“No hay riqueza inocente”, decía Rafael Chirbes en ‘En la orilla’. “Toda fortuna procede de una injusticia originaria, cuando no de un crimen, que es lo más probable”. Esa injusticia tiene muchas caras: esclavismo, colonialismo, explotación laboral, especulación financiera, corrupción política, patriarcado… Y para legitimizar social y moralmente esa riqueza, así como las estructuras que las mantienen, hay que construir relatos, narraciones épicas de señores “hechos a sí mismos”, discursos narcisistas de superhéroes del capitalismo.
Sobre el poder de estas narrativas, sobre cómo “torcer la realidad para alinearla según mis intereses” –como dice el protagonista de la novela-, escribe Hernán Díaz en su monumental ‘Fortuna’ (Anagrama). Argentino criado en Suecia y residente en Nueva York, Díaz ha confirmado las expectativas que había creado con su debut, el (neo)western ‘A lo lejos’ (Impedimenta, 2020). Su nueva novela, galardonada con el Premio Pulitzer, es un impresionante rascacielos metaliterario levantado por medio de un exuberante dispositivo narrativo que combina varias voces y estilos.
El libro se compone de cuatro partes. La primera es una novela dentro de la novela. La historia de un magnate de las finanzas de los años 20, su mujer y su fortuna, escrita por un novelista ficticio a la manera de Edith Wharton o Henry James. La segunda es la autobiografía anotada e inconclusa del magnate al que alude la novela anterior escrita por su secretaria y escritora fantasma. Una hagiografía que pretende refutar ese texto anterior. La tercera y la cuarta… mejor no desvelarlas. Solo decir que están articuladas por medio de una serie de deslumbrantes piruetas narrativas que añaden más y más capas de significado al relato original.
El resultado de esta superposición de relatos es un fascinante puzle literario armado a través de una prosa cautivadora, desbordante de ideas, riqueza formal y sorprendentes giros dramáticos. ‘Fortuna’ es una exploración de las entrañas del capitalismo, del funcionamiento del mundo de las finanzas del que dependemos todos. Pero también un viaje estilístico de la novela de finales del siglo XIX hacia la modernista, de la mencionada Wharton a Virginia Woolf. Y, por último, un combate de voces narrativas: de la más estentórea, la que tiene todos los altavoces a su disposición, a la más imperceptible, la que ha sido amordazada pero termina encontrando su modesta vía de escape. Novelón.
La serie sobre La Veneno, ‘Veneno’, fue un éxito internacional en plataformas, llegando a conseguir su público underground incluso en un país tan competitivo para la ficción como es Estados Unidos. Quizá por eso ahora nos llega, en inglés, la información sobre la reedición del sencillo ‘Veneno pa tu piel’, de cara al próximo Orgullo.
El correspondiente Bandcamp nos explica cómo «la estrella transgénero más querida de la televisión española» era una trabajadora del sexo en el Parque del Oeste de Madrid cuando fue descubierta por Esta Noche Cruzamos el Mississippi. Su tema ‘Veneno pa tu piel’ fue una sensación en las listas españolas, llegando a vender 50.000 unidades en los tiempos dorados para la industria según algunas fuentes. En listas oficiales, llegó a figurar en el número 8 de la lista de maxi singles de 1996.
Ahora el single se edita en un vinilo especial, que ya se puede encargar en el correspondiente Bandcamp. Saldrá el 30 de junio con motivo del Orgullo, incluyendo 4 pistas: 2 temas y 2 remezclas. En la web de Dark Entries también podéis ver la contraportada.
1. Cristina La Veneno – Veneno Pa Tu Piel (Xtended Version)
2. Cristina La Veneno – Veneno Pa Tu Piel (Single Version)
3. Cristina La Veneno – Rap De La Veneno (House Mix)
4. Cristina La Veneno – Rap De La Veneno (Digo Dub Mix)
Más afónico que Natos acudo a la segunda jornada de Mallorca Live para no perderme un minuto del bolo de Jimena Amarillo. La valenciana dedica todas y cada una de sus canciones a “sus lesbianas” porque por fin “la música para lesbianas tiene cabida en los festivales”.
Sobre todo, Jimena se muestra divertida y deslenguada: cuando toca una versión de ‘Tu sangre de la mía’ se pone a bailar “como Diego de Carolina Durante”, cuando toca un tema house apunta que “Aitana ha hecho muy bien” este género y, en el mejor más inenarrable del show, saca un violín y se pone a tocar Pachelbel mientras su corista canta el estribillo de ‘Get Lucky’ con deje aflamencado. Y todavía no ha interpretado su versión “fea, porque chica” de ‘I Follow Rivers’. Cuando canta ‘Jugando a Los Sims’ afirma que “por fin tocamos una canción indie, manda huevos”, y aún le queda por hacer un popurrí inexplicable de ‘Cómo quieres que te quiera’, ‘Nueva York (Toto)’ e ‘Hija de la luna’.
El concierto de Amarillo aún admite un pequeño momento emotivo cuando la artista agradece poder tocar en Mallorca Live y en un escenario “tan grande” que escuchar sus propias canciones a un volumen tan alto le abruma. Dice estar “a punto de llorar porque este año me han pasado muchas cosas”.
En el escenario pequeño -que acomoda DJ sets- ocurre un momento mágico cuando empieza a llover mientras La Calor pincha sus agradables cumbias electrónicas. Da gusto verle mezclar en vivo y en directo, tras los platos, poniendo la mejor banda sonora a un día gris.
Javier Bragado
Si atraviesas el espejo de Natos y Waor aparecen al otro lado Ayax y Prok. De alguna manera son dos caras de la misma moneda: ambos son dúos de raperos salidos de aquello que se llama “la calle” y ninguno de ellos renuncia a meter bases bailables de house en sus conciertos festivaleros. Sin embargo, Natos y Waor son comedidos y Ayax y Prok… no. En absoluto. Los gemelos granadinos aparecen sobre el escenario agitados y sobreestimulados, saltando de un lado a otro, berreándole al micrófono y dotando a su show de cierto componente cómico gracias a su gracejo natural (“qué mareo, la virgen”, dice uno de ellos en un momento de descanso), no se sabe si intencionado o no. En lo musical, cuando no se ponen a recitar sus versos sobre bases de hip-hop, directamente traen un show de EDM, y especialmente Ayax exhibe una pasión desbordante sobre las tablas o debajo de ellas: en un momento del show baja a la pista e incluso agarra de la mano a un fan de la primera fila. Por poco le cruje los dedos.
La «fiestuqui» de Black Eyed Peas
Lo peor de la sociedad mallorquina puede reunirse en la zona VIP viendo a Black Eyed Peas, fácilmente. Ya lo dice Juan Sanguino: Black Eyed Peas gusta a la gente que dice “fiestuqui”. Lo compruebo en Mallorca Live. Aquí hay influencers de medio pelo, pijos con pinta de tener yates y clínicas de cirugía estética, jovencitas con los morros de Carmen de Mairena, muchachos repeinados que gritan “let’s go, motherfuckeeers!” cuando Will.I.Am. dice algo.
Ver a Black Eyed Peas en acción es surcar el tiempo a través de la historia del pop de los últimos 20 años. Con el hip-pop de ‘Let’s Get Started’ viajas a 2003, con el electro de ‘Boom Boom Pow’ a 2009, con la EDM de ‘Don’t You Worry’ a 2010 aunque sea de 2022. Su repertorio contiene tantos macrohits que algunos los habías olvidado necesariamente por falta de espacio en el cerebro.
Black Eyed Peas es el ejemplo de grupo pop capitalista por antonomasia, una franquicia musical que básicamente hace su trabajo, esto es, fagocitar modas y escupirlas masticadas, reciclar hits clásicos como hace Hollywood con todos sus “blockbusters”, colaborar con distintas marcas (véase Shakira o Daddy Yankee) o abrir filiales como la carrera de Will.I.Am. en solitario a la que se asocian otros marcas (véase Justin Bieber o Britney Spears). Black Eyed Peas es un universo pop comprimido en tres raperos y una cantante -J. Rey Soul- cuyo parecido a Fergie no es disimulado. Todo parecido con la (antigua) realidad es buscado e intencionado.
