El Rock & Roll Hall of Fame ha anunciado sus nombres aceptados de 2024. Llama la atención la entrada de nombres como Cher y Ozzy Osbourne, sobre todo por lo tardía que es. Los artistas pueden ser parte de esta institución desde que llevan 25 años de carrera, pero en este caso, ambos llevan varias décadas en activo.
En realidad, Ozzy Osbourne es parte del Rock and Roll Hall of Fame como miembro de Black Sabbath, pero para Cher, esta era la primera nominación.
El resto de aceptados son A Tribe Called Quest, Dave Matthews Band, Mary J. Blige, Kool & The Gang, Peter Frampton y Foreigner. Los artistas nominados que no han logrado el reconocimiento son Oasis, Sinéad O’Connor, Sade y Mariah Carey. A todas luces continúa luciendo como un error dar a conocer una lista ilustre de nominados y luego rechazarlos. Que se lo digan a Chic, nominados hasta 11 veces.
La ceremonia se celebrará más adelante durante este año, retransmitiéndose en la americana ABC y después subiéndose a Hulu. Los últimos aceptados en 2023 habían sido Kate Bush, Missy Elliott, Sheryl Crow, Rage Against the Machine, Willie Nelson, George Michael y The Spinners.
P!nk ha demandado a Pharrell Williams por el intento de este de registrar la marca «P.Inc». El nombre de la marca de Pharrell es extremadamente similar al de P!Nk y al de la marca registrada que lleva el nombre de la cantante, «PINK», y Alicia Moore -P!nk- quiere evitar que el nombre de la marca de Pharrell dañe su empresa.
En la demanda, a la que ha tenido acceso Rolling Stone, se indica que «la marca P.Inc de Williams es similar a la de PINK en aspecto, sonido, significado e impresión comercial». Además, se subraya que «los productos y servicios de Williams y P!nk son idénticos y/o están estrechamente relacionados», al ser ambos cantantes, y que, por tanto, es probable que «Williams comercialice y promocione sus productos a través de los mismos canales de comercio y hacia los mismos consumidores que P!nk».
La denuncia de P!Nk señala que la autora de ‘M!ssundaztood’ registró la marca «PINK» oficialmente tan pronto como en el año 2001.
Este año, P!nk sigue de gira con su concierto ‘Summer Carnival’, donde está presentando en vivo su último disco, ‘TRUSTFALL‘. Últimamente, Moore ha sido noticia por repartir en sus conciertos libros censurados.
Por su parte, Pharrell ha publicado recientemente nuevo disco en el día de su 51 cumpleaños. Aunque el lanzamiento de ‘Black Yacht Rock, Vol. 1: City of Limitless Access’ ha sido tan discreto que el disco solo se puede escuchar a través de una web.
Venturi llega a su tercer disco en estupenda forma. El grupo madrileño formado Daniel Durán (voz), Carlos Pérez (bajo), Lucas Olazabal y Jonás Batuecas (ambos guitarra y batería) se ha dado a conocer en los últimos tiempos gracias a su single ‘Darveider’, que supera el millón de escuchas en Spotify, y en ‘Comida rápida’ entrega unos cuantos hits potenciales que seguirán animando sus directos.
Y no solo sus directos. Las canciones de Venturi -y ‘Darveider’ es el ejemplo perfecto- son garajeras y sobre todo divertidas y pegadizas. Si los Strokes e Iggy Pop influyen a Venturi en algo, no es solo en el sonido de sus guitarras. Se nota que el grupo mima las composiciones y que entiende que también la rítmica de una letra bien escrita, puede ser un gancho en sí mismo.
Esto es evidente en el single ‘Fat Toni’ y en la manera en que las rimas de la letra se van sucediendo raudas y cómicas en torno a dos personajes, Toni y Sara, y a un tercero, el narrador, víctima de su engaño. En el balazo punk de ‘Quesquesé’ las referencias a un “hombre metido en un cajón”, al Everest o al ‘Quién es quién’ van despachando rimas igualmente pegadizas a pesar de -en ocasiones- rozar el absurdo.
Es un absurdo deliberado, porque las canciones de ‘Comida rápida’, si están escritas tan rápido como uno se come un kebab, no lo parece. Las de ‘Comida rápida’ son composiciones directas e inmediatas, pero no esbozadas. Todo lo contrario. Las canciones son sólidas y las melodías indelebles.
‘Ser cruel’ es un inicio excitante a más no poder, la acelerada ‘He visto que estás bien’ no puede ser más Strokes en el mejor de los sentidos; ‘La noria’, más que ídem, es una montaña rusa, y el grupo se gana a pulso escribir su propio himno “lololo” a lo Carolina Durante en ‘Te conozco bien’, otra de esas canciones “me caes muy mal” que tan bien se le da al ahora cuarteto.
Solo la electrónica ‘Safari’ no se sabe muy bien qué pinta en un disco que lleva por bandera las guitarras del punk neoyorquino de los años 70 y 80 después revitalizado en los dosmiles. Supongo que Venturi ha querido cerrar el álbum ofreciendo una textura diferente, pero aquí lo que funciona de verdad son las guitarras, la voz del frontman, Daniel, tan carismática, y las letras. ¿Comida rápida? Sí, y de la buena.
Las cinco componentes de Spice Girls se han reunido con motivo del 50º cumpleaños de Victoria Beckham. Ha sido su marido y delator David Beckham el que ha revelado la reunión en redes al subir un vídeo de las cinco artistas juntas bailando ‘Stop’, uno de los sencillos extraídos del segundo álbum de Spice Girls, ‘Spiceworld‘, publicado en 1997.
El encuentro entre Melanie C, Geri Halliwell, Melanie B, Emma Bunton y Victoria Beckham ha tenido lugar en el club privado Oswald’s de Londres. En este local, Victoria ha celebrado una fiesta a la que también han acudido celebridades como Eva Longoria o Tom Cruise.
El vídeo -que ya acumula cerca de un millón de likes- es un tesoro porque Victoria Beckham suele mantenerse alejada de las diferentes reuniones que Spice Girls ha protagonizado en los últimos años. Victoria no se perdió los Juegos Olímpicos de 2012, en el que Spice Girls ofreció el show de clausura, pero la gira de «comeback» de Spice Girls de 2019 se realizó sin ella.
El vídeo de ‘Stop’ es el noveno mejor de la historia de Spice Girls acorde con el periodista Juan Sanguino. Puedes recordar su ránking aquí.
Finalmente, os dejamos con el podcast de JENESAISPOP dedicado a Spice Girls y su legado cultural, con Sanguino en la silla invitada.
nusar3000 es otro de esos artistas que esconden su identidad tras una máscara. En su caso, tras un pasamontañas. Irónicamente, el rostro cubierto de nusar3000 se ha convertido en una de sus señas más reconocibles. Su música, sin embargo, es inclasificable. Su deconstrucción del Jersey club, el funk carioca o el hyperpop le ha llevado a firmar producciones tan chulas como las de ‘NASKAR’ -primer adelanto de su próximo disco- o ‘MOTA’ o a pinchar en festivales como el Sónar o el Primavera Sound, y su remix acelerado de ‘Despechá’ de Rosalía conquistó a la propia Vila Tobella hasta el punto de la cantante catalana lo incorporó al setlist de la gira de ‘MOTOMAMI’.
