Solo un año después del lanzamiento de su último disco, ‘De escalde y trinchera’, Rosendo anuncia gira de despedida, ‘Mi tiempo, señorías…’, sumándose así a una larga lista de artistas veteranos que han anunciado sus conciertos de despedida recientemente, entre ellos Aretha Franklin, Elton John, Paul Simon, Neil Diamond, Lynyrd Skynyrd y Slayer.
Rosendo, de 64 años, pone punto y final a una larga carrera en carretera desde sus inicios en Ñu y Leño, y que sobre todo en su trayectoria en solitario le ha llevado a convertirse en una de las figuras más representativas e icónicas del rock español, gracias a canciones como ‘Agradecido’, ‘Flojos de pantalón’ y ‘Masculino singular’.
Estas son las fechas de la gira ‘Mi tiempo, señoría’, que comparte Get in Music y recorrerá toda España desde marzo hasta diciembre, cuando Rosendo realizará los últimos cuatro conciertos de su carrera en A Coruña, Bilbao, Madrid y Barcelona.
MARZO 16 Jerez de la Frontera- Festival Primavera Trompetera/ 24 Burlada Navarra Entradas agotadas
ABRIL 12 Cáceres- Festival Extremusika/ 28 Tarragona- Festival Tony Urbano
MAYO 12 Madrid- Rivas Rock/ 18 Cascante (Navarra)/ 19 Granada- Bull Music Festival
JUNIO 16 Ponferrada (León)/ 23 Jaén- Lagarto Rock/ 27 Orense- Jardín Do Posío/ 30 Getafe- Festival Cultura Inquieta
JULIO 7 El Bonillo (Albacete)- Alterna Festival/ 13 Quintana de la Serena (Badajoz)- Granirock/ 14 Manzanares (Ciudad Real)
AGOSTO 8 Villena (Alicante)- Leyendas del Rock/ 25 Las Mesas (Cuenca)
Lana Del Rey se ha encargado de interpretar ‘You Must Love Me’, la canción principal de ‘Evita’, para ‘Unmasked: The Platinum Collection’, el nuevo recopilatorio de éxitos de Andrew Lloyd Webber, autor junto a Tim Rice de esta misma canción que cantó originalmente Madonna -que interpretó a Eva Perón en ‘Evita’-, logrando el Oscar y el Globo de Oro a Mejor canción en 1997.
El disco, anunciado a finales del mes de enero, complementará la biografía recién publicada de Andrew Lloyd Webber, ‘Unmasked’, y saldrá en ediciones de 2 y 4 discos conteniendo canciones de toda su carrera, lo que incluye la nueva versión de Lana Del Rey, así como de Nicole Scherzinger (‘Memory’, de ‘Cats’) y Gregory Porter (‘Light at the End of the Tunnel’, de ‘Starlight Express’). Lana ha dicho que ha sido un “sueño” cantar una canción de Lloyd Webber, una de sus “mayores inspiraciones”.
Andrew Lloyd Webber ‘Unmasked: The Platinum Collection’ Tracklisting:
CD ONE
01 Superstar • Murray Head & The Trinidad Singers
02 The Phantom Of The Opera • Sarah Brightman & Michael Crawford
03 Oh What A Circus • Antonio Banderas & Madonna
04 Love Changes Everything • Michael Ball
05 Stick It To The Man • Alex Brightman & The Broadway Cast Of School Of Rock
06 Memory* • Nicole Scherzinger
07 No Matter What • Boyzone
08 With One Look • Barbra Streisand
09 Buenos Aires • Glee Cast
10 Don’t Cry For Me Argentina • Julie Covington
11 Take That Look Off Your Face • Marti Webb
12 I’m Hopeless When It Comes To You • Joanna Riding
13 Light At The End Of The Tunnel* • Gregory Porter
14 The Music Of The Night • Michael Crawford
15 Gethsemane ( I Only Want To Say) • Ian Gillan
16 Any Dream Will Do • Donny Osmond
17 Amigos Para Siempre • Sarah Brightman & José Carreras
18 I Don’t Know How To Love Him • Yvonne Elliman
Cd Two
01 As If We Never Said Goodbye • Glenn Close
02 Theme And Variations 1-4 • Andrew Lloyd Webber
03 Unexpected Song • Sarah Brightman
04 You Must Love Me* • Lana Del Rey
05 Everything’s Alright • Yvonne Elliman, Ian Gillan & Murray Head
06 The Vaults Of Heaven • Tom Jones & The Sounds Of Blackness
07 Another Suitcase In Another Hall • Madonna
08 You’re In The Band • Broadway Cast Of School Of Rock
09 It’s Easy For You • Elvis Presley
10 Cold • The Everly Brothers
11 Come Back With The Same Look • Denise Van Outen
12 I Am The Starlight* • Mica Paris & George Ure
13 Mr. Mistoffelees • Paul Nicholas
14 Tell Me On A Sunday • Michael Crawford
15 Think Of Me • Emmy Rossum & Patrick Wilson
16 Rainbow High • Elaine Paige
17 All I Ask Of You • Cliff Richard & Sarah Brightman
18 Wishing You Were Somehow Here Again (Live At The Royal Albert Hall) • Sierra Boggess
Bonus Track Learn To Be Lonely* (Live At The Oscars) • Beyoncé & Andrew Lloyd Webber
Cd Three
01 Jacob & Sons/Coat Of Many Colours • Janet Metz, Donny Osmond, Michael Fletcher & The Canadian Cast
02 Close Every Door • Donny Osmond
03 Heaven On Their Minds* (Live – Arena Tour) • Tim Minchin
04 King Herod’s Song • Alice Cooper
05 Skimbleshanks • Ken Wells & The Original London Cast Of Cats
06 Macavity: The Mystery Cat • Wendy Edmead & Donna King
07 You’ve Never Had It So Good • Stephen Ward Original London Cast
08 I’d Be Surprisingly Good For You • Elena Roger & Philip Quast
09 Evermore Without You • Martin Crewes
10 I Believe My Heart • Duncan James & Keedie
11 If Only You Would Listen • The Broadway Cast Of School Of Rock
12 Sing • Military Wives
13 Hosanna • Jesus Christ Superstar London Cast
14 Hosanna • Plácido Domingo, Sarah Brightman & The Choir Of Winchester Cathedral
15 Pie Jesu • Sarah Brightman & Paul Miles-Kingston
16 By Jeeves • Steven Pacey, Simon Day & Nicholas Haverson
17 Where Did The Rock Go?* • Florence Andrews
Cd Four
01 Phantom Phantasy† • Original London Orchestra
02 Masquerade • Original Motion Picture Cast
03 ’Til I Hear You Sing • Ramin Karimloo
04 Love Never Dies Orchestral Suite† • Original London Orchestra
05love Never Dies•Sierra Boggess
06the Beauty Underneath*•Ben Lewis & Casey Lyons
07 Variations On Variations† • Andrew Lloyd Webber
08 Jesus Christ Superstar Overture • Original Jesus Christ Superstar Orchestra
09 Overture And The Beautiful Game† • Original Cast And Orchestra From The Beautiful Game
10 If This Is What We’re Fighting For • Josie Walker
11 Cats Overture • The Original London Orchestra
12 The Jellicle Ball • Cats Motion Picture Orchestra
13 Sunset Suite† • Original Broadway Orchestra
14 Sunset Boulevard • Kevin Anderson
15 Aspects Of Aspects • Orchester Der Vereinigten Buehnen Wien
16 Seeing Is Believing • Michael Ball & Sarah Brightman
17 Anything But Lonely • Sarah Brightman
Ariana Grande ha terminado su cuarto disco. Esta es, al menos, la información que comparte TMZ al respecto del nuevo trabajo de la cantante, que no hace tanto se dejaba ver trabajando en el estudio en las redes sociales.
El medio estadounidense asegura que Grande se ha reunido recientemente con su sello Republic Records y con su mánager Scooter Braun para ponerles el “álbum entero” y que este es el “más personal” que ha grabado hasta la fecha. De hecho, la artista habría participado en la composición de todas las canciones. Aunque la curiosidad de este álbum recae, de nuevo, en sus productores. Parece que se han repartido el trabajo sobre todo dos personas, Pharrell Williams y Max Martin.
En verano del año pasado, Pharrell reveló encontrarse trabajando en el “increíble” nuevo disco de Grande, además de en el de Justin Timberlake recientemente publicado. El productor ya colaboró con Grande en ‘Heartstroke’ de Calvin Harris. Por su parte, Max Martin ha participado en la producción de ‘Problem’, ‘Break Free’, ‘Love Me Harder’, ‘Dangerous Woman’ e ‘Into You’, entre otros.
Por otro lado, parece que Grande está a punto de realizar su gran papel en Broadway (Grande debutó en Broadway en 2008). El tabloide británico The Sun comparte que la intérprete de ‘Break Free’ ha conseguido el papel de la bruja Elphaba en ‘Wicked’, el musical de Stephen Schwartz y Winnie Holzman basado en la novela de 1995 del mismo nombre.
El pasado viernes, Buffalo Tom publicaban ‘Quiet And Peace’, su 9º disco de estudio cuando, precisamente, se cumplen 30 años desde que se publicó su álbum de debut. La carrera de este trío, formado por Bill Janovitz –guitarra y voz–, Chris Colbourn –bajo y voz– y Tom Maginnis –batería y prestatario del nombre del grupo, combinado con el de Buffalo Springfield– podría ser una más entre la de tantos grupos de los 90 que obtuvieron notoriedad al amparo del grunge y lo alternativo pero, llegados al nuevo siglo y a su propia madurez, se esfumaron… o eso parecía.
Sin embargo, Buffalo Tom no son unos más, puesto que su carrera está cargada de buenos discos (algunos, mucho más que eso) y su sonido ha servido de inspiración para muchas otras bandas posteriores, quizá sin ser nunca aludidos de manera explícita o frecuente. Pero es que además tampoco hay tantas bandas que hayan resistido 30 años de vida manteniéndose fieles a sí mismos, lo cual incluye su formación –sin variaciones desde su origen– y su estilo, lo cual es directamente heróico. Porque si de algo puede presumir ‘Quiet And Peace’ es de que, ya sus dos avances ‘All Be Gone’ y ‘Roman Cars’ dan muestra de que no han perdido ni la personalidad (en lo que las voces alternas de Bill y Chris tienen mucho que ver) ni la fuerza de antaño.
Pero vayamos algo más atrás, a sus inicios: el trío se formó en 1986 en Boston, en medio de aquel bullir de bandas de finales de aquella década en la que nombres como Pixies y Throwing Muses estaban inmersos –aunque ellos estaban estilísticamente más próximos a Hüsker Dü, a decir verdad–. Bill, Chris y Tom se hicieron amigos en la Universidad de Massachusets –Buffalo Tom fue uno de aquellos grupos cuyo éxito se basó en buena medida en el apoyo de las radios universitarias– y pronto formaron un grupo en cuya gestación tuvo mucho que ver J Mascis, de Dinosaur Jr. Mascis impulsó la grabación de su debut homónimo de 1988: lo co-produjo e incluso tocó la guitarra en uno de sus temas, ‘Impossible’.
