Nacho Vegas ha estrenado ‘Ser árbol’, el sencillo que presenta su nuevo disco, ‘Violética‘. El tema se publica el 4 de mayo en las plataformas de streaming, pero puede escucharse en Facebook a través de un extraño vídeo animado que se desarrolla horizontalmente y que presenta a un hombre y a una mujer en un escenario desértico.
Sin embargo, ‘Ser árbol’ no es exactamente una canción sobre la “sequía” de un corazón roto, si no más bien lo contrario. Estamos ante una conmovedora canción de amor, acústica, sin grandes florituras y de melodía muy clásica, con coros de Maria Rodés, en la que Vegas y su amante relatan, desde la aparente perspectiva de dos árboles, cómo su amor ha echado raíces de manera férrea, hasta el punto que Vegas canta: “nuestros bosques son implacables”.
“Procuramos sombra a los de abajo, jamás nos ausentamos, sabemos bien lo que es el amparo”, reza otra parte de la letra, que emociona sobre todo en el estribillo, en pasajes tan bonitos como “nos recorrimos por dentro, y así fuimos inventando nuevas formas de respirar, y una nueva manera de imaginar, que para ver el cielo hay que hundirse en la tierra, y no hay más suelo que el que ahora nos aferra, al fin, somos árbol”.
Cardi B acaba de cancelar varios conciertos para descansar, ya que se encuentra en avanzado estado de gestación. Volverá a los escenarios en septiembre, cuando empiece su gira con Bruno Mars, y mientras se dedicará a otros asuntos como cuidar de su bebé, grabar u ocuparse de una demanda multimillonaria que le dirige su antiguo mánager, Klenord “Shaft” Raphael, de 10 millones de dólares.
Shaft demanda a Cardi por incumplimiento de contrato y otras transgresiones, alegando que le ha dejado tirado tras hacerse famosa. En su demanda, obtenida por Variety, defiende que “desde que descubrió a Cardi B en 2015, Shaft ha jugado un papel integral en desarrollar su carrera musical y su imagen pública. Aunque está orgulloso de sus exitosas colaboraciones, en tanto ha evolucionado de influencer de Instagram a megaestrella de la música, Shaft está decepcionado por que Cardi le haya apartado de su carrera”.
Sin embargo, TMZ cuenta otra historia, y le da la razón a la autora de ‘Invasion of Privacy‘. La rapera habría despedido a Shaft tras descubrir que le ha robado una buena pasta de sus actuaciones en directo, al quedarse con la mitad del caché de Cardi sin decírselo. Esta sería la razón por la que Cardi trabaja ahora con Solid Foundation, la planta de gestión de artistas de Quality Control, el sello de Migos. Por su parte, Shaft defiende que parte de ese dinero lo invertía en pagar a compositores y productores, pero Offset, el marido de Cardi B, que habría convencido a Cardi de despedirle, no lo cree así.
Azealia Banks continúa en el número 1 de nuestra lista semanal, aunque seguida muy de cerca por lo nuevo de Ariana Grande, ‘No Tears Left to Cry’. Otras entradas son los últimos sencillos de Kylie con Gente de Zona, Lykke Li, The Weeknd, Cardi B, Tinashe, Sofi Tukker y C. Tangana. Nos despedimos de ‘O Isa’ de Triángulo de Amor Bizarro al cumplir 10 semanas en lista y estar en la mitad baja de la tabla, para dar paso a otras novedades. Ya podéis escuchar nuestra nueva lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.
Cerramos el mes de abril con un nuevo aluvión de novedades. Destaca, sobre todo, el apartado de álbumes, donde nos encontramos con nuevas y esperadas obras de Javiera Mena, Janelle Monáe, Post Malone, Toundra, Okkervil River, Speedy Ortiz, Anne-Marie, Los Hermanos Cubero, Twin Shadow, Blossoms, la rapera británica favorita de Nicki Minaj, Ms. Banks, DMA’s, Delorentos, Grouper o Poo Bear, con una pléyade de colaboradores de lujo: Justin Bieber, Jennifer Lopez, Zara Larsson, Anitta, J Balvin… También tenemos EPs de ZHU, GTA –confirmando que el house noventero ha vuelto a tope–, la muy prometedora reggeatonera Bea Pelea –pronto os hablaremos de ella– y el murciano afincado en Londres PBSR.
En el apartado de nuevos singles, tampoco vamos nada mal: Jennifer Lopez presenta la explosiva ‘El anillo’, junto con atractivos temas de Simian Mobile Disco, Parcels, Clairo, Jon Hopkins, Sen Senra, Neleonard, Albin Lee Meldau, Invisible Harvey, Meg Myers, The Internet, Thundercat, David Otero, Seinabo Sey, Cullen Omori (ex-líder de Smith Westerns), Stephen Malkmus & The Jicks, Girl Talk (¡ha vuelto!), Hatchie, Mike Shinoda, Shainny, Morcheeba ft Roots Manuva (!), One Path, Remy Ma, Gabriella Cohen, Kaydi Cain, Ambre, Disciples, Snail Mail, Sage, Taburete o Aloe Blacc, además de temas que hemos presentado en los últimos días de Manel Navarro, Oneohtrix Point Never o Beatriz Luengo ft Mala Rodríguez.
Rematamos con las curiosidades de la jornada, entre las que encontramos un disco de Jay-Jay Johanson regrabando viejas canciones, el tema de 9 minutos compuesto e interpretado por Stromae para su nueva colección de moda, un inédito de Mogwai para una BSO, otro de She & Him que han grabado en dos versiones con distinto género para el proyecto por-LGTBIQ+ Universal Love, un remix de Beck para U2 y una versión de un tema de The Modern Lovers a cargo de Jack White, en exclusiva para Spotify.
35 años después de su separación, era una idea improbable que ABBA volvieran al estudio y grabasen material nuevo. Pero hoy la realidad es otra: en un comunicado publicado en su página web, ABBA confirman que eso es exactamente lo que han hecho. ¿La razón? El tour en realidad virtual que preparan junto a Simon Fuller y Universal.
Este es el comunicado: “la decisión de seguir adelante con el emocionante proyecto de gira de ABBA en realidad virtual tuvo una consecuencia inesperada. Los cuatro sentimos que, después de 35 años, sería divertido unir fuerzas de nuevo e ir al estudio de grabación. Así que lo hicimos. Y fue como si el tiempo se hubiera parado y solo hubiésemos estado separados por unas breves vacaciones. ¡Una experiencia realmente maravillosa! Resultó en dos nuevas canciones y nuestros avatares interpretarán una de ellas, ‘I Still Have Faith in You’, en un especial de televisión producido por NBC y BBC que se emitirá en diciembre. Puede que nos hayamos hecho mayores, pero la canción es nueva. Y eso nos hace sentir bien”.
Muy buenas noticias, por tanto, las trae una de las más grandes bandas de la historia del pop. Ya que el cuarteto sueco descarta completamente reunirse para dar conciertos, por lo menos sus fans tendrán dos canciones nuevas que llevarse a la boca. Y teniendo en cuenta que nadie esperaba nada nuevo de ABBA a estas alturas, es un gran motivo de celebración.
Jennifer Lopez tenía que publicar un disco cantado enteramente en español en algún momento de los últimos meses, producido, por cierto, por Marc Anthony. Sin embargo, el disco no llega y Lopez se ha dedicado sobre todo a publicar singles sin ton ni son como ‘Ni tú ni yo’, ‘Us’ o ‘Amor amor amor’, que no han alcanzado el éxito esperado en listas.
Y un año después de estrenar la balada ‘Mírate’, Lopez ha vuelto a la misma gala donde la presentó, los Billboard latinos, para estrenar ‘El anillo’, un tema rítmico y bailable mucho más contundente que cualquiera de los anteriores, interpretado, sí, en español, en el que Lopez ruega a su amante que se apresure a pedirle matrimonio, porque “las mujeres sabemos lo que nos toca, si quieren todo eso, que nos pongan la roca”. Aunque el tema deja otras frases memorables como “a mí me gusta cómo muerde la fruta”, “dale atrás, que así somos las del Bronx” o “no te pido na, yo no soy mujer regalá, ponte en eso ya, sino papi, echa payá”.
