El nuevo videoclip de Janelle Monáe chorrea tanta lujuria como un squirt con la vejiga llena. A medio camino entre la celebración de la dendrofilia, el “bailesito” sensual y Jesús Gil en un jacuzzi, ‘Lipstick Lover’ narra un sueño húmedo -la atracción de la cantante por una princesa azul que la despierta besándola como en un cuento de hadas- enmarcado en un fiestorro piscinero con espíritu de bacanal romana, spring break lésbico y almendrado Magnum.
El vídeo, lanzado como adelanto del álbum ‘The Age Of Pleasure’, admite una doble lectura: los juegos sexuales del clip como preliminares para la “orgía” musical que se prepara en el nuevo disco de la Monáe, como calentamiento previo para alcanzar el éxtasis cuando lo escuchemos. Hay para todos los gustos: desde el más básico perreo culón al más sofisticado retifismo (lamer zapatos), de miss camiseta mojada a fumarse un puro libidinosamente a lo Sara Montiel.
Todo este catálogo lúbrico y simbología sicalíptica está ilustrada por una estética que remite al cine erótico de los 60 y 70, a las nudie cuties o los loops más o menos porno que se exhibían en los locales neoyorquinos de la calle 42. Peliculitas normalmente rodadas en 8mm o Super-8 cuyo formato se imita en el vídeo con ánimo lúdico, evocador y, claro está, provocador.
Kylie vuelve a ser lo más votado de JNSP con ‘Padam Padam’, que además logra ascender al puesto 23 de las listas británicas. Por el Twitter, se ha llevado el 63% de los votos. Suben también Blur, que acaban de tocar en Primavera Sound: ‘The Narcissist’ es vuestra 2ª canción favorita.
Destaca la buena entrada de Lisasinson con ‘Se me ha muerto una flor’, y entran también Melenas, Sparks, Error 97, La Plata y yavy en una de las semanas más underground que recordamos.
Recycled J ha estrenado este viernes ‘Casanova’, su nuevo álbum, y ‘150 CANCIONES’ forma parte de este. Había sido el gran adelanto del mismo. Este nuevo trabajo es bastante sentimental, tristón. Es la otra cara de Jorge Escorial, nombre del artista. Dos caras que se alimentan una a la otra: sensible y vacilón. ‘PA NO VOLVER’ es una de los temas más tristes del trabajo y nuestra Canción del Día para este sábado.
‘PA NO VOLVER’ es la típica canción de pop que es necesaria en esos días en los que necesitas reafirmarte en tu tristeza. Base con una guitarra y voz melódica. Recy sabe lo que hace cuando saca canciones como esta. Habla de una relación fallida, pero no se puede soltar del todo: «¿Quizás lo nuestro había caducado? /¿O quizás que el ciego no quería ver?».
El título del álbum parece augurar canciones del otro Jorge, que hablen de hazañas amorosas pero desde la chulería. No es así. Quizá ‘CASANOVA’ se refiere más a todos esos amores que podrían haber sido lo que no han sido, que han acabado en canciones de pena.
«Mira el monstruo que has creado / Sin corazón». El artista culpa a ese amor de lo que es ahora. A todos nos ha pasado. No son letras complejas pero hablan de sentimientos cotidianos y eso a veces duele más.
Los comentarios sobre el cuerpo de Lizzo han sido una constante desde que se hizo más popular. El acoso que recibe es incansable. Tras la muerte de Tina Turner, la cantante hizo un tributo en uno de sus conciertos. En Twitter, una youtuber estadounidense llamada Layah Heilpern publicó un vídeo de ese momento en el que comentaba cómo era posible que «sea aún tan gorda con lo mucho que se mueve en el escenario». La cantante de ‘Good as Hell’ respondía al tweet diciendo que era lo primero que había visto al entrar a la red social.
Según NME, Lizzo añadió que ese tipo de comentarios tan repetitivos hacen que odie el mundo y que cada vez esté más cansada de tener que explicarse. No es novedad la actitud tan positiva con la que la cantante lleva el acoso al que es sometida en redes sociales o en medios de comunicación, pero no significa que no le afecte. Habló incluso de que las conversaciones alrededor de su físico han hecho que se haya replanteado dejar la música y desaparecer.
La artista cerró su cuenta en Twitter. Pero antes, añadió que «tiene suficiente dinero como para comprarse una granja y no tener que volver a joder con nadie nunca más».
How is Lizzo still THIS fat when she’s constantly moving this much on stage?! I wonder what she must be eating pic.twitter.com/LjXIa4Rlj6
Hace unas semanas que el rapero JC Reyes era noticia por difundir las fotografías falsificadas de Rosalía. En estas, la cantante había sido retocada y parecía desnuda. Rosalía le respondió hasta en dos ocasiones, pero el reggaetonero no se ha disculpado. Por eso, muchos usuarios en redes sociales esperaban que esta actitud tuviese consecuencias en la industria.
Parece que han llegado. Hace unos días se conocía la noticia de que el Summermax Festival, en Cáceres, le eliminaba de su cartel. Desde el mismo festival nos han confirmado esta información.
Según ha informado la Agencia EFE, el Ayuntamiento de Navalmoral de la Mata (que organizaba el evento) ha descartado a JC Reyes por la publicación de estas fotos. «Somos una administración compuesta por hombres y mujeres que estamos completamente convencidos en la consagración y garantía de los derechos, libertades y de igualdad de género, además de la protección a las mujeres que son o han sido víctimas de violencia de género en todo tipo de ataques machistas», han explicado.
Aunque el rapero era cabeza de cartel, el Summermax ha tomado la decisión y ha anunciado que pronto confirmarán un nuevo artista que sustituirá a JC Reyes. Parece que la estrategia de conseguir publicidad a costa de Rosalía no le ha salido muy bien. El tema en el canal de YouTube del artista es uno de los que menos visitas tiene, 327k.
El cuerpo d una mujer n es propiedad pública, no es una mercancía xa tu estrategia d marketing. Esas fotos estaban editadas y creaste una falsa narrativa alrededor cuando ni t conozco. Existe algo llamado consentimiento y todos a los q os pareció gracioso o plausible espero de…
A James Ford le debemos la producción de muchos discos que no hemos olvidado (‘AM’ de Arctic Monkeys), que nunca olvidaremos (‘What’s Your Pleasure?’ de Jessie Ware) o que sí hemos olvidado un poquito (‘Myths of the Near Future’ de Klaxons, ganador del Mercury Prize). Su excelente trabajo con The Last Shadow Puppets, Florence + the Machine o Foals le ha llevado al Olimpo de la producción musical y hasta leyendas como Depeche Mode o ahora Pet Shop Boys han contado con él. ¿Alguien recuerda que, además de todo esto, Ford es integrante de Simian Mobile Disco?
Curiosamente, el único de todos estos nombres que tiene una mínima relevancia en el contexto de ‘The Hum’ es Simian Mobile Disco: con Jim Shaw, su compañero de dúo, enfermo, y sin posibilidad de salir de gira, Ford ha cogido el toro por los cuernos, se ha construido un estudio en la buhardilla de su casa y ha grabado un disco él solo, sin colaboraciones, con la música que simplemente le “ha salido” de dentro.
Esa música no tiene nada que ver con la de los artistas con los que Ford ha trabajado o con la del grupo que le dio a conocer. En ‘The Hum’ Ford visita directamente otro planeta y él mismo crea la música que le gusta escuchar por placer, cuando no está produciendo a las estrellas, como nos explica en una entrevista: aquí hay mucho de Brian Eno solo o con Robert Fripp, de Can, de Soft Machine, de la escena de Canterbury. Y más cosas hay porque el disco es rico en sonidos e influencias: Ford toca hasta 18 instrumentos en él. Tan personal es ‘The Hum’ que James Ellis Ford lo firma con su nombre completo.
Con un equipo instrumental que incluye diferentes teclados y sintetizadores y otros instrumentos como la flauta, el violoncello, el saxofón tenor, el clarinete bajo, el dulcémele y varios instrumentos vibráfonos parecidos al gong o al cuenco tibetano, además del típico conjunto de guitarra, bajo y batería, Ford entrega un disco que es toda una excursión sonora, además grabada en analógico, que se presta a degustarse poco a poco, y que le sirve para volcar en las letras sus preocupaciones sobre el futuro de la humanidad o la muerte.
