Si preguntas a Curro de qué quiere hablar, el joven artista transmite su entusiasmo recurriendo a Cádiz y al flamenco. Sobre todo porque no se considera parte del movimiento, aunque sepa dar un par de lecciones sobre el mismo, recordando que este género se cuece en la calle, no en los tablaos; o que «hacer todo por rumbas o fandangos», no te convierten en flamenco.
‘Dios dirá, Dios proveerá‘, publicado en una fecha tan rara para un debut en castellano como es un 28 de noviembre, no se concebía, por tanto, como un álbum de neo-flamenco. Hay palmas y guiños, y sobre todo cierto duende, pero tampoco es un disco de pop al uso. Ahora, acaba de completarse en plataformas, con bonus como ‘Ojos que no ven‘, el cual se entrega a un solo de saxo en su tramo final.
Lo que más se aproximaba a una canción de pop del disco era ‘A toro pasao’, presente en nuestra lista de Mejores Canciones de 2025. Pero también hay que destacar la rítmica ‘Que x bien no venga’ o las texturas jazz u orientales de ‘Lo dejé para mañana’, que contiene una bonita reflexión sobre salud mental: «quiero disfrutar, reírme conmigo / mandar a la mierda a los demás / y quedarme tranquilo si algo yo no lo he hecho mal / y no tengo testigos, entrar por fin en paz mental».
La calidad de nuestra Canción del Día hoy confirma que Curro no había necesitado los featurings de artistas afines o próximos, como Queralt Lahoz o un par de miembros de la familia Morente, que aparecen en su disco.
No voy a hacer un chiste sobre si se oye más a Estrella Morente en ‘Ningún mar’ o la concesión al inglés de la letra, porque no voy a salir bien parado de hacer leña del árbol caído. Solo diré que, digan lo que digan los streams, lo mejor de este álbum es Curro.
Las listas globales de este viernes estaban marcadas por la llegada del nuevo disco de Harry Styles, ‘Kiss All The Time. Disco, Occasionally‘, de carácter mucho menos comercial que el anterior. Justo cuando ‘Risk It All’ de Bruno Mars lograba saltar al número 1 del Global de Spotify tras varios días de escalada, Harry Styles le desplaza hasta el puesto 5. ‘American Girls’, que tiene nuevo vídeo, llega al número 1 del Global de Spotify (también de Apple Music) y Styles sitúa otros 3 temas en el top 5. Y ojo, ninguno es ‘Aperture‘.
1 American Girls — 8.305M
2 Ready, Steady, Go! — 6.122M
4 Are You Listening Yet? — 5.668M
6: Taste Back — 5.557M
8 Coming Up Roses — 5.209M
9 Aperture — 5.008M
10 The Waiting Game — 4.984M
11 Pop — 4.916M
12 Season 2 Weight Loss — 4.827M
15 Dance No More — 4.477M
19 Carla’s Song — 4M
22 Paint By Numbers — 3.976M
Como veis, todas las canciones del 4º álbum de Harry Styles llegan al top 22 del Global de Spotify. Esa suerte, alimentada sobre todo por el éxito en países Reino Unido, no tiene correspondencia en España. En nuestro país ‘American Girls’ solo llega al puesto 23 de Spotify, aunque es cierto que todo el disco aparece entre los 115 primeros puestos.
En España estamos más con ‘Más cara’ de Bad Gyal. Las 19 canciones del álbum de Alba Farelo llegan al top 200. Destaca ‘Más cara’ en el número 2, eso sí, por detrás de ‘Ni borracho’, el hit del momento de Quevedo, que no está dispuesto a dejar ir el número 1.
Así han quedado los temas de Bad Gyal en Spotify España:
2 (E) Más cara
4 (23) Choque, con Chencho Corleone
12 (E) Un coro y ya :)
21 (98) Da Me
27 (E) Te daré
29 (E) La iniciativa
30 (E) Noticia de ayer
40 (E) Tic Tac (Hour Love)
49 (E) Mi debili
61 (E) De por vida
64 (E) Fa$HION kILLA
66 (E) Muñeca, con De La Rose
83 (E) Hoy te toca, con Jenny «La Sexy Voz»
84 (E) Fashion Girl pt 2, con Jardiel El Incomparable
89 (E) De to
104 (RE) Fuma
115 (E) Perro, con Victor Mendivil
121 (E) Gatitas
144 (RE) Última noche, con Ozuna
El Celta de Vigo reafirma su vinculación con la música. Si recientemente contaron con C. Tangana para un espectacular himno centenario, esta semana han tratado de llamar la atención de Madonna, apelando a su concierto en su estadio en 1990.
Corría la noche del 29 de julio de aquel año cuando la artista llevaba a Balaídos el ‘Blond Ambition Tour’, uno de los más influyentes de la historia, dado su concepto teatral. Madonna se enfundó la camiseta del Celta con el 5 de Espinosa a la espalda y la fotografía de Víctor de las Heras forma parte de la historia del club y de la ciudad, según el propio equipo.
El Celta de 2026 está desesperado por localizar la camiseta y añadirla a su archivo histórico. Por eso han hecho un llamamiento y han abierto una web para recabar datos sobre su paradero. Han apelado incluso a Madonna, por si Madonna supiera algo sobre dónde está la susodicha camiseta. Incluso anoche realizaron un homenaje a la cantante con una interpretación de ‘Like a Prayer’ antes de un partido frente al Real Madrid.
El Celta perdió anoche 1 a 2. Sin embargo, el grupo tiene consuelo: Madonna ha contestado este sábado cuando parecía muy improbable. Esta semana se suponía que rodaba una superproducción de videoclip. Aun así, ha tenido tiempo de escribir en X: «Esa camiseta está en mis archivos. La llevo puesta y estoy con vuestro equipo en espíritu».
Cuesta creer que Madonna tenga buen recuerdo de aquella noche. En 1990 la artista estaba en su «peak». Acababa de publicar ‘Vogue’, enésimo número 1 mundial. Si Madonna recuerda algo de aquel año en España había de ser su conocida cena con Almodóvar en Madrid, en la que intentó sin éxito ligarse a Antonio Banderas, recogida en la cinta ‘Truth or Dare’. ‘En la cama con Madonna’, para los amigos. Pero el concierto en Vigo fue un fracaso rotundo.
Aunque la prensa local suele recordar el evento con cariño, mimo y un montón de fotos curiosas, sólo se vendieron 23.000 entradas en un recinto para 40.000 tras unos años de gloria que Madonna estaba a punto de resumir en el recopilatorio ‘The Immaculate Collection’. Hay quien dice que no se pusieron entradas a la venta con suficiente antelación, hay quien recuerda que Prince actuaba la misma noche en A Coruña. Demasiado cerca. Parecía que Madonna no recordaría la velada con tanta gracia, pero sí según sus palabras.
Ya sea por agotamiento, por cambio de prioridades o simplemente porque se han quedado sin cosas nuevas que decir, los artistas sufren crisis creativas que pueden durar semanas, meses o, en el peor de los casos, años, y de las que no siempre salen renovados. Que se lo digan a U2. Apparat sufrió un writer’s block tan intenso que no solo se vio “incapaz de escribir”, sino que llegó a “repudiar el estudio”. Por suerte, puede decir que ese bloqueo le ha servido para dar forma a un disco que tiene algo interesante que contar, seis años después del anterior.
Por el camino hemos escuchado varias bandas sonoras y, por supuesto, asistido al enorme éxito de Moderat, especialmente en festivales. Pero ya apetecía volver a escuchar una obra en solitario de Sascha Ring. Su trabajo siempre ha tendido a ser más abstracto que el de otros productores de tecno afines, más centrado en el diseño sonoro que en el ritmo. Lo mejor que puede decirse de ‘A Hum of Maybe’ es que encuentra un equilibrio notable entre esa faceta abstracta y una noción de canción emotiva y accesible.
Ring afrontó su crisis creativa escribiendo una canción al día, y ‘A Hum of Maybe’ suena precisamente a eso: a un flujo intenso de ideas, algunas más convincentes que otras. Sorprenden, por ejemplo, la irrupción de rayos láser de ‘A Slow Collision’ cuando la pieza parecía construirse como un paisaje emotivo de texturas puntillistas. También sorprende cómo el preciosismo electrónico de la pista titular acaba materializándose en un crescendo mucho más tangible, con baterías casi math-rock. Las texturas instrumentales se diversifican constantemente: aparecen arpas, guitarras eléctricas y acústicas, cajas de música o capas sintéticas que oscilan entre lo reconfortante y el ruido.
Apparat trabaja con una paleta sonora amplia que abarca electrónica abstracta, tecno, rock y neoclásica (sobre todo piano y cuerdas). Las canciones de ‘A Hum of Maybe’ utilizan estos códigos para construir crescendos como el de ‘Glimmerine’, que casi podría pasar por una canción de Radiohead; melodías preciosas como la de ‘An Echo Skips a Name’, de aires EDM; o piezas preciosas como ‘Williamsburg’ que combinan electrónica glitch con un trato del piano delicadísimo.
El paisaje sonoro tampoco recurre al cliché cuando apunta a la explosión emocional y, con la ayuda de su colaborador, el también alemán Philipp Johann Thimm, Ring rompe ritmos y estructuras al igual que expectativas. Se echa en falta, eso sí, a ratos un punto de vista más particular que lo aleje de la sombra de otros artistas: el enfoque abstracto es personal, pero ese puntillismo recuerda a Koreless, hay ecos de Atoms for Peace y de Thom Yorke en solitario en melodías y baterías, y algunas ambientaciones neoclásicas remiten a una banda sonora algo más genérica.