El videoclip de ‘El anillo’ se acaba de estrenar y es un exceso de escenarios opulentos y “looks” a cada cual más asombroso. Miguel Ángel Silvestre protagoniza al amante de J Lo, aunque sale poco y nunca -aparentemente- compartiendo set con la cantante. Mientras, J Lo, que no tiene un pelo de tonta, prepara otro single junto a Cardi B y DJ Khaled titulado ‘Dinero’, para el que ya ha rodado un vídeo.
Los Ganglios son noticia por dos motivos: por un lado este domingo 29 de abril actúan en una nueva fiesta especial Churros con Chocolate, como parte del 75º aniversario de la Sala Apolo. En ella estará también actuando nada menos que La Terremoto de Alcorcón. Por otro, recientemente han participado en un split junto a Las Ruinas.
En primer lugar, la fiesta Churros con Chocolate, que ha tenido lugar 6 de sus 7 años en Apolo, se dedica a «la esencia de Paral·lel». En esta edición se dedicarán las 3 salas a la «música, la diversión y al espíritu churrero». La Terremoto cantará pero también actuarán la referencia de El Molino y vedette Merche Mar, y la actriz y cantante Sharonne, reciente subcampeona de ‘Tu cara no me suena todavía’. En la Sala 2, en la Antichurros, será donde podamos encontrar a Los Ganglios. En horario nocturno (la fiesta es de 19.00 a 5.00) habrá concierto reggaetonero/urban de La Favi, quien ha trabajado con Ms Nina o King Jedet. También estarán por allí pinchando Cascales, DJ Coco y Ferdiyei, entre otros.
Centrándonos en lo segundo, recientemente han confluido dos de los proyectos más singulares de la actual escena independiente barcelonesa, Los Ganglios y Las Ruinas. La verdad, parecían destinados a cruzarse. El Genio Equivocado acaba de editar un split-single –un 7” de color rojo– en el que ambas bandas se versionan mutuamente, llevando cada cual a su terreno canciones como ‘El bosque’ o ‘El héroe de la Transición’. Sólo hay 500 copias que pueden encontrarse en la tienda barcelonesa Ultralocal Records. Tras este concierto espera a Los Ganglios Bilbao el 1 de junio, Santander el 2 de junio y Vida Festival el 29 de junio.
Kelis ha realizado una entrevista con Hollywood Unlocked en la que ha hablado sobre su “tóxica” relación con el rapero Nas, con quien estuvo casada de 2005 a 2009 y con quien tiene un hijo. La cantante asegura que Nas fue violento “psicológica y físicamente” con ella durante su relación, hasta el punto que, con “moretones por todo el cuerpo”, llegó a temer por su vida estando embarazada de 7 meses, en un episodio que le hizo plantearse de manera firme dejar al rapero para no involucrar a su hijo en la turbulenta relación. Kelis tomó la decisión de separarse de Nas cuando descubrió que este le había sido infiel, lo cual para ella fue “la gota que colmó el vaso” (Nas reconoció el engaño en 2010). La cantante detalla que Nas bebía “demasiado” y que, cuando le agredía físicamente (y ella respondía agrediéndole, dice), no lo recordaba al día siguiente. “Podíamos pasar la peor noche y, al día siguiente, era como si nada hubiese ocurrido”.
Kelis recuerda que su experiencia ocurrió al tiempo que trascendía la noticia que Rihanna había sido agredida por Chris Brown, y la dura imagen de su rostro lleno de moretones llegaba a las noticias. “Recuerdo claramente esas fotos cuando salieron, tenía moretones por todo el cuerpo, pero todavía no estaba preparada para caminar. Así que no dije nada. Me sentía que esta era mi pareja, le había escogido yo, e íbamos a hacer que nuestra relación funcionase. Yo veía a Rihanna, su aspecto, y después me miraba a mí misma y me sentía horrorizada, avergonzada… Para mí, fue en plan, “¿realmente vas a dejar pasar esto? ¿No vas a hacer nada?” Aceptar eso no era propio de mí”.
Nas, quien este año publica un nuevo disco producido por Kanye West, no ha hecho ninguna declaración al respecto por el momento. Kelis publicó su último álbum, ‘Food‘, en 2014, y en 2017 estrenó el single ‘Who’s Lovin’ You’, una versión de Jackson 5.
Low Festival, que se celebra del 27 al 29 de julio en Benidrom, incorpora hoy nueve nombres nacionales e internacionales a su programación, entre los que destacan los norteamericanos Woods. Autores en 2016 de ‘City Sun Eater in the River of Light‘, Jeremy Earl y compañía pueden presumir de un sabroso repertorio de canciones ancladas en el pop-rock de los 60, como ‘Sun City Creeps’ o ‘Moving to the Left’, que les ha asegurado una buena base de fans.
Otro referente internacional es el de Moullinex. El DJ y productor portugués no solo ha producido remixes para artistas como Robyn, Cut Copy o Two Door Cinema Club. También ha creado auténticos hits de electrónica house y tropical propios como ‘Love Love Love’, contenido en su último LP, ‘Hypersex’.
En el plano nacional, Niños Mutantes encabezan esta nueva tanda. Los granadinos presentarán su nuevo EP ‘Diez&Medio’ “Diez&Medio”. A ellos se suma Carlos Sadness, que desgranará en el escenario de Low su nuevo disco ‘Diferentes tipos de luz’. Y contemplando esta tanda encontramos Aloha Bennets, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Esteban & Manuel, Melenas y Runa.
Los abonos de Low Festival están a un precio de 67 euros hasta esta noche. El festival ya había confirmado a The Chemical Brothers, Phoenix, Biffy Clyro, Vitalic, Los Planetas, León Benvente, Santiago Auserón + Sexy Sadie o La Plata, entre otros.
Con The Strokes yendo y viniendo a modo de asidero económico cuando toca, sus miembros han ido desarrollando sus carreras por separado en proyectos muy desiguales tanto en lo artístico como en lo comercial, siendo Albert Hammond Jr. y Julian Casablancas (primero solo, luego acompañado de The Voidz y ahora ya como un miembro más de la banda) los más llamativos (a pesar de cosas tan interesantes como aquella monada llamada Little Joy o los punknuevaoleros CRX de Nick Valensi). Curiosamente, los dos primeros han publicado álbumes de sus proyectos casi al unísono y, más curiosamente aún, son tan sólidos que parecen venir a dar carpetazo definitivo al grupo que les hizo populares, cuyos momentos de gloria son claramente cosa del pasado.
En el caso de Casablancas, ya es mucho decir si nos atenemos a las decepciones de sus dos anteriores obras, ‘Phrazes for the Young’ y el excéntrico, provocador ‘Tyranny’. Sin embargo ‘Virtue’, el disco que publica integrado como vocalista de The Voidz, es consecuencia clara de aquellos. En él, la banda no sólo amplifica sus logros puntuales –Julian ha dicho que buscan ser una banda mainstream (de hecho, co-edita RCA, la multi que publica a Strokes) sin perder un ápice de libertad creativa (sigue con la etiqueta de su sello, Cult Records)– sino que además ofrece una visión más clara de su entidad creativa y su estética fuera de canones, imprevisible.
Y es que ‘Virtue’ vuelve a ser, en muchas ocasiones, un delirio de géneros –sus clips oficiales son un perfecto retrato de ello–, en los que el feísmo retro a lo Ariel Pink o los últimos MGMT se integra con AOR, hip hop ochentero, synth pop de serie B, heavy metal o el rock iconoclasta de Frank Zappa (¿o será sólo por el sorprendente parecido con él del guitarrista Jeramy «Beardo» Gritter?). La mejor noticia de hecho es que el sleazy punk new wave de Strokes apenas cabe en alguna pincelada puntual –apenas se reconoce su estilo en el deje vocal de Julian en algunos fragmentos del amable corte inicial ‘Leave It In My Dreams’ o en ‘Wink’–. Pero lo importante, sobre todo, es que no se echa mucho en falta.
Lo que obtenemos a cambio es esa loca amalgama de influencias resumidas en el párrafo anterior muy bien definida en buenas canciones, especialmente las que se acumulan en la primera parte de ‘Virtue’. Los singles ‘QYURRYUS’, ‘Pyramid of Bones’ o ‘All Wordz Are Made Up’ son buenos ejemplos de ello, que se refrendan en aún más felices hallazgos como ‘Permanent High School’, ‘AlieNNation’, la pseudo-country ‘Lazy Boy’, la daftpunky ‘Pink Ocean’ o ‘My Friend The Walls’, una suerte de encuentro entre los Radiohead de ‘Kid A’ y A-Ha (!). Muchas de ellas parecen, por momentos, a punto del naufragio pero, como por arte de magia, terminan funcionando de maravilla. La clave, quizá, esté en un buen equilibrio entre las excentricidades de la producción (colocar un bajo sintetizado por delante de voz y guitarras, ensuciar el sonido de forma desquiciante o romper el ritmo cuando menos se espera, etc.) y lo pegadizo, lo accesible.