El baile de flautas de ‘Pillow Village’, una de las pistas más incluidas por el prog, es uno de los primeros momentos destacados. Pink Floyd son una influencia evidente en ‘I Never Wanted Anything’, aunque quizá ellos no habrían escrito una canción de amor paternal que roza lo cursi cuando Ford canta sobre levantarse y dar de comer a los pájaros porque “a veces no necesitas más que eso”. Si nada de esto parece un lanzamiento de Warp Records, la mejor canción del disco, ‘Squeaky Wheel’, incorpora un dulcimer picado y podría ser de Brian Eno, otra de las grandes influencias del álbum.
El uso de los instrumentos en ‘The Hum’ rara vez es virtuoso (el propio Ford lo reconoce) y él no es un vocalista especialmente dotado, pero lo bueno de ‘The Hum’ es que el viaje nunca cae en el tedio. Ahí aportan mucho las canciones que más sorprenden por sus influencias: ‘The Yips’ se anima con un groove robusto a lo Can y, sobre todo, con una seductora melodía oriental inspirada en el catálogo de Habibi Funk. La mujer de Ford es medio palestina y Ford ha querido dedicarle un momento en el álbum. ‘Caterpillar’, por su lado, es una bestia de funk rock que eleva el disco definitivamente con la entrada de una sorprendente melodía de órgano.
Con piezas más ambientales como el drone de ‘Tape Loop #7’ (todo una alfombra mágica auditiva) o ‘Emptiness’, Ford completa un estupendo trabajo de exploración sonora, uno en el que, con gran sensibilidad, el británico investiga los atípicos sonidos con los que se ha criado. Él cuenta que de niño era un poco «outsider» y que su padre le compró una copia de ‘Bleach’ de Nirvana para que se pusiera un poco al día, pero en ‘The Hum’ a Ford no le hace falta seguir ningún camino más que el suyo propio.
Kendrick Lamar y Baby Keem estrenaban hace un par de días su nueva colaboración, ‘The Hillbillies’. La canción samplea el tema de Bon Iver ‘PDLIF’. El título adelanta el carácter de Lamar y Keem, que son primos, en la letra y videoclip.
Hillbillies hace referencia al calificativo negativo que se usa para denominar a los habitantes de áreas rurales en Estados Unidos. Este adjetivo se refiere también a la serie ‘The Beverly Hillbillies’, en la que se narra la vida de una familia de pueblo que de un día a otro se ve con mucho dinero. De cierta manera, los raperos muestran eso en ‘The Hillbillies’.
La confianza y conexión entre los primos es muy notable a la hora de trabajar. Ya lo habían hecho en temas como ‘Range Brothers’ o ‘Family Ties’. Pero en esta nueva canción ambos juegan con comodidad. Se comparan con Messi y Neymar, se responden el uno al otro vacilándose o incluso con estrofas burlonas: «That’s a deep, deep, deep, deep, deep ocean (That twat) / Shorty say she celibate, I’ma keep hopin’ (And free your mind, she’s not)».
EL videoclip está dirigido por Neal Farmer, que ha trabajado con ambos artistas anteriormente, Miley Cyrus, SZA o Travis Scott. Aun así, el vídeo da las mismas vibes de casero y familiar, el director captó bien la dinámica de Lamar y Keen.
Es perfecto apoyo para la letra, retratando a ambos raperos fardando de riqueza -«I don’t buy much / I buy land, bro»-, de la ropa que visten -«I ain’t even gotta fact check / all I’m wearin’ is Wales Bonner»- o de la vida amorosa que tienen -«But Kendrick know I like irregular girls»-. La canción, sin el apoyo visual, no está completa.
A veces el cartel de Primavera Sound hay que vivirlo para creerlo, y ha sido el caso de la primera jornada de la edición de 2023. Han tocado gigantes como Blur y New Order pero en absoluto subestimaría el acogimiento del Primavera al pop de chicas asiático: Perfume y Red Velvet dieron sendos conciertos que seguiremos recordando en el futuro, por lo que tuvieron de peculiares en este contexto.
Pasadas las 18.00 de la tarde llego al set de Black Country, New Road. Su propuesta es de las que cobran sentido en directo, pues es interesante verles en acción resolver sus laberintos sonoros, dialogando los unos con los otros, el violín con el saxofón, el teclado con la batería, en una especie de cubo de Rubik que se va haciendo y deshaciendo a medida que avanza el concierto. Los británicos cuidan tanto los silencios, los momentos en que voz y piano paran el tiempo, como los desarrollos de post-rock más alocados y desgañitados, con gritos a lo screamo y trompetas yendo a su bola. A Charlie Wayne, el batería, le cae una felicitación por su cumpleaños. Jordi Bardají
Accidentes pasan y me encuentro llegando al recinto más tarde de lo que esperaba. Mis contactos me chivan que mejor no intentarlo con Black Country, New Road en Mordor: a esa hora (las seis de la tarde), y en ese lugar, el público se está derritiendo. Así que optamos por la brisa marina y la sombrita del Dice para Built to Spill. Todo ha vuelto a la normalidad. Tras las marabuntas y padecimientos del año pasado, es un placer llegar a Built to Spill en el Dice recién empezado y acercarse sin problemas. Estamos en el Primavera de siempre.
Yo pensaba que Built to Spill eran un grupo de señores. Esa era la memoria que guardaba de ellos. Eran. Ahora a Doug Martsch líder y alma de la banda, le acompañan una bajista y una batería contundentes, Melanie Radford y Teresa Esguerra. Comienzan con ruidaco, pero enseguida pasan a la psicodelia. Lo llenan todo de alegría pop, y la brisita buena ayuda. Hay alborozo cuando tocan ‘Gonna Lose’, la que abre su último disco. Martsch se muestra como un Wayne Coyne versión sobria. Y algo escaso de voz, pero sospecho que es un efecto buscado. Delante de mí, unos tipos se quejan de su poca interacción con el público. Pero los demás no hemos venido a ver chistes: ¡lo que queremos es que toquen! Amplia celebración y palmas cuando tocan su clásico, ‘Carry the Zero’. Hemos arrancado bien la jornada. Mireia Pería
La faceta clásica (aunque ella es autodidacta) también caracteriza el proyecto de Sudan Archives. Como es sabido, Brittney Denise es violinista y en sus conciertos canta y toca el violín. Por un momento parece que ha programado el Primavera Sound el Palau de la Música de Barcelona. Claro que a Brittney no le dejarían salir en el Palau con bikini y pareo, ni hacer perreo en el suelo, ni buscar ligue para la noche, ni exclamar al público que haga “some motherucking noise”. Y claro, sus canciones no son tan clásicas al fin y al cabo: las bases apuntan al R&B y al hip-pop casi en todo momento.
