Aitana, Kylie Minogue y Rodrigo Cuevas han sido los grandes protagonistas de la última semana. Las dos primeras, cada una con su estilo y su público, han logrado dominar en ventas físicas y streaming con sus nuevos álbumes. Cuevas, por su lado, ha sacado nuestro Disco de la Semana. Hoy, los tres ocupan el top 10 de la lista de Álbumes España.
En lo más alto de la lista encontramos ‘Alpha’, que otorga otro número 1 a Aitana tras su ‘11 Razones’. La artista ha logrado con este lanzamiento sus mejores datos de streaming en España, y ha acumulado casi 20 millones de reproducciones en Spotify Global durante su primera semana (‘Spoiler’ y ‘11 Razones’ hicieron 12M y 9M respectivamente en su primera semana). Ha metido 12 canciones del disco en Singles España.
En cuanto a Kylie Minogue, su ‘Tension’ la ha llevado hasta la segunda posición. Hace tan solo tres días conseguía su noveno número 1 en Reino Unido gracias al álbum, que ha tenido éxitos internacionalmente como ‘Padam Padam’.
Nuestro Disco de la Semana, ‘Manual de Romería’, alcanza un gran noveno puesto. El disco folclórico de Rodrigo Cuevas se cuela entre los 10 más vendidos de la semana pese a su producción nada comercial. En Spotify, este nuevo trabajo le ha hecho ascender hasta los 150.000 oyentes mensuales.
Ismael Serrano también hace presencia en el top 10 con ‘La Canción de Nuestra Vida’, justo en la sexta posición. Dos escalones abajo encontramos ‘Septiembre’, álbum con el que Mikel Erentxun decide despedir el mes.
Logrando entrar dentro del top 30, Doja Cat cuela ‘Scarlet’ en el 28. El nuevo disco de la artista, que incluye uno de los mayores éxitos de este último trimestre, ‘Paint The Town Road’, ha hecho datos de streaming bastante buenos en nuestro país. De hecho, el single se encuentra en la posición 72 de la lista, cumpliendo ya cuatro semanas consecutivas.
El resto de entradas son de Sech con ‘El Bloke Hills’ en el puesto 32, Shakira con su álbum de 1998 ‘Dónde Están Los Ladrones’ en el 57, Yung Beef con ‘Bajo Bajo Mundo’ en el 64 y Ana Torroja con su ‘Frágil’ en el 71. Cerrando la lista tenemos en la posición 87 a Rawayana y su ‘¿Quién Trae Las Cornetas?’ y a Chambao con ‘En La Cresta del Ahora’ en el 99.
El dúo canadiense de electro-funk Chromeo ha anunciado hoy su próximo álbum. Se titula ‘Adult Contemporary’, lo compondrán 14 pistas y saldrá el 24 de febrero de 2024. Además, han publicado una nueva canción, ‘Personal Effects’.
En realidad, ‘Personal Effects’ no es el primer adelanto de ‘Adult Contemporary’. El dúo compuesto por Dave 1 y P-Thugg dio el pistoletazo de salida a su nueva era en marzo con ‘Words With You’. El tema seguía en la misma línea que el resto de su discografía, y a este lanzamiento pronto le continuaron ‘Replacements’ junto a La Roux y ‘(I Don’t Need A) New Girl’.
Tras la publicación de dichos temas, ‘Personal Effects’ se convierte ya en el cuarto single del disco. Se trata de una canción que invita a bailar, caracterizada por un instrumental bastante alegre. Dave 1 ha desvelado que es la última que agregaron al álbum. Su nuevo trabajo discográfico lo describen como «el más honesto hasta la fecha».
Aunque este es el primer disco del dúo en casi seis años, desde que en 2018 sacaran su ‘Head Over Heels’, los dos artistas no han dejado de trabajar. Este mismo año han participado en el álbum colaborativo ‘Clusterfunk’, donde también se encuentran Ric Wilson y A-Trak. Además, actualmente están de gira por América del Norte.