Como si fuera intrínseco a él, no todo en ‘Virtue’ son decisiones correctas por parte de Julian y su banda: claramente excesivo en minutaje de manera gratuita (si sus 58 minutos se redujeran a 40-42, estaríamos ante un claro candidato a las listas de final de año), boutades como la adaptación acústica de un oscuro tema disco ochentero (‘Think Before You Drink’) o los excesos metaleros de ‘Black Hole’ y ‘We’re Where We Were’ (aunque tiene mucha gracia su solo de cencerro) no hacen sino enfangar el resultado final –el melodramático baladón final ‘Pointlessness‘, en cambio, es un buen colofón-. Pero, así y todo, estamos ante una visión cada vez más atinada y atractiva del universo estético de Casablancas. Y lo que vemos, mola cada vez más. ¿La próxima será la definitiva?
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘Pyramid of Bones’, ‘QYURRYUS’, ‘AlieNNation’, ‘All Wordz Are Made Up’. Te gustará si te gustan: Ariel Pink, los últimos MGMT y hace tiempo que no te interesan los Strokes (si lo hicieron alguna vez). Escúchalo:Spotify
Si esperabas que Stromae pondría fin a su silencio de cinco años con un hitazo en el estilo de ‘Alors on danse’ o ‘Papaoutai’, no estabas exactamente en lo cierto. El cantante belga ha estrenado este viernes un nuevo tema titulado ‘Défiler’ que se compone de tres partes diferenciadas, una balada, una parte bailable y una de ritmo trap, sumando un total de 8 minutos y 50 segundos de duración.
‘Défiler’ se estrena con motivo de la nueva campaña de Mosaert, la línea de productos de Stromae, que se llama ‘Capsule no. 5‘ y acaba de presentarse en un “desfile” en París. La línea, de diseño tropical, se compone de camisetas, calcetines, toallas, camisetas polo y tazas, entre otras cosas. Sin embargo, la letra presenta más bien un componente metafórico al habarlos sobre “desfilar” por la vida. “Vemos los años irse, intentamos caminar derechos, y no podemos rebobinar, todos los nudos en nuestras vidas, si pudiéramos desatarlos, así que dime cómo se camina”.
En otras partes de la letra, ‘Défiler’ parecen una crítica a la artificialidad de las redes sociales. Dice: “es muy fácil juzgar, si tu objetivo en la vida es parecer Gigi [Hadid], pero sin cirugía eres mas Gégé que Gigi, si en la escuela nos han enseñado a hacernos selfis bonitos, para mejor iniciarnos en la vida, sin saber dónde vamos, dónde estamos, ni donde terminaríamos”.
Incubus, la banda de nu metal autora de éxitos como ‘Drive’, ‘Wish You Were Here’ o ‘Pardon Me’, ofrecerá dos conciertos en España este verano para presentar su último trabajo, ‘8’. Serán los días 25 de agosto en La Riviera de Madrid y el 26 de agosto en la sala Razzmatazz de Barcelona. Las entradas están a la venta desde hoy viernes 27 de abril en Ticketmaster.
Procedentes de Calabasas, California, Incubus triunfaron masivamente en 1999 con su tercer disco, ‘Make Yourself’, que fue doble platino gracias al éxito de singles como ‘Drive’. En 1995 editaron su primer disco, ‘Fongus Amongus’, y dos años alcanzarían el Disco de Oro con ‘S.C.I.E.N.C.E.’, iniciando una carrera exitosa que tocaría cumbre con el mencionado ‘Make Yourself’. Cuatro de sus canciones han sido número uno de la lista Billboard Alternative Songs, entre ellas ‘Drive’ (2000), ‘Megalomaniac’ (2003), ‘Anna-Molly’ (2006) y ‘Love Hurts’ (2008). El grupo ha editado también varios discos en directo.
Sobre ‘8’, su último trabajo, producido por Dave Sardy (Marilyn Manson, Oasis, Fall Out Boy, LCD Soundsystem, Rage Against The Machine), Incubus ha dicho: “Cuando terminamos ‘8’ nos inundó una ola de gratitud“, dice Boyd. “El hecho de que tantas personas estén dispuestas a recorrer este extraño camino con nosotros es realmente abrumador. Un sentimiento asombroso nos rodea. Estamos felices de compartir este álbum con nuestros fans y esperamos que les guste”.
Esther Méndez creció escuchando a Silvio y a Aute, en sus inicios musicales fueron para ella una referencia Wilco o Ryan Adams y en su segundo disco recién editado, ‘El pájaro que trajo el fuego‘, ha querido apegarse más al folclore latinoamericano y español, pero añadiendo un punto de «modernidad», de psicodelia o indie, que la ha llevado, por ejemplo, a colaborar con Alberto de Miss Caffeína en una de las composiciones.
No han sido una referencia para ella especialmente -aunque las ha escuchado-, pero la fuerza de su voz es una solución para todos aquellos que echamos de menos la canción tradicional de los 70 en la estela de Cecilia y Mari Trini. La líder del proyecto Bambikina me invita a charlar en una especie de «coffee shop» de Chamberí, hablando con enorme ilusión, sencillez y modestia de un proyecto que lo mismo puede interesar a los seguidores de Violeta Parra que Amaral o su admirado Xoel López. Este sábado 28 de abril BambiKina presentan su disco en la Sala Copérnico de Madrid. Las entradas están a la venta en Ticketea. Foto: David Martínez.
Cuéntanos brevemente la historia de tu vida, para quien aún no te conozca.
Llegué a Madrid de un pueblo de Extremadura para estudiar Publicidad y Relaciones Públicas en la Complu, con una guitarra colgada del hombro. Siempre me había gustado componer, ya tenía un puñao de canciones, y empecé a tocar en salitas yo sola con mi guitarra, hasta que la cosa fue a más. Conocí a Santi Martín, mi productor y bajista, que tiene un estudio analógico, y me descubrió un mundo de cintas basf enormes y magnetófonos que no conocía (risas). Grabamos el EP ‘Caravana’ en directo a modo de maqueta, luego fuimos apuntando más hacia lo fronterizo y el rock americano en ‘Referencias’ y hemos ido haciendo caminito tocando en todas las salas de la generación española y en festis. Este disco ‘El pájaro que trajo el fuego’ me identifica más porque en el anterior había canciones que hice con 16 años y en este he encontrado mi sonido.
¿Qué tiene este disco para que te identifiques más?
Tiene canciones que representan mi personalidad, mi manera de cantar y de componer. Tras 3 años tocando con la banda y después de muchas horas en el estudio, he descubierto lo que quiero. Estoy muy orgullosa, guste más o menos, esto es lo que quería hacer. Por ejemplo, empezar con ‘La chamanita’, que es una canción difícil, y cerrar con ‘Paloma negra’ de Chavela, era muy simbólico.
Creo que has hecho un poco de menos a las canciones que hiciste con 16 años. A esa edad muchos grupos de pop es cuando tienen más frescura y después la pierden, pero un cantautor supongo que suele buscar ir mejorando con el tiempo, buscando su «madurez», ¿te ves más cantautora y no te preocupa perder frescura?
Lo primero que hago suelen ser las letras y la música se pone a merced de lo que quiero contar. A medida que voy avanzando, he ido mejorando. Estoy aprendiendo con los años, siempre digo que este disco es mejor porque es el segundo. Me he escuchado más, que es muy importante, y la experiencia es fundamental.
Supongo que si haces primero las letras es porque siempre te ha gustado escribir.
Además de las referencias musicales, por las que siempre te preguntan, las literarias son muy importantes para mí: el realismo mágico, los cuentos de Cortázar, de Juan Rulfo, ‘Cien años de soledad’, que lo leí a los 10 años…
«Me encantan las verdades a medias y fantásticas del realismo mágico, me calaron muy hondo»
¿También leíste a Cortázar y ‘Pedro Páramo’ con 10 años?
