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Bizarrap y Milo J no pueden con Iñigo Quintero en Singles España

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Iñigo Quintero repite por segunda semana consecutiva en el número 1 de Singles España. Su canción ‘Si No Estás’ ha logrado traspasar todas las fronteras y ya es todo un éxito global. El tema, que se publicó en septiembre del año pasado, se viralizó hace unas semanas en redes sociales y parece que todavía no ha tocado techo.

Es precisamente el fenómeno de Iñigo Quintero el que impide al argentino Bizarrap conseguir otro número 1 en nuestro país. Su nueva canción junto a Milo J debutó en la posición 53 con apenas solo unos días de seguimiento, pero asciende hasta el segundo puesto tras su primera semana de seguimiento completa. Los otros temas de los cantantes, ‘Fruto’, ‘Toy En El Mic’, ‘No Soy Eterno’, ‘Penas de Antaño’, entran en el 22, 40, 46 y 63 respectivamente.

El nuevo single de Quevedo con Soge Culebra y Garabatto, ‘No pienso llamar’, se convierte en la entrada más alta de la semana con su debut en la posición 13. La colaboración combina sonidos electrónicos con el reggaeton que caracteriza a los artistas.

Por otro lado, Morad, Dellafuente y Beny JR también consiguen destacar un puesto abajo con ‘No estuviste en lo malo’, el remix de una de las canciones más exitosas del último disco de Morad, ‘Reinsertado’, publicado antes de verano.

Drake vuelve a aparecer en la lista gracias a su tema con Bad Bunny, ‘Gently’. Pertenece al recién publicado disco del rapero, ‘For All The Dogs’, y se volvió viral por los versos que Drake se animó a cantar en español. Entra directa al puesto 43.

Feid también protagoniza una nueva entrada gracias a su canción ‘Ferxxo 30’, que debuta en la posición 45 impulsada por el lanzamiento del álbum ‘MOR, No Le Temas A La Oscuridad’.

Melendi continúa celebrando su trayectoria musical y saca otro de sus temas estrella en compañía de otro artista. En esta ocasión, su ‘Hablando en Plata’ junto a Hens entra en el puesto 82, un buen debut que supone la continuación de su colaboración con Manuel Carrasco en ‘Con La Luna Llena’.

Finalizando la lista, encontramos las entradas de Soolking y Gazo con ‘Casanova’ en el 93, ‘Diluvio’ de Rauw Alejandro en el 95 y el tema inglés ‘Greedy’ de Tate McRae en el 97.









Por qué Ariana Grande no puede hablar de su nuevo álbum

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Ya van tres años desde que Ariana Grande publicase ‘positions’, su sexto trabajo discográfico. Desde entonces, la artista no había dado detalles sobre el estado de su próximo álbum. Hasta ahora. Ariana Grande ha dicho a un fan que todavía no ha hecho su disco, aclarando que su regreso musical no está cerca.

La confesión tuvo lugar anoche, cuando la artista se encontró en la calle a algunos de sus fans. Estos le preguntaron sobre el título de su próximo álbum y ella sorprendió con su rotunda respuesta: «Déjame hacerlo primero».

Con esa declaración, Ariana Grande deja claro que su séptimo disco no es su máxima prioridad en estos momentos, lo que ampliará considerablemente la espera para poder escucharlo. Esto contrasta con su anterior periodo de lanzamiento, cuando sacó hasta tres álbumes en tres años consecutivos: ‘Sweetener’ (2018), ‘thank u, next’ (2019) y ‘positions’ (2020).

El último movimiento musical de la artista fue el pasado 25 de agosto, cuando lanzó una nueva edición de su disco debut ‘Yours Truly’ en conmemoración de su décimo aniversario.


Bad Bunny / nadie sabe lo que va a pasar mañana

Bad Bunny no es feliz. Solo cuando se pone a ver fotos viejas. Hace tiempo que no ve a su terapista. Se siente solo a veces, no tiene a nadie al lado. La industria le aburre y piensa retirarse a los 33. Se siente solo -insiste-, incluso en un estadio con 100.000 personas. Estas son algunas de las muchas confesiones que escuchamos en su nuevo disco, un nuevo compendio de hasta 22 canciones y más de una hora de duración, un nuevo testimonio de hasta qué punto le gustan las cosas bien grandes. Anden, o no anden.

El caballo que ganó un millón de dólares en Puerto Rico (‘Vuelve Candy B’), dos jugadores de lucha libre del mismo lugar (‘Thunder y Lightning’) y los corredores de Fórmula 1 (‘MÓNACO’) son a quienes Benito se equipara en este momento de enorme éxito profesional. Varias veces en este proyecto menciona a Michael Jackson, se ve en la liga de Rihanna y Madonna, a la que samplea en ‘VOU 787’, va por ahí con un equipo de seguridad como el de Joe Biden. ‘Un verano sin ti‘, en español y todo, lideró el Billboard 200 durante semanas y semanas tras su edición el año pasado. Ha sido su pelotazo definitivo, el que le acerca a ser lo que en el mundo anglosajón se llama «billonario», y que le permite un nuevo juego de palabras en ‘NO ME QUIERO CASAR’: «Ya mismo me hago bi, sin dejar de ser hetero». Pero no, todo ese dinero no le ha dado la paz, como se encarga de narrar durante los 6 minutos que dura el primer corte de este proyecto, ‘NADIE SABE’.

Estamos en ese momento ante un Bad Bunny más espiritual, algo perceptible en el tono de la canción, en los arreglos de cuerda, o en el final coral inspirado aparentemente en el Kanye West más religioso. La letra, como todo el disco, es un armatoste de contradicciones. Por un lado, farda de ser «la estrella más grande en el mundo entero». En la frase siguiente dice que no le importa. Si te preguntas por qué entonces se pasa el resto del disco recordando sus logros estadísticos, esto es solo el principio. En un momento dice que no es reggaetonero ni trapero, pero luego aparece casi todo el álbum a un beat de trap pegado. En otro parece aceptar que «siempre alguien te va a amar y siempre alguien te va a odiar», pero luego no deja de cargar contra sus «haters», muy especialmente contra los podcasters que le han criticado. Un tema que aparece hasta en 3 de estas composiciones, como si importara muchísimo lo que en un podcast se dijera de Bad Bunny.

Estas contradicciones son habituales entre los raperos, siempre divididos entre la fanfarronería y la falta de autoestima. A cada frase de autoafirmación sucede una que es vulnerabilidad pura y dura. Bad Bunny no nos está contando nada que no nos hayan contado antes otras superestrellas: que la fama y el dinero no dan la felicidad. El foco está más bien, pues, en cómo nos lo cuenta. Y hay cosas positivas y menos positivas en este ‘nadie sabe lo que va a pasar mañana’.

Entre las positivas, Bad Bunny ha dejado al mundo helado al reivindicar la figura de Charles Aznavour en su nuevo single ‘MÓNACO’. El artista francés de origen armenio tuvo su discografía en inglés o incluso en español, pero digamos que no es la referencia más obvia. Benito sorprende con un sample de ‘Hier encore’, un tema de 1964, en el que Aznavour precisamente lamentaba haber desperdiciado su juventud haciendo el tonto. Tiene todo el sentido porque Bad Bunny se pasa todo este disco haciendo el tonto. Hablando de chingar sin parar, quizá como refugio para su propia depresión. Muy a menudo, recordando al protagonista de ‘Shame’.

Entre las negativas, la producción de compañeros como MAG, ARGEL o La Paciencia no deja tantos momentos imaginativos como ‘MÓNACO’. Si los discos de Bad Bunny se han ido significando por su ruptura de barreras entre géneros, por canciones que cambiaban de registro de manera tan icónica como ‘Safaera’, este «nadie sabe…» tiende a caer en los arquetipos más básicos del trap, sin las decoraciones de bossa nova, salsa o merengue de otras ocasiones. En ese sentido, suena como un proyecto algo más oscuro.

Pese a la decepción que supone esta nueva era algo exenta de lustre, color, sorpresa, ‘nadie sabe lo que va a pasar mañana’ vuelve a despuntar por encima de la media gracias al excelente flow de Bad Bunny y a su talento para rapear, a su capacidad para engorilarte (esa mención de Messi y Maradona), entristecerte (‘NADIE SABE’ se acerca a ser su ‘René’ particular), o simplemente hacerte llorar de risa, como cuando compara su «bicho» recién rasurado con la cabeza de Caillou.