Porque la de Sudan Archives es una propuesta más atípica de lo que parece: ella sale medio en bolas al escenario, cargada con su violín al hombro y, como si fuera Robin Hood, te asesina con su arco (cuando lo saca de su funda, se oye el efecto de una espada siendo desenfundada). A veces, Brittney agarra el violín como si fuera una metralleta y nos apunta con él como si estuviera a punto de aniquilarnos. Pero sobre todo es ella quien clava la mirada en el público desafiante: no va a permitir que salgamos de allí indiferentes. Y con esta energía se van sucediendo las canciones de su excelente último disco, hasta el punto de que no es una opción irse sin ver el final, por lo que pueda pasar. Sudan Archives baila, perrea, aúlla, toca una canción tradicional irlandesa. El público responde encantado. Jordi Bardají
De leyenda noventera, a leyenda noventera. Al final me salto la misa pagana de Ghost para llegar justita a Come en el Auditori. Un concierto que hubiera pegado más sin duda en el Dice. Porque su letanía de rock alternativo maldito nos dolería aún más en un escenario, de pie, dándonos de cabezazos. Pero no hay queja, suenan tan bien como siempre. Thalia Zedek sigue con su voz fiera y doliente, levemente rasposa. Ella es la gran responsable de la tormenta que se nos viene encima. Cae ‘Let’s Get Lost’. Navegan entre la calma crispada, que rompen con furia. Nos dejamos mecer por los espacios calmos que revientan luego. Y cuando Thalia se queda sola con su punteo de guitarra en ‘Saints Around my Neck’ se nos pone los vellos de punta. Y qué crescendo. Cómo también nos elevas y nos entierran con la traca final: ‘Submerge’, en la que cabalgan furiosos, y la stoogiana ‘Car’. Tremendos. Mireia Pería
Sharon Lopez
Las primeras filas se abarrotan para ver a Red Velvet en acción. Atrás, más bien curiosos del k-pop tratan de comprender el fenómeno. El cuarteto surcoreano realiza un set típico del k-pop, centrado en unas complicadas coreografías que no cesan, pues las chicas solo paran de bailar para hablar y dirigirse a su público, faltas de aliento. De vez en cuando un ejército de bailarinas emerge en el escenario para bailar con ellas y nadie pone en duda que Red Velvet pueda componerse de 10 integrantes, aunque no sea el caso. Una de ellas reconoce que pensaba nadie vendría a verlas: estaba equivocada. Las voces en directo a veces dan en la diana y otras salen disparadas hacia otra dirección, las canciones pueden ser una puta locura en sus mil cambios de ritmo y sonido y solo el remix de SOPHIE nos indica que estamos en el presente, pero, quizá por su peculiaridad, tengo el show de Red Velvet clavado en la retina. Y todavía no han salido Perfume… Jordi Bardají
Moverse de una punta a otra del recinto es una señora excursión, y lleva tiempo. Pillo a Pusha T en el Cupra algo empezado. Me recibe una marea de brazos. Él va con el atuendo casi oficial de los raperos: sencilla camiseta blanca holgada y tejanos, acompañado de un DJ-vocalista que, diríase, pretende robarle el protagonismo. Me decido a bajar y sumergirme mientras suena ‘Santeria’. El público es muy joven y principalmente extranjero. El público grita ¡Pusha! como si fuera un jugador de fútbol. Él se deja querer, nos interpela con chulería, nos busca, no rehuye al público. Nos habla de su familia, nos muestra vídeos y fotos de la suya. En ‘Dreamin’ of The Past’ la gente agita brazos y él consigue conectar, establecer la alegría entre todos. Mireia Pería
Sharon Lopez
Tengo serias reservas sobre el set de PinkPantheress, que ya en su corta carrera se está enfrentando a públicos bastante difíciles que critican su falta de entusiasmo sobre las tablas. Cuando ha ido a verla, claro. Hace poco se viralizó un vídeo de Vicky Beverly Walker tocando en Coachella para cuatro gatos, en plena tarde, y ella contestó aludiendo a una posible retirada de los escenarios: “todas mis actuaciones se suben a internet, creo que me dedicaré a escribir mis cancioncillas cortas, que es para lo que he venido”.
Evidentemente, PinkPantheress no se retirará de los escenarios y hay que decir que tocar por la tarde a pleno sol siempre es más desagradecido que hacerlo por la noche. Su concierto en Primavera está abarrotado y la gente acude a su escenario con muchas ganas de verla. Otra cosa es cómo se traducen las canciones al directo, pues las cápsulas pop de PinkPantheress funcionan porque duran 2 minutos: no tiene sentido extenderlas porque las melodías no son tan dinámicas ni se prestan a estirarse tanto. Esto significa que el set de PinkPantheress se ajusta a las grabaciones originales y que acaba antes de tiempo, con veinte minutos de antelación. Apenas la entrada de ‘Flowers’, el tema en el que se basa ‘Pain’, produce un momento de sorpresa. Ella pide al público que grite alto porque eso le energiza y, además, se muestra encantada de tocar en España por primera vez, concretamente, en el Parc del Fòrum, del que destaca su arquitectura y sus vistas al mar. Ilusiona escuchar en vivo ‘Just for Me’, la joya ‘Passion’ y por supuesto el hit ‘Boy’s a liar’ con Ice Spice es coreado en comunión, pero me quedo con las grabaciones. Jordi Bardají
Warren Jackson
En 2005, New Order dio un concierto tan desastroso en el Primavera Sound que, juraría, leí por algún lado que la organización los tenía vetados. Obviamente, en 2023 parece que sólo me acuerdo yo de eso. New Order es uno de los grupos de mi vida, pero las veces que me he acercado a su directo ha sido bastante decepcionante. Ahora ya no está Peter Hook para adoptar ademanes de estrellona heavy, New Order suenan como los profesionales que son y el día que Stephen Morris deje de ser un batería de 10, mejor irse retirando de la vida. Sin embargo, su show plagado de temazos (el mejor repertorio de la noche, probablemente del festival), se ve lastrado por la escasa voz de Bernard. Él le echa ganas, se le ve animado, y su guitarra sigue siendo tan fantástica como siempre. Sin embargo, a ratos me saca de las canciones, ya caigan ‘Regret’ o ‘Age of Consent’ y creo que toco fondo con ‘Subculture’. Pero el estribillo de ‘Bizarre Love Triangle’ me recupera, por la brutal conexión que se establece entre el público, que canta desgañitado ese “every time I see you falling”. ‘Plastic’ suena fantástica pero, ay, New Order nos devuelven a la sima con una versión malísima de ‘True Faith’. Nada que no pueda arreglar la mejor canción de los 80: ‘Blue Monday’. Espectacular cómo arrancamos al unísono sus primeros versos, aunque al final Bernard le robe los teclados a la jefa Gillian Gilbert, que se lo queda mirando en plan “ah, pues muy bien’. Y aquí llega la parte más emotiva, porque la introducción de ‘Temptation’ no puede molar más, porque Bernard evita el desastre de alguna manera, nos ofrece el micro para que cantemos sus “uh-uh-uh”, la canción se eleva, inmune a todo, su potencial emocionante intocado. Bernard tiene algún poblema con las guitarras antes de atacar ‘Love Will Tear Us Apart’, un tanto descafeinada, pero respetuosa. Han quedado atrás los tiempos es que la cantabancomo si fuera un himno futbolero. Y Bernard la entona con una tristeza que le parece nacer de dentro. Mireia Pería
Eric Pàmies
A Alison Goldfrapp le falla el sonido en los primeros momentos de su set. La distorsión de los bajos es letal: la gente se tiene que tapar los oídos. Su voz se oye a duras penas. Poco a poco el sonido va mejorando, y también la reacción del público. La tralla de ‘Train’ ya suena bien engrasada y con ‘Strict Machine’ y la versión renovada de ‘Ooh La La’ se confirma que la faceta electroclash de Goldfrapp sigue siendo la que mejor se traduce en directo: si entonces decíamos que estaban adelantados a su tiempo, hoy lo constatamos. Las canciones suenan hoy igual de bien que ayer. Por su parte, las de ‘The Love Invention’ aún no han calado de todo entre el público y, aunque el sonido mejora especialmente en ‘So Hard So Hot’, el público lo que canta es ‘Rocket’. Por otro lado, Alison es una diva extraña, elusiva, y de ella brotan pequeños momentos de entusiasmo algo abruptos. “Barcelona!! Yesssss!!!”, exclama en un momento del show con su habitual semblante distante y serio. Jordi Bardají
Eric Pàmies