Ese sonido eléctrico, tan cargado de fuzz como de melodía, a medio camino del pop y el punk, impregnaba canciones como aquella o ‘Sunflower Suit’, aunque en ‘The Bus’ también mostraban esa faceta más de balada/medio tiempo que les ha caracterizado siempre y les conectaba, en cierta medida, con la canción tradicional norteamericana. Y es que, aunque no sean unos referentes tan evidentes como Uncle Tupelo, Buffalo Tom son, a mi juicio, culpables en buena parte de la posterior eclosión de la nueva Americana.
Algo que se evidencia a partir de su primera obra maestra, ‘Let Me Come Over’ (1992), que llegaría tras la mejora de sonido en ‘Birdbrain’, su segundo disco. Producido por el tándem Paul Q. Kolderie/Sean Slade (que por entonces también produjeron ‘Pablo Honey’, debut de unos chavales británicos llamados Radiohead), ‘Let Me Come Over’ establecía un nuevo estándar no solo para el propio grupo sino también en el rock alternativo yanqui, con una colección de canciones soberbia en la que brillaban los singles ‘Taillights Fade’ y ‘Mineral’, pero en la que ni uno de sus otros 11 cortes quedaba a la zaga: ‘Staples’, ‘Velvet Roof’, ‘Frozen Lake’, ‘Porchlight’… Todo un discazo que reflejaba un momento de la historia de la música y que a cualquier otro grupo le hubiera pesado.
Pero no a ellos, que respondieron a la primera de cambio –apenas un año después– con otro disco sobresaliente. ‘Big Red Letter Day’ es otro álbum inapelable en el que afinaron con los ganchos y limpiaron un poco su sonido (co-produjeron ellos mismos con The Robb Brothers, que por entonces trabajaban con otras grandes estrellas de la época, Lemonheads). Esa limpieza no fue muy bien vista en círculos alternativos –en aquellos momentos, no molaba nada que tu grupo favorito se hiciera masivo, ¿saes?– pero a su vez ayudó enormemente a que pegaran muy fuerte en las listas norteamericanas: temas como ‘Sodajerk’, ‘I’m Allowed’ o el baladón ‘Late at Night’ se acercaron a ser hits. Esta última, además, obtuvo especial repercusión cuando apareció en la por entonces popular serie televisiva ‘Es mi vida’ (‘My So-Called Live’), donde ponía base musical al amor adolescente de, atención, Jared Leto y Claire Danes. Un momento de esos que marcan a una generación.
En 1995 Bill, Tom y Chris, algo arrepentidos de sonar tan pulidos, recurrieron a John Agnello para volver a su lado más enérgico y desmelenado. Eso es lo que contiene ‘Sleepy Eyed’, otro gran disco de rock melódico con muy buenas canciones que, cosas de las modas, fue algo peor acogido pese a comenzar como un tiro con ‘Tangerine’, ‘Summer’, ‘Kitchen Door’. Quizá no andaba tan sobrado de canciones redondas, pero no supone ninguna tacha en su carrera, ni mucho menos. Como un signo, quizá, de madurez, Bill Janovitz vio que sus nuevas canciones pedían teclados, y trabajó con Tom Gorman de Belly para arreglarlas. El resultado fue ‘Smitten’ (1998), un disco que, de manera inequívoca, sonaba a tradición norteamericana y, a la vez, resultaba más espeso y menos inspirado que sus antecesores. Parecía abocado a marcar un cierre de ciclo para el grupo que, por aquel entonces, pareció una separación.
Tras los inevitables recopilatorios de caras As y Bs, algún directo y varios discos en solitario de Janovitz (aunque su trayectoria comenzó antes, en 1996, y aún prosigue intermitentemente), Buffalo Tom reaparecieron actuando en el SXSW de 2007, como uno de los grandes atractivos de la edición. Ese mismo año publicaron su primer disco en casi una década, ’Three Easy Pieces’, un nuevo regreso a su cara más fiera y aguerrida, y con un buen puñado de canciones (‘Bad Phone Call’, ‘September Shirt’ o ‘You’ll Never Catch Him’ al frente) con las que reivindicarse como autores.
Una política y estética que extendieron en el igualmente notable ‘Skins’ (2011) y que, parece, persiste en su nuevo disco. Resulta un placer que, aunque lo tengan que hacer desde la discreción de una teórica segunda fila, tengan la generosidad de seguir escribiendo canciones notables que sobrevivan tendencias y, ojalá, calen en nuevas generaciones. Porque no merecen menos que su nombre sea reivindicado como unos de los más dignos (y escasos) supervivientes de su época. ¿Cómo es posible que su nombre, con semejante repertorio y disco nuevo bajo el brazo, no esté en la mitad de los festivales del mundo este verano?
Quisiera reaccionar ante las desgracias como lo hace Matthew Johnson (MJ), compositor y productor de la banda Hookworms: con determinación, coraje y energía. Y no ha padecido precisamente desgracias desdeñables. Antes de grabar ‘Microshift’ (el Boxing Day de 2015: 26 de diciembre), tercer álbum del quinteto de Leeds, el músico sufrió una terrible inundación en su estudio de trabajo, perdiendo de golpe equipo musical, instrumentos, material, infinidad de objetos personales, ropa, libros y recuerdos, además de su coche. La banda siguió adelante, rehizo el local gracias a donaciones y contribuciones, y el disco, obviamente, ha acabado viendo la luz; pero la cosa no acabó ahí. Porque además de este hecho (‘Boxing Day’), MJ también afronta mediante el álbum el inesperado y reciente fallecimiento de un amigo muy cercano (‘Negative Space’), una especie de miembro extra de la banda, la cruel enfermedad –Alzheimer– de su padre (‘Ullswater’) y sus propios problemas psicológicos (‘Static Resistance’, ‘Opener’, etc.). Todo con una valentía y un ímpetu realmente encomiables, y desde un lenguaje musical que se ha simplificado y aclarado lo suficiente como para que su fórmula resulte ahora más accesible, directa y efectiva que nunca.
La receta maestra de ‘Microshift’ mezcla algo de rock psicodélico (en retroceso) con algo de drone industrial, noise pop, garage e incluso con algunas trazas selectas del dance-punk de LCD Soundsystem, dando vida y accionando un tipo de motor lleno de combustible explosivo que, al menos a lo largo de los casi 20 minutos que duran las tres primeras canciones, parece que no va a detenerse nunca. Sobre todo en el final robusto y victorioso (en lo formal) de ‘Ullswater’, amargo y alentador (en lo lírico), que grita eso de “So stay strong / Stay strong / Yeah, stay strong”. Así culmina el tremendo tema dedicado a la enfermedad de su padre: un trote que intensa y progresivamente se va transformando en musculoso galope, regado con duras y emotivas reflexiones como “You see, this man before / Taught me how to be tender / I’m so glad it’s still a part of you / I shouldn’t ask for more / I shouldn’t chase the past, but / There’s so much I wanna show you, too / (There’s no chance, now)”, “You’re long gone away, you’ve long lost the truth / If that’s hard for me to say, it must be awful for you” o “Oh, one day you’ll forget / That I’ll always love you”. Para llorar apretando los puños al cielo de manera eufórica. ¡Chapó, MJ!
Así culmina también la primera fase del disco, ese inicio arrollador protagonizado por ‘Negative Space’, donde Hookworms logran trazar ante la muerte de su amigo un espacio épico-bailable delimitado por LCD Soundsystem, Kasabian, Klaxons, Death From Above o TV on the Radio (llamadme loco pero, ¿los primeros Arcade Fire?), por la imparable ‘Static Resistance’, una catarata de power pop y psicodelia translúcida al estilo King Gizzard & the Lizard Wizard, y por la propia ‘Ullswater’. El resto del álbum a partir de aquí no mantiene el nivel de carburación ni de estimulación porque prácticamente alterna canciones agarrotadas con otras dilatadas, pero el traca-traca ha inoculado y el motor sigue funcionando por empuje e inercia.
Así, tras la semi-pausa etérea y volátil de ‘The Soft Season’ –que podría ser una intro de Phoenix–, recuperan el ímpetu en ‘Opener’, aunque ya con menos mordiente. Un tema que trata sobre la fragilidad y la inseguridad personal, y que se va abriendo en una progresión lineal pero fuerte del tipo Preoccupations. Del mismo modo, después de una acolchada y anestésica (y un poco dreampop alternativo rollo Broadcast) ‘Each Time We Pass’ llega la claustrofóbica y oscura ‘Boxing Day’, donde no es posible percibir ni una brizna de luz y la energía parece estancarse hasta pudrirse. Y tras la instrumental, ambiental y arrítmica ‘Reunion’, ‘Shortcomings’ cierra el álbum recuperando el enfoque optimista, ya con menos impulso en las ruedas pero con el final del túnel a la vista.
Lo extraordinario del disco, por tanto, es ese motor, ese impulso y empuje energéticos, esa inercia que mantiene viva la fuerza, el valor y el arranque del principio, sostenida incluso en la fase del álbum en la que el desboque ha dado paso a un cierto equilibrio de fuerzas (todas ellas entendidas de forma psicológica y formal, musicalmente hablando). Su procesamiento de la desgracia es, en ese sentido, ejemplar, entregándonos ‘Microshift’ como receta y medicina a la vez. Ojalá la vida fuera un plácido valle donde todo va rodado, pero como no lo es, los discursos y los discos así resultan tan valientes como necesarios.
Calificación: 8,2/10 Te gustará si te gustan: Stereolab, King Gizzard & the Lizard Wizard, LCD Soundsystem, TV on the Radio, Preoccupations, Protomartyr. Lo mejor: el inicio arrollador de ‘Negative Space’, ‘Static Resistance’ y ‘Ullswater’, 20 de los mejores minutos musicales de lo que va de año. Escúchalo: Spotify
Patrick Doyle, batería de Veronica Falls e integrante único de Boys Forever y Basic Plumbings, ha fallecido este domingo 4 de marzo a los 32 años de edad. La causa de su muerte se desconoce por el momento. La página de Boys Forever ha dado la noticia en Facebook, escribiendo que Doyle fue “un querido hijo, hermano, tío y amigo, y [que] su familia está inmensamente orgullosa de lo que ha conseguido”.
Son varios los compañeros de profesión que han despedido a Doyle en redes sociales, entre ellos su compañera de banda Marion Herbain: “todo duele y ha sido difícil encontrar las palabras adecuadas para enfrentar sentimientos que van desde la máxima angustia al remordimiento”. También Alex Kapranos de Franz Ferdinand y Bright Light Bright Light lamentan la muerte de su amigo. The Cribs y Frankie Rose, entre otros, le recuerdan asimismo en Twitter.