El público recibe desbordado, eufórico, fuera de cuerpo, el remix reggaetonero de ‘Let’s Get Started’, el tobogán surfero de ‘Pump It’, los breakdance random de apl.de.ap, las referencias de Will.I.Am. a las “mamacitas” y a “mis chicas latinas”, el “Britney bitch”. La pista se viene abajo con el house sísmico de ‘This Time (Dirty Bit)’ y directamente implosiona en ‘I Gotta Feeling’. Mientras, en el escenario, la energía es caótica, los cuatro integrantes actúan sin orden ni concierto (al final son MCs, no una boyband) y la energía navega entre la pachorra extrema de Will.I.Am. que coge el micrófono como quien agarra el mando de la tele mientras se está quedando dormido, la pose pseudo-heroica de Taboo, la vibra adolescente de apl.de.ap. y la presencia de J. Rey Soul, simplemente agradecida de estar ahí, existiendo. Le ha tocado el gordo cantando para un grupo que se mantiene imparable, pese a quien pese.
Para recuperarnos del chute ultrapop de los BEP nos pasamos brevemente por el show de Black Rebel Motorcycle Club, una exhibición de virtuosismo rock que resulta fascinante en su búsqueda de diferentes ángulos y texturas. Me habría quedado de no ser porque tocaba descubrir otro de los platos fuertes de la jornada.
Xavi Torrent
Me muero de curiosidad por ver a Quevedo en directo. Su show, supuestamente donde quiere estar, no se sostiene demasiado: las canciones son disfrutonas, su disco no está mal entero, pero es evidente el apoyo del directo en los efectos escénicos, en los chorros de humo constantes, más pesados que la alarma del “soundsystem” jamaicano en un concierto de Bad Gyal (con la que ha colaborado), mientras el canario actúa con más o menos energía, evidentemente encantado de estar allí, pero sin ofrecer mucho más que su mera presencia. El show de Quevedo es una “listening party” de su disco llevada al contexto de macroconcierto festivalero.
Pero al César lo que es del César: como dice Lola Indigo, Quevedo es un “hitmaker” y de hits su show va sobrado, aunque ‘Playa del Inglés’ o ‘Vista al mar’ son meros peajes para llegar a LA CANCIÓN. Después de un intento de bis que dura lo mismo que un audio de TikTok, es momento de que la pista colapse con la sesión de Bizarrap. Presenciarla en directo es presenciar el fenómeno -porque no tiene otro nombre- en su envergadura real. Es impresionante la comunión que crea el estribillo de “Quéeedateee” y a Quevedo se le dibuja media sonrisa en la cara, como atónito por semejante éxito. La verdad es que no me parece la mejor sesión de Bizarrap, pero a Quevedo hay que hacerle la ola por todo lo que está consiguiendo: ahora mismo sus cifras superan las de Rosalía.
Poco después de la madrugada Moderat ofrecen su concierto en Mallorca Live. Su propuesta es tan atípica que ni viendo el show cinco veces te deja de sorprender el éxito que ha alcanzado: no todos los grupos que hacen electrónica «fina» son tan masivos, pero claro, ellos han sabido respetar la seriedad de su música sin renunciar a los subidones populistas que requiere una presentación festivalera. Apparat sigue desempeñando con gran habilidad ese papel de «frontman» a lo Dave Gahan del siglo XXI que le ha caído del cielo casi sin quererlo, y la magia que crean él y Modeselektor sobre el escenario sigue siendo incuestionable: pura brujería electrónica que no renuncia a las grandes emociones.
Hablando de Valencia, Diego Escriche de La Plata ha grabado el segundo disco de La Culpa, como ya hiciera con su debut. Su primer disco ‘La Culpa’ llegaba hace un año, durante la primavera de 2022, dejando pequeños éxitos en el underground como ‘Mágico trágico’, aptos para seguidores de Los Punsetes o Parálisis Permanente. Y ahora tenemos entre manos su segundo largo, ‘Cuando amanece’, que viene con algunas novedades.
La primera es una serie de cambios de formación: sale Tania y entra Cohete a las voces. La segunda es que desde su sello Humo aseguran «que los riffs son más At The Drive In que antes, las melodías igual de emotivas, las letras incluso más crípticas en su aparente simplicidad, la intensidad está redoblada».
Lo que permanece inalterable es el espíritu, manifestado en una portada que vuelve a recurrir a dos niñas como recién salidas de ‘El pueblo de los malditos’, y también por los dardos post-punk. ‘Mirar desde lejos’, ‘Tu cara idiota’, ‘Quemado’ (con esas guitarras tan Siouxsie) y ‘Nos vemos de noche’ (una versión de los también valencianos Yorch) están entre las pistas fundamentales de un álbum que ya están presentando por todo el país.
Hoy sábado 20 de mayo estarán en La Residencia de Valencia, el 26 en Meteoro (Barcelona), el 27 en el Afloraries Fest de Vic, y el 8 de julio en 16 Toneladas.
Está el foco mediático centrado en Valencia en la política, porque la nueva Generalitat se decidirá por un escaño, y también debería estarlo en lo musical. Propuestas como la de La Plata o el colectivo Toxic Pop han representado en el último lustro a una generación de artistas DIY que no quieren saber nada de los campamentos de composición, ni de la industria, ni de las superproducciones como churros.
Ahora La Plata nos han dado una grata sorpresa. En principio, su debut ‘Desorden‘ y su continuación ‘Acción directa‘ eran proyectos de post-punk, publicados cuando no tantísima gente quería hablar de Joy Division, Parálisis Permanente y Décima Víctima. Cuando todo estaba empapado de trap. Este EP de 4 canciones llamado ‘Sueños’ ya no tiene casi nada que ver con aquello.
Influidos por la entrega de un tema llamado ‘Real’ para la serie de ‘La Ruta’, La Plata exploran ahora otro tipo de sonidos. Ojo, en sus discos los teclados de Patricia Ferragud siempre habían sido muy importantes. Es solo que ahora tienen otro color. Tanto en ‘Lejos’ como en ‘Volar’ su referente parece el trance de Robert Miles, siendo la primera abiertamente un tema de drum&bass y la segunda una canción de shadow pop que podría haber entonado Rojuu.
Y es que las canciones de ‘Sueños’ pululan entre la esperanza y la desesperanza -como siempre-, en la primera pista más optimista («quiero ser una estrella, sin miedo a la gravedad»); en la segunda, más triste. «Me siento sin aire, desaparezco como si no fuera real / Como si esta vida no fuera la mía, y yo llevase puesto un disfraz». En la canción titular, los ‘Sueños’ son directamente «Pesadillas» con una María Egea con la voz procesada al modo de los momentos más esquizofrénicos de Crystal Castles.
La Plata cierran esta obra con un número igualmente inesperado. Porque no es que ellos se hayan sumado a modas como el drum&bass, y ya. Sí han procesado baterías orgánicas, han tomado líneas de bajo del dub, guitarras del nu metal, e ideas del anime, los videojuegos y el digicore. Pero en ‘Ángel gris’ lo que ofrecen es un número post-grunge, de guitarras eléctricas sucias al modo en que lo habrían hecho Smashing Pumpkins en 1993. «Porque este mundo no lo entiendo, lo quiero parar», entona Diego Escriche, que también ha sido el responsable de la grabación del EP. Una grabación en la que cualquier cosa puede ayudarle a expresar sus conocidos sentimientos de alienación.
Pasadas las novedades de este viernes, alguien ha movido ficha esta madrugada. A Beyoncé le gusta estrenar cositas en sábado, de vez en cuando, y hoy es el turno del remix de ‘AMERICA HAS A PROBLEM’, una de las pistas más escuchadas de ‘RENAISSANCE‘, que además ahora viene con sorpresa.