La confirmación de Perfume es otro de los grandes aciertos de esta edición de Primavera Sound. Una de las girl bands de j-pop más populares desde hace años, el trío no puede ir más a su bola en el mejor de los sentidos. El show se centra totalmente en una coreografías complejas y robóticas, ni un segundo pasa sin que las chicas no se muevan, las coreos de manos (con movimientos intrincados de dedos, manos y muñecas) parecen aún más sofisticadas y ninguna canción se canta en directo. Ellas bailan extremadamente sincronizadas con el vídeo de apoyo, que simplemente proyecta sombras de ellas ejecutando las mismas coreografías, y solo utilizan el micrófono para dirigirse a su público con frases que parecen haber sido programadas por ordenador. “Muchas gracias por venir”, dice una, “esto es un sueño hecho realidad”, expresa otra. El baile no cesa y lo mejor es el contraste entre lo cuquis que son ellas y lo dura que va la música: las bases de electro-pop pueden ser tan modernas y contundentes como las de ‘Body Talk’ de Robyn, con la diferencia que Perfume hicieron antes ese sonido. Jordi Bardají
Vale la pena acercarse brevemente la show de Rema para comprobar que no es tan soso como parece. Al contrario, Rema es un todoterreno sobre el escenario, un artista totalmente entregado a su público, sobre todo a las mujeres, a las que dice «amar» (nos enseña una frase en nigeriano que significa eso mismo); a una enorme sonrisa pegado, y hace gala de un carisma arrollador. Además baila con soltura, aunque a veces deseas que se suelte más, porque su afrobeat se presta a dejarse la piel bailando. Además, lleva algo de escenografía, una tarima colocada en medio del escenario, decorada con flores rojas y un peluche blanco. Digamos que, con poco, es difícil soltar la vista de Rema. Te olvidas que todavía no ha cantado ‘Calm Down’ y que te estás perdiendo a Halsey, a la que me acerco con ganas… Jordi Bardají
… que se me desinflan rápido. Halsey es una de las cabezas de cartel de Primavera Sound, pero parece que no se lo cree del todo. Aún hay un conflicto en su cabeza entre la artista mainstream que es y la artista «alternativa» que también es, simultáneamente. Comenta que ha leído que hay gente (dos personas) que no entiende que actúe en el Primavera porque ella es una «cantante de pop comercial», mientras estoy bastante seguro de que a la gente todo eso le da igual a estas alturas. ¿Sabe que Dua Lipa actuó el año pasado? ¿Sabe que es 2023? El final de su show, metalero, con ‘Closer’ renovada en este estilo, evidentemente no es el que esperas de una «cantante de pop comercial», pero es que Halsey no es la típica «pop act»: su último disco lo ha producido con Nine Inch Nails y es brutal. Su conflicto se hace evidente cuando expone que su repertorio se divide entre sus «hits para la radio» (que no parecen gustarle nada) y los «deep cuts» experimentales y artísticos que sus fans adoran. Por alguna razón tiene que comentarlo, tiene que hacernos saber que ella merece tocar en el Primavera «a pesar de» ser quién es. Pero cuanto más lo comenta, más insegura parece y menos nos interesa lo que tenga que decir sobre su propio lugar en el festival. Halsey se eclipsa a sí misma para mal, pues resulta que como performer es estupenda y se come el escenario. Desde luego se le da mejor actuar que ejercer de teórica cultural: el público del Primavera y el festival mismo parecen más adelantados que ella en la asimilación de que el pop de masas ya tiene cabida -desde hace rato- aquí. Jordi Bardají
Los escenarios Amazon y Ron Brugal van con 25 minutos de retraso por los problemas técnicos que han tenido las japonesas Perfume. Logro escuchar la parte final de Alison Goldfrapp mientras espero a que salga la diosa Kathleen Hanna. El año pasado no pudo venir con Bikini Kill, pero este nos trae su proyecto electroclash Le Tigre, junto a Johanna Fateman y JD Samson. Parece que no hayan pasado prácticamente 20 años desde que sacaron su último disco, ‘This Island’. Un show multicolor, divertido, reivindicativo, con las pantallas llenas de proyecciones fosforitos y con las letras, para que podamos cantar. No pueden molar más, aunque parece que hay algún problema técnico con las voces, la de Kathleen no nos acaba de llegar todo lo fuerte que quisiéramos. Desgranan discursos e himnos feministas como ‘FYR’ o ‘My My Metrocard’. Se reparten las tareas al canto, JD Samson hace de maestre de ceremonias. Hay que recordar que se adelantaron 20 años con su reivindicación de los derechos LGTBI y las personas no binarias. Por eso siguen tan vigentes temas como ‘Lesbian Visibility’, la carga crítica de sus muy bailables canciones. En ‘On Guard’ Kathleen nos advierte contra esa publicidad que te dice qué tipo de mujer has de ser. La gente se va a pillar sitio a Blur, cada vez estamos más holgados, pero los que quedamos somos muy fans. Kathleen nos explica que ella y su hermana fueron las primeras de su familia en ir a la universidad, y que tenemos que compartir los conocimientos adquiridos, antes de cantar uno de sus clásicos, ‘Hot Topic’, homenaje a las que abrieron camino. “Gracias a la gente trans, a todas las mujeres”, nos dice Hanna. “Hay racismo, es un tiempo horrible, también aquí. Nos necesitamos los unos a los otros”, nos recuerda antes de que cierren con el karaoke y locura colectiva que provoca el fabuloso ‘Deceptacon’ y Kathleen acaba saltando a la comba. Punkismo, himnos sincopados, actitud, alegría y lucha. Maravillosas. Mireia Pería
Christian Bertrand
Salir más de veinte minutos tarde sobre el horario previsto hace que nos perdamos media hora de Blur. En 2013 tuve que huir de su concierto porque había demasiada gente y ellos no parecían muy contentos. En 2023 los veo de lujo (a lo que ayuda una magnífica realización en pantallas) y a Blur se les nota felices. No logramos ubicarnos hasta que Graham Coxon está entonando ‘Coffe and TV’. Lo que nos espera es una andanada de hits, a pesar de que leo que han abierto con canción nueva, ‘St. Charles Square’. Pero esta noche es una celebración. Damon sigue teniendo el mismo aspecto de chiquillo travieso, un tanto pasota. Cuando cae ‘End of century’ Blur demuestran que siguen sonando tersos, Damon se entrega al público y yo me olvido de que me duelen los pies. Damon se canta una tonada tradicional antes de arrancar ‘Country House’. Blur sí que consiguen elevar los ánimos. Cantamos, bailamos, Damon está muy gracioso de frontman como de vuelta de todo pero en que en verdad sí que le importamos. ‘Parklife’ es un despiporre. Ellos se divierten, nosotros nos divertimos. Encima ahora tocan ‘To The End’, que es su mejor canción, pero, ay, de golpe se oye fatal, como si melodía y base rítmica se hubiera descuadrado de repente. No da tiempo a preocuparse: empieza ‘Girls & Boys’ y con ella, la locura. Damon se calza su icónica chaqueta noventera y hace conato de enseñar cacho. “¡Se está cambiando más de ropa que Neil Tennant!”, me espeta mi amiga. ‘Song 2’ tampoco se oye bien, pero estamos tan enchufados que nos da igual. Damon pesenta al resto de la banda cantando, se pone al piano a hacer una copilla que se convierte en ‘This Is a Low’ y enloquecen todos los Blur. Para cerrar, los hits bajoneros: ‘Tender’, otra canción nueva, ‘The Narcissist’ y como punto final, la maravillosa ‘The Universal’. Los Blur se despiden muy formalitos y… espera. ¿Damon está llorando? Damon está llorando. Mireia Pería
La serie de The Weeknd pinta mal, pero al menos tenemos su música. Habrá banda sonora -volumen 1 y volumen 2- y uno de los temas que se tenían bien guardados es una colaboración con Madonna y Playboi Carti.
‘Popular’ es una agradable producción de R&B de Metro Boomin y Mike Dean que a los seguidores de Madonna recordará a ‘Hard Candy’ y a los de Abel Tesfaye a los tiempos de Toni Braxton y Aaliyah. Digamos que el R&B con que conocimos a The Weeknd era mucho más oscuro.
Esta canción, con sus detalles de sintetizador, es mucho más luminosa. Recordemos que Michael Jackson es un referente capital para The Weeknd, incluso vocalmente, así que esto también es un consuelo de alguna manera, después de que Madonna fuera excluida de ‘Dangerous’ por cochina.
En cuanto a su letra, ‘Popular’ es una reflexión tan inocua sobre la fama como su producción. “He visto al diablo en cada lugar y en cada rostro”, empieza diciendo Madonna, y ya solo vuelve a aportar una segunda estrofa breve y unos coros inaudibles. Abel nos habla sobre una mujer desesperada por ser famosa que todos identificamos. Playboi Carti sale robotizado contando billetes, quizá los que va a aportar a los 3 amanecer hoy tan bien posicionados en todas las playlists: es la primera vez que escuchamos a Madonna en Today’s Top Hits.
Agradable y prescindible a partes iguales, ‘Popular’ es un tema funcional. Da visibilidad a una serie de HBO que sin música de Tesfaye no sé si mucha gente iba a ver. A Madonna puede devolverla a las listas, al fin, casi sin mover ni un dedo. Y también sale ganando Playboi Carti, ahí donde lo veis en su primer «featuring» en 2 años.
