Parece que ahora sí que sí, Charli xcx ha dado con la tecla justa entre libertad creativa y accesibilidad pop. Lo ha intentado muchas veces, pero esta es la definitiva: tanto la crítica internacional como la respuesta comercial a ‘brat‘ está siendo impresionante. Con 95/100 en Metacritic, y 4 semanas ya aseguradas en el top 5 británico, la artista entrega uno de los discos del año, y también el que posiblemente sea su mayor éxito comercial. Un dato: de manera insólita, ‘brat’ pasa una 3ª consecutiva en el top 10 del Billboard 200, exactamente se mantiene en el nº9. Y recordemos que no solo hace hyper pop, además, es una artista británica, no americana.
En el nuevo capítulo de Revelación o Timo, nos preguntamos en compañía de nuestro colaborador Fernando García, si ‘brat’ es realmente el mejor disco de Charli xcx o solamente es el que mejor márketing ha tenido. Porque la calidad de producciones como ‘365’, ‘b2b’ o ‘Von Dutch’ es incuestionable, pero todo cuenta y los memes, el modo en que se ha relanzado el disco con bonus tracks o un remix con Lorde, o incluso toda la discografía de Charli xcx con nuevas portadas, está siendo magistral. Parece que después de que la artista fuera a abandonar Warner, al renovar el contrato, ha caído al fin en las manos adecuadas.
Claudio nos explica cómo la cantante escogió el color de la portada verde, eligiendo entre varias tonalidades y nos da una posible explicación sobre por qué ahora sí… pero hace varios discos, no, cuando aquellos eran igual de buenos o casi: «Charli xcx lleva en el futuro desde hace 10 años y al fin el futuro la ha alcanzado».
Por su parte, Fernando nos habla de su conflicto interno por no ser famosa, que ha impregnado sus letras desde hace unos años, o incluso de sus desencuentros con la fama y la comercialidad. ¿Por qué Charli xcx no tiene en tan buena estima grandes éxitos suyos como ‘Boom Clap’, ‘I Love It’ con Icona Pop o algunos de sus discos?: «En ‘Sucker’ estaba intentando ser alguien que no es. Por mucho que pueda estar bien, es el que peor ha envejecido. Tenía sus temazos, pero se ha dado cuenta de que a ella no le interesa hacer eso (pop comercial). Y lo ha intentado más tarde con ‘Crash’, e igual se ha dado cuenta de que tampoco».
En una primera parte del podcast recordamos lo fructífero que ha sido 2024, de Beyoncé a Billie Eilish pasando por Adrianne Lenker o Julia Holter; y en una última parte y después de hablar de ‘brat’, repasamos toda la discografía de Charli xcx. Si os gusta nuestro podcast, recordad que este 18 de julio comentaremos ‘En la cama con Madonna’ en el Matadero de Madrid, a las 22.15 horas. Las entradas valen 5 euros.
Cindy Lee es el personaje drag queen y proyecto lo-fi de Patrick Flegel, músico canadiense que se dio a conocer hace más de una década como vocalista y guitarrista de la banda Women, disuelta en 2010. Con Cindy Lee, Flegel practica un sonido de lo-fi pop inspirado en las girl groups y cantantes melódicas de los años 60. Tanto su disco de 2020, ‘What’s Tonight to Eternity?‘, que contenía la maravillosa ‘Heavy Metal’; como el que se ha lanzado en 2024, ‘Diamond Jubilee’, han sido considerados para nominación al Polaris Music Prize, el Mercury canadiense.
Cindy Lee ha llamado la atención de crítica y público este año gracias a ‘Diamond Jubilee’ y, sobre todo, a su atípico lanzamiento, pues el disco no está disponible en ninguna plataforma de streaming. O casi ninguna, pues se puede escuchar en Youtube al completo, pero ninguna de sus canciones está disponible por separado. Aunque la mejor manera de escuchar ‘Diamond Jubilee’ es descargarlo de manera gratuita a través de esta web.
‘Diamond Jubilee’ es un trabajo mastodóntico, un disco doble que supera las dos horas de duración, compuesto por 32 cortes en los que Cindy Lee da rienda suelta a todas sus influencias, sin renunciar a la sensibilidad lo-fi que le caracteriza ni mucho menos a la dulzura de sus melodías, siempre tan inspiradas en el pop clásico. Es el Disco de la Semana.
Una buena manera de empezar por ‘Diamond Jubilee’ es su corte número 12, ‘Kingdom Come’. En este tema confluyen todas las virtudes de Cindy Lee. De la misma manera que ella, en la letra, oye «melodías del ayer», del ayer parece proceder esta canción que evoca la ternura de algunas melodías de Lesley Gore o Patsy Cline. Por otro lado, el garage de los 60 y el rock surfero de esa misma década conforman el precedente de las guitarras eléctricas llenas de fuzz y distorsión presentes en ‘Kingdom Come’. En medio del bullicio de las percusiones, un romántico arreglo de cuerdas se abre paso.
El sonido de ‘Kingdom Come’ ofrece a Cindy Lee el contexto idóneo para que en la letra exprese todas sus melancolías y anhelos. Y, con su andrógina voz y sentida interpretación, Lee consigue que frases como «quiero sentir tu voz otra vez», «no me digas que es el final» o «te echo de menos, querido amigo» toquen la fibra sensible. Puedes escuchar ‘Kingdom Come’ a partir del minuto 36.05… o directamente empezar por el disco entero.
Iván Ferreiro ha concedido una entrevista a El País en la que hablado de festivales, de masificación turística, de la relación entre fútbol y política o de la toxicidad de las redes sociales, dejando en todos los casos una serie de titulares que vale la pena subrayar. El motivo de la entrevista es la promoción de ‘Trinchera Pop‘, el último disco de Ferreiro, que el músico gallego sigue presentando en directo por todo el país. También en festivales.
De los festivales Ferreiro comenta el parecido de sus carteles, y razona que este parecido responde a una motivación económica por parte de sus organizadores, porque los festivales «no son una ONG» sino que «detrás hay señores que quieren ganar dinero igual que en El Corte Inglés o el BBVA». «Quien organiza un festival lo que quiere es vender entradas», señala el músico. «Y si ahora es Arde Bogotá quien las vende, pues quieren tenerlo en el cartel», de la misma manera que antes ocupaban este espacio «Lori Meyers, Vetusta Morla o yo mismo».
En relación a sus palabras sobre los festivales, Ferreiro compara la popularidad actual de los festivales con el fenómeno de los pisos turísticos. «Antes conocías el nombre y apellidos de quien (organizaba los festivales) y ahora igual es un fondo de inversión», comenta el autor de ‘Turnedo’. «Son los mismos que tienen los pisos turísticos y se van quedando con todo poco a poco”.
Ferreiro también comparte su opinión sobre el futbol español y, en concreto, comenta la ausencia de futbolistas que se pronuncian políticamente en España, a raíz de las recientes declaraciones de Kylian Mbappé en las que el jugador francés llamaba a los jóvenes a votar para frenar el avance de la ultraderecha en Francia. “Excepto Borja Iglesias y un par más, el resto son una pandilla de ratas que cobran su dinero y nos dicen que no podemos opinar», afirma el músico. «Salvo Iglesias, los demás cerraron la boca cuando lo de Jenni Hermoso. Tampoco dicen nada cuando juegan en Arabia”. Ferreiro asegura que el fútbol «como deporte es una cosa muy potente, porque mueve muchas emociones», pero señala que «el negocio que lo maneja es probablemente de lo peor que está pasando en este país”.