DELLAFUENTE, Judeline o AMORE se encuentran entre los artistas que también han contado con nusar3000 para llevar sus temas a otro lugar. No suenan a este mundo ‘HYUNDAI’ ni la música contenida en el mixtape de nusar3000 de 2022 ‘GOSTOSISSÍMO’.
La música latina es una de las mayores influencias de nusar3000, del funk brasileño a la cumbia. Por su trituradora de sonidos pasa también la salsa, y nusar3000 destaca las portadas de discos que este género produjo durante su apogeo en los 70 y 80. Portadas realmente locas e inolvidables de Willie Colón y/o Héctor Lavoe, juntos o en soliario, que nusar3000 rescata hoy en una nueva sección de «Meister of the Week».
¿Por qué has elegido el tema de las portadas de los discos de salsa?
Me parece el género con las portadas más bacanas. La mayoría son puro fronteo y creo que reflejan perfectamente una parte de la sociedad neoyorquina de los 70 y principios de los 80.
¿Qué tienen las portadas de este género musical que las hacen diferenciarse del resto?
Las de los discos de salsa son de las primeras portadas en las que aparecen chavales inspirando su estética en películas de gangsters como ‘El Padrino’ o ‘Los secretos de la Cosa Nostra’.
¿Cuáles son las portadas clásicas más llamativas?
Hay un montón. Algunas de las que más me gustan son de Fruko y sus Tesos, como las de ‘Fruko el Bárbaro’ y ‘Fruko El Bueno: Ayunando’. También me gusta la de ‘Sex Symbol’ de Adalberto Santiago. Willie Colón tiene algunas de las más icónicas como las de ‘Cosa Nostra’, ‘The Hustler’, ‘Lo Mato’, ‘Guisando’ o ‘La Gran Fuga’. Para promocionar este último disco, Colón difundió fotos por la calle con la imagen de la portada y el mensaje de «Se busca». Este acto promocional alcanzó tanta repercusión que hasta la propia abuela de Willie pensó que realmente el artista se encontraba en busca y captura.
¿Cuál sería tu portada favorita?
Descubrí una de Lalo Rodriguez en la que ponía ‘Ven devórame otra vez / BAILE TOTAL’ con una fotito del man en primer plano bastante chad.
Muchas portadas de discos clásicos de salsa tienen un componente kitsch: en la de ‘Indestructible’ Ray Barretto se descubre el pecho revelando que es Superman. Las del combo Willie Colón-Héctor Lavoe, como ‘The Good, the Bad and the Ugly’ o ‘Asalto navideño’, son inenarrables. Digamos que no son portadas “serias” precisamente. ¿Por qué crees que es así?
Creo que esa visión kitsch la tenemos ahora en la sociedad posmodernista irónica en la que vivimos, pero, en esa época, era diferente, era una forma de poder flexear ante otros músicos y bandas de la escena de la época en una especie de batalla por ver quién era el más duro o el más bravo.
‘Siembra’ de Willie Colón y Rubén Blades es el disco de salsa más vendido de la historia. ¿Tuvo algo que ver esa portada protagonizada por cuatro bebés?
En realidad puede deberse a que, en la época, Rubén Blades empezó a hacer una salsa mucho más social y política. En esos discos, Blades mostraba y visibilizaba los problemas que sufrían miles de familias en todo el continente de Sudamérica, y gracias a ellos hizo trascender la salsa llegando no solo a la comunidad de ascendencia latina estadounidense, si no entrando por primera vez de forma súper masiva a todas las casas de decenas de países de América del Sur. Creo que la portada refleja bastante bien el mensaje que contienen las canciones y esa siembra de un mensaje social.
Tus portadas también son coloridas y llamativas. ¿Te inspiras en las cubiertas de salsa para tus propias portadas?
Sobre todo en la portada de ‘Gostosissimo‘ creo que mamaba inconscientemente de esas portadas dosmileras de cumbia y salsa, como las de los discos de Joe Arroyo o Flor de Piedra.
Como productor de música electrónica, ¿la salsa ha tenido influencia en tu trabajo?
Muchísimo, creo que está en mi top 3 de géneros favoritos y ha marcado mi sonido desde que me hacía mis primeros recopilatorios en mi mp3 en 2012.
Algunas portadas muestran escenas en desarrollo. ¿Cuál es tu interpretación de la de ‘Cosa nuestra’ de Willie Colón?
Está inspirada en el Nueva York de los años 70. Entonces en Nueva York había montones de barrios italianos, como Little Italy en Manhattan, mientras en el Bronx convivían italianos de segunda generación con afrodescendientes y latinoamericanos. Además, el cine gangster estaba en auge gracias a películas como ‘El Padrino’ o ‘Los secretos de la Cosa Nostra’. Después, ‘Érase una vez America’ de Sergio Leone o ‘Goodfellas’ continuaron ese éxito. De ahí viene la portada de ‘Cosa nuestra’.
Portada de ‘La gran fuga’ de Willie Colón (1971)Portada de ‘Reventó’ de Héctor Lavoe (1985)Portada de ‘Indestructible’ de Ray Barretto (1972)
Portada de ‘Lo mato’ de Willie Colón y Héctor Lavoe (1973)
Héctor Lavoe ha sido una inspiración recientemente para Rosalía. ¿Qué portadas de su discografía crees han envejecido mejor?
De Héctor me molan mucho las que sacó durante la etapa con Willie Colón. La de ‘Comedia’ es súper icónica, la de ‘Vigilante’ es increíble, y la de ‘De ti depende’ me encanta también.
Una noche haciendo Shazam en un taxi descubrí ‘Déjala que siga’ de Héctor Lavoe, que es un temazo. Claro, la portada me dejó sorprendido. Sin duda, una interpretación visual del título del disco, ‘Reventó’, ¿no?
Bofff totaaal, que temazo dios. ‘¿De qué tamaño es tu amor?’ de ese disco es de mis favoritas de Héctor y la portada es literalmente yo saliendo del cascarón al descubrir esta locura de música.
¿Hoy se hacen portadas igual de curiosas o no tanto?
Supongo que cada era está dictada por diferentes estéticas y tendencias y ahora estamos buscando un poco que nuestro público sienta, al ver nuestras portadas, lo que nosotros sentíamos en los 2000 escuchando ‘Crazy Frog’. La utilización de la inteligencia artificial hace que cada vez haya más artistas que sacan portadas loquísimas que no podríamos tener si las diseñáramos nosotros mismos.
¿Qué portadas se te ocurren, hechas en el siglo XXI, que capturen la esencia de las portadas de los discos de salsa clásicos?
‘La lata’ de Supermerk2 tiene bastante esa vibe pero renovada. Y, en general, muchos de las mixtapes de Cumbia Villera creo que mantienen esa bravura y esa crudeza colorida de las portadas de discos de salsa clásicos.
No sé si os acordáis pero Beyoncé sacó disco hace unos días. El huracán Taylor Swift lo está arrasando todo pero ‘Cowboy Carter‘ continúa en rotación, ‘Texas Hold ‘Em’ sigue triunfando y siguen siendo muchos los alicientes a los que volver de este mastodóntico trabajo de casi treinta pistas. Otra obra maestra de la ambición desmedida de Beyoncé Knowles.