El último disco de Veronica Falls fue ‘Waiting for Something to Happen‘, de 2013. El disco contenía su mayor éxito en streaming, ‘Teenage’. Recientemente, Doyle publicaba un nuevo tema a través de su alias Basic Plumbings, ‘When You Disappear’, pidiendo a sus fans que, en lugar de pagar por la canción, donaran lo que pudiesen a Los Angeles LGBT Center.
Absolutely horrified to hear that my friend Patrick Doyle has died. So young. He will be missed by many, many people and all the fans of his music. RIP love <3
A few years ago Patrick Doyle and I got matching airplane tattoos because no matter what, we were always just a plane away. I’m never gonna see him again and my heart is broken. Rest In Peace, buddy.
Devastating loss of the beautiful Patrick Doyle. Funny, crazy, talented, crazily creative and completely unique. Won’t ever forget you, Patrick or the most bonkers New Years Eve ever ❤️ RIP
RIP Patrick Doyle. Here’s a pic of a wonderful day we had in LA this past Sept. I’m just really sorry. I’ve known him for many years but only started to get to know him as a good friend. I hope I see him in the next dimension when it’s my time. ❤️ pic.twitter.com/itV3XpK6BC
Heartbroken at the passing of my dear friend Patrick Doyle. He was cherished .What a loss for us all. He was one of the most talented, funny, smart and all around incredible humans I have ever known. See you on the other side my buddy.
So sad to hear about Patrick Doyle’s passing. Although we didn’t know him well, we hung out a few times and always really liked him and all of his bands. RIP sir.
‘Dancing’ de Kylie Minogue se está quedando muy lejos de lograr la repercusión esperada en listas: en Reino Unido no ha ido más allá del puesto 47 y en Australia ha registrado un número parecido. El éxito del tema en Europa está siendo ultra moderado, y en Estados Unidos, que nunca ha sido un gran mercado para Minogue, inexistente.
Pero la australiana tiene un as en la manga. Debido a que el sonido country-dance de moda de ‘Dancing’ no ha funcionado, Minogue aprovecha el tirón de ‘Despacito’ y prepara un nuevo single latino junto al dúo de reggaetón cubano Gente de Zona, al que recientemente has oído en ‘Ni tú ni yo’ de Jennifer López. Junto a Alexander Delgado y Randy Malcom Martinez ha sido Minogue vista en La Habana rodando el vídeo para esta canción que aspiraría a ser la canción del verano.
Eran varios los datos que apuntaban a que ‘Golden’ sería el disco country de Kylie Minogue, y de hecho en los créditos publicados del disco no hay rastro de Gente de Zona. ‘Stop Me from Falling’ es una composición de Steve McEwan (Carrie Underwood, Keith Urban) y Danny Shah (Zak Abel) y una producción de Sky Adams que apuntaba más bien a una canción similar a ‘Dancing’. Parece que, en cualquier caso, ahora tendrá también su punto latino.
Una de las posibles próximas sensaciones del pop nacional (y, dado que cantan en inglés, puede que también internacional, ¿por qué no?) se llaman Fru Katinka. Por raruno que suene el nombre –inspirado por un cuadro de Hans Heyerdahl, al parecer–, detrás de él está un dúo de nombres tan de aquí como Marta Domingo y Álex Vidal, conocidos anteriormente por separado: la primera es también 50% de Meridian Response, mientras que el segundo es el también conocido como Guardabosques –aquel al que vimos participar en First Dates–, del grupo Alien Tango que, por cierto, el pasado viernes publicaban su nuevo EP.
El dúo de Valencia ha grabado un álbum completo que está próximo a editarse y del que ya han presentado dos singles, ‘Green’ e ‘Inside’. A tenor de estos, podemos decir que su sonido se debate entre el dream pop de Beach House, el post-pop de Dirty Projectors y el psico-pop delirante de Connan Mockasin. Aunque también, gracias al sentido de unidad que ofrecen sus vídeos, imágenes promocionales y vídeos, podríamos verles como una suerte de iamamiwhoami mediterráneos (y modestos).
Si el clip de ‘Green’ –en la que Marta presenta un registro vocal próximo al de Joanna Newsom– es una concatenación de imágenes de fauna que plasman su preocupación por el medio ambiente, el de ‘Inside’ es más metafórico: producido por 808 Audiovisual, dirigido por Rubén Segovia y protagonizado por Paula Sahuquillo, muestra un universo lleno de color y artificiosidad que se pone en contraste con, de nuevo, la Naturaleza. Veremos cuánto da de sí este concepto en ese debut que, de momento, ya resulta estimulante por lo atípico que resulta en la escena underground estatal.
Frances McDormand hizo levantar a todas las mujeres nominadas en los Oscar y Emma Stone presentó a Greta Garwig y a los otro “cuatro hombres” nominados a Mejor dirección en una ceremonia de los Oscar marcada por #MeToo, y en la que Guillermo del Toro se hizo con el premio más prestigioso, el de Mejor película, por ‘La forma del agua’.
Pero la última ceremonia de los premios de la Academia dejó otro tipo de sorpresas relacionadas con el vestuario de los asistentes (St. Vincent fue de emoji, Salma Hayek de lámpara) y varios “invitados” inesperados de la gala, entre ellos, “Jorge Javier Vázquez y Pad Padilla” (en realidad, el Oscarizado Jordan Peele y su mujer, Chelsea Peretti) y la “madrina de Shrek” (en realidad, Meryl Streep).
No, finalmente Sufjan Stevens no ganó el Oscar a Mejor canción, pero no dejó de ser una alegría verle en la ceremonia cantar ‘Mystery of Love’ junto a su grupo de músicos, entre ellos St. Vincent y Moses Sumney. No sabemos si se llegó a cruzar con Jennifer Lawrence, pero la actriz subiéndose por las butacas, copazo en mano, fue también uno de los momentazos de la noche.
The legendary, Rita Moreno, hits the #Oscars red carpet in the dress she wore back in 1962 when she won her Oscar for 'West Side Story' pic.twitter.com/1rUXZIjl7K
‘La forma del agua‘ ha resultado la gran ganadora de los Oscars 2018 al hacerse con el premio a mejor película y mejor director. La cinta de Guillermo del Toro fue estrenada en España en el festival de Sitges el pasado otoño, varios meses antes de llegar a las grandes pantallas del país. ‘La forma del agua’ también se ha hecho con el premio a mejor diseño de producción y mejor banda sonora.
La mejor canción ha sido ‘Remember Me’ de ‘Coco’, interpretada en la ceremonia por Miguel, Gael García Bernal y Natalia Lafourcade, lo que ha dejado sin premio a Sufjan Stevens, quien, como se había anunciado, ha interpretado ‘Mystery of Love’ en compañía de St Vincent, entre otros artistas. La composición de ‘Call Me By Your Name‘, película que ha logrado arañar el Oscar a Mejor Guión Adaptado, era interpretada con los artistas elevándose desde una plataforma subterránea. Esta es la actuación de la versión reducida de la canción.
No ha habido sorpresa en cuanto a los actores, por Gary Oldman ha ganado el galardón por ‘El instante más oscuro’ y Frances McDormand lo ha hecho por ‘Tres anuncios en las afueras’. Los mejores secundarios han sido Sam Rockwell también por ‘Tres anuncios en las afueras‘ y Allison Janney por ‘Yo, Tonya’. La excelente ‘Déjame salir‘ ha conseguido quedarse con el premio a mejor guión original, merecedísimo. Para ‘Dunkerque‘ han sido varios de los Oscars técnicos (sonido, efectos sonoros), además del de mejor montaje.
MEJOR PELÍCULA
‘La forma del agua’
MEJOR DIRECTOR
Guillermo del Toro por ‘La forma del agua’
MEJOR ACTOR
Gary Oldman por ‘El instante más oscuro’
MEJOR ACTRIZ
Frances McDormand por ‘Tres anuncios en las afueras’
MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Sam Rockwell por ‘Tres anuncios en las afueras’
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Allison Janney por ‘Yo, Tonya’
MEJOR GUIÓN ADAPTADO
James Ivory por ‘Call Me by Your Name’
MEJOR GUIÓN ORIGINAL
Jordan Peele, por ‘Déjame salir’
MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA
Una mujer fantástica (Chile)
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Coco
MEJOR DOCUMENTAL
Icarus
MEJOR FOTOGRAFIA
Roger Deakins por ‘Blade Runner 2049’
MEJOR SONIDO
Dunkerque
MEJORES EFECTOS SONOROS
Dunkerque
MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
La forma del agua
MEJORES EFECTOS VISUALES
Blade Runner 2049
MEJOR VESTUARIO
El hilo invisible
MEJOR BANDA SONORA
Alexandre Desplat por ‘La forma del agua’
MEJOR CANCIÓN
‘Remember Me’ de ‘Coco’
MEJOR MONTAJE
Dunkerque
MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
El instante más oscuro
MEJOR CORTO DE ANIMACIÓN
Dear Basketball
Mejor Corto de Acción Real:
The Silent Child
MEJOR CORTO DOCUMENTAL
Heaven is a Traffic Jam on the 405
En el variadísimo segundo disco de Papaya, que incluye country, tropical, salsa, trap y rock surfero, una de las canciones que destaca por su diversión es ‘Soy un macarra’. Su estribillo resuena y se pega desde la primera, proclamando: «soy un macarra, soy un hortera, voy a toda hostia por la carretera», si bien la composición es en verdad de Ilegales, en concreto extraída de ‘Agotados De Esperar El Fin’ (1984) y de hecho es la canción más escuchada de estos en Spotify.
En España llamamos «fitipaldis» a este tipo de conductores imprudentes en honor al corredor Emerson Fittipaldi, y la canción tiene un componente autoparódico según se desprende de las palabras de su autor Jorge Martínez: «‘Soy Un Macarra’, por ejemplo, habla de ese tipo que nos mira desde el espejo y que puede ser un ejercicio muy peligroso reconocerse en él. A mí nunca me ha dado miedo nada, en esto hay que meterse a fondo, hasta donde sea».
Eso sí, paradójicamente la pista es apta para escuchar a todo volumen mientras conduces. Esto decía Jorge Martínez «Ilegal» en otra entrevista: «‘Soy un macarra’ era ya un canturreo que cantaba cuando llevaba a reparar los bafles y todos los altavoces. Cogíamos el coche del padre de un amigo y llevábamos todos los altavoces a que nos los repararan después de todo un fin de semana. Así se compuso esa canción, a un volumen en el que te pitaban los oídos en locales con capacidad para unas 500 personas, que se ponían hasta arriba. Perjudicial».
Papaya han reivindicado la vigencia de la canción más de 30 años después, ralentizando ligeramente la composición, haciéndola a pesar de ello más pop, y dándole a su vez un aire tarantinesco. Ya había aparecido en sus directos en alguna ocasión y seguramente no falte en el futuro: ya es la segunda más escuchada de ‘Corazón abierto’ pese a ser solo pista 11.