Eso sí, Apparat sigue siendo un vocalista estupendo, capaz de transmitir la melancolía de las letras con una emoción muy palpable, ya hable de recuerdos, del pasado o de paisajes vistos a través de una ventana. Esta es electrónica emocional, pero también una que se fragmenta como un recuerdo que no acabas de atrapar: ‘Lunes’, por ejemplo, empieza con un falsete a lo Bon Iver y termina con breaks de batería similares a los que ya aparecían en la inicial ‘Glimmerine’.
Las canciones respiran y se dan espacio para explorarse a sí mismas. A veces, sin embargo, esa abstracción no se traduce en composiciones especialmente memorables, como ocurre con ‘Tilth’, pese a la colaboración de la armenia-americana Karyyn. Pero ‘A Hum of Maybe’ sí denota inspiración. Si Apparat no sabía adónde ir, ha tirado por todos lados y le ha salido bien.
El álbum funciona bien como una especie de banda sonora para la imaginación. Incluso composiciones menores como ‘Enough for Me’ resultan fundamentales para la cohesión del disco: situada entre dos piezas intensas, aporta un respiro necesario, pero también texturas diferentes, abriendo un pequeño mundo musical propio para quien esté dispuesto a escuchar con la mente abierta.
Nuestro Disco de la Semana hasta el momento es ‘Croak Dream‘. Dominado por la voz andrógina de Puma Blue, recuerda mucho a Radiohead en su corte titular y a Portishead en grabaciones como ‘(Fool)’ y ‘Hush’. Pero son temas como ‘Silently’ los que terminan de encauzar el álbum hacia un territorio propio. Es nuestra Canción del Día hoy.
‘Silently’ está más orientada hacia las sonoridades jazz o incluso R&B. Aunque tiene un toque Beth Gibbons, está más cerca del tipo de pop que hizo Rhye o incluso Sade.
El título del tema viene de «una voz en el viento que canta en silencio». ‘Silently’ habla de una relación separada probablemente por la muerte, aunque el texto es ambiguo, lo que implica la devastación de Jacob.
«Te has ido a un lugar al que no te puedo seguir» dice por un lado. Y por otro «me he ido a un lugar al que no me puedes seguir». El juego del gato y el ratón en su versión más trágica continúa con un «sabes que te quiero, pero me he ido, hasta el fondo de mí, estoy perdido».
En una entrevista reciente Puma Blue ha querido quitar hierro al ambiente cortavenas de ‘Croak Dream’, indicando que está todo bien y además mejor con su banda que nunca. «Siento que este disco soy yo diciendo «ahora que ya sabéis quién soy, puedo ser yo mismo libremente». Algunas canciones contienen mucha tristeza, pero también algo de tontería. Hay alegría en la tristeza porque simplemente es increíble estar vivo».
Desde los primeros segundos de ‘EPiC’ los grafismos de dorado caleidoscópico, rojo rubí y pedrerías varias dejan claro que lo que vamos a ver tiene el sesgo estético (para bien, si te gustó ‘Elvis’ en 2022) de Baz Luhrmann. Fue el propio director quien documentándose para aquella biopic descubrió 65 cajas con metraje inédito de la película ‘Elvis: That’s the Way It Is’ (1970), rodado durante la tercera actuación de Elvis en el International Hotel de Las Vegas en en verano de 1970.
Pero en las minas de sal de la Warner en Kansas (sí, ahí reside su archivo) aparecieron además valiosísimas imágenes de los ensayos previos, de la noche de estreno, y de varios shows posteriores de la gira del 1972. Con todo este tesoro visual (pero carente de sonido) el equipo técnico de Luhrmann pasó dos años localizando las grabaciones sonoras correspondientes (muchas conocidas desde hace años gracias a discos piratas), resincronizándolas con las imágenes, y –con ayuda de la tecnología digital de Peter Jackson– restaurando ese celuloide de 35mm (pero también de 8mm) a un formato IMAX, un proceso parecido al aplicado a ‘Get Back’ de los Beatles.
Uno de los grandes aciertos de Luhrmann ha sido no limitarse a crear con todo eso un simple re-montaje de un show de Elvis, sino utilizar entrevistas inéditas –en especial una de 45 minutos en la que Elvis rememoraba toda su carrera– para crear un relato de su vida en voz del artista intercalado con las imágenes en directo; una película en la que los recuerdos narrados por Elvis combinados con las imágenes en directo ofrecen en palabras del director “revelaciones profundas de su humanidad y su vida interior”.
Y por rimbombante que suene, lo consigue: al acabar la película sales del cine con una idea distinta, más humana, de quién era Elvis, y a la vez de su increíble dimensión como intérprete en directo. Los espectaculares visuales evidentemente ayudan muchísimo a que frases sobre su madre, sobre la desilusión con su carrera en Hollywood, o acerca de su imagen pública adquieran una dimensión casi trascendental. Pero también son cruciales esos momentos durante los ensayos, en los que vemos a un Presley más humano, bromista, cercano a los músicos, y sobre todo –esto es clave– disfrutando de tocar en directo.
No era para menos. Como explica concisa y eficientemente un pequeño montaje al comienzo de la cinta, los 60 de Elvis tuvieron muy poco que ver con los escenarios: hasta el 62 pasó dos años de servicio militar en Alemania, y a su regreso editó discos pero sin actuar en directo, centrado en rodar películas cada vez más lamentables. Por suerte su especial televisivo ‘Comeback Special’ de 1968 cambiaría las cosas, no solo por su éxito rotundo sino porque reavivó en él el gusto por el directo. Si hay una constante a lo largo de esta película es ese disfrute evidente de Elvis y su banda por lo que están haciendo. Casi en cada plano les vemos sonriendo, una alegría que se traslada a la interpretación de las canciones, y que ajusta una cuenta histórica pendiente con ese concepto tan mal entendido como es el de “Elvis en las Vegas”.
Frente al estereotipo del cantante con sobrepeso, empastillado, desmotivado y desafinando, aquí presenciamos lo que fue verdaderamente el espíritu original de estas actuaciones: un artista hambriento por volver a tocar, interesado por la música del momento (vemos aquí fragmentos de versiones de ‘Get Back’ de los Beatles o ‘I Shall Be Released’ de Dylan), interpretando sus éxitos con furia (su versión de ‘That’s Alright Mama’ es directamente anfetamínica), adulto pero todavía conectado con el espíritu travieso y bromista de su juventud, y capaz de ponerte los pelos de punta en muchos momentos de esas asombrosas actuaciones llenas de magnetismo puro y sudoroso. Las poses de karate, los trajes “rhinestone” con capa estaban ya presentes, pero todavía con el brillo milagroso de lo nuevo.
Por eso produce casi euforia ver a Elvis llegando al primer ensayo en Las Vegas –enfundado en una camisa psicodélica con verdes y púrpuras con un brillo propio casi sobrenatural– emanando carisma por cada poro de su cuerpo, y presenciar su primer contacto con esa grandiosa banda de músicos, ver cómo conectan. Porque si ‘EPiC: Elvis Presley in Concert’ retrata una relación (incluso un romance) es claramente el de la banda con Elvis, y viceversa, y es algo precioso de ver. Desde los primeros ensayos asistimos a una conexión casi química entre todos ellos: la precisión matemática y electrizante de James Burton con su Telecaster, el corazón rítmico espectacular de Ronnie Tutt, la complicidad con las Sweet Inspirations y el resto de vocalistas de apoyo… entre sonrisas y bromas, todo el mundo parece feliz y a la vez consciente de que están creando algo mayor que la suma de sus partes.
Aún más: comprobamos boquiabiertos la soltura con la que Elvis les dirige, les da instrucciones: a veces con palabras, otras simplemente con miradas, o con todo su cuerpo. Plano tras plano vemos al grupo entero pendiente de cada uno de sus movimientos, tocando con la mirada fija en él, que ejerce de gran director musical, a cargo del show en todo momento. Es muy satisfactorio ver a un artista sabiendo exactamente lo que quiere, y consiguiéndolo. De manera recíproca, en una de las entrevistas Elvis expresa a su vez su agradecimiento por estar acompañado de este grupo que “le inspira tanto”, un cariño que se palpa en muchos momentos sobre el escenario y entre bambalinas.
El valor humano y musical de esas secuencias durante los ensayos es tan grande que Luhrmann –en otro gran acierto– las utiliza a lo largo y ancho de la película, combinándolas sin complejos con las imágenes en directo, empalmándolas juntas en esas ediciones furiosas y electrizantes tan características suyas. Canciones icónicas de Elvis en aquellos años como ‘Polk Salad Annie’ salen muy beneficiadas de este tratamiento, porque funcionan casi como un relato cronológico desde su preparación hasta su presentación espectacular frente a un público que brama de admiración, exponiendo a la perfección el proceso creativo de Elvis. La nitidez a nivel técnico (casi milagrosa) de esta restauración digital ayuda muchísimo a apreciar y disfrutarlo, al igual que el asalto a los sentidos que suponen los edits “arty” de Luhrmann, combinando imágenes e intercalando frases a modo de poemas visuales, traduciendo el frenetismo musical a lenguaje cinematográfico vertiginoso.
