Anjimile es un artista de Carolina del Norte que en 2020 despuntó con su single ‘Baby No More’ y con el disco ‘Giver Taker‘ (elegido uno de los mejores discos de ese año por NPR), que incluía una colaboración de Jay Som. Esta semana, Anjimile ha publicado su nuevo álbum de estudio, ‘The King‘.
Entre las primeras influencias de Anjimile se encuentran los discos de Oliver Mtukudzi que escuchaba su padre en el coche, y también los primeros discos de Sufjan Stevens, al que pueden recordar sus primeras composiciones, más inclinadas al indie-folk. Después, sus influencias han sido «estar sobrio» y conectar con sus raíces africanas (los padres de Anjimile son de Malawi).
La negritud es precisamente el tema principal de ‘The King’ y de su corte titular. El tema denuncia el racismo aludiendo a la expresión «lo que no te mata te hace más fuerte». Anjimile la cambia a «lo que no te mata, casi te ha matado, lo que no te llena, te duele, te desgasta».
Con referencias a Baltasar de Babilonia o a la Peste Negra, ‘The King’ es una composición majestuosa que parte con la tradición clásica. La Canción Del Día de hoy empieza con una melodía celestial cantada a coro, angelical, pero pronto la instrumentación rompe la magia a golpe de clavecín. ‘The King’ pasa del cielo al infierno en unos pocos segundos.
En medio del apocalipsis imaginado por ‘The King’, la voz de Anjimile resiste, pues sería imposible derribar su cuerpo y riqueza. La maravillosa ‘The King’ suena como una colaboración (no tan descabellada) entre Tracy Chapman y Perfume Genius. Un artista a seguir de cerca.
Bad Gyal se encuentra entre las seis personalidades del mundo de la cultura que este lunes han recibido el premio Vanguardia de manos del Rey Felipe VI, la Reina Letizia y la vicepresidenta primera del Gobierno en funciones, Nadia Calviño. El Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) ha sido el lugar donde se ha celebrado la gala por primera vez.
Bad Gyal, que ha recibido el premio ‘Talento joven internacional’, ha dado las gracias a la prensa «por el esfuerzo que hacéis por entender las nuevas formas de expresión de las nuevas generaciones».
En un momento de su discurso que ha provocado los aplausos del público, Alba Farelo ha declarado que ella no se considera «un referente», sino que considera verdaderas referentes a las jugadoras del Equipo Nacional de Fútbol Femenino. «No me considero un referente, ni un modelo a seguir», ha expresado. «Considero referentes a nuestras jugadoras de fútbol, que en los últimos días han demostrado que han luchado por cosas que todavía son necesarias». Farelo ha añadido que «simplemente quiero servir de inspiración a los jóvenes para que puedan vivir la vida libremente, bailar disfrutar y ser un poco más libres».
Además de Alba Farelo han recogido el premio la presidenta de Coca-Cola Europacific Partners, Sol Daurella; el presidente y consejero delegado de Puig, Marc Puig; el físico y profesor Ignacio Cirac, la pintora Lita Cabellut y el CEO de la Copa América Grant Dalton.
Bad Gyal en los Premios La Vanguardia "No me considero un referente, ni un modelo a seguir. Considero referentes a nuestras jugadoras de fútbol, que en los últimos días han demostrado que han luchado por cosas que todavía son necesarias" pic.twitter.com/rS8VIvxcx4
Este pasado jueves 14 de septiembre, celebramos el tercer «live» de nuestro podcast Revelación o Timo en el Teatro Off Latina de Madrid. Más de 60 personas nos acompañasteis en lo que fue un repaso de la actualidad de la cultura pop durante el verano de 2023.
Esta ha venido marcada por el fenómeno de la película ‘Barbie’, que ha recaudado 1.500 millones de dólares habiendo costado unos 150. Hablamos de su visión feminista, del reciclaje impostado o no de Mattel, y por supuesto de una acertadísima banda sonora que puede dar un nuevo Oscar a Billie Eilish, pero que además ha dejado nuevos éxitos para Dua Lipa, para Charli XCX… y hasta para Ryan Gosling.
El feminismo también ha estado muy presente en nuestro país, desde Sonorama con las tetas de Amaral, a unas elecciones generales que dejaron un resultado que nadie previó. Hablamos del podcast de La Pija y La Quinqui como punto de inflexión imaginario o no de la campaña, pero seguro que como hito pop de nuestro país: ¿cuándo se había visto a un presidente del gobierno hablar de música pop?. En relación, también reflexionamos sobre lo que supuso después el Mundial de Fútbol Femenino.
Hay tiempo, por supuesto, para hablar de canciones del verano -de ‘Nochentera’ a ‘Clavaíto’, pasando por nombres más underground como Sofia Kourtesis-, de lo tristes que han sido los discos del verano -ANOHNI, PJ Harvey, Slowdive-, y también de los conciertos del verano -The Weeknd, Björk, The Human League-. En cuanto a series, destacamos ‘Poquita fe’, que reseñaremos próximamente.
En última instancia charlamos sobre discos y películas que están por venir, y regalamos 2 abonos para BRAVA Madrid entre el público asistente. Este fin de semana se celebra este festival con actuaciones como Sugababes, Mika, Melanie C o Samantha Hudson, entre muchos otros. La ganadora de los abonos nos contó una historia insólita de su verano. ¡Gracias a todos los que os pasasteis por allí y os quedasteis a tomar algo!
The National no han sido los únicos en publicar disco sorpresa este lunes. También está el caso de Kim Petras, que ha subido a plataformas ‘Ploblématique’.
Se trataría de un disco preparado para salir el verano pasado. Tras una filtración masiva de pistas, se canceló en favor de ‘Feed the Beast’, que salía este año. El álbum iba a incluir el single ‘Coconuts’, pero finalmente este pasó a ‘Feed the Beast’, al igual que otros temas. Lo que sí incluye este disco es la colaboración con Paris Hilton ‘All She Wants’. Podéis leer la historia de este álbum perdido aquí.
1. Problématique
2. Je T’adore
3. All She Wants (feat. Paris Hilton)
4. Born Again
5. Something About You
6. Treat Me like a Hoe
7. Confession
8. Deeper
9. Dirty Things
10. Love Ya Leave Ya
Olivia Rodrigo debuta en el número 1 de Álbumes España con ‘GUTS’, repitiendo la hazaña que ya lograra con ‘SOUR’ en 2021 y logrando también la primera posición en la venta de vinilos.
La artista, que llega de conseguir el 1 tanto en Estados Unidos como en Reino Unido, hace lo mismo en nuestro país y, además, mete hasta cuatro canciones en Singles España: ‘vampire’ y ‘bad idea right?’ reentran en el puesto 53 y 73 respectivamente, ‘get him back’ debuta en el 79 y ‘all-american bitch’ hace lo propio en el 83.
Además, el álbum suma hasta 5.122 unidades, siendo 2.955 ventas puras y 2.167 pertenecientes al streaming. Este lanzamiento, por otro lado, ha provocado una gran subida en su predecesor ‘SOUR’, que escala hasta la posición 16 y ya acumula más de 68.413 unidades vendidas, siendo 26.443 ventas puras y 41.970 de streaming. Olivia Rodrigo logra de esta manera destronar a Mora, que con ‘ESTRELLA’ llevaba dos semanas en lo más alto de la lista y ahora se ha de conformar con el segundo lugar.
En cuanto al resto de entradas, encontramos a Nil Moliner con ‘Vuela Alto’ en el puesto 34, seguido justo de ‘Layover’, disco debut del surcoreano V de BTS. En el 44 entra el grupo vasco de post-punk Belako con su ‘Sigo Regando’, y más abajo encontramos a YSY A y Bhavi con ‘Tu Duo Favorito’ en el 47. La música electrónica de ‘Mid Air’ de Romy entra en el top 50, ‘Live At The Matrix 1967’ de The Doors aparece en el 62 y The Chemical Brothers con su ‘For that Beautiful Feeling’ hace entrada en el puesto 65. Cerrando la lista, ‘Rumours Live’ de Fleetwood Mac debuta en el 80 y Róisín Murphy con su ‘Hit Parade’ hace lo propio en el 88.
La reentrada más fuerte es para ‘Los potros del tiempo’ de Marea en el puesto 76, mientras que la más destacable es la de la ya fallecida María Jiménez con ‘La vida a mi manera’.
Desde su explosión tras la sesión con Bizarrap, hemos visto a Villano Antillano tener colaboraciones tan acertadas como las de Young Miko, Ptazeta o, sobre todo, Sevdaliza en la interesante ‘Ride Or Die’. A su vez, a Recycled J le hemos visto hacer lo propio con Rels B, Natos y Waor o Maka. Pero la mejor colaboración tanto de la portorriqueña como del madrileño estaba por llegar: ‘CRUEL’ es un absoluto temazo.