Entre las pistas que más han sonado se encuentra ‘II Most Wanted’, una colaboración con Miley Cyrus que ha sido elegida oficialmente para servir de tercer single del disco. ‘II Most Wanted’ ya ha alcanzado el puesto 6 de Estados Unidos y el puesto 9 de Reino Unido. Es la Canción Del Día para hoy domingo.
‘II Most Wanted’ -reciente número 1 en el top 40 de JENESAISPOP– es la pieza que une a Beyoncé y Miley en un canto al amor. Un canto que adopta la forma de balada country clásica, y que también toma prestados los acordes de ‘Landslide’ de Fleetwood Mac. Detrás de todo esto se encuentra, en el papel de compositor principal, Michael Pollack, co-autor de ‘Memories’ de Maroon 5, ‘Ghost’ de Justin Bieber o ‘Flowers’ de la misma Miley.
«Seré tu compañera de viaje hasta el día que me muera» es el lema que deja este estribillo diseñado para cantarlo con el mechero prendido en los conciertos. Y, valiéndose de la famosa imagen del aviso de «en busca y captura», Beyoncé y Miley cantan que seguirán «cometiendo locuras» mientras sean jóvenes, pues llegará un día en que «dejarán de serlo».
Aunque puede parecer también un canto a la amistad, la imagen de dos personas en «busca y captura» de ‘II Most Wanted’ ratifica el sentido romántico de la canción. En Genius se comparte la teoría de que ‘II Most Wanted’ puede estar dedicada a la madre de Jay-Z, Gloria Carter, quien salió del armario hace unos años y hoy se encuentra felizmente casada con su propia «compañera de viaje».
Dua Lipa continúa convenciendo a nuestros lectores con los singles de su tercer disco. El tercer sencillo es el tercer número 1 en JENESAISPOP para la artista. ‘Illusion’ es en total el 8º top 1 para Dua en JENESAISPOP, acercándose a los 9 de Florence + the Machine, Madonna y Lady Gaga, a los 10 de La Casa Azul y en menor medida a los 15 de Lana del Rey.
Deja además en el puesto 2 a Vampire Weekend, que suben con ‘Classical’, pero no lo suficiente. ‘Classical’ habría sido el segundo número 1 para el grupo americano en nuestra lista tras el logrado por ‘Diane Young’ hace más de 10 años.
La segunda entrada más fuerte tras Dua es la de Beth Gibbons con ‘Reaching Out’. También aparecen dos grandes canciones de pop, como son las de Fletcher y Chapell Roan.
Alfred García continúa su carrera y se encuentra preparando su tercer disco. Su participación en la edición de 2023 de Benidorm Fest ha quedado atrás en el tiempo, mientras que García ha pasado el último año publicando nuevas canciones que podrían o no formar parte de su próximo trabajo.
Una vez presentado el baladón ‘Desde que no estás’ en Benidorm Fest, Alfred García ha seguido pegando guitarrazos en ‘Corazón’ y, después, ha dado un decidido salto hacia la rumba. Ese es el sonido de ‘Els teus ulls’ y también el de su último single.
En ‘Llamas en el cielo’ las guitarras rumberas marcan el camino mientras la melodía busca el sonido coral de una canción de Morat. Eso sí, las referencias reales de ‘Llamas en el cielo’ son otras y están citadas en el mismo estribillo.
«No bajaré la luna para que juguemos» es exactamente la primera frase del estribillo de ‘Llamas en el cielo’. Parece que Alfred va a cantar directamente el coro de ‘Corazón partío’ de Alejandro Sanz, pero no. Después, la frase «seré tu soldadito marinero» es una clara cita al clásico de Fito y Fitipaldis y de si «bailamos pegados»… ya sabes de quién. A Alfred le cabe hasta una referencia propia: «seré tu canción», como la que cantó con Amaia en Eurovisión.
El sonido rumbero y nítido de ‘Llamas en el cielo’ emparenta a Alfred con otro grupo de sonido similar, Tu Otra Bonita. Desde luego, el rock bowiesco de ‘De Marte hasta el Cielo’ o la amalgama de influencias -de Bon Iver a Stevie Wonder- de su último disco, ‘1997‘, parecen quedar atrás en su discografía.
Taylor Swift ha colocado las 31 canciones de su nuevo disco, ‘The Tortured Poets Department‘, dentro del top 50 global de Spotify. Las 16 pistas del CD1 ocupan los 16 primeros puestos de la tabla de manera íntegra. Las pistas de ‘The Anthology’ figuran también en su totalidad pero dispersadas.
Aunque la verdadera noticia es qué números está haciendo Taylor Swift con este nuevo trabajo. ‘Fortnight’, el single principal, ha amasado más de 25 millones de escuchas en un solo día, un dato que la convierte en la canción más escuchada de la historia en un solo día en Spotify. Este dato supera el de ‘All I Want for Christmas is You‘ de Mariah Carey obtenido la pasada Navidad.
Los streams totales de ‘The Tortured Poets Department’ alcanzan la friolera de los 313 millones en su primer día. Taylor logra el mayor debut de un álbum en la historia de Spotify, pues las escuchas de «Poets» prácticamente multiplican por 2 las del disco que ostentaba este récord hasta ahora, su propio ‘Midnights‘, que quedó en 186 millones de streams en su día inicial. El tercer mejor debut también es de Taylor y su ‘1989 (Taylor’s Version)‘.
Por un lado, es cierto que ‘The Tortured Poets Department’ incluye el doble -o incluso el triple- de canciones que el resto de álbumes de Swift. Por otro, no dejan de ser asombrosas las escuchas de todas las canciones por separado. Además de ‘Fortnight’, ‘The Tortured Poets Department’ ha marcado 19 millones de escuchas, ‘Down Bad’ 17 millones y medio y ‘So Long, London’ 17 millones. Solo una pista 8 como ‘Florida!!!’ con Florence + the Machine ha registrado 14 millones, una cifra por la que cualquier otro artista matería. La entrada de Florence con ‘Florida!!!’ en el Billboard Hot 100 está garantizada gracias a estos números.
Pero el éxito de ‘The Tortured Poets Department’ no se va a quedar en el ámbito del streaming. Swift no ha escatimado en lanzar diferentes variaciones de la edición física tanto en formato CD como en streaming o en cinta de casete. Solo en las últimas horas se ha puesto a la venta una edición de vinilo «color fantasma» exclusiva de Target. Previamente a que se revelara la existencia de ‘The Anthology’, Swift puso en preventa cuatro vinilos conteniendo cada uno un bonus track diferente.
‘The Anthology’ no cuenta con edición física, solo digital, pero es evidente que el lanzamiento sorpresa de una versión expandida de ‘The Tortured Poets Department’ pretende impulsar las ventas del disco de manera que alcance la meta de los 2 millones de unidades despachadas en una sola semana. ‘Midnights’ se quedó en 1,6 millones y su lanzamiento es previo a la «fiebre Taylor Swift» desencadenada de la exitosa gira ‘The Eras Tour‘, que llega a España en mayo.