Estas son las canciones que formarán parte de ‘Adult Contemporary’:
1. (I Don’t Need A) New Girl
2. Got It Good
3. Lost And Found
4. BTS
5. Replacements (feat. La Roux)
6. Lonesome Nights
7. Personal Effects
8. She Knows It (Personal Effects Pt. 2)
9. Ballad Of The Insomniacs
10. CODA
11. Words With You
12. A Cut Above
13. Friendsnlovers
14. Two Of Us (Friendsnlovers Pt. 2)
Un año más, JENESAISPOP ha estado en la celebración del Festival de San Sebastián, que este año celebraba su 71ª edición acercándonos a algunas de las películas más esperadas de esta temporada, junto a interesantes títulos de menos renombre que, quizás, gracias al Zinemaldia y a su público van a tener una oportunidad.
El palmarés se dio a conocer el sábado por la noche, convirtiendo a Jaione Camborda en la primera mujer que recibe la Concha de Oro a la mejor película (por ‘O Corno’), y premiando también a ‘Kalak’ de Isabella Eklöf (Premio Especial del Jurado y Mejor Fotografía), ‘Chun Xing’ de Tzu-Hui Peng y Ping-Wen Wang (Mejor Dirección) y ‘Puan’ de María Alché y Benjamín Naishtat (Mejor Guión), entre otros galardones. Los de interpretación, ahora sin distinción de género, fueron para Marcelo Subiotto (‘Puan’) y Tatsuya Fuji (‘Great Absence’) en principal, y para Hovik Keuchkerian (‘Un amor’) en secundario. A continuación repasamos algunas de las películas que pudimos ver.
Sección oficial aparte, la “ganadora” en cuanto a películas en general es para mí ‘Past Lives‘. Fans de la trilogía de Linklater (‘Antes del amanecer’ y demás) o de ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’, no os podéis perder el debut en el largo de Celine Song, que viene de triunfar en Sundance. Una historia de amor que se va cocinando a través de los años y de la distancia, y que cabalga entre el romanticismo y el realismo ofreciendo una secuencia para el recuerdo (varias, en realidad, pero una va a perdurar en la memoria cinematográfica sí o sí). Y cierto paralelismo temático hay con ‘Fingernails‘ de Christos Nikou, para mí la mejor de Sección Oficial, aunque desde el principio sabíamos que no iba a ganar nada al tratarse de una comedia (con toques dramáticos, pero comedia). Jessie Buckley (‘La hija oscura’), Riz Ahmed (‘Sound of Metal’) y Jeremy Allen White (‘The Bear’) protagonizan esta mezcla de comedia romántica y ciencia-ficción sobre un novedoso método que permite saber si dos personas están realmente enamoradas… arrancándose una uña.
Con un tema parecido y acercándose aún a la comedia está ‘Fallen Leaves‘, con el toque personal de Ari Kaurismäki, ganador del Gran Premio de Jurado en Venecia y nominado al Oscar. El director logra sacar humanidad de unos personajes a priori tremendamente apáticos, casi robotizados por el sistema capitalista. La cinematografía podría ser perfectamente de una peli de los 70 (para bien). Si hablamos de triunfar, desde luego una de las más esperadas era ‘Anatomía de una caída‘, la ganadora de la Palma de Oro en Cannes, y con la que Justine Trier confirma su talento tras la divertida ‘El reflejo de Sybil’. Una mirada distinta al cine de juicios, con Sandra Hüller (la prota de ‘Toni Erdmann’) como protagonista, aunque quizás menos potente que las Palmas de los últimos años (‘Parásitos‘, ‘Titane‘ y ‘El triángulo de la tristeza‘).
Esperada desde luego era también ‘El chico y la garza‘, la última película de Hayao Miyazaki, y probablemente “última” de verdad teniendo en cuenta su edad y su salud. Muy buena despedida si al final resulta ser así, y reuniendo elementos constantes en todo su cine y Ghibli en sí como la pérdida de la inocencia, el antibelicismo o el duelo. El único nombre que podría hacerle sombra es el de David Fincher, cuya ‘The Killer‘ fue la película sorpresa de esta edición. Michael Fassbender y Tilda Swinton son los protagonistas de esta cinta que sigue a un asesino a sueldo aparentemente perfecto, como la dirección de fotografía y el montaje que suele caracterizar a Fincher, para ir poco a poco riéndose sutilmente de la propia intensidad masculina de este tipo de historias. Ojo: suena media discografía de The Smiths.