Una nota de prensa enviada a los medios advierte de que St Vincent subirá al escenario de los Oscar 2018 junto a Sufjan Stevens, Moses Sumney y Chris Thile para interpretar en conjunto ‘Mistery of Love’, la canción que Sufjan ha escrito para ‘Call Me By Your Name‘, nominada a Mejor Película. Aunque la cinta no parte entre las favoritas, pues es ‘Tres anuncios en las afueras‘ la que va mejor situada en las apuestas; y aunque Sufjan tampoco es el favorito de las casas de apuestas para hacerse con el Oscar a mejor canción, sin duda se ha puesto toda la carne en el asador para que sea una gran noche para Stevens.
‘Mystery of Love’ es una canción breve, que será interpretada con seguridad de manera concisa en la ceremonia, pero servirá para recordar a los millones de espectadores de la gala lo buena composición que es, y también los días en que St Vincent era miembro de la banda en vivo de Sufjan Stevens antes de desarrollar su carrera en solitario, con discos tan destacados como el premiado ‘St Vincent‘, o recientemente ‘MASSEDUCTION‘.
Sufjan Stevens rechazó la propuesta de Luca Guadagnino, director de ‘Call Me By Your Name’, de narrar la película, pero a cambio le entregó dos canciones originales y un remix de ‘Futile Devices’. Entre estas pistas, la que más ha gustado es ‘Mystery of Love’. La música del artista tiene una importancia vital en la película, como muestra su final, y así, ‘Mystery of Love’ tiene toda la pinta de ser una de las canciones más populares que conocerá la carrera de Stevens. Ya antes de lo que pase esta noche, el tema suma 11 millones de streamings en Spotify.
Para el desarrollo de la canción, Sufjan se ha leído muy claramente el libro que inspiró la cinta: en Genius sus seguidores han rebuscado varias referencias a palabras características que aparecen en la novela. Además, aunque no conozcas ningún ‘Call Me By Your Name’, la canción es disfrutable como retrato del primer amor o del gusanillo que produce el amor, muy claro en esa insistencia a «la primera vez que me besaste», «la primera vez que me tocaste» o, finalmente, «la última vez que me tocaste».
Ese «elevar» los pies del suelo, ese «flotar» en el aire del amor adolescente se corresponde con la suave interpretación vocal de un susurrante Stevens, y unos arreglos minimalistas entre los que despunta un banjo que por momentos parece un arpa. Ese intimismo se ve reforzado por el uso de la palabra «riverbed» («lecho»), jugando con su raíz de «río», de «amor» que se va -literalmente- secando. Por último, el artista no se ha quedado en lo fácil y ha querido hacer un guiño a los personajes homosexuales de la película, mencionando la relación entre Alejandro Magno y Hefestión, y añadiendo además puntuales guiños a su carrera (aparece su sobrina, sí, la de ‘Should Have Known Better’, y también hay una cita de ‘Eugene’, entre otras), que han hecho las delicias de sus fans.
Puede que Sufjan Stevens no se lleve el Oscar, viéndose derrotado por ‘Coco‘ o ‘The Greatest Showman’, pero ha sabido trabajar una canción que funciona dentro de su repertorio, comprensible para quien no conozca su trabajo y además estrechamente vinculada a la temática de la película y la de la novela. Seguramente deje un momento tan bonito o más como el de Karen O y Ezra de Vampire Weekend haciendo ‘The Moon Song’, que, si no forma parte de la historia es por la negativa de la Academia a subir sus cosas a Youtube…
La llegada de las plataformas digitales a nuestro día a día ha revolucionado la forma de ver y entender el cine en la industria. Están quienes reciben el hecho de que una película no pueda verse en salas de cine como insultante, pero también quienes piensan que los tiempos cambian y que hay que ajustarse a ellos. Netflix produce películas que estrena en exclusiva y directamente en su plataforma. Sonados y polémicos fueron los casos de ‘Okja’ y ‘The Meyerowitz Stories’, ambas compitiendo por la Palma de Oro en Cannes el año pasado. Sin embargo, esta especie de videoclubs online también ayudan a visibilizar películas que, de otro modo, nunca llegarían a nuestras carteleras. Filmin, especializada en cine de autor, ha estrenado en España muchas propuestas arriesgadas, diferentes o demasiado pequeñas para que ningún distribuidor haya querido -o podido- darles la oportunidad.
Estas diez películas de las que hablamos a continuación, no se vieron en salas de cine comerciales, por lo que no tuvieron un recorrido tan visible como las demás, pero no merecen caer en el olvido ni quedar enterradas en el amplio catálogo de sus respectivas plataformas.
Good Time
Una de las películas más aclamadas del último Festival de Cannes fue esta odisea nocturna a ritmo de la hipnótica música de Oneohtrix Point Never que presentaron los directores neoyorquinos Benny y Josh Safdie. El peculiarísimo y muy efectivo estilo claustrofóbico de los hermanos, autores de la magnífica ‘Heaven Knows What’ (disponible en Filmin), vuelve a poner su foco en la white trash americana, narrando la historia de un delincuente de poca monta que debe conseguir dinero en una noche para pagar la fianza de su hermano discapacitado mental, que fue arrestado mientras atracaban juntos un banco. Un ritmo frenético, luces de colores y un gran reparto liderado por un espectacular Robert Pattinson, han convertido a ‘Good Time’ en un nuevo referente del cine underground.
Lovesong
Esta pequeña joya estrenada en el festival de Sundance de 2016, que no ha tenido el reconocimiento que merece, fue incluida en el catálogo de Netflix España hace unos cuantos meses. Dirigida por la coreano-americana So Yong Kim, muestra la relación de amistad entre los personajes interpretados por una impresionante Riley Keough y Jena Malone. Rara vez en una película se ve reflejada con tanta sensibilidad y delicadeza la delgada línea que en ocasiones puede separar la amistad del amor romántico. Contada a base de silencios, miradas y pequeños gestos, compone una bellísima reflexión sobre las relaciones humanas.
Blue Jay
Otra película tan diminuta (en presupuesto e intenciones) que ni siquiera con tener de protagonista a Sarah Paulson ha logrado distribución en salas. La película de Alex Lehmann -que conformaría una buena sesión doble con ‘Lovesong’- narra el reencuentro de dos viejos conocidos. Cada uno marcó la vida del otro, pero llevan veinte años sin verse y sin ningún tipo de contacto. ‘Blue Jay’ se compone principalmente por diálogos ingeniosos, y construye dos buenos personajes con los que empatizar. Un drama romántico indie capaz de llegar hondo con muy pocos medios.
Holy Hell
Si algunas películas de ficción ya lo tienen complicado para llegar a los cines, para la no ficción es casi imposible. Pero Netflix se caracteriza por tener una gran cantidad de documentales para elegir. ‘Holy Hell’ no es el mejor de ellos, pero es bastante poco conocido y merece la pena, ya que cuenta una historia realmente apasionante sobre una secta creada en Los Angeles en los 80 que duró veinte años. El documental cuenta con entrevistas a los miembros a la vez que repasa la escalofriante historia alrededor de su líder.
Las elegidas
La segunda película del mexicano David Pablos, ‘Las elegidas’, tras pasar por la sección Una cierta mirada en Cannes 2015 y por varios festivales como el de San Sebastián, tuvo su estreno en España directamente en la plataforma digital. El filme denuncia la violencia y la mala situación social mexicana centrándose en un adolescente que seduce a una chica para engañarla trabajando, a la fuerza, en un prostíbulo. La mirada del director no nos permite ver escenas explícitas, pero sí primeros planos llenos de dolor reforzados por un interesante uso del sonido. Una muestra austera y cruda de cine social.
Heaven Knows What
Esta película de los hermanos Safdie estrenada en España directamente en Filmin, como comentaba arriba, narra la historia de una heroinómana indigente en Nueva York. Los cineastas encontraron por la calle a Arielle Holmes -protagonista de la cinta-, una joven drogadicta que les llamó la atención y le ofrecieron presentarse a un casting para un proyecto. Ella fue, pero les confesó que tenía un problema con las drogas. Los Safdie la animaron a rehabilitarse y a escribir un libro contando su historia que se llamaría ‘Mad Love In New York City’. Cuando lo terminó, hicieron la película, interpretada por ella misma (completamente rehabilitada, claro). ‘Heaven Knows What’ es uno de los retratos más veraces sobre el mundo de la droga que se han filmado, y una película excelente.
The Lure
Un musical original polaco sobre dos sirenas contratadas por un club de noche para hacer espectáculos. ¿Suena raro? Lo es, y mucho. Y está bien verlo precisamente por eso. Hay quienes han encontrado en esta película algo verdaderamente atractivo y les ha atrapado por completo su mundo surrealista y absurdo. A otros les ha irritado desde la primera secuencia. Y hay quienes nos quedamos a medias, los que apreciamos el intento de hacer algo nuevo aunque finalmente no termine de resultar efectivo. El motivo por el que está en esta lista es porque, independientemente de todo, no vais a encontrar nada ni remotamente parecido a esto.
Porto
Gabe Klinger debutó en 2013 con un documental llamado ‘Double Play: James Benning y Richard Linklater’, sobre los dos cineastas. En 2016 debutó en la ficción con la singular ‘Porto’, un drama romántico dividido en tres partes que funciona como un homenaje al séptimo arte a la par que recuerda a la trilogía ‘Antes de…’. Una película interesante y romántica, que además cuenta con una de las últimas interpretaciones de Anton Yelchin (a quien está dedicada la película).
Queen of Earth
Alex Ross Perry no ha conseguido estrenar ninguna película en nuestro país. El director, que empezó en el mumblecore (movimiento cinematográfico que se caracteriza por presupuestos muy bajos, tener diálogos improvisados y retratar a gente de entre 20 y 30 años), contó con Elisabeth Moss y Katherine Waterson para esta suerte de revisión de ‘Persona’ pasada por el filtro indie americano y el característico estilo del autor, que ya recomendamos en Halloween. Así, dos amigas van a pasar unos días a una casa retirada en la playa. Ross Perry indaga en cómo se ha ido enfriando la relación entre ambas hasta no soportarse la una a la otra. Un thriller psicológico repleto de violencia verbal.
Ensayo para una revolución
Es el título con el que Filmin ha estrenado ‘Those Who Make Revolution Half Way Only Dig Their Own Graves’, es decir, “aquellos que hacen la revolución a medias solo cavan sus propias tumbas”. Una película de tres horas de duración que cuenta con apertura, intermedio y cierre y en la que se cambia con frecuencia de formato cinematográfico. Es una especie de ensayo, a veces muy excesivo pero siempre interesante, sobre la rebeldía, la juventud y la transgresión. No ha dejado a nadie indiferente y ha dividido a la audiencia allá donde ha sido proyectada.
Lo miremos por donde lo miremos, este ‘Sangre en los surcos’ no es un “grandes éxitos” como tal –para colmo, esa etiqueta no podría ser más paradójica– de Fernando Alfaro ni cabe acusarle de oportunismo por querer revivir –uno no puede menos que, dado el autor de este disco, intentar emular sus juegos con la semántica– canciones de los distintos proyectos de sus 30 años de carrera en un formato distinto al de sus originales. Puede que esa apariencia pueda despertar algún reparo en quienes ya conocen bien su historia musical, y en parte vital, pero ellos, tanto como los neófitos, encontrarán sobradas razones para sumergirse en este álbum que se mira y suena en blanco y negro.