Es prácticamente imposible vender 2 millones de discos en los tiempos que corren, pero HITS Daily Double lo da por posible. De lograr esa cifra, ‘The Tortured Poets Department’ se convertiría en el tercer álbum mejor vendido en su primera semana de la historia de Estados Unidos, superando ‘Celebrity’ de *NSYNC, ‘The Marshall Matters LP’ de Eminem y otros álbumes publicados durante la época de apogeo del CD.
El término ‘blue lips’ tiene varios significados. Es un signo de asfixia, se usa para referirse a alguien que se ha quedado sin palabras del shock y también está relacionado con los Hoover Street Crips, la banda callejera de Los Ángeles cuyo color principal es el azul y con la que ha estado relacionado durante gran parte de su vida ScHoolboy Q. De ahí que siempre resalte la letra H en los títulos. Aunque el nombre del proyecto se relacione directamente con el pasado del rapero, en realidad ‘Blue Lips’ refleja su nuevo (y lujoso) modo de vida, que también llega con una mentalidad renovada. Es mirar al pasado para apreciar el presente.
Es el primer disco del californiano desde ‘CrasH Talk’ (2019), y casi desde ese mismo año lleva el proyecto guardado en sus archivos. La intención era lanzarlo en 2020, pero todos sabemos lo que pasó. De ahí que en el disco aparezcan frases tan mal envejecidas como “you my Kim K to my Kanye”. También es evidente en los temas compartidos con aquel proyecto: reconexión con su arte, sobriedad, paternidad… Sin embargo, mientras ‘CrasH Talk’ se sentía como un álbum menor, desde la duración hasta el enfoque, ‘Blue Lips’ es todo un blockbuster.
‘Funny Guy’ comienza el proyecto como si fuera la banda sonora de un sueño. Uno muy hedonista, compuesto de drogas, chicas y dinero, pero presentado como un mantra de vientos y coros (“Bring the dope, bring the hoes, bring the money back in”). Es un comienzo totalmente inmersivo que marca el tono de todos los cortes que se van a suceder durante el resto del disco. A lo largo de sus 56 minutos, podemos encontrar toques de psicodelia, soul y electrónica, todo sin renunciar al estilo característico que ha marcado la carrera del rapero californiano, como se refleja en la mutante y agresiva ‘Pop’ o en ‘Yeern 101’. Esta pone un pie en el futuro a nivel base, a la vez que recuerda en el pegadizo delivery a éxitos pasados como ‘Numb Numb Juice’.
Si la canción no es un banger, los cuales están aderezados con la dureza sureña del productor Kal Banx, Schoolboy Q opta por el rap introspectivo y suave, adentrándose en el mundo del jazz. Un ejemplo es ‘Blueslides’, dedicada a Mac Miller (“Lost a homeboy to the drugs, I ain’t tryna go backwards”). En casos como ‘First’ o ‘Love birds’, ambas facetas comparten espacio en la misma canción. El disco se beneficia mucho de una escucha activa por lo cambiante que es. Habrá 18 canciones, pero hay por lo menos el doble de beats.
Mientras que a la primera parte del tracklist se le puede pedir poco, la segunda no resulta tan brillante. Cortes como ‘Nunu’ o ‘Foux’ son demasiado difusos para su propio bien, mientras que otros como ‘Back n love’ simplemente no sorprenden tanto.
El contenido temático va entre el presente y el pasado, con canciones en las que Q recuerda su turbio pasado a la vez que presenta el lugar, sobre todo mental, en el que se encuentra ahora. Como dice en ‘thank god 4 me’, uno de los cortes más lujosos del LP, si se muriese ahora mismo no pasaría nada. ‘Cooties’ es un corte psicodélico a base de guitarra acústica y define exactamente este aspecto del disco: “A new celebration of this groovy better living lifestyles”. Las dos últimas canciones son el caos y la calma. El contraste definitivo de los temas del disco, compuesto por el himno anti policial de ‘Pig feet’ y la paz mental de ‘Smile’, con apenas un minuto y medio de duración. “I fell of, oh word?” entona Q, con una sonrisilla en la cara.
Nada es verdad (Veronica Raimo) El boca-oreja ha hecho que esta novela de la desconocida en España Veronica Raimo lleve ya cinco ediciones en apenas medio año. ‘Nada es verdad’ (Libros del Asteroide) es un divertidísimo retrato generacional, de iniciación (femenina), familiar (de clase media romana) y de amistad (el libro está dedicado a tres amigas), con un trasfondo tan trágico y oscuro que resulta chocante y, a la postre, singularmente atractivo. Una historia autoficcional, unas memorias fragmentarias y frágiles, repletas de humor negro, escatología y personajes excéntricos (la figura de la mamma opresiva es tremenda), narrada por la autora con una ironía inteligentísima, una irreverencia impactante y una ternura desarmante. No por casualidad, la novela acaba de ser nominada al Premio Booker Internacional. 8’5
La casa del diablo (John Darnielle) Cuando un artista que ha triunfado en una determinada disciplina decide cambiar a otra diferente, sus fans suelen levantar la ceja en señal de escepticismo. “Zapatero, a tus zapatos”, dice el viejo (viejuno) dicho. John Darnielle es conocido por ser el líder de la banda The Mountain Goats, pero ya va siendo hora de que lo sea también como novelista. De las tres novelas que ha escrito, dos se han publicado en España: su magnífico debut, ‘Lobo en la camioneta blanca’ (Contra, 2015), y la última, la extraordinaria ‘La casa del diablo’ (Aristas Martínez). True crime, casas misteriosas, adolescencia a lo Stephen King, el Pánico Satánico de los 80… Darnielle mezcla todos estos temas por medio de una estructura formal enormemente sugerente, combinando líneas narrativas y puntos de vista, para armar un relato que se interroga constantemente sobre la responsabilidad ética del escritor (y el lector) de crónica negra. Quizás le sobre un exceso de descripciones, pero lo compensa con toneladas de talento literario. 7’9
Swimming Underground (Mary Woronov) Fue una de las “chelsea girls” de Andy Warhol, la bailarina principal de la performance multimedia ‘Exploding Plastic Inevitable’ (con música de The Velvet Underground y Nico) y actriz de culto de la serie B (‘Noche silenciosa, noche sangrienta’, ‘La carrera de la muerte del año 2000’, ‘TerrorVision’). Mary Woronov entró en la Factory cuando era una estudiante de arte. Warhol le dio sus “15 minutos de fama” en uno de sus screen test (musicado en 2010 por Dean & Britta). A partir de ahí fue una habitual del círculo de Andy. En ‘Swimming Underground: Mis años en la Fábrica Warhol’ (Reservoir Books), Woronov nos sumerge en la escena contracultural neoyorquina de los sesenta. Son unas memorias de prosa lisérgica y ritmo anfetamínico (Mary se pasaba el día puesta de speed), que no solo funcionan como relato autobiográfico, jugoso anecdotario y testimonio de primera mano de un movimiento artístico y cultural único, sino también como translación literaria del espíritu underground del Nueva York de los 60. 7
La Niña de Oro (Pablo Maurette) ¿Cuándo se sabe que una novela policiaca es buena? Para mí, cuando el dibujo de los personajes está a la altura de la construcción de la trama y atmósfera. Cuántas premisas argumentales ingeniosas, situadas en ambientes llenos de sugerencias, se han echado a perder por unos personajes planos y estereotipados. Y, al contrario, cuántos personajes interesantes se quedan en nada por culpa de una trama llena de clichés, mal desarrollada y ambientada. ‘La Niña de Oro’ (Anagrama) cumple con creces esas dos condiciones. Por un lado, narra una historia criminal apasionante, llena de estimulantes reflexiones sobre el trabajo policial, situada en una Buenos Aires sombría, en la que se mezclan brujería, albinismo, manipulación genética, prostitución masculina… Y, por otro, está protagonizada por unos personajes fabulosos (a destacar la protagonista, una secretaria judicial a punto de irse de vacaciones) cuyas relaciones dan lugar a unos diálogos fantásticos. 8
La seca (Txani Rodriguez) ‘La seca’ (Seix Barral) transita por los territorios geográficos, ideológicos y emocionales de películas como ‘Alcarràs’, ‘As bestas’ y, sobre todo, de la menos conocida ‘Suro’. Como en esta última, la labor de extracción de corcho de los alcornocales tiene mucha relevancia dramática. Txani Rodriguez, alavesa hija de corcheros andaluces, narra una historia de conflictos sociales, dilemas ecológicos y relaciones maternofiliales situada en un pueblo gaditano del Parque Natural de Los Alcornocales. La “seca” del título es una enfermedad que afecta a los alcornoques por falta de agua, pero también funciona como metáfora del carácter “seco” de la amargada protagonista; una mujer vasca, trasunto de la escritora, que vuelve al pueblo de su infancia con su madre. Narrada con una prosa exquisita, la novela descorcha varios temas de actualidad relacionados con las tensiones campo-ciudad, sin maniqueísmos y con un evocador lirismo. 7
El segundo fin de semana de Coachella ya se está celebrando en Indio, California con exactamente el mismo line-up. Os recordamos que el festival se está transmitiendo por Youtube.