Con la producción a cargo de PMP (de quien precisamente os hemos hablado hoy en la entrevista a Juicy Bae, pues es su productor de confianza), ‘CRUEL’ se cocina a fuego lento para ir liberándose, recordando a veces en los beats a otro temazo, ‘EMERGENCIA’ de Nathy Peluso, y se desata del todo al final, combinando así el magnetismo en la producción con el carácter cada vez más sexual de la canción.
Porque, aunque Villano está más acostumbrada, ‘CRUEL’ es sin duda el tema más explícito de Recycled J y, lejos de resultar impostado, el rapero consigue la difícil tarea de soltar cierta narración de hechos sin que provoque vergüencita – y que, de hecho, provoque todo lo contrario. La línea es fina, pero tanto Jorge Escorial como Villano la dominan a la perfección, como al esclavo que tiene Villano en el videoclip.
A esto ayudan las dosis de coñas y de referencias: “tu saliva en mi saliva”, “dime si lo que quieres es Californication / con la princesa del Fire Nation”, “le encontré el punto G aunque no soy Quevedo”, “buscando leche, pidiendo lactosa”, etc.
La química entre los dos es envidiable tanto en la canción como en el videoclip. Aunque podrían interaccionar más, las miraditas que se echan cuando Recycled está bajo el tacón de Villano son puro fuego. ‘CRUEL’ parece estar gustando mucho entre los seguidores de ambos artistas y, a priori, parece que es un adelanto de la edición deluxe de ‘CASANOVA‘: Recycled publicaba anoche en sus redes, aprovechando el buzz con esta canción, que el 20 de octubre sale ‘CASANOVA DELUXE’, que incluirá entre sus inéditas esta colaboración.
Nacho Cano ha concedido una entrevista a El País para celebrar la segunda temporada de su musical ‘Malinche’, espectáculo que han visto 200.000 personas. El ex miembro de Mecano ha ideado la realización del musical en inglés los viernes y los sábados por las tardes enfocado a «turistas alemanes, franceses, japoneses…» que pasen por Madrid.
En un momento dado habla de Mecano, cuya reunión considera «imposible», aunque llega a bromear sobre cierta cantidad. «Hubo un momento que fue posible, pero ahora es imposible (…) Bueno, hay una cifra ahí… En torno a los cien millones de euros y se podría ver». Sobre si mantiene contacto con Ana Torroja y Jose María Cano, que es su hermano, contesta: «Fueron tan intensos todos esos años que ya nos fuimos a vivir cada uno a un país y ya está. Nada».
Nacho Cano dice tomarse bien las críticas que ha recibido ‘Malinche’ por parte de El País, pues a lo largo de 40 años le han puesto «bien y mal». Sobre las recibidas por parte de historiadores, el periodista Fernando Navarro le recuerda que según algunos historiadores, «el musical blanquea la historia del imperialismo español».
A lo que Nacho Cano responde: «Trato de sacar la parte buena de la historia. Hay un montón de gente que se encarga de sacar la mala. Y, generalmente, con poco acierto histórico (…) ¿La gente que me critica sabe lo que ocurría en México antes de los españoles? Por ejemplo, ¿saben que los aztecas eran solo el 2% de la población? ¿Qué tenían subyugado al resto? ¿Saben que hacían las guerras florales, que eran guerras pactadas para pelearse porque necesitaban gente para sacrificios humanos? ¿Saben que se sacrificaban niños y mujeres? ¿Saben que se comían a los sacrificados? No llegan los españoles allí y están haciendo bailes regionales… Si contamos lo malo, empezamos a contar lo malo desde mucho antes. Por eso, yo no cuento lo malo. Cuento lo bueno. Yo no he venido al mundo a contar lo malo. No tengo ningún interés en que la gente salga deprimida de aquí. Ya está mucha gente, en tu periódico y otros, para hacer eso. ¡Fantástico! Y cuidado que yo tengo un gran respeto por EL PAÍS. Apoya el arte y la cultura históricamente. Probablemente, el periódico que más».
Pero la parte más comentada de la entrevista está siendo aquella en que Nacho Cano vuelve a hablar de política, incluso cuando asegura que no va a hacerlo, y de su amistad con Ayuso. El autor de ‘Ay qué pesado’ habla bien de la izquierda de los años 80: «Me relaciono muy bien con la izquierda que había en los años ochenta. Con la izquierda dialogante e inteligente. Con Felipe González, Alfonso Guerra e incluso Julio Anguita. Lo que hay ahora pues no es aquello. Aquella era gente inteligente y honesta y lo que decían era muy coherente con lo que hacían. Decían lo que pensaban y lo que pensaban era muy de verdad. No me quiero pronunciar ahora. Tengo público de izquierdas y de derechas. La política no es mi fuerte. Pero ya que me has preguntado por la izquierda te tengo que decir que aquella izquierda me parecía más permisiva, más dialogante, más elegante y mucho más positiva para el resto de la sociedad que no fuera izquierda. Me gustaba más. A lo mejor me crucifican por eso ahora. Da igual. Me quedo con Felipe, Alfonso, Julio e incluso con Carrillo. Fíjate lo que te digo».
Nacho Cano subraya que tiene en su elenco «más gente de izquierdas que de derechas» y defiende a las personas al margen de su ideología política, quejándose de las críticas que ha recibido por apoyar a Ayuso: «Es muy fuerte la dictadura en la que vivimos. Esta dictadura se parece mucho a la de Franco. Mucho. Ya no puedes decir lo que quieras ni pensar cómo quieras. Hay unos patrones que te obligan a ser de una manera. Por eso, no me identifico con la gente que está en esa onda. No es libertad lo que se está viviendo ahora mismo».
Repreguntado si no ha podido votar por Ayuso, cuando con Franco no había posibilidad de votar, añade: «He puesto un ejemplo extremo. Sí quiero decir que no es libertad. Yo era muy pequeño con Franco y no recuerdo muy bien. Viví después de Franco y sí era libertad. Y lo de ahora no. La prueba está haber defendido a Ayuso por haber mantenido abiertos los teatros, algo que afectaba a unos chavales y a sus contratos. A mí me ha puesto parte de una izquierda a caer de un burro, incluso amenazas. Eso no es libertad. En los 80, decías que Felipe González o Aznar te caían mal y nadie decía nada. Me refiero a la no libertad de pensar. La de ahora es como la de Franco. Ahora que se critica tanto la dictadura y Franco y eso pues la de estos tiene algunos parecidos». Cuando Navarro le pregunta si se siente cohibido, contesta: «Yo no me siento cohibido. Yo voy a seguir siendo yo, aunque me critiquen, me marginen, no me den subvenciones y me intenten hacer cosas que no voy a contar. Voy a seguir siendo yo. Ahora, no existe la libertad. Ahora es una aberración. Sufrimos ahora mismo de una dictadura para los artistas».
Katy Perry ha vendido los derechos de su música por la cifra de 225 millones de dólares. Así lo ha hecho saber Litmus Music en la mañana de este lunes, confirmando la compra de los cinco álbumes que actualmente conforman la discografía de Katy Perry: ‘One of the Boys’, ‘Teenage Dream’, ‘PRISM’, ‘Witness’ y ‘Smile’.
Litmus Music es una compañía respaldada por el Carlyle Group y cofundada por Dan McCarroll, expresidente de Capitol Records. El acuerdo anunciado por la empresa incluye los álbumes de estudio que la artista ha publicado entre 2008 y 2020. Se trata de la mayor adquisición de Litmus Music desde sus comienzos en agosto de 2022, cuando el proyecto salió adelante gracias a una inversión de más de 500 millones de dólares que le permitió comprar catálogos de diferentes artistas, como el del cantante de country Keith Urban.
“Katy Perry es una visionaria creativa que ha tenido un gran impacto en la música, la televisión, el cine y la filantropía. Me siento muy honrado de asociarme nuevamente con ella y ayudar a Litmus a administrar su increíble repertorio”, ha comentado Dan McCarroll sobre la operación.
“Creemos que esto es un testimonio de la capacidad del equipo para asociarse con los mejores artistas del mundo. Las canciones icónicas de Katy no solo han logrado un éxito comercial excepcional, sino que también han influido significativamente en la cultura popular”, ha afirmado Matt Settle, director general de Carlyle Global Credit.