Un poquito más mayor. Los cuentos de Cortázar en 2º de Bachillerato, una profesora, Julia, nos los imprimió y me abrieron un mundo. La lectura ha sido muy importante. Me encantan las verdades a medias y fantásticas del realismo mágico, me calaron muy hondo. Tampoco escribo siempre la letra primero. Algunas nacen en paralelo. Unas son naturales y otras son más buscadas. ‘Hola’ surgió como un juego, va sobre una persona mayor, un octogenario, que manda un mensaje a ver si alguien lo recibe, e incluimos walkies en plan sideral. También en este disco hablo en primera persona, mientras que en el disco anterior no eran historias biográficas. Me he complicado menos y el resultado es mejor.
El single es ‘Palomitas de caramelo’, una canción que incluye guitarras más indie, sintes… supongo que también nació desnuda pese a ser un poco «canción-río».
Todas nacen de acústica y voz, las compongo yo y las llevo al estudio. La banda cumple un papel fundamental y por eso hablo de BambiKina en plural. Esta canción sí que va in crescendo, con la parte épica de esos tambores que nos llevan al paredón (risas). También hemos incluido sintes y teclados en este disco, que es algo nuevo.
«Quería hacer el disco más moderno que el anterior, pero no que fuera gratuito. Le hemos dado a cada canción lo que necesitaba»
Hay mucha presencia de los vientos, pero están muy medidos, ¿no?
No hay que abusar. Solo hay una trompeta que a veces se dobla. Soy abanderada de la «complicada sencillez». Quería hacer el disco más moderno que el anterior, pero no que fuera gratuito. Le hemos dado a cada canción lo que necesitaba. Por eso hay una parte más orgánica, con canciones como ‘Trabalenguas’ y ‘Oración’. Y otra con más sintes como ‘Palomitas’ y ‘Hola’, que queríamos que fuera más Bowie, pero meter cosas porque sí no nos va.
¿Qué referencias tienen los músicos? ¿Sí que buscabais algo fronterizo?
Cada músico ha hecho sus arreglos, he delegado para que cada uno hiciera lo que quisiera, aunque Santi y yo orquestábamos todo. Algunos músicos tienen 25 años de experiencia y eso se nota. Nunca les pongo antes la canción, busco qué les sugiere en un primer momento y ese momento de frescura se queda hasta el final. Yo quería que hubiera trompetas en la parte más sudamericana del disco y esos arreglos son de Josué García, que ha venido de gira con nosotros y sabe adónde queremos ir.
El disco también tiene un punto tradicional.
La idea es mezclar lo nuevo con lo viejo. ‘Serrana de la Vera’ es un romance de mi tierra, ‘Trabalenguas’ suena a canción antigua…. Es recuperar lo antiguo, las leyendas de antaño, pero deconstruyéndolo. Me gustó lo que dijiste (en la crítica del disco) de que no te parecía un disco indie, en la discográfica me dijeron que sonaba indie. Está ‘Noche glacial’, pero no me parece un disco indie, ni las baterías ni las letras. Puede estar cerca del pop porque le puede gustar a todo el mundo, pero hay un punto de folclore que no es americano sino nuestro.
El punto tradicional no viene de Extremadura, particularmente… aunque «Serrana» sea un romance de tu tierra…
Para nada. ‘La Chamanita’ me lleva a Sudamérica. Los tambores, las percusiones… son del folclore tradicional. De ‘Serrana de la Vera’ hay dos versiones: la del corto, «Serranita», con chelo y guitarra española, es más canción castellana antigua. Y en el disco está modernizada. Es una historia milenaria, pero hemos metido electrónica y convive la parte tribal con lo electrónico. No es folclore extremeño, sino popular, que tiene ese punto de trovador, de reunir a la gente para contar historias. Igual que (la ranchera) ‘Paloma negra’ la hemos convertido en un mantra onírico.
«Quería alejarme del folclore americano para acercarme al de aquí»
¿Y el principio de ‘Oración’?
Es una caja chayera argentina, pero también chamánico, desde luego Extremadura no es. Quería alejarme del folclore americano para acercarme al de aquí.
Xoel López se va a volver loco con este disco. Que alguien se lo pase…
Es una referencia muy importante, le he oído mucho. ‘Paramales’ también tiene esa mezcla. Le teloneé en La Riviera, tenía ya entradas compradas y se lo propusimos. Salí sola con la guitarra pero fue una experiencia muy chula. Él es encantador, le volví a ver cuando presentó su libro.
Quien no pega tanto en el disco es Alberto de Miss Caffeína, que yo le tenía más como icono electropop y de repente sale por aquí.
La idea era mezclar lo viejo con lo nuevo y Alberto era necesario por eso, al ser como un abanderado del indie español, cabeza de cartel en todos los festis. La canción no es la más BambiKina pero no desencaja. Preserva esa letra oscura que nos caracteriza, pero tiene un ritmo animado y es la más bailable del disco. Con Alberto hay muy buena relación.
¿Y te gustan Miss Caffeína?
Me gusta porque no es el típico grupo indie. La puesta de escena de Alberto es muy ochentera. Me gustan más en directo.
Porque tú eres más de cantautores…
Mucho Silvio, mucho Aute, pero también otro tipo de cosas. Aunque quizá sí me guste más el corte cantautor.
Aunque ‘Trabalenguas’ y ‘Aún es pronto’ son bastante pop.
En el sello querían que empezara el disco con ‘Trabalenguas’, es la primera que resalta, y ‘La Chamanita’ es muy de cantautor, pero quería empezar con esos tambores de iniciación y me dejan hacer lo que quiera. No me encorsetan. Es todo muy familiar.
Háblame de cómo surge ‘Trabalenguas’.
Me vino el estribillo «Dame la clave, dame la llave», y vi que se podía quedar. Es más mexicano, más Calexico, más de la vieja Bambikina. ‘Noche glacial’ y ‘Hola’ es más la nueva BambiKina.
Por lo que veo no es de las que más orgullosa estás… ¿quizá porque es de las pocas canciones de amor?
A veces lo sencillo es lo más evocador. A nivel sonido me gusta mucho cómo ha quedado. De letra no es la que más orgullosa estoy. Sí es una canción de amor. Es la primera que vez que escribo 2 canciones de amor. ‘Palomitas de caramelo’ es de agarrarte a una persona como salvavidas y ‘Trabalenguas’ es una canción de desamor. Pero más que personal tiene ese punto de ranchera que cantaba Chavela. Es un homenaje a esas canciones tan viscerales.
«Había grabado una versión de ‘Space Oddity’ para este disco y al pedir el permiso editorial, al estar modificada al castellano, dependía de la hija de Bowie, que yo no sabía que tenía una hija, y era una locura (…) ‘Hola’ es un homenaje a su música»
¿No ha habido problema por los derechos de esta canción de Chavela?
No ha habido problema porque mantuvimos la versión tal cual. En cambio, había grabado una versión de ‘Space Oddity’ para este disco y al pedir el permiso editorial, al estar modificada al castellano, dependía de la hija de Bowie, que yo no sabía que tenía una hija, y era una locura.
¿Por estar adaptada al castellano o porque había cambio semántico en la canción?
Había una modificación de la letra original y me pidieron una traducción para ver si la letra se había modificado mucho. Había cambiado algo porque si no, es imposible que pudiera rimar. Se quedó en stand by, tampoco dijeron que no, pero teníamos que mandar el disco a fábrica…
No me esperaba que mencionaras tantas veces a Bowie, como en la referencia de ‘Hola’. ¿Eres muy fan?
Estoy muy influida por mi hermano que tiene 14 años más que yo. Me ponía vinilos en casa cuando era pequeñita. Hemos escuchado mucho a Bowie. ‘Hola’ es un homenaje a su música.
‘Serrana de la Vera’ aparece en un corto sobre política (‘El jardín de Vero’), sobre las fosas comunes del franquismo. Pero por el timbre de tu voz, que es muy fuerte, muy Mari Trini o Cecilia, hay otras canciones que me suenan como reivindicativas, sin serlo o parecerlo. ¿Hay un componente político en tu música?
No es meditado, no es algo que busque. Sí he escuchado a Mari Trini, pero no hay una intención. En ‘Serrana de la Vera’, cuando Miguel Parra, el director del corto, me llamó, me dijo que hablaba de la memoria histórica, de la gente que está enterrada. Había escrito esta canción 2 semanas antes, y me di cuenta de que había un paralelismo muy bonito, de que «las cuevas» podían ser «las fosas», pero fue casualidad. Carlos, el técnico de sonido, dice que le parece que canto un himno de reivindicación, de manifestación. Es porque canto muy vehemente y pasional. Será por el timbre, la entonación, la fuerza, pero no es algo meditado. Santi (Martín) me dijo la primera vez que me escuchó que sonaba a cantante antigua, a Violeta Parra.