Lana Del Rey ha sido cabeza de cartel del viernes y ha vuelto a dar una sorpresa a su público invitando a una artista a su escenario. Después de cantar con Billie Eilish en el primero de sus dos conciertos en Coachella, Lana ha recibido a Camila Cabello.
Camila ha irrumpido en el set de Lana Del Rey en Coachella para presentar en directo -por primera vez- su nuevo single, ‘I LUV IT’. Camila ha cantado el tema y bailado la coreografía del videoclip, y Lana la ha acompañado desde el balcón instalado en su escenario. Después, Lana y Camila se han juntado y ambas se han dado una vuelta cogidas por la cintura.
Al final, Lana ha cantado un trozo de ‘I LUV IT’ a capela y ha despedido a Camila declarando que la quiere y que «ama a muerte» su canción.
Recientemente, Lana ha revelado que su tour mánager la dejó tirada semanas antes de que la cantante ofreciera el primero de sus dos shows en Coachella.
Taylor Swift ha estrenado el videoclip de ‘Fortnight’, single principal de su nuevo disco, ‘The Tortured Poets Department‘. ‘Fortnight’ abre el álbum -que ha resultado ser doble- con la aparición a los coros de Post Malone, quien también aparece en el videoclip del tema.
¿Cómo es posible que una canción con una letra tan desquiciada pueda ser tan delicada y bonita al mismo tiempo? Quizá porque frases como «te quiero, estás arruinando mi vida» buscan esa dicotomía a la vez que logran ser inmediatamente memorables.
‘Fortnight’ es una buena representación de lo que encontramos en el resto del álbum. No demasiado recargada, pero lo suficientemente vibrante como para meterte de lleno en la atmósfera del disco, la canción muestra a Swift jugando con su composición y dotándola de su humor más característico («Mi marido me está engañando, quiero matarlo»).
Además, la artista encaja bien con Post Malone, que se limita a darnos la cantidad perfecta de él. Aunque ‘Fortnight’ no llega a un final culminante, la canción acaba siendo un viaje agradable de bienvenida, que es realmente su principal objetivo.
El videoclip de ‘Fortnight’ se ambiente en el clásico «manicomio» de las novelas y las películas. Taylor y Post Malone protagonizan un amor imposible en esta historia que cuenta con las apariciones de Ethan Hawke y Josh Charles, dos de los actores que aparecían en la película ‘El club de los poetas muertos’. Una película del año 1989, para más señas. Taylor dice que todo o casi todos los elementos visuales del vídeo de ‘Fortnight’ «son una metáfora o una referencia del disco».
Drake acaba de sacar su esperada «diss track», en la que responde a todos los artistas que lo habían criticado en las últimas semanas. El tema, viral en TikTok desde su filtración hace unos días, por fin ha sido publicado de forma oficial en plataformas digitales.
En el single de 2023 ‘First Person Shooter’, Drake se comparó con Michael Jackson, ya que ambos están empatados con el mayor número de top 1 en Billboard. Esto llevó a Kendrick Lamar a arremeter contra el rapero en ‘Like That’, perteneciente al primer proyecto conjunto de Metro Boomin y Future, ‘We Don’t Trust You’, donde se compara con Prince, el eterno rival de Jackson. «Prince sobrevivió a Mike Jackson», dice el artista.
Ahora, Drake responde a Lamar burlándose de su altura y de su talla de pie: «Estoy en Tokio porque soy grande en Japón / Soy el creador de éxitos del que todos dependéis / Entre bastidores, en mi ciudad, era mi zona de amigos / Nunca nos quitarás ninguna cadena / ¿Cómo coño vas a pisar fuerte con una talla siete de hombre? / Esto sí es ladrar y morder, negro, ¿qué pasa?». La portada de la canción hace referencia directa a la línea de zapatos en particular.
El resto del tema continúa con versos dirigidos a Kendrick Lamar que acentuarán todavía más la guerra actual entre los dos raperos. Independientemente de ello, sorprende que Drake haya elegido sacar música el mismo día que Taylor Swift publica ‘The Tortured Poets Department’. «Solo Taylor Swift puede hacerme sacar el disco un poco más tarde», canta en su reciente tema ‘Red Button’.
Viva Suecia acaba de dar la bienvenida a su nueva etapa. El grupo, que venía de publicar su disco ‘EL AMOR DE LA CLASE QUE SEA’ en 2022, ha publicado el single principal de su próximo proyecto discográfico, del que todavía no hay fecha de publicación ni título. ‘La Orilla’ será el tema que sirva como carta de presentación.
Lo cierto es que Viva Suecia está en un gran momento de su carrera. Los cuatro artistas que conforman el grupo han logrado que el último álbum sea disco de oro en España, así como hacer sold out en su concierto en el WiZink Center de Madrid. Además, ‘EL AMOR DE LA CLASE QUE SEA’ acumula ya más de 50 millones de reproducciones solo en Spotify, certificando los buenos datos de Viva Suecia en streaming.
La canción, envuelta en los sonidos característicos de Viva Suecia, es principalmente rock, combinando sintetizadores con guitarras. «¿Qué te dice tu cabeza cuando dices adiós o no salió como querías?», preguntan al oyente en un tema que recorre sentimientos negativos. «Me estoy ahogando cerca de la orilla y nadie mira al mar», repite el pegadizo estribillo del single.