Hoy tenía que salir el nuevo disco de Triángulo de Amor Bizarro, llamado ‘Sed’, pero se ha retrasado al 23 de junio. Es por eso que iba a ser nuestro «Disco de la Semana» pero al final no, ocasión inmejorable para que descubráis la maravilla definitiva publicada por The Lemon Twigs.
Lo que sí sale hoy es el single de «Triángulo». El verdadero pepinaco del disco tras dos adelantos lanzados para despistar, como acostumbran: ‘Estrella antivida’ y ‘Canción de Muerte del Pez Dorado’. En lo sónico, ‘Estrella Solitaria’ no es el tema más representativo de ‘Sed’, pero sí una de sus canciones más pop, en la estela de ‘Baila sumeria’, ‘Barca quemada’ o ‘Vigilantes del espejo’. Es nuestra Canción del Día hoy.
El álbum de Triángulo de Amor Bizarro tiene un concepto casi cerrado, por primera vez. Y ese es la fama. Si en el single principal de su tercer disco, ‘Estrellas místicas’, ya ironizaban sobre su (fría) relación con sus fans, en este álbum reflexionan sobre las estrellas acabadas, sobre la durabilidad de las estrellas del pop, sobre la decadencia… y lo hacen de manera muy diferente a la Rosalía vista en ‘La Fama’ y ‘Motomami’.
Triángulo de Amor Bizarro parodian a los personajes más personajas de la industria musical en algunas canciones del álbum como ‘Cómprate un yate’. En este single retratan a una ex estrella perturbada en su soledad, viendo sus propias viejas películas y sus propios viejos discos. Alguien que ha perdido su público. “¿Para quién cantas si ya no queda casi nadie bailando?”, se pregunta, al tiempo que recuerda los días en que dicha estrella era «casi feliz» porque «casi la querían». Y nótese la insistencia en el «casi».
La tristeza absoluta de esa letra, inspirada abiertamente en películas como ‘El crepúsculo de los dioses’, se alimenta de una nostálgica melodía, que han producido al estilo de los autores de ‘Bizarre Love Triangle’, como en otras contadas ocasiones de su carrera. Es una de esas pocas ocasiones en que el ruido queda de lado en la discografía de TAB.
El vídeo dirigido por Toño Chouza, de excelente factura, retrata al grupo contemplando las estrellas de verdad (las del cielo) y también las de las revistas. En un momento significativo, arden fotos de grupos, y en otros, un cantante muere ahogado en una piscina. Sin duda uno de los vídeos más ricos y cargados de simbología de Triángulo de Amor Bizarro.
Aquí, algunas de las siguientes fechas de conciertos:
23 JUN. TOMAVISTAS, MADRID
08 JUL. L’ESCORXADOR, ELCHE
24-25 AGO. CONTEMPOPRANEA, BADAJOZ
26 AGO. CANELA PARTY, MÁLAGA
08 SEP. PULPOP, ROQUETAS DE MAR, ALMERÍA
21-24 SEP. BARBEIRA SEASON FEST, PONTEVEDRA
07 OCT. AL PORT, CASTELLÓN
Hoy se publican los nuevos discos de Jake Shears (incluye colaboración con Kylie Minogue), Noel Gallagher y sus High Flying Birds, Foo Fighters, Sophie Ellis-Bextor, Ben Folds, Baxter Dury, Beach Fossils, un disco de versiones de folk de Rufus Wainwright y una banda sonora de Bob Dylan. Una pieza de todos ellos aparece en nuestra playlist de novedades semanal READY FOR THE WEEKEND, que tiene casi 6.200 seguidores. ¡Suscríbete!
Hablando de The Weekend, hoy es el día de lanzamiento de la colaboración sorpresa de The Weeknd con Madonna, en la que también aparece Playboi Carti. Entre las superestrellas que lanzan hoy disco también tenemos a Ed Sheeran con la banda sonora de ‘Ted Lasso’, Ty Dolla $ign, Kid Cudi, Dave, Kelly Clarkson con Steve Martin, Bizarrap con Peso Pluma o Tove Lo. Nelly Furtado (o un pitufo que se le parece mucho) aparece en ‘Eat Your Man’ con Dom Dolla, y Dorian Electra nos trae un tema rock.
Recomendamos especialmente los temas de Mura Masa, CMAT, Cate (en la imagen), Silvana Estrada, Ghouljaboy con Myd, Jubël NLE o Easy-S con Selecta Choppa. Entre los temas que pueden convertirse en hit en España, atentos a ‘Los del Espacio’ de LIT killah con Tiago PZK, Maria Becerra, Duki, etcétera, y al de Karol G con Aldo Ranks.
También hay suculentas canciones de artistas nacionales como Tulsa, Mala Rodríguez (con Polimá Westcoast), Pimp Flaco, daniel sabeter, Adiós Amores, Samuraï, Besmaya, Carolina Durante en una versión de Amaral, etcétera.
Por otro lado, continúan adelantando sus próximos discos Grian Chatten o Marinita Precaria. Y quienes acaban de adelantar nuevo álbum son Blonde Redhead, que además estarán actuando en el Primavera Weekender de Benidorm este próximo otoño.
Lewis Capaldi ha actuado este fin de semana en el festival organizado por Radio 1, el Big Weekend. Durante su actuación, el cantante animó al público a corear con él contra Ed Sheeran: «Que te jodan, Ed». Aunque lo dijo entre risas («Ed no está aquí hoy… sí, que te jodan»), el cantante de ‘Photograph’ ha decidido contestarle, vía redes sociales. «Pensaba que éramos amigos, Lewis» le contestaba Ed, acompañado de un insulto censurado en su vídeo de Instagram pero con risas al final y un pie de foto que hace referencia a una de las letras de Capaldi: «I was getting kinda used to being someone you loved».
Muy seria no parece la pelea. Según NME, la «bronca» se remonta a 2022, cuando se hizo pública una anécdota entre ambos. En el programa Elvis Duran and the Morning Show, Lewis Capaldi contó que Ed le había estado ayudando a conseguir casa y le propuso una que acabó comprando. Solo cuando ya era suya se dio cuenta de que era un infierno: olía a cigarros y pies sucios. Sheeran le respondió en el mismo programa días después diciendo que «si le iba a hacer sentir mejor, le compraría la casa». Aunque aseguró que la culpa no era suya, que Capaldi tenía que haber visto la casa antes de comprarla.
Quizá sí que haya cierto resentimiento y actitudes pasivo-agresivas, pero más que beef parece una riña cómica entre dos amigos. Algunos fans en redes sociales han fantaseado incluso con que se trate de una estrategia ante una colaboración de ambos cantantes.
La amistad entre Belén Esteban y Rosalía ha dado para muchas bromas y especulación en redes sociales, nadie sabía como podía haber surgido. Ahora las dudas han quedado resueltas. La colaboradora de Sálvame fue al programa de Club 113, de los youtubers Goorgo, Nil Ojeda y Werlyb, y llega un punto en el que preguntan a Belén quién es la persona más famosa con la que habla y ella, muy tranquila, responde que Rosalía. Explica que la «quiere mucho y es una de las mejores personas que ha conocido».
Esteban cuenta que la amistad, porque es amistad, comenzó cuando ella misma defendió en Sálvame a la cantante de críticas en otro programa televisivo cuando estrenó ‘Malamente’. Para agradecérselo, Rosalía se puso en contacto con ella por Instagram y la invitó a un concierto. Y desde ahí la relación pasó de admiración a cariño.
Belén Esteban, que conoce a la familia y equipo más cercano de la artista, se mostraba muy agradecida. Dice que Rosalía «ha tenido muchísimos detalles con ella». Cosa que no es muy común teniendo en cuenta el nivel de trabajo y relaciones personales que puede llegar a tener una persona como la autora de ‘Motomami’. Lo que está claro, para todos los que han comentado este vídeo en redes sociales, es que la Esteban estará segurísimo en la boda de Rosalía y Rauw.