Y así se suceden cantidad de maravillosos momentos, como el estreno en directo del futuro éxito en listas ‘Burning Love’ –lleno de frescura y con otro montaje de Luhrmann glorioso–, esa versión de ‘You’ve Lost That Loving Feeling’ tan funk, las increíbles canciones gospel del repertorio, o ese ‘In The Ghetto’ cerca del final en el que el director se regodea en una «demezcla» sin apenas instrumentos, tremendamente evocadora.
La única sombra que planea sobre todo ello cuando aparecen los créditos finales no es culpa de la película: resulta escalofriante pensar que sólo cinco años después de esas imágenes pletóricas de la gira de 1972, Elvis estaría muerto. ‘EPiC: Elvis Presley in Concert’ es pura celebración de ese instante justamente anterior al declive; el último momento heroico, artísticamente puro, de Presley. Si sigue en cartelera en tu ciudad, no te la pierdas, este es un espectáculo para verlo en la gran pantalla.
Reina. Icono. Pionera. ¿Qué no se ha dicho ya de Bad Gyal? Dos años después de ‘La Joia’, la autora de ‘Fiebre’ vuelve con su segundo álbum de estudio. Este tiene todo lo que te podrías esperar de un proyecto de Alba Farelo, pero con un poco más de todo: más largo, más variado y más colaboraciones. Ella tampoco es la misma. Ahora es ‘Más Cara’.
Bad Gyal describió su nuevo LP como su «playlist soñada» y esa es justo la impresión que a uno le da al escucharlo. No solo por los distintos estilos de música caribeños que encontramos, desde la guaracha de ‘Fuma’ hasta la kompa de ‘Última Noche’ o el merengue de ‘Noticia de Ayer’, sino por los referentes personales que han colaborado en él, como los productores Luny Tunes (Don Omar, Tego Calderón, Daddy Yankee) y Danja (Britney Spears, Dua Lipa, Nelly Furtado).
Las palabras del equipo de Bad Gyal prometían una entrevista interesante, adelantándome que la catalana se encontraba habladora y de buen humor antes de entrar en la sala. Esta tuvo lugar unos pocos días antes de su actuación de ‘Rumba de Barcelona’ en los Goya, por lo que no se pudo tocar de nada de eso. Pero quedaba todo lo demás. Hablamos con Bad Gyal sobre su influencia en la escena española, su famosa entrevista junto a C. Tangana y Yung Beef, cambiar la opinión del público y posicionarse en contra del genocidio palestino.
¿A estas alturas de tu carrera sigues sintiendo nervios antes de un nuevo lanzamiento?
Queda una semana… Siento que en los próximos días van a empezar los nervios. Eso como que nunca se va del todo. Al final, un álbum o un concierto en un estadio grande… Presentarlo como “la primera vez” de algo siempre te da nervios, porque quieres que salga bien, te entran dudas… Es normal, es parte de esto.
En este disco se nota a full tu relación con lo caribeño y con Jamaica —dancehall, reguetón— pero también juegas con la guaracha, la kompa, el merengue… Al final, esa mezcla se ha convertido un poco en tu marca. ¿Tú lo ves así?
Entiendo que desde fuera se lea como “mi marca”, pero desde dentro, en mi experiencia, son los géneros que siempre me han inspirado y que disfruto haciendo. Es donde me lo paso bien, donde siento que puedo ser yo misma. Son muchos años siendo fan y consumidora. Es lo que me apetece hacer cuando piso el estudio.
¿Te imaginabas al principio de tu carrera que se te iba a asociar tanto con eso?
Al principio no me imaginaba nada. Empecé con 19 años y no sabía ni qué estaba haciendo. No tenía expectativas ni sabía muy bien adónde me iba a llevar todo esto.
Ahora que tienes tanto recorrido, ¿cómo de importante es para ti seguir haciendo cosas diferentes y sorprender?
No dejo que me condicione tanto. El proceso de crear este disco, en concreto, ha sido muy libre. Para mí, luego el trabajo tiene espacios donde se siente la presión y es para afuera, para el público, para el consumidor… Pero el momento de crear es como una burbuja más segura, más casa, más hermética entre los que estamos ahí. Entonces entra poco ese condicionamiento del qué pasará. Es algo más del momento, de disfrutar y crear desde el amor, desde la vibra con la que queremos jugar y experimentar, ¿me entiendes? No entra tanto eso de «vamos a hacer algo nuevo, rompedor» ni la estrategia o la fórmula… Ha sido más fluido. Y ya te digo: no es un álbum conceptual. Me he permitido crear desde el disfrute, desde hacer los géneros que me gustan y que yo misma consumo.
No siempre es el caso. Hay artistas que no necesariamente hacen la música que más les gusta.
Total. Yo siempre me siento más satisfecha cuando hago canciones que sí consumiría.
«No pienso «vamos a hacer algo nuevo, rompedor» ni la estrategia o la fórmula… Ha sido más fluido»
¿Cómo comparas este proceso creativo con el de tu disco anterior, ‘La Joia’?
Ha sido muy diferente. En el disco anterior no tuve productor ejecutivo, así que lo hice un poco sola: iba haciendo sesiones con productores independientes que no trabajaban entre ellos. En este hemos formado un equipo con muchísimo talento y con muchas personas con las que no había trabajado nunca. Sentíamos que podían entender muy bien a Bad Gyal, los géneros con los que me gusta explorar, y que podían aportar mucho… y así ha sido.
En los créditos aparecen productores como Luny Tunes y Danja. ¿Los buscaste a ellos concretamente o fue una casualidad bonita?
Lo de Luny Tunes se dio más por la colaboración con Chencho. Esa idea la trabajamos en el estudio con otra pista, pero ya la vibra, la melodía, el coro… pensé: «Esto le quedaría súper bien a Chencho, pero es que no va a querer». Me miraban: «¿Cómo no va a querer?». Y yo: «No va a querer». Pero se montó, le gustó la canción. A partir de ahí quisimos trabajar la pista bien y él propuso a Luny Tunes. Hice varios viajes a Puerto Rico, estuve en su estudio… Se apareció por allí DJ Joe algún día. Muchos ratos grabando, pero también muchos ratos fumando, hablando… Me contaron un montón de anécdotas de cómo grababan discos con Héctor El Father. Estar ahí con leyendas del reguetón, de las que yo soy fan, contándome experiencias de primera mano… Este disco me ha dado regalos increíbles. Y con Danja, pues es que mi equipo del sello sabe que soy muy fan de Timbaland. Danja era la mano derecha de Timbaland, trabajaban mano a mano. Me lo propusieron y fue increíble poder contar con él. Increíble su energía… Una persona muy calmada, muy tranquila, pero a la vez muy pasional y motivada.
«Mi equipo sabe que soy muy fan de Timbaland. Danja era la mano derecha de Timbaland, trabajaban mano a mano. Me lo propusieron y fue increíble poder contar con él»
¿Y tú, en el estudio con gente que ha estado mano a mano con tus ídolos… estabas en modo fan?
Me pongo más tímida. O sea, no soy tímida, y ellos son caribeños y yo tirada pa’lante y «ji, ji, ja, ja», pero sí. De forma natural, me posiciono más como espectadora. Escucho mucho, observo mucho, pregunto cosas… Les dejo hablar y escucho, porque es increíble lo que sueltan.
Nos encantó el vídeo de ‘Da Me’. ¿Ya no se hacen vídeos así, o qué?
Ya… brutal. Es que es todo increíble. Me encanta.
Está claro que sigues creyendo en los videoclips.
Me encantaría hacer vídeos cómodamente todo el tiempo. Lo que pasa es que es difícil. Yo claro que creo en los videoclips, porque también creo que soy una artista muy visual. Se me nota que lo estético y crear un mundo visual me motiva muchísimo, y me encanta que forme parte del curro. Me lo disfruto casi tanto como crear una canción.
«Esta era del algoritmo y del «qué funciona ahora» cambia cada día. Cada vez hay más exigencia, te tienes que adaptar todo el rato»
Quedamos en que no están muertos todavía.
Según los números y las plataformas… va cambiando. Si tira más Spotify, si tira más YouTube… Esta era del algoritmo y del «qué funciona ahora» cambia cada día, entonces no sé.
¿Cómo has vivido esa evolución de las redes, cada vez más importantes desde que empezaste?
Me da mucha pereza, pero hay que estar. Hay que «keep up» un poco con lo que hay. Y es verdad que cada vez hay más exigencia: todo cambia, te tienes que adaptar todo el rato… Me siento muy perdida a veces. Ya no sé cómo funciona esto. Ahora TikTok, ahora no sé qué… Y es un añadido más al curro, entender cómo funciona y cómo sacarle el jugo, porque al final son las plataformas que ayudan a que lo que creamos llegue a la gente.
Respecto a lo que hablábamos al principio sobre tu música: Tú fuiste de las primeras en llevar este tipo de ritmos al mainstream en España y después han venido muchos. ¿Por qué crees que ha pasado? ¿Por qué se ha reivindicado tanto el dancehall, el merengue… dentro del urbano español?