Según un comunicado de prensa, ‘La Orilla’ «es una oda a la desesperación y la derrota, una letra potente y dura que nos muestra que no todo en la vida es un camino de rosas». Además, «trata de esos momentos de debilidad en los que más apoyo se necesita, pero no hay nadie para ayudar, una sensación de soledad y derrota ante la vida».
Alice Rohrwacher se ha convertido por méritos propios en una de las cineastas más importantes de la actualidad. La originalidad y personalidad que emanan sus obras hacen que no se parezcan a nada, por mucho que sea evidente que se nutren de la tradición cinematográfica italiana, con Fellini y Pasolini como máximas referencias. Su cine parece sacado de otro tiempo a la vez que juega con recursos postmodernos, y es, precisamente, esa atemporalidad lo que produce la sensación onírica e inmersiva de todas sus historias.
Tanto ‘El país de las maravillas’ como ‘Lazzaro Feliz’ presentaban un choque entre lo rural y lo urbano de una manera muy poco común en el cine europeo actual. El discurso sociopolítico estaba implícito en ambas, pero no era ni mucho menos el foco principal. En ‘La quimera’, Rohrwacher vuelve a retratar ese contraste de estilos de vida trasladando al espectador a un ambiente rural en unos años 80 totalmente despojados del progreso de las grandes ciudades. Allí presenta a un grupo de ladrones de tumbas etruscas, al que pertenece Arthur (Josh O’Connor), un inglés que acaba de perder a su novia, y que tiene la extraña capacidad de saber dónde cavar para encontrar los tesoros bajo tierra.
Rohrwacher propone una narrativa tan poética como, en un principio, compleja, donde la información se va revelando paulatinamente, sumergiéndonos en una experiencia casi física. Como todo su cine, ‘La quimera’ suspende el tiempo en un fascinante (neo)realismo mágico lleno de símbolos y misterios que se van abriendo al espectador como la luz de una vela en la oscuridad. La cineasta hechiza componiendo una atmósfera sensorial e hipnótica donde, además, reflexiona sobre la vida y la muerte; lo tradicional y lo contemporáneo.
Al frente de todo ello está el magnetismo de Josh O’Connor en la que es, por mucho, la mejor interpretación de su carrera. El actor compone todo un ejercicio de contención encarnando a un personaje destruido por la pérdida de su amada y desencantado con la crueldad del mundo capitalista. También, entre los muchos personajes memorables, Rohrwacher rinde un homenaje directo a su admirado Roberto Rosellini guardándole un papel a su hija, Isabella Rosellini, como la anciana suegra de Arthur.
La originalidad y lo imprevisible del relato no solamente se encuentra en el guion, sino también formalmente, donde la cineasta apuesta por alternar tres formatos analógicos diferentes. Lejos de resultar un mero capricho estético, contribuyen a la narrativa de la película, logrando esa sensación onírica y de fábula tan característica en todas sus obras.
El cine de Alice Rohrwacher, tan deudor de los clásicos y a la vez tan refrescante y moderno, sirve para recordar que las posibilidades del medio son infinitas, que la ficción siempre va a poder ofrecer mundos apasionantes y experiencias profundas. ‘La quimera’ es una de ellas: un tesoro escondido de incalculable valor que enamora y deslumbra.
Vicco ha acertado de pleno construyendo más marca que hits. El éxito de ‘Nochentera’ podrá ser cosa de una vez, pero eso no está impidiendo a Victoria Riba seguir construyendo un catálogo de canciones que, diseñadas en el sonido synth-pop de su single estrella, están muy por delante en calidad de aquel. Canciones como ‘Muero x ti’ o ‘tequiero’ compiten por ser la mejor de su carrera.
A estas canciones de Vicco se suman dos más: ‘Como Britney’ y ‘Sorteo’ se han publicado este viernes de manera conjunta.
Especialmente ‘Como Britney’ es una de esas canciones con capas. Vicco entrega aquí otra producción synth-pop de melodía intachable y, a la vez, usa como referencia a Spears, igual que ha hecho últimamente su compañera de Benidorm Fest, Rigoberta Bandini.
Partiendo de ‘Toxic’, Vicco canta que se siente «intoxicada como Britney Spears» después de pasar por una relación, ejem, tóxica. Vicco se encuentra deprimida, no tiene ganas ni para «Tinder» y siente que alguien le ha echado un «mal de ojo». Su desánimo llega al punto de que ella quien parece reproducir un comportamiento tóxico en el estribillo. «Rezo pa’ que te quedes solo, que nada te vaya bien», invoca.
En todo caso, es la propia Vicco quien se «envenena» a sí misma -como canta en la canción- pensando ciertas maldades. La propia conciencia de Riba de un «veneno» que ha entrado en su organismo, sugiere que ‘Como Britney’ en absoluto es una canción de venganza, sino más bien de autocompasión: Vicco necesita drenar ese veneno y la música -como en el caso de Spears- le salva.
Taylor Swift publica hoy su nuevo disco ‘The Tortured Poets Department‘. Pero los 16 temas confirmados inicialmente no eran todo lo que Swift tenía que ofrecer en este nuevo trabajo. Taylor ha anunciado por sorpresa que ‘The Tortured Poets Department’ es, en realidad, un disco doble, y ha publicado una segunda parte del álbum, ‘The Anthology’, con 15 canciones nuevas, aparte de las ya anunciadas.
Entre las pistas nuevas se encuentran los cuatro «bonus tracks» exclusivos de las ediciones de vinilo de ‘The Tortured Poets Department’ (ya no tan exclusivos) que Swift ha ido anunciando en las últimas semanas previamente al lanzamiento del álbum. Estos bonus tracks son ‘Black Dog’, ‘The Albatross’, ‘The Manuscript’ y ‘The Bolter’.
Pero, además, Swift estrena un puñado de canciones que ni siquiera estaban anunciadas, en esta segunda parte de ‘The Tortured Poets Department’. Algunos títulos reciben nombre de persona, como ‘Cassandra’, ‘Peter’, ‘Robin’ o ‘Chloe or Sam or Sophia or Marcus’. Otros son ‘I Look in People’s Windows’, ‘imgonnagetyouback’ o ‘The Prophecy’. En total, Taylor Swift estrena hoy 31 temas nuevos y más de dos horas de música.
El nuevo disco de Taylor Swift en diagonal
¿Pero qué ofrece ‘The Tortured Poets Department’? Se desconocía por completo el sonido del nuevo disco de Taylor Swift. De hecho, últimamente, los artistas de primera línea, como Beyoncé o Ariana Grande, están guardando en completo secreto o casi el sonido de sus nuevos trabajos.
Aunque con Jack Antonoff de nuevo involucrado en el papel de productor las sorpresas que deja ‘The Tortured Poets Department’ no radican especialmente en su sonido. Taylor ofrece en ‘The Tortured Poets Department’ una primera parte centrada en el synth-pop, y una segunda dominada por las guitarras acústicas y los pianos de su etapa folk. De hecho, Aaron Dresner es su productor principal.