Los hermanos Brian y Michael D’Addario conforman uno de los grandes grupos revivalistas de nuestra generación. Y no estoy hablando de los que miran al grunge o al drum&bass de los 90, o al eterno synth-pop ochentero: ya tenemos demasiado de eso, pero muchas gracias. The Lemon Twigs se miran en la década de los 60 y los primeros 70. Les gustan aquellos años más incluso que a Adele. De hecho, este cuarto álbum no es una evolución sino más bien una regresión. El componente glam se ha desvanecido de su música, y prevalecen las composiciones que podrían ser de Burt Bacharach o la primera Carole King.
Su nueva gran obra maestra es ‘Corner of My Eye‘. Por si la sola idea de mirar a alguien con el rabillo del ojo no fuera suficientemente retro, en estos tiempos de absoluto descaro, las armonías vocales son las más celestiales que escuchamos, por lo menos, desde el debut de Fleet Foxes. Una constante en este disco que precisamente se llama ‘Everything Harmony’. Atención al final de ‘In My Head’, una canción más indie pop que podrían haber compuesto The La’s o Teenage Fanclub; o al de ‘Every Day Is the Worst Day of My Life’, un tema cuya letra se recrea en su título y poco más, y precisamente por eso resulta tan cuco. Que no cuqui.
Si en los discos anteriores, la principal crítica que podíamos hacer a The Lemon Twigs es que fueran demasiado raros, que estuvieran demasiado apegados al underground sin motivo, cuando su música estaba gritando «¡CLASICISMO!», ese componente bizarro ha desaparecido casi por completo. Este álbum no es una ópera que cuente la historia de un mono como lo fue ‘Go to School‘, ni cuenta con textos tan extraños como algunos de ‘Songs for the General Public‘, cuyo título parecía irónico cuando nos hablaba de incesto.
En ese sentido, The Lemon Twigs dejan atrás las comparaciones con colegas como Foxygen o MGMT, en favor de otras más universales como los primeros Bee Gees, The Beach Boys o The Beatles. Esto último muy evidenciado por ejemplo en las cuerdas del tema titular. Si a veces nos viene a la mente gente como R.E.M. (sobre todo cuando cantaba Mike Mills) o los mencionados The La’s, es por lo que a estos les inspiraba la música pop de los 60. Algo a lo que The Lemon Twigs no miran con ironía, y por fin lo demuestran. Por eso su público ha dejado de escuchar su antigua obra y ya solo tiene oídos para ‘Everything Harmony’.
Aunque en algún caso aislado, la composición y la producción tampoco es que sea la de Phil Spector, son muchos los temas y los arreglos que nos levantan de la silla, nos emocionan, o ambas cosas a la vez. El disco se abre con una gran canción a la hoguera, ‘When Winter Comes Around’, que nos habla de la caída de la hoja, del invierno, e incorpora una segunda parte con distorsiones y teclados. El aire a salón de baile de ‘What Happens to a Heart’ que tiene gracias a su clavecín, se viene arriba con un estribillo a la altura.
‘Born to Be Lonely’, que empieza como una balada a la trompeta, cambia de ritmo solo para reclamar una cosa tan tontorrona como «No he nacido para estar solo / Necesito un nuevo amor que me mantenga vivo». Y ‘Ghost Run Free’ eleva un disco que lucha por mantenerse arriba durante 48 minutos sin tropezar. Y casi lo consigue. Olvídate de indie o no indie, underground o todo lo contrario, esta canción te gustará si te gustaban las canciones buenas de Sixpence None the Richer. Y eso es un elogio por aquí.
Rob Grant, padre de Lana dey Rey, ha estrenado hoy otro single que pertenece a su próximo álbum debut, ‘Lost at Sea’. La canción tiene el mismo nombre y en ella su hija, Elizabeth Woolridge Grant, ha puesto la voz dulce que acompaña a la melodía. ‘Setting Sail on a Distant Horizon’, ‘Deep Ocean Swells’ y ‘The Poetry of Wind and Waves’ son los otros singles ya disponibles del disco, que saldrá el 9 de junio.
Según Rolling Stone, este primer álbum de Grant padre se tratará de una recopilación de canciones de piano. En dos de ellas Lana ha prestado sus letras y voz, ‘Hollywood Bowl’ será el nombre de la segunda.
Aunque no es la primera vez que padre e hija trabajan juntos (fue pianista para ella en ‘Sweet Carolina’), el músico ha indicado en su cuenta de Instagram que esta canción es «enormemente emotiva y etérea».
La canción es tranquila y limpia, muy en la línea de los temas más sensibles de la autora de ‘Cinnamon Girl’. «La voz de Lana es inquietante y poderosa. Se mueve fantasmagóricamente a través de la canción como la niebla sobre el océano. Tiene un profundo mensaje de esperanza… para todos los que nos sentimos perdidos y desconectados en el mundo actual», así ha expresado Grant el resultado final.
La letra es sencilla, es acompañamiento más que protagonista en este caso. «I was lost at sea /’Til you found me, ‘til you found me». Lana habla de sentirse perdida, de cómo llegar a un lugar familiar (en este caso el mar) en el que volver a encontrarse, en el que ya no sentirse sola. El videoclip se estrena mañana.
No sé si hay alguna manera mejor de inaugurar un Primavera Sound que con un concierto de hits de Pet Shop Boys. He ido a unas cuantas ediciones del Primavera… Bueno, en realidad, he ido a todas. Y creo que el de anoche ha sido el concierto de arranque más bonito, eufórico y dispuesto a elevar los corazones que he tenido el placer de contemplar. Si unes un dúo con una carrera repleta de hits (¡y qué hits!), prestos a cantar todos esos hits (¡y los que se han quedado fuera!) y que encima del escenario derrochan ganas, perfecto.
A los que vieron este espectáculo en el BBK o hayan seguido por internet las transmisiones de Glastounbury, no les habrá sorprendido: misma escenografía, con dos farolas de calle a los lados y una pantalla-reja que subía o bajaba, tapaba o mostraba a los jovencísimos músicos, en la que lucían audiovisuales basados en gran parte en los vídeo-clips del dúo, juegos de luces vistosos, repertorio de grandes éxitos. Antes de empezar el show, lucía la bandera de Ucrania. “Sus canciones llegaron directamente desde los 80, sin cambios, pero lo que sucedía en el escenario solo podía tener lugar en el siglo XXI”, decía mi compañero Jordi sobre su anterior visita a Bilbao. Pero también fue un show que resumió lo que son Pet Shop Boys: euforia y melancolía, baile y reflexión, todo a la vez.
Habría que destacar, y mucho, la producción y sucesión de las canciones. Unas versiones que eran muy fieles a las originales, pero a las que les otorgaban los suficientes cambios, el debido empaque para que no fueran miméticas o aburridas, reforzando casi siempre la parte energética de su música. Y estaba todo tan bien hilado, fluía tan bien la transición entre temas, que no daba respiro, no hubo ningún momento bajo. El tiempo se congeló. El concierto pareció más breve de los 90 minutos que duró, tal fue la maestría a la hora de ir desgranando las canciones. Neil Tennant derrochaba entusiasmo como maestro de ceremonias. Chris Lowe no se salió de su papel de Chris Lowe ni cuando le tocó recitar ‘Paninaro’. En las primeras filas no solo hay gente de edad “respetable”: atisbo montones de veinteañeros y varios niños, lo que reafirma que su música es ya transversal, no una cosa meramente del pasado.
Parapetados tras dos máscaras, que Neil tardó tres canciones en retirarse (Chris, unas cuantas más), abrieron con ‘Suburbia’, reforzando su esencia nocturna. A día de hoy ‘Opportunities’ no puede sonar más actual. Recortaron un poco ‘I Don’t Know What You Want but I Can’t Give It Any More’ y ‘So Hard’, pero me dio un poco igual, a cambio de que recuperaran dos de mis favoritas que no suelen tocar mucho. ‘Rent’, aun acelerada, no pudo sonar más emotiva. En ‘Love Comes Quickly’ se realzó la melancolía de la canción, con Neil solo, paseando lentamente mientras las luces de colores lo bañaban. ‘Left to My Own Devices’ sonó con toda la épica y fanfarria que merece. En ‘Domino Dancing’ Neil volvió a recuperar sus dotes de profe enrollado animando a todos a que cantáramos el estribillo.