Esto sucede en ‘FINA’, una de esas colaboraciones -en este caso con Young Miko- que Bad Bunny se merienda; como poco después ‘HIBIKI’ con Mora, que agradece un beat más abiertamente techno. Y es que aunque sean minoría en el álbum, hay una serie de canciones diferentes que animan la secuencia, por mucho que el público esté corriendo a devorar casi que el único tema de reggaeton de todo el álbum, la pista 19, ‘PERRO NEGRO’ junto al colombiano Feid. Y yo pensando que el reggaeton se estaba pasando de moda

Esas canciones que no tendrán tantos plays como ‘PERRO NEGRO’, pero le dan al álbum un toque de color son ‘CYBERTRUCK’, con su ritmo acelerado de dance noventero, en sintonía con el single de club rap ‘WHERE SHE GOES‘; el divertidísimo R&B de ‘LOS PITS’; ‘NO ME QUIERO CASAR’, como tocada por los sintetizadores de alguna banda de electrónica europea, acaso Kraftwerk, acaso Chemical Brothers; o la oscuridad de ‘BATICANO’. Un tema este en el que recuerda que él no ha inventado ni la marihuana ni el sexo, en una letra tan pasadísima de rosca como para concluir «Le doy por donde hace pipí y por donde hace popó». Desde que Bad Bunny hizo un vídeo sobre la violencia de género y llevó la causa trans a Saturday Night Live, le perdono casi cualquier cosa, pero ojo porque en este disco ya se atreve hasta a lanzar un beef a la empoderada Shakira: «Ahora los hombres lloran, sí, pero sin parar de facturar».

En su búsqueda de sí mismo, Bad Bunny a veces transita por territorios complicados. Lo que más parece reconfortarle es hablar de Puerto Rico, volver a su adolescencia, a su barrio, a la música que descubrió de pequeño. A falta de ver qué escriben en Estados Unidos sobre la referencia a ‘Amante Bandido’ de Miguel Bosé, ‘NO ME QUIERO CASAR’ incluye también un sample de ‘Hey Girl’ de Frankie Boy, de la mixtape ‘Playero 40’, fundamental en la historia del reggaeton; se nota que le reconforta el regreso a la calle, con Arcángel, De la Guetto y Ñengo Flow en ‘ACHO PR’.

Muy beneficiado por publicarse una semana después del disco nuevo de Drake, frente al cual suena de lo más entretenido, adictivo, a veces delirante, a veces profundo, ‘nadie sabe lo que va a pasar mañana’ va a dejar unos nuevos cuantos hits para Bad Bunny. Si fuera un disco de Michael Jackson, sería ‘Dangerous’. Puede que empiece a repetirse y su luz a apagarse, sí, pero es que cuando mola, sigue siendo el puto amo.

La película The Eras Tour de Taylor Swift arrasa en taquilla

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Se cumplen las predicciones: Taylor Swift reina indiscutiblemente en las salas de cine este fin de semana. Estrenada el 13 de octubre en todo el mundo, la película del The Eras Tour muestra las tres horas de concierto que la artista ofreció en Los Ángeles el pasado mes de agosto. Su éxito ha sido tal que solo le han bastado unos días para convertirse en la más taquillera de la historia en su género.

En realidad, solo ha tenido que esperar a su primer fin de semana para oficializar el récord, pues la película recaudó más de 100 millones de dólares con tan solo la preventa. La cifra total tras su estreno ha ascendido hasta los 130 millones, rozando los 100 en América del Norte.

De esta forma, The Eras Tour destrona la película de Never Say Never de Justin Bieber, que consiguió recaudar 41 millones de dólares en Norteamérica durante su estreno en 2011. Justin Bieber terminó su paso por las salas con una recaudación total de 138 millones de dólares mundialmente, que Taylor Swift supera con solo su primera semana en cines.

La artista también ha logrado dominar en la taquilla española, siendo número 1 este fin de semana en nuestro país y recuadando más de un millón de euros. Taylor Swift ha logrado llenar las salas de espectadores que bailaban y cantaban como si del propio concierto se tratase.


8 nombres imperdibles de MIRA 2023

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El festival MIRA de Barcelona, dedicado a las artes digitales, celebra su próxima edición los días 10 y 11 de noviembre en Fira Montjuïc. Las entradas (abonos y entradas individuales) siguen disponibles aquí. En su programación, MIRA vuelve a apostar por una variedad de músicas avanzadas que será un privilegio disfrutar en España. En este artículo repasamos ocho de los nombres clave de la programación.

Evian Christ
El beatmaker británico que se diera a conocer después de aparecer en ‘Yeezus’ de Kanye West, y que a continuación colaboraría con Travis Scott o Tinashe, ha sorprendido hace escasas semanas anunciado su disco de debut, 10 años después. ‘Revanchist’ sale el 20 de octubre apostando por los ritmos de club deconstruido que han guiado su carrera hasta ahora.

Tirzah
Una de las artistas de culto del momento, Tirzah acaba de publicar probablemente su mejor disco. Colaboradora habitual de Mica Levi, el sonido de Tirzah habita un punto medio entre el soul y el pop experimental, pero realmente es tan inclasificable como lo eran sus discos previos ‘Colourgrade’ (2021) y ‘Devotion’ (2018). Su gran éxito, ‘Make it Up’, previo a ambos, es una pequeña obra maestra del “house de habitación”.

Johnny Jewel
No necesita ninguna presentación el alma máter de Chromatics, banda ya tristemente extinta. En solitario, Johnny Jewel ha publicado casi una decena de álbumes, y sumando sus otros proyectos igualmente venerados, Glass Candy y Desire, está claro que ha regalado una gran cantidad de música al mundo. En MIRA presentará su nuevo directo. Su nuevo single, ‘The Witch’, escrito para la película ‘Holly’, está disponible desde hace unas semanas.

Special Interest
Uno de los grupos revelación favoritos de la crítica anglosajona, Special Interest está dando mucho de qué hablar gracias a su disco ‘Endure’ (2022). Con su mezcla de pop, punk, house, disco y glam, el cuarteto se está marcando unos pepinazos considerables, como ‘Herman’s House’, y lo mejor de todo es que sus directos tienen la reputación de ser realmente arrolladores.

James Holden
Antes de Evian Christ, antes de Mura Masa, antes de Koreless… estuvo James Holden. Él, que también empezó a producir música muy joven, con 19 años, es pleno responsable de mucha de la música electrónica más innovadora de las últimas dos décadas. En MIRA presentará su último disco, ‘Imagine This Is A High Dimensional Space Of All Possibilities’, un “collage de música rave para un universo paralelo”, que ha salido este año.

Mura Masa
Entre las grandes estrellas que pisarán MIRA en otoño se encuentra Mura Masa. El autor de ‘demon time’, un último disco lleno de beats coloridos y efervescentes que proponen una nueva visión del hyperpop, ya es un grande de la industria después de haber producido el macrohit ‘Boy’s a liar’ de PinkPantheress y de haber recibido una nominación a los Grammy, entre otros hitos. Últimamente ha colaborado con el madrileño Ralphie Choo en ‘Máquina culona’, y ha lanzado un par de singles sueltos.

Overmono
Los otros Tom y Ed de la electrónica que no son Chemical Brothers, pero que se llaman exactamente igual, conforman una de las grandes revelaciones que ha dejado la electrónica en el último año. Overmono , un dúo compuesto por dos hermanos- saben producir, saben samplear, son adictos a los breakbeats y lo mejor es que saben escribir hits tan incontestables como ‘So U Know’. Su disco ‘Good Lies’ no tiene desperdicio.

Hudson Mohawke bsb Nikki Nair
La electrónica maximalista de Hudson Mohawke ha convertido al escocés en una superestrella del género. Otrora colaborador de Kanye West, Mohawke ha firmado uno de los macrovirales más locos de los últimos años, gracias al tema ‘Cbat’. Su disco ‘Cry Sugar‘ (2022) ha sido otro gran golpe sobre la mesa. En MIRA, Mohawke pinchará un b2b con Nikki Nair: juntos han publicado el EP ‘Set the Roof’.

Bad Bunny lleva la crisis existencial de Aznavour al top 1 mundial

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En 1964 Charles Aznavour publicó la que sería una de sus canciones más memorables. ‘Hier encore’ era una tristísima mirada al pasado, en la que el artista recordaba los tiempos en que tenía 20 años, y reconocía haber «desperdiciado su vida y sus años de juventud». Para entonces, tenía 40 años.

‘Hier encore’ no podía ser más francesa en el modo en que se revolcaba en la pasión, en este caso en el dolor. Todo en ella era una profunda desgracia, entre los «muchos proyectos que han quedado en el aire», los «amigos que se han ido y no volverán» y los «amores que se han muerto antes siquiera de existir». Bad Bunny, que publicó su primer disco en 2018, justo el año en que moría Aznavour, revisita este clásico de la chanson en uno de los temas de su nuevo álbum. Concretamente en el single ‘MÓNACO’, nuestra Canción del Día hoy.