Aunque la producción de ‘The Tortured Poets Department’ recuerda a ‘Midnights’, el estilo es limpio y pulido en comparación con el de aquel trabajo. Curiosamente, suena menos «torturado». En ocasiones, los dos estilos explorados en el álbum se cruzan, como sucede en la colaboración con Florence + the Machine, ‘Florida!!!’.
En realidad lo que dará de qué hablar de ‘The Tortured Poets Department’, más que su sonido, ya asentado previamente en la discografía de Taylor, son sus letras. Porque, entre referencias directas o indirectas a Joe Alwyn, su novio durante seis años, o a Matty Healy, cantante de The 1975, con el que Swift salió una breve temporada, Swift vuelve a abrirse en canal haciendo un análisis forense de su vida emocional, a través de una treintena de canciones.
Pero Taylor no renuncia al humor y algunas de las frases que firma en ‘The Tortured Poets Department’ son icónicas desde el segundo cero. Una referencia al «manicomio» en el cual «se crió» o la posible revelación de una infidelidad se encuentran entre los momentos destacados. Pero la frase que no deja de circular por redes involucra a otro artista pop impensado.
«Hemos declarado que Charlie Puth debería ser más famoso» es una de las primeras frases que se escuchan ‘The Tortured Poets Department’, nada menos que en el corte titular. Después, una cita sobre un «el tatuaje de un Golden Retriever» bordea el surrealismo. Hay quienes piensan que Taylor debería haber dejado estas dos frases en el borrador, pero el debate que se ha generado en torno a ellas demuestra que publicarlas ha sido la mejor decisión.
Fontaines D.C. tiene nuevo disco entre manos. ‘Romance’ se pondrá a la venta el 23 de agosto, y supone el primer lanzamiento de Fontaines D.C. en el sello XL. James Ford, productor de los últimos discos de Pet Shop Boys, Depeche Mode o Jessie Ware, ha producido el disco.
En ‘Romance’, Fontaines D.C. sigue buscando el lado «romántico e idealista» de la vida después de toda una carrera «observando el mundo a través de la mirada irlandesa». Con ‘Romance’ el grupo se pregunta si sigue valiendo la pena ser romántico. La película ‘Akira‘ es una de las inspiraciones del disco porque, cuenta Grian Chatten, «me fascina la idea de enamorarse en el fin del mundo». Dice que el álbum «versa sobre proteger esa pequeña llama». La portada de ‘Romance’ es un diseño de la artista taiwanesa Lin «Dig a Hole».
En el lado musical, Fontaines D.C. cita a Shygirl, Sega Bodega, A$AP Ferg y The Prodigy entre las influencias del álbum. Y, precisamente, el rap parece una inspiración en el primer single del disco, ‘Starburster’. Si bien la percusión es mecánica e industrial, la letra en realidad es una sucesión de barras. ‘Starburster’ se inspira en un ataque de pánico que Chatten sufrió en Londres.
El videoclip de ‘Starburster’, uno de los mejores que ha publicado Fontaines D.C., muestra el día a día de Grian, convertido este en un siniestro personaje que lleva una prótesis facial.
‘Romance’ se pondrá a la venta dos años después de ‘Skinty Fia‘, uno de los 10 mejores discos de 2022. Chatten publicó disco en solitario, ‘Chaos for the Fly‘, en 2023.
01 Romance
02 Starburster
03 Here’s the Thing
04 Desire
05 In the Modern World
06 Bug
07 Motorcycle Boy
08 Sundowner
09 Horseness Is the Whatness
10 Death Kink
11 Favourite
Hoy 19 de abril el mundo recibe el nuevo disco de Taylor Swift, ‘The Tortured Poets Department’. Un disco que ha resultado ser doble: Swift ha publicado la parte anunciada inicialmente, y una segunda, ‘The Anthology’, conteniendo otros 15 temas completamente nuevos.
Aparte de Taylor hoy se ponen a la venta los nuevos trabajos de Pearl Jam, Local Natives, El Último Vecino, Cloud Nothings, vangoura, Melvins, Chanel Beads, A Certain Ratio o Claire Rousay.
Vicco se siente ‘Como Britney’ en uno de los singles destacados del día, entre los cuales hay que mencionar también las propuestas de Jamie xx con Honey Dijon, La Paloma o el colorido tema de Meritxell Neddermann.
Aliándose con la cantante Barrie, Joe Goddard precisamente ha anunciado nuevo álbum esta semana. Y no es el único: Fontaines D.C. y Arooj Aftab han puesto en marcha también la rueda promocional de sus próximos trabajos publicando sus primeros adelantos.
En el viernes de novedades de hoy recibimos también las nuevas propuestas de Kings of Leon, Mala Rodríguez, Cigarettes After Sex, Confeti de Odio, of Montreal, Carlangas y Los Cubatas, Tom Skinner (de The Smile), Alfie Templeman, en la foto; Sia con Paris Hilton o Alfred García.
No solo Taylor Swift sacará música esta noche. Nicki Minaj acaba de anunciar por sorpresa el remix de ‘FTCU’, uno de los temas de su último disco ‘Pink Friday 2’ que titula ‘FTCU (Sleeze Mix)’. En la nueva versión de la canción, la artista cuenta con tres invitados: Chris Brown, Travis Scott y Sexyy Red.
La cantante ya anunció a Sexyy Red la semana pasada cuando empezó a hablar sobre el remix en redes sociales. Supone su segunda colaboración con la rapera, pues ya trabajaron juntas en 2023 con el remix del single de Sexxy Red ‘Pound Town’, aunque pasó de forma discreta y no destacó demasiado.
Pero Nicki Minaj contaba con un as bajo la manga que no había revelado hasta ahora. Ese as ya se lo ha hecho saber a sus seguidores, y es la incorporación de otros dos nombres al single: Chris Brown y Travis Scott. El hecho de que colabore con Chris Brown ha generado discrepancias en redes sociales debido a las acusaciones que hay contra Brown por violar a una modelo.
La artista está embarcada actualmente en la promoción de ‘Pink Friday 2’ con su gira mundial. Además, es conocedora de que ‘FTCU’ ha sido el mayor éxito del disco tras su lanzamiento, acumulando 145 millones de reproducciones hasta el momento en Spotify. ¿Ayudarán Chris Brown, Travis Scott y Sexyy Red a darle el empujón suficiente para convertirlo en un hit?
Bad Gyal sigue triunfando con su gira La Joia, que la ha llevado a recorrer hasta 7 ciudades de España, incluyendo dos sold out en el WiZink Center de Madrid. Sin embargo, una polémica tránsfoba ha puesto a la artista en el punto de mira por uno de los vídeos del concierto que se han viralizado en Internet. Según conservadores estadounidenses, Bad Gyal es trans.
Bad Gyal no es trans, ni debería de existir un debate en torno a ello en caso de que sí lo fuera. De hecho, el problema no radica en que se diga falsamente que Bad Gyal es trans, sino en que se haga como si se tratase de algo negativo. Pero esto no ha evitado que algunas personas se hayan escandalizado tras ver la «abultada pelvis» de la artista mientras actuaba encima del escenario. En el vídeo que se está difundiendo en redes sociales, a Bad Gyal se le ven las bragas después de que se le levantara la falda en mitad de una actuación, algo recurrente en sus conciertos y que no escandaliza a ninguno de sus seguidores.
