión’ con remezclas de varios productores. ¿Cómo ha sido el proceso de creación de ‘Visiones’? ¿Qué «visión» nueva has buscado otorgarle a estas canciones?
Cuando decido hacer remixes de mis temas, me gusta curar personalmente el proyecto, es decir, yo mismo me encargo de acercarme a distintos compositores que de alguna forma me mueven al momento y ver si se animan a colaborar. Me gustó mucho el resultado, me encanta que exista este lado B llamado ‘Visiones’, como pequeños delirios de lo que es el viaje principal de ‘Cantos de visión’: una representación sónica de una experiencia con enteógenos.

Este sábado actúas en The Loft de Razzmatazz. ¿Qué podemos esperar de tu actuación?
Será mi segundo directo en la ciudad de Barcelona después de un año casi de tocar en Sónar. La idea es traer toda esa experiencia y poder contar una continuación de lo que ya presenté anteriormente.

2012: Lady Gaga entrevista a Julian Assange en Londres

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bild2Pocos imaginan hoy a Lady Gaga accediendo a verse cara a cara con Julian Assange, fundador de WikiLeaks, tras el apoyo incondicional que esta expresó a Hillary Clinton durante su carrera por la presidencia de Estados Unidos (y cuya candidatura WikiLeaks básicamente arruinó con su revelación de los famosos correos electrónicos de Clinton).

Pero la reunión sucedió y Rolling Stone la ha revelado hoy en exclusiva, pues quedó grabada en el documental sobre Assange que se estrena este viernes en Nueva York, ‘Risk’, y que sigue al fundador de WikiLeaks en su objetivo de pedir asilo político en la embajada de Ecuador en Londres. Son seis años de documental y en uno de ellos sucedió este extraño encuentro, concretamente en 2012, cuando Assange se encontraba bajo arresto domiciliario por las acusaciones de violación, abuso sexual y coacción que dos mujeres suecas vertieron contra él en 2010.

El vídeo de la entrevista tiene gracia, aunque no tanto jugo: Gaga pregunta a Assange quién le persigue, a lo que este responde que una variedad de organizaciones en Estados Unidos como el FBI o varios departamentos del ejército americano. «O sea, un puto montón de personas en Estados Unidos», replica Gaga, a lo que Assange añade que también le persiguen instituciones desde Reino Unido y Australia.

Laura Poitras, directora del documental, comenta a Rolling Stone que la visita de Gaga a Assange representa una «divertida ruptura» con la realidad en la que todo el mundo imagina tanto a Assange como a Gaga. «Cuando Gaga pregunta a Assange quién le persigue, lo que se percibe es que esta lista podría ser infinita. Y la verdad es que todas esas organizaciones, agencias y países tienen investigaciones abiertas contra WikiLeaks y Julian».