Otro de los nombres esperados era el de Jonathan Glazer, director de ‘Sexy Beast’ y de la peli de culto con Scarlett Johansson ‘Under the Skin’, estrenada por fin en España en 2020 gracias a Filmin, al no haber pasado por cines en los siete años posteriores a su estreno. El punto de partida de ‘La zona de interés‘ es desde luego llamativo: un capitán nazi y su familia que viven en una casa con jardín super cute, todo tipo de flores… justo al lado de Auschwitz. Y, tras ser nominada al Oscar por ‘El agente topo’, había ganas también de ver lo nuevo de Maite Alberdi. ‘La memoria infinita‘ es un documental precioso y duro sobre la relación entre Paulina Urrutia, ex Ministra de Cultura chilena, y su marido el periodista Augusto Góngora, que desde hace unos años sufría Alzheimer y finalmente falleció esta primavera.
Siguiendo con nombres potentes, lo nuevo de Koreeda y de Michel Franco. Este último viene de ganar el Gran Premio del Jurado en Venecia con ‘Nuevo Orden’, y ahora reúne a Jessica Chastain y Peter Sarsgaard en ‘Memory‘ para contar la historia de una mujer que intenta olvidar los abusos sexuales que sufrió en el instituto, conoce a un hombre con demencia y entre ellos se va formando un vínculo poderoso. Por otro lado, Koreeda repite en ‘Monster‘ su estructura de varios puntos de vista pero le vuelve a funcionar gracias sobre todo a su componente emocional, por primera vez en su carrera, con un punto LGBT que es clave en el desarrollo de la película.
El también japonés Ryüsuke Hamaguchi regresa tras el Oscar a ‘Drive My Car‘ y su consagración internacional definitiva con una película bastante más pequeñita, tanto en duración como en historia. ‘Evil Does Not Exist‘ es un alegato ecologista a través de un pueblo en el que una antigua agencia de representación de celebrities quiere instalar un glamping para pillar subvenciones de la pandemia. También vuelve Robin Campillo tras ‘120 pulsaciones por minuto‘ con una película inferior a aquella pero también recomendable. Con un tono muy distinto, ‘La isla roja‘ plantea una crítica al colonialismo francés en Madagascar a través de la (muy conseguida) mirada del hijo pequeño de un militar.
Dos películas de la Sección Oficial que no podrían ser más distintas son ‘Puan‘ y ‘Kalak‘. La primera es una comedia sobre filosofía y plagios universitarios (una idea bastante marciana, pero que aquí sale bien) con Marcelo Subiotto y Leonardo Sbaraglia, cuya novia en la peli es un cameo de la mismísima Lali Espósito. Al ser la comedia más “intelectual” de la Sección Oficial, es la única que se ha llevado un premio, mucho menos esperado que los que se ha llevado ‘Kalak’, bastante inferior en mi opinión pero muy del gusto de este tipo de jurados. Tiene un punto de partida potente, pero lo desaprovecha por completo durante dos horas que se hacen cuatro.
La duración se siente también excesiva en ‘The New Boy‘, la nueva de Warwick Thornton, en la que Cate Blanchett interpreta a una monja que se queda al cuidado de un niño aborigen que parece tener un sexto sentido. En cambio, las dos horas de ‘La tierra prometida (Bastarden)‘ se pasan volando: seleccionada por Dinamarca para los Oscar, resulta ser una película de aroma clásico muy bien construida y con la dignidad como tema principal. Además del genial Mads Mikkelsen, destacable también el trabajo de Amanda Collin (una de las protas de la serie ‘Raised by Wolves’). También pudimos ver lo nuevo de Christian Petzold, director de ‘Ondina’ y ganador del Oso a mejor dirección en la Berlinale; aquí ha venido con ‘Afire‘, una tragicomedia alemana que podría titularse con razón “La peor persona del mundo” debido a su protagonista.