Aunque la nota de prensa dice que ‘Sangre en los surcos’ se inspira en la serie ‘American Recordings’ de Johnny Cash –solo que el Hombre de Negro interpretaba en formato mínimo canciones ajenas y contemporáneas, no solo propias–, en realidad este doble álbum de 21 cortes parece más una traslación al estudio de esos conciertos en solitario que estuvo haciendo cuando presentaba su último disco solo, ‘Saint-Malo’, o celebraba los 25 años del capital ‘Hermanos carnales’ de Surfin’ Bichos. Pero solo lo parece: porque es mucho más.
Para empezar, los expertos en fernandoalfarismo tendrán razones de sobra para empaparse de «Sangre». Aunque solo sea porque contiene cuatro canciones nuevas que refrendan que la creatividad de Alfaro está muy viva 30 años después. Ya conocíamos ‘Dominó’, esa espeluznante historia personal entre la ficción y la realidad –algo inherente, en realidad, a toda su obra– que se eleva a la altura de sus grandes clásicos; pero es que ‘Sangre en los surcos’, otra visión sobre ese amigo muerto cuyo fantasma deambula por sus discos desde hace décadas, empata con aquella como uno de los momentos más brutales del disco –¡y eso que contiene muchas de sus mejores canciones!–. ‘Barbaridades’ –al menos en este formato– no brilla tanto pero, de nuevo, ‘Trozos que un día’ se muestra como una joya delicada desde el punto de vista musical, y una lección vital desde el punto de vista lírico. Espantada así la sospecha de que su intención sea hacer de este álbum un simple ejercicio de nostalgia.
Por supuesto, esos conocedores de sus distintas etapas –o alguna de ellas–, con Surfin’ primero, Chucho después y ya en solitario (o con Alienistas), se saben estas canciones de sobra. Cabe pensar que, dado que están representados todos y cada uno de sus álbumes oficiales –salvo, curiosamente, ‘Los años luz’–, Fernando ha pretendido tratar una especie de autobiografía musicada, pero la idea se resquebraja también al verificar que no hay un orden cronológico, o que un disco tan lejano y poco popular como ‘Fotógrafo del cielo’ es de largo el más representado, con ‘¿Qué clase de animal?’ y hasta ¡tres! outtakes de la época, casi encadenados: ‘Un alud en septiembre’, Mi refugio’ y ‘Siempre lo mismo’ –con unos inesperados aires folk–.
Sus temas más conocidos e imprescindibles –‘Gente abollada’ (¡qué versionaza!), ‘Fuerte!’, ’Magic’ o ‘Camisa hawaiana de fuerza’– son tan grandes que no necesitan más coartada que esa para estar aquí. Pero ‘Sangre en los surcos’ ofrece además la oportunidad de redescubrir canciones menos obvias, casi perdidas en su vasta discografía –‘Su mano sobre la mía’, ‘El último día que me verás’–, y “redisfrutar” las inventivas recreaciones de otras: los espíritus que se hacen presentes en ‘¿Qué clase de animal?’ o ‘Mi anestasia’; el banjo de ‘Saariselkå Stroll’; las alegres palmas en ‘Ricardo ardiendo’; o el formato dark country –aquí sí que es muy ‘American Recordings’– de ‘Qué condenadamente negra’ o ‘Mis huesos son para ti’ justifican la existencia de este disco.
Pero, además de para aquellos, se percibe también en el carácter de glosario de este largo una vocación tanto didáctica como reivindicativa hacia nuevas generaciones, que no conocieron los discos de Alfaro en su momento y necesitan –aunque no lo sepan– un punto de partida, un volumen de “1º de Alfarismo” para poder empezar a tirar del hilo. En ese sentido, sí veo en ‘Sangre en los surcos’ la conexión con las “American Recordings” que, para muchos, supusieron nuestra forma de engancharnos y comprender a Johnny Cash. Si alguien quiere adentrarse en el vasto y rico universo de uno de los mejores autores en la historia del pop rock en español, esta puede ser la mejor forma de empezar.
Calificación: 8,1/10 Lo mejor: ‘Dominó’, ‘Sangre en los surcos’, ‘¿Qué clase de animal?’, ‘Trozos que un día’, ‘Gente abollada’ Te gustará: tanto si conoces bien el universo de Alfaro como si deseas adentrarte en él por primera vez. Escúchalo: Spotify
‘The Emoji Movie’ ha sido la gran «ganadora» de los Razzies a lo peor del año al hacerse con el premio a peor película y peor director, entre otros. La gran «derrotada» podríamos interpretar por tanto que era ‘Fifty Shades Darker’, pero la segunda parte de la saga ‘50 sombras de Grey‘ ha podido arañar el premio a peor película y el premio a peor actriz secundaria para Kim Basinger. Entre lo peor del año también encontramos a Tom Cruise y Mel Gibson, lo cual significa que Javier Bardem se ha quedado con las manos vacías, pese a estar nominado a peor actor secundario por ‘Mother!‘ y «Piratas del Caribe».
Bajo estas líneas podéis encontrar el «palmarés» vía Cadena Ser, destacando la divertida categoría de peor dueto, donde encontrábamos, por ejemplo, a Johnny Depp y su papel de borracho, aunque al final la ganadora ha vuelto a ser ‘The Emoji Movie’.
PEOR PELÍCULA
“Baywatch” “The Emoji Movie”
“Fifty Shades Darker”
“The Mummy”
“Transformers: The Last Knight”
PEOR ACTRIZ
Katherine Heigl, “Unforgettable”
Dakota Johnson, “Fifty Shades Darker”
Jennifer Lawrence, “Mother!” Tyler Perry, “Boo! 2: A Madea Halloween”
Emma Watson, “The Circle”
PEOR ACTOR Tom Cruise, “The Mummy”
Johnny Depp, “Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales”
Jamie Dornan, “Fifty Shades Darker”
Zac Efron, “Baywatch”
Mark Wahlberg, “Daddy’s Home 2” & “Transformers: The Last Knight”
PEOR ACTOR SECUNDARIO
Javier Bardem, “Mother!” y “Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales”
Russell Crowe, “The Mummy”
Josh Duhamel, “Transformers: The Last Knight” Mel Gibson, “Daddy’s Home 2”
Anthony Hopkins, “Collide” & “Transformers: The Last Knight”
PEOR ACTRIZ SECUNDARIA Kim Basinger, “Fifty Shades Darker”
Sofia Boutella, “The Mummy”
Laura Haddock, “Transformers: The Last Knight”
Goldie Hawn, “Snatched”
Susan Sarandon, “A Bad Moms Christmas”
PEOR DÚO EN PANTALLA
Cualquier combinación de dos personajes, dos juguetes sexuales o dos posiciones sexuales, «50 Shades Darker”
Cualquier combinación de dos humanos, dos robots o dos explosiones, “Transformers: The Last Knight” Dos emojis desagradables, “The Emoji Movie”
Johnny Depp y su interpretación de borracho, “Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales”
Tyler Perry y su peluca o vestido, “Boo! 2: A Madea Halloween”
PEOR REMAKE O SECUELA
“Baywatch”
“Boo! 2: A Madea Halloween” “Fifty Shades Darker”
“The Mummy”
“Transformers: The Last Knight”
PEOR DIRECTOR
Darren Aronofsky, “Mother!”
Michael Bay, “Transformers: The Last Knight”
James Foley, “Fifty Shades Darker”
Alex Kurtzman, “The Mummy” Anthony Leondis, “The Emoji Movie”
PEOR GUION
“Baywatch” “The Emoji Movie”
“Fifty Shades Darker”
“The Mummy”
“Transformers: The Last Knight”
Esta noche comienza la gira de Operación Triunfo, que llevará a los 16 concursantes por varios recintos de todo el país. La primera cita será en el Palau Sant Jordi de Barcelona y gracias al ensayo que se ha producido con miles de fans y medios asistentes como Vertele, ya se han conocido las canciones del setlist, casi 40 pistas con algunos de los momentos icónicos de esta edición que se vieron en el programa especial final (‘Lo malo’ de Aitana War, ‘Tu canción’, ‘Shape of You’, ‘City of Stars’…) y muchas de las que faltaron y muchos de sus seguidores reivindicaban (‘A-YO’ de Lady Gaga, ‘La bikina’). No faltarán ni ‘A quién le importa’ ni ‘La revolución sexual’ como podéis ver bajo estas líneas.
La gira también ha sido noticia porque en el backstage a algún lumbreras se le ha ocurrido poner una PlayStation en el camerino de los chicos, y en el de las chicas, no. Amaia Romero ha protestado contra esta circunstancia a través de un Instagram Stories de Ricky, indicando que ellas tenían «un espejo». «Los chicos en su camerino tienen tele con Play y nosotras no tenemos una mierda». «¿Y vosotras qué tenéis?», repreguntaba Ricky. «Un espejo, ¿se puede ser más triste?».
Os dejamos con las canciones preparadas y con el vídeo de Amaia.