Nada menos que Kendrick Lamar, a punto de llegar a Primavera Sound, entona ahora el primer verso de la canción. En su rap habla de la industria (Universal), de mentir en un rap, de pertenecer al fandom de Beyoncé y de inteligencia artificial. “Hey, espera un momento, incluso la IA tiene que practicar para clonar a Kendrick», dice en uno de los momentos destacados.
Beyoncé y Kendrick Lamar ya habían colaborado antes en otras pistas, mucho antes de este remix para un tema extraído de ‘RENAISSANCE’. En concreto en ‘Freedom’, una de las canciones fundamentales de ‘Lemonade’, y también en ‘NILE’ de la banda sonora alternativa de ‘El Rey León’.
Por otro lado, continúa la gira mundial de este álbum de Beyoncé, de momento sin vistas a que llegue el «Acto 2» de ‘RENAISSANCE’ en ningún momento cercano.
Jessie Ware mantiene una semana más el número 1 de nuestro top con ‘Begin Again’. Está imbatible tanto en la web como en el Desempate de Twitter. Lana del Rey y Vicco tienen que conformarse con la plata y el bronce, mientras Janelle Monáe llega al puesto 8 con su tema más sexual, ‘Lipstick Lover’.
Hacia la mitad de la tabla llegan Fred again.. y Sílvia Pérez Cruz, mientras en las últimas posiciones se clasifican Victoria Monét, Surfin Bichos y el reciente top 1 en España, Saiko.
Mallorca Live vuelve a celebrarse este año en su fecha habitual, mayo, en lugar de en junio como el año pasado. El calor aprieta menos, de hecho, las previsiones daban lluvia. De momento -interesantísimo esto- hace nublado y toca abrigarse, aunque no es necesario ir al extremo de rusowsky, que parece Nanuk el esquimal vistiendo abrigo y capucha. De alguna manera nos está queriendo decir que prefiere no ser visto o reconocido, algo que encaja con la calidad intimista de su música.
Evidentemente, el directo de rusowsy es diferente: los ritmos bailables siempre han estado ahí, como en ‘So So’, pero los festivales no parecen el contexto idóneo para sus producciones. Así, a Ruslán el público le puede salir un poco duro de roer, como es el caso de Mallorca Live, en el que tiene que animar reiteradamente al público para que mueva una extremidad. rusowsky parece algo exasperado, pero tampoco es que lo ponga fácil cuando sobre el escenario le vemos simplemente caminando de un lado a otro con desgana, más tapado que un siberiano, evitando en todo momento el contacto visual.
Unas horas antes, también Judeline debe pedir a la gente que se acerque a su escenario. Los artistas actúan con más seguridad cuando perciben el calor de su público, y últimamente hasta Beyoncé ha protestado por percibir a su audiencia algo adormilada, lo cual tiene delito porque es público objetivo. Por contra, Lara Ferández canta para pocos fans y sobre todo para curiosos que se aproximan a su música por primera vez (pero no al escenario). Ella exhibe una voz maravillosa (a nadie extraña que Rosalía se encuentre entre sus fans) aunque a su repertorio le siguen faltando canciones más definidas. ‘Zahara’ es por supuesto su pieza más celebrada, pero, ojo, porque Judeline cierra el show con una inédita, basada en un beat de funk carioca, que es sin duda su producción más contundente hasta la fecha.
De cara a la presentación de Rojuu, que sigue moviendo masas con su emopunk autotuneado curtido en internet, con guitarras eléctricas que afilan como cuchillos, empieza a perfilarse el público de Mallorca Live, una mezcla tan variada y multigeneracional como el mismo cartel, que atrae todos los gustos que pueden existir dentro de un festival.
Xavi Torrent
Tampoco tienen problema alguno con su público Vetusta Morla, excepto por la pareja de influencers que tengo delante haciéndose fotos, más interesados por supuesto en ellos mismos. El grupo también llamado “los de Pucho” por cualquier crónica que se precie pueden decir que no mueven masas por razones de nostalgia, sino porque han sabido reinventarse disco a disco. El de ‘Cable a tierra’ puede ser su espectáculo más impresionante a nivel visual, hasta el punto de que da miedo imaginar de qué es capaz en el futuro. Ya da la sensación de que son algo así como los U2 españoles, solo que ellos ahora están interesados en investigar el folclore latinoamericano y, como inspirados por El Madrileño, dotan su directo de un componente tecnológico y visual importante, con una presencia de pantallas imponente. Detrás suyo, claro, la cortina de tiras multicolor que aparece en la portada de su disco. Y las canciones siguen funcionando a modo de himnos masivos: en ‘Copenhague’ el océano de pantallas de móvil inunda la pista.
La sorpresa de la noche la da Natos y Waor, sorpresa para quien no les siguiera de antes, claro. También ellos ofrecen un show bastante espectacular a nivel visual, pues incorpora hasta pirotecnia, y lo interesante es que renuncian a rapear exclusivamente sobre bases de hip-hop: también los beats bailables forman parte de su repertorio, como los de ‘Sudores fríos’. En un momento dado hasta se sientan en sendas sillas a cantar en acústico, en contraste con los momentos más enérgicos, en los que Natos exhibe una voz forzadísima que espero no termine en afonía. Se da un curioso contraste entre la pose de malotes de Natos y Waor y sus sentimentales letras, pero por lo menos aparecen entregadísimos y clavando la mirada a su público, que es bastante masivo también.
Javier Bragado
The Kooks dan el concierto estrella de la jornada. Es curioso el inicio con una de sus canciones más populares tocada en acústico, ‘Seaside’, y el repertorio se extiende por todo su catálogo con muy pocas concesiones a su último disco. El sonido es excelente, da gusto ver a Luke Pritchard manteniendo su personal timbre en muy buen estado. Sencillamente, un concierto muy agradecido de aquel género musical que un día llamamos “indie” (y que probablemente seguimos llamando “indie”), en el que el público tuvo su papel protagonista coreando la melodía de ‘She Moves in Her Own Way’.
Como siempre vale la pena acercarse a los escenarios pequeños del festival y disfrutar de conciertos que no por no ser masivos son menos interesantes. De hecho, Alien Tango ofreció uno de los shows más divertidos de la jornada presentando su loca música llena de samples histéricos, sonidos psicodélicos y melodías pop en toda regla. Como una mezcla entre Sparks y Ariel Pink, Alien Tango se preocupa de que verle en acción sea tan divertido como escucharle en disco, y lo consigue.
Quien pensara que la canción ganadora de Eurovisión 2023 no iba a sonar se equivocaba. Aunque mañana hubiera un cataclismo y ‘Tattoo’ desapareciera por arte de magia de todo el mundo y de todas las playlists también, puede conformarse con lo que ha conseguido ya. Van 76 millones de streamings en Spotify.
‘Tattoo’ ya había hecho alguna incursión en listas internacionales, sobre todo nórdicas, antes de Eurovisión. Y su victoria ha sido su consolidación. Ha estado incluso en el top 5 del Global de Spotify, por ejemplo llegando al número 1 en una tierra tan competitiva para una artista sueca como es Reino Unido. Y en este país finalmente entra directamente al top 2 de la lista oficial semanal, tan sólo por detrás de ‘Miracle’ de Calvin Harris y Ellie Goulding. Solo 4.000 unidades la han separado de la cima (38.000 vs 42.000).
Este dato mejora el top 3 de ‘Euphoria’ -ganadora de 2012, también de Loreen- en su momento. Pero es que además la canción nueva tiene la estética trance necesaria para ser apoyada por playlists de hits actuales e incluso en Today’s Top Hits la han abrazado.
‘Tattoo’ ha sido número 1 en Suecia, Holanda, Islandia y Letonia, y también ha alcanzado el top 10 en Alemania, Finlandia o Irlanda. Respecto a España, podemos esperar una posición similar a la italiana: un top 25.
Respecto a otras entradas en listas británicas, el número 6 para ‘Cha Cha Cha’ de Kaarija no está nada mal. ‘I Wrote a Song’, de Mae Muller, la representación británica, logra llegar al número 9 pese a su mala posición en Eurovisión. Y ‘Queen of Kings’ de Alessandra, la representante noruega, se cuela en el número 10.