Entonces nada de canción politizada…
Para nada. Esa canción era recuperar un romance de mi tradición, que leí con 8 años y me pareció brutal: una tía que mide 2 metros y que seduce a los hombres para matarles. Pero la idea no era hacer nada relacionado con la política ni reivindicar.
El director del corto quería que Ciudadanos y Podemos fueran a verlo.
Le preguntaron quién quería que fuera a verlo y dijo que gente de izquierdas y de derechas, porque el problema es real: hay mucha gente que sigue buscando a sus familiares. Me pareció que la canción le iba como anillo al dedo y decidimos hacerlo juntos.
Haces referencia en un tema a «cantos de sirena», que era como un himno lésbico de Inma Serrano.
¡No lo conozco! (risas)
Qué pena, porque siempre se menciona a las mismas cantautoras como guays, e igual te apetecía reivindicar a cantautores menos guays.
No la he escuchado, pero has encontrado conexiones que quizá están ahí en mi subconsciente. Cecilia no era una referencia, ni Mari Trini, y mis padres sí que tenían una cinta en el coche.
«El disco es una ruptura con el country americano y el folk. Quería un rollo tradicional, menos Ryan Adams, menos Wilco. Quería que fuera sudamericano, colorista, de México, que tuviera un punto psicodélico que recordara a Bowie»
Háblame de la elección de Ricardo Cavolo para el diseño del disco. A mí no me pegaba mucho…
El disco es una ruptura con el country americano y el folk. Quería un rollo tradicional, menos Ryan Adams, menos Wilco. Lo quería dejar atrás. Quería que fuera sudamericano, colorista, de México, que tuviera un punto psicodélico que recordara a Bowie. Sigo a Cavolo como hace 7 años y para mí representa el espíritu del disco. Convive lo nuevo con lo viejo. El título es a lápiz pero la simbología es muy moderna. Le mandé ‘Trabalenguas’ y le dije: «creo que tus dibujos la representan». Le gustó, llegamos a un acuerdo económico, se portó muy bien, fue buscado y premeditado. Y yo, que soy bastante inconformista, cuando me llegó la portada dije: «esto es BambiKina». El pájaro, veo México… veo un punto fronterizo y psicodélico. Está amaneciendo, el alba, las aldeas, el Día de los Muertos, un punto andino…
También hay que ver qué se entiende por moderno. ¡Desde luego para ti el trap no es!
Soy tan antigua que para mí lo moderno es mucho más antiguo que lo que es moderno ahora (risas) Para mí esta simbología es moderna: los ojos, cómo los dibuja…
¿Qué más vídeos haréis?
Acabamos de sacar el de ‘Palomitas de caramelo’ y queremos hacer de ‘Trabalenguas’.
«Bambikina tiene un componente más experimental que espero que se siga expandiendo. Creo que trap no haré nunca pero no cierro la puerta a nada»
Creía que no era de tus favoritas…
Me gusta un montón, la letra es muy sencilla pero es una letra visceral y a la gente le gusta, lo importante es que la letra entre. No tantas canciones hablan de la tercera edad como ‘Hola’, pero (‘Trabalenguas’) tiene una fuerza instrumental brutal. Ya he escrito el guión de este videoclip.
Aunque sea pronto para decirlo, como cantautora, ¿te ves en un futuro haciendo algo más electrónico como Zahara o Miss Caffeína, te ves en una onda tipo Bob Dylan o un rollo experimental como en el que ha acabado Scott Walker?
He visto que en este disco hay una evolución, y para mí eso es un triunfo. Dejo la puerta abierta, pero aquí ya hay secuenciador, batería electrónica… No descarto hacer cosas diferentes. BambiKina tiene un componente más experimental que espero que se siga expandiendo. Creo que trap no haré nunca pero no cierro la puerta a nada (risas)
Ana Guerra triunfa actualmente con ‘Lo malo’ junto a Aitaña Ocaña, que ha vuelto al número uno de canciones más vendidas en España gracias a su versión actualizada y a su videoclip. Ese mismo éxito buscará la canaria con la versión definitiva de ‘El remedio’, el tema en solitario que interpretó en la Academia de Operación Triunfo para aspirar a Eurovisión, y que ahora se reedita con una producción nueva, como ‘Arde’ de Aitana hace unos días.
Compuesta por Nabález, Pedro Malaber y Mango, en su momento pareció que ‘El remedio’ era un diamante un bruto, un éxito a la espera de que Ana Guerra y los músicos involucrados extrajesen de él todo su potencial. Como ‘Lo malo’. Y lo sigue siendo… incluso en su versión definitiva. Hay en ‘El remedio’ una buena canción que no termina de sonar tan vivaz y alegre como debería una salsa de su estilo, y en este caso ni siquiera la mayor riqueza de los arreglos da lugar a una canción verdaderamente excitante, en parte debido a lo apagados que suenan los instrumentos. ¿Dónde está la Celia Cruz evocada en ese “ay, no hay por qué llorar” de la letra? ¿Por qué suena la canción tan vieja de entrada? No, esta no es la versión definitiva de ‘El remedio que esperábamos…
Manel Navarro ha actuado esta noche junto a Alfred García en un programa especial dedicado a la pareja que representará a España en la próxima edición de Eurovisión. Navarro fue el representante español en Eurovisión el año pasado, y ofreció una actuación que fue noticia por el motivo equivocado y que propició que España quedara en la última posición del festival.
Parece que Navarro podría tener más suerte con su nuevo single, ‘Voulez-vous danser?’, que se acaba de estrenar y no, no es una versión de Ace of Base. El tema parece el ideal para que Navarro abra finalmente una nueva etapa de éxitos en su carrera al margen de la polémica de Eurovisión y, pese a su sonido familiar -la mezcla de ritmos tropicales y guitarras acústicas de la canción te hará pensar en Ed Sheeran (ídolo reconocido de Navarro, a quien ha imitado), y posiblemente en mil canciones parecidas más- se trata de un tema de gancho bastante orgánico y elegante, sobre todo en la integración de esa expresión en francés que lo titula, y cuya letra dedicada a ese cuerpo que a Manel le “toca, le roza, le llena y le inspira” no da ganas de arrancarse los auriculares de los oídos.
El videoclip de ‘Voulez-vous danser?’, en palabras de Navarro, “narra el descubrimiento de la sexualidad en la adolescencia y el amor libre”.
Una de las cosas más curiosas de la nueva aventura de Johan Agebjorn (un músico muy apreciado en JNSP y responsable principal del proyecto Sally Shapiro) no es que haya llevado su ochentismo hasta la conclusión más lógica, que es conseguir que canten sus canciones Ryan Paris y Samantha Fox (para la banda sonora de la película sueca ‘Videoman’), sino que en ‘Hot Boy’ (el tema de Sam Fox) su habitual sonido -basado en el italo-disco pero siempre con una pátina cálida y atmosférica- haya virado hacia una producción más dura y directa, absolutamente Stock Aitken y Waterman. Exigencias del guión, obviamente, pero no deja de ser fascinante verle lanzarse a la piscina y usar respingones bajos de Yamaha DX7 y expresionistas riffs de metales de Roland Juno para construir una canción pop de colores chillones que es pura radiofórmula circa 1989.
Colores chillones, sí, porque Stock Aitken y Waterman (o SAW, como también se les conoce) fueron los emperadores del pop directo y estridente. Cuando acertaban sus hits eran irresistibles y llenaban las pistas de baile y los top 10. Cuando no, esas mismas producciones con beats extremos herencia del Hi NRG, cantantes de dudosa calidad y melodías hiperglucémicas los acercaban al europop de saldo. Quizá sea esa falta de control de calidad la razón por la que treinta años después son apreciados, pero todavía con cierta distancia e ironía posmoderna. Algo que curiosamente no ocurre en el caso de otros workahólicos creadores con parecidos métodos industriales y similar descontrol de calidad, como Joe Meek por ejemplo.
No es ningún secreto que Kylie fue su descubrimiento más duradero. El comienzo fue accidentado, porque -como cuenta Mike Stock en su libro ‘The Hit Factory’- la tuvieron esperando diez días en Londres para grabar su primer tema y casi se frustra el comienzo de tan fulgurante carrera. En realidad se habían olvidado de ella y tuvieron que componer una canción en unas pocas horas el mismo día que volaba de regreso a Australia (la canción resultó ser ‘I Should Be So Lucky’, y su toma vocal la hizo en 40 minutos). Era finales del año 1987, y tras el bombazo de ese tema Kylie reinó en 1988 con hasta seis singles dominando las listas.