Siento que España es un país de disfrutones. De verbena, de gozar, de bailar, de cervecita… Y aunque haya un choque cultural y una brecha grande —porque es verdad que no tenemos nada de caribeños— sí que hay puntos de conexión. Yo viajo mucho, y cuando voy a Puerto Rico me siento como en casa por la forma de conversar, los temas, el tipo de humor, cómo se celebra, cómo son las relaciones entre la gente que se quiere, los amigos… Tiene paralelismos. Entonces, me parece lógico que aquí se abrace también lo que viene de fuera y que haya sido una de las mayores inspiraciones para toda esta generación. Tiene sentido. Los propios artistas que creamos esta música la hemos disfrutado y somos fans. Por lo tanto, cuando nos ponemos a crear, inevitablemente nos influye.
«Siempre que una mujer haga un poco lo que le salga del papo, siempre va a haber una parte de gente que lo va a criticar»
Más allá de la música, has influido en el panorama español casi como icono. ¿Cómo ves tu influencia en artistas como Metrika, 8belial —con quien colaboras en este disco— o en las mujeres que te escucharon primero y luego se animaron a cantar?
Está bien. Igual que yo escuché a Destiny’s… No me estoy poniendo a ese nivel, para nada, pero es lo natural. Es la vida. Empiezan unas, siguen otras… y seguramente habrá niñas ahora viendo a todas estas nuevas, inspirándose, y dentro de cuatro años tendrán un proyecto sólido, como está pasando con muchas. Es bonito, la naturaleza de las generaciones. Nos hacemos viejas…
Pero hay cosas que no cambian. Si a ti te criticaban por lo que decías en las canciones, a ellas, artistas como Metrika o l0rna, que dicen cosas todavía más bestias, las critican todavía más.
No sé… Siento que siempre que una mujer haga un poco lo que le salga del papo, siempre va a haber una parte de gente que no lo va a entender y lo va a criticar. Y como no depende de mí y yo estoy del otro lado… no sé qué decirte.
«Tengo la mente en blanco de la entrevista de Primavera Sound con C. Tangana y Yung Beef. En esa época fumaba mucho, así que no recuerdo muy bien qué dije. Ni la he vuelto a ver, me da coraje»
Hace ocho años, en una charla en Primavera Sound con C. Tangana y Yung Beef, decías que tu objetivo era el mainstream. Yo creo que ya estás ahí. Pero también hablabas de ser mainstream y underground a la vez, mantener la esencia. Con la perspectiva de ahora, ¿cómo sientes que ha evolucionado tu carrera? ¿Has conseguido equilibrar las dos cosas?
Lo he hecho. Tengo la mente en blanco de esa entrevista. En esa época fumaba mucho, así que no recuerdo muy bien qué dije… Ni la he vuelto a ver porque me da muchísimo coraje, pero sí creo que lo he conseguido cien por cien. Al final, a lo que me refería era a tener recursos y audiencias, establecerme a un nivel mainstream, y aun así poder seguir haciendo lo que quiero: ser dueña de mis decisiones y de mi creatividad. Tener inversión, tickets, estadios… y seguir diciendo: «Quiero hacer una canción con Chencho», «quiero hacer una canción con belial», «quiero grabar un kompa»… ¿Me entiendes? En ese sentido me siento bastante en mi prime, porque tengo más recursos que nunca, equipos increíbles… y los recursos te dan libertad para moverte, elegir, hacerlo mejor, más lindo, más bonito. Pero sigo decidiendo qué hago y qué no hago. Por eso cuando la gente dice «se ha vuelto no sé qué»… Me he vuelto lo que me tenía que volver, porque son decisiones que he tomado y me han traído hasta aquí.
Esto te iba a decir, que hay mucha gente confundida que igual piensa que tú ya no tomas las decisiones, o que te has convertido en lo que juraste destruir.
Puede ser, pero mi trabajo es hacer música y dar shows, no enseñarle a nadie. Que cada uno crea lo que quiera. Si quieren pensar que soy un producto, no me importa mucho.
Si tuvieras delante a alguien que piensa eso, ¿qué le dirías?
Le haría así (pulgar arriba). No le diría nada. Empezar una conversación así es como intentar convencer a alguien de algo. Como si tu ex te pone los cuernos y te dice que no: ¿qué le dices? Tu palabra contra la mía. Va a seguir diciendo que no, pero tú sabes lo que ha pasado. Pues esto es igual. Si tú dices que soy un producto, ¿qué te voy a decir? Lo vas a seguir pensando. Te puedo dar los argumentos que sea.
«Cualquier persona con emociones, sentimientos y empatía entiende que algo como lo de Palestina no puede suceder en el mundo»
Has sido de las pocas artistas de tu nivel que ha apoyado públicamente la causa palestina, incluso actuando en el concierto benéfico de Barcelona. ¿Qué piensas de este tipo de responsabilidad para un artista?
Yo hablo por mí. Para mí, no era político. Es un genocidio, es algo humano. Simplemente creo que toda persona humana con emociones, sentimientos y empatía entiende que algo así no puede suceder en el mundo. En 2026 es muy loco, es inhumano, entonces para mí no había mucha vuelta de hoja. Y además somos tan víctimas de ese sistema y estamos rodeados de empresas sionistas de las que no podemos escapar en el día a día. No sé si existe alguien que evite absolutamente todo lo relacionado con las estructuras de poder que luego apoyan tal y cual… Veo muy complicado escapar de eso por la construcción social en la que vivimos. Y me lo aplico a mí. No soy perfectamente intachable ni tendré ninguna mancha en mi historial: he bebido Coca-Cola, tengo un iPhone… Ahí voy, ¿no? Pero en lo que yo sí puedo hacer, siento que no hay mucha discusión. Espero no haberme explicado mal.
Entonces, ¿no lo has sentido como un peso?
No, como un peso no. En Estados Unidos la realidad es otra. Cuando trabajas allí sabes que hay personas que no piensan como tú y están ahí, pero yo sé cómo pienso yo, ¿me entiendes? Hay veces que no puedes escapar porque el sistema es el sistema, pero no voy a dejar de posicionarme o de decir mi opinión sobre cómo debería ser solo porque el sistema sea así.
¿Y allí sí has notado oposición a una idea que tú planteas como humanitaria?
Sí. Creo que aquí hay más consciencia que allí.
Harry Styles publica hoy su cuarto disco, ‘Kiss All The Time. Disco, Occasionally’, el primero desde que ganara el GRAMMY a Álbum del Año por ‘Harry’s House‘ en 2023. Este nuevo trabajo tiene una clara inspiración electrónica, más que disco, donde los tempos permanecen relajados incluso dentro de los códigos de lo bailable. Así lo refleja el nuevo single, ‘American Girls’, que si es algún tipo de disco, es de medio tiempo, relajado, nunca eufórico ni exultante, o la melancólica ‘Taste Back’.
Apenas, ‘Dance No More’ nos transporta a algo parecido a Studio 54, con un instrumental reminiscente de Chic, aunque la influencia clave parece ser el dance-rock y el indie de principios de los 2000, aquel que triunfaba una década antes de que Styles ingresara a One Direction. Hay toques de The Rapture y, sobre todo, de LCD Soundsystem en ‘Ready, Steady, Go!’, ‘The Waiting Game’ tira hacia el indie-pop y la final ‘Carla’s Song’ no intenta ser el típico synth-pop mainstream.
Styles ha creado un disco -ocasionalmente- electrónico porque se ha convertido en runner; dice que le ayuda a alcanzar un estado parecido a la meditación, sobre todo cuando corre escuchando la música de artistas como Jamie xx o Floating Points, influencia evidente en el single ‘Aperture‘, una puerta de entrada ideal al disco, aunque su desempeño en listas no ha sido el esperado. ‘As it Was’ vuelve a estar en alza en listas, mientras ‘Aperture’ sigue a la baja.
Quizá para no terminar de asustar a todo su público previo, ‘Kiss All The Time. Disco, Occasionally’ incluye guiños al pasado como la balada de estilo Beatles de ‘Paint by Numbers’ o el vals con cuerdecillas de ‘Coming Up Roses’. En los foros de JENESAISPOP se puede votar en la encuesta para elegir qué canción titulada ‘POP’ gusta más: la de *NSYNC, la de La Oreja de Van Gogh o esta de Styles, que recuerda más bien a… Tame Impala.
Solo la Casa Blanca de Donald Trump es capaz de juntar un vídeo sobre los bombardeos estadounidenses en Irán con ‘La Macarena’. El vídeo, lleno de misiles siendo lanzados e incluso impactando en distintos objetivos, fue subido el pasado martes a las redes del gobierno estadounidense y hoy uno de sus creadores ha dado su opinión en Canal Sur.
Antonio Romero, miembro del dúo sevillano, ha declarado en la televisión pública de Andalucía su desacuerdo con el uso de la festiva canción en este tipo de propaganda: «Yo la hice para alegrarle la vida al mundo, no para matarle la vida». Recordemos que ‘La Macarena’ fue todo un hit mundial en los 90, por lo que es de sobra conocida en Estados Unidos: «Cuando haces una canción y la echas a volar a todo el mundo, la puede disparar cualquiera a su antojo», ha comentado.
Romero también ha descrito su reacción al ver su canción utilizada en un contexto bélico, asegurando que se le pusieron «los vellos de punta», y se ha preguntado lo que todos pensamos: «¿Por qué usar una cosa tan simpática y tan graciosa para algo así?». Así, se unen al club de artistas formado por Sabrina Carpenter, Radiohead, Kesha y muchos otros que se oponen al uso de su música para hacer propaganda bélica.