La canción israelí llega al 45, la austríaca al puesto 48, la polaca al puesto 56, la belga al 63 y la francesa al puesto 94, entre otras entradas. Una fantasía que recopilamos a continuación:
02 Tattoo (Suecia)
06 Cha Cha Cha (Finlandia)
09 I Wrote a Song (UK)
10 Queen of the Kings (Noruega
35 Mountain (Sam Ryder, UK 2022)
45 Unicorn (Israel)
48 Who the hell is Edgar? (Austria)
56 Solo (Polonia)
63 Because of you (Bélgica)
79 Promise (Australia)
92 Break a Broken heart (Chipre)
94 Evidemment (Francia)
95 Heart of Steel (Ucrania)
Paulina Rubio ha venido a España, primero para actuar en el Orgullo de Maspalomas, y después para hacer una ronda de entrevistas en promoción de su single ‘No es mi culpa’, publicado hace un par de meses.
Cada entrevista concedida ha sido una aventura diferente, en cada caso. Su paso por el programa ‘Y ahora Sonsoles’ con Sonsoles Ónega no pudo ser más accidentado: Paulina llegó tarde, el programa era en directo, la presentadora no sabía dónde se había metido, y tras verla aparecer, justificándose por un atasco, tuvo problemas con el micrófono. Por no hablar de ese momento de la conversación en que le preguntaba por Rocío Jurado y Paulina respondía que se la acababa de encontrar en el AVE: «Es mi hermanita. Justo estaba hablando con ella que venía llegando de un AVE. Yo la quiero mucho», respondía confundiendo a Jurado con Carrasco.
Mejor aún era su intervención en Showriano. Ahí se enredó con la presentadora tratando de dilucidar lo que era tener «un trocito de España en casa». Paulina considera que su hijo es un «trozo de España», pero la presentadora esperaba más bien que se hubiera llevado «una piedra del Teide». La salida de Paulina Rubio ante la broma fue «Limpiáme el culo si puedes, coño. ¡Que me limpies el culo!», al tiempo que se levantaba y daba la espalda a Eva Soriano, como para que en efecto le limpiara el culo.
También ha sido noticia otra entrevista en la que Paulina Rubio reivindica su derecho a llevar gafas de sol durante las entrevistas si le apetece. «Yo ya estoy en el quinto piso…» ha justificado, al tiempo que dedicaba un buen rato a explicar por qué es importante irte a tiempo de una fiesta.
¿Pero es que Paulina Rubio no hay concedido una entrevista normal? La de Shangay podría parecerse a algo de eso, hablando de su próximo disco (aunque ella considera que el de 2018 es reciente), de por qué su single dura 2 minutos (porque es la moda), de su admiración mutua con Demi Lovato y de algunos personajes de la Movida Madrileña, a destacar Alaska, con quien acaba de presentar un single conjunto para una película.
Dice de ella: «La amo, porque la conozco desde los 80. Yo me vestía de amarillo en Timbiriche y ella ya estaba en una banda. Igual que en esa época fui conociendo a Enrique y Ana, Parchís, José María Cano, Nacho Cano, Ana Torroja, Miguel [Bosé]… En toda esa movida yo era la más chica, pero siempre quería estar con todos, era la más fan. Que ahora Alaska se acordara de mí para esta canción ha sido muy bonito. Somos leyendas, pero con muchas ganas de seguir y ofrecer cosas diferentes».
La persona que más ha servido esta semana ha sido Paulina Rubio. Gracias a su camello por dios pic.twitter.com/ayWVSeMpmh
Miley Cyrus ha concedido una larga entrevista de portada al Vogue británico. Al contrario de lo que sucede en algunas ocasiones con las revistas de moda, esta vez sí merece la pena prestarle atención, pues Giles Hattersley ha logrado hacerse con la confianza de Miley. Y eso que durante los primeros 20 minutos apenas hay contacto visual entre artista y periodista, como cuenta Giles.
La autora de ‘Flowers‘ pide que el artículo no sea una queja sobre ser mujer en la industria musical. «No necesito que sea una historia de empoderamiento de mujeres. Llevo puesto mi empoderamiento a todas horas. No necesito profesarlo», indica, pese a ser muy crítica en la charla con el modo en que fue tratada por la prensa en la era ‘Bangerz’.
Cyrus recuerda: “Estaba buscando atención para mí misma porque me estaba separando a mí misma del personaje que había estado interpretando. Cuando tienes 20 o 21 años tienes mucho que demostrar. «No soy mis padres». «Soy quien soy» (…) Llevé mucha culpa a mis espaldas durante años por la mucha controversia y disgustos que causé. Ahora que soy adulta, me doy cuenta de lo severamente que me juzgaron. Fui juzgada injustamente como niña por adultos, y ahora como adulta, me doy cuenta de que nunca juzgaría severamente a ninguna niña”.
En cuanto al éxito que está teniendo ahora mismo ‘Flowers’, y a raíz de un comentario que le hizo Lil Nas X sobre si eso le agobiaba, Cyrus se muestra muy escéptica. “Puedo ser número 1 ahora, pero luego vendrá el número 2. Todo es estacional. Muchos titulares dicen “Este es el momento de Miley”. Y eso pienso. Que es un momento. Y que se acabará. Y no es pesimista. Es la verdad y me parece bien. De hecho lo prefiero. No me gusta seguir siendo grande”. Lo cual lleva a otro punto interesante de la entrevista: por qué no realiza giras.
Miley asegura llevar una vida muy tranquila en Los Ángeles, en la que antepone su salud física y mental ante todo. No bebe hace 2 años, practica ejercicio, las únicas personas a las que ve son sus amigos gays. Con ellos hace sesiones de Nicki Minaj, Britney Spears y el ‘Vogue’ de Madonna. Desprecia los conciertos llenaestadios y la experiencia de dar un concierto en general. Asegura que no le gusta tocar para 100.000 personas porque «no hay conexión, ni seguridad. No es natural. Es desolador porque estás frente a 100.000 personas y estás sola».
Continúa: «Después del último concierto que di en 2014, me lo planteé como una pregunta. Y no puedo. No solo no puedo porque no poder depende de tu capacidad. Es mi deseo. ¿Quiero vivir mi vida por el placer de los demás o completar el mío propio?».
De hecho, cuenta que hace poco se le acercó un/a autor/a con una canción para ella que versaba sobre estar «jodida en el club». Miley la rechazó porque al llevar 2 años sin beber no la representaba. Por el contrario, eso le ha llevado a escribir otra canción que espera que salga pronto. Por lo que parece, la última línea del artículo podría ser una parte de la letra o representar su espíritu: «I know I used to be crazy. I know I used to be fun. You say I used to be wild. I say I used to be young.”
Este jueves se ha cerrado la primera temporada del malogrado concurso ‘Cover Night’, que no ha conseguido enganchar a la audiencia por razones evidentes. Menos de medio millón de espectadores vio la final (8% de share) y no ha sido su peor dato.
Aun así, el programa se guardaba una baza para su final: la primera actuación de Miguel Bosé en 8 años. Exclamó: «a partir de ahora, a remontar». Mucho se había especulado sobre el estado de su voz, que él mismo decía haber perdido. El cantante escogió el tema ‘Te amaré’, una canción escrita por Juan Carlos Calderón incluida en su disco ‘Miguel’ de 1980, el mismo que contenía ‘Don Diablo’.
En RTVE fue acompañado tan solo de una guitarra acústica y una percusión muy en segundo plano. También le arroparon coros y quizá algo de post-producción, en caso de que hubiera tenido lugar muy bien disimulada gracias a sus improvisaciones entre frases. El vídeo completo puede verse en RTVE, con una Mónica Naranjo, una Chanel, una Ruth Lorenzo y un Juan Magan realmente emocionados, apoyando a su compañero.
El final de ‘Cover Night’ ha coincidido casualmente con la sentencia sobre la custodia de los hijos que Miguel Bosé tuvo con su ex pareja Nacho Palau.