Tras ese agotador año, SAW prepararon con mucha cautela el segundo LP de la australiana, del que ‘Hand on Your Heart’ tuvo el honor de ser el single de lanzamiento. Muchas canciones de Kylie son construcciones perfectas de pop, pero ésta llega un extra más lejos, con un estribillo glorioso que -viejo truco de la casa- abre la canción a modo de gancho difícil de resistir (pero que en la única versión del vídeo oficial aparece castrado):
Un estribillo que se repite de manera circular e hipnótica hasta el infinito: “pon tu mano en el corazón y dime que todo se ha acabado / no te creeré hasta que pongas tu mano y me digas que somos historia”. Pop mayúsculo.
‘Hand on Your Heart’ es -además de una composición de Stock y Aitken en la apoteosis de su talento melódico- un ejemplo excelente de la sofisticación musical de muchas de las piezas de su “Factoría de Éxitos”, un aspecto de su obra del que no se habla suficientemente: las estrofas tienen una estructura de acordes mucho más sofisticada que la habitual obviedad de muchos de los hits de europop con los que compartían listas. En la canción se aprecia una raíz deudora de la música americana (disco, funk, sonido Philadelphia) en esa brillante secuencia de acordes de piano “house”. Por otro lado, hacen uso de otro de los grandes trucos armónicos de SAW: incluir una modulación (cambio de tono) entre estrofa y estribillo, un recurso que inconscientemente eleva la canción unos centímetros del suelo, y que Neil Tennant siempre envidió de la pareja de compositores Stock y Aitken (finalmente consiguió aplicarlo con gran acierto en ‘Being Boring’).
Pero el verdadero tesoro de la canción -hay que insistir- son sus melodías, y cómo armonizan con la base de acordes. Precisamente por eso la versión de José González de 2006, celebrada por muchos como una inteligente relectura, traiciona en realidad el alma de la canción, optando por escoger una lamentable secuencia de acordes menores que desvirtúan toda la gracia de la original, revistiéndola de un supuestamente pintoresco afligimiento faux-folk; otro intento de validación de la cultura “de bajos vuelos” desde el firmamento de la intelectualidad indie-pop que se estrella contra los arrecifes. La reinterpretación de la propia Kylie en sus ‘Abbey Road Sessions’ adolece del mismo error. ¿Qué problema hay en el maravilloso confetti y oropel de la original, en sus emocionantes armonías vocales con coros de Miriam Stockley y del propio Mike Stock? ¿En la martilleante caja de ritmos Linndrum o en el mítico micrófono Calrec que usaban para las voces? ¿En su masterización de los discos reduciendo el bajo a la mínima expresión para ganar por goleada la “loudness war” de segunda mitad de los 80?
Entre 1985 y 1991 la “Hit Factory” de SAW produjo canciones a ritmo industrial, maximizando el modelo de la Motown hasta casi inundar el mercado. En esa avalancha de lanzamientos había mucha basura, sí, pero también muchos destellos de fabuloso pop, como la canción que hoy nos ha ocupado. Si a esto sumamos un sonido propio e instantáneamente reconocible, no es de extrañar que su fascinante maquinaria creativa haya sido objeto hasta de tesis doctorales.
‘Hand on your Heart’ suena en el último Popcasting de Jaime Cristóbal, ya disponible en este enlace.
Esta noche ha sido el concierto Alfred, Amaia y Amigos, en el que los representantes de España en Eurovisión han actuado junto a artistas como Love of Lesbian y Zahara. RTVE ha retransmitido este evento en vivo a través de esta web como habíamos anunciado. El show ha acabado con la versión en inglés de ‘Tu canción’.
Mientras en ’Incendios de nieve’ tanto Santi Balmes como los protagonistas del concierto se han entregado al arte del silbido, el líder de Love of Lesbian ha tenido que aclarar que es la tercera vez que interpretaba en su vida ‘Fantastic Shine’. Y es cierto, Setlist ni siquiera tiene registrada su aparición en los conciertos de Love of Lesbian: el grupo tiene hasta 100 canciones que han tocado en mayor número de ocasiones. ¿Alguien se acordaba de la canción de LOL de 2013 para un anuncio de cervezas o del momento en que cantaron en inglés en sus inicios?
Zahara también ha interpretado canciones antiguas, revelando, eso sí, que su nuevo disco saldrá este año, y ofreciéndose a colaborar con Amaia, como ya había indicado. “Esto está grabado, es como un contrato», ha bromeado antes de la versión conjunta, desgarrada, de ‘Con las ganas’. “Compuse ‘Con las ganas’ llorando y de manera natural cada vez que la cantaba en un escenario me ponía a llorar” nos contaba hace unos meses sobre este tema Zahara, que no suele interpretar en vivo por su carácter emocional. Amaia se ha quedado a las puertas de llorar en su actuación.
Todas las actuaciones ya pueden verse en el canal oficial de Youtube.
Este ha sido el setlist del show:
‘Incendios de nieve’ – Love of Lesbian junto con Amaia y Alfred
‘Fantastic shine’ – Love of Lesbian y Alfred
‘Mireia’ – Judit Nedermann acompañada de Amaia y Alfred
‘El tiempo’ – Mel Semé y Alfred
‘Olor a mandarinas’ – Zahara
‘Con las ganas’ – Zahara y Amaia
‘Egos’ – Belize y Amaia
‘Que nos sigan las luces’ – Manel Navarro y Alfred
‘Tu canción’ – Amaia y Alfred
Los valencianos La Plata no se atrevieron finalmente a presentar su esperado debut en Madrid en plena Semana Santa -fue un malentendido de comunicación con la Sala El Sol, al cambiar de dueños-, pero sí lo hicieron el pasado sábado en este lugar, finalmente. ‘Desorden‘ es un álbum de media hora de duración que basa su encanto en los ritmos y estructuras del punk pop de finales de los 70 y principios de los 80, todo ello presentado con un acabado a veces muy Smiths. Los singles clarísimos, como ‘Miedo‘ y ‘Un atasco’, se alternan con himnos nuevaoleros como ‘Incendio’ y canciones que crecen tanto con las escuchas como ‘Tu cama’, ‘Esta ciudad’ y ‘La luz’.
Tras los teloneros Vulk, evocando claramente al Londres de 1978 con ese vocalista a unos tirantes rojos pegado que optaba por cantar de espaldas, y su show, a la vez tan histriónico; La Plata no decepcionaron lo más mínimo, con un sonido nítido y claro -el que caracteriza también a la Sala El Sol- y una curiosa puesta en escena: el cantante Diego Escriche, con su expresiva y muy reivindicable voz de macarra triste, permanece en el lado izquierdo con su guitarra, dejando en primer plano a la teclista Patricia Ferragud (con gran protagonismo en algunos momentos), a la bajista María Gea y al guitarrista Salvador Frasquet, todos al servicio de unas canciones que van sucediéndose como hitazos impepinables sin tiempo para la respiración, también gracias a la labor del baterista Miguel Carmona.
El grupo congregó a varios cientos de personas, apuesto a que rozando un sold-out que pronto se alcanzará, quienes mostraron la enorme cantidad de estribillos o anti-estribillos coreables que tienen sus 10 canciones: «que me voy, que no quiero verte en mucho tiempo», «buscaré mi lugar, tu luz me cegará», «estoy confundiendo los sentimientos, no hay futuro en esta emoción», «qué hay abierto, si son las mil millones, volver no se te da muy bien», «solo quería ver esta ciudad arder» y sobre todo mucho «miedo a la nada, miedo a la nada». Es cuestión de tiempo que todas y cada una de estas pistas calen entre el público y para muestra lo que ha pasado de manera improbable con ‘Me miras desde lejos’ en la playlist correspondiente de Spotify: este es el inesperado nuevo pequeño hit del grupo en redes.
Contribuye al dinamismo de su directo la variedad de su repertorio. ‘Me voy’ funciona como remanso extático cumpliendo una función parecida a la del disco, y al final el grupo añade una versión de ‘Nuclear Sí’ de Aviador Dro porque no tienen «más canciones» que puedan tocar, según indicó su vocalista. Yo habría agradecido un bis con todo el repertorio sonando de nuevo entero. Al fin y al cabo es lo que hago con el álbum. 9. Fotos: Nieves Solano.