Los concursantes de Operación Triunfo de 2025 ya han lanzado todos sus singles, dejando dos de los más esperados para el final por razones obvias: Cristina Lora fue la ganadora de la edición, mientras que Claudia Arenas consiguió tener el único viral del programa gracias a su versión de ‘Latin Girl’. Toca reseñar los últimos dos singles de Operación Triunfo.
Después de los sencillos de Guillo Rist, Olivia Bay o Max Navarro, es el turno de las canciones de Cristina y Claudia, a la que han dejado para el final pese a no haber ganado el concurso. De hecho, terminó en quinto lugar, pero gracias a su recorrido en el formato también se convirtió en una de sus mayores apuestas. Su versión del tema de Emilia llegó a entrar en el puesto 36 del top 50 de Spotify España, contando en estos momentos con más de 7 millones de streams.
Cristina, por otro lado, fue desde el primer programa la favorita para llevarse el gran premio gracias a su presencia escénica y trabajada voz, aunque no ha llegado al nivel de reproducciones de ‘Latin Girl’ con ninguna de sus actuaciones. Eso sí, su número de oyentes mensuales sí es mayor.
‘2 PUÑALAÍTAS (de Andalucía)’, de Cristina Lora
La portada de Cristina ha acabado siendo una de las más originales del concurso, con un puñal flotando sobre su cabeza a modo de referencia tanto a la espada de Damocles como al título de su propia canción. Sin embargo, esta muestra de personalidad no se transmite del todo a ‘2 PUÑALAÍTAS (de Andalucía)’.
El single de Cristina resulta un batiburrillo de estilos en muchos momentos, recordando en unos al pop comercial de Tate McRae y en otros al minimalismo de Judeline. La percusión, por otro lado, es totalmente salida de la escuela de Timbaland. Es innegablemente pegadiza, pero la melodía vocal del estribillo no transmite demasiado. Sería muy buena propuesta para el Benidorm Fest, eso sí. ¿No era su sueño acabar representando a España en Eurovisión?
La letra tampoco tiene mucha chicha, con Lora cantando sobre enamorarse por sorpresa: «Cuando vi tu cara no me lo esperaba / Te vi y no sabía que tenías que me enganchaba». Al final de la canción, como resolución, Cristina se da cuenta de lo que tenía esta persona, y es algo anticlimático: «Lo pensé de noche y día, parecía una epifanía / Caí en lo que tenías, que venías de Andalucía».
‘gran error’, de Claudia Arenas
Irónicamente, el single de Claudia Arenas es un gran acierto. Su voz era una de las más especiales del concurso, no por ser un vozarrón precisamente, y eso se ha trasladado completamente a su primer sencillo. En ‘gran error’, la personalísima voz de Arenas es el centro de todo.
Esto casa perfectamente con el estilo del tema: una balada clásica que recuerda al Bruno Mars más romántico y que cuenta con muy pocos elementos que está, muy bien colocados. La melodía es agradable, incluso memorable, y los añadidos a la mezcla, ya sean el bonito coro de voces o la aparición de la guitarra eléctrica en la segunda mitad, solo suman. Eso de dejar lo mejor para el final se ha cumplido en este caso.
La letra no es una maravilla, pero tampoco se queda en lo anodino. ‘gran error’ es una canción de desengaño al 100%, con Claudia nombrando a una persona «que no fue capaz» y que perdió su «oportunidad». Sin embargo, frases como «cuenta a las demás que yo fui una más» o «qué gran error sentir que esta vez iba a ser diferente, que iba a sufrir, ahora que me eres indiferente» son grandes toques. Claudia ha contado que este tema es un buen ejemplo de «hacia donde me gustaría ir con mi música». Nosotros, encantados.
Triángulo de Amor Bizarro han presentado su nueva era en Madrid en un evento organizado en la Sala Equis. Y digo «era», no solo «disco», porque el grupo se estrena en Sonido Muchacho (Carolina Durante, Sen Senra, Depresión sonora).
El trío pinchó 5 canciones nuevas con sus visuales a modo de corto, habló sobre la libertad con que han trabajado en este disco tras un par de proyectos más conceptuales y explicó cómo se ha trabajado la sensación de «espacio». Capturar la «sala» donde grababan, su «catedral» particular.
Rodrigo bromeó sobre hacer 10 discos como Felt: «Tres, tres y tres y uno de despedida». En todo caso este es el 7º: «Hemos intentado reiniciar el formato, somos 3 por primera vez. Nos planteamos un disco muy artesanal, muy a la contra de todo el rollo tecnológico ultrachungo que hay, ni mucho ordenador ni nada. Metimos un montón de tiempo, hemos estado meses, realmente años, componiendo. En nuestra casa, que hay un estudio, pero es nuestra casa. Es un disco de bajo, guitarra, batería y arreglos. Un disco como se hacían en la época en que los discos eran la cima de la cadena alimenticia. Es el disco al que más tiempo hemos dedicado para hacer las canciones».
Hoy se ha subido a plataformas el primer single, ‘Sacrificio’, y es nuestra Canción del Día. La definieron como la «canción directa» que les suele salir cuando ya tienen el resto del disco hecho y definido. Es ciertamente una de sus composiciones más repetitivas y pop, con una melodía prima hermana ya no tanto de New Order como de los Cure de ‘Friday I’m In Love’.
Apelando a «hermanas entre tinieblas» y «hermanas de la oscuridad», su estribillo incide en la idea de «hacer lo que pueda pero nada más». «La muerte es un gesto, entrego mi voluntad», dice el texto sobre el título de la canción. «Mi playa es mi sacrificio» es la última frase del tema y también del álbum, pues ‘Sacrificio’ cierra toda la secuencia.
El tema oficial de la canción es «Galicia como paisaje, como tensión, como mito», y también «sus meigas: figuras ambivalentes (sanadoras, adivinas, guardianas de rituales) que existen justo en el punto donde la razón no termina de imponerse».
Respecto al «estanque de plata» de la letra, el sello indica: «No es una postal costumbrista, sino un imaginario de poder antiguo puesto a funcionar dentro de una canción contemporánea: espiritualidad sin catecismo, misterio sin moraleja».
El primer viernes de marzo, día 6, llega el esperado nuevo disco de Harry Styles, que ya comentamos en portada, junto a otros lanzamientos importantes de Bad Gyal, Bonnie ‘Prince’ Billy, Morrissey y esos Gnarls Barkley que despiden su carrera discográfica.
En un plano más underground o alternativo, tenemos nuevos discos de COBRAH, Flying Lotus, Juanes o, desde España, de DeTeresa y Larea.
Estos días hemos asistido al inicio de las nuevas eras de Alcalá Norte, Aldous Harding, Fangoria y Maya Hawke. Hoy, Triángulo de Amor Bizarro hace lo propio, mientras Rigoberta Bandini publica un single guitarrero -el que adelantó durante los Goya-. Por su lado, Bebe Rexha samplea a Faithless en el primer single de su próximo disco. De los dos anteriores no se acuerda.
Y puede que Anne Hathaway lance un single coproducido por The 1975, pero de ninguna manera eclipsa el lanzamiento de Alexis Taylor producido por The Avalanches, la nueva cucada de Stephen Sanchez, el rock de SPRINTS y O’Cristo, o el afro de Ayra Starr.
Paralelamente al otro regreso de la semana, el de Basement, tenemos nuevos singles interesantes de Xoel López, Peter Gabriel, Fcukers, Wesley Joseph, Calequi y Las Panteras o Dora Band. También destacan dos colaboraciones del pop latino: por un lado, Shakira y Belee homenajean a Colombia, y por otro, Maluma y Manuel Turizo se marcan un pachimbe dominicano.
Estrenos de Daniela Andrade, The New Pornographers, Claudia Arenas (OT2025), Yebba, Blanco Palamera, Metric o el bonus track de Rusowsky engrosan la playlist de novedades de hoy, disponible en Apple Music y Spotify.
Damon Albarn no es el mismo desde que en el año 2000 Oxfam le invitara a Mali para un intercambio cultural de consecuencias impredecibles. El líder de Blur aceptó porque estaba harto de la cultura de la celebridad de los 90 y lo que se encontró fue un montón de músicos con los que enriquecer su discurso. «El diálogo con Mali no termina aquí, sólo es el principio, el principio es lo más difícil», declaraba a El País durante la presentación del disco ‘Mali Music’ (2002).
Unos 25 años después, ya no nos sorprendemos de que un álbum de Gorillaz, a la postre su proyecto más exitoso, sea un crisol de todas las músicas posibles. Esta vez no ha sido Malí, sino India, el país que más ha determinado su sonido, al ser visitado tanto por Damon Albarn como por su compañero Jamie Hewlett, en una época en que los padres de ambos fallecieron, con 10 días de diferencia.
De ahí que ‘The Mountain’ suene como un álbum espiritual desde su apertura cuasi instrumental. El sitar de Anoushka Shankar y la flauta de Ajay Prasanna, así como los vientos de corte hindú, marcan unas canciones que juegan peligrosamente con el cliché, casi 60 años después de la conocida visita de los Beatles a la India en 1968. Tópicos como el de una cobra siendo encantada no han gustado mucho a la prensa local, de la misma manera que la anticuada visión de África de Beyoncé lastró la campaña de su banda sonora para ‘El Rey León’.