Grupales
Camina
La revolución sexual
A quién le importa
I’m Still Standing
Amaia
Miedo
Shake It Out
City Of Stars – Amaia y Alfred
Con las ganas – Amaia y Aitana
Todas las flores – Amaia y Ana Guerra
Tu canción – Amaia y Alfred
Shape Of You – Amaia y Roi
Aitana
Chandelier
Issues
No puedo vivir sin ti – Aitana y Cepeda
Con las ganas – Aitana y Amaia
Lo malo – Aitana y Ana Guerra
Miriam
Invisible
What About Us
Euphoria – Miriam y Thalía
Alfred
Que nos sigan las luces
City Of Stars – Alfred y Amaia
Tu canción – Alfred y Amaia
Don’t Dream It’s Over – Alfred y Marina
Ana Guerra
La Bikina
Lo malo – Ana Guerra y Aitana
Todas las flores – Ana Guerra y Amaia
Don’t You Worry About A Thing – Ana Guerra y Mimi
Agoney
Eloise
Manos vacías – Agoney y Raoul
Symphony – Agoney y Nerea
Roi
Heaven
Shape Of You – Roi y Amaia
Nerea
Quédate conmigo
Symphony – Nerea y Agoney
Cepeda
Say You Won’t Let Go
No puedo vivir sin ti – Cepeda y Aitana
Raoul
Million Reasons
Manos vacías – Raoul y Agoney
Mireya
Ni un paso atrás
Madre tierra – Mireya y Ricky
Corre – Mireya y Juan Antonio
Ricky
Let Me Entertain You
Madre tierra – Ricky y Mireya
Marina
The Voice Within
Don’t Dream It’s Over – Marina y Alfred
Thalía
Cenizas
Euphoria – Thalía y Miriam
Juan Antonio
A puro dolor
Corre – Juan Antonio y Mireya
Mimi
A-YO
Don’t You Worry About A Thing – Mimi y Ana Guerra
1. I’m still standing – TODOS
2. Let me entertain you – RICKY
3. Todas las flores – AMAIA y ANA G.
4. ¡Corre! – MIREYA y JUAN ANTONIO
5. The voice within – MARINA
6. What about us – MÍRIAM
7. A puro dolor – JUAN ANTONIO
8. Don’t you worry ‘bout a thing – ANA y MIMI
9. Don’t dream it’s over – ALFRED y MARINA
10. Manos vacías – RAOUL y AGONEY
11. Quédate conmigo – NEREA
12. Miedo – AMAIA
13. Con las ganas – AITANA y AMAIA
14. Euphoria – THALÍA y MÍRIAM
15. Million reasons – RAOUL
16. Symphony – NEREA y AGONEY
17. Cenizas – THALIA
18. Madre tierra – RICKY y MIREYA
19. Issues – AITANA
20. No puedo vivir sin ti – AITANA y CEPEDA
21. Say you won’t let go – CEPEDA
22. Ni un paso atrás – MIREYA
23. A-YO – MIMI
24. A quién le importa – TODOS
25. Heaven – ROI
26. Shape of you – AMAIA y ROI
27. Eloise – AGONEY
28. Invisible – MÍRIAM
29. Que nos sigan las luces – ALFRED
30. Shake it out – AMAIA
31. City of stars – AMAIA y ALFRED
32. La Bikina – ANA
33. Chandelier – AITANA
34. Lo malo – ANA y AITANA
35. Camina – TODOS
36. Tu canción – AMAIA y ALFRED
37. La revolución sexual – TODOS
Es una pena que los resultados comerciales del nuevo disco de MGMT, ‘Little Dark Age‘, estén siendo tan malos, porque en muchos sentidos, el álbum recupera el espíritu pop que su música había esquivado deliberadamente desde que se acabó la promoción de ‘Time to Pretend’ y ‘Kids’, canciones ambas tradicionalmente maltratadas o ignoradas en sus giras posteriores.
Y después de ‘Congratulations’, para algunos de sus fans su cima creativa, y del curioso ‘MGMT’, el grupo ha vuelto con algunos de los sencillos más inmediatos que ha grabado. Entre ellos está ‘Me and Michael’, que se presentaba justo antes de la edición del disco, pero que por su capacidad contagiosa -se ha dejado caer un par de veces entre los virales de Spotify-, quizá debería haber llegado antes del tema titular, de ‘Hand It Over‘ y de ‘When You Die’. Además, acaban de presentarla en la tele, en el programa de Stephen Colbert, como podéis ver bajo estas líneas.
La canción se inspira en el italo disco ochentero con resultados más explosivos que el último disco de Phoenix, con el estribillo más reluciente que se recuerda a cualquiera de las dos bandas en al menos un lustro. La letra parece la culminación de todo un “bromance” que no puede dejar de recordar al himno gay de Franz Ferdinand, que de hecho también se llamaba ‘Michael’. MGMT han revelado en entrevista con la revista Q que la canción iba a llamarse “Me and my girl” pero a Andrew VanWyngarden le pareció “demasiado aburrido”, por lo que decidió cambiar a “su chica” por un chico, “Michael”.
El vídeo, en el que ya ahondamos, es la habitual fantasía de humo 100% MGMT: muestra cómo descubren esta canción, en el vídeo original de la banda filipina True Faith (guiño a New Order) y entonces, asegura la nota de prensa: “MGMT deciden grabarla como propia llevando a un éxito sin precedente a la banda, seguido de una gran caída cuando les acusan de plagio”. El final es para verlo.
Mientras la línea de guitarra referencia el indie pop ochentero de The Smiths y algunas de las voces y teclados tratados a Pet Shop Boys o Depeche Mode a finales de los 80, la letra es tan mónguer como cabría esperar: “en todas partes, estamos Michael y yo / Bombas imaginarias cayendo de las nubes / Parece que los signos de peligro no dejarán morir los sentimientos / cuando todos los mejores y los más brillantes hayan desaparecido”.
Recuperamos la sección «El físico importa» en la que destacamos ediciones físicas que merecen la pena. Christina Rosenvinge actúa hoy sábado 3 de marzo en Joy Eslava de Madrid para presentar las canciones del excelente ‘Un hombre rubio‘. La cantante ha anunciado que no habrá vinilos de ‘Un hombre rubio’ disponibles hoy a la venta en el tenderete habitual de esta sala, pues se han agotado. A falta de que El Segell decida si hace una nueva tirada de vinilos o no, no se distribuirán más. Eso significa que en algunas tiendas puede quedar alguno, lo que esté distribuido ya, pero una vez terminado ese stock, no habrá más, al menos durante una larga temporada.
Que el disco se haya agotado en apenas un par de semanas no es una sorpresa mayúscula: Christina Rosenvinge ha cuidado con muchísimo mimo la edición física de sus últimos discos tanto en su etapa en Warner como ahora en El Segell. El vinilo es de color dorado en honor al «rubio» del título de este disco en el que la artista, partiendo de un homenaje a su padre muerto, toma la postura de un hombre (rubio) para hablar de los roles de género (algo muy claro en ‘La flor entre la vía’) o para posicionarse como un «crooner» con el que siempre había soñado ser.
El vinilo incluye un libreto desplegable (en la imagen) en el que encontramos las letras y, tras ellas, una instantánea de Christina y otra de su padre. En el reverso, hay un collage entre Christina y su padre realizado por Susana Blasco sobre la foto restaurada por Jorge Rosenvinge (sí, el de ‘Jorge y yo’ de ‘La joven Dolores’, hermano de Christina). El CD a la venta aparte también incluye este encarte, si bien lógicamente en versión más reducida. Fnac.es ha estado vendiendo, solo a través de la web, discos firmados por la artista, lo que seguramente haya contribuido al éxito de este disco en formato físico, alcanzando el puesto 13 de la lista española de ventas.
Elton John ha tenido un pequeño incidente durante una actuación en Las Vegas de esta semana. Mientras interpretaba una canción de su repertorio, un seguidor se empeñó en extender su brazo para tocarle e intentar «chocar esos 5» mientras Elton tocaba el piano. Finalmente abandona el escenario cabreado, y tras volver, anuncia que no va a invitar a más gente al escenario en conciertos venideros. Si se atiende al vídeo del momento, puede leerse en sus labios cómo dice claramente «fuck off».
La canción que interpreta, ‘Saturday Night’s Alright for Fighting’, suele aparecer en su setlist hacia el final, ejerciendo de penúltima canción o, como se ve en el vídeo, de despedida antes de un bis.
Elton John, que como se apreció en los Grammy o en estas imágenes, se mueve con bastante dificultad, se encuentra realizando una residencia en Las Vegas. También ha anunciado recientemente que realizará una gira de despedida con el nombre de ‘Farewell Yellow Brick Road’, casi como ‘Goodbye Yellow Brick Road’. Este era exactamente el nombre del disco de 1973 que contenía la mencionada canción ‘Saturday Night’s Alright for Fighting’, primer sencillo de aquel álbum que también incluía la a la postre célebre por su dedicatoria a Lady Di ‘Candle in the Wind’.
La gira de despedida de Elton John incluye 95 fechas, la mayoría inmensa en Estados Unidos. 19 tendrán lugar en primavera de 2019 en Europa, de momento al menos sin parada en España.
Rick Ross ha sido hospitalizado en las proximidades de Miami tras haber sido encontrado inconsciente el jueves por la mañana, respirando con dificultad. Las razones por las que no respondía a estímulo alguno no han salido a la luz, pero según TMZ y recoge el NME, Ross está recibiendo oxigenación por membrana extracorpórea, algo que aporta apoyo cardíaco y respiratorio a alguien cuyos pulmones no están funcionando correctamente por sí mismos.
Después de que algunos medios especularan con la gravedad de su estado, su colega el rapero Fat Trel ha acudido a Instagram para contar que ha hablado con Rick Ross y que este se encuentra bien.
Rick Ross ha publicado 9 discos, 5 de los cuales han sido número 1 en Estados Unidos, el más exitoso de los cuales fue el primero, ‘Port of Miami’, editado en 2006. También es conocido por sus decenas y decenas de colaboraciones, entre ellas varias con DJ Khaled. Entre sus mayores éxitos está ‘Purple Lamborghini’ junto a Skrillex, que se posicionó en la banda sonora de ‘Escuadrón suicida’. Este año está prevista la edición de un nuevo disco suyo.
Karol G ha dado una vuelta de tuerca a ‘Sua Cara’ de Major Lazer con su voz en la versión hispana. Después, ha encadenado hit tras hit en su debut ‘Unstoppable’. Entre ellos, la colaboración con Bad Bunny ‘Ahora Me Llama’, que lleva 500 millones de reproducciones en Youtube. Karol G no descansa y prepara una edición deluxe de su álbum, estrenando este mismo viernes ‘Pineapple’, su primer adelanto.
A su paso por España para una serie de conciertos en salas, pudo atendernos unos minutos por teléfono. Y a pesar de las dificultades técnicas en la llamada, mantuvimos una interesante conversación donde con mucha amabilidad nos habló sobre lo que ha significado para ella el éxito de ‘Unstoppable’ y de colaboraciones como la reciente ‘Mi Mala’, sobre el estado actual de la música latina, la música urbana y el reggaeton, sobre la competitividad forzada entre mujeres en la industria musical, sobre el papel de ellas en la industria (y el de hombres no heteros), sobre sus próximos proyectos… y hasta sobre AitanaWar.
¿Qué tal por España? He visto que tienes conciertos estos días en algunas salas, ¿has venido también por alguna colaboración?
Mucho gusto, Pablo. Pues estoy súper feliz de estar aquí, estamos de gira de conciertos, es la tercera vez que venimos. Vamos a estar en Málaga, en Toledo, en Sevilla, y en julio volveremos y estaremos en las Islas Canarias.
Muchos se confunden a la hora de decir si alguien hace trap, música urban o reggaeton (NdE: desde algunos medios se ha dicho que La Zowi hace reggaeton, que Ms Nina y Bad Gyal son traperas…). ¿Qué consideras que es tu campo? ¿O lo son todos?
Definitivamente cantante de trap no soy (risas), solo tengo ‘Ahora Me Llama’ y ‘El Pecado’. Siento que la música urbana como tal es la evolución de la música latina, ¿me entiendes? Tú escuchas a Shakira, a Ricky Martin… y vas viendo que son artistas urbanos. Es la evolución de la música latina, y la gente la disfruta, la canta, les encanta.
En España hay mucho desprecio al reggaeton, aunque luego sea la música que más suena en las discotecas. Esto esté cambiando, y cada vez más gente dice que el machismo está en todos los géneros musicales, pero se sigue considerando un género menor, y se le califica de machista. ¿Crees que detrás de esto hay también un prejuicio de tono un poco racista hacia Latinoamérica y la música latinoamericana?