Baywaves han concedido una interesante entrevista a Mondosonoro en la que tratan varias cuestiones, dejando sobre todas ellas una mina de titulares. Hablan sobre cómo han terminado firmando por un sello internacional en lugar de por uno nacional (ya no están en Foehn) para su nuevo lanzamiento, un EP el próximo mes de mayo; y sobre ello dicen «que en Inglaterra hay un ecosistema que facilita mucho más que se hable de grupos como [ellos], porque hay un sistema de medios, sellos, distribuidoras, radios, que aquí no existe».
También hablan sobre Yung Beef como líder generacional, y dice Fran: «Yung Beef para mí es súper relevante porque marca un discurso, una estética y una línea política. En el indie no lo hay. Por eso creo que el trap es político por activo y el indie es político por defectivo: no propone algo, para bien y para mal».
Hablan también sobre la situación de las bandas españolas en los festivales españoles, un no parar de «grupos revelación con tres discos». Se quejan por ejemplo de que la presencia de grupos pequeños en festivales sea «testimonial» y solo «porque el festival siempre necesitará un grupo para pagarle 300 € para rellenar un slot». Sitúan como excepción a Belako («hay pocos grupos como Belako, que pasen de ser el grupo que siempre está abriendo festivales a tener más protagonismo»), pero apuntan que «si quieres dar el salto», tienes que «demostrar cosas: primero tocar en la zona de emergentes y luego, si eso, te vas a ganar sitio». Por contraposición, ponen el ejemplo de Glastonbury, donde «ves a grupos con dos o tres singles publicados ser casi cabezas de cartel». «Hay menos miedo y mucho más riesgo. [En España] hay que ganarse el respeto de festivales y medios: no basta con hacer dos o tres buenas canciones que a la gente les guste».
Por supuesto abordan las inagotables comparaciones con Tame Impala y ahí llega una de las partes más interesantes de la entrevista, pues al tiempo que entrevistador y grupo recuerdan que Tame Impala suenan diferente de disco a disco, Fran afirma sobre el parecido: «para el gran público hay una cierta sonoridad, que pasa por los efectos, las cadencias rítmicas y las melodías, cuyo referente más cercano es Tame Impala. Si los medios tienen la poca sofisticación de solo oír a Tame Impala será porque son público generalista y no expertos».
Baywaves prefieren ser comparados con Hinds por ser españoles, como les sucede en la prensa británica, elogiando el modo en que se han abierto camino a nivel mundial. Hay que apuntar que Hinds y Baywaves acaban de dar 2 conciertos de manera conjunta en un par de ciudades británicas. Y dice Fran: «Hemos seguido el camino que ellas ayudaron a abrir. (…) No solo creo que las Hinds abrieron un camino para andar a nivel mercantil, sino que incluso hemos encontrado una coincidencia política en la manera de entender lo que es un proyecto vital-musical, donde pones todo el esfuerzo y personalidad. Las Hinds son la cabeza de punta de una cosa que no es solo “triunfar en Inglaterra”, sino de sentirse parte a nivel generacional en algo en lo que no había ningún referente. Para mí, Hinds son un referente político, además de un referente musical e industrial: nos han hecho ver que se puede cambiar el paradigma, y que no es tan complicado. Son como las Errejón de nuestra generación musical».
Esta simpática comparación, curiosamente, ha llegado a oídos de Íñigo Errejón de Podemos, candidato a la Presidencia de la Comunidad de Madrid, al que ha sentado muy bien la cita en Twitter y la comparación con Hinds: «Gracias por el piropazo-analogía con las @hindsband Mandaros un disco o algo, no?», ha escrito, siendo a continuación invitado por la banda a su concierto del 9 de mayo en la Sala El Sol de Madrid.
El adelanto del nuevo EP de Baywaves (‘It’s Like’) se llama ‘Still In Bed’ y os dejamos con él (y con los tuits de Errejón). Hinds acaban de editar ‘I Don’t Run‘ y han vendido de él más copias en Reino Unido que en España… y más copias en Estados Unidos que en Reino Unido. Al menos en su primera semana.
Gracias por el piropazo-analogía con las @hindsband !🙂 Mandaros un disco o algo, no?
Beneficiada por sus influencias tropicales, latinas y R&B, Kali Uchis ha publicado un debut oficial que ha entusiasmado a sus seguidores, ‘Isolation‘, editado este mismo mes de abril. Sin embargo, hay que reconocer que sus sencillos de adelanto, publicados o bien el año pasado o bien a principios de este, empezaban a quedarse algo viejos. ‘After the Storm’, el último, se presentó hace más de 3 meses.
Quizá por ello la cantante ha decidido estrenar nuevo vídeo. Pero lo raro es que en lugar de decantarse por alguna de las canciones que parecen tener más opciones, como ‘Dead to Me’ o ‘In My Dreams’, o las que ha seleccionado el público en las plataformas de streaming, como ‘Just a Stranger’ o ‘Miami’, Kali Uchis estrena vídeo para un híbrido entre ‘Gotta Get Up’ y ‘Body Language’. Esto viene a querer decir que la cantante ha hecho un vídeo para un interludio y la intro del disco, que tenía sabor a bossa nova.
El videoclip dirigido por ella misma tiene un fuerte componente onírico, enfrentándola a la muerte, pero no por ello prescindiendo de toda la sensualidad del mundo -lluvia incluida- en su segunda mitad. Un ejercicio de estilo a la espera del que suponemos será el siguiente single verdadero del álbum. Recuerda que toda la información sobre la cantante puedes encontrarla en nuestro foro de Kali Uchis.
Avicii moría de manera inesperada el pasado 20 de abril en Muscat, Omán. No transcendía la causa de su muerte, que la policía local descartaba se debiera a un posible acto criminal, tras realizarle dos autopsias. Sin embargo, su familia ha publicado un comunicado ahora que recoge Rolling Stone, y que muy claramente da a entender que el productor sueco, de nombre real Tim Bergling, se habría suicidado.
El texto dice así (las negritas son nuestras): “Nuestro querido Tim era un aventurero, una alma artística frágil que buscaba respuestas a preguntas existenciales. Era un perfeccionista que se superaba a sí mismo y viajaba y trabajaba duro a un ritmo que le llevaba a un estrés extremo. Cuando dejó de hacer giras, Tim quería encontrar un equilibrio en la vida para ser feliz y poder hacer lo que más amaba, que era la música. A él realmente le atormentaban pensamientos sobre la vida y la felicidad y el sentido de las cosas. Y no pudo seguir adelante. Quiso encontrar la paz. Tim no estaba hecho para la máquina de la industria musical en la que se encontró: era un hombre sensible que amaba a sus fans y rehuía de los focos. Tim, siempre te querremos y te echaremos de menos. La persona que fuiste y tu música mantendrán viva tu memoria”.
Especialmente duras las declaraciones de la familia de Avicii dada la alegría que la música de Avicii ha producido a millones de personas en todo el mundo, gracias al don que el productor poseía para el EDM y sobre todo para las melodías, dos elementos que aunó expertamente en clásicos como ‘Wake Me Up’ o ‘Waiting for Love’.
El 1 de junio se publica ‘Age Of’, el nuevo disco de Oneohtrix Point Never. Entre los temas que interpretará se encuentra ‘Black Snow’, que está desde hoy disponible en las plataformas de streaming y en Youtube a través de un curioso videoclip dirigido por el propio Lopatin, y protagonizado por un extraño hombre con dientes de bestia.
‘Black Snow’ cuenta con coros de ANOHNI, aunque la voz principal es de Lopatin, y es bastante pop tanto por melodía como por estructura, aunque la composición sigue perdiéndose en las abstracciones fragmentadas propias de Oneohtrix Point Never. El tema destaca también por la presencia, en sus arreglos, de un daxófono, como indica la nota de prensa. El dexófono es un instrumento inventado por Hans Reicher en 1987 que pertenece a la familia de los lamelófonos, y que suena como si lo hubiera inventado OPN.
La nota añade: “la letra de “Black Snow” está inspirada por Nick Land y la Cybernetic Culture Research Unit (unidad de investigación de cultura cibernética) que co-fundó en los años 90: un colectivo de artistas-filósofos que producían obras en forma de performance, poesía y ficción. El texto original ha mutado en una letra que equipara la inmensidad incomprensible de la guerra nuclear al ‘fuzz’ producido por las frecuencias UHF, afirmando de paso que somos una especie destinada a la confusión”.