Desde 2020, Katy Perry tan solo ha publicado dos canciones originales: la banda sonora del 25 aniversario de Pokémon, ‘Electric’, y ‘When I’m Gone’ junto a Alesso. No obstante, también formó parte del disco ‘Where We Started’ de Thomas Rhett y actualmente se encuentra centrada en su residencia en Las Vegas, donde llegó a hablar sobre sus planes de sacar nueva música. La venta de su catálogo se suma a la reciente tendencia de los artistas por vender los derechos de su discografía a cambio de cifras millonarias, como ya hiciera Justin Bieber a principios de año.
‘Can I Talk My Shit?‘ es una de esas canciones con el carisma suficiente para suponer un punto de inflexión en la carrera de un/a artista. Vagabon, el proyecto de Lætitia Tamko, había empezado en realidad en 2017 publicando un álbum de canciones indie-rock, apegadas a la guitarra eléctrica y con sonido lo-fi. Algo que fue cambiando en su segundo álbum, homónimo y más orientado hacia atmósferas electrónicas.
Este tercero que ha publicado esta semana, ‘Sorry I Haven’t Called’, es el mejor de momento. La cantante y compositora camerunesa, asentada primero en Nueva York, luego en Alemania, sufrió la muerte de una amistad muy cercana, decidió apagar el móvil y perderse en un pequeño pueblo del país europeo. Allí compuso unos temas que hablan de desamor, despecho, autodescubrimiento, sin renunciar al sentido del humor.
Pese a la sombra del fallecimiento de alguien que era muy importante para Vagabon, el álbum se dirige a amigos y amantes de forma jocosa, directa y sencilla, pues como ella misma dice, «hay belleza en la conversación plana sin metáforas ni imágenes floridas». «¿Puedo ser sincera?» es precisamente una de las frases del sencillo ‘Can I Talk My Shit?’, que habla de colocarse, sobre una producción llena de humo que refleja ese momento de confusión perfectamente.
‘Carpenter’ trata de dar un paso hacia la madurez, de lograr cierta evolución, no sin cierta dificultad («no estaba preparada para escucharte», se excusa), mientras en contraste los beats de corte afro son pura alegría, aceptación, esperanza. ‘Passing Me By’ sería una canción de desamor sobre dos personas tomando «diferentes caminos»; pero luego ‘Made Out With Your Best friend’ es pura provocación y broma, sobre alguien que pone cuernos con quien menos debe, con todo el descaro del mundo.
Las composiciones de ‘Sorry I Haven’t Called’ se mueven con picardía entre la ligereza y la trascendencia, un poco al modo de la primera Lily Allen. Para redondearlas, Vagabon ha terminado el disco junto a Rostam Batmanglij, ex miembro de Vampire Weekend, artista en solitario, y productor de artistas de pop alternativo.
La decisión es todo un acierto. Del bombo de ‘You Know How’ a la guitarra eléctrica de la final ‘Anti-Fuck’, pasando por el saxo ochentero de la balearic ‘It’s a Crisis’, prácticamente todas las pistas tienen algo que ofrecer. Estructuras imaginativas (‘Lexicon’ parece todo estribillo, ‘Nothing to Lose’ carece del mismo), producciones excitantes (‘Do Your Worst’ pasa de lo acústico al drum&bass), sorpresas (¿de verdad no canta ‘Passing Me By’ otra persona?) y minimalismo (‘Autobahn’ se compone de contados elementos R&B y jazz) hacen de ‘Sorry I Haven’t Called’ una de las sorpresas de la temporada. Pop muy bien hecho, sin featurings ni excesivas pretensiones.
El nuevo disco de Drake se está haciendo de rogar y, mientras tanto, el rapero se encuentra en el centro de la polémica. Pese a la publicación de ‘Slime You Out’ durante la tarde del pasado viernes, que parecía ser el primer adelanto de ‘For All the Dogs’ a tan solo una semana de su lanzamiento, los fans tendrán que conformarse con esa canción para saciar hasta tres semanas más de espera.
Después de mucho escepticismo en torno a su fecha de salida, el octavo trabajo discográfico del cantante había sido finalmente programado para el 22 de septiembre. Así lo hizo saber Drake en la noche del 6 de septiembre a través de Instagram, días después de que se rumoreara un posible lanzamiento sorpresa en agosto. Sin embargo, el rapero ha vuelto a cambiar de opinión. Horas más tarde de que saliera en todas las plataformas su colaboración con SZA, Drake acudía a redes sociales para anunciar que la nueva fecha elegida era el 6 de octubre.
Para excusar dicho retraso, el artista puso el foco en su actual gira «‘It’s All a Blue’: «Vale, el dilema al que me enfrento es cancelar los conciertos para terminar el álbum o completar la misión y lanzar el álbum antes del último concierto». Además, el intérprete lamentaba todos esos lugares en los que no había podido actuar: «Os debo todos estos recuerdos que estamos construyendo y, en cualquier lugar que hayamos faltado hasta la fecha, regresaremos de gira seguro».
Sin embargo, si el simple hecho de posponer el disco no traería consigo suficiente polémica entre quienes lo esperaban con más ansias, el rapero también está teniendo que lidiar con un aluvión de críticas por la portada de su último single. La protagonista de la imagen, Halle Berry bañada en líquido verde durante la gala de los Nickelodeon Kids Choice Awards de 2012, ha mostrado su descontento con el uso de dicha fotografía, alegando que el rapero le consultó y ella no le concedió permiso. «¿Por qué preguntas si tienes la intención de hacer lo que te dé la gana?», escribía la actriz muy enfadada en Instagram. «Cuando las personas que admiras te decepcionan, tienes que ser mejor persona y seguir adelante», añadía.
Halle Berry says Drake didn’t get her permission to use photo of her as promo for his new single ‘Slime You Out’ ft. SZA:
“Didn’t get my permission. That’s not cool I thought better of him… when people you admire disappoint you, you have to be the bigger person and move on !” pic.twitter.com/s3oMiMjwub
La misma canción, por otro lado, ha sido polémica debido a la cuestionable forma en que el rapero menciona la esclavitud. «Tienen mi mente en un lugar terrible / Azotada y encadenada como esclavos americanos», canta el artista, propiciando la decepción de algunos de sus fans. «¿Nadie en el estudio le dijo a Drake que esa frase era horrible?», escribe un usuario en Twitter, mientras que otros directamente apuntan a SZA por participar en el tema pese a su letra. Aun así, ‘Slime You Out’ debutó en lo más alto de Spotify en Estados Unidos y las primeras predicciones la sitúan en el número 1 del Hot 100 de Billboard.
Una de las artistas que pudimos ver en esta edición del festival Cala Mijas fue Juicy Bae, que en los últimos años ha ido pegando un acelerón curioso. La artista sevillana, ahora mismo bajo el management de Sonido Muchacho, sacó el año pasado su primer largo, ‘PTSD’, tras varios EPs y canciones sueltas, y hace poco ha publicado ‘Antes de Conocerte (Parte I: Premonición)’, un EP en el que vuelve a trabajar con el productor PMP.
Cristina Vela lleva desde pequeña asociada al arte, primero como bailaora (el flamenco tiene, de hecho, mucho espacio en sus canciones), y, desde 2017, como Juicy Bae, un proyecto que le ha llevado a colaborar con Polimá Westcoast o Nicki Nicole y en el que caben todo tipo de inspiraciones: ella misma ha contado que puede estar escuchando Future, rusowsky o Falete. Hablamos con ella sobre sus próximos pasos en una charla en la que salen también la importancia de los interludios, Mala Rodríguez, Duki y Albany, la poesía, el techo que pueden suponer Andalucía y el centralismo, o el bloqueo artístico que puede venir con el sufrimiento.
¿Qué tal la experiencia en el festival? Recientemente has estado en el Sónar, en el Primavera, en el Lollapalooza de Argentina, vienes ahora de gira por Latinoamérica…
Genial, siempre es un placer cantar en Andalucía. Vengo ahora de esa gira, que ha ido súper bien, me siento bendecida, muy agradecida por lo que está pasando este año, y quiero que el siguiente sea aún mejor. También ha sido mucho trabajo. Sacaste tu primera canción en 2017 con unos 19 años, ‘Smoke wit U’, y he leído que entre una amiga y tú alquilasteis un local en Sevilla Este… cuéntame cómo fueron esos comienzos.
Sí, cogimos un local en mi barrio, que estaba literalmente destrozado, no podíamos ni levantar las persianas, y lo limpiamos, lo transformamos, etc. Con varias productoras de Sevilla empezamos a hacer cosas, y empecé a cantar ahí en el estudio, y gracias a eso como que investigué mucho en mí misma, ¿sabes? Y encontré cositas (ríe)
Imagino que fue complicado el hacerlo todo por ti misma en esos comienzos. No sé si llegaste a pensar, o bien ahí o bien en la pandemia, que fue un poco después, en dejarlo y hacer otra cosa.