El Tribunal Supremo ha ratificado lo que ya dijo la Audiencia Provincial. Entre los 2 tuvieron 4 hijos mediante vientre de alquiler, en una relación que duró 26 años. Nacho quería que el tribunal los reconociera como hermanos a los 4, pero ha sido Miguel quien ha ganado el caso: los 2 hijos biológicos de Miguel seguirán viviendo con él en México y los 2 de Nacho en Valencia. El juez ha concluido que “los menores carecen de lazos biológicos” y que “el vínculo socio afectivo de los niños entre sí y con quien fue pareja de su respectivo padre no es por sí título para el establecimiento de un vínculo legal de filiación”.
Andy Rourke, bajista de los Smiths, ha muerto a los 59 años. Tenía un cáncer y se llevaba semanas rumoreando que su estado de salud era muy delicado.
Ha sido Johnny Marr, icónico guitarrista y co-autor junto a Morrissey de los Smiths, quien ha comunicado su fallecimiento en las redes sociales. «Andy será recordado como un alma hermosa y encantadora, por todos aquellos que lo conocieron, y como un músico increíblemente talentoso, por los fans de la música».
El productor Stephen Street, ingeniero de sonido de la mítica banda, ha estado entre los primeros que han tenido también unas palabras de afecto para Andy. Por su parte, el batería Mike Joyce también ha comentado que Andy «no solo era el bajista más talentoso con el que ha tenido el privilegio de tocar, sino el tipo más dulce y divertido que jamás ha conocido». Continúa: Andy nos ha dejado pero el legado musical es para siempre. Ya te echo de menos. Siempre en mi corazón, compañero”.
Dudábamos sobre si Morrissey tendría unas palabras para Andy Rourke, pues su relación no era buena después de haberse visto en los tribunales por derechos de autor de los Smiths. Sin embargo, sí ha decidido enviar un comunicado. Estas han sido sus palabras: “A veces, una de las cosas más radicales que puedes hacer es hablar claramente. Cuando alguien muere, aparecen los halagos habituales… como si su muerte hubiera ocurrido para ser utilizada. No estoy preparado para hacer esto con Andy. Solo espero… dondequiera que Andy haya ido… que esté bien. Nunca morirá mientras se escuche su música. Nunca conoció su propio poder, y nada de lo que tocó había sido tocado por otra persona. Su distintivo fue totalmente espectacular y poco convencional y demostró que ciertas cosas se podían hacer. También era muy, muy divertido y muy alegre, y después de los Smiths mantuvo una identidad estable. Nunca manufacturó ningún movimiento. Supongo que, al final de todo, todos esperamos sentir que fuimos valorados. Andy no necesita preocuparse por eso».
Rourke tocó en todos los discos de estudio de los Smiths, desde su debut en 1984 hasta su despedida en 1987, ‘Strangeways, Here We Come’, lo que incluye su obra maestra ‘The Queen Is Dead’. Después estuvo vinculado al supergrupo Freebass con Peter Hook y Mani; o a D.A.R.K. junto a Dolores O’Riordan, hasta la muerte de esta misma.
It is with deep sadness that we announce the passing of Andy Rourke after a lengthy illness with pancreatic cancer. Andy will be remembered as a kind and beautiful soul by those who knew him and as a supremely gifted musician by music fans. We request privacy at this sad time pic.twitter.com/KNehQxXoFz
Tras su estupendo debut, ‘Forats negres’, Aida Giménez aka GUINEU sigue adelante con su concepto de “cuqui-trash”. Pero su música ni es cuqui ni es trash. Como categoría o adjetivo suena genial y mola mucho, no lo vamos a negar. Pero puede dar una sensación errónea. Sí, la música de GUINEU entra fácil, es inmediata y muy resultona, pero tiene la suficiente garra, la suficiente mala leche y el suficiente curro encima como para situarse muy por encima de esa ingeniosa etiqueta.
‘Forats negres’ ya era un buen compendio de drama post-adolescente pasado por el filtro de hit tardonoventero, de pop-punk alternativo pulcro (y por favor, leed lo de pulcro como un piropo). En ‘Una sacsejada’ Aida mejora esta fórmula de melodías pegadizas, guitarras espitosas, sintetizadores ochenteros, melancolía y duración ajustadísima. Nada sobra, nada falta.
‘No ha parat de ploure’, con su inicio a base de teclado lluvioso, su equilibrio entre calma/ruido, euforia/melancolía y sus ¡dos estribillos!, debería ser ya un hit. Pero no es el único. El disco está lleno de pepinazos: ‘Vull sortir i no puc’ empieza como una balada synth pop, para despegar a continuación con un subidón. Se pega cosa mala, especialmente cuando Aida canta “em moro, no puc estar així tota la vida” (“me muero, no puedo estar así toda la vida”).
GUINEU se desparrama en la melancolía acelerada de ‘Un riu, una platja’. Y luego llegan los dos puntos álgidos de este disco: ‘No ho supero’, que destila toda la nostalgia de echar de menos un pasado que, aunque reciente, no deja de ser pasado. Todo en apenas 2 minutos y 15 segundos: “Te’n recordes? Èrem felices i no ho sabíem” (“¿Te acuerdas? Éramos felices y no lo sabíamos”). El segundo cénit es el single de presentación ‘Què em passa (No sé què faig)’, una rendida y espídica declaración de amor que arrasa neuronas
Pero no todo es nostalgia y amor. También hay costumbrismo de varios tipos: el adolescente, el de los amigos que no saben qué (te) quieren en ‘Què vols de mi?’. El de especulación vital en ‘No sé’. Y el amargo en ‘De bones’. Su inicio levemente The Cure puede confundir, porque es otro dechado de punk-pop urgente: un lamento sobre la expareja que triunfa en la vida después de haberte dejado tirada. GUINEU logra hacer cuqui una canción que destila bastante bilis: “Una bona melodía per odiar amb bon gust els dimonis que m’inspires” (“Una buena melodía para odiar con buen gusto los demonios que me inspiran”). Esos versos son casi, casi la definición del disco.
En ‘Una sacsejada’ GUINEU logra el equilibrio entre ser comercial y muy personal. La deberían adorar tanto los que solo escuchan música en RAC 105, las y los skate kids, los adolescentes alternativos de hoy, como las señoras y señores que vivimos nuestra adolescencia en los 90.
Hoy 19 de mayo se publican los nuevos discos de Kesha, Lisasinson, Lewis Capaldi, Isolée, Tanlines, Tinariwen, Mandy Indiana, bar italia, Daniel Avery, Sufjan Stevens… Los recopilamos como siempre en nuestra playlist de novedades READY FOR THE WEEKEND.
Además, como os hemos venido contando, hay suculentos adelantos de los nuevos álbumes de Blur, Kylie Minogue, Róisín Murphy, Anohni and the Johnsons, o Genesis Owusu, algunos de los cuales no esperábamos en absoluto.
Rigoberta Bandini y Chanel vuelven a coincidir en día de lanzamiento como en los tiempos de ‘Ay Mamá’ y ‘Slomo’, cada una con un tema veraniego totalmente sui generis. También lanzan single Bad Bunny, Post Malone, Maroon 5, Foo Fighters, Kelly Clarkson, Ana Tijoux (parte de su primer disco en 9 años), Zara Larsson, H.E.R., etcétera.
Entre las curiosidades del día, a Jason Derulo le ha dado por samplear a Dido y Anne-Marie saca tema con Shania Twain.
Es día de lanzamiento igualmente en el underground patrio y ahí tenemos que atender a novedades de gente tan interesante como BRONQUIO, Cariño, Anne Lukin, Blanco Palamera, airu, Tórtel, yavy, Melenas, RRUCCULLA…
Este viernes aparece entre las novedades del día un tema nuevo de Lana del Rey. Tan solo un par de meses después de su último disco, ‘Did you know…’, del que todavía no nos hemos recuperado.