Hubo pocos cambios de vestuario, pero efectivos. En la tercera parte del set, Neil luce una gabardina plateada que refleja las luces y anuncia la andanada de hits final. Arranca ‘Always on My Mind’, según Spotify, su mayor éxito. Pero para mí, lo más destacado fue recuperar ‘It’s Alright’ seguida de ‘Vocal’: dos canciones que hablan del poder de la música, especialmente la de baile. El resultado es tremendamente emocionante, especialmente cada vez que Neil canta “It’s in the music” y hasta Chris se marca unos discretos bailes. O un ‘Go West’ que rehúye su versión eufórica para abrazar la más melancólica (porque ‘Go West’ es una canción triste, realmente) con emotivos resultados. Como para recordarnos la otra cara de Pet Shop Boys, ‘It’s a Sin’ viene cargada con toda su grandiosidad.
Pero lo mejor estará en los bises. Neil y Chris regresan a primera línea, solos. Arranca ‘West End Girls’. Ellos van vestidos mimetizando sus looks de aquella época. Neil con elegante gabardina larga, Chris de sport y luciendo su mítica gorra “BOY”. Es su manera de unir pasado y presente, de decir: “seguimos siendo nosotros, los que éramos en el 86, los que somos aquí y ahora”. Un acto de reafirmación. ‘West End Girls’ suena elegante, majestuosa, con recuerdo a Mariúpol incluido. Le dedican ‘Being Boring’ a Tina Turner, un ‘Being Boring’ debidamente acelerado en el estribillo. Se levanta la pantalla, se incorpora la banda, Neil los presenta, Chris incluso sonríe brevemente y entonces… Entonces, al final, se quedan solos, la música es leve y Neil canta prácticamente a capella el final del estribillo con una voz preciosa: “And we were never holding back or worried that / Time would come to an end / We were always hoping that, looking back / You could always rely on a friend”. Un final escalofriante para un concierto casi perfecto.
El Primavera se respira en el ambiente. Es «solo” la jornada inaugural de la edición de Barcelona -que, al ser gratuita, atrae a muchísima gente, eso sí, previa reserva de entrada- pero la concurrencia ya es abultada a primeras horas de la tarde, cuando llego al recinto del Parc del Fòrum y los ecos de Jake Bugg resuenan desde lejos. El británico es uno de los entrantes del día gratuito de Primavera, previos al plato fuerte que protagonizarán Pet Shop Boys caída la noche.
Antes, a La Paloma les toca estrenar uno de los escenarios grandes, el Amazon, en el que a plena tarde presentan su indie garajero y su himno ‘Bravo Murillo’. Después los italianos Guatemala serán los primeros en tocar en el pequeño escenario Night Pro, una de las novedades logísticas de esta edición, pues está colocado prácticamente a un paso de la entrada, aunque luego parece recóndito cuando contemplas la envergadura del recinto y del resto de escenarios. Desde el recinto, es básicamente el escenario escondido de esta edición.
La primera impresión del recinto es diferente a la habitual, porque el mapa ha cambiado: los escenarios más cercanos a la entrada parecen estar más cerca los unos de los otros y se prescinde del “camino hacia Mordor” acortando distancias hacia los escenarios de electrónica. Las “distancias renovadas” de las que habla el Primavera se hacen notar y no tardas en constatar que el festival ha escuchado a su público, pues las quejas sobre los largos trayectos del Primavera son habituales desde hace años. En el podcast de JENESAISPOP, Almudena Heredero, directora de Primavera Sound Madrid, reconoce haber caminado 17 kilómetros en una sola noche.
Comprobado que la nueva edición del Primavera en Barcelona -y con muchas ganas de descubrir qué depara la de Madrid- será a priori más cómoda de recorrer, me sorprende de repente el eco de una voz que cual sirena canta desde lejos el ‘Waiting for Tonight’ de Jennifer Lopez. Ha empezado el set de Confidence Man. El grupo de Brisbane se marca un show teatral y coreografiado, algo naíf y pastiche en ejecución y sobre todo en la obviedad de sus referencias, pero también un show del que no puedes despegar la vista por todo lo que sucede en el escenario.
El dúo que lidera Confidence Man, compuesto por dos personas que se hacen llamar Janet Planet y Sugar Bones, saca a pasear sus influencias. Musicalmente, el set -como su disco ‘Tilt‘- es un homenaje a los noventa en todo momento, pues a los ritmos de piano house de temas como ‘Feels Like a Different Thing’ hay que añadir unas coreografías que parecen sacadas de un videoclip de teen-pop de la era MTV. Luego el vestuario apunta en diferentes direcciones: los homenajes a las hombreras gigantes de David Byrne y a las tetas-cono de Madonna son explícitos, y el uso de sangre falsa recuerda a aquella actuación de Lady Gaga en los VMA. La fiesta de Confidence Man se reserva lo mejor para el final: no por nada ‘Holiday’ es su mayor éxito.
En una galaxia diferente, Dagger Moth hace un pequeño showcase de su proyecto en el escenario “recóndito” antes citado. Apenas un beat programado, plúmbeo, unos acordes de guitarra eléctrica, y la bonita voz de Sara Ardizzoni, dibujan una propuesta bastante oscura (como su nombre) que se mueve entre el dream-pop, el slowcore y esa cosa llamada doomgaze. Un set bonito, etéreo, que nos pone definitivamente en marcha para el gran concierto de la noche.
Renovamos la playlist Sesión de Control, dedicada al pop nacional o en castellano. Comenzamos con una de las grandes estrellas de Latinoamérica de los últimos tiempos,Silvana Estrada, presente entre lo mejor de 2022. Ahora lanza un tema con enormes juegos vocales llamado ‘Milagro y desastre’. También hay un nuevo tema de Adiós Amores y una curiosa versión de Carolina Durante de Amaral.
Entre quienes han lanzado su disco completo recientemente tenemos el rock garajero de La Trinidad en ‘Sheriff Playa’. Asimismo, el dúo Galician Army se ha embarcado en un proyecto muy curioso: temas electrónicos con las voces gallegas de gente tan dispar como Xoel López, Grande Amore, Eladio y Los Seres Queridos, Iván Ferreiro y Luar Na Lubre, entre otros. Por su parte, Los Pilotos han publicado EP.
También en las últimas horas nos han llegado el tema conjunto de Vermú y Karmento por el Día de Castilla La Mancha, el indie pop sintético de Teleclub o el de Aiko El Grupo, más rockero. Escuelas Pías presentan el tercer tema de su serie de singles de este año.
Varios habituales de la web y la sección como Paco Moreno, Maria Jaume, Megansito el Guapo y Teo Planell tienen nuevos temas. Finalmente, os presentamos al productor y cantante vasco Suave, que publica un tema disfrutón llamado ’Si tú te vieras’; a Estado Temporal, con ex miembros de Zivo y Maga; y de nuevo a Madbel, que ya ha sido “Canción del Día” en el site con ‘Hamburguesa’.
Has oído hablar y mucho en los últimos meses de Peso Pluma porque está siendo uno de los principales responsables de llevar la música mexicana al primer plano de las listas globales.
‘Ella baila sola’ con Eslabón Armado se acerca a los 500 millones de streamings y ha sido número 4 en el Billboard Hot 100. Curiosamente, España se ha mostrado más reticente que Estados Unidos a todo esto: ha podido más la distancia geográfica que la idiomática. Aun así, esta semana ‘Ella baila sola’ ha subido al puesto 17 en nuestro país y el remix de ‘La Bebe’ con Yung Lucas sube al 14. En ambos casos es un nuevo máximo para sendos temas.
Bizarrap, aún arrasando en todo el globo con sus canciones con Shakira y Quevedo, aunque esta va a cumplir un año en breve, ha decidido subirse a la moda mexicana. Para ello, primero anticipó ayer un vídeo en el que él mismo aparecía caracterizado como una rata, atacado por un humano, y finalmente salvado por su nuevo tema con Peso Pluma.
En esta nueva Session, la #55 ya, Bizarrap da el micrófono a Peso Pluma en una canción de despecho que este entona “pedo, no voy a mentir”, en la que «no puede dormir» y en la que advierte a su chica que “tiene que aceptar” que «en sus brazos ya no a va estar». También proclama, en un alarde de imaginación: “¡arriba los corridos!”. El vídeo incorpora efectos especiales en forma de disparo, pero sobre todo está marcado por los instrumentos que identifican el folclore mexicano.