Yo siento que ya la gente se quedó en otra época. Puedo entenderlo cuando el reggaeton empezó, con esas letras tan fuertes, pero eso ha cambiado. Pasa un poco eso también con el trap. Pero no estoy de acuerdo con que la gente generalice, no se puede hablar de todo ello como algo machista, hay música urbana con muy buen contenido.
No sé si has escuchado ‘Lo Malo’…
Sí, sí, precisamente me hablaron esta semana del tema. Me encantó, me pareció buenísima la canción, y además habla de mujeres determinadas y empoderadas, y eso siempre me va a encantar a mí, ¿sabes?
«A veces parece que por hacer música urbana estemos como sentenciados: una misma temática la pones en otro género y está bien, la pones en un tema urban y ya ahí está mal»
Aunque quedó finalista para Eurovisión, que ya es un algo destacable, el argumento más repetido entre los que no la votaron fue que les gustaba para bailar pero “no era un género serio para Eurovisión”.
Sí… yo en algún momento he recibido comentarios así, sobre que la música urbana no es música seria, creo que se generaliza. Somos cada vez más artistas que… mira, yo en varias canciones tengo músicos en vivo, guitarras, pianos, me he sentado con compositores grandísimos de todo tipo de géneros para hacer música urbana. Creo que estamos en otra época. Y a veces parece que por hacer música urbana estemos como sentenciados: una misma temática la pones en otro género y está bien, la pones en un tema urban y ya ahí está mal. Es una mentalidad de algunas personas respecto a esa música que siento que ya… siento que, así como la música urbana y latina han evolucionado, esa mentalidad tiene que evolucionar. Y, respecto a ‘Lo Malo’, aunque no haya ganado, el hecho de estar entre las favoritas significa que se están abriendo puertas, y lleva a la gente también a escuchar algo más.
¿Te gustaría participar en un remix?
De ‘Lo Malo’? ¡Me encantaría! Ustedes en España tienen artistas que están viniendo muy fuerte, me encanta Beret, me encanta C. Tangana, me encanta Rosalía… y yo siento que entre artistas nos podemos ayudar, de manera que ellos me presenten un público que tienen conquistado acá, y pues yo los presente al público mío internacional, ¿me entiendes? Esas colaboraciones son siempre exitosas, y yo voy a estar disponible cien por ciento.
Mucha gente considera que mujeres haciendo canciones de alto contenido sexual, o simplemente siendo sexuales, le hacen el juego al machismo. Cuando le preguntamos por esto a Ms Nina, ella comentaba que precisamente lo feminista era poder cantar lo que quisieras, al igual que lo hace un hombre.
¡Exactamente! He tenido la oportunidad de hablar del tema con ella, somos buenas amigas y nos hemos sentado a hablar al respecto, y es exactamente lo que pienso yo. Siento que, si los hombres lo dicen, ¿nosotras por qué no lo podemos decir? Y decirlo desde el punto de vista de cómo lo sentimos nosotras. Hacía falta, y creo que el año pasado se rompió el hielo, entramos varias y se abrió una ventanita.
De hecho, uno de las cosas que comenté en la reseña de tu disco es que las canciones de tu disco cuentan distintas historias cuyo denominador común es que tú eres el sujeto, no el objeto.
Claro, es eso que comentas, al tener la oportunidad de contarlas desde nuestro punto de vista, dejamos de ser el objeto y nos convertimos en protagonistas de la situación. Y eso es muy bueno.
En ‘El Pecado’, por ejemplo, tomas un rol muy controvertido: la chica es infiel a su pareja y, además, se mete en medio de otra pareja. La cosa es que el otro chico hace lo mismo… y ahí no hay tanta controversia.
¡Ya! Aunque yo creo que empieza a verse una igualdad en ese sentido, ya no es tanto “hombres y mujeres de la industria musical”, hay cambios y cada uno dice lo que quiere decir y cada uno escucha lo que quiere escuchar.
¿Estás un poco cansada de que siempre te pregunten/preguntemos en las entrevistas por el machismo, por ser “una de las chicas que hace reggaeton”, etc?
(risas) ¡No, no! Me gusta hablar, porque entiendo que la industria no tiene muchas representantes femeninas, entonces es entendible que la gente me pregunte por eso. En todas partes nos preguntan por lo que hemos conseguido, es como “wow, cuéntanos cómo ha sido”. Pero ya te digo, no me molesta para nada, me gusta contar mi historia. Sí siento que llegará el momento en que dejen de preguntar eso y pregunten por los logros del artista en sí.
Has comentado que tu canción favorita del disco es ‘Lo Sabe Dios’. ¿Te ves en un futuro haciendo un álbum de temas más acústicos?
Pues a mí me encantaría, yo siento que soy una artista más versátil que urbana. Aunque mis canciones tienen esos golpes de reggaeton, las melodías son muy pop, las letras son muy pop, y eso siento que es lo que me ha destacado a mí. Por eso quise que ‘Lo Sabe Dios’ fuera tan básica: que se sintiera lo que yo quería decir con la letra, y que nada más me robara el show, por eso le pusimos solo guitarra. Y fue una de las canciones más descargadas, junto a ‘Ahora Me Llama’ y ‘A Ella’, o sea que la gente también está como de escuchar cosas así.
«Shakira es la reina de la versatilidad (…) Qué bueno que uno pueda llegar a ese punto donde pueda hacer todo lo que sueñe y todo lo que tiene en mente»
Ahí tienes a Shakira; aunque no es el tipo de música que más hace ahora, una de las canciones favoritas de sus fans sigue siendo ‘Inevitable’…
Bueno, y ella es que es la reina de la versatilidad, ¡si ha hecho un tango! Me parece que ella ha llegado a un punto espectacular, que todas las miras que uno tenga en la cabeza las pueda plasmar en una canción sin miedo a si va a vender o no, sino que tú lo hagas por música, porque te apasiona, y eso de alguna manera a la gente le llega. Qué bueno que uno pueda llegar a ese punto donde pueda hacer todo lo que sueñe y todo lo que tiene en mente.
Colaboraste en ‘Mi Mala’ junto a Mau y Ricky, y hace poco salió su remix. Se suele pensar que los remixes no aportan nada nuevo, pero éste tiene un videoclip propio, fichando además a Becky G, Leslie Grace y Lali. Vaya superproducción, ¿no?
Te voy a ser súper honesta: cuando me dijeron que estaban haciendo un remix, yo me esperé todo menos esto, me ha parecido espectacular. Se habla de una mala, y se quería contar nuestro punto de vista. Dejar los puntos claros desde un principio, que nosotras también somos mujeres que no la jugamos: que si queremos algo serio, queremos algo serio, y si simplemente queremos estar con una persona y ver qué pasa pues también lo podemos hacer. El resultado fue espectacular, pudimos compartir entre nosotras lo que pensábamos. Además, hay un mito en el que la gente piensa que entre mujeres es más difícil trabajar, que habrá mala actitud… pero nosotras disfrutamos impresionante del vídeo. Y, como te digo, con Becky pues somos súper buenas amigas, hemos hablado de muchos proyectos y de muchas cosas. Siento que la canción puede ser muy especial. De hecho, la primera vez que la cantamos fue aquí en Barcelona, la canción tenía pocos días de lanzamiento y yo aún no la tenía en mi show, pero la gente me la pidió, “¡Mi Mala! ¡Canta Mi Mala!”.
«Las cuatro mujeres que rompimos el año pasado el hielo en la música latina nos hemos juntado en una canción y va a ser grandísimo»
Ya me has respondido en parte, pero pensaba preguntarte si creías que se tendía más, prensa incluida, a buscar enfrentamientos entre cantantes femeninas. Es raro que se intente enfrentar a Bruno Mars y Ed Sheeran, por ejemplo, y hay mil ejemplos de lo contrario entre estrellas del pop femeninas. ¿Te ha pasado alguna vez que te hayan intentado buscar polémica con Leslie, Becky y Lali, o con alguna compañera en general?
Sí… bueno, con Becky nos tuvieron una película impresionante mucho tiempo, porque ella era Becky G, y yo Karol G. Pero te voy a ser súper honesta: yo he participado en tres proyectos femeninos, con solo mujeres en las canciones, y siempre pasa que las diferencias son más cosa de los managers y las disqueras, y por eso esos proyectos no salen. Pero ahora acabo de participar en una canción donde somos cuatro mujeres, creo que las mujeres que rompimos el año pasado el hielo en la música latina. Nos juntamos en una canción, y creo que esto va a ser algo grandísimo para las mujeres en la industria.
En una entrevista comentabas que, cuando eras pequeña, no había referentes femeninos en el reggaeton en los que fijarte y decir “yo quiero hacer eso”. Y que, en ese sentido, Ivy Queen fue para ti una inspiración.
Cien por ciento. Ella tenía una personalidad súper fuerte, y mucho criterio, salió y dijo “para este género que está en masculino, yo tengo que ir con mi criterio y pararme como un roble, que nadie se me monte encima, que nadie me empuje, que nadie me atraviese”. Eso ha sido como de las cosas más grandes que he aprendido de ella. He tenido también una inspiración muy grande por parte de otra artista que es Selena Quintanilla. Su proceso me encanta, estaba también en un género muy masculino y dedicó muchos años de trabajo hasta que empezó a funcionar. Y murió siendo una de las artistas más importantes del momento, y sus álbumes todavía son de los más vendidos, todavía se le dan premios… Siento que estamos en una industria de canciones del momento, ya no de ídolos, sino de que la gente se enamora de una canción, y conoce al artista por la canción, pero ya la gente no está tanto alrededor de los artistas como años atrás. Entonces creo que el reto más grande no es hacer una canción buena, es ser un artista completo, que la gente se enamore y le siga.
Al igual que Ivy fue para ti un referente, ¿crees que tú puedes serlo para chicas más pequeñas que te vean en la tele y decidan dedicarse a la música, y concretamente al reggaeton?
Exactamente, ya se trata también de nosotras dar un mensaje, el otro día hablaba con alguien de que aprovechando que tenemos las redes sociales, se puede usar eso para pasar a la gente un mensaje positivo. Hay artistas que lo utilizan muy mal, pero también estamos los que ponemos nuestro granito de arena para que cada vez haya más gente con inspiración.
«Sería brutal que hubiese un cantante de reggaeton abiertamente gay, me encantaría, pero siento que no va a ser pronto»
Un referente que de momento falta en el mundo del reggaeton es el de un cantante abiertamente gay o bi. J Balvin comentó en una entrevista que sería estupendo que alguno diese el paso de decirlo, como modelo a otros que quisieran dedicarse a esto. ¿Crees que dentro de poco veremos algún cantante de reggaeton abiertamente homosexual?
Sería brutal. A mí me encantaría. Pero siento que no va a ser tan pronto… porque hay todavía muchos estigmas, por lo menos en la comunidad latina. Tuvimos reciente el caso de Ricky Martin, y hubo muchísima polémica pero al final a la gente le encantó que se abriera. Pero teniendo un género tan de la calle, tan, por así decirlo, malhablado, como es la música urbana, creo que el cantante que lo sea no va a ser pronto cuando se sienta en la libertad de decirlo.