Sobre las redes sociales, Ferreiro destaca que han radicalizado especialmente a la derecha y que, gracias a ellas, «los fachas han descubierto una manera de utilizar las noticias, los medios, Telegram y de decir que nos engañan a todos”. «Creíamos que internet nos iba a liberar, pero entraron los hijos de puta», apunta. «La llegada de la ultraderecha en el mundo de las redes y de las noticias falsas ha embarrado todo de una manera muy bestia. Lo que están consiguiendo es que los que somos medio moderados no queramos ni entrar (…) Estamos sufriendo una serie de acosos desde un sitio determinado que busca que la gente se calle, que las noticias sean las que ellos quieren y se las inventan».
Kartell es uno de los nombres clave del sello parisino independiente Roche Musique, desde el año 2012 dedicado a poner el «French touch» en las pistas de baile francesas y de todo el mundo. Cualquier aficionado a este sonido estará familiarizado por ejemplo con la divertida obra de Dabeull o especialmente con la de Darius, quien cuenta con un puñado de hits multimillonarios en su haber diseñados en el estilo nu-disco que ha definido el sonido de Roche Musique desde hace más de una década.
‘All In’, ‘Lush’, ‘Pantera’ o sus remixes para Lianne La Havas, Télépopmusik o Karma Kid se encuentran entre las producciones destacadas de Kartell, quien también desde 2012 -tras la publicación de su EP ‘Riviera’- lleva viajando por todo el mundo haciendo bailar a la audiencia con una sofisticada mezcla de ritmos house, nu-disco y R&B. Observando sus recomendaciones musicales, la música que le inspira actualmente o la que le ha marcado en su juventud, esa mezcla de estilos cobra todo el sentido del mundo.
Kartell, que acaba de lanzar su álbum debut, ‘Everything is Here’, actuará junto a Darius el 6 de julio en la sala Razzmatazz de Barcelona. Las entradas siguen a la venta a un precio de 22 euros en compra anticipada y 25 euros en taquilla.
¿Cuál es tu disco favorito de todos los tiempos?
‘The Weight’ de Weval.
¿Qué canción te ha obsesionado últimamente?
‘Caramel’ de Connan Mockasin.
¿Qué canción odias con toda tu alma?
‘Seven Nation Army’ de The White Stripes.
¿Qué disco recuerdas con cariño de tu adolescencia?
‘Hold Up’ de Superfunk o ‘White Poney’ de Deftones.
¿Qué vídeo recuerdas que te impactara de joven?
No diría que me «impactó» pero tengo un recuerdo vívido de ver en mi adolescencia el videoclip de ‘Try Again’ de Aaliyah. Me parecía muy especial estéticamente.
¿Qué disco recuerdas con cariño de tu infancia?
‘2001’ de Dr. Dre fue el primer CD que compré en mi vida y recuerdo mirar la portada y el libreto sin parar de camino a casa, en éxtasis, mientras lo escuchaba.
¿Qué canción te encanta pinchar?
Un tema de mi primer disco, que salió hace unas semanas, ‘Too Much of the Same Things’ con Kurtis Wells.
¿Una canción que te da vergüenza que te guste, o no existe el guilty pleasure?
‘Hold Tight’ de Justin Bieber. No recuerdo cómo lo descubrí pero me parece un tema muy bueno, y no me da ninguna vergüenza que me guste.
¿Una canción o disco que te hicieran querer dedicarte a la música?
‘Talkie Walkie’ de Air.
¿Cuál es la parte que más te gusta de producir música?
Me encanta el momento en que todos los elementos encajan y no puedo hacer otra cosa que levantarme y bailar en el estudio.
Cuéntanos una opinión impopular sobre música que tengas.
La música dance es el género más difícil de producir.
¿Qué canción te anima antes de salir de fiesta?
‘Everybody Get Down’ de Alphonse Mouzon.
Una actuación vocal que ames.
Kenny Logins cantando ‘What a Fool to Believe’ en Redwoods en 1992. La actuación vocal de Logins, junto a la de Michael McDonald, y los arreglos en directo, son una cosa fuera de este mundo.
¿Una canción que nadie adivinaría que te gusta?
‘O Superman’ de Laurie Anderson.
Momento exacto en una canción que te dé la vida… o que te haga llorar.
‘Name of God’ de Mustafa de principio a fin. Esta canción me recuerda a la era de Elliot Smith. Le da una vuelta muy emocional al folk y al R&B.
¿Artista favorita del momento?
Ethel. Todo lo que saca tiene una producción brillante y equilibrada entre R&B, pop y electrónica. Tengo en bucle su tema ‘WANNAGO?’.
¿Un remix que te vuelva loco?
‘ADD SUV’ de Uffie, el club remix de Armand Van Helden. Este remix no envejece y en mis sesiones siempre lo peta.
Childish Gambino ha anunciado que su nuevo disco, ‘Bando Stone & the New World’, se pondrá en circulación a partir del 19 de julio. ‘Bando Stone & the New World’ es asimismo el nombre de la película que protagoniza Donald Glover en la que suena la música del disco.
‘Bando Stone & the New World’ será, por otro lado, el último proyecto que Glover firme con el alias de Childish Gambino. Hace unos meses se editaba el álbum ‘Atavista‘, la versión completa de un disco que Glover publicó inicialmente durante la pandemia.
El primer adelanto de ‘Bando Stone & the New World’ no puede estar más alejado en estilo de los mayores éxitos de Childish Gambino, como ‘Redbone’ o ‘This is America’. En ‘Lithonia’ se imponen las guitarras eléctricas y, junto a los productores Ludwig Göransson, Max Martin y Michael Uzowuru, Glover factura un tema que se sitúa a medio camino entre la balada grunge y el pop-punk.
En ‘Lithonia’ asoman dos nombres propios, por un lado, Lithonia, el nombre de un pueblo de Georgia, y Cody LaRae, posiblemente el nombre de un personaje de la película. En la letra subyace una sensación de decepción en el devenir de la vida de Cody LaRae: «Se tomó un descanso, y ahora descubre que a nadie le ha importado una mierda / Hice mi trabajo, pagué mis deudas, el amor es para tontos, porque a nadie le importa una mierda». Las guitarras se ocupan de llevar a Childish Gambino a la catarsis.
Os recordamos que Donald Glover es productor y actor de ‘Atlanta‘, una de las mejores series de la televisión estadounidense de los últimos años.
Spotify ha empezado a borrar de su plataforma la música de los artistas rusos que apoyen o hayan apoyado la guerra en Ucrania. Ya en 2022, la empresa sueca cerró su oficina de Moscú en respuesta al conflicto, anunciando que estaría fuera de funcionamiento «indefinidamente».
Después de suspender sus servicios de forma total en el país, la plataforma de streaming ahora ha comenzado a borrar los perfiles de estos artistas, eliminando completamente su colección de música. Según el Moscow Times, la banda Lyube, Grigory Leps, Oleg Gazmanov, Polina Gagarina y Shaman, entre muchos otros, estarían entre los afectados.
En un comunicado enviado al medio de Moscú, Spotify asegura que todo ha sido decidido en base a las «reglas de la plataforma»: «Tomamos acción cuando identificamos contenido que viola de manera explícita nuestras políticas de contenido o leyes locales. Al revisarlo, estos artistas cumplían con las condiciones de eliminación», termina el comunicado, sin especificar el «contenido» que infringe sus políticas.
¿Cuál es el objetivo de Peso Pluma? ¿Héroe del corrido o popstar internacional? Desde luego, en ‘ÉXODO’, su segundo largo tras alcanzar el estrellato, el mexicano cree que puede ser las dos cosas. La parte que le conecta a su lugar de nacimiento funciona, con algún altibajo. Sin embargo, se debería replantear cuántos géneros quiere abarcar en su música. Con los corridos es suficiente.
Las primeras 16 canciones de ‘ÉXODO’ se centran en el regional mexicano, pero traducido para los tiempos modernos. Normalmente, a través del lenguaje. Hassan Emilio, su nombre de nacimiento, canta «morritas montadas en la Durango y van bien cake» en la primera canción, que a su vez es la mejor de todas. ‘LA DURANGO’ es un gran tema de presentación que también podría servir como sample de trap, con su oscura instrumentación, y en el que Pluma ficha a Junior H y Eslabón Armado, con los que consiguió el hit que le colocó en el foco del mundo.