De hecho, fíjate, empecé a tener muy buenos números justo en la pandemia, me cortó un montón eso. Pero bueno, el que la sigue la consigue. Yo no podía parar, porque siento que es mi vocación cien por cien. Por suerte también mi primer disco después de la pandemia fue muy bien, o sea que la gente siguió apoyando todo ese tiempo. ¿El hecho de sacar ese primer largo (‘PTSD’, 2022) te ayudó a reforzarte? Tanto el decir “vale, he podido hacer esto” como en aprender de cara a próximos movimientos, como el EP que acabas de sacar.
Cien por cien. Para mí, ese disco fue consagración pura, te lo juro. De números fue súper bien, y aparte sentí que la gente entendió muy bien lo que yo quise decir en el disco, porque es algo totalmente real. Es una vivencia que al traducirse a música yo creo que la gente la entendió muy bien. Y eso me reconfortó muchísimo, ¿sabes? En plan, siento que lo hicieron muy suyo, y para mí ese es el meaning de la música. Que la gente entienda lo que tú estás contando, y lo haga suyo. Eso no tiene precio para mí, la verdad.
En una entrevista comentabas que en el disco tratas “situaciones duras” de las que has “salido tras un proceso de crecimiento”, y que, mientras estabas haciéndolo, llegaste a tuitear “me echo de menos a mí misma y mi energía”. ¿Cómo componías estando así? Porque se romantiza mucho el sufrimiento del artista, pero el sufrimiento también puede resultar en bloqueo y en no tener esa energía.
Muchas veces me pasó eso… había ocasiones, creo que fueron la mayoría, en las que podía componer, pero hubo muchas en las que no, en las que me pasó eso. A veces todo eso te supera como artista y como persona, da igual, no soy un robot, y a veces no puedo siquiera encontrarme bien, después de lo que pasó. Pero, ¿sabes lo que pasa? Que en esos momentos cuando salgo y puedo componer es porque encuentro un consuelo, como una fuerza, un poder y lo transformo en otra vaina, lo transformo en poder 100%. Y no sé, muchas cosas de ‘PTSD’ las hice inconscientemente, como que me salieron solas, las hice escupiendo lo que me estaba pasando en ese momento, y era algo súper orgánico. Por eso creo que a la gente le llegó tanto y lo entendió tan bien. No estaba pensando en la canción, estaba escupiendo, la estructura ya vino después.
El EP que sacas ahora entiendo que es una primera parte de algo…
Sí, no sé si saldrá la segunda (ríe) Al menos no ahora. Es que ahora quiero sacar muchos singles, pero es la primera parte de algo. Era la primera parte de un feeling, si el feeling se fue, pues ya volverá, pero ahora no está, así que voy a sacar singles, colaboraciones y cosas chulas.
Los interludios duran incluso más que algunas canciones, entiendo que porque no son interludios en el sentido clásico de duración, sino de cambios de atmósfera, ¿no?
Exacto. Los interludios me encantan, son muy importantes en mi caso. Mi intención es bastante intensa, y en los interludios lo sigue siendo, solo que los interludios duran menos o quizás tienen menos instrumentos maybe, pero la intensidad ahí sigue, las ganas de crear esa atmósfera. Es lo que buscamos, crear un paréntesis, crear un respiro dentro del trabajo. Nosotros hacemos el trabajo como conjunto, no entendemos las canciones del EP como algo separado sino como una historia conjunta, maybe yo lo hago sobre todo como una historia, un tránsito de algo.
En este EP vuelves a colaborar con PMP en la producción, entiendo que es un poco tu productor de confianza.
Sí, a día de hoy estoy trabajando con mucha más gente de por ahí y demás, pero he’s the one. Sonido americano-madrileño-europeo (ríe) Él tiene un sonido y una forma de trabajar que me encanta.
¿Qué es eso de Araceli Sound Music, que encima está estilizado como ASS? ¿Quién es Araceli?
(ríe) Es su madre (NdR: de PMP) Siempre que íbamos a componer, que íbamos a traducir a banda las canciones que salían del estudio y tal, la madre nos hacía arroz y comida muy rica, nos traía bebidas, era un poco el alma de la fiesta. Entonces ellos le pusieron el nombre de la banda por la madre, porque realmente ha sido la clave. ¿Cómo no le íbamos a hacer honor con el nombre? Y además queda súper bien, claro.
He visto que de pequeña escribías poesía. No sé si es algo que sigues haciendo.
Sí, tío, mira, en mi colegio sacaron un libro de poesía, y escogieron lo mío para ponerlo como lo mejor del libro, era la que lo abría y todo. Siempre me gustó escribir, y como intentar que quedara todo redondo. Y ahora creo que lo aplico porque sigo intentando que quede todo redondo, aunque de una manera un poco más picantona, más jugosita.
Más juicy.
(ríe) Sí, sí
Sorry, me lo has puesto muy fácil. ¿Y no te has planteado sacar un libro de poemas? Mira a Lana.
Me encantaría… (NdR: interviene PMP, “no es mala idea, ¿eh?”) Buah, es que me encantaría. Además soy el tipo de persona que consumiría eso… pero no sé si todo el mundo consumiría eso. Creo que la gente consume muchas cosas de fiesta, “let’s go” y ya está, la gente ahora mismo está super a full, creo que hay que sacar cosas como más activas. Pero me encantaría sacar ese libro. Soy artista multidisciplinar, si no me dedicase a la música, me dedicaría a otro arte, así que si en el futuro puedo dedicarme a varias cosas a la vez, lo haré, o si puedo sacar esto como algo aparte de la música.
En varias entrevistas has hablado de artistas emergentes, y de que no se les apoya casi nada. Siendo los dos de Andalucía, quería preguntarte sobre el centralismo, ¿tú crees que habrías llegado igual de lejos si, en vez de irte a Barcelona, te hubieses qued…?
No. (ríe) Has visto que no he tardado ni un segundo en responderte, ¿no? O sea, ojalá, pero no es así. Y si hay gente que por decir yo esto entiende que estoy yendo contra Andalucía, para nada, yo abro la boca y represento a Andalucía, porque mi acento no se perdió nunca. Pero sí, me he tenido que ir a Madrid o a Barcelona para que la gente me conociera, tenía que estar en esas fiestas o en esos eventos para que me presentaran, para que la gente te conozca. Y no debería ser así esta situación, en Andalucía siempre fuimos innovadores, Camarón hizo flamenco con rock, like, what the hell? Y no lo entendieron hasta años después. Pero es la realidad, en Andalucía hay mucho techo, en casi todos los sitios de España hay mucho techo. Incluso en España en sí, en Madrid y Barcelona, yo creo que voy a irme fuera, being honest, creo que hace falta también alimentarse de otras culturas y arriesgar. Creo que iré a Londres o a Holanda. Al menos un mes. I swear. Te lo juro. Cuando pueda, lo hago.
En la nota de tu sello, Sonido Muchacho, dicen que fuiste apadrinada por Duki, cuéntame cómo fue eso.
Es que Duko y yo nos conocemos desde hace mucho, y un día se quiso hacer varios remixes de canciones, pero le dio por una muy tranquila y al final no se llegó a hacer, pero lo publicó en Twitter, y eso me ayudó mucho en su día. La gente dice que me apadrinó porque me apoyó mucho en ese momento de mi carrera. Después no tanto, pero lowkey siempre estuvo ahí, lo que pasa es que en ese momento fue muy notable que compartiera esa canción porque yo tenía pocas views en ese momento. A día de hoy a lo mejor no es tan notable. Y a ver… Sonido Muchacho no es mi sello realmente, o sea, hacen de sello con otros artistas, pero conmigo hacen de management, nunca pacté nada de sello. Al menos aún no.
Ay, no lo sabía, perdona.
No, si es normal, no te preocupes, pero por eso, quiero aclararlo.
«Mala Rodríguez fue un ejemplo cuando era pequeña, pero al ser de otra generación, pienso de manera diferente»
En la nota también hay una comparación con Mala Rodríguez. A priori no veo mucho el parecido si escucho una canción tuya, pero no sé si es que para ti ha sido una gran influencia.
A ver, era una de las pocas personas que yo podía look up to cuando era pequeña, porque era una persona andaluza, mujer, con descaro, ¿me entiendes? Pero maybe con el paso de los años no tanto… yo, al ser de otra generación, pienso de algunas maneras diferentes en cuanto a ella. Pero sí que fue un ejemplo a seguir en el sentido de uno de los pocos ejemplos que tuve de mujer andaluza, que se viera como yo, que hablara como yo, que tuviera esa rabia como yo. Luego ya miré a otras personas igual en Estados Unidos y tal que ya me hicieron pensar en otras cosas. Pero supongo que puedo entender la comparación sobre todo cuando rapeo, por el acento y el desparpajo.