Y no solo de intensidades vive el Festival: dos propuestas como ‘The Royal Hotel‘ y ‘El Sucesor‘ podrían estar perfectamente en el Festival en Sitges. ‘El Sucesor’ es lo nuevo de Xavier Legrand tras ‘Custodia compartida’, y es una absoluta bomba. Cuanto menos se sepa de ella antes de verla, mejor, pero podemos decir que empieza con un punto ‘The Neon Demon’ y luego los referentes son otros muy distintos. El viaje que hace Marc-André Grondin, que interpreta a su protagonista, es quizás la mejor interpretación vista en el Festival. Por su lado, Kitty Green, que debutó en la ficción con ‘The Assistant’, hace una divertida mezcla de géneros en ‘The Royal Hotel’. La peli empieza con una canadiense (Julia Garner, ‘Ozark’) en un pueblo perdido de Australia siendo seducida por un cani local que le pone temas de Kylie Minogue (real esto), pero acaba virando a una historia de terror donde el enemigo es el propio patriarcado. También tiene un fuerte componente camp ‘May December‘, y esto no nos lo veíamos venir del director de ‘Carol‘. Pero así es: Todd Haynes se entrega al mamarracherío (para bien), con Brian De Palma e incluso Adrian Lyne en el horizonte, y un dúo protagonista tremendo. Julianne Moore y Natalie Portman pasándoselo en grande con sus personajes, pero es que además Charles Melton suena como posible nominado como Actor Secundario para los Oscar.
En cuanto al cine español, el Zinemaldia acogía este año dos nombres tan potentes, en distintos terrenos, como son Isabel Coixet y J.A. Bayona, con la primera de hecho trayendo su ‘Un amor‘ a Sección Oficial. La directora adapta la multipremiada novela de Sara Mesa en una película que ha despertado pasiones y horrores (por aquí estamos en el primer grupo), y que, en cualquier caso, es lo más estimulante que ha rodado Coixet en años. Laia Costa, su protagonista, podría ganar el Goya por segundo año consecutivo tras ‘Cinco Lobitos’ y nadie se quejaría. Bayona, por otro lado, dirige para Netflix una superproducción sobre los supervivientes del accidente de Los Andes que inspiró ‘Viven!’ en los 90. ‘La sociedad de la nieve‘ se ha llevado el Premio del Público con la nota más alta de la historia del Festival, y no es raro: tiene a Spielberg en la cabeza en cuanto a conexión con el público y aquí se nota.
Otras dos producciones españolas menos ambiciosas pero muy interesantes han sido las de Isabel Herguera y Arantxa Echevarría. ‘El sueño de la sultana‘ es un largometraje de animación feminista y LGBT+ con mucho buzz para ser el que se lleve este año el Goya, y de fondo tiene el relato utópico escrito en 1905 por Rokeya Sakhawat Hossain, escritora feminista musulmana. Por otro lado, Echevarría trae una “segunda” peli (la segunda fue ‘La familia perfecta’, casi más un encargo) que venía con polémica por la temática tras ‘Carmen y Lola’, y con un título que no llevaba a buenos presagios. Pero, ojo, porque, aunque tiene ciertas costuras, ‘Chinas‘ está bastante mejor de lo que parecía. Y no podemos olvidarnos de la fumada que es ‘Mamántula‘, de Ion de Sosa. Dos policías súper intensas y con tensión sexual entre ellas persiguen a un asesino en serie que es mitad amante del leather, mitad alien-tarántula… y que mata a sus víctimas absorbiéndole la vida mientras les chupa la polla. Con esa premisa os podéis imaginar.
En cuanto a la sección Horizontes Latinos, una de las que más nos gustó fue ‘Clara se pierde en el bosque‘, con mucha presencia de música. La también escritora y actriz Camila Fabbri juega entre la realidad y la ficción con un finde que pasa su protagonista con la familia de su novio mientras hace un reportaje sobre la Tragedia de Cromañón (en la que murieron casi 200 adolescentes argentinos seguidores de la banda de rock Callejeros). La prota recoge testimonios que hablan sobre esto, pero también sobre lo que significaba el rock, los conciertos y, sobre todo, la música en su adolescencia ahora que está a mitad de los treinta. También pudimos ver ‘Toll (Pedagio)‘, esta vez con el Brasil de Bolsonaro de fondo, y una madre coraje que llega a cometer delitos para conseguir dinero con el que… meter a su hijo en una terapia de conversión. Pese al tema, se las ingenia para meter toques cómicos y acercarte a sus personajes.