Age Of:
01 Age Of
02 Babylon
03 Manifold
04 The Station
05 Toys 2
06 Black Snow
07 myriad.industries
08 Warning
09 We’ll Take It
10 Same
11 RayCats
12 Still Stuff That Doesn’t Happen
13 Last Known Image of a Song
Los medios anglosajones están publicando las primeras críticas de ‘Dirty Computer’, el esperado nuevo disco de Janelle Monáe, confirmando a su vez que el supuesto “tracklist” filtrado del disco hace semanas era real. ‘Dirty Computer’ sale el 27 de abril, es decir, mañana y, entre sus colaboradores, se encuentra nada menos que Brian Wilson de The Beach Boys en la primera pista, la titular. Un encuentro entre genios. El disco incluye también la presencia de Zoë Kravitz, Grimes en el single ‘PYNK’ y Pharrell en ‘I Got the Juice’.
Monáe es además portada de la revista Rolling Stone por primera vez en su carrera, y ha realizado una interesante entrevista en la que sincerado sobre su sexualidad, y se ha declarado pansexual tras descubrir el término recientemente y sentirse identificada con su definición (Monáe se había declarado bisexual en el pasado). Ha dicho: “leí sobre pansexualidad y pensé, vaya, estas son las cosas con las que me identifico también”, añadiendo: “soy una mujer negra queer en América, alguien que ha tenido relaciones tanto con hombres como con mujeres, y por tanto me considero una mujer libre de cojones”. Monáe ha añadido que está “abierta a aprender más sobre quién soy”.
‘Dirty Computer’:
01 Dirty Computer [ft. Brian Wilson]
02 Crazy, Classic, Life
03 Take a Byte
04 Jane’s Dream
05 Screwed [ft. Zoë Kravitz]
06 Django Jane
07 PYNK [ft. Grimes]
08 Make Me Feel
09 I Got the Juice [ft. Pharrell Williams]
10 I Like That
11 Stevie’s Dream
12 Don’t Judge Me
13 So Afraid
14 Americans
Al contrario que otros, Years & Years sí se han dignado a concretar los detalles de su nuevo disco pese al pobre desempeño comercial de su single principal, ‘Sanctify’, que tras su lanzamiento a principios de marzo todavía ha de superar los 20 millones de streamings entre Spotify y Youtube, y en UK apenas ha logrado un top 25, muy lejos del top 1 logrado por ‘King’. Eso sí, el tema se mantiene en el top 40.
Pero el disco de Years & Years está listo y Olly Alexander y compañía también para presentarlo al mundo. ‘Palo Santo’ llega el 6 de julio, veréis su tracklist bajo estas líneas (por cierto, ¿un interludio como pista final?) y el grupo comparte hoy un tráiler para el disco dirigido por Fred Rowson y narrado por la actriz británica Judi Dench, que promete un viaje por ese “Palo Santo” lleno de misterios, aunque el tráiler se compone sobre todo de imágenes del videoclip de ‘Sanctify’ estrenado semanas atrás. Y como veis, la de Shawn Mendes no es la única portada floral de hoy.
‘Palo Santo’:
01 Sanctify
02 Hallelujah
03 All for You
04 Karma
05 Hypnotised
06 Rendezvous
07 If You’re Over Me
08 Preacher
09 Lucky Escape
10 Palo Santo
11 Here (Interlude)
12 Howl (Bonus Track)
13 Don’t Panic (Bonus Track)
14 Up in Flames (Bonus Track)
Nacho Vegas ha estrenado ‘Ser árbol’, el sencillo que presenta su nuevo disco, ‘Violética‘. El tema se publica el 4 de mayo en las plataformas de streaming, pero puede escucharse en Facebook a través de un extraño vídeo animado que se desarrolla horizontalmente y que presenta a un hombre y a una mujer en un escenario desértico. 
Azealia Banks continúa en el número 1 de nuestra lista semanal, aunque seguida muy de cerca por lo nuevo de Ariana Grande, ‘No Tears Left to Cry’. Otras entradas son los últimos sencillos de Kylie con Gente de Zona, Lykke Li, The Weeknd, Cardi B, Tinashe, Sofi Tukker y C. Tangana. Nos despedimos de ‘O Isa’ de Triángulo de Amor Bizarro al cumplir 10 semanas en lista y estar en la mitad baja de la tabla, para dar paso a otras novedades. Ya podéis escuchar 
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Cerramos el mes de abril con un nuevo aluvión de novedades. Destaca, sobre todo, el apartado de álbumes, donde nos encontramos con nuevas y esperadas obras de 
35 años después de su separación, era una idea improbable que ABBA volvieran al estudio y grabasen material nuevo. Pero hoy la realidad es otra: en un 
Los Ganglios son noticia por dos motivos: por un lado este domingo 29 de abril actúan en una nueva fiesta especial Churros con Chocolate, como parte del 75º aniversario de la 
Low Festival, que se celebra del 27 al 29 de julio en Benidrom, incorpora hoy nueve nombres nacionales e internacionales a su programación, entre los que destacan los norteamericanos Woods. Autores en 2016 de ‘
Con The Strokes 
Si esperabas que Stromae pondría fin a su silencio de cinco años con un hitazo en el estilo de ‘Alors on danse’ o ‘Papaoutai’, no estabas exactamente en lo cierto. El cantante belga ha estrenado este viernes un nuevo tema titulado ‘Défiler’ que se compone de tres partes diferenciadas, una balada, una parte bailable y una de ritmo trap, sumando un total de 8 minutos y 50 segundos de duración. 
Incubus, la banda de nu metal autora de éxitos como ‘Drive’, ‘Wish You Were Here’ o ‘Pardon Me’, ofrecerá dos conciertos en España este verano para presentar su último trabajo, ‘8’. Serán los días 25 de agosto en La Riviera de Madrid y el 26 de agosto en la sala Razzmatazz de Barcelona. Las entradas están a la venta desde hoy viernes 27 de abril en 
Esther Méndez creció escuchando a Silvio y a Aute, en sus inicios musicales fueron para ella una referencia Wilco o Ryan Adams y en su segundo disco recién editado, ‘
Ana Guerra triunfa actualmente con ‘Lo malo’ junto a Aitaña Ocaña, que ha vuelto al número uno de canciones más vendidas en España gracias a su versión actualizada y a su videoclip. Ese mismo éxito buscará la canaria con la versión definitiva de ‘El remedio’, el tema en solitario que 
Manel Navarro 
Esta noche ha sido el concierto 
El grupo congregó a varios cientos de personas, apuesto a que rozando un sold-out que pronto se alcanzará, quienes mostraron la enorme cantidad de estribillos o anti-estribillos coreables que tienen sus 10 canciones: «que me voy, que no quiero verte en mucho tiempo», «buscaré mi lugar, tu luz me cegará», «estoy confundiendo los sentimientos, no hay futuro en esta emoción», «qué hay abierto, si son las mil millones, volver no se te da muy bien», «solo quería ver esta ciudad arder» y sobre todo mucho «miedo a la nada, miedo a la nada». Es cuestión de tiempo que todas y cada una de estas pistas calen entre el público y para muestra lo que ha pasado de manera improbable con ‘Me miras desde lejos’ en la playlist correspondiente de Spotify: este es el inesperado nuevo pequeño hit del grupo en redes. 
Baywaves han concedido una 
Beneficiada por sus influencias tropicales, latinas y R&B, Kali Uchis ha publicado un debut oficial que ha entusiasmado a sus seguidores, ‘
Avicii moría de manera inesperada el pasado 20 de abril en Muscat, Omán. No transcendía la causa de su muerte, que la policía local 
El 1 de junio se publica ‘Age Of’, el nuevo disco de 
Los medios anglosajones están publicando las primeras críticas de ‘Dirty Computer’, el esperado nuevo disco de Janelle Monáe, confirmando a su vez que el supuesto “tracklist” filtrado del disco hace semanas era real. ‘Dirty Computer’ sale el 27 de abril, es decir, mañana y, entre sus colaboradores, se encuentra nada menos que Brian Wilson de The Beach Boys en la primera pista, la titular. Un encuentro entre genios. El disco incluye también la presencia de Zoë Kravitz, Grimes en el single ‘PYNK’ y Pharrell en ‘I Got the Juice’.
Al contrario que