«Oops!! Ha enseñado algo por error…», escribe un usuario en la red social citando el vídeo de la cantante. El comentario, claramente tránsfobo, acumula cerca de 20.000 likes. «Este mundo se vuelve cada vez más raro», responde otro. Afortunadamente, hay quien le replica: «Dime que nunca has visto el hueso de la pelvis de una mujer sin decir que nunca has visto uno».
Esta polémica se suma a la larga lista de veces que se «ha juzgado» (como si fuese algo negativo) a las artistas por «tener pene». El caso más sonado es el de Lady Gaga, que jamás desmintió los rumores. Su respuesta a por qué no lo había hecho o si le parecía divertido es sublime: «¿Por qué demonios voy a perder mi tiempo y dar un comunicado de prensa sobre si tengo o no pene? A mis fans no les importa, tampoco a mí». Recientemente, Lady Gaga ha vuelto a defender al colectivo trans en una publicación de Instagram.
Pese a que no apuntara a ello, el Benidorm Fest 2024 acabó dejando grandes titulares. Uno de ellos fue protagonizado por Abraham Mateo y Chanel, que no participaban. De hecho, Chanel ni siquiera estuvo presente en la gala. Pero precisemente ese fue el desencadenante de la polémica que desencadenó la artista de ‘SloMo’ en redes sociales: Abraham Mateo había cantado uno de sus temas sin avisarle.
«Se canta ‘Clavaito’ en el Benidorm Fest sin mí. Me parece una falta de respeto a los eurofans y, por supuesto, a mí», escribió Chanel en Twitter cuando terminó la final. Abraham Mateo había sido invitado a la ceremonia para interpretar la canción durante uno de los descansos. Sin embargo, pese a que se trata de una colaboración entre ambos, Chanel no se encontraba con él en el escenario, lo que pareció molestarle a la antigua ganadora del concurso.
Pese a que Abraham Mateo no se manifestara al respecto en aquel momento, ha aprovechado para hacerlo hoy en una entrevista ofrecida a La Razón. El cantante alega que «los amigos hablan, se entienden y después se hace lo que sea», confesando que le «molestó» que Chanel «pusiera el tweet de primeras» sin hablar con él.
«Ella decidió hacerlo públicamente y me sorprendió mucho eso, la verdad. Yo pienso diferente a ella, porque la canción es tan mía como suya, es de los dos. Cuando ella la hace sin mí en cualquier otro sitio yo salgo ganando porque la canción crece, y viceversa. Todo suma», comenta Abraham Mateo. ‘Clavaito’ es el mayor hit de la carrera de Chanel y la canción con más reproducciones de ‘¡Agua!’.
El artista dice que ya ha «hablado con Chanel» y que «está todo bien». La cantante no se ha pronunciado de momento sobre las declaraciones de Abraham Mateo. El cantante también ha aprovechado la entrevista para reconocer que le encanta ‘Zorra’, el tema que representará a España en Eurovisión, y que ahora mismo no se plantea ser participante del Benidorm Fest.
«Don’t forget me / Please don’t forget me / Make it easy on me just for a little while / You know I think about you / I hope you’ll think about me too» cantaba Harry Nilsson en una de las baladas más bonitas de los años 70. Una canción que ha tenido mil vidas, pues ha pasado por las voces de Macy Gray o Neil Diamond y, últimamente, ha sido citada por Lana Del Rey en una de sus últimas composiciones.
‘Don’t Forget Me’ es también el título del tercer disco de Maggie Rogers. Es, por un lado, un metacomentario sobre ese difícil tercer disco de cualquier artista. Aunque sea de manera involuntaria, Maggie está diciendo: no te olvides de mí, sigo teniendo algo que decir.
Por otro lado, la referencia a ‘Don’t Forget Me’ expone directamente las influencias que Maggie Rogers maneja en este nuevo álbum. Viéndola en las fotos que sube a Instagram escuchando música en un reproductor de cintas de casete, da la impresión de que Maggie prefiere vivir en otra época a la actual. En ‘Don’t Forget Me’ esa nostalgia le sienta bien… cuando no parece una estética sin más.
Concretamente a la canción de autor de los años 70 suenan muchas de las canciones incluidas en ‘Don’t Forget Me’. Inspiradas en la propia vida de Maggie Rogers, pero haciendo uso también de historias ajenas o directamente inventadas, la autora de ‘Alaska’ ofrece en ‘Don’t Forget Me’ un agradable compendio de canciones de pop-rock teñidas de Americana y country que escuchar, en palabras de su autora, durante un «viaje de coche de domingo». Guitarras acústicas, baterías y el ocasional banjo acompañan su madurada voz, que suena mejor que nunca.
Cuando lo escribía, de hecho, en la mente de Maggie emergió un personaje, una “chica que emprende un viaje de carretera a través del sur y el oeste de Estados Unidos”. Durante ese viaje, Rogers piensa en los males del mundo en ‘It Was Coming All Along’, reflexiona sobre el amor en la bonita -y cruda- balada ‘I Still Do’, sobre el sexo en la rockera ‘Drunk’ o sobre los recuerdos, en ‘The Kill’, de una relación donde ella y su pareja solían «escuchar canciones de indie rock en el coche». La inevitable ruptura vino después.
Los ecos a Sheryl Crow, pero también a Michelle Branch, Kacey Musgraves o por supuesto Fleetwood Mac, emergen de un lado a otro del disco apoyadas en una producción humilde y sencilla que, elaborada mano a mano con el artista de country Ian Fitchuk, co-productor de ‘Golden Hour‘ (2018) de Musgraves, realza la calidez de la voz de Rogers. Sin embargo, raramente las melodías de Maggie puedan competir con las de los clásicos de todas estas artistas.
Curiosamente, el disco está secuenciado en el orden en que las canciones fueron escritas y la mejor de todas es la pista final, ‘Don’t Forget Me’, lo cual da a pensar cómo sería el disco si Rogers hubiera seguido componiendo a partir de esta última canción. La realidad es que el álbum se escribió en exactamente cinco días, a dos canciones por día. En este breve periodo de tiempo, Rogers firmó melodías tan firmes como la de ‘So Sick of Dreaming’, pero también otras más endebles como las de ‘If Now Was Then’ o ‘Never Going Home’, que, durante un viaje en coche, pasarían a un segundo plano.
Tanto cuando se pone trotona, como en ‘The Kill’, como cuando se desnuda completamente en el formato balada, como en ‘All the Same’, Maggie Rogers demuestra exactamente qué disco ha querido hacer en ‘Don’t Forget Me’. Sin embargo, aunque las canciones se suceden en todo momento amables y agradecidas, en el repertorio se echa en falta un clásico a la altura de ‘Light On’ o ‘Horses’. Sobre todo, las composiciones habrían agradecido un músculo melódico mayor para hacerlas verdaderamente… inolvidables.
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Cuando un artista que ha triunfado en una determinada disciplina decide cambiar a otra diferente, sus fans suelen levantar la ceja en señal de escepticismo. “Zapatero, a tus zapatos”, dice el viejo (viejuno) dicho. John Darnielle es conocido por ser el líder de la banda 
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