La mayor victoria de ‘The Mountain’ es que es un álbum muy sentido, cuando se pone a ello. Cuenta Damon Albarn que «a los británicos no se les da muy bien lidiar con la muerte», por lo que este viaje ha sido una liberación. El paso de ‘The Hardest Thing’ a ‘Orange County’ con Bizarrap, que habla sobre «lo duro que resulta decir adiós», es uno de los momentos más bonitos que nos ha dejado la discografía de Gorillaz, entre silbidos llenos de melancolía y una preciosa sección de trompetas. ‘The Sweet Prince’ es otro buen tema que trata la estancia de su padre en el hospital.
Esta reflexión sobre el más allá se ve alimentada por un montón de voces traídas efectivamente desde el otro mundo. Damon Albarn ha recuperado viejas grabaciones que tenía junto a Lou Reed y se ha hecho con los derechos de tantos samples de grabaciones como para que por aquí se asomen su buen amigo -y artista esencial en su carrera- Tony Allen, un furioso Mark E. Smith en ‘Delirium’, Bobby Womack, y raperos como Trugoy the Dove de De La Soul o Proof de D12.
La aparición de este en la segunda mitad de ‘The Manifiesto’, cuando la primera estaba siendo dominada por todo el flow del argentino Trueno, es un shock. Pasamos de oír frases buenrolleras como «Descansa, como cuando estabas en la panza» a oír a Proof a hablar de balas y disparos. Y de ahí a escuchar a Damon Albarn repetir hasta la saciedad algo así como que todo es «automático hoy en día».
Todo es automático excepto este disco en el que caben el synth-pop de los 70 junto a Sparks, en un single lanzado hace 6 meses que se olvidó demasiado pronto, ‘The Happy Dictator‘; el banger lleno de ritmazo ‘Damascus’ junto a Omar Souleyman; o su respuesta baladesca junto a la leyenda de Bollywood Asha Bhosle, 92 años de emoción y experiencia en una maravilla llamada ‘The Shadowy Light’.
De ‘The Moon Cave’ (2ª pista) a ‘Casablanca’ (antepenúltima), a veces el sinfín de «featurings» y músicos invitados, que incluye a Johnny Marr, Kara Jackson, IDLES o Gruff Rhys, hace sonar ‘The Mountain’ como «un poco demasiado». Desde ‘Plastic Beach’ los discos de Gorillaz no se quitan de la boca cierto sabor a «álbum de rarezas». Necesitan un nuevo hit claro en lugar de 57 ideas juntas. Sin embargo, hay algo muy poético en escuchar a tantos artistas fallecidos aparecer en un álbum que habla sobre despedirnos de nuestros padres.
Mejor aún, en 1999 nacía la primera hija de Damon, Missy (llamada así por Missy Elliott). Desde que cumplió 18 años, acompaña a su padre en viajes tan improbables como Corea del Norte o Turkmenistán, una de las dictaduras más restrictivas del mundo. Ese es el origen de ‘The Happy Dictator’. A Damon le horrorizó y le maravilló a partes iguales, que en dicho país estuvieran prohibidas las malas noticias. De esa concienciación de lo que ocurre ahí fuera, traspasada de abuelo a padre, de padre a hija, es que se podría abrir un pequeño halo de esperanza.
Marc Giró ha acudido a El Hormiguero para presentar su nuevo programa en LaSexta, que ha tenido la ocurrencia de titular ‘Cara al Xou’, un guiño irónico al himno oficial de la Falange Española. El espacio se estrenará “después de Semana Santa”.
Giró se ha mostrado incontenible desde el segundo cero, conduciendo la entrevista por donde ha querido y aturdiendo a un Pablo Motos que apenas ha podido dirigir pregunta alguna.
En su papel de provocador televisivo, Giró no ha tardado en afirmar que con él y Motos estaban “las dos Españas juntas” en un mismo plató. Según ha bromeado, el presentador de El Hormiguero ha conseguido con él lo que Arturo Pérez-Reverte no ha logrado con David Uclés.
Giró no ha dudado en sacudir el conservadurismo de El Hormiguero desde dentro, asegurando que la sala de espera del programa “parece una sauna gay” y lanzando una proclama a favor del sexo anal para contrarrestar la broma homófoba que hizo César Cadaval, de Los Morancos, sobre Jorge Javier Vázquez la noche anterior. Cuando Motos ha tratado de justificarlo como una simple broma, Giró ha respondido que “el sexo anal no es una broma, hay que tomárselo en serio”. También ha lanzado una pequeña pulla al presentador: “Tú estuviste bien, ya empiezas a parar ese tipo de cosas, aunque todavía te cuesta”.
Giró ha conducido después -como se veía venir desde el inicio- la conversación hacia una crítica a la ultraderecha dentro de un programa al que muchos identifican con esa sensibilidad política. De hecho, ha sido él mismo quien ha sacado el tema de Pedro Sánchez, ante la ausencia de preguntas al respecto por parte de Motos. Giró llega a gritar “¡Viva Pedro Sánchez!” y reprocha la aparente afinidad del programa con la ultraderecha, señalando que en El Hormiguero “hilan muy fino” con el presidente del Gobierno, pero no con la ideología que defienden partidos como Vox.
Motos, en respuesta, se limita a defender la importancia del disenso cordial. Menos acertado está Trancas -una de las hormigas- cuando plantea a Giró que dijera “algo bueno de la ultraderecha para compensar”. El presentador responde, ya más serio, que la ultraderecha “no tiene nada bueno”, y advierte: “Lo van ustedes a comprobar si la votan y acaba gobernando”. Trancas, eso sí, defiende que en El Hormiguero «también estamos en contra del fascismo: sorpresa».
Tampoco se libra de las provocaciones de Marc Giró Tamara Falcó, colaboradora de El Hormigueor y presente en el plató. Giró bromeó sobre su patriotismo recordando un evento de premios en el que trabajaron juntos: Falcó debía recitar un texto en inglés, pero decidió traducirlo al español sobre la marcha. “Eso sí es defender España”, ironizó Giró.
El presentador tampoco deja pasar la ocasión de lanzarle un shade apenas disimulado al recordar que aquella noche la hija de Isabel Preysler parecía ir “volada”, insinuando que Falcó parece vivir completamente ajena a la realidad.
Ya sabíamos que Anne Hathaway podía cantar, gracias a sus pinitos vocales en las películas ‘Rio’ y ‘Les Misérables’, pero esta es la primera vez que se rodea de un equipo tan sorprendente. Charli XCX, Jack Antonoff y George Daniel, de The 1975 y marido de Charli, han producido y coescrito ‘Burial’. Se trata de la primera canción del soundtrack de ‘Mother Mary’, la nueva película de A24.
La actriz de ‘El diablo viste de Prada’ te da la bienvenida a tu propio «entierro»: «Te mataré suavemente / Tan dulcemente», canta Hathaway en las primeras líneas. La canción formará parte del álbum de la película ‘Mother Mary’ junto a otros seis temas, también cantados por Hathaway y coescritos por Charli, Antonoff y Daniel. Estos, junto a FKA Twigs en algunas canciones, también se encargarán de la producción. Twigs, además, también actuará en la cinta.
‘Burial’ se trata de otra película más en el currículum de Charli XCX, que acaba de lanzar un disco para la película ‘Cumbres borrascosas’. La cinta de A24 trata sobre una estrella del pop (Hathaway) que se reencuentra con una vieja amiga y estilista (Michaela Coel).
Britney Spears ha sido detenida en Ventura County, California bajo sospecha de conducir bajo la influencia del alcohol y las drogas, informa TMZ.
Según el portal estadounidense, que cita fuentes policiales, Spears fue esposada por la Patrulla de Carreteras de California alrededor de las 21:30, ingresada en la cárcel durante la madrugada y puesta en libertad hacia las 6 de la mañana. La artista deberá comparecer en el juzgado el 4 de mayo.
«Este ha sido un incidente desafortunado que no se puede justificar de ninguna manera”, ha explicado un representante de Spears en un comunicando, donde informa de que “Britney tomará las medidas correctas y cumplirá con la ley, y con suerte esto puede ser el primer paso hacia un cambio esperado desde hace tiempo que debe ocurrir en la vida de Britney. Esperemos que pueda recibir la ayuda y el apoyo que necesita durante este momento difícil».
La detención de Spears se produce meses después de que la cantante de ‘Toxic’ fuera grabada, el pasado mes de octubre, en vídeo conduciendo de manera errática por una carretera, camino a su residencia.
Recientemente, Spears ha sido noticia por obtener una orden de restricción permanente contra un hombre de 51 años que se había presentado en su casa de Los Ángeles y había publicado mensajes inquietantes sobre ella en redes sociales.
En materia musical, Spears ha sorprendido estos días tras firmar la venta de los derechos editoriales de su catálogo, por una cifra que rondaría los 200 millones de dólares.
FESTIAL! 2026, el festival manchego, anuncia su cartel por días tras haber confirmado previamente la presencia en esta edición de nombres como Lori Meyers y Rigoberta Bandini, cabezas de cartel del evento. JENESAISPOP es medio oficial.
El festival se celebrará los días 22 y 23 de mayo en el Complejo Polideportivo Municipal de Alcázar de San Juan (Ciudad Real). El día antes, jueves 21 de mayo, tendrá lugar la Fiesta de Bienvenida, con actuaciones de Alejo, Jaguayano, La Sonrisa de Julia y Maikie.