Nuestro redactor Jordi Bardají señalaba en la reseña de ‘GÉNESIS’, el primero del mexicano, lo «raro» que era que el disco abriese con la voz del artista invitado y no de Peso Pluma. En ‘ÉXODO’, esto ocurre con todas las canciones colaborativas, que no son pocas. Concretamente, solo hay 4 canciones de 24 en las que Peso Pluma es el único artista acreditado.
Estos cortes son una de cal y otra de arena. Mientras que ‘SOLICITADO’ resulta en una honesta reflexión sobre la fama y sus peligros, ‘BRUCE WAYNE’ parte del mismo lugar para acabar convirtiéndose en una broma. «Me siento Bruce Wayne porque en el Lambo ya me han visto / En las noches, como un vampiro», canta el mexicano antes de unos coros que nunca deberían haber sido grabados.
Por suerte, el resto de canciones de esta primera parte no tienen nada de malo. Es innegable que en los corridos es donde Peso Pluma se siente más a gusto, demostrando un carisma que no siempre tienen sus invitados. Aunque las progresiones de acordes y las trompetas a galope puedan resultar repetitivas según avanza el tracklist, aquí están los highlights del disco. ‘SR. SMITH’ es una pegadiza oda a la mala vida en la que Peso Pluma brilla: «Nunca llego tarde y eso que me muevo por bastantes lados». Por otro lado, si ponen ‘ROMPE LA DOMPE’ en una fiesta, seguro que la voy a bailar.
Dicho esto, las 8 canciones que siguen parecen una venganza. Peso Pluma deja los corridos a un lado y los cambia por beats cansinos de trap y reggaetón, colaboraciones por encargo y muy poco gusto. En vez de buscar la fusión dentro del regional mexicano, pudiendo encontrar algo único y de valor, Peso Pluma prefiere probar todos los palos posibles, a ver si alguno funciona. Spoiler: no. Lo único positivo es que ya puede presumir de ser el primer mexicano en tener una canción con Kanye West (‘GIMME A SECOND 2’). Bueno, tampoco es que sea muy positivo.
‘GIMME A SECOND’ parece una canción de Rich the Kid en la que Peso Pluma ha acabado sin querer. Lo peor de toda esta parte es que es imposible creerse a Peso Pluma en el papel de rapero o de estrella del pop. Mientras Cardi B está buscándose a sí misma durante su verso en ‘PUT EM IN THE FRIDGE’, Pluma rapea en el suyo: «Los ojos rojos, siempre fumo fino / De este beat soy el puto asesino». No funciona. ‘BELLAKEO’ con Anitta es un reggaetón genérico que nunca pasará a la historia y ‘TEKA’ con DJ Snake es un intento de EDM que roza lo ridículo («Va a romper la discoteca, teca, teca, teca»). Pero, Peso Pluma, ¿por qué haces esto cuando lo que no para de sonar en el club son tus corridos?
Eminem ha anunciado que su próximo y anticipado disco, ‘The Death of Slim Shady (Coup de Grâce)’, estará disponible el próximo 12 de julio. Lo ha revelado haciendo honor a su propio estilo, con el tráiler más bizarro que verás hoy.
El rapero estadounidense está regresando a sus raíces con la promoción de este próximo LP, tomando el estilo salvaje y de cómic de sus primeros lanzamientos. Será su primer disco desde ‘Music to Be Murdered By’ en 2020. Además, ha publicado un nuevo adelanto bajo el título de ‘Tobey’ junto a Big Sean y BabyTron.
Este single incluye un inquietante beat que parece sacado de una película de terror y a los tres raperos intercambiando versos constantemente. El título viene por la mención del actor Tobey Maguire en la letra, que interpretó a una de las versiones más queridas de Spiderman: «Tobey Maguire fue mordido por una araña, pero a mí me mordió una cabra».
El perturbador tráiler de Eminem tiene como escenario su propio nacimiento. Este comienza con una madre dando a luz en la habitación de un hospital que muchos han identificado como el mismo que salía en la promo de ‘Relapse’. Cuando el bebé sale finalmente, se activan las alarmas porque parece que ha nacido sin vida. Sin embargo, después de unas agresivas palmas en el culo, comienza a respirar. La sorpresa está cuando abre los ojos, convirtiéndose en un desagradable demonio.
Bebe Rexha ha cargado duramente contra la industria musical en una serie de mensajes en los que ha amenazado con desvelar las «verdades» que esconde el sector.
«Podría llevar abajo una BUENA parte de esta industria», ha declarado Rexha. «ESTOY frustrada. He sido MENOSPRECIADA. Llevo callada mucho tiempo. No he visto las señales a pesar de que la gente constantemente me las ha puesto delante y han sido TAN OBVIAS. Y cuando me he pronunciado he sido silenciada y CASTIGADA por esta industria. Las cosas deben cambiar o contaré TODAS mis verdades. Lo bueno, lo malo y lo feo».
Rexha, en otro hilo de mensajes, afirma que la gente no conoce «ni el cinco por ciento» de los agravios que ha vivido en la industria y ha señalado que la omisión de su nombre en los créditos de ‘Hey Mama’ le parece un «juego de niños» en comparación con el resto de injusticias por las que ha pasado.
Cuando alguien ha acusado a Rexha de pronunciarse por «márketing», a raíz de haber publicado nuevo single recientemente, Rexha ha vuelto a criticar indirectamente a la industria, asegurando que de hecho no cuenta con «presupuesto» para invertir en márketing, y ha añadido que está «HARTA». Bebe ha ratificado que la industria «CASTIGA» a quien decide pronunciarse sobre las injusticias que se viven en la industria.
En un último mensaje, Rexha aclara que no solo está «enfadada», sino también «triste»: «Estoy sentada en la habitación de mi hotel en Londres, LLORANDO sin parar. Me he sentido desesperada durante mucho tiempo». Rexha apunta que «pasear por Londres» y conocer a sus fans en persona «ha despertado» un fuego en ella, quizá el que le ha llevado a publicar sus mensajes.
Recientemente, Rexha ha cargado públicamente contra el rapero G-Eazy, su colaborador en el single ‘Me, Myself & I’, llamándole «desagradecido» y «perdedor». Y ha amenazado también con revelar la verdad sobre él: «Tienes suerte de que le gustes a la gente otra vez, porque podría detallar todas las putadas que me has hecho y cómo me has tratado después de darte tu único hit real».
Jessie Ware y Romy han matado dos pájaros de un tiro. Al mismo tiempo que desvelaban su primera colaboración en el escenario de Glastonbury, esta se ha publicado en todas las plataformas. ‘Lift You Up’ no es nada que no hayamos escuchado antes -un banger de pop-house noventero- pero eso no significa que no sea tan bailable como potente.
Producida por Stuart Price, ‘Lift You Up’ se trata de una colaboración rompepistas en toda regla, con ambas artistas británicas intercambiando versos y contribuyendo en la letra. Juntas, sus voces suenan maravillosamente, aunque la potencia de Ware supere por momentos a la de Romy. «¿Por qué pienso demasiado pero sobre nada? ¿Por qué siempre me pongo a mí contra la pared?», cantan en las primeras líneas. Incluso hay un momento meta justo antes del estribillo en el que se nombran la una a la otra.
Romy había colaborado previamente con Ware en ‘Tough Love’, contribuyendo en la composición de ‘Share It All’. Juzgando por la actuación que han regalado en Glastonbury, la química les sobra. «He sido fan de la música de Jessie desde hace mucho y ha sido increíble trabajar juntas finalmente tras tantos años de amistad», ha contado la integrante de The XX. Por otro lado, Ware ha contado que estaba «emocionada por estar en la habitación con mi amiga, ver cómo trabaja y escuchar su preciosa voz».