En la sección Nuevos Directores destacamos los debuts de Niclas Larsson (‘Mother, couch!’) y de Henry Bernadet (‘Los rayos gamma’). ‘Los rayos gamma‘ es una historia canadiense que sigue a tres adolescentes de familias inmigrantes con un acercamiento cercano a ‘Skam’, mientras que ‘Mother, couch!‘ no parece un debut por su reparto: Ewan McGregor, Ellen Burstyn, Rhys Ifans, Lara Flynn Boyle, F. Murray Abraham y Taylor Russell se pasean por una mezcla de comedia absurda y sci-fi a lo Charlie Kaufman con un punto de drama familiar.
Y terminamos con una serie que es, posiblemente, la serie más esperada del año: ‘La Mesías‘. La serie de Los Javis para Movistar es, con diferencia, su proyecto más ambicioso, y esto se traduce en que a veces pincha, pero también se traduce en que estén aquí algunas de las mejores secuencias y de las mejores ideas que han hecho. El reparto, como suele ocurrir con ellos, funciona genial, pero se llevan la palma Lola Dueñas (una de los mejores papeles de su carrera, quizás EL papel de su carrera), Ana Rujas (mejor que en ‘Cardo‘ incluso), Albert Pla (una marcianada y un acierto a la vez) y el desconocido Biel Rossell, al que seguro vamos a ver mucho más a partir de ahora.
Yendry, una de las jóvenes promesas latinas a nivel internacional, visitará nuestro país a finales de año. La artista dará dos conciertos, pasando el 27 de noviembre por la sala La Nau de Barcelona y el 29 de noviembre por la sala Changó de Madrid.
La cantante, originaria de República Dominicana, empezó a darse a conocer en 2020, justo cuando la pandemia tenía a todo el mundo encerrado en casa. Si bien debutó con la canción ‘Barrio’ en 2019, fue su canción ‘Nena’ publicada en abril del año siguiente la que la volvió interesante para mucha gente.
Desde entonces, se ha caracterizado principalmente por su combinación del R&B con los ritmos llamados urbanos y la música latina. Las colaboraciones en las que participó en 2021 la ayudaron a redefinirse, destacando su ‘Instinto’ con J. Balvin. También hizo canciones junto a Damian Marley, Mozart La Para y Emocional Oranges.
Actualmente, Yendry cuenta con Francia, Colombia o España como países objetivo, donde busca ampliar su audiencia. Sin embargo, sus temas la han llevado a ser conocida hasta en Estados Unidos, pues su single ‘YA’ se coló en la lista anual de canciones favoritas de Barack Obama.
La artista dará dos conciertos en España con la intención de llevar su R&B a nuevos oyentes, pero la cifra con la que cuenta ahora mismo es bastante satisfactoria: más de medio millón de oyentes mensuales solo en Spotify. Quizás cuando actúe en nuestro país este noviembre se sumen unos pocos más.
I've always enjoyed listening to a wide variety of music, so it’s no surprise that I listened to a little bit of everything this year. I hope you find a new artist or song to add to your own playlist. pic.twitter.com/g6kBzAbrZG
Marcelo Criminal regresa con un álbum de 22 canciones. Pero no se asusten: son temas breves, muchos de apenas un minuto, sobre los grandes temas de la “criminalidad”: angustias del hombre joven contemporáneo ante una sociedad hostil. Bueno, del hombre y mujer jóvenes. Y de no tan jóvenes, qué puñetas. Básicamente, para cualquier habitante del hemisferio occidental que (sobre)viva en las procelosas aguas del mundo actual: inseguridades, ansiedad, síndrome del impostor, el capitalismo… Marcelo tiene una sensibilidad especial para recoger la cotidianidad y servirla como algo extraordinario. Cualquier gesto sirve para construir una canción. La cantidad de frases para enmarcar es demasiado abrumadora para enumerarlas todas aquí.