La primera jornada de FESTIAL!, el viernes 22, arrancará en el Complejo Polideportivo Municipal con la actuación destacada de Lori Meyers, además de los conciertos de Niña Polaca, Sexy Zebras y Veintiuno, entre otros.
De manera paralela, ese mismo día al mediodía, el Escenario Plaza Ayuntamiento acogerá la programación de FESTIAL! CLUB, con las sesiones de Alex Curreya, Stanz Dj y Superframe.
De vuelta al Complejo Polideportivo, el sábado 23 será la noche de Rigoberta Bandini y de figuras como Marlena, Sanguijuelas del Guadiana o Las Petunias.
Por su parte, la programación del Escenario Plaza Ayuntamiento de ese día acogerá FUTURE FESTIAL!, una apuesta por el talento emergente que contará con Niños Bravos, Oslo Ovnies, Popi&Sito, The Cbb y un artista sorpresa que se anunciará en el momento.
Mientras el público sigue escuchando ‘Hips Don’t Lie’ como si no se hubiera lanzado hace más de dos décadas, Shakira propone un nuevo homenaje a Colombia. En ‘Algo tú’, se une a uno de los reyes del urban latino actual, Beéle, y entrega un vallenato con capas.
Porque esto no es ‘La Bicicleta’, sino una fusión más profunda de varios géneros, principalmente el vallenato y la música electrónica. El instrumento estrella resulta ser una flauta de caña que conecta la tradición con el presente.
‘Algo tú’ es una de las producciones más enfocadas al club de la carrera de Shakira, pareciendo casi un remix de sí misma. Aún queda claro el mensaje de la canción, que aboga por vivir la vida sin miedo, e intercala referencias al Parque Tayrona, al río Magdalena y a instrumentos regionales como el tambor o el llamador, típicos de la música folclórica colombiana.
El cantante Rafael Escalona y su vallenato ‘La casa en el aire’ también aparecen mencionados en la letra de ‘Algo tú’, mientras la estética de la canción no renuncia a unas dosis elevadas de autotune, reflejando la sensibilidad urbana actual.
Shakira y Beéle han sido vistos recientemente rodando el videoclip de ‘Algo tú’ en el Carnaval de Barranquilla. De nuevo, ‘Hips Don’t Lie’ parece el punto de referencia.
Billboard ha vuelto a publicar una de sus comentadas listas, esta vez enumerando las mejores bandas de rock latino de la historia. En total, incluye 50 grupos provenientes del ámbito hispanohablante, principalmente de América Latina, México y España.
La lista está encabezada por la banda argentina Soda Stereo, seguida en el número 2 por los mexicanos Café Tacvba y en el 3 por los también argentinos Sui Generis. Los chilenos Los Jaivas figuran en el puesto 18 como los más longevos, mientras que la banda más reciente, Diamante Eléctrico, se formó en 2012.
Enjambre abre desde el puesto 50 la clasificación, que incluye orígenes diversos. Por ejemplo, Los Rodríguez -el dúo de Andrés Calamaro y Ariel Rot- se formó en Argentina pero se trasladó a España, y Mano Negra eran españoles establecidos en París.
La lista incluye hasta ocho nombres españoles (nueve contando a Los Rodríguez), siendo la más alta Héroes del Silencio, que figura en el puesto 11. Esta sería la mejor banda de rock española según Billboard, seguida en el 16 por La Unión y en el 17 por Alaska y Dinarama. Completan el top 20 Mano Negra en el 19 y Jarabe de Palo en el 20. También aparecen en la lista Radio Futura en el 37, Hombres G en el 40 y Duncan Dhu en el 45.
Las 10 mejores bandas de rock latino para Billboard:
1.- Soda Stereo
2.- Café Tacvba
3.- Sui Generis
4.- Los Fabulosos Cadillacs
5.- Los Prisioneros
6.- Babasónicos
7.- Caifanes
8.- Zoé
9.- Maná
10.- Aterciopelados
Kanye West actuará en Madrid este verano, informa EuropaFM, después de que la fecha apareciera esta mañana en la web «YeMadrid.es«. La fecha también figura oficialmente en la sección de «Tour» de la web Yeezy, propiedad de West.
La presentación de ‘Bully’ en Madrid tendrá lugar el jueves 30 de julio en el estadio Riyadh Air Metropolitano y, según el citado medio, la preventa de entradas estará disponible a partir del 10 de marzo a las 10:00 horas, previo registro.
West, quien se hace llamar Ye desde 2021, volverá a España después de más de 20 años: su primer y hasta ahora único show fue en 2006 en Barcelona.
‘Bully’ estará disponible a partir del 27 de marzo y supone el primer lanzamiento oficial de West desde ‘Donda’ en 2021. Este es el tracklist oficial, que incluye los 5 singles adelantados, incluido este ‘Preacher Man’ que abre el largo.
1. Preacher Man
2. Beauty and the Beast
3. Last Breath
4. White Lines
5. I Can’t Wait
6. Bully
7. All The Love
8. This One Here
9. Highs and Lows
10. Mission Control
11. Circles
12. Damn
13. Losing Your Mind
Kelly Clarkson ha presentado durante años su propio programa de televisión, The Kelly Clarkson Show, pero durante la semana del 2 de marzo, como homenaje al Mes de la Mujer, Clarkson se ha tomado un descanso y ha invitado a su amiga y colega P!nk a ocupar su lugar como presentadora. La participación de P!nk en el programa ha dejado ya un momento viral aparentemente espontáneo, aunque con la tele nunca se sabe.
El momento ocurre cuando P!nk entrevista a la snowboarder y medallista olímpica Chloe Kim, quien le cuenta que le encanta su música y que la sigue desde que tenía 12 años. Para demostrarlo, Kim se anima a cantar la melodía de ‘Stronger’, uno de los mayores éxitos de Kelly Clarkson, dejando a P!nk con una cara parecida al signo de exclamación de su nombre artístico.
“Bueno… esa es de Kelly Clarkson”, responde P!nk con una sonrisa divertida, justo antes de que el público estalle en risas y aplausos. Para ser justos, P!nk se lo toma con humor, mientras Kim se “muere de vergüenza” en el sillón y lucha por mantener la compostura. Kim intenta salvar la situación asegurando a P!nk que realmente “ama su música” y menciona como ejemplo ‘F***ing Perfect’, que sí es una canción de P!nk, explicando que su confusión se debe a que acababa de despertarse de una siesta.
Olympic snowboarder Chloe Kim confuses P!nk with Kelly Clarkson:
“Growing up, when I was like 12… I loved listening to your music… Like 'What doesn't kill you makes you…' pic.twitter.com/8eorZmrn8p
Carlos Ares y Valeria Castro lideran las nominaciones a los XVIII Premios de la Música Independiente (MIN), reveladas este miércoles durante una rueda de prensa celebrada en la madrileña Sala El Sol. Cada uno opta a seis premios, y les siguen con cinco cada uno Repion y Rufus T. Firefly, y con cuatro Zahara y Sanguijuelas del Guadiana.
El 25 de marzo se entregarán los premios en una ceremonia que tendrá lugar en el Gran Teatro de Córdoba y que estará presentada por Tamara García y Masi Rodríguez.
La presentación de las nominaciones estuvo acompañada de actuaciones en directo. Elem realizó una actuación en solitario, que se debatió entre el intimismo de la balada, y la explosión dance electrónica; mientras que Ona Mafalda optó por un show de rock de batería y su propia guitarra, coronado por su versión de Mari Trini.
Las nominaciones de los Premios MIN dejan curiosidades como los nombres que optan a la categoría de Mejor artista internacional, entre los que se encuentran Hayley Williams o Perfume Genius. El Premio de Honor será para Ana Curra.
Además de las nominaciones en las 22 categorías de premios, se ha revelado la lista de artistas que actuarán en la ceremonia del 25 de marzo. Entre ellos se encuentra Rufus T. Firefly, autores de la canción ‘Premios de la Música Independiente’. También Queralt Lahoz, Sanguijuelas del Guadiana, Çantamarta, Ruth, Vera Fauna y Las Rodes se subirán al escenario.