El Arenal Sound confirmó como cabeza de cartel a Bad Bunny. ¿Te veremos también a ti en algún festival por aquí?
Sí, estuvimos hablando para estar en el festival de Los 40, lo más probable es que estemos ahí. El tema de los festivales me encanta porque te abre a públicos más masivos… me encantaría empezar a ir a festivales, es un paso bastante grande.
El pasado año fue muy importante para la música latina, no solo por ‘Despacito’, lo de J Balvin es bastante fuerte también: ‘Mi Gente’ lleva mil millones de reproducciones en Youtube y tiene remix con Beyoncé, pero en absoluto es el único tema suyo con éxito. ¿Cómo ves el momento actual de la música latina, y el éxito de Balvin?
Balvin se ha encargado de que la música urbana sea vista con respeto, con altura. Ha traído nuevos sonidos, ha traído música para bailar, romántica, para dedicar, además le ha puesto un punto fashionista a la música urbana, ha participado en muchísimos eventos. Creo que él en especial, muchos artistas lo hacen, pero él en especial se ha puesto la tarea de que la música urbana sea vista como un género serio, un género de respeto.
¿Cómo te llegó la propuesta de hacer el remix de ‘Sua Cara’ de Major Lazer? (Karol ha puesto voz a la versión hispana: ‘En La Cara’)
Me hablaron para decirme que estaban buscando a quien hiciera la versión oficial de ‘Sua Cara’ en español, que habían puesto varios perfiles sobre la mesa, y el mío era el que habían elegido. Y pues cuando me lo dijeron obviamente me emocioné mucho aunque no estaba del todo confirmado. Fuimos hablando, y ahora pues tenemos la versión oficial en español, y además, dentro de la negociación que hicimos, yo participaba en esta canción, y tengo una canción de ellos que viene mía… así que todavía van a pasar cosas increíbles, viene una canción de Karol G con Major Lazer. Y bueno, esta canción salió y en el primer día tuvimos un número altísimo de streams en Spotify, a la gente le encantó esa canción que ya habían escuchado en portugués con tan buen ritmo, con tan buen sonido, con tan buenos artistas, la pudieran interpretar a español.
Enhorabuena también por tu nominación a los Billboard Latinos, además compartes categoría con Gloria Trevi, Alejandra Guzmán… y Shakira. Imagino que esto último te hará especial ilusión, al ser las dos colombianas.
¡Claro! Shakira es la artista latina más representativa que hemos tenido y, en realidad, solo estar con ella en la misma categoría es increíble. No ya aparecer en la de “artista revelación”, sino estar en “mejor artista femenina” y con ella. Es muy grande.
Vi un adelanto que estaba en tu Instagram que era de algo llamado «La Oscuridad».
Es ‘Pineapple’, es que la gente le puso ese nombre porque se dice en la canción. ‘Pineapple’ es mi nuevo sencillo. Estoy muy emocionada, la escribí con Sky y con Mau y Ricky, y Sky produce, es una canción para bailar que creo que va a gustar mucho. La canción es en español, y no se nombra ninguna piña (risas). Se llama ‘Pineapple’ pero ya, alguien dijo el nombre, me gustó y ya empecé a pensar en el concepto de la canción, que fuera un lugar lleno de piñas. Llamé a Sky y le dije: “quiero una canción que suene como a piña, como a selva”.
¿El tema se lanza de forma aislada o es un adelanto de un próximo disco?
Pues estamos preparando una edición especial de ‘Unstoppable’ donde vamos a poner ‘Pineapple’ y vamos a poner otras tres canciones que vienen, una edición deluxe del álbum.
Contra todo pronóstico -aunque los Bafta (nueve nominaciones) ya habían dado una buena pista- ‘El instante más oscuro’ se ha convertido en la cuarta película con más nominaciones en los Oscar de este año. Todo el mundo esperaba el de mejor actor principal (Gary Oldman) y el de maquillaje (la papada de Gary Oldman). Pero… ¿mejor película del año? ¿De verdad a alguien le parece ‘El instante más oscuro’ mejor que ‘The Florida Project‘, ‘Yo, Tonya‘, ‘Molly’s Game‘ o ‘Blade Runner 2049‘, por poner cuatro ejemplos de películas “oscarizables” que se han quedado fuera?
‘El instante más oscuro’ es la típica película que parece mejor de lo que es. Por cinco razones: 1) un tema importante (el dilema de Gran Bretaña de seguir luchando en solitario contra la Alemania nazi o llegar a un acuerdo de paz con Hitler), 2) una interpretación “importante” (Oldman encarnando a un Churchill a medio camino entre lo brillante y lo chanante), 3) una producción “importante” (mucho dinero y talento invertido en una ambientación de lujo), 4) una dirección “importante” (el exhibicionista Joe Wright enfatizando su discurso a golpe de plano cenital), y 5) una duración “importante” (dos horazas que se hacen más largas que a un soldado esperando en Dunkerque).
Sin embargo, debajo de tanta “importancia”, de tanto látex, sombrero Homburg, libros de historia y manierismo visual, lo que queda es una convencional mezcla de biopic y drama bélico con aroma a telefilme británico rancio. Un vehículo de afirmación nacional diseñado de principio a fin para el lucimiento del actor principal y el ensalzamiento, hasta el límite de la mitificación, del líder británico.
Todo está burdamente colocado para que la progresión dramática funcione de forma previsible: la joven secretaria (con un hermano en el frente) como representación del pueblo británico, la esposa de Churchill (una desaprovechada Kristin Scott Thomas) cuya única función es “humanizarle”, el rey como máximo antagonista que acabará trasformado en su máximo valedor, y la utilización del metro como símbolo del pueblo llano que dará lugar a una de las secuencias más tontorronas del cine reciente.
Al director le importa menos la complejidad de los asuntos políticos (mejor no compararla con ‘Los archivos del Pentágono’, el “thriller de despachos” del año) que su divulgación simplista y estilosa, la hagiografía de un símbolo nacional que el relato de ese “instante más oscuro”. La película da vueltas y más vueltas durante dos horas sobre un mismo conflicto dramático -guerra o acuerdo de paz- para acabar deslizando cuatro ideas que podría haber desarrollado en veinte minutos.
Y una última pregunta. Gary Oldman parece que tiene el Oscar en el bolsillo desde que se puso la primera capa de maquillaje. Pero, ¿de verdad su interpretación es mejor que la del impresionante Timothée Chalamet en ‘Call Me by Your Name’? 5,5.
Cuando hablábamos el pasado mes de octubre de Client Liaison, coincidiendo con su penúltima visita a la sala Razzmatazz de Barcelona –club en el que vuelven a actuar este fin de semana, el sábado 3 de marzo–, aún no estaba disponible fuera de su país, Australia, el que fuera su álbum de debut ‘Diplomatic Immunity’. Pero semanas después, a mediados de noviembre, tenía por fin edición internacional y llegaba a plataformas de streaming de todo el mundo, pudiendo al fin disfrutar de él completo y no solo de sus singles. Por eso esta visita es una buena oportunidad para reseñar el álbum: al fin y al cabo, es un disco nuevo fuera de Oceanía. Tampoco hay que temer que su sonido suene caduco porque… en realidad ya nació así.
Como ya contamos en su día, Harvey Miller y Monte Morgan podrían haber nacido (al menos artísticamente) 30 años atrás y hubieran encajado a la perfección. Sus canciones y su estética funcionan como un portal que les permite viajar (y, de paso, nos llevan con ellos) en un limbo temporal entre los años 82 al 90, aproximadamente. Y sonar indistintamente a italodisco, Duran Duran, Modern Talking, INXS –no sorprende lo más mínimo que hayan rehecho ‘Need You Tonight‘–, o ABC con total descaro. No es nada nuevo: proyectos tan distintos como Chromeo, Cut Copy, The 1975 o Alex Cameron lo hacen también y sus nombres también sirven para enmarcar este debut, si resultan más familiares.
Sin embargo, Client Liaison llevan su propuesta un paso más allá y lo convierten en una experiencia retro total: no solo sus portadas, su web y ellos mismos parecen como recién aterrizados en un Delorean, sino que llevan su apuesta estética hasta las últimas consecuencias. Incluso en sus letras, repletas de referencias a yuppies ambiciosos, políticos corruptos, parafernalia de lujo, neón, asfalto, palmeras y puestas de sol, toda la parafernalia. Todo esto funciona mucho mejor, sin duda, con el apoyo de sus fantásticos clips, y sin duda las canciones que cuentan con uno llevan ventaja: ‘World of Our Love’ –co-producida por Flight Facilities–, ‘Off White Limousine’ –con coros de Mr. Hudson–, ‘A Foreign Affair’ –con feat. de Tina Arena, una estrella infantil australiana en los 80; hasta en esto hilan fino– y ‘Wild Life’ cuentan con ese plus y se nota.
Pero ‘Diplomatic Immunity’ es un buen disco incluso más allá de su ingenioso universo estético porque, superada la primera mitad del disco, en la que se acumulan sus inapelables singles, aún encontramos canciones capaces de mantener el interés cuando el tufo a laca y el picor de las hombreras comienzan a resultar cansinos. La muy Human League ‘Where Do We Belong’ –con Miami Horror–, la elegante ‘Electric Eyes’ y la housera ‘Do It My Way’ son lo suficientemente frescas como para que no se desmorone el atrezzo de cartón-piedra. Habrá quien les acuse de abusar de la nostalgia, pero personalmente veo en Client Liaison, en su teatralidad y en este debut cierta vocación didáctica, casi museística. Además de un gran divertimento, obviamente.
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘A Foreign Affair’, ‘Off White Limousine’, ‘World of Our Love’, ‘Where Do We Belong’ Te gustará si te gustan: Cut Copy o Duran Duran, The 1975 o INXS, The Human League o Flight Facilities Escúchalo: Spotify.
Esta imagen tan propia de Harry Styles es la portada de ‘Sanctify’, el nuevo single de Years & Years, que llega la semana que viene. Y no el viernes, día de lanzamientos, sino dos días antes, el 7 de marzo. Será el primer avance del “difícil segundo álbum” de Years & Years, como el mismo grupo bromea en Twitter.
Como es evidente, el grupo de Olly Alexander seguirá en ‘Sanctify’ utilizando terminología religiosa, como ya mostraba el título de su debut, ‘Communion‘, o una de sus pistas, ‘Worship’. El tema es co-autoría Kid Harpoon, quien ya trabajara con Years & Years en ‘Desire’, ‘Take Shelter’, ‘Worship’ y ‘Meteorite’, la canción del trío británico para ‘Bridget Jones’s Baby’.
Esta vez, sin embargo, y como puede verse en los avances visuales compartidos por el grupo en las redes sociales, el nuevo disco de Years & Years tendrá un componente interestelar. Por cierto, parece que se titulará ‘Sanctioned Humans’, como reconocerán los fans del grupo registrados en su app de noticias.