Pero no hay ninguna voluntad de epatar, sino de crear enormes canciones pop de desarmante sencillez. Sigue en su línea casi esquelética, esta vez es más sintético que en el anterior ‘Momento de auténtica realidad’, muy en la línea del Baix Llobregat (La estrella de David, Joe Crepúsculo, Primogénito López) en muchos de los temas. Pero todo llevado a su terreno personalísimo, conducido por su peculiar voz monocorde, producido una vez más por Alex López y coros de Juana García.
Porque a algunas ya nos gana desde el minuto uno cantando “¿Qué voy a hacer con mi colección de discos?” en la inicial ‘Cómo negociar en Qtar’, una melancólica oda a la acumulación sin sentido. Casi todo guitarra y sintetizadores, ‘La nueva sinceridad’, es uno de los momentos más primeros Magnetic Fields, junto con ‘Renovarse o morir’, canción de bajona y, a la vez, chanza de aquellos que buscan redención personal en la autoayuda o viajando al Tercer Mundo (“dicen que de los pobres se aprende un montón”). También hay preciosas miniaturas folkies como ‘Café de máquina’, sobre amoríos universitarios. O jangle pop a la Housemartins en la zumbona ‘Bromazepan’. La encantadora ‘Canción para llorar’ es apoyo emocional con algo de mala leche escondida. O ese pequeño quiebro final que remite una vez más a Stephin Merritt pero también a Los Planetas en ‘Loterías y Apuestas del estado’, con puyita a las casas de apuestas incluida.
Suma y sigue: hay folk con mandolina (y Nacho Vegas prestando fantásticos coros) en la fantasía política ‘El día que murió Pedro Sánchez’, que resulta cada vez más siniestra a medida que más la escuchas, pero a la vez es absolutamente adhesiva, porque no hay manera de quitársela de la cabeza. Aunque quizás la más acongojante sea la confesional ‘Mi propio infierno’, 55 segundos a capella donde Marcelo canta/recita: “seré mi propio infierno / porque hay dentro de mí algo que no quiero”, que culmina en un mantra “no puedo más”, que remite a los momentos más intensos de Astrud.
Pero si tuviera que escoger la mejor canción, me quedaría con ‘Qué hacemos luego’, un crescendo sincopado con sintetizadores mínimos que trata de amigos muertos a los que añoras y odias al mismo tiempo. Pero aún hay más: la guitarra desatada de ‘El Corte Inglés’, o ‘Examen de conciencia’, que es la balada-declaración de amor del disco. Otro momento culmen es ‘Otra noche más’, que empieza como reafirmación disco-dance para acabar siendo otra muestra de demoledora frustración. Y casi logra colar como suya ‘Labiodental’, versión de Mano de Santo de un bonus-track solo localizable en Spotify, que mejora la original a base de vocoder y ritmos trotones. El final llega con ‘Los últimos días’, que oscila entre la historia de una suicida/fugitiva y la crítica social, pero cierra con un hálito esperanzador: “aunque el mundo parece que va a acabar / nada acaba nunca”, para romper en un estallido casi industrial y house.
‘La última casa de apuestas’ te puede hacer esbozar más de una sonrisa. Pero las mayoría de las veces a ratos te puede romper el corazón o hundirte en la congoja, porque es un disco mucho más oscuro que lo que el maravilloso arte de Anabel Colazo da a entender. Y el mejor de Marcelo Criminal.
U2 han vuelto a los escenarios. Su anunciada residencia de conciertos en Las Vegas, ‘U2: UV Achtung Baby Live’, centrada evidentemente en el repertorio de su disco de 1991 ‘Achtung Baby‘, una de sus obras maestras, ha comenzado este sábado 31 de septiembre.
El inicio de la residencia era muy esperado pues suponía el estreno por todo lo alto del nuevo escenario The Sphere, ubicado en The Venetian Resort, en Las Vegas, en medio del desierto. Se trata de un recinto futurista diseñado por el zaragozano Miguel Fontgivell que cuenta con 1,2 millones de pantallas LED en su exterior y mide 111 metros de altura.