El lanzamiento de ‘Say Yes to Heaven’ responde a las demandas de TikTok. Pensada inicialmente para ‘Ultraviolence’, pero descartada de aquel disco, y después de ‘Honeymoon’ y ‘Lust for Life’, la canción no ha dejado de circular por la red de diferentes formas. La Wikipedia de fans de Lana da los detalles sobre de qué manera ha pululado por la red desde 2016, especialmente.
En los últimos tiempos ’Say Yes to Heaven’ ha protagonizado decenas de vídeos en TikTok, algunos muy virales. Y en parte ha circulado en una versión “sped up”, lo que ha producido que Lana del Rey dé su brazo a torcer, y no solo comparta una versión definitiva de la canción, sino una versión “sped up” que sin duda será incluida en las correspondientes playlists sobre temas acelerados de TikTok.
En cuanto al tema en sí, escrito junto a Rick Nowels, no es que estemos ante la canción más compleja de Lana del Rey. De hecho, su texto es uno de los más sencillos que le hemos visto recientemente. “Si bailas, yo bailaré / Si no, me iré bailando (…) Di que sí al cielo, dime que sí a mí”. ¿Quizá de ahí su éxito? Como curiosidad, incluye una referencia a John Lennon, en concreto a “Give peace a chance”.
Respecto a las canciones de su último disco ‘Did you know…’, ya solo ‘A&W’ resiste entre las más escuchadas de Lana del Rey en Spotify. Ni rastro de su nuevo single ‘Candy Necklace’ pese a su vídeo de buena producción. Veremos si una de las dos versiones de ‘Say Yes to Heaven’ no es precisamente la responsable de echar todo rastro de su nuevo disco de su top…
Bad Bunny tiene varias canciones entre las más escuchadas ahora mismo a nivel global. Quizá le haya pillado por sorpresa la aceptación de su colabo con Grupo Frontera, que ha sido número 1 mundial en Spotify. Pero es que también se continúa escuchando ‘Coco Chanel’ para Eladio Carrión.
Varias canciones de ‘Un verano sin ti’ siguen en el top 200 a nivel global, como ‘Me porto bonito’, ‘Ojitos lindos’ o ‘Tití me preguntó’, pero él quiere más. Por eso entre las novedades de este viernes llega un nuevo tema llamado ‘Where She Goes’. Un tema que a pesar de su título no está en inglés. Es nuestra «Canción del Día» hoy.
Por un lado, ‘Where She Goes’ es una canción de desamor, celos y despecho («Baby, dime la verdad, si te olvidaste de mí, yo sé que fue una noche no más, que no se vuelve a repetir»). Se dirige a una persona con la que solo estuvo en una ocasión. Y por otro, es una balada amarga que luego se acelera, dejando entrever un ritmo house próximo a la cultura ball, entre otras referencias noventeras. La atmósfera es oscura, en sintonía con el vídeo de corte onírico.
El vídeo es una travesía de Bad Bunny por el desierto de California, en el que mientras se pregunta «dónde está ese totito», se le aparece una fiesta orgiástica ilegal, en la que abundan los invitados y las invitadas, y en la que las gallinas hacen playback. Entre los invitados especiales figuran Ronaldinho, Frank Ocean, Lil Uzi Vert, Dominic Fike… y otros que podéis encontrar al final en los créditos de la canción.
Por otro lado, en el vídeo aparece un tablón anunciando algo llamado ‘NADIE SABE’, que hay quien cree que puede ser un nuevo álbum del cantante. Es demasiado pronto, pero solo hay que recordar la cantidad de lanzamientos que aglutinó alrededor de 2020. De momento, ‘WHERE SHE GOES’ ha sido abrazada por la playlist de Spotify más influyente, Today’s Top Hits, por lo que una anécdota en su carrera no va a ser.
El cóctel de los Premios MIN previo a la celebración de la gala es un “quién es quién” del indie nacional, una “Sesión de control” que ha cobrado vida. En la alfombra roja, la presentadora Samantha Hudson responde preguntas de la prensa mientras Nacho Vegas espera atrás su turno, mirando al horizonte. De un lado Karmento saluda feliz a viejos conocidos. Del otro comparten un rato de charla Carlangas y Javiera Mena. Bajas la cabeza, la subes y te encuentras a Christina Rosenvinge. Haces “chas” y La La Love You aparecen (a tu lado). De mimosa en mimosa, de canapé en canapé, mientras un grupo de jazz como llegado de 1940 ameniza el ambiente, el momento de los MIN va llegando.
Alojándose este año en Palma de Mallorca, además coincidiendo en el tiempo con el Mallorca Live, los premios MIN se entregan en el Auditorium y miman especialmente el trabajo de Los Estanques y Anni B Sweet, grandes ganadores de la velada con 5 premios por delante de las favoritas iniciales, Tanxugueiras, que se llevan 2 (y muy agradecidas). También Biznaga pisan repetidas veces el escenario, mientras shego recogen su estatuilla con especial entusiasmo, celebrando a las mujeres músicas y sobre todo “a las lesbianas”.
También Las Migas piden aceptando su premio que haya “más mujeres encima de los escenarios”, en una clara reivindicación de la equidad en los carteles de los festivales. Pronuncian estas palabras en la misma noche en que Samantha Hudson recuerda que nunca los premios MIN han contado con tantas mujeres nominadas. Lo irónico es que lo cuenta justo antes de que se entregue el premio a Mejor Letra a Xavibo, el único “chico cis heterosexual” nominado en esta categoría.
Solo podía ser un acierto contar con Samantha Hudson como maestra de ceremonias, y sus continuas apariciones en el escenario son lo más esperado de la noche. Hudson abre el show con un pedazo de actuación, acompañada por un “homosexual que toca el piano” de identidad desconocida. Canta ‘Fes-me el favor’, una balada sobre dejarse llevar en la que la “Norma Duval de la izquierda” exhibe sus grandes dotes vocales, las cuales quizás no habías adivinado escuchando ‘Adicta al sonido’, por ejemplo. Hudson aprovecha por supuesto para celebrar sus raíces mallorquinas, pues ella quiere ser la “Mesías de las Islas Baleares”, y se supera varias veces a lo largo de la gala, sobre todo cuando se ríe de sí misma, pero también cuando alude al consumo de Popper que representa “un Juernes cualquiera para Froilán” o cuando hablando de la presencia de mujeres en las nominaciones, asegura no querer asumir el género de nadie porque “Zahara últimamente está muy no binaria”».
Entre premio y premio se suceden las actuaciones en directo: Karmento vuelve a enamorar con ‘Quiero y duelo’, Las Migas animan el ambiente con su alegre rumba, Xavibo con la frescura de la “generación Z”, shego disparan su furia guitarrera, La La Love You inyectan su energía punk-pop con ‘El principio de algo’, O-ERRA se montan un show disco-teatral y Los Estanques y Anni B Sweet, cual ganadores de Eurovisión, tocan últimos.
A Hudson su “querido y bello púbico” (sic) le resulta un pulso en varios momentos. Ni una, ni dos, ni tres veces Hudson se sale de guion (aparentemente) para subrayar -no tan en serio- el “coñazo” que está siendo la gala. Ella se refiere a todas las galas en general pero esta en concreto cuenta con invitados a los que no les apetece demasiado seguirle el juego. Cuando Hudson pregunta a Biznaga “qué hace falta para ser una estrella del rock”, la respuesta en resumen es “no sabe / no contesta”. Ginebras derivan una pregunta relacionada con ‘Élite’ a Los Estanques, por alguna razón. A Anni B Sweet tampoco le apetece comentar la variedad escala “TDAH” de su disco. “Sois más escuetos que un vaso de tubo; así es el indie en España”, concluye Hudson provocando las risas de los presentes.
De hecho, muchos de los artistas presentes en los MIN reconocen no haberse preparado un discurso. No esperan ganar (un poco raro estando nominados). Llegado el quinto premio, cuando no le ha dado tiempo a sentarse y ya está aceptando otro, Anni B Sweet ya no sabe qué decir y busca a Iñigo Bregel con la mirada en busca de ayuda. Iñigo, la persona más divertida de la noche después de Samantha Hudson, sabe hacerte reír repitiendo como un loro el mismo discurso una y otra vez, sacando a relucir el absurdo de una gala de premios que el año pasado entregó ocho galardones a Zahara mientras esta comparecía durante 2 horas por videoconferencia… algo que vuelve a suceder en la ceremonia de esta noche cuando la ubetense recibe el premio al Mejor directo por ‘La Puta RAVE’.