PREMIO ONERPM ÁLBUM DEL AÑO
«Brindis», de Cala Vento
«La boca del lobo», de Carlos Ares
«9:30 PM», de Queralt Lahoz
«201», de Repion
«El cuerpo después de todo», de Valeria Castro
PREMIO RADIO 3 CANCIÓN DEL AÑO
‘Días de perros’, de Carlos Ares
‘X’, de Repion
‘Canción de paz’, de Rufus T. Firefly
‘Revolá’, de Sanguijuelas del Guadiana
‘Tiene que ser más fácil’, de Valeria Castro
PREMIO AIE MEJOR ARTISTA
Kiko Veneno
Repion
Rufus T. Firefly
Valeria Castro
Zahara
PREMIO MIN 2026 MEJOR ARTISTA EMERGENTE
Lia Kali
Carlos Ares
Sanguijuelas del Guadiana
Merina Gris
Queralt Lahoz
PREMIO MIN 2026 MEJOR VIDEOCLIP
Duelo por ‘Cómo será vivir en el campo’, de Depresión Sonora
Ismael de la Trinidad por ‘Renacer’, de Lia Kali
Fran Granada por ‘Full lace y el tuck’, de Samantha Hudson
Pablo Hoyos por ‘Revolá’, de Sanguijuelas del Guadiana
Irene Baqué por ‘Tiene que ser más fácil’, de Valeria Castro
PREMIO INGRESSE MEJOR DIRECTO
Carlos Ares Sonorama Ribera Plaza del Trigo, de Carlos Ares
Repion – 201 en el Teatro Barceló, de Repion
Gira con auriculares: Todas las cosas buenas, de Rufus T. Firefly
Verbena en vena, de Sanguijuelas del Guadiana
Gira Lento Ternura, de Zahara
PREMIO AGEDI ÁLBUM DE POP
«Dime dónde estamos», de Vera Fauna
«Lento ternura», de Zahara
«La boca del lobo», de Carlos Ares
«Zuloa», de Merina Gris
«No sueltes lo efímero», de Pumuky
PREMIO MIN 2026 MEJOR ÁLBUM DE ROCK
«Los perros no entienden internet (…y yo no entiendo de sentimientos)», de Depresión Sonora
«III», de Grande Amore
«1973», de Quique González
«201», de Repion
«Todas las cosas buenas», de Rufus T. Firefly
PREMIO MIN 2026 MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA DE RAÍZ
«Ícaro», de Dulzaro
«La constancia», de El Nido
«El cuerpo después de todo», de Valeria Castro
«Judit Neddermann & Pau Figueres», de Judit Neddermann & Pau Figueres
«Robina», de La Maria
PREMIO FUNDACIÓN SGAE MEJOR ÁLBUM DE JAZZ
«El Trío», de Alex Conde
«Mutatis Mutandis», de EME EME Project
«Luces y sombras», de Ivan Melon Lewis
«Mestura», de María Toro
«Al Cante», de Pablo Martín Caminero y David Carpio
PREMIO MIN 2026 MEJOR ÁLBUM DE FLAMENCO
«Aventuremos la vida», de José de los Camarones
«Kiko Veneno en la Carbonería», de Kiko Veneno
«Pura vida», de Laura Vital
«Himno Vertical», de Rocío Márquez y Pedro Rojas Ogáyar
«Calle Pureza» de Rubio de Pruna
PREMIO MIN 2026 MEJOR ÁLBUM DE CLÁSICA
«Spain on Fire», de Accademia del Piacere con Quiteria Muñoz
«Les chants des muses», de Anna Urpina
«Gaetano Brunetti: String Quartets Op.3», de Concerto 1700
«Mozart & Schubert», de Josep Colom y Javier Laso
«Mozart: The horn concertos», de La Real Cámara con Javier Bonet y Emilio Moreno
PREMIO MIN 2026 MEJOR GRABACIÓN DE MÚSICAS URBANAS
«Totosaki», de Euskoprincess & Mattin
«El Secreto», de Juicy Bae
«Kaelis», de Lia Kali
«Miss Understood», de l0rna
«9:30 PM», de Queralt Lahoz
PREMIO MIN 2026 MEJOR GRABACIÓN DE ELECTRÓNICA
«Neu om», de Amanda Mur
«Xorieri», de Baiuca & Izaro con Oreka Tx
«Halo», de Bruma
«2025», de GAZZI
«Free baby» de Restinga
PREMIO MIN 2026 MEJOR ÁLBUM EN CATALÁN
«El primer cant del matí», de Alosa
«Vigília», de Anna Andreu
«Eril Eril Eril», de El Petit de Cal Eril
«Paradís», de Júlia Colom
«Katana», de Maria Hein
PREMIO MIN 2026 MEJOR ÁLBUM EN EUSKERA
«Kabakriba», de EZEZEZ
«Zuloa», de Merina Gris
«Miruenea», de Mirua
«Zerrautsa», de Olaia Iniziarte
«Lurra ikutu barik», de Ruper Ordorika
PREMIO MIN 2026 MEJOR ÁLBUM EN GALLEGO
«Lovismo», de A banda da loba
«Feira», de De Ninghures
«Alvela», de Faia Díaz Novo
«III», de Grande Amore
«Mestura», de María Toro
PREMIO MERLIN MEJOR ARTISTA INTERNACIONAL
Silvana Estrada
Hayley Williams
Perfume Genius
Pulp
Big Thief
PREMIO SAE MADRID MEJOR PRODUCCIÓN MUSICAL
Alejandro Guillán por «Xorieri», de Baiuca & Izaro con Oreka Tx
Carlos Ares por «La boca del lobo», de Carlos Ares
Sergio Salvi y Sandra Delaporte por «Rendición», de Delaporte
Jordi Matas por «Bakan (II)», de Gorka Urbizu
Carles Campi Campón por «El cuerpo después de todo»,
de Valeria Castro
PREMIO MARILIANS MEJOR DISEÑO GRÁFICO
Bandiz Studio por «Los perros no entienden Internet (…y yo no entiendo de sentimientos)», de Depresión Sonora
Julia Martin-Maestro por «Todas las cosas buenas», de Rufus T. Firefly
Raúl Rodríguez Orgaz y Jorge de Cruz por «El único ser sin talento»,
de Stivijoes
Emilio Lorente, Guillermo Guerrero y Zahara por «Lento ternura»,
de Zahara
Guillermo Arias por «Mañana y siempre», de Nadadora
PREMIO MIN 2026 MEJOR LETRA ORIGINAL
‘Todo me va bien’, de Albert Pla y Kase.O
‘Cómo será vivir en el campo’, de Depresión Sonora
‘Podría haber sido’, de La Bien Querida
‘Los asombros’, de Nacho Vegas
‘Terciopelo azul’, de Quique González
PREMIO DEL PÚBLICO
‘Cartas’, de Cas de Rojas
‘Las palabras’, de Siloé
‘Oxitocina’, de Cepeda
‘Incendio’, de Brock Ansiolitiko
‘Vinculos – Anj’hara’, de Olvido Lanza
Lily Allen está presentando en directo su exitoso disco ‘West End Girl‘ (2025), en el que relata el colapso de su matrimonio con el actor David Harbour. El montaje del concierto es teatral e incluye momentos que están siendo especialmente comentados.
Por si no fuera suficiente que, en ‘4Chan Stan’, Allen cuente con todo lujo de detalles los regalos que Harbour compra a su supuesta novia secreta, la artista ha decidido poner toda la carne en el asador en la interpretación en vivo de esta canción, vistiéndose con los recibos de esos regalos.
Allen actúa envuelta en una gran pieza de tela con apariencia de alfombra que cubre su cuerpo a modo de vestido, donde aparecen impresos distintos recibos de compras que Harbour habría realizado para esa tercera mujer, entre ellos un bolso y un viaje a Montauk. La cantante sugiere que ella se encontraba dormida en Londres -ciudad a la que había viajado por trabajo- mientras Harbour hacía estas compras a través de la cuenta conjunta.
En la canción, Allen compara a Harbour con los usuarios de 4chan, un foro frecuentado por jóvenes de extrema derecha, entre ellos incels. Lo llama “cobarde” por haberle sido infiel y ocultarlo, y concluye que ni siquiera es tan “mono” como para permitirse esas libertades.
La gira de ‘West End Girl’ está siendo un éxito de asistencia, aunque la crítica no termina de rendirse a la propuesta. The Guardian, por ejemplo, ha calificado el concierto con 2 estrellas y ha cuestionado el arranque del espectáculo, en el que una orquesta interpreta versiones instrumentales de los éxitos previos de Allen para contextualizar el disco.
La artista utiliza así a su propio grupo como telonero, dedicado a repasar su repertorio anterior, y aparece en escena más tarde para interpretar íntegramente y en orden el cancionero de ‘West End Girl’. Otros medios, como The Independent, sí han respaldado la propuesta. Allen presentará ‘West End Girl’ en España este verano dentro de la programación del Bilbao BBK Live.
Según las estimaciones de HDD, ‘The Romantic’ va a vender 85.000 copias en su primera semana. Una cifra que ya valdría para ser número 1 del Billboard 200 en esta semana vaga. Además, sumando streaming, serán 175.000 unidades. Esto es, Bruno Mars tiene asegurado el top 1 en Estados Unidos, doblando estos días a Bad Bunny y a Morgan Wallen, ya a la baja.
Por el contrario, quienes lideran las midweeks británicas muy claramente son Gorillaz. ‘The Mountain’ será otro flamante número 1 para la formación liderada por Damon Albarn. El lunes había vendido 23.000 copias por 10.000 de Bruno Mars; y este miércoles la diferencia no se reduce de manera significativa.
Hoy por hoy van 26.000 unidades de Gorillaz por 14.000 de Bruno Mars, por lo que salvo que haya un as en la manga para ‘The Romantic’, la formación de Damon Albarn ganará. Eso sí, quedará en torno al puesto 8 en Estados Unidos.
Fuera de esta batalla, pero fuerte, quedará ‘Nothing’s About to Happen to Me’ de Mitski, que aspira al top 3 en UK pero seguramente se verá rebasada por el streaming de Olivia Dean y quedará en el número 4.
En cuanto al single ‘Risk It All’ de Bruno Mars, aspira tan solo a un top 15 en UK, pero ojo porque acaba de subir del puesto 3 al puesto 2 en el Global de Spotify. Hay un hit cocido a fuego lento en ciernes.
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