Para terminar, viendo que has hecho featurings con gente como Nicki Nicole o Polimá Westcoast, quería preguntarte por colaboraciones próximas, no sé si hay algo que se pueda decir o…
Ayyyy… es que…
¿Te digo algunos nombres que me pegan, a ver si acierto?
Venga.
Por ejemplo había pensado en Albany, Babi, Judeline, o incluso María José Llergo, por la presencia del flamenco en muchas de tus canciones.
Pues mira, una de ellas casi. Con Albany. Hicimos bastante música juntas pero al final no salió. Pero puede que en otro momento, porque somos bastante compatibles. Me encantaría, tanto con ella como con las demás, con María José sería una delicia, es muy amiga mía. Pero con otras mujeres de España sí que estoy haciendo música, bueno, y con hombres también, y son cosas muy bonitas, tengo ganas de que salgan.
IDLES anuncian la que es su mayor gira europea hasta la fecha. Tal tour incluirá dos paradas en España, una en Madrid y otra en Barcelona, y será en recintos bastante grandes, por encima de la capacidad de La Riviera o Razzmatazz.
IDLES actuarán el 1 de marzo de 2024 en el WiZink Center y el 2 de marzo en el Sant Jordi Club. Las entradas salen a la venta el 22 de septiembre a partir de las 10:00 h en lasttour.org y seetickets.com/es. Joe Talbot, de IDLES, afirma: «Volvemos a casa. A Europa, un lugar que nos crió con belleza y vigor. Prometemos devolverles el favor, concierto tras concierto. Todo es amor».
El nuevo tour se anuncia tras un verano en el que IDLES han actuado en multitud de festivales, desde Electric Picnic hasta Splendour in the Grass, pasando por NOS Alive, Bilbao BBK Live, Cala Mijas y Fuji Rock. Last Tour asegura que «inspirador, energizante y catártico, el espectáculo de IDLES conecta de una manera que hace que todo el público se sienta parte valiosa de una experiencia comunitaria de afirmación de la vida, sea cual sea el tamaño del recinto».
El grupo afirma estar trabajando en nueva música antes de su esperado quinto álbum. Será la continuación de ‘Crawler‘, que veía la luz en 2021. Además, su álbum de 2018, ‘Joy As An Act Of Resistance‘, se lanzará en vinilo de lujo el 6 de octubre para celebrar el quinto aniversario de su lanzamiento. Prensado en vinilo de 180 gramos, cuenta con ilustraciones intercambiables del álbum: 8 insertos de doble cara con 16 impresiones artísticas originales de la exposición «Joy As An Act Of Resistance», todo ello presentado en una funda gatefold troquelada con purpurina dorada.
Los madrileños Parquesvr son uno de esos grupos haciendo carrera a través de la irreverencia y la sátira social. ‘Juancarlista’ y ‘Almodóvor Amenábor’ están entre sus canciones más populares de momento, la segunda extraída de su disco del año pasado ‘Si no fuera por estos momentos, sería por otros‘. Y entre las novedades de este viernes han entregado un tema llamado ‘Por un puto pico’ que parodia el Caso Rubiales.
El presidente de la RFEF que celebrara el Mundial de Fútbol Femenino besando en los labios a una de las jugadoras, Jenni Hermoso, ha dimitido finalmente. Pero antes Parquesvr escribían este himno en cuya portada han situado a un hombre agarrándose los huevos, en referencia también al movimiento de Rubiales junto a la Reina Letizia y una de las Infantas, cuando España marcó el gol de la Final.
Según su sello raso, el tema condensa «no sólo un mes de actitudes machistas, declaraciones lamentables y acoso sexual, sino el historial de uno de los representantes diplomáticos de nuestro fútbol más oscuros y opacos hasta la fecha». TIRAYA, que ya colaboraron con Parquesvr en otro tema anterior llamado ‘FARLOPERO’, producen este tema cuyo estribillo repite «Me quieren joder por un puto pico». No es la mejor entrega de Parquesvr, aunque sí va a ser una de sus más carismáticas y reconocibles, por motivos evidentes.
Sobre una serie de beats como inspirados por Chimo Bayo y la Ruta del Bakalao más burda (en sintonía con lo tosco y sórdido de la historia), las estrofas hablan de ser «sociata los lunes y pepero los findes», de «falso feminismo, Mundial 2030 y denuncias falsas», de drogas («Los kilos de coca, aquí, no en el coche») y sobre todo de masculinidad tóxica:
«Las tetas bien gordas, los puros cubanos
poder y dinero, siempre de la mano
digo lo que quieras menos un perdón
llorar no es de hombres: no seas cagón»
Parquesvr actúan el 17 de noviembre en la Sala Copérnico de Madrid junto a Jordi Ganchitos. Entradas en Dice.
Lo que distingue a Belako de un grupo de rock cualquiera es lo impredecible que resultan sus canciones. Aparentemente son un grupo underground influido por el punk, el indie y otros géneros ahora mismo minoritarios; pero si profundizas en su discografía, encontrarás estilos y volantazos inesperados.
‘Sigo regando’ presenta novedades importantes que van más allá de un título en castellano y su primer tema enteramente en este idioma. Tú puedes estar escuchando un single como ‘Orein Orain’ y pensar que estás ante su tema más Daft Punk por las voces robotizadas con que comienza. Y entonces se convierte en una bossa. Pero como tocada por Radiohead. Puedes estar oyendo ‘Saguzarren Kanta’ y pensar que es uno de sus temas más kraut. Pero es que las guitarras son más bien post-rock. ‘White Lies’, uno de sus temas de bajo muy Donosti Sound, en verdad es rock áspero grabado en plan lo-fi al modo de la primera PJ Harvey. Y al final, ¡palmas! ¡Y cierto vibe girl group de sabor Spector! Rarezas como ‘Sangre total’ alternan elementos imposibles como el rock, el synth-pop y el free jazz.
Belako siguen dejando -como en sus inicios- la sensación de que se están inventando una letra por el camino: no es que no se entienda tanto lo que dicen en inglés (también hay textos en euskera); es que a veces no entiendo lo que dicen en castellano. Sin embargo, merece la pena atender a los mensajes que dejan por ejemplo en ‘Dump’. Por extraño que parezca, han decidido meter la primera sección de cuerdas de toda su carrera en un tema que incluye la frase «“Loser” is such a boomer term». Está dedicado a todos los “tontos que no las dejan en paz”: “Hemos sido demasiado conformes con vosotros, es hora de que os cerremos la boca”.
Mientras ‘Tangerine’ insiste en el tema de la opresión, otras canciones escogen temas más personales. «Tengo miedo de no gustarme pero prefiero no aburrirme» es una frase de ‘Sangre total’. ‘Flower Trouble’ incluye una reflexión sobre la locura de la sociedad en una arriesgada rima («How can we not be judgemental when everyone around is going mental»). Y para el euskera han dejado algunos de los temas más poéticos, entre el «Canto de los Murciélagos» de la pista 4 y la búsqueda del norte y el regreso de sus adoradas ballenas en ‘Hegodun Baleak III’.
Pero lo mejor de ‘Sigo regando’ es la tenacidad con que siguen emprendiendo nuevas aventuras. Una vez que han sonado los 4 adelantos del disco, ‘Slates’ y sobre todo ‘New Light Slates’ reservan nuevas sorpresas con apenas unas notas de piano, cambios de ritmo y un gran dinamismo. Es curioso cómo algunos intentan etiquetar -encasillar- a Belako en el underground patrio -o vasco-, cuando su música es pura fluidez de género -e idiomas-. Ay… estos boomers.
The New York Times ha entrevistado a Jann Wenner, fundador de Rolling Stone, con motivo del lanzamiento de su libro ‘The Masters’. En el libro, Wenner recopila entrevistas que ha realizado a siete artistas a los que considera los «filósofos del rock». Estos son Bob Dylan, Mick Jagger, John Lennon, Bruce Springsteen, Pete Townshend, Bono de U2 y Jerry Garcia. Un momento de tensión en la entrevista se produce cuando el periodista David Marchese cuestiona que los sietes sujetos del libro sean hombres blancos.
En la introducción de ‘The Masters’, Wenner señala que ninguna mujer o artista negro ha ocupado nunca su «punto de mira» (se utiliza el término «zeitgeist»). Marchese no comprende que Wenner no haya tenido en consideración a artistas femeninas contemporáneas a su época como Joni Mitchell o Stevie Nicks, entre otros ejemplos. Wenner asegura que los protagonistas de su libro son «intelectuales» y «articulados» de manera en que los artistas que Marchese propone no lo son.