No parece la canción más inmediata de Bizarrap, ni la letra más afilada que se ha entonado en ese estudio, pero lleva 10 millones de visualizaciones en 6 horas. Sin duda, este paso por allí de Peso Pluma es una plataforma brutal para la reivindicación de los sonidos mexicanos, y así lo manifiestan ya miles de usuarios en redes y Youtube.
Tove Lo ha estrenado ‘I like u’, tema que es continuación de su último y quinto álbum ‘Dirt Femme’. La canción continúa con el concepto de este último trabajo aunque está más cerca de la parte bailable de su música. La artista ha asegurado en una entrevista para NME que la versión deluxe de ‘Dirt Femme’ llegará, porque está muy inspirada creativamente, pero no en un futuro muy cercano.
Para ‘I like u’, la autora de ‘Habits’ se basó en todo lo que ocurría en su mente el día que conoció al que sería su marido después. «Cause I’m too high to lie / I wish I was your girlfriend», dice en la canción, con un sonido que recuerda a la época más pop y electrónica de los años 2000. Todo vuelve y el bacalao también.
Tove Lo explicaba en la entrevista para NME que ahora, a pesar de haber sacado recientemente los singles de ‘Borderline’ (Dua Lipa participó en la letra) y ‘No One Dies From Love’, le gustaría centrarse en escribir durante un tiempo para su próximo álbum, pero sin presión. Cree que quizá es tiempo de trabajar en letras para otros artistas y dejar que, si la inspiración para un nuevo proyecto tiene que llegar, llegue trabajando.
Cuando está a punto de comenzar Primavera Sound tanto en Barcelona como en Madrid (de hecho ya lo han hecho los conciertos en sala de Primavera en la Ciudad en el caso de Barna), se anuncia el cartel de su hermano pequeño. De hecho, ya ha podido verse en una lona del Fòrum.
El Primavera Weekender, que se celebra en un cuco resort con cabañas para pernoctar en Benidorm, tendrá lugar los días 17 y 18 de noviembre. Y entre los grandes nombres de su cartel figura gente clásica como The Jesus & Mary Chain, Blonde Redhead, Alan de Low actuando en solitario tras la muerte de Mimi…
Antònia Font, Deerhoof, Fucked Up, OFF!, Protomartyr, Public Service Broadcasting, Bush Tetras y Bob Mould también figuran entre los grandes nombres, junto a DOMi & JD Beck, Biig Piig, The Dare, Water From Your Eyes, Model/Actriz y Mannequin Pussy.
En el apartado nacional destacamos a Renaldo & Clara, Aiko El Grupo o Mainline Magic Orchestra, además de los dj sets de Brava e Indiespot vs Xtrarradio.
Las entradas para Primavera Weekender 2023, a la venta a partir del próximo jueves 15 de junio a través de DICE, incluyen acceso a los conciertos, régimen de pensión completa durante el fin de semana y alojamiento durante dos noches en bungalows con un mínimo de 2 personas y un máximo de 6. Todos los precios y modalidades de entradas ya se pueden consultar en la página web de Primavera Sound.
The Weeknd ha confirmado los rumores que ha habido a lo largo de los últimos días respecto a la colaboración con Madonna y Playboi Carti. La canción que les une, ‘Popular’, es parte de la banda sonora de ‘The Idol’, serie creada por Tesfaye y Sam Levinson, autor de ‘Euphoria’.
La serie presentó sus dos primeros capítulos en Cannes y recibió críticas bastante negativas. Esto se suma al reportaje que publicaba Rolling Stone, acerca del mal ambiente en el rodaje y la segunda grabación que hubo que hacer.
No solo habrá un single, ‘The Idol Vol. 1’ será un álbum completo y se estrena este viernes, dos días antes que la serie, que se podrá ver en HBO a partir del domingo. El cantante ya había estrenado otro tema que parece que también será parte de esta primera parte de la banda sonora. Tesfaye presentó ‘Double Fantasy’ en Coachella.
La canción se anuncia pocas horas después del anticipo del sencillo de Madonna y Sam Smith, que verá la luz el 9 de junio. Ese mismo día, Christine and the Queens estrena su álbum ‘Paranoïa, Angels, True Love’, en el que también participa la intérprete de ‘Like a Virgin’.
«Para querer no tengo tiempo, para chingar tengo los dedos», dice uno de los últimos singles de La Zowi. Su nuevo disco es una reivindicación constante de su autenticidad, de su valor, de su autosuficiencia. Por algo la autora de ‘Élite‘ y ‘Ama de casa’ se proclama en este proyecto ‘La Reina del Sur’. Y lo hace con un sonido en el que sobreviven los beats clásicos del trap, si bien salpicados de otras cosas. Sobre todo reggaeton.
En un mundo en el que todo el mundo parece obsesionado por los beats dance, si no es por el folclore patrio; en un mundo en el que las canciones mutan cada 15 segundos de estilo por si alguien se aburre en TikTok; en un mundo en el que ya le han dicho a Bad Bunny que ha llegado tarde a copiar el «club rap» cuando nadie se había enterado de lo que era el «club rap»; La Zowi sigue sonando a La Zowi.
Incluso cuando su distintivo «La Zowi Puta» ya no suena por ningún lado, tú crees seguir escuchándolo, quizá porque lo de «puta» da lugar a muchas de las frases más lustrosas de este lanzamiento. «Tus putas son franquicias como Starbucks», dice ‘Make Up’. «Mis putas son de club, las tuyas son de bar», añade ‘Bitch Feka’. «Mis putas son de verdad, las tuyas están sacadas de Telecinco», se ríe ‘De la calle’.
La Zowi sigue siendo, por tanto, lo mejor del disco de La Zowi. Zoe Jeanneau Canto es la única autora de temas tan relevantes en el disco como ‘Chapiadora’, en el que la cantante cuenta que la «cuenta del banco le pone el toto húmedo», por mucho que el mundo se empeñe en que rebusquemos entre sus productores.
Y podemos hablar de la melodía de ‘Contarte’ con Soto Asa; del gran flow de ‘Bitch Feka’ junto a Lex Luger; o de lo que se pega ‘Yo lo pongo loco’ con Leo RD. Hay incluso guiños a otros géneros, como el momento palmas flamencas de ‘Chill’. Como el beat de funk carioca de ‘Tu mamá’. O del ritmo jamaicano que se ha dado al tema en francés ‘Bebé’, lo que es casi lo mismo que decir que se acerca a Manu Chao (aunque este nunca te pediría que le llamaras “madame”).
Pero ‘Reina del Sur’ es más «Reina del Sur» cuanto más se concentra en lo que La Zowi quiere contarnos, sobre muy sencillas bases de trap y reggaeton. Dice en ‘Portarse mal’ que ella está «tan fuerte como Bitcoin». Será curioso concluir dentro de un tiempo cuán «fuerte» significaba eso.
No es la primera vez que Morad se enfrenta a causas judiciales. En esta ocasión, la Fiscalía pide 6 años de prisión para el rapero por presuntos delitos de atentado a la autoridad con el uso de un arma, provocando así un delito grave de lesiones a los Mossos d’Esquadra que le quisieron detener. Se agrava su situación porque se trataba de un Taser, arma de electrochoque, que está prohibida en España.
Según el fiscal, el delito se produjo en la noche del 17 de julio de 2021 en Hospitalet de Llobregat, cuando estaban en pleno apogeo las normas Covid, concretamente el toque de queda. Sucedió en el barrio de Morad, La Florida. Los Mossos acudieron porque, al parecer, iba a haber botellones en esa zona. Según han dicho, al llegar les gritaron desde un edificio «perros, hijos de puta» mientras les lanzaban botellas de cristal.
A partir de ese momento, dos agentes entraron en un portal donde presuntamente se encontraron con el autor de ‘Pelele’ que se debió ver sin salida y fue entonces cuando usó el Taser contra los agentes. Aun así, consiguieron detenerle.
El oficial que más lesiones tuvo, ha pedido una indemnización de 350 euros, además de la condena de cárcel y una multa para Morad que propone la Fiscalía. El juicio tendrá lugar en un juzgado por lo penal en Barcelona en los próximos meses, donde se decidirá la condena final.
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