Quien sí viene con discurso pensado es Christina Rosenvinge, que acepta el premio honorífico. En un vídeo introductorio celebran su enorme contribución a la música artistas que van de Alaska a Maria Arnal pasando por Nacho Vegas, quien da las gracias a Rosenvinge por haberle hecho revisarse desde un punto de vista feminista. Rosenvinge se muestra encantada: «es curioso ver a tu ex dándote las gracias por haberle echado la bronca». A Rosenvinge habría que darle otro Premio Nacional de las Músicas Actuales solo por sus palabras de agradecimiento: “Considero que todos los que estamos aquí compartimos la misma travesía, mientras que en estas aguas hay un montón de transatlánticos, cruceros y tiburones, nosotros vamos con nuestros pequeños barquitos surcando las aguas y superando tormentas. Todos aquellos que publicáis nuestros discos sois nuestros héroes, ya que la parte divertida nos la llevamos nosotros”.
En la «after party», unas pocas caras conocidas queman la noche. Vicente Navarro lo da todo con ‘SAOKO’ a pesar de no haber recogido ninguno de los premios a los que optaba, Karmento baila que baila, La La Love You hacen grupito, Anni B Sweet se toma una cerveza. Entre hits de Rigoberta Bandini y Bad Gyal sonando a todo trapo, termina la noche del indie en Mallorca.
Blur están a punto de actuar en Primavera Sound tanto en Madrid como en Barcelona. Sabíamos que nos presentarían sus «greatest hits», pero no un trabajo nuevo, y lo cierto es que lo habrá. Será el primero en 8 años, desde que editaran ‘The Magic Whip‘.
El disco se llama ‘The Ballad of Darren’ y no saldrá hasta el 21 de julio, pero ya podemos escuchar el primer sencillo, que se llama ‘The Narcissist’. Una canción guitarrera que busca un final épico, al que llega por acumulación de elementos, recordando tímidamente al final de ‘On Your Own’.
Todos los miembros de Blur han querido tener unas palabras sobre su regreso al estudio:
Damon Albarn: “Este es un disco de réplica, una reflexión y un comentario sobre dónde nos encontramos ahora”.
Graham Coxon: “Cuanto más envejecemos y más locos nos volvemos, se hace más esencial que lo que toquemos esté cargado de la emoción y la intención correctas. A veces, únicamente un riff no hace el trabajo”.
Alex James: “Para que cualquier relación a largo plazo dure y tenga sentido, tienes que ser capaz de sorprenderte el uno al otro de alguna manera y de alguna manera todos seguimos haciéndolo”.
Dave Rowntree: “Siempre ha sido muy natural hacer música juntos. Con cada disco que hacemos, el proceso revela algo nuevo y nos desarrollamos como banda. No damos eso por sentado”.
Os dejamos con el tracklist del largo.
01 The Ballad
02 St Charles Square
03 Barbaric
04 Russian Strings
05 The Everglades (For Leonard)
06 The Narcissist
07 Goodbye Albert
08 Far Away Island
09 Avalon
10 The Heights
Hoy se conocen los horarios de la 30ª edición de Sónar, que se celebra entre los días 15 y 17 de junio en Barcelona con las actuaciones de gente como Aphex Twin, Fever Ray, Shygirl, Oneohtrix Point Never o Richie Hawtin.
El jueves 15, como es habitual, solo hay jornada de día, con gente como Marina Herlop actuando a las 17.00, Oneohtrix Point Never haciéndolo a las 18.45, Koda9 con ‘Escapology’ a eso de las 20.20 y Black Coffee cerrando la noche entre 22.00 y 0.00 horas.
El Sónar de Día volverá el viernes 16 ya en la primera jornada completa, con Ralphie Choo actuando tan pronto como a las 15.30. Albany, Crystal Murray y Desert estarán sobre el escenario a eso de las seis de la tarde, mientras The Blessed Madonna actuará entre 20.10 y 22.00 horas. A la misma hora se podrá ver el show 3D/AV de Max Cooper.
Ya en Sonar de Noche, Aphex Twin saldrá a las 22.10, Fever Ray lo hará a las 23.40, Shygirl a la 1.05 y BICEP a la 1.40, en parte coincidiendo con ella. La madrugada será de nombres como Peggy Gou (3.05) y Honey Dijon (3.20), entre muchos otros.
El sábado 17 habrá que ir pronto a Sónar de Día para ver gente como La Niña Jacarandá o la gran revelación nacional Dinamarca. En torno a las 19.30 habrá que escoger entre 2manydj’s invite Peach & Tiga y el set de Sticky M.A. Este último se solapará con Lucrecia Dalt. Horse Meat Disco x Prosumer despedirá Sónar de Día entre 22.05 y 0.00.
Ya en Sónar de Noche Eric Prydz y Koreless coincidirán a eso de las 22.30 mientras Samantha Hudson saldrá a las 23.20. Bad Gyal actuará a las 23.55 lo cual no debería ser un problema porque el set de Samantha está programado 40 minutos. A La Zowi le ha tocado de madrugada (2.05), aunque no tanto como a Little Simz, programada entre 2.50 y 3.50 horas, justo al mismo tiempo que el DJ set de rusowsky. La noche terminará con nombres como Richie Hawtin (4.05) y Angel Molina (5.30).
Bilbao BBK Live anuncia hoy sus horarios. Como sabéis, el festival se celebra entre los días 6 y 8 julio, con JENESAISPOP como medio colaborador y artistas de primera línea como Florence + the Machine, Arctic Monkeys, Fever Ray, etcétera.
El jueves 6 Florence + the Machine actuará a eso de las 22.40, inmediatamente después de M83 e inmediatamente antes de Fever Ray, sin coincidir con ninguno de los dos. A primera hora de la tarde, hacia las 20.00 podrás escoger entre Dry Cleaning y Amaia. Otras actuaciones que podrás ver este día serán las de Villano Antillano, Desire… y ya en la madrugada The Chemical Brothers y Arca.
El viernes 7 Albany y La Plazuela actuarán algo antes de las 18.30 y a la vez. También en torno a las 21.30 habrá que escoger entre Róisín Murphy, Nanpa Básico y Maria Escarmiento. Pavement coincidirá con The Murder Capital, y Phoenix con Daniel Avery. La madrugada será muy diferente a la del día anterior: The Blaze y Baiuca coincidirán algo antes de las 2 de la mañana, y La Élite coincidirá con Jamie xx a partir de las 3.
Finalmente, el sábado 8 los grandes cabezas de cartel Arctic Monkeys actuarán al mismo tiempo que Rojuu, en torno a las 23.00 horas aproximadamente. Love of Lesbian coincidirán antes de eso con 070 Shake (¿acaso compartirán algo de público?), y Young Fathers con Idles tras la medianoche. Dado el éxito de Arde Bogotá, quizá se esté muy a gusto en el concierto de Röyksopp de la 1.50 de la madrugada.
Para posibles cambios, os recomendamos consultar siempre la web oficial de Bilbao BBK Live, donde podéis conseguir también vuestras entradas y abonos como es habitual.
«Padam Padam» era el título de una de las canciones más célebres de Édith Piaf, y desde este año lo es de uno de los singles de Kylie Minogue. Si no te has enterado, desde luego no ha sido por falta de filtraciones. La autora de ‘Fever’ aspira a dejar atrás ese mal sabor de boca con el lanzamiento oficial de ‘Padam Padam’, que llega a la vez que su videoclip.
El disco ‘Tension’, que no saldrá hasta el 22 de septiembre, se compone según información de BMG de «11 pistas plagadas de alegres melodías pop que buscan el placer y hacernos aprovechar el momento». Aseguran que será un disco «lleno de canciones pop sensuales destinadas a la pista de baile, eufóricas y empoderadas». Conocemos de hecho una de las pistas del disco, la divertida y formulaica ’10 out of 10′ con Oliver Heldens, pero es más divertido que ‘Padam Padam’ se considere el primer single oficial y no contenga featurings, porque es una producción con más matices.
Producida por Lostboy (Griff, Anne-Marie, Tiesto), ‘Padam Padam’ presenta un beat más oscuro. Antes de que el estribillo brille o se tuerza -según como se mire-, la cosa parecía encaminada a transitar territorios próximos a Jon Hopkins. Al principio Minogue nos está hablando de los escalofríos que siente al mirarte, de alguien que le resulta familiar, de cómo se va a instalar en tu cerebro todo el fin de semana, de cómo va a acabar todo esto… y en ese momento no parece que nada de esto vaya a ser necesariamente algo bueno.
A la sensación de intriga contribuye el vídeo dirigido por la omnipresente Sophie Muller. Lo ha apostado todo al color rojo, y en este contexto no se sabe muy bien si este es el color del amor, o realmente el del demonio. Ciertos efectos sonoros, la post-producción de algunos planos de la coreografía y el propio martilleo de los «padam» apuntan más bien a lo segundo.
Kylie ha declarado sobre este disco: «Empecé este álbum con la mente abierta y una página en blanco. A diferencia de mis últimos dos álbumes, no había un «tema», se trataba de encontrar el corazón, la diversión o la fantasía de ese momento y siempre tratar de usarla a favor de la canción. Quería celebrar la individualidad de cada tema y sumergirme en esa libertad. Diría que es una mezcla de reflexión personal, rendición al club y subidón melancólico”.
Shakira publicaba el pasado viernes un baladón a piano llamado ‘Acróstico’. El tema recibe su nombre de que las iniciales del primer verso forman el nombre de su hijo MILAN, y las iniciales del segundo verso forman el nombre de su otro hijo, SASHA. Además de formar sendos «acrósticos», Milan y Sasha cantan en el tema y aparecen en el videoclip tocando el piano junto a su madre.
Los tres hablan de un amor que «sirve de anestesia al dolor», que «hace que me sienta mejor». «Para lo que necesites estoy / Viniste a completar lo que soy» plantea de manera sencilla esta composición que Shakira ha escrito con “Keityn”, “Lexuz” y Luis Fernando Ochoa, este último su hombre de confianza desde los tiempos de ‘Pies descalzos’ allá por 1995, mucho antes de que Milan y Sasha nacieran siquiera.
El tema parecía que iba a ser una anécdota como creada para cerrar el disco que prepara Shakira. Una cosa simpática e inofensiva. No ha sido el caso. El tema ha gustado, quizá por su brevedad o por el modo en que la familia va repitiendo la misma melodía, reforzando la idea de amor entre sí. Por mucho que ‘Acróstico’ hubiera podido ser calificada como «ñoña», no ha dejado de subir en listas desde su lanzamiento.
‘Acróstico’ tuvo una entrada modesta en Spotify España, en el puesto 44. Llegó incluso a caer del top 50, pero ahora no para de subir y no toca techo, animada por su vídeo. Tras ser aceptada en la playlist Éxitos España, ha escalado lugares, y en la última lista conocida, sube del puesto 3 al puesto 1. Un rarísimo sleeper que va a ser una de las anti-canciones del verano.
En cuanto al mercado internacional, Colombia, Venezuela y México son sus principales mercados tras España, quizá el país donde más familiarizados estamos con Milan y Sasha por ser también hijos de Gerard Piqué. Aunque hay que empezar a hablar de lo que está subiendo el tema en Estados Unidos.
Ahora mismo escala al puesto 154 en Spotify USA, por lo que una entrada en el Billboard Hot 100, si esto sigue así, no es descartable. ‘Acróstico’ asciende igualmente al número 11 del Global de Spotify, ya con 10 millones de reproducciones en 5 días.
Dice Rockdelux que este es el «mejor trabajo hasta la fecha» de PUTOCHINOMARICÓN. «Afong» es la primera parte de un disco cuádruple y ya supone en sí misma una obra compleja y esquinada sobre la que sabremos más en un futuro muy cercano. Elefant promete la segunda parte dentro de «unos cuantos días».
El proyecto conjunto recibe el nombre de «SMHD (Arte Contenido)». SMHD es el acrónimo de «segundos, minutos, horas, días» y este «Afong» que tenemos entre manos apelaría a los «Minutos». En cuanto a Arte Contenido, Chenta Tsai quiere hablarnos del conflicto entre creador de contenido y artista, de la búsqueda de autenticidad en un contexto de identidades clonadas. Para ello se ha inspirado en Afong Moy, la primera imigrante china en llegar a Estados Unidos en 1834. Allí fue exhibida como «la dama china», lo cual conlleva una reflexión sobre estereotipos e identidades. Se pregunta Chenta qué es la identidad, si algo estático y constante; y si podemos tener múltiples identidades.
Estas preguntas que siempre han pululado por su obra, tanto la musical como la literaria, se rebozan en este disco de 7 canciones en un fondo que sería reduccionista considerar meramente hyperpop. La ‘íntró [éstádó cónstánté dé críngé]’ ya suena de alguna manera a hit de la era Madchester, y lo que define estas composiciones es su constante cambio de estadio, quizá en metáfora de nuestra propia evolución como personas. Tomando el single principal de «Afong», es fácil discernir dónde empieza y termina ‘síndrómé dél ímpóstór‘, cuál es la parte ‘nó mérécé lá péná’ (la más melódica) y que ‘párá nó dár péná’ es la outro. Una colaboración con la poetisa Berna Wang.
También colabora Paloma Chen en ‘ámóré (ábró híló – té ódíó) / chínító dé ámól’, y en la producción, desde Moscú, New Sylveon, en este caso en ‘ántífá káwáíí’. El sonido Kocmo-pok («space disco» en ruso) hace de esta tercera pista una de las más aplastantes, mientras otras optan por los resquicios R&B que PUTOCHINOMARICÓN también trabajó desde el principio. La mencionada «ámóré» podría estar sampleando a Mariah Carey, a Toni Braxton o a alguien así. Un background también presente en ‘pólly dé hácéndádó’, antes de que esta mute en ‘lá gállíná cápónátá’, en la que puedes oírla cacarear, sin llegar a los límites irritantes de este remix de ORTIGA.
En los textos, PUTOCHINOMARICÓN, como siempre, opta por la literalidad total, lanzando cuestiones como «¿Quién nos retrata? ¿Quién nos mira detrás de la cámara?» o «¿Qué es ‘tu visibilidad’? ¿Qué quieres ‘visibilizar’?», como plantea ya en la «íntró» del disco. Los temas hablan de la madurez («no merece la pena explicarle / no te escuchará, aunque te dé mucha pena»), de la búsqueda de la identidad en las nuevas tecnologías (‘mámá hé mátádó á ún sím’) y de la búsqueda de la felicidad en las tonterías de la vida cotidiana. «Hácéndádó» comienza preguntando por un humus de lentejas retirado del mercado.
El tema en el que mejor confluye lo que se quiere contar con texto y música es el final ‘dé dóndé víénés / ní dé áqúí ní dé állá’. PUTOCHINOMARICÓN, que ya colocara su pasaporte español en la portada de un disco para recordarnos su nacionalidad, se refugia aquí en la copla para reproducir preguntas que ha tenido que escuchar demasiadas veces, como «¿De dónde son tus padres?» o «¿Qué pone en tus papeles y en tu documento nacional de identidad?». Pero por supuesto no es una copla al uso, sino que está adulterada hasta decir «basta». Por suerte, no ha escuchado tal voz al producir este disco, en el que ha cabido la voz de un generador text-to-speech chino hablando en español, instrumentos chinos glitcheados hasta quedar irreconocibles, un montón de tildes para tocar las narices del redactor pertinente y un procesamiento extremo de frecuencias. Una aventura sónica que no da una respuesta firme a su pregunta principal sobre la identidad, sino muchas y diversas.
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