«Para que quede claro, cuando hablo de «zeitgeist» me refiero a los artistas negros, no a las mujeres», señala Wenner. «La selección no ha sido deliberada, ha sido una cosa intuitiva de varios años. Simplemente se ha dado de esta manera. Los artistas de los que hablo tenían que cumplir unos requisitos, pero también he tenido en cuenta mi interés personal y admiración por ellos. En lo que respecta a las mujeres, ninguna de ellas era suficientemente articulada desde un punto de vista intelectual».
El periodista de The New York Times confronta a Wenner poniendo de ejemplo el evidente intelecto de Joni Mitchell en las entrevistas y en su propia producción musical y lírica. Y Wenner explica: «No es que no sean genios creativos. No es que no se sepan expresar, aunque ve y ten una conversación profunda con Grace Slick o Janis Joplin. Janis no era una filósofa del rock ‘n roll. No cumplía ese requisito, ni su trabajo, ni sus entrevistas. La gente a la que he entrevistado eran filósofos del rock». Tampoco Marvin Gaye o Curtis Mayfield eran personas intelectuales según Wenner.
De rockeros como Jagger o Pete Rownshend, Wanner destaca que «supieron expresar profundamente el sentir de una generación particular, y un espíritu y actitud particulares del rock ‘ n roll». Según Wenner, «no es lo que los otros artistas no lo supieran hacer… pero (los siete de ‘The Masters’) son los que realmente supieron expresar ese sentir».
Las palabras de Wenner han tenido consecuencias directas hacia su carrera: el periodista y fundador de Rolling Stone ha sido expulsado de la ejecutiva de la Rock & Roll Hall of Fame Foundation. Sus palabras han sido señaladas por expresar ideas machistas y racistas, y Wenner se ha visto obligado a publicar una disculpa: «En mi entevista con The New York Times he hecho unos comentarios en los que hago de menos el trabajo de las mujeres y los artistas negros y me disculpo de todo corazón: ‘The Masters’ no intenta representar toda la música existente sino reflejar los puntos álgidos de mi carrera. Entiendo que he escogido mal mis palabras y acepto las consecuencias».
Pedraxe se define a sí mismo como un artista multidisciplinar: cantante, productor e interesado por la moda a tiempo completo. El suyo es un sonido hyperpop y hyperpunk, principalmente. Aunque en sus temas se pueden encontrar trazas de flamenco, pop, synthwave o drum and bass.
El artista madrileño ha firmado colaboraciones con gente como rusowsky y Ralphie Choo en ‘Valentino’ (aunque no se refiere al diseñador) o ‘XK TU’. Y en todo su proyecto, la imagen que proyecta es muy importante para él. Quizá por eso tiene un estilo tan personal a la hora de vestir: no faltan los colores neón y las prendas de diferentes estilos, combinadas entre sí. Con razón Pedraxe ha elegido «la moda» como tema para hablar en nuestra sección «Meister of the Week», comisariada por Jägermusic.
¿Por qué has elegido hablar de moda?
Porque soy la moda. He estado detrás de muchas tendencias actuales, desde hace mucho. Siempre me ha gustado anticiparme a los hechos. ¿Cuáles son tus referentes en este mundo?
Hugo Boss, Mario Vidal (sastrería), Charles F. Worth, Beau Brummell, Gianni Versace, Nudie Cohn (The Rodeo Taylor). Todas las personas que no han tenido un techo o ningún tipo de oportunidad económica y se visten como pueden. Los aborígenes australianos.
Define tu concepción de vestir bien en 3 palabras.
Viste. Como. Quieras. ¿Cuánto de importante es la ropa o el aspecto físico para el proyecto artístico de Pedraxe?
Mucho, es una estética muy concreta y basada. Ha sido precedente para muchos artistas en el panorama español. ¿Es tan importante para las fotos o lo es más para el escenario?
Más para el escenario. No es lo que te pongas, es cómo lo defiendas y qué sentido le des con tus actos, palabras y música. Es algo para generar controversia, disloque, hacer pensar, divertir, liberarse de todo juicio y explorar a través de una catarsis visual y sonora.
Si solo pudieses vestirte con un outfit para el resto de tu vida, ¿cuál sería?
No sé. Algo proveniente de animales que hubieran fallecido, porque estaría viviendo en la montaña aprovechando todos los recursos que hay allí, sin ningún tipo de tecnología ni contacto con la urbe.
En el videclip de ‘Crazy Frog’ llevas un conjunto neón que te hiciste tú, ¿de dónde viene ese gusto por el diseño?
Viene del arte, me fui interesando por la pintura, escultura, arquitectura… Nació en mí (gracias a mi círculo de personas) un gusto por combinar, aprovechar y destacar cualquier tipo de atuendo para expresar y hacer pensar a las personas que me observan en el día a día.
«He visto a indigentes con mucho más estilo que cualquier «rich kid» que va a una fashion week»
Los accesorios, la ropa, el maquillaje, ¿tienen género?
No, cada cuerpo anatómicamente es distinto al resto. ¿Qué más da? Partiendo de eso, cada uno de nosotros tendríamos un género específico.
¿Crees que tienes un estilo definido o te dejas guiar por tendencias?
Tengo un estilo definido, el cual siempre acompaño de tendencias. Han sido más contemporáneas, pero mañana me puedo inspirar en el Renacimiento y pasado en el Victoriano. No hay un patrón muy claro en mis inspiraciones, lo que sí hay es una marca de personaje basada en tendencias dosmileras, las cuales ya he pasado interiormente. Ahora estoy en otras cosas.
¿Para hacer hyper-punk hay que vestir de colores chillones y con ropa llamativa?
Es una estética del sonido, no tiene nada que ver con la ropa. Para ser Pedraxe sí hay que hacer eso, claro (risas).
¿Tener dinero es sinónimo de tener estilo?
Qué va. He visto a indigentes con mucho más estilo que cualquier «rich kid» que va a una fashion week. El estilo reside en cómo te sientes tú por dentro y cuán de puro eres capaz de expresarlo con lo que tienes o haces.
El disco de Olivia Rodrigo es por supuesto un éxito en listas internacionales: nº1 en Estados Unidos y Reino Unido, además de en otros países (este lunes se conocerá el dato español), ‘GUTS‘ coloca actualmente varios de sus temas entre los más escuchados en el top 50 global de Spotify.
Entre ellos se encuentra el tercer single oficial, ‘get him back!’. Es uno de los cortes más guitarreros (y divertidos) de un disco que es continuista -y mejor- que el debut, ‘SOUR‘ (2021). Olivia acaba de presentar el tema en directo en la gala de los MTV Video Music Awards. Es la Canción Del Día de hoy.
Olivia ha contribuido enormemente al resurgimiento del pop-punk en las listas de éxitos. En ‘get him back!’ prueba un sonido diferente, más similar al de su tema ‘jealousy jealousy’. ‘get him back!’ propone una mezcla de guitarras y sintetizadores que puede recordar a Garbage… pero que, en su tono desenfadado y adolescente, remite sobre todo al infravalorado disco de Charli XCX ‘SUCKER‘ (2014). El estribillo gritón, de animadora de instituto, lleva directamente a ese largo.
También su tono vengativo. Si en ‘SUCKER’ era posible escuchar cosas como ‘Breaking Up’ («odio a tus amigos y a tu familia / romper contigo ha sido fácil»), ‘get him back!’ sirve la venganza fría. Olivia quiere a su chico «de vuelta»… pero solo para darle de su propia medicina: «quiero abrir su coche, quiero hacerle la comida, quiero romperle el corazón y ser yo quien se lo cosa / quiero besarle la cara con un puñetazo de boxeo / quiero conocer a su madre y decirle que su hijo da asco».
El vídeo de ‘get him back!’, rodado con el nuevo iPhone 15 Pro bajo la dirección de Jack Begert, eleva la canción, mostrándonos a una Olivia Rodrigo multiplicada, como Kylie en ‘Come Into My World’… pero como si Kylie fuera Alanis.
The National han dado la sorpresa y han publicado un nuevo disco en la medianoche del domingo 17 de septiembre al lunes 18. ‘Laugh Track’ es por tanto el segundo lanzamiento discográfico de The National de 2023: el primero, ‘First Two Pages of Frankenstein‘, vio la luz en abril.
El vocalista Matt Berninger ha comunicado la noticia durante el concierto de The National en el festival Homecoming de Cincinatti. Es un evento organizado por el propio grupo que este año ha contado con actuaciones de Pavement, Weyes Blood, Snail Mail o Julia Jacklin, entre otros.