DELLAFUENTE ha anunciado que ofrecerá un concierto en el Santiago Bernabéu el próximo 15 de noviembre de 2024. Será el concierto más importante de su carrera. Además, será el único concierto de DELLAFUENTE de todo 2024. DELLAFUENTE es el primer artista independiente que anuncia un Bernabéu.
Siguiendo los pasos de Aitana o Lola Indigo, que también enfilan sus propios llenazos en el Bernabéu, DELLAFUENTE actuará en el Bernabéu para celebrar sus diez años de carrera y también para presentar el material de su nuevo álbum, ‘TORII YAMA‘, publicado hace un par de semanas.
El management de DELLAFUENTE informa que la «lealtad» de los seguidores de DELLAFUENTE «será recompensada» en esta nueva fecha. «Los asistentes a La Lectura de ‘Los Escritos de Torii Yama’ (celebrada el pasado 21 de mayo); así como al concierto sorpresa y gratuito del pasado 21 de junio en Granada, ante 15.000 personas, ya conocen algunas pistas sobre el evento». Por otro lado, «los más fieles tendrán privilegios relacionados con el concierto del próximo 15 de noviembre. El propio DELLAFUENTE quiere celebrar con los seguidores más leales en un día tan especial».
Del 4 al 28 de julio la plaza central de Matadero Madrid volverá a ofrecer su ciclo de proyecciones al aire libre CinePlaza. Entre los eventos confirmados se encuentra la proyección el 18 de julio de la película ‘En la cama con Madonna’ comentada por Sebas E. Alonso y Claudio M. de Prado, anfitriones del podcast Revelación o timo de JENESAISPOP. ‘En la cama con Madonna’ se proyectará a partir de las 22.15 horas. Las entradas están disponibles a un precio de 5 euros.
‘En la cama con Madonna’ es el famoso documental sobre Madonna grabado durante el Blonde Ambition Tour, que, estrenado en 1991, acercó al mundo a la intimidad de Madonna, entonces la estrella del pop más importante del mundo, décadas antes de que existieran las redes sociales.
Entre las sesiones confirmadas en el ciclo de verano de Matadero cabe mencionar, también, la proyección el día 11 de julio de la película de Marta Sánchez ‘Supernova’, comentada por Juan Sanguino. Asimismo, habrá pases de ‘Paul McCartney: Get Back’ el 5 de julio; de ‘Under the Cherry Moon’, de Prince, el 7 de julio; de ‘Buena Vista Social Club‘ el 13 de julio, o de ‘Pink Floyd: The Wall’ el 27 de julio. El 25 de julio, La Bien Querida ofrecerá un concierto tributo a Carlos Saura. Podéis consultar la agenda completa aquí.
Actualización 18 de julio: las entradas para la sesión comentada de ‘En la cama con Madonna’ se han agotado. Solo quedan un par de pases para personas en silla de ruedas.
Mad Cool Festival, que se celebra los días 10, 11, 12 y 13 de julio en el recinto de Villaverde, ha revelado sus horarios. En esta edición de Mad Cool están confirmados artistas como The Killers, Dua Lipa, Pearl Jam, Bomba Estéreo, Måneskin o Avril Lavigne.
El miércoles 10 de julio, Janelle Monáe actúa a las 19.00, Dua Lipa a las 21.30 y The Smashing Pumpkins a las 23.15. Entre los solapes de la primera jornada, Dua coincide con Sexxy Red -la rapera está programada a las 21.40- y Garbage se tapa de pleno con Nothing But Thieves, pues ambos tocan a las 20.05.
Pearl Jam es uno de los grandes reclamos del jueves 11 y el grupo está programado a las 22.40, y coincide brevemente con Bomba Estéreo, que toca a las 23.15. Los artistas que coinciden de lleno son Greta van Fleet (0.50) y Paul Kalkbrenner (0.55), si bien sospechamos que estos artistas no comparten público.
El viernes 12 quiere que coincidan partes de los conciertos de Sum 41 (23.00) y Jessie Ware (23.25) por un lado, y de Måneskin (0.35) y The Breeders por otro (1.00). Solapan al cien por cien Sleaford Mods y Alec Benjamin, ambos agendados a las 20.20.
The Killers, el grupo estrella del sábado 13, está programado a las 23.00. Solapan de lleno Arlo Parks y Nathaniel Rateliff, ambos fijados a las 19.00. The Warning (17.40) y Tyla (18.00) coinciden parcialmente. Avril Lavigne está programada a las 20.15.
Las entradas para Mad Cool Festival siguen a la venta en la web del festival.
Desde Euskadi, EZEZEZ son uno de los grandes reclamos festivaleros que han surgido últimamente en cuanto a nuevos talentos. Bilbao BBK Live, Monkey Week, o antes Arberatze EHZ Fest y Mundaka son algunos de los que han apostado por ellos. El grupo practica una mezcla de punk, psicodelia y detalles de finales de los 70 que podéis disfrutar en sus dos álbumes, especialmente en el último ‘Katuzaldia’.
El grupo es el nuevo invitado de nuestra sección Meister of the Week, comisariada por Jägermeister. Escogen hablar de funk de los años 70, aunque ojo, porque no había unanimidad en la banda sobre el tema que elegir. Responden Eneko Ajangiz (guitarra, producción) y Álvaro Olaetxea (batería, mastering), y de manera conjunta cuando no está indicado. Completan la formación el cantante y letrista Unai Madariaga y el bajista Mikel Irigoyen.
¿Por qué habéis escogido hablar de funk de los 70 en esta sección?
Básicamente porque nos gusta muchísimo la musica de aquella época, aunque en realidad cuando decimos funk de los 70 también incluimos algo de R&B, Soul… La verdad que en esa década esos géneros se mezclaban entre sí bastante y a veces cuesta definir las etiquetas claramente.
¿Cuál sería vuestro gran disco favorito de este género?
Probablemente el ‘Fresh’ de Sly & The Family Stone por ser algo más avanzado en su planteamiento musical, o el de The Meters, más instrumental pero una auténtica masterclass de cómo conseguir hacer mover tu culo con la música. La humanidad que manejan todos esos beats contrastan mucho con el panorama actual de la música: ahora todo tiende a ser perfectamente cuantizado, metronómico, robótico. Hay poca música con esa vida hoy en día, aunque todavía quedan valientes que están jugando a mezclar esos ritmos orgánicos con sonoridades y texturas más actuales. Es un poco nuestro objetivo también a la hora de afrontar las instrumentales, bebemos mucho de esa época. ¿Y la canción perfecta?
Alvaro: «Ahí podemos discutir un buen rato pero para mí ‘Super Bad’ de James Brown es un temón. Encima, bastante representativo de toda la movida, ¡ritmo sin parar y sudor!
Eneko: «‘If You Want Me to Stay’ de Sly».
¿Alguna playlist o recopilatorio que recomendéis?
Alvaro: «La recopilación 50 Aniversario de James Brown, aunque el algoritmo de spoty hace bastante buen trabajo con las listas de funk también, especialmente con listas de grupos más modernos, estilo Lettuce y así.
Eneko: «Me encanta ver vídeos en instagram de Ella Rae Feingold, toca la guitarra muy, muy bien y siempre sube vídeos de cómo tocar licks de guitarra de James Brown y artistas de la época setentera. Además, fue estudiante de Spanky Alford, máximo referente de la guitarra funk/jazz, que en paz descanse. Le podemos escuchar en discos como ‘Voodoo’ de D’Angelo o ‘The Love Movement’ de A Tribe Called Quest, ¡clasicazos!
¿Artistas como estos o Parliament… os interesan entonces sobre todo por ritmos, en canciones sueltas, de manera conceptual…?