El concierto ha contado con un repertorio de 22 canciones y una asistencia de 18.000 personas, de acuerdo con La Vanguardia. Los primeros vídeos del directo no han tardado en circular por la red, llevando a muchos a comentar la «impresionante» estructura del escenario y a declarar que el recinto es «una locura».
| El auditorio “The Sphere” en Las Vegas, Nevada; tuvo su primer concierto con la banda de rock U2. pic.twitter.com/TxH33xjG4j
Coincidiendo con el inicio de la «gira» (una residencia de 25 conciertos), U2 han estrenado nuevo single. ‘Atomic City’ es una «canción de amor para nuestro público», ha dicho Bono, porque «donde estés tú, estaré yo». Ahora, en Sin City.
Beyoncé está preparando el estreno de la película que documenta su gira actual ‘Renaissance World Tour’. Fuentes cercanas a la cantante confirman a Variety que ya están avanzadas las negociaciones para que la cinta se distribuya a través de ACM Theatres en Estados Unidos. Las mismas fuentes adelantan una fecha de estreno provisional: el 1 de diciembre.
De acuerdo con la información publicada por Variety, la película de la gira de ‘Renaissance’ no solo exhibirá el espectacular directo ideado por Beyoncé para la gira, sino que también mostrará «partes del álbum visual» que Knowles lleva más de un año testando, para desquicio de sus fans, así como imágenes que documentan la creación del álbum y de la gira.
‘Renaissance World Tour’ es, ni más ni menos, la gira más exitosa de toda la carrera de Beyoncé, pues su recaudación ascendía a los 460 millones de dólares en agosto de 2023, citando a Billboard. En diciembre, se espera que la cifra ascienda a los 560 millones. Hoy 1 de octubre, la gira ‘Renaissance World Tour’ termina oficialmente en Kansas City.
La gira de Beyoncé llegó a Barcelona el pasado mes de junio. «En su espectacular despliegue de medios, la gira de Beyoncé es un «blockbuster» a tiempo real», comentábamos entonces, en referencia a la tecnología punta utilizada en el directo, a los cientos de cambios de vestuario de Beyoncé y al uso de decenas de elementos de atrezzo, incluido un caballo volador.
‘Renaissance‘, el último álbum de Beyoncé, también es uno de los mejores de su carrera. Os recordamos que a Knowles le dedicamos un episodio en el podcast ‘Revelación o timo’.
Muchos conocimos la historia del luchador Saúl Armendáriz, alias Cassandro, en el documental ‘Cassandro, the Exotico!’ (disponible en Filmin), de Marie Losier, autora del también fabuloso documental sobre Genesis P-Orridge ‘The Ballad of Genesis and Lady Jaye’. La mirada heterodoxa de la autora, siempre atenta a las manifestaciones artísticas surgidas en los márgenes, casaba muy bien con la personalidad apabullante y extravagante de Cassandro, un luchador abiertamente gay con desafiante expresividad drag en un mundo tan machirulo como la lucha libre mexicana.
No se puede decir lo mismo del también documentalista Roger Ross Williams. ‘Cassandro’ (Prime Video), su debut en la ficción, no puede ser más convencional. La película sigue al pie de la letra la gramática del biopic estándar en su vertiente épico-deportiva. Ross Williams no se sale nunca del cuadrilátero como hacía Cassandro. No vuela por los aires ni da volteretas imposibles por el ring.
El filme está más calculado que la aparición de Bad Bunny en varias escenas. Su personaje de camello sexualmente “confuso” tiene la relevancia dramática de un refresco de cola. Es puro márquetin. Por no hablar de la “arriesgada” playlist que acompaña las apariciones de Cassandro en el ring: ‘I Will Survive’, ‘Call Me’, ‘Yes Sir, I Can Boogie’… La que sí que no te esperas es la canción que suena en una discoteca de Ciudad de México: ‘Así me gusta a mí’, de Chimo Bayo.
Pero que todo esté fuertemente codificado, constreñido como las mallas de los luchadores y convenientemente blanqueado