La sorpresa quizá no era tal debido a que The National han publicado nueva música recientemente. Dos singles, ‘Alphabet City’ y ‘Space Invader’, pueden escucharse desde hace semanas. Durante el festival Homecoming, The National han estrenado el tema ‘Dreaming’. El disco también incluye la canción ‘Weird Goodbyes’ con Bon Iver (publicada en agosto de 2022) y una colaboración con Rosanne Cash llamada ‘Crumble’. Phoebe Bridges interviene en el corte titular, ‘Laugh Track’. El single nuevo es ‘Deep End (Paul’s In Pieces)’.
Desde su sello, detallan: «Laugh Track es el álbum más libre, all-hands-on-deck de la banda en años. Si «Frankenstein» representaba una reconstrucción de la confianza entre los miembros del grupo después de más de 20 años juntos, el vibrante y exploratorio Laugh Track es tanto el producto de esa fe como una nueva declaración de intenciones. Disfrutando de la licencia para cambiar radicalmente su proceso creativo, The National perfeccionó la mayor parte de este material en presentaciones en vivo durante la gira de este año y capturó esas versiones vigorizadas en sesiones improvisadas en el estudio de Portland del productor Tucker Martine, Flora Recording & Playback. El cierre del álbum de casi ocho minutos, “Smoke Detector”, se grabó en junio durante una prueba de sonido en Vancouver, completando un trabajo repleto de espontaneidad y energía rock vintage que constituye un complemento perfecto para las canciones de su predecesor, más introspectivo».
1.-Alphabet City
2.-Deep End (Paul’s In Pieces)
3.-Weird Goodbyes (ft Bon Iver)
4.-Turn off the House
5.-Dreaming
6.-Laugh Track (ft Phoebe Bridgers)
7.-Space Invader
8.-Hornets
9.-Coat on a Hook
10.-Tour Manager
11.-Crumble (ft Rosanne Cash)
12.-Smoke Detector
En otras noticias relacionadas con The National, recientemente se ha anunciado que Aaron Dessner producirá el nuevo disco otoñal de Ed Sheeran. Os recordamos que la gira actual de The National pasará por Madrid el próximo 4 de octubre.
Shakira había anunciado que lanzaría nuevo single el próximo 20 de septiembre. Será ese miércoles cuando podamos escuchar ‘El Jefe’, una colaboración con Fuerza Regida, uno de los grupos de corridos tumbados más populares y exitosos del momento.
‘El Jefe’ será un alegre y animado tema de sonidos norteños, y en redes ya puede escucharse un adelanto: «Tienes todo pa ser millonario, gustos caros, la mentalidad… solo te falta el salario», rima la colombiana. «El jefe» no será lo que parece.
En el vídeo, Shakira baila, vestida con un atuendo vaquero, una coreografía llena de taconeo que parece pensada para TikTok. Los integrantes de Fuerza Regida, de momento, no aparecen en el clip.
Fuerza Regida, grupo formado por Jesús Ortíz Paz, Samuel Jaimez, Khrystian Ramos y José García y Moisés López, es conocido por los éxitos ‘Sabor fresa’, ‘TQM’, ‘Bebe dame’, ‘Ch y la pizza’ o ‘Igualito a mi apá’. Todos ellos acumulan reproducciones multimillonarias.
Shakira acaba de ofrecer la mejor actuación en la gala de los MTV Video Music Awards, donde ha recibido el premio Vanguard Award en honor a su videografía. La de Barranquilla ha ofrecido un «medley» de 10 minutos en el que ha repasado toda su carrera.
Hubo un tiempo en que Róisín Murphy parecía trabajar completamente a espaldas del mundo entero. ‘Hairless Toys’, su disco de 2015, salió 8 años después de ‘Overpowered’ (2007) apostando por un sonido extremadamente refinado y poco comercial. El siguiente, su disco hermano, ‘Take Her Up to Monto’ (2016), producido también por Eddie Stevens, es su trabajo más arisco. Después, los singles bailables que Róisín lanzó con Maurice Faulton eran mucho menos atractivos de lo que ella pensaba. ‘Róisín Machine’ (2020) fue evidentemente la gran reconciliación de Róisín con su público. Con un repertorio entregado a la pista de baile de los 80, fue el disco mejor vendido de su carrera hasta la fecha.
El panorama era ideal para que Róisín continuara viviendo una preciosa luna de miel con su público con ‘Hit Parade’, su nuevo larga duración, pero unas polémicas declaraciones señaladas por transfobia han ensombrecido el lanzamiento del disco. Desde luego, si de algo nos avisó Róisín con ‘Ruby Blue’, su debut de 2005, o incluso antes en Moloko, es que nunca se lo iba a poner fácil a nadie, ni siquiera a sus fans.
Esto, en el aspecto estrictamente musical, siempre ha significado que Róisín puede contarse entre las pocas, muy pocas, estrellas del pop que están sabiendo producir una obra verdaderamente arriesgada e innovadora. Es imposible no colocarla al mismo nivel que iconos como David Bowie o Björk cuando cada disco que lanza al mercado es una revelación. ‘Hit Parade’ no es una excepción.
En su sexto disco, Róisín se ha aliado con el alemán DJ Koze, un culo inquieto de la música electrónica que se puede contar entre sus mayores almas gemelas musicales. También uno de los grandes innovadores de la música de baile actual. ‘Knock Knock’, el disco de 2018 de DJ Koze, ya incluía dos colaboraciones de Murphy, ‘Scratch That’ e ‘Illumination’, pero ‘Hit Parade’ profundiza en esta alianza de diversas maneras. A Murphy y DJ Koze les une, curiosamente, su amor por el soul de los años 60: ‘Pick Up’, el mayor éxito de DJ Koze, sampleaba a Gladys Knight. Y en ‘Hit Parade’ la arqueología sonora es tan importante como su apuesta por un sonido que mire hacia el futuro.
Es un futuro bizarro y retorcido, pero también divertido como esa grotesca portada circense. Ha sido un avance idóneo el primer single, ‘CooCool’: las viguerías sonoras de DJ Koze siguen presentes en la producción, pero la canción, que se basa en un sample de ‘Together’ de Mike James Kirkland, no deja de ser una adorable oda al amor inocente, con el «cucú» de los pajaritos sonando de fondo, apoyada en un sonido de soul-pop clásico que a Róisín le sienta como un guante. El veraniego blues-pop de ‘The Universe’ es aún más accesible… y diría convencional si no fuera por la manera en que DJ Koze hace que la voz de Róisín mute, convirtiéndola en un cyborg cuando le viene en gana. En este crucero por el mar, Róisín visita directamente el “metaverso” imitando el acento de una americana pija y recuperando la melodía de una canción infantil.
La misma fórmula sigue ‘Fader’, que samplea ‘Window Shopping’ de Sharon Jones & the Dap-Kings. Es igualmente imposible decir que ‘Fader’ sea una canción convencional desde ningún sentido. Es soul como nunca lo has escuchado antes. Y probablemente la canción más importante del disco porque reúne todos sus elementos, esto es, un sonido clásico pero futurista y una letra que nos habla de rendirse al amor, sobre todo cuando la muerte acecha. El fallecimiento del padre de Róisín, y el cumpleaños número 50 de la cantante irlandesa, han inspirado una preocupación por la muerte que Murphy solo utiliza para celebrar la vida, para bailar eternamente “porque no sabemos por cuánto tiempo podremos hacerlo”, como canta más adelante en ‘Can’t Replicate’.
Musicalmente, ese aire de novedad empapa ‘Hit Parade’ desde el principio hasta el final. Y a la sensación de obra redonda contribuye una secuencia que no puede fluir mejor ni estar mejor pensada. La pista inicial, ‘What Not to Do’, sienta las bases del disco con una intrigante producción de dub experimental que -con la participación del icono Mad Professor- nos da la bienvenida a este extraño mundo, como Alicia cayendo por el agujero de la madriguera. La primera mitad incluye “hits” evidentes como el hip-hop torcido de ‘Hurtz So Bad’, un tema atormentado, lleno de “decepción”, hasta que decide despegar hacia el espacio exterior; y el funky de ‘The House’, inspirado en un cuento de J.G. Ballard sobre una casa que absorbe los sentimientos de sus habitantes.