Desde luego rítmicamente es una barbaridad lo que hacía esta peña. Hay un componente en la repetición rítmica que te envuelve y se convierte en un mantra y te mueve… y en cierta manera quedarse con esa esencia y traerla a nuestro terreno pero de otra manera mola, rítmicamente hay mucha influencia del funk en nosotros. Además, esa peña eran maestros de cómo hacer y llevar bolos. Aunque era un cabronazo como persona, James Brown daba unos bolos con una energía que ni el hardcore.
Y luego conceptualmente el hecho de que Parliament-Funkadelic y así fueran un colectivo es algo casi adelantado a su tiempo con lo que nos identificamos bastante.
Hace poco hemos dedicado un podcast a 5 obras maestras de Stevie Wonder, sobre todo de los 70. No sé si le consideraréis estrictamente «funk», ¿pero no os parece fascinante el modo en que toda la década de los 70 ha influido a artistas de hip hop como Kanye West, R&B como Frank Ocean, pero también electrónica como Daft Punk?
Bueno, ¡es que esto hay que reivindicarlo mas! Mucho se habla de los Beatles y su legado (que también) pero llevamos la tira de años en que la música ha bebido totalmente de estos artistas, siempre dándole una vuelta, pero la línea se puede trazar claramente. Sin esta década estaríamos mirando un panorama musical totalmente diferente, también en cuanto a concepto de show, esta gente desarrolló mucho el concierto como espectáculo y entretenimiento también. Es un flipe ver vídeos de esa época y ver cómo bailaban, sudaban y hacían coreografías locas todo el rato, pura energía. Y por acabar con la pregunta, también me parece lógico que peña como Daft Punk se interesara por esta época, al final electrónica y funk son en esencia música de baile, y en algún momento todos echamos la vista suficientemente para atrás y flipamos jaja.
PD: Frank Ocean es el puto!!!
En principio vuestra música es más 1º) punk 2º) psicodélica 3º) new-wave/post-punk. ¿Pero estáis al tanto de la etiqueta p-funk? ¿Os sentís ahí?
Alvaro: «¿Te refieres a la dupla de Parliament y Funkadelic no? La verdad que si lo piensas bien, hay elementos que podríamos tener en común pero no creo que nos sintamos dentro de esa etiqueta, somos mas punkis en espíritu. Aunque de esos elementos en común, sin duda hay un rollo vacilón y divertido que compartimos, me da la sensación que esa peña disfrutaba de lo que hacía un montón y eso nos une.
Eneko: «Yo a título personal creo que estoy dentrísimo de la movida P-funk. Creo que Mikel también tuvo una época de escuchar eso todo el rato. ¡Es brutal!»
¿En qué canciones podemos percibir la influencia del funk de los 70? ¿Quiza ‘Ezezez’ o ‘Marmitako’ por el punto bailable?
¡Totalmente! Ezezez es rítmicamente más simplona pero tiene ese punto de querer hacer bailar a través del ritmo 100%, repetir golpes y a bailar. ‘Marmitako’ es literalmente un ritmo de funk pero tocado con más caña, y las guitarras también tiene ese punto de mantra rítmico total. También ‘Dariokdio’ tiene también un poco de esa intención, además de un punto soulero en el beat. Al final cuando haces temas lo que tienes por ahí en el cerebro sale sí o sí, aunque te des cuenta luego de donde ha salido, jajaja.
Hay un punto a finales de los 70 en que convivieron en el tiempo también Gang of Four con Ramones con Chic con David Bowie con Talking Heads con Joy Division… ¿Aquella época de 1977 a 1980 podría ser una de vuestras favoritas de la música, por casualidad?
A ver, ¡es que vaya mezcla más guapa la de aquellos años! Tampoco creo que tengamos una época favorita que nos mole muchísimo más que el resto, pero desde luego que de esos años hay muchas bandas que nos molan, creo que compartimos el espíritu de empujar las cosas un pelín mas allá de lo establecido, sin miedo a explorar. Que en esos años que todos esos mundos musicales existieran al mismo tiempo es la hostia, y encima era todo más o menos mainstream en el momento, incluso aunque lo hayamos valorado más con el tiempo.
¿Ha sido la parte de base rítmica de EZEZEZ (bajo, batería) la que quería hablar de funk y años 70, verdad? Lo pregunto escuchando ‘Zikin’.
Posiblemente (🤜🏻🤛🏻)
¿Qué miembro era el que en esta sección quería hablar en verdad de chimpancés?
Unai, jajaja.
¿Y de Phillip Guston?
Unai otra vez (es un tipo interesante).
Otra banda vasca, We Are Standard, WAS, parecían bastante obsesionados también con aquella época. ¿Creéis que puede haber alguna conexión de algún tipo, no ya en la lengua, sino en los ritmos secos y cortantes, la sensación de agitación, etc.?
Buah, ahí tiene que haber algo cultural seguro, igual porque como en invierno llueve a muerte y hace frío queremos compensar… ¡y todo lo que suene un poco a divertido lo agarramos! También su musica siempre ha estado orientada al baile y es natural que encontremos esos puntos en común pese a ser de generaciones diferentes. En resumen, somos vascos bailongos, casi una contradiccion jajaja.
La RIAA estadounidense ha decidido certificar varios Discos de Diamante de Katy Perry de cara al lanzamiento del nuevo single de la artista, ‘Woman’s World‘. ‘Teenage Dream‘, el segundo álbum de Katy Perry, publicado en 2010, alcanza la categoría de Disco de Diamante por su distribución de 10 millones de copias en Estados Unidos, sumándose al centenar de Discos de Diamante certificados.
En comparación, ‘Prism‘ (2013) está certificado con cinco Discos de Platino, la mitad que ‘Teenage Dream’, y ‘One of the Boys‘ (2008) con tres Discos de Platino, informa Forbes. ‘Witness‘ (2017) se agencia un Disco de Oro.
Además, se han certificado dos singles de ‘Teenage Dream’ también en la categoría de Diamante, estos son, ‘Teenage Dream’ e ‘E.T.’. Con sus Discos de Diamante ha posado contenta Katy Perry en una imagen subida a redes.
Katy ya contaba con varios singles certificados con un Disco de Diamante en su haber, estos son, ‘Firework’, ‘Dark Horse’, ‘California Gurls’ y ‘Roar’. Los próximos singles de Perry que lograrán estatus de Diamante en el futuro cercano son ‘Hot N’ Cold’, que suma 8 Discos de Platino, y ‘I Kissed a Girl’ y ‘Last Friday Night (T.G.I.F.)’, que acumulan 6 Discos de Platino cada uno.
Este mismo mes de junio se ha conocido que Rihanna es la artista femenina con más Singles de Diamante en su posesión, pues acumula siete en total.
La Oreja de Van Gogh ha desmentido el rumor de una supuesta reunión con Amaia Montero para una gira de verano. En declaraciones a El Periódico de España, Pablo Benegas, guitarrista de la banda, ha aclarado que esta reunión no va a suceder. «La relación es buena, pero no tendría sentido. Tiene un punto demasiado comercial y nosotros no estamos ahí. Queremos seguir escribiendo canciones. Cada vez nos cuesta más, buscando las mejores palabras y melodías. Es nuestro principal motor”.
El rumor procedía de una información difundida por la periodista Isabel Rábago en el programa Juntos de Telemadrid de la que se habían hecho eco otros medios como La Vanguardia o Los 40 Principales.
«La gran noticia que ha podido saber este programa es que (Amaia Montero) vuelve con La Oreja de Van Gogh», declaraba Rábago en el programa. «Me parece una noticia brutal y es que no solo vuelve a reunirse con ellos de fiesta. No, va a iniciar una gira y vamos a poder disfrutar todos de ella sobre el escenario. Sobre todo de verla bien, de ver a todo el grupo respaldando. Y sobre todo lo bien que nos lo vamos a pasar este verano».
Rábago aludía a una supuesta gira de verano de La Oreja de Van Gogh con Amaia Montero. Sin embargo, La Oreja ya se encuentra realizando una gira de verano que tendrá lugar durante los meses de junio, julio y agosto. La última fecha de la gira es el 20 de septiembre, el final del verano.
La Oreja no ha publicado contenido en Twitter desde hace días, pero casualmente este pasado viernes sí. En concreto, el grupo ha subido una foto de sus cinco integrantes posando juntos antes de actuar en Valladolid, disipando los rumores de una reunión con Amaia Montero. «A minutos de salir el festival Conexión Valladolid con un ojo en el cielo porque está lloviendo. Ya se pueden apartar las nubes que nosotros salimos».
A minutos de salir el festival Conexión Valladolid con un ojo en el cielo porque está lloviendo. Ya se pueden apartar las nubes que nosotros salimos. pic.twitter.com/aTfoS1ABRT
— La Oreja de Van Gogh (@laorejadevgogh) June 28, 2024
Amaia Montero abandonó La Oreja de Van Gogh en 2007 para iniciar su carrera en solitario. En 2008 se incorporó a La Oreja Leire Martínez, su vocalista actual. Junto a Leire, La Oreja sigue de gira este verano y próximamente actúa en Río Babel compartiendo cartel con Amaral.
¿Amaia Montero regresa a La Oreja de Van Gogh? 😮
Según el programa “Juntos” de Telemadrid estaría regresando a la agrupación.
— Fanáticos Amaia Montero (@FanaticosAmaiaM) June 27, 2024
En 2023, JENESAISPOP repasó la carrera de La Oreja de Van Gogh en el podcast Revelación o timo, con motivo del 25 aniversario de ‘Dile al sol’. En la silla invitada, Esnorquel ponía en valor la discografía de La Oreja, cuyas canciones seguimos escuchando casi tres décadas después.
Los concursantes de la última edición de OT conquistan esta semana la lista de Discos España. Universal Music ha lanzado un ‘Lo Mejor De…’ de los seis finalistas de la competición, recopilando las mejores actuaciones de cada uno. De esta manera, Juanjo Bona (#1) y Martin Urrutia (#2) ocupan los dos primeros puestos. Además, Ruslana consigue colarse en el Top 4 de la lista. Vetusta Morla consiguen la mayor subida de la semana con ‘Figurantes’, que deja el puesto 46 para posicionarse en el número 5 del ranking.
La sorpresa llega con los tres exconcursantes restantes, que están más desperdigados en la clasificación. Paul Thin es el siguiente finalista en aparecer en la lista, en el número 12, cuatro puestos más arriba que la ganadora del concurso, Naiara (#16). ‘Salvaje’, con Ruslana, y ‘Tómame O Déjame’ son las dos canciones más escuchadas de la zaragozana. En el caso de Juanjo serían ‘Lo que no ves de mí’ y ‘La Vida Moderna’, con Paul Thin. En el puesto 31 entra ‘Lo Mejor De Lucas Curotto’.
Por otro lado, Gracie Abrams entra en el número 15 con ‘The Secret of Us’ y Jethro Tull, con ‘Bursting Out (The Inflated Edition)’, en el 49. En la segunda mitad de la lista entran ‘Pussy Taste’ (#54) de La Zowi, ‘Éxodo’ (#68) de Peso Pluma, el homónimo de Kygo (#77) y ‘The Rise and Fall of a Midwest Princess’ (#80) de Chappell Roan, pese a haber sido lanzado en septiembre de 2023.
Isabel Aaiún, Avril Lavigne y Cavalera Conspiracy protagonizan las últimas entradas de la lista con ‘La Potra Salvaje’ (#89), ‘Greatest Hits’ (#91) y ‘Schizophrenia’ (#93), respectivamente.
Trueno mantiene el número 1 de Singles España con ‘Real Gangsta Love’ por segunda semana consecutiva, en su cuarta semana en lista.
A las puertas del número 1 queda Karol G con su nuevo merengue, ‘Si antes te hubiera conocido‘, que entra directo en el número 2 de la lista de Singles España. Con el puesto 2 de ‘Si antes te hubiera conocido’, Karol G repite el máximo de ‘Provenza’ (2022), a la postre 7 veces platino (‘Provenza’ vuelve a entrar en lista en el puesto 99). De subir ‘Si antes te hubiera conocido’ al número 1 de Singles España, daría a Karol G su primer single número 1 en España completamente en solitario.
Completan el top 5 de la lista de Singles España ‘Potra salvaje‘ de Isabel Aaiún en el puesto 3, ‘BADGYAL’ de Saiko, JC Reyes y Dei V en el 4, y ‘La Reina’ de Lola Indigo en el 5.
La siguiente entrada en lista se produce en el puesto 44 y la firma Emilia con ‘La Playlist.MPEG’. En el 65 entra ‘WYA REMIX BLACK AND YELLOW’ de J Abdiel, Anuel AA, Blessd, Izaak y Pirlo. ‘Hay Lupita’ de Lomiiel, la siguiente entrada, se coloca en el 82.
Desmarcados de los ritmos urbanos, Beret también colocan un single en lista: el synth-pop de ‘Cupido’ debuta en el puesto 88.
A lo largo de toda su carrera, el director griego Yorgos Lanthimos ha ido elaborando un universo repleto de historias truculentas y comedias negrísimas con un estridente estilo visual. Desde que ‘Canino’ lo pusiera en el mapa internacional, y con la excepción de ‘Alps’ dos años más tarde, el cineasta ha trabajado con grandes actores de Hollywood haciendo películas exclusivamente en inglés. Sus últimos hitos, ‘La favorita’ y ‘Pobres Criaturas’, aun siendo personalísimas, eran menos extremas y acercaron su cine a una mayor audiencia.
En ‘Kinds Of Kindness’, Lanthimos se reúne por primera vez desde ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’ con su guionista de confianza, su compatriota Efthymis Filippou, en lo que parece todo un regreso a ese humor seco que poseían sus películas anteriores. Si en algún momento alguien creía que su éxito comercial lo llevaría a suavizar su estilo, el film que nos ocupa sirve como evidencia de que no tiene intención alguna de que así sea. El cineasta plantea un tríptico donde cada historia gira en torno a las peligrosas dinámicas de poder que se establecen entre sus personajes. Un tema que le ha obsesionado desde sus inicios y que ha representado a lo largo de toda su filmografía de maneras muy diversas, ya sea mediante unos hijos secuestrados por sus padres, una reina déspota, o a través de un mundo distópico donde los solteros son perseguidos y arrestados.
‘Kinds of Kindness’ orbita continuamente sobre la manipulación, dominación y sumisión, plasmadas en tres historias independientes, cuyo punto de conexión es meramente temático e interpretativo, ya que los cinco principales actores (Jesse Plemons, Emma Stone, Margaret Qualley, Hong Chau y William Dafoe) aparecen en cada una de ellas. En la primera, un hombre sometido por una figura cuasi paternal se enfrenta a las consecuencias de no obedecer a su maestro por primera vez; en la segunda, un policía espera la llegada de su mujer desaparecida, pero cuando finalmente aparece, está convencido de que no es ella; y en la tercera, una mujer y un hombre buscan a una persona con poderes divinos.
Lanthimos emplea un tono enrarecido y misterioso, así como una gran sofisticación visual, retratando esos ambientes fríos y glamourosos con poder de sugerencia. Aunque su mejor baza, esa capacidad tan característica para sorprender e impactar, también es un arma de doble filo, y algo de lo que pecan algunas de sus obras: detrás de toda esa crueldad mostrada, de esa incomodidad tan deliberada, no deja demasiado espacio para la reflexión sobre el propósito de todo ello.
En cambio, ‘Kinds of Kindness’ no parece demasiado preocupada en llevar al espectador a un lugar concreto o en generar discursos elaborados, sino que funciona como un extraño y largo viaje por varias mentes trastornadas donde no escasean momentos de pura intriga y disfrute. Muchos de ellos gracias al arrojo de sus intérpretes: Emma Stone, su actriz fetiche, vuelve a demostrar su valentía y confianza en el director griego, enfrentándose con enorme convicción a papeles complejos y exigentes muy alejados del canon de estrella hollywoodiense; y Jesse Plemons, premio al Mejor Actor en Cannes, también absolutamente magnético y magnífico.
Los tipos de bondad que propone Lanthimos no son otra cosa que pura maldad, de la misma forma que ‘Kinds of Kindness’ puede verse únicamente como una estilizada provocación. Es posible que en su mayoría lo sea, pero el cineasta, con sus enfermizas atmósferas, sabe cómo hacer que el espectador sucumba a ellas de la misma forma que sus personajes lo hacen a sus perversos opresores.
Una mala noticia y una buena sobre el nuevo disco de Camila Cabello. La mala -aunque no sorprendente- es que ‘C,XOXO’ tampoco graduará a Cabello a la siguiente liga del pop a pesar de contar con el respaldo de toda la industria. Su single principal, ‘I Luv It’, ha funcionado a modo de “buzz single”, sobre todo en redes, pero no ha producido ningún impacto en el mundo real. El siguiente single, ‘He Knows’, ha pasado completamente desapercibido a pesar de haber contado con la colaboración de Lil Nas X, de haberse enviado a radios y de haberse promocionado con un videoclip bastante chulo escrito en torno a la historia de dos amigos que se pelean por un ligue.
La buena es que ‘C,XOXO’ musicalmente tiene algo que decir al apostar por un sonido que se desvía de la fórmula. El parecido de ‘I Luv It’ con cualquier producción de Charli XCX salta a la vista, pero su estribillo rallante termina teniendo gracia. No tanto el verso murmurado del artista invitado, Playboi Carti, que parece haber improvisado su parte sin demasiado esmero.
De ‘C,XOXO’ llama la atención la claridad de sus influencias. Junto a El Guincho y Jasper Harris, sobre todo, Cabello ha facturado un sonido fresco y efervescente que se mira en la estética de ‘MOTOMAMI’, ‘Caprisongs’, Frank Ocean y otras formas urbanas actuales. La secuencia de ‘C,XOXO’ pretende ser igual de libre y “rebelde” saltando de un estilo a otro sin demasiada reflexión, y el diseño sonoro renuncia deliberadamente a la pulcritud típica del pop optando por un estilo -engañosamente- maquetero que juega con la disonancia y el feísmo en puntos concretos. Por ejemplo, en el piano de ‘Chanel No. 5’ o en los teclados desafinados de ‘June Gloom’. A los interludios -5 en total- parece darles igual si aportan algo o no.
El concepto tipo diario, de ideas esbozadas, de ‘C,XOXO’ juega a favor de Camila a veces y otras no. El exuberante inicio del disco, en especial ‘He Knows’, que coquetea con el house sudafricano incorporando un mareante sample de Ojerime, llevándonos a las calurosas noches de Miami en las que Camila se inspira, da paso a una inesperada -y muy bonita- balada acústica, ‘Twentysomethings’, y este cambio abrupto de estilo es un acierto. Y más acierto es que la siguiente canción sea una deconstrucción twerk llamada ‘Dade County Dreaming’ que pone a City Girls en el papel de escandalosas anfitrionas.
Pero la “rebeldía” de Camila -ella ha usado esta palabra- puede salirse de madre cuando Cabello termina pareciendo la artista invitada en su propio disco. En el jaleo de ‘Dade County Dreaming’ sus propias invitadas le comen la tostada, y tiene delito que Drake no solo aparezca en la disfrutona ‘Hot Uptown’, sino que también se quede un interludio completamente él solo. Las colaboraciones de ‘C,XOXO’ funcionan de manera individual, pero, en el contexto del álbum, hacen que Camila se pierda en la multitud.
Si la personalidad de Camila fuera arrolladora, si ella fuera realmente una “chica mona con la mente perversa”, como canta en ‘Chanel No. 5’, la autora de ‘Familia’ habría sabido orquestar el talento de todos estos artistas en torno a su figura, pero en ‘C,XOXO’ termina pareciendo una colaboradora más. En el interludio ‘pink xoxo’, de hecho, se nota más la firma de PinkPantheress que la suya. En ‘Chanel No. 5’ la influencia de Frank Ocean es evidente en forma y fondo. Claro que Ocean no habría rimado “origami” con “Murakami” y “wabi-sabi” como hace Camila en la letra.
Porque en el mundo de ‘C,XOXO’, Camila es una “experta de la pista de baile”, una “Barbie de Miami” y una “chica cubana con las uñas hechas”. Puede que las canciones de ‘C,XOXO’ no transmitan una personalidad abrumadora, pero a Camila se la nota en su salsa jugando a ser todos estos personajes, y se la percibe igual de conectada consigo misma cuando se pone guatequera (‘Dream-Girls’) como cuando pone el dedo en la llaga de su propia vulnerabilidad (‘Twentysomethings’).
‘Dream-Girls’, una bailonga aunque olvidable adaptación reguetonera de ‘Shawty is a 10’ de The-Dream, y el latin house de ‘Pretty When I Cry’, ponen la nota (más o menos) bailable en un disco que se reserva su mayor destello de genialidad para el final: la preciosa balada ‘B.O.A.T.’ samplea ‘Hotel Room Service’ de Pitbull aunque jamás lo hubieras adivinado. Al transformar un hit dosmilero en un distante recuerdo del pasado, Camila y sus productores demuestran que, cuando quieren, pueden ir muy lejos. En ‘C,XOXO’ la propia visión de Camila no va más allá, pero, en el camino, ella, sus productores y sus artistas invitados no olvidan hacerte pasar un buen rato.
Anastacia ha anunciado tres fechas en España en 2025 como parte de su gira ‘Not That Kind‘, con la que celebra el 25 aniversario de su álbum debut, publicado en 1999. Es el disco que contenía uno de sus mayores éxitos históricos, ‘I’m Outta Love’.
La gira ‘Not That Kind’ de Anastacia pasará por tres ciudades españolas en la primavera del año que viene. Anastacia actuará los días 12 y 13 de marzo en el Paral·el 62 de Barcelona, el 15 de marzo en el Palacio Municipal de IFEMA de Madrid, y el 16 de marzo en el Auditorio Mar de Vigo. Las entradas se ponen a la venta el 5 de julio a las 10.00 horas.
Aunque Anastacia repasará en la gira ‘Not That Kind’ el material de su primer disco, ella ha seguido publicando nuevos trabajos y, en 2023, editó ‘Our Songs’, un disco de versiones de canciones de rock alemán. Scorpions o Tokio Hotel se encontraban entre los grupos versionados.
LISA continúa con su carrera en solitario al margen de BLACKPINK, cuyo último disco, ‘Born Pink‘, se editó en 2022. El nuevo single de LISA se titula ‘ROCKSTAR’ y su éxito ha sido inmediato: el tema ha entrado directo en el puesto 8 de la clasificación global de Spotify, actualmente se mantiene en torno al top 20; y sus visualizaciones en Youtube superan los 50 millones en solo tres días.
Entre los países en los que ‘ROCKSTAR’ ocupa el número 1 de Spotify se encuentra Tailandia, de donde LISA es originaria. Precisamente, el videoclip de ‘ROCKSTAR’ se ha rodado en Bangkok y es tan espectacular como esperas.
‘ROCKSTAR’ es otro de esos temas de LISA dominados por una producción musical explosiva y llenas de cambios de ritmo. La atareada base hip-hop da lugar, al final de cada estribillo, a un breve segmento de teclados que evocan un sonido gótico. La parte final de ‘ROCKSTAR’ hasta parece inspirarse en la balada rock clásica. En todo caso, ‘ROCKSTAR’ ofrece el típico cóctel de estilos típico de nuestro tiempo. Por su parte, LISA ofrece un gancho irresistible en el estribillo: «Make your favorite singer wanna rap, baby, la la/ ‘Lisa, can you teach me Japanese?’ I said, ‘Hai hai’» promete convertirse en una frase icónica de su discografía.
Una nueva gala de los BET Awards se ha celebrado esta noche en Los Ángeles dejando un claro perdedor: Drake competía con siete nominaciones y se ha ido de vacío. Tampoco han tenido suerte Doja Cat o Megan Thee Stallion, quien ha abierto la ceremonia tras la cancelación de Normani debido a una lesión.
El ganador de la noche -por mencionar alguno- ha sido Usher, que no solo ha recibido el premio honorífico por toda su carrera, sino que también ha ganado en la categoría de Mejor artista de R&B/pop masculino por quinta vez. Este año, Usher ha actuado en el intermedio de la Super Bowl, pero a los BET Awards solo ha acudido para recoger sus premios.
Beyoncé ha ganado el llamado «viewer’s choice award» (premio del espectador) gracias a ‘Texas Hold ‘Em’, pero tampoco se ha personado en la gala para promocionar ‘Cowboy Carter‘. En su lugar, dos artistas que colaboran en el álbum, Shaboozey y Tanner Adell, han actuado. Especialmente el primero vive el pelotazo de su vida gracias al éxito de ‘A Bar Song (Tipsy)’.
Killer Mike ha protagonizado una de las sorpresas de la noche ganando el premio a Disco del año por el decepcionante ‘MICHAEL‘. Otros artistas galardonados han sido SZA o Nicki Minaj.
Aunque para sorpresa la que ha dado Will Smith volviendo a subirse a un escenario para interpretar su nuevo single, ‘You Can Make It’, junto al coro de Sunday Service. Entre los performers de los BET Awards han destacado también Ms. Lauryn Hill, que ha cantado con su hijo, YG Marley; Ice Spice, Tyla y el homenaje a Usher de Teyana Taylor, Victoria Monét, Coco Jones, Chlöe y Keke Palmer, entre otros.
Shania Twain ha sido uno de los grandes reclamos del domingo en Glastonbury. El concierto de Shania ha recibido críticas encontradas debido al debilitado estado de su voz, afectada por la enfermedad de Lyme que padece desde 2003. Quienes ven el vaso medio lleno destacan que, por lo menos, Shania cante en directo y no dependa demasiado de pregrabados.
A SZA le han llovido críticas por dos razones. Por un lado, algunos asistentes aseguran que su concierto no ha estado en absoluto abarrotado debido a que SZA es mucho menos conocida en Reino Unido que en Estados Unidos. Por otro, otras voces críticas aseguran que su set ha estado plagado de problemas técnicos. Ella ha sorprendido a la audiencia cantando una versión de ‘Kiss’ de Prince.
Otra dosis de nostalgia el domingo en Glastonbury la ha traído Avril Lavigne. Especialmente celebrada ha sido su interpretación de ‘Sk8ter Boy’. No ha sido el único icono de los 2000 que se ha dado un baño de masas en Glastonbury 2024: Keane también ha sido uno de los grupos confirmados en el cartel. ‘Somewhere Only We Know’ es evidentemente un clásico del pop británico.
Peggy Gou ha sorprendido a la audiencia de Glastonbury sacando a Sophie Ellis-Bextor al escenario para una actuación de ‘Murder On the Dancefloor’.
El sábado en Glastonbury, Jessie Ware ha estrenado su nuevo single con Romy, ‘Lift You Up’. Parece que Ware seguirá pegada a la pista de baile en su próximo disco, pues ‘Lift You Up’ no se anda por las ramas apostando por el sonido de pop-house que triunfaba en los noventa. En un momento inicial parece que ‘Lift You Up’ tomará el sendero de Everything but the Girl, pero finalmente se asienta en un sonido más básico y efectivo.
En su headlining show, Coldplay ha vuelto a sacar al escenario al actor Michael J. Fox, como ya hiciera en 2016 en Nueva Jersey. Chris Martin se ha referido a Fox como su «héroe» señalando que Coldplay no existiría sin ‘Regreso al futuro’. El concierto de Coldplay ha contado con dos invitadas musicales de la talla de Little Simz, que ha aparecido en la inédita ‘We Pray’, y Laura Mvula, que ha cantado coros en ‘Violet Hill’. El repertorio se ha cerrado con ‘feelslikeimfallinginlove’, nuevo single de Coldplay.
Los problemas técnicos han asediado el esperado concierto de Cyndi Lauper en Glastonbury. Como informa BBC, la voz de Cyndi a duras penas se ha podido oír en las primeras canciones del set. Algunos asistentes han lamentado que Cyndi ha cantado a destiempo, ha desafinado o directamente no se la ha oído.
Con su nuevo disco, ‘C,XOXO’, recién salido, Camila Cabello ha ofrecido otro de los sets más esperados del sábado en Glastonbury. Al contrario que Dua Lipa, Camila sí ha mimado su nuevo disco en directo, tocando la mayoría de sus cortes. Aunque no han faltado en el repertorio de Cabello sus mayores éxitos, como ‘Havana’.
Glastonbury ha abierto sus puertas este viernes en Worthy Farm con la actuación de uno de sus principales reclamos, Dua Lipa. En su primer concierto en Glastonbury como cabeza de cartel, Dua Lipa ha dado una sorpresa al público invitando al escenario a Kevin Parker, es decir, Tame Impala, uno de los productores de ‘Radical Optimism‘. Juntos, Lipa y Parker han cantado ‘The Less I Know the Better’, el clásico de ‘Currents’ (2015) de Tame Impala, y Parker ha aparecido en el escenario también para tocar la guitarra eléctrica en ‘Houdini’, tema que ha marcado el gran final del concierto.
Otro cameo destacado en Glastonbury lo ha protagonizado Damon Albarn apareciendo en el concierto de Bombay Bicycle Club. Juntos han cantado ‘Heaven’ y ‘Tender’. Sobre todo, Albarn ha aprovechado su paso por Glastonbury para hablar de Palestina. Ha preguntado al público: «¿Sois pro-Palestina? ¿Os parece que esta es una guerra justa?» Además, ha llamado al voto en las elecciones generales de Reino Unido del 4 de julio, y ha denunciado que «quizá es momento de que dejemos de poner a octogenarios en el control del mundo».
El asunto de la guerra ha estado también presente en la performance que la artista serbia Marina Abramovic ha realizado justo antes del concierto de PJ Harvey. Vestida del símbolo de la paz, Abramovic ha ofrecido un discurso seguido por siete minutos de silencio. En su discurso, Abramovic ha reflexionado que «la violencia solo trae más violencia» y ha llamado al mundo a seguir manifestándose y protestando.
— Far Out Magazine #Glastonbury2024 (@FarOutMag) June 28, 2024
AURORA también ha aprovechado su plataforma para denunciar la situación en Palestina, Sudán, Yemen y Congo, concretamente el sufrimiento de la población infantil en estos lugares. «Realmente me preocupa, siento que los líderes del mundo intentan jodernos una y otra vez», ha dicho mientras cantaba ‘The Seed’. «No puedo creer esta gente asquerosa que está dañando nuestro futuro». En su concierto, también, IDLES han reclamado el «alto al fuego».
aurora dedicating her glastonbury performance to the children in palestine, sudan, congo, yemen and calling out the leaders of the world for being shitty pic.twitter.com/ymLZp5yt1h