‘MÓNACO’, en verdad, luce como pura chulería. Bad Bunny no para de presumir de sus logros y retar a sus detractores, que ahora «ya no son raperos», sino «podcasteros». En este tema le mete a «todas las arpías», recordando que el está «primero» en el top 100 y que él se mueve por los lugares de más alto copete. «Ustedes hablando mierda y yo y los míos por Mónaco», afirma, además de decir a su enemigo número 1 que «no le conocen ni en su barrio». Los futbolistas Messi y Maradona, pilotos de Fórmula 1 o John Lennon son algunos de los nombres que utiliza engrandecerse a sí mismo. También ‘El Padrino’, lo que ha llevado al cameo de Al Pacino en un videoclip lleno de lujos.

Sin embargo, a su vez es como si Bad Bunny no se creyera del todo nada de esto, o quisiera darle la importancia justa. Situada en el contexto del disco y con semejante sample, el cantante nos está diciendo que en verdad no le importa ser el número 1. Hay que subrayar que ‘MÓNACO’ aparece en el álbum después de la confesional ‘NADIE SABE’, en la que Benito reflexiona sobre su lugar en el mundo, la fama y las cosas que realmente le preocupan. En este otro tema, cada vez que aparece el sample de ‘Hier encore’ es como si su propia conciencia le estuviera diciendo: «ojo con obsesionarte con la fama, porque estás echando toda tu juventud a perder». Por algo, en otro momento del álbum, el artista asegura que se retirará a los 33 años.

Seleccionada como «focus track» el día de lanzamiento de ‘nadie sabe lo que va a pasar mañana’, ‘MÓNACO’ ha sido aceptada en Today’s Top Hits, y por tanto es un evidente número 1 mundial en el Global de Spotify. El viernes superó los 12 millones de reproducciones, y 2 días después permanece en la cima. El tema ha sido especialmente exitoso en México y España, donde es número 1 en Spotify, y también en Estados Unidos, donde también llegó a la cima, y ahora se mantiene en el puesto 2 de dicha plataforma. Curiosamente, Francia no está a la cabeza de los países que más la están apoyando, pues recordemos que al fin y al cabo el tema está en castelllano. El tema entraba al puesto 54 del país galo, y ya ha bajado al puesto 138. Aun así, una inesperada manera de poner al genio francés en el mapa mundial.

Christine and the Queens cancela su gira por enfermedad

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Christine and the Queens ha cancelado lo que queda de la gira de presentación de su último disco, el triple ‘Paranoïa, Angels, True Love‘, que encontraremos en nuestras listas con lo mejor de 2023.

En un escueto comunicado, se informa de que el artista no podrá seguir adelante por problemas de salud. El tour, que en España pudo verse tanto en Barcelona como en Madrid de mano de Primavera Sound, tenía que retomarse este mismo fin de semana en Montreal y terminaba en París en el que se suponía el gran fin de gira a finales de noviembre.

El comunicado indica: «Red (aka Christine and the Queens) ha enfermado hoy y, por prescripción médica, se ha visto obligado a tomar la difícil decisión de cancelar el resto de conciertos de 2023. La gira iba a reiniciarse esta noche en Montreal y acabaría en París a finales de noviembre. Las devoluciones están disponibles en los puntos de compra».

Según el tour que aún aparece en su página web oficial, las fechas canceladas son unas 8 en Estados Unidos y Canadá en octubre, y 7 en Europa en noviembre. Este tramo no pasaba por España.

La pasada primavera podíamos entrevistar a Christine and the Queens y el artista nos hablaba de lo dura que era esta etapa en que hablaba de su relación con sus padres, la transexualidad o la depresión: «El disco me tiene jodido porque toda mi verdad está en él. Ojalá no tuviera que revivir ciertas cosas… (…) La gente no tiene ni idea de lo valiente que tengo que ser todo el rato. Todo el rato tengo que estar con los puños en alto. Espero un día mi música se reciba por lo que es y tener menos por lo que luchar. Lo demás está todo dicho».

Wes Anderson, Almodóvar, Guadagnino… Los mediometrajes ganan nueva vida en plataformas

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Desde que se consolidó el actual modelo de exhibición en la industria del cine, el mediometraje de ficción se convirtió en el patito feo de los formatos cinematográficos. Demasiado largo para ponerlo antes de un largometraje y demasiado corto para exhibirlo solo. O se estrenaba junto a otros tres, como “película de episodios”, o quedaba relegado a los festivales de cine. Si eran documentales, lo tenían algo más fácil, ya que solían programarse en televisión (en programas tipo ‘La noche temática’ o ‘Documentos TV’).

Ante estos condicionantes, el equivalente cinematográfico de la novela corta se convirtió en cosa de “excéntricos”, “experimentales” o primerizos (es el caso del sueco David Sandberg y su divertidísimo homenaje ochentero ‘Kung Fury’). Pocos cineastas consagrados se atrevían a filmar una película de 30 o 40 minutos que no iba a poder ver casi nadie. Solo autores “muy autores” como Tsai Ming-liang (‘Journey to the West’), Apichatpong Weerasethakul (‘Mekong Hotel’) o Bertrand Mandico (‘Ultra pulpe’) eran capaces de ajustar la duración de su película a la historia que querían contar, y no al revés.

Hubo excepciones, claro. Casi todas relacionadas con la música. Spike Jonze realizó junto a Arcade Fire y Greig Fraser (el premiadísimo director de fotografía de ‘Dune’ o ‘La noche más oscura’) ‘Scenes from the Suburbs’ (2011), un melancólico “coming of age” con conflicto armado de fondo. El propio Jonze dirigió, bajo el patrocinio de Absolut Vodka, ‘I’m Here’ (2010), una tierna historia de amor entre robots con canciones de Sleigh Bells que se puede ver como un borrador de su extraordinaria ‘Her’ (2013). Y, más recientemente, Mike Mills (‘Beginners’, ‘Mujeres del siglo XX’) realizó junto a The National la emotiva ‘I Am Easy To Find’ (2019), una especie de ‘Boyhood’ femenino con una estelar Alicia Vikander.

Pero en los últimos años esos rígidos corsés comerciales parece que se están deshilachando. En 2019, dos grandes nombres del cine europeo sorprendían con el estreno de dos mediometrajes: Luca Guadagnino con la irregular ‘The Staggering Girl’ (MUBI), un drama de narrativa dislocada a mayor gloria de Julianne Moore, y Gaspar Noé con la sugestiva ‘Lux Æterna’ (Filmin), un aquelarre metafílmico con un uso de las herramientas formales (encuadres, pantallas partidas, luz estroboscópica) enormemente estimulante. Las dos películas tenían dos poderosas firmas de moda detrás: Valentino y Saint Laurent.

A partir de ahí, los estrenos de mediometrajes se han ido sucediendo. Almodóvar ha estrenado sin problemas en todo el mundo, tanto en cines como en plataformas, ‘La voz humana’ (2020) y -también con Saint Laurent en la producción- ‘Extraña forma de vida’ (2023) (las dos disponibles en Movistar+). Y dos gigantes como Disney y Netflix han decido apostar por este formato. El primero presentó el año pasado dos mediometrajes: la encantadora ‘Le pupille’ (2022), un precioso cuento de Navidad producido por Alfonso Cuarón y rodado (en 16mm) por la gran Alice Rohrwacher (‘Lazzaro feliz’, ‘El país de las maravillas’), y ‘La maldición del Hombre Lobo’ (2022), rara avis de Marvel dirigida por el galardonado músico de Pixar Michael Giacchino, que funciona mejor desde un punto de vista estético que dramático.

Netflix, por su parte, acaba de estrenar lo último de Wes Anderson, una nueva adaptación de Roald Dahl tras la estupenda ‘Fantastic Mr. Fox’. ‘La maravillosa historia de Henry Sugar’ (2023) hace honor a su título: 40 maravillosos minutos de filigrana estilística, con un deslumbrante juego de decorados y movimientos de cámara, que ilustran una narración del cuento de Dahl casi literal, ya que los actores (estupendos Ralph Fiennes, Benedict Cumberbatch, Dev Patel, Ben Kingsley…) no solo interpretan a sus personajes sino que recitan las palabras de Dahl dirigiéndose al público. Un experimento que, por su repercusión y buen recibimiento, promete marcar un punto y aparte en la exhibición de este formato.

Hannah Diamond / Perfect Picture

La línea que separa realidad de ficción ha sido uno de los temas recurrentes en el trabajo de PC Music. En este sentido era representativo el single ‘Hey QT’, que, producido por A.G. Cook y SOPHIE, daba a conocer a una pop star imaginaria, QT, que promocionaba una bebida energética también inventada.

Entre las artífices de aquella icónica portada se encuentra Hannah Diamond, diseñadora visual, cantante y productora que también se cuenta entre las figuras emblemáticas del sello británico. En su segundo disco, ‘Perfect Picture’, Diamond vuelve a confundir realidad y ficción, por ejemplo, enamorándose de una fotografía en el monísimo tema titular, de producción más naíf imposible; o imaginando en ‘Lis Sync’ que es pop star, desde su habitación.

Es la misma habitación que aparece retratada en la portada de ‘Poster Girl’, la que llamaba la atención de Zara Larsson por el parecido con la cubierta de su último disco. En ‘Perfect Picture’, Diamond ha querido rendir homenaje a esa adolescente soñadora que se empapaba de cultura pop, y que terminó influyendo a toda una generación de artistas de hyperpop gracias a su trabajo visual.

El tema ‘Poster Girl’ sublima el concepto de ‘Perfect Picture’ con una excitante mezcla de bubblegum-pop e hyperpop que suena de lujo. Es gran responsable del magnífico sonido de ‘Perfect Picture’ nada menos que David Gamson, quien, además de tocar en la mítica banda de los 80 Scritti Politti, ha trabajado con superestrellas como Kesha, Kelly Clarkson o Jessie J, entre otras. Precisamente, ‘Want You to Know’ se basa en una antigua maqueta de Kesha y la autora de ‘Tik Tok’ aparece debidamente citada en los créditos del disco.

‘Want You to Know’ es uno de varios midtempos ochenteros incluidos en ‘Poster Girl’, pero además es el mejor de todos. Aquí, y en oros cortes, se nota que Gamson es el productor principal de ‘Perfect Picture’ y a él es fácil atribuir la deuda del álbum con el sonido de los años 80, el de esas baterías que parecían querer abrir mares (‘Perfect Picture’) o el de esos sintetizadores de estilo new wave (‘Lip Sync’) que animan todo el largo. Sin embargo, la sensibilidad futurista de Diamond lo sigue dominando todo, como esa voz permamentemente autotuneada que rara vez suena humana, pero que nunca deja de transmitir una gran vulnerabilidad.

Antiguos colaboradores como A.G. Cook o EASYFUN aparecen por ‘Perfect Picture’ de manera muy puntual, y el disco es claramente el trabajo de dos mentes que se entienden a la perfección. ‘Affirmations’, otro de los singles, es una joya de synth-pop cuya producción vocal es un espectáculo que ni el Circo del Sol; ‘No FX’ es otro buen homenaje a los 80 más grandilocuentes y ‘Staring at the Ceiling’, en realidad el primer single del disco, publicado hace un año, coquetea con el future bass mientras la voz de Diamond se fragmenta en una lluvia de píxeles y efectos de glitch. De nuevo, realidad y ficción se confunden.

Igualmente notorio es que Diamond ha crecido como compositora. Su debut, ‘Reflections’ (2019), era estupendo, pero proporcionalmente las canciones de ‘Perfect Picture’ son mejores. Es verdad que las últimas pistas de la secuencia, como ‘Twisted’, pecan de estirar las mismas ideas demasiado, pero en general todas mantienen un muy buen nivel. Entendido como homenaje al pop kitsch que ella siempre ha reivindicado, ‘Perfect Picture’ es una agradecida escucha, un estupendo disco de pop que funciona más allá del homenaje. Será uno de los lanzamientos finales de PC Music.

Gratuito y radioactivo: Erik Urano triunfa en Barcelona

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No es habitual que un artista convierta en gratuito un concierto después de una mala preventa, en lugar de cancelarlo, ni tampoco que esta idea se lleve a cabo con la colaboración de la sala donde el concierto va a tener lugar, pero Erik Urano tampoco es el típico artista. Dentro del universo de la música urbana española, Erik Martín siempre se ha desmarcado con una propuesta diferente.

El rapero de Valladolid, que lleva 10 años en activo, ha ofrecido su anunciado bolo en la Sala Apolo de Barcelona y ha llenado el recinto gracias a las invitaciones que podían descargarse previa reserva en la web de la sala. La idea de Erik Urano, atípica, ha provocado una pequeña ola de atención mediática y, en una entrevista con El Diario, Martín ha declarado que con su decisión ha querido poner en valor el mérito artístico de su propuesta, al margen de su rentabilidad, pero ha advertido de que esta decisión es excepcional y que detrás de ella se esconde un problema mayor de precariedad dentro del sector cultural, agudizado por la inestabilidad de un algoritmo que no ayuda con la promoción como debería.

Este viernes 13 de octubre, el público de la Sala Apolo ha respondido a la decisión de Erik Urano no solo acudiendo al show, sino brindando la energía adecuada. El concierto, que se enmarca dentro de la gira de ‘Radioactividad’, y que se repite -sin acceso libre- el 27 de octubre en Madrid, demuestra que los beats futuristas y apocalípticos del grime británico tienen cabida fuera de las islas. Erik Urano los reivindica por ejemplo en ‘Balaclava’, que parece una producción de Benga, aunque ni mucho menos se ciñe a ellos en un repertorio que nos lleva dos veces a ‘Matrix’, que engorda los bajos en ‘Drones’ y que llega a su auge de euforia colectiva con los agradecidos ritmos de su “reggaetón subatómico”.

En las primeras filas los fans de Erik Urano que visten camisetas de ‘Neovalladolor’ gritan la letra de ‘Matrix’ o ‘Don Data’, antes de fundirse en un divertido (y responsable) pogo incitado por el propio artista. Para sus seguidores, Urano comparte palabras de agradecimiento por apoyarle desde los inicios, aunque el rapero sabe que a su concierto gratuito también han acudido fans nuevos y curiosos. La mayoría responde con fervor cuando Urano reitera la frase «todas las noches hay purga en Gaza» de su canción de 2020 ‘Vantablack’, hoy tristemente relevante.

Nadie podría salir desencantado del bolo de Erik Urano: las producciones “radioactivas” de sus canciones (firmadas por visionarios del urban español como Merca Bae o Skyhook, que sube al escenario para rapear una canción) se crecen en el formato de directo, es donde encuentran su razón de ser, pero además el artista cuida que el show fluya, pues los beats suben de bpm a medida que el show avanza, culminando con el remix de ‘Ruptura’ de Triángulo de Amor Bizarro y finalmente con ‘Radioactividad’ y -nuevamente- ‘Matrix’. Aunque la mala suerte vuelve a golpear a Urano después de que su merch no haya podido salir del horno a punto para su puesta a la venta en la sala Apolo, el concierto se puede considerar un triunfo.

The Libertines celebran lo bueno de la vida en ‘Run Run Run’

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The Libertines vuelven a la industria musical con su primer álbum en más de 8 años. Se titula ‘All Quiet on the Eastern Esplanade’ y supondrá la continuación de su ‘Anthems for Doomed Youth’, publicado a finales de 2015. Además, el grupo también ha sacado ‘Run Run Run’, el single principal.

En realidad, todavía habrá que esperar algunos meses para escuchar el nuevo trabajo de The Libertines, pues la fecha de lanzamiento es el 8 de marzo de 2024. Sin embargo, la banda lleva trabajando en él desde otoño del año pasado, cuando se reunió con el productor Dimitri Tikovoï para hacer las 11 canciones que lo componen.

«Nuestro primer disco nació del pánico y de la incredulidad de que realmente se nos permitiera estar en un estudio; el segundo nació de la lucha y la miseria totales; el tercero nació de la complejidad; este parece como si todos estuviéramos realmente en el mismo lugar, a la misma velocidad, y realmente conectáramos», han expresado The Libertines en un comunicado.

En cuanto a la canción, ‘Run Run Run’ es un tema de rock puro que, al tratarse de la pista introductoria del disco, puede decirnos mucho acerca de qué esperar en las demás canciones. El single grita «Esta noche vamos a gastar toda la felicidad de mañana» y celebra la importancia de apartar las cosas negativas y centrarse solo en lo bueno de la vida.

Este es el tracklist de ‘All Quiet on the Eastern Esplanade’:
1. Run, Run, Run
2. Mustang
3. Have a Friend
4. Merry Old England
5. Man With the Melody
6. Oh Shit
7. Night of the Hunter
8. Baron’s Claw
9. Shiver
10. Be Young
11. Songs They Never Play on the Radio

Madonna estrena ‘The Celebration Tour’ en Londres (spoilers)

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Madonna ha dado el pistoletazo de salida a la gira ‘The Celebration Tour’ en Londres, donde ha ofrecido un set de 28 canciones repartidas en cinco actos. Con esta primera fecha comienza una gira que estaba programada para debutar en Canadá en el mes de junio, pero que hubo de ser pospuesta después de que Madonna fuera ingresada en la UCI con una infección bacteriana grave.

Crónicas como la de Rolling Stone relatan que Madonna ha aludido a su ingreso durante el primer concierto de la gira. Y da detalles inéditos: «Pensé que no sobreviviría, y tampoco lo pensaban mis médicos. Por eso me levanté rodeada de todos mis hijos. Olvidé cinco días de mi vida, o de mi muerte, realmente no sé dónde estaba. Pero los ángeles me protegían».

(SPOILERS) El primer concierto de ‘The Celebration Tour’ ha sorprendido abriendo con ‘Nothing Really Matters’, una canción que Madonna no cantaba en directo desde el año 1999. Después ha recordado los primeros éxitos de Madonna de los 80 de manera relativamente cronológica, culminando el primer acto con ‘Live to Tell’ (con recuerdo a las víctimas del sida) y ‘Like a Prayer’).

En los actos siguientes las diferentes eras de Madonna desde ‘Vogue‘ (1990) hasta ‘Confessions on a Dancefloor‘ (2005) se han ido alternando unas con otras, sin ajustarse a un orden cronológico claro, al menos, según el setlist disponible. Entre las inclusiones inesperadas se encuentran ‘Bad Girl’ y album tracks como ‘Mother and Father’, confirmando que el inédito biopic de Madonna ha inspirado la gira; mientras solo un trozo de ‘Music’ ha sonado al final del show.

Tampoco deja el setlist demasiado espacio a los últimos álbumes de Madonna: apenas se rescatan fragmentos de ‘Hard Candy’, ‘MDNA’ y ‘Madame X’ y solo ‘Bitch I’m Madonna’ al completo representa ‘Rebel Heart’, optando Ciccone por recuperar joyas perdidas como ‘Rain’ o ‘Little Star’. Hay una versión de ‘I Will Survive’ de Gloria Gaynor y trozos de canciones ajenas como ‘Unholy’ de Sam Smith y Kim Petras suenan puntualmente a lo largo del show, narran las crónicas, incluyendo otros homenajes a Sinéad O’Connor y Michael Jackson.

Entre las anécdotas que ha dejado el inicio de ‘The Celebration Tour’ acorde a la información de las crónicas disponibles, Madonna ha actuado con una venda cubriendo su pierna izquierda, y los problemas técnicos han obligado a Ciccone ha detener el concierto durante 10 minutos. Os dejamos con el setlist oficial:

1. Celebration Intro/Nothing Really Matters
2. Everybody
3. Into The Groove
4. Burning Up
5. Open Your Heart
6. Holiday
7. Live To Tell
8. Like A Prayer
9. Act of Living For Love/The 90’s (Interlude)
10. Erotica/Papa Don’t Preach
11. Justify My Love/Fever
12. Hung Up On Tokischa
13. Bad Girl
14. Vogue (Estere’s Ball)
15. Human Nature/Crazy For You
16. The Beast Within (Interlude)
17. Die Another Day
18. Don’t Tell Me
19. Mother And Father
20. Survive/La Isla Bonita/Argentina
21. I Don’t Search I Find (Interlude)
22. Bedtime Story
23. Ray of Light
24. Rain
25. Billie Jean vs. Like A Virgin
26. GMAYL/Bitch I’m Madonna

yeule / softscars

En su tercer disco, Nat Ćmiel, quien firma bajo el pseudónimo de yeule, se consolida como uno de los talentos más singulares del panorama musical alternativo. ‘Serotonin II’ transitaba entre el pop y el ambient resultando en un trabajo hipnótico y matizado que le sirvió como excelente carta de presentación; en el estupendo ‘Glitch Princess’ construyó todo un mundo digital distópico en el que, mediante su alter ego ciborg, ofrecía un sonido glitch e industrial sin renunciar a sus impulsos experimentales y atmosféricos (el álbum se cerraba con una irreverente pieza ambient de casi 5 horas). Ahora, en ‘softcars’, yeule sigue explorando sus múltiples fuentes de inspiración, llevando a su música a terrenos inexplorados hasta la fecha, distanciándose de sus dos anteriores trabajos y a su vez expandiéndolos, haciendo de su discografía un universo fascinante en el que perderse.

La primera pista, ‘x w x’, ya es una declaración de intenciones que supone una ruptura con todo su sonido anterior. Es un arranque grunge sorprendentemente enérgico, donde yeule grita sobre una atronadora percusión y una sugerente línea de guitarra. ‘sulky baby’ continúa homenajeando al rock alternativo de los 90, acercándose esta vez al shoegaze y al dream pop. Es el tipo de canción donde Ćmiel brilla: una melodía preciosa, una producción sugerente repleta de capas y una letra que vuelve a demostrar que hay pocos artistas que sepan describir la desolación de manera tan cruda y poética (“Algunos días no puede creerme que siga aquí / algunos días siento que no me quedan lágrimas por derramar”, «los sueños que persigues / se convierten en un espacio sin sentido”).

El imaginario gótico de yeule sigue ampliándose en la tercera pista, ‘softscars’, una aventura a caballo entre el glitch pop y el shoegaze donde se habla de ángeles caídos sedientos de sangre y relaciones tortuosas que duelen como puñales en el pecho. En la misma senda de enamoramientos platónicos e imposibles, la balada dream pop ‘ghosts’ -que recuerda a Broken Social Scene y su mítica ‘Anthems For a Seventeen Year-Old Girl’- emociona por su melodía anhelante, por sus manipulaciones electrónicas marca de la casa que se cuelan entre sus acordes de guitarra acústica y, por supuesto, también por ese “Solo ojos como tú pueden ver fantasmas / fantasmas como yo” al comienzo del estribillo.

En ‘dazies’, una de las mejores y más ambiciosas producciones en su catálogo, yeule alterna pasajes ruidosos donde su voz se ahoga en una instrumentación opresiva, con otros acústicos donde prácticamente solo hay voz y guitarra. La canción toma continuamente rumbos inesperados, acelerando el ritmo y ralentizándolo a su gusto hasta que desemboca en ‘fish in the pool’, una calmada pieza instrumental que funciona a modo de interludio entre la primera y la segunda parte del álbum.

En esta parte baja de la secuencia también hay lugar a sorpresas, como ‘inferno’, cuyos animados sintetizadores y su aire house la distancian considerablemente de lo que habíamos escuchado hasta ahí. Sin embargo, su integración en la secuencia brinda uno de los momentos más refrescantes del proyecto. La balada glitch ‘bloodbunny’ nos lleva por una senda parecida y nos retrotrae a ‘Glitch Princess’. Pero el grunge no tarda en volver a aparecer, ahora en ‘cyber meat’, un tema exultante con regusto cyberpunk y una melodía desenfadada y divertida. Entre sus características imágenes siniestras repletas de sangre, huesos, espinas, cuchillos y vidas alienígenas, deja espacio para celebrar su no-binarismo en el que es un momento inesperado y tierno.

Nat Ćmiel remata su álbum con ‘aphex twin flame’, una bonita balada acústica con sus habituales toques glitch que en su título referencia a una de sus clarísimas influencias, poniendo punto final a un trabajo sofisticado y atrevido, que navega siempre con solvencia entre la nostalgia y el futurismo. Las canciones de ‘softscars’ ofrecen el confort de lo ya conocido mientras que sutilmente van transportándote a distopías post-humanas fascinantes.

Michelle Williams narrará el audiolibro de Britney Spears

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Michelle Williams es el último personaje en entrar en el universo de Britney Spears. La actriz estadounidense 5 veces nominada al Óscar será la encargada de narrar el audiolibro de ‘The Woman in Me‘, la autobiografía de Spears, que se pone a la venta el 24 de octubre.

«Este libro ha sido un trabajo hecho con amor, y de muchas emociones», ha declarado Spears a People. «Revivir todo ha sido emocionante, acongojante y realmente emotivo. Por esta razón, solo voy a leer una parte del audiolibro. Estoy muy agradecida de que Michelle Williams vaya a leer el resto». Spears leerá solo la introducción de ‘The Woman in Me’, mientras Williams narrará el grueso del texto.

En ‘The Woman in Me’, Spears hablará de su vida y carrera, desde su infancia hasta la actualidad, pasando por supuesto por su experiencia viviendo sometida a una tutela legal, con su padre Jamie Spears en el cargo de tutor. Spears se liberó de la tutela en noviembre de 2021, después de 13 años, meses después de revelar su dura experiencia durante una explosiva declaración judicial.

De manera curiosa, el nuevo merchandising puesto a la venta en la página web oficial de Spears ofrece camisetas con diseños que citan frases expresadas por Spears durante su declaración. Uno de los diseños incluye la frase «I wasn’t good / I was great».

Por su parte, Michelle Williams es una de las actrices más prestigiosas de Hollywood de los últimos años. Entre las películas más populares en las que ha participado se encuentran ‘Blue Valentine’ (2010), ‘Mi semana con Marilyn’ (2011) o ‘Manchester By the Sea’ (2016), ‘The Greatest Showman’ (2017) o ‘Todo el dinero del mundo’ (2017). Williams declara, en palabras recogidas por People, que «yo estoy con Britney».

Rodrigo Cuevas ve un mundo mejor ‘Allá arribita’

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«La gente de la ciudad no sé cómo hace / que a mí las cosas de allí no me satisfacen», canta Rodrigo Cuevas en ‘Allá arribita’, una de las canciones incluidas en su nuevo disco, ‘Manual de Romería‘. Cuevas, que reside en una aldea asturiana, siempre ha defendido las ventajas de vivir en el campo en lugar de en la ciudad. «El sitio de los mayores debería ser la ciudad y el de los jóvenes el campo” es una de las declaraciones más memorables que ha dejado en un medio.

En ‘Allá arribita’, Cuevas ofrece una oda al campo. Vivir en él se equipara a la sensación de libertad. «El amor siempre me acompaña, así que canto a los ríos y a la montaña» es una de las rimas que deja la letra. En el estribillo, Cuevas, «allá arriba», en la montaña, «lanza al aire una tonada», pega «un grito» y ve el mundo «más bonito».

En la letra, Cuevas cita varios pueblos que ve desde el suyo, desde La Peruyal hasta El Curbezu, «lugares que antes tantas voces nombraron» pero que «las bocas de ahora olvidaron».

El mensaje de Cuevas viene acompañado de una composición sobresaliente, de las mejores de ‘Manual de Romería’ y de toda su carrera, pero que de momento no cuenta con su propio videoclip.

Inspirada en el pop español de los años 70, en concreto en el trabajo de Vainica Doble, ‘Allá arribita’ se acuerda de la «nueva canción» de aquella época, y con guitarras y mandolinas, decora una melodía preciosa, subida a un ritmo trotón que le hace parecer un trovador de nuestro tiempo. El reciente Premio Nacional de las Músicas Actuales es un poeta moderno.

‘la Mesías’: ¿sabrán completar Los Javis su puzzle más complejo?

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«A nosotros nos encanta España, nos encanta nuestra cultura, nuestra tele, ‘Sálvame’, la tía borracha de las bodas. Estamos orgullosos del país en el que vivimos (…) Pero por cosas distintas a las de otra gente que dice eso mismo». Javier Ambrossi y Javier Calvo fueron los primeros españoles a los que escuché pelear por resignificar la bandera de nuestro país, en 2017, durante una entrevista concedida a nuestro medio. Me acuerdo mucho de aquellas palabras, así que me ha hecho mucha gracia que su serie más ambiciosa, ‘la Mesías’, se haya estrenado durante el Puente de la Hispanidad.

Como ‘La llamada‘, ‘Paquita Salas‘ y ‘Veneno‘, ‘la Mesías’ tiene mucho de retrato de la sociedad de nuestro país, hasta el punto de que me pregunto si será tan exportable como ‘Veneno’, a la postre un pequeño hit en Estados Unidos. En su retrato de los primeros años 80, recordamos una España en la que la religión oprime, la familia puede arruinarte la vida en lugar de ayudarte a ser libre, y la escolarización no parece obligatoria.

Felipe González es un recién llegado. Un personaje que ha nacido el mismo día que Madonna se peina como Cyndi Lauper. Ese mismo personaje se ríe de otro por parecerse a Eva Nasarre. Pero también hay extraterrestres, desarraigo, prostitución, adicción al alcohol y muchísima tristeza. Sin duda alguna, este es el proyecto más oscuro de Los Javis. Porque aquí permanece su pasión por la cultura pop, tan bien aprendida de Pedro Almodóvar, pero ahora hay que sumar nombres tan siniestros como el Yorgos Lanthimos de ‘Canino’ (la familia como prisión), el Chema García Ibarra de ‘Espíritu sagrado‘ (el juego entre abusos infantiles y ovnis) o el Michael Haneke de ‘La pianista’ (esa mujer adulta que se autolesiona).

‘la Mesías’ cuenta la historia de una familia disfuncional -como muchas- a través de 30 años. Situándose en diferentes puntos entre los 80 y 2013, recorre la vida de dos hermanos inseparables en su infancia desgraciada, hasta un presente en el que ya no se hablan. La dirección de actores -su especialidad, hasta ahora- se luce sobre todo a través de Roger Casamajor, un Albert Pla en un papel impensable para un perfil como el suyo o una Amaia Romero que se ríe de sí misma al frente de un grupo de música cristiana llamado Stella Maris, vagamente inspirado en la trayectoria de Flos Mariae. A falta de ver cómo se completa el puzzle con Lola Dueñas y Carmen Machi en capítulos venideros, Ana Rujas realiza, en principio, un papel demasiado parecido al icónico e inolvidable de ‘Cardo’.

Ver cómo encaja ese puzzle en los 5 capítulos restantes va a ser fundamental para que decidamos si este es el mejor proyecto en que jamás se hayan involucrado Los Javis. De momento, todo en él va sobre ruedas: la mezcla de cine social con el lenguaje youtuber. Del dolor que causa la inacción de aquellos que tienen que protegerte, a la carcajada de un protomeme. La banda sonora seria de Refree en contraste a las hilarantes canciones que han escrito Hidrogenesse para Stella Maris (la de la alcantarilla que lleva al cielo promete mucho). ¿El extraterrestre como metáfora de aquello que más tememos? Varias capas y tramas se superponen en una serie que presume de hasta 170 personajes. Tras proyectarse en el Festival de Cine de San Sebastián, los 2 primeros episodios de ‘la Mesías’ se han subido a Movistar+. El resto lo harán en semanas venideras, recuperando la tradición de mantener al espectador en vilo a razón de un capítulo cada 7 días. No podemos esperar más para que llegue el jueves 19.

Billie Eilish no reniega de ‘bad guy’ aunque le parezca «estúpida»

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Billie Eilish ha dicho que ‘bad guy‘, su éxito de 2019, le parece «la canción más estúpida del mundo». La artista ha matizado que la canción le parece «muy buena», pero que no deja de ser «un troleo». «Tienes que tomártela con humor», señala, «la intención es que sea una canción un poco tonta, pero es divertida porque es tonta. Es literalmente, «duh», ¿qué es eso?»

Billie ha expresado estas palabras en el programa de Jimmy Kimmel y, acompañada de su hermano Finneas, ha declarado que le parece «frustrante» que otros artistas «odien su propia música», porque «entonces no sé por qué estás haciendo esto». Billie ha dicho que Finneas y ella «somos fans de lo que hacemos», y ha señalado que «a mí me encanta mi propia música, pero cambia y se transforma conmigo, a veces me da un poco de vergüenza, pero igualmente la aprecio».

Billie puede estar refiriéndose, de manera indirecta, a Doja Cat, que recientemente ha renegado públicamente de sus dos discos anteriores por considerarlos demasiado pop y «mediocres» y también dos discos hechos para «sacarles los cuartos» a sus propios seguidores.

Además de la «canción más estúpida del mundo», ‘bad guy’ también fue la canción más exitosa de 2019, superando por varios millones las escuchas de ‘Old Town Road’ de Lil Nas X.

En 2023, Billie ha triunfado con ‘What Was I Made For?’, su preciosa balada compuesta para la banda sonora de ‘Barbie’. Recientemente, Eilish ha dado pistas de que su tercer álbum de estudio se acerca, pues ha declarado que tiene «mucha música en camino».

Natalia Lacunza logra su 2º top 1 en JNSP; entran Delaporte, Judeline, Roosevelt…

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Natalia Lacunza se hace con el número 1 en JNSP al ser lo más votado en X con ‘Nunca llega 05’. La artista logra el 43% de los votos y deja ‘Tension’ de Kylie en el puesto 2.

Entre los artistas que entran están Delaporte, Judeline, Roosevelt, Blonde Redhead, Kim Petras con Paris Hilton y Steven Wilson.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 Nunca llega 05 Natalia Lacunza Vota
2 1 1 6 Tension Kylie Minogue Vota
3 6 3 2 CÓMO YE?! Rodrigo Cuevas Vota
4 4 4 2 AUTOTUNÉAME Pantera Blue Vota
5 9 4 4 Loading James Blake Vota
6 5 3 4 Loveher Romy Vota
7 18 5 4 You Knew Róisín Murphy, DJ Koze Vota
8 2 2 3 Got Me Started Troye Sivan Vota
9 8 2 4 Will Anybody Ever Love Me? Sufjan Stevens Vota
10 10 1 Me la pegué Delaporte Vota
11 23 1 20 Padam Padam Kylie Minogue Vota
12 12 1 Crushing Eartheater Vota
13 7 7 3 Deep End (Paul’s In Pieces) The National Vota
14 14 1 Ordinary Love Roosevelt Vota
15 15 1 All She Wants Kim Petras, Paris Hilton Vota
16 10 9 4 Skipping Like a Stone The Chemical Brothers, Beck Vota
17 3 3 3 get him back! Olivia Rodrigo Vota
18 12 2 6 alife Slowdive Vota
19 13 8 7 Tenochtitlán Mon Laferte Vota
20 17 12 5 Angry The Rolling Stones Vota
21 19 19 3 GATA Ralphie Choo, rusowsky Vota
22 22 1 Snowman Blonde Redhead Vota
23 11 4 7 Your Side of Town The Killers Vota
24 15 15 2 Miss Belladonna Slayyter Vota
25 21 21 2 New York Transit Queen Corinne Bailey Rae Vota
26 31 26 3 Orein Orain Belako Vota
27 32 2 11 Freak Me Now Jessie Ware, Róisín Murphy Vota
28 35 2 17 Dance the Night Dua Lipa Vota
29 36 6 10 (It Goes Like) Nanana Peggy Gou Vota
30 39 30 2 Life Is Like French 79 Vota
31 31 1 2 + 1 Judeline Vota
32 32 1 Economies of Scale Steven Wilson Vota
33 20 7 4 Heaven Mitski Vota
34 25 3 7 Single Soon Selena Gomez Vota
35 14 14 2 Mosquito PinkPantheress Vota
36 16 16 2 Agora Hills Doja Cat Vota
37 28 1 34 A&W Lana del Rey Vota
38 29 22 3 Strangers Kenya Grace Vota
39 34 5 9 bad idea right? Olivia Rodrigo Vota
40 37 33 6 Fall In Love Icona Pop Vota
Candidatos Canción Artista
My Love Mine All Mine Mitski Vota
A Running Start Sufjan Stevens Vota
Punheta! Mondra Vota
Dararí Aitana Vota
Soy un idiota PUTOCHINOMARICÓN Vota
One of Your Girls Troye Sivan Vota
Mónaco Bad Bunny Vota
Un buen día para Iván J Vota
La pared Tu Otra Bonita Vota
8am in Charlotte Drake Vota

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Cher niega haber secuestrado a su hijo

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Desde hace unos días, en redes sociales empezó a correr el rumor de que Cher había secuestrado a su hijo, Elijah Blue Allman. Por fin, la cantante ha roto el silencio en una entrevista para la revista People en la que niega que tal hecho haya sucedido.

«Ese rumor no es cierto. Soy madre. Este es mi trabajo: de una forma u otra, tratar de ayudar a mis hijos», comentaba la artista. «Haces cualquier cosa por tus hijos. Siempre que puedas ayudarlos, simplemente lo haces, porque eso es ser madre. Pero es alegría, incluso con dolor; sobre todo cuando piensas en tus hijos simplemente sonríes, los amas y tratas de estar ahí para ellos».

Aunque la artista se negó a hacer más comentarios al respecto, sí que ha hecho alusión al problema de su hijo con la adicción y el abuso de drogas. «No sufro ningún problema que no padezcan millones de personas en Estados Unidos». Pese a que la relación entre Cher y su hijo ha sido complicada a lo largo de los años, sostiene que siempre estará ahí para ellos: «Podría llenar… ni siquiera sé, algo inmenso con lo que no sé sobre la maternidad. Simplemente sigo intentándolo».

Mientras tanto, Cher se prepara para publicar más música. La cantante lanzará su primer álbum navideño en más de 60 años de trayectoria musical el próximo viernes.

Olivia Rodrigo revela que ‘Jagged Little Pill’ es su disco favorito

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Olivia Rodrigo continúa en plena promoción de ‘GUTS’, su segundo trabajo discográfico. Desde que lo publicara el pasado 8 de septiembre, la artista ha concedido entrevistas a los principales medios de comunicación. La última de ellas, a Pitchfork, donde ha revelado que ‘Jagged Little Pill’ de Alanis Morissette es su álbum favorito.

La artista quiso participar en el podcast The Pitchfork Review, donde ya había sido invitada. Allí, se le preguntó por un disco 10/10 que ella considerase una obra maestra. Olivia Rodrigo no dudó en mencionar el álbum de rock alternativo de la cantante Alanis Morissette. «Crecí escuchando Jack FM con mis padres y ponían ‘Hand In My Pocket’, ‘You Oughta Know’, ‘Ironic’ y cosas así, así que creo que inconscientemente conocía esas canciones».

La artista, además, confiesa que escuchó detenidamente ‘Jagged Little Pill’ por una recomendación. «Un profesor de piano me dijo: ‘Dios mío, deberías escuchar este álbum. Es increíble’. Recuerdo que lo escuché y, siendo una niña de 12 o 13 años, pensé: ‘Dios mío, ¿se puede decir esto con música? Es una locura’. Y entonces hice una inmersión profunda. ¡¿Puedes decir ‘se la chupaste en un teatro’ en una canción?!».

Olivia Rodrigo también reconoce que una de las primeras canciones que escuchó del disco fue ‘Perfect’, que curiosamente no es ninguno de los singles. «Debí de ser una niña muy angustiada que tenía la presión del perfeccionismo encima de otra manera. No era de mis padres, pero debía de tener eso encima y simplemente escuché esa canción y fue como: ‘Oh, Dios mío, esto me dice tanto'». Añade que el disco es el «más humano que he escuchado nunca» y que la hace sentir empoderada.

Ana Mena se unirá a Malú en su canción ‘Diles’

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Malú tenía marcado en rojo este 2023 en su agenda. La artista cumple 25 años desde que sacara su canción debut, ‘Aprendiz’, y planea celebrar esta importante fecha para ella. Pese a que hasta ahora no había dado muchos detalles acerca de sus intenciones, ya ha revelado que será Ana Mena quien la acompañe en el inicio de esta nueva aventura.

Lo único que se sabía hasta el momento era que Malú estaba trabajando un álbum de colaboraciones. Ahora, parece que es evidente que ese álbum reunirá las canciones más importantes de su carrera. La primera de ellas que verá la luz será su ‘Diles’, tema que pertenece al disco homónimo de Malú. Y, acompañándola casi 20 años después desde que la publicara, estará Ana Mena.

«Viene siendo hora… Malú, diles!!!!», escribía la autora de ‘Madrid City’ en una publicación de Instagram. Malú le respondió al instante: «No te falta razón… Viernes 20/10». La canción saldrá justo en una semana, por lo que apenas habrá que esperar para comprobar cómo suenan juntas ambas artistas.

Esta colaboración es especialmente significativa para Ana Mena porque ‘Diles’ fue la primera canción que interpretó en directo en televisión cuando eran tan solo una niña. Ahora, lo volverá a hacer pero junto a la que le dio vida en 2005.

El nuevo proyecto de Malú la hará regrabar junto a otros artistas parte de su discografía, un movimiento que se está poniendo de moda en la industria musical. Hace unos días Melendi publicaba su himno ‘Con la luna llena’ con la compañía de Manuel Carrasco, que formará parte de su futuro disco ‘20 años sin noticias’, donde también repasará su carrera.

‘O Corno’ hace historia apostando por un juego entre fisicidad y silencios

Hace unos días, en nuestra crónica del pasado Festival de San Sebastián, comentamos cómo Jaione Camborda había hecho historia al ser la primera cineasta española en hacerse con la Concha de Oro, el mayor galardón del Zinemaldia (sumando otro “primera vez”: primera película en lengua cooficial que lo consigue). Una semana después, ‘O Corno’ ya está en los cines, y el público puede conocer la historia de María, su protagonista.

Donostiarra afincada en Galicia, Camborda estudió en la Escuela de Cine de Praga y la Escuela de Cine de Munich, y, aunque hasta ahora no te sonase su nombre, no es éste su primer largometraje: ya con ‘Arima’ ganó en 2019 el premio a Mejor Dirección en el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Para esta segunda película, la directora, que se encarga también del guión, cuenta la historia de María, una mariscadora de la Isla de Arousa que, en 1971, ayuda a mujeres de su pueblo a tener sus hijos… y, extraoficialmente, también a no tenerlos. Es esto último lo que le hace tener que huir no ya de su pueblo, sino del país, y cruzar la frontera a Portugal para conservar su libertad. O algo parecido a “libertad”.

El título hace, de hecho, referencia al cornezuelo, hongo del centeno que se usaba en abortos clandestinos y que, claro, no está exento de peligros: el ergotismo, la enfermedad que provoca el hongo a través de la ergotamina, puede conllevar alucinaciones, e incluso gangrena por la contracción arterial. En cambio, en dosis bajas (simplificando mucho), se ha usado con fines terapéuticos; entre otras cosas, para prevenir las hemorragias postparto. Esta ambivalencia es uno de los principales temas de la película desde la misma dualidad parto/aborto, y es algo buscado por su directora, que hablaba en Público de “ese paralelismo entre el parto y la pérdida, donde se mezclan emociones muy profundas, no son exclusivamente placer, no son exclusivamente dolor, es algo que se mezcla con una intensidad más ambigua”. La oscuridad está presente durante casi todo el metraje (fantástica la fotografía de Rui Poças, dicho sea de paso), pero en esa oscuridad cohabitan el miedo (la escena de la barca) con la alegría y el placer (todo el pasaje de la verbena y el polvo).

Pero esa ambivalencia se da también en el propio tempo de la película, donde puede haber largos pasajes sin diálogo, un tempo pausado y dominado por los silencios y la observación (tanto de nosotros como espectadores como de la propia protagonista), pero que conviven con escenas fuertemente relacionadas con lo físico (“lo mamífero”, según contaba la directora en Vogue) y que no escatiman en trasladártelo. Sin ir más lejos, la película arranca con un parto de unos diez minutos que no llega al agobio de ‘Pieces of a woman’ pero casi.

Y este juego entre lo físico y los silencios encuentra su principal aliada en Janet Novás, la encargada de interpretar a María, con la que cuesta creer que sea su primera vez ante la cámara (estaba aterrorizada por ella, de hecho). Camborda había visto ya en escena a Novás, que realmente siempre ha sido bailarina, y la tenía fichada para un casting en el que, finalmente, se hizo con el personaje. Y la danza puede haberle ayudado en lo físico, pero es en el retrato de lo interior donde realmente conectamos con María, y donde más se luce Novás. De hecho, la escena final, donde ambos aspectos se mezclan, es probablemente lo mejor de la película. Funcionan peor otros pasajes donde el punto de vista cambia temporalmente (Anabela y su cliente, Luisa, el contrabando), y en general la película mejora cuando se cruza la frontera, pero igualmente, por lo ya comentado, merece la pena acercarse estos días a ver la Arousa de Camborda en ‘O Corno’.

Fallece Rudolph Isley, fundador de los Isley Brothers

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Rudolph Isley, uno de los tres miembros fundadores de los Isley Brothers, a la izquierda en la foto, ha fallecido a los 84 años de edad, ha informado su hija en redes. Rudolph Isley ha fallecido acompañado de su mujer, Elaine, con la que llevaba 68 años casado.

Originalmente, los hermanos Rudolph, O’Kelly y Ronald Isley formaron los Isley Brothers a finales de los años 50. Su primer gran éxito comercial, ‘Shout’, tuvo lugar en 1959. Después, los hermanos Ernie y Marvin Isley se unieron a la formación, así como el hermanastro de Rudolph, Chris Jasper.

Aunque en formato trío los Isley Brothers obtuvieron grandes éxitos como ‘This Old Heart of Mine’ o ‘It’s a Thing’, la cumbre comercial de su carrera ocurrió cuando el grupo se transformó en sexteto, durante las décadas de los 70 y 80. Entre sus discos más exitosos se cuentan ‘3 + 3’, ‘Between the Sheets’ y ‘The Heat is On’, y singles como ‘That Lady’, el titular ‘Between the Sheets’, ‘Fight the Power’ o ‘Harvest for the World’ son clásicos del R&B y el soul.

Los Isley Brothers se cuentan entre las bandas más influyentes de la historia del R&B, algo evidente en la cantidad de veces que han sido (y siguen siendo) versionados o sampleados. No hace tanto Drake los sampleó en ‘Her Loss‘. Por supuesto, ‘Luxurious’ de Gwen Stefani se basaba totalmente en ‘Between the Sheets’, canción que seguramente inspiró ‘Between the Cheats‘ de Amy Winehouse. Tampoco hace mucho que Frank Ocean publicó una versión de ‘At Your Best (You Are Love)’ de Aaliyah, que a su vez era una versión de los Isley Brothers. La propia Aaliyah los volvió a versionar con ‘Choosey Lover’. Kendrick Lamar también incorporó una porción de ‘Who’s That Lady’ en ‘i’. En 2022, Beyoncé se sumó a una nueva versión de ‘Make Me Say It Again, Baby’.

De los Isley Brothers hoy sobreviven Ronald, Ernie y Chris. O’Kelly falleció en 1984, y Marvin en 2010. Un primer hermano, Vernon, falleció cuando O’Kelly y Ronald aún eran adolescentes, previamente a la formación de la banda, en un accidente de bicicleta.

Animal Collective / Isn’t It Now?

A estas alturas del siglo XXI, uno habría imaginado en la discografía de Animal Collective su álbum que deconstruyera el trap, el reggaeton, la cumbia, la bachata y sobre todo el fado, pero nada de eso ha sucedido. Al menos de manera evidente. El grupo formado por Avey Tare, Panda Bear, Deakin y Geologist se tomó un descanso (más o menos) en un lapso tan importante, en el que cambiaron tantísimo las cosas, como fueron los años entre 2016 y 2022. De manera sorprendente, casi decepcionante, después de todo esto, continúan practicando el mismo sonido. Los autores del esencial ‘Merriweather Post Pavillion‘ no eran tan revolucionarios, ni experimentales, ni rupturistas después de todo.

Lo bueno es que su último disco hasta ahora, ‘Time Skiffs‘, fue una reconciliación con los parámetros de calidad, e ‘Isn’t It Now?’ confirma esta senda. En verdad, ambos discos los escribieron a la vez, en una bucólica campiña al suroeste de Nashville en el verano de 2019. Amenazados por la pandemia, seleccionaron los temas que podían grabar a distancia para el primero de estos dos álbumes. Y más adelante, terminaron ‘Isn’t It Now?’ durante 12 días en compañía del productor Russell Elevado.

La implicación de alguien que ha trabajado mano a mano con D’Angelo, The Roots y Kamasi Washington no da lugar al gran proyecto de soul y jazz de Animal Collective. Pero sí al que consideran uno de sus discos más comunitarios y vívidos. El piano de Deakin sorprende en la segunda mitad de ‘Magicians from Baltimore’, al igual que la zanfona de Geologist se asoma por casi la mitad del tracklist.

En una secuencia libre como pocas, ‘Isn’t It Now?’ ofrece algunas de las canciones más inmediatas que recordamos a Animal Collective junto a la canción más larga de su historia (22 minutos), dando lugar a su vez al que es el álbum más largo de los 12 que lleva el grupo. El single ‘Soul Capturer’, su típica producción deudora del sonido Beach Boys, aparece en versión «radio edit» en algunas ediciones, y es uno de sus temas más carismáticos. Mágico e intimidante al mismo tiempo, suena como un cumpleaños infantil al que alguien lleva un «hash-cake» por error. El asunto no acaba mal porque le sigue el kraut circense ‘Genies Open’, casi aceptable como un espídico vals, y a este la breve y popera ‘Broke Zodiac’. Un tema jamaicano, de nuevo infantil para bien, que parece mentira que hayan firmado Animal Collective. Lo mismo que más tarde ‘Gem & I’, una inesperada oda al pop de los 60 más tarareable.

La pieza de 22 minutos se llama ‘Defeat’ y es de lo más reivindicable en su transición de la ceremonia religiosa al éxtasis y de esto a una última parte que incluye uno de los momentos más teatrales de toda su carrera: «Isn’t it now? Defeat! Oh no, not now». Animal Collective se niegan a aceptar la «derrota» en el título que da nombre al álbum, el cual en numerosas ocasiones reflexiona sobre el paso del tiempo, cuándo todo se «convertirá en ceniza» y cómo podemos ser felices aceptándolo.

Más insultante es ese ‘Kings Walk’ en el que el grupo se pasa toda la canción troleando con sus armonías vocales, más bromista es el corte ‘All the Clubs Are Broken’, y más cuestionable es la construcción de ‘Magicians from Baltimore’. Su inicio como de thriller pasado por la psicodelia de los 60 termina incorporando el mencionado piano, con una línea ni bonita ni intrigante, que no sabemos qué quiere decirnos sobre «los magos de Baltimore», en este caso. La canción agradecería ser más loca o más abiertamente estrafalaria.

En cualquier caso, parece mentira que aparezca en el mismo álbum que ‘Stride Rite’, un inesperado tributo a los años 70 entonado por Deakin, que ya estoy esperando que versione Adele. Aun con la sensación de que muchas de las pistas de ‘Isn’t It Now’ van a su bola, es evidente que Animal Collective continúan con cosas que decir.