Después de ‘Fader’ el “desfile de hits” continúa en una segunda mitad que se adentra progresivamente en la noche. Los ritmos latinos de ‘Free Will’ conforman probablemente el mejor homenaje posible a la sintonía de ‘Vacaciones en el mar’ que se puede hacer en 2023 y el deep-house de ‘You Knew’ fascina pareciendo el remix del remix… aún sobrecogiendo con una emotiva melodía que refleja el sentir de Róisín cuando canta: “siempre has sabido que tenía sentimientos por ti, pero tú nunca has querido ir ahí conmigo”. La cruz de Róisín, en su carrera, siempre ha sido la pregunta: “¿quién se arriesga conmigo?” El disco llega a su cumbre con los casi 8 minutos de baile tecno de ‘Can’t Replicate’, que solo trae a la mente el ‘Violently Happy’ de Björk porque samplea otro clásico, el ‘French Kiss’ de Lee Lewis, ese éxito del house de los 90 que llegó a ser top 2 en España. Ahora, sonando a nuevo.
El disco acaba con sus dos cortes más flojos, el fallido trap cyborg de ‘Two Ways’ y ‘Eureka’. Las canciones que cierran los discos de Róisín siempre han sido especiales. A joyas como ‘The Closing of the Doors’ o ‘Unputdownable’ se suma ahora esta intrigante composición que halla a Róisín siendo examinada en la consulta del médico. “Dice que tengo algo ahí”, canta, “pero me da igual”. Róisín sabe que ha vivido y, sobre todo, que ha sido valiente y se ha arriesgado. La misma filosofía ha aplicado Murphy siempre a su música, regalando al público una obra que es de todo menos desechable y prescindible. En ‘Hit Parade’ Róisín vuelve a demostrar -pese a las circunstancias- que el pop puede ser, simplemente, mejor.
Entre los lanzamientos destacados del viernes se encuentra el nuevo disco de Ralphie Choo, ‘SUPERNOVA’. Gracias a su ecléctico sonido y al gancho de singles como ‘Bulerías de un caballo malo’ o ‘Tangos de una moto trucada’, el productor madrileño se ha convertido en una de las mayores promesas del pop español, y en un nombre de interés internacional.
Así, no extraña que artistas del calibre de Mura Masa hayan colaborado con él, en ‘Máquina culona’, otro de sus grandes singles. En el nuevo, que acompaña el lanzamiento del disco, Ralphie Choo se alía con el grupo de hip-hop estadounidense Paris Texas.
‘Whipcream’ es el «focus track» de ‘SUPERNOVA’ después del estreno del disco, y no extraña por qué. El agresivo sonido de trap recuerda al de Travis Scott. Pero la firma de Juan Casado está muy presente en el trato experimental, de corta y pega, que le da al sample de un violín. ‘Whipcream’ suena amenazante y, a la vez, terriblemente divertida.
En ‘Whipcream’, Ralphie Choo presume de su influencia actual: «Cómo puede ser, qué talento / Cómo puede ser que lo mueva to» es el gancho principal. Después, en inglés, Paris Texas se jactan de que nos les falte ni dinero («countin’ this hunnids»), ni chicas, ni flow, ni buenos visuales.
Paris Texas es un dúo formado en Los Ángeles por Louie Pastel y Felix que se ha dado a conocer en los últimos tiempos gracias a hits como ‘Force of Habit’, que suma 12 millones de escuchas en Spotify. Curiosamente, Paris Texas también han sacado un disco este año titulado ‘Mid Air‘.
‘Elia’, por Fermín Solís
Como en anteriores trabajos del extremeño Fermín Solís, su tierra aparece otra vez como parte del escenario, llamando la atención el proceso de cambio constante.
Sin que lo cataloguemos como de evolución hacia la madurez, sí que se percibe esta vez un trato dispar en trazados, recursos narrativos o coloreados. Huye así de un estilo concreto y en su lugar ofrece un trato exclusivo a cada una de sus obras.
Han pasado 10 años de ‘Mi organismo en obras’, cuatro de la maestría de ‘Buñuel en el laberinto de las tortugas’, y dos de ‘Medea a la deriva’. Esta última comparte con ‘Elia’ su intención de profundizar en personajes femeninos. Horizonte que Solís abre con valentía, distanciándose de los tintes autobiográficos de sus inicios, y buscando la empatía con una joven escritora que ha sufrido un fracaso emocional.
Es cierto que Elia, como personaje construido al milímetro, se distingue por su capacidad para sortear las adversidades de una sociedad que trata de moldear a las personas. Temas tan siniestros como el machismo o la homofobia se intercalan con otros como la sinceridad, la confianza o la valentía. Un carrusel de emociones que supone la inmersión de lleno en el territorio del otro. Mención especial para el recurso de Solís de usar aviones de papel en la comunicación entre personajes. 8,2.
‘Fuego de Bengala’, por David Sánchez
El talento artístico de David Sánchez se define en trabajos cargados de niveles laberínticos: espacios que no permiten crear una voz exclusiva. Las capas de contenidos se solapan hasta el extremo de cautivar al lector en el interior de la propia historia, dando lugar a un estado de conexión entre creador y receptor próximo a una celebración litúrgica.
El tipo de dibujo, y el rotulado de color siguen siendo un sello identificable de su obra a primera vista. Esto podría ser desalentador, pero en ‘Fuego de Bengala’ encontramos dos novedades para estimular a las mentes más ansiosas por nuevas invenciones. La primera es la narración, que se desarrolla a la velocidad de un cohete, como en un videojuego. Y la segunda enlaza con el lenguaje televisivo, pues el imaginario conecta con dos series tan distintas entre sí como ‘Lost’ y ‘The Mandalorian’. 8.
‘La sangre de la virgen’, por Sammy Harkham
Al norteamericano Sammy Harkham le ha costado la friolera de 14 años concluir ‘La sangre de la virgen’. Un trabajo en el que Seymour, su protagonista, intenta abrirse hueco como director de cine de terror de bajo presupuesto durante los años 70. Es verdad que, con películas tan recientes como ‘Babylon’ de Damien Chazelle y ‘Érase una vez… en Hollywood’ de Tarantino, y series como ‘Hollywood’ de Ryan Murphy, el público puede sentir cierto hartazgo de esta época, por mucho que sea tan altamente admirada por los creadores de la industria cinematográfica.
Pero esta circunstancia no debería poner en peligro la atención hacia la obra minuciosa de Harkham. Cada personaje tiene su autoridad en una narrativa que habla de oscuras tragedias cotidianas. Las mismas que podemos trasladar a nuestros días y a nuestro entorno en cuanto a precariedad laboral, el tiempo que se emplea en ir y venir al trabajo, la conciliación familiar cuando se tienen hijos, la improvisación de los jefes ante la adversidad (o sin ella)… Una inspiración explicada por la profunda amistad con Joe Dante, director de ‘Gremlins’, y a la misma relación que mantenían los padres de Harkham, un matrimonio de emigrantes afincado en Los Ángeles. 8.
Kylie mantiene el top 1 de lo más votado de JNSP con ‘Tension’, pese a competir contra sí misma con ‘Padam Padam’. ‘Tension’ se ha llevado el 43% de los votos, por un 19% de “Padam” en el “desempate de Twitter”.
La entrada más fuerte queda fuera del top 10 por los pelos y es la de Lola Indigo con Dellafuente. Siguen Rolling Stones y Sofia Kourtesis. Por los pelos llegan al top 40 Tirzah, Royal Blood y Lea Leone.
Si había quien se preguntaba si el éxito de Olivia Rodrigo sería algo pasajero de un solo álbum, el lanzamiento de su segundo trabajo discográfico certifica lo contrario. La artista publicó ‘GUTS’ hace hoy justo una semana y, desde entonces, las canciones han inundando las listas de éxitos de las plataformas musicales. En Spotify, las doce pistas del disco se posicionan dentro de las 50 canciones más reproducidas de la semana, mientras que todas se posicionan dentro del top 20 si solo se tiene en cuenta Estados Unidos.
Pero, al igual que hiciera con su predecesor ‘SOUR’, la artista no solo está dominando en las plataformas. En la lista de éxitos oficial de Reino Unido acaba de entrar directo al número 1 tras vender un total de 60.300 unidades, siendo 10.000 de ellas ventas de CDs, casi 12.000 de vinilo y hasta 8.000 de cintas. Mueve más unidades que el resto del top 10 combinado y supera las 51.000 de su álbum anterior.
En Estados Unidos también conseguirá la primera posición vendiendo alrededor de 300.000 unidades durante la semana de lanzamiento, de las que cerca de 140.000 serán ventas puras. De esta forma, Olivia Rodrigo logra cifras casi exactas a las de ‘SOUR’ en el mismo periodo de tiempo, pues debutó en Billboard con 295.000 unidades.
Actualmente, la artista se encuentra embarcada en la promoción del disco. Hace unos días realizó una actuación en los MTV Video Music Awards 2023 de ‘vampire’ y el reciente single ‘get him back!’, del cual también ha publicado ya el videoclip. Además, el miércoles anunció su próxima gira mundial, que tendrá paradas en España el 18 y 20 de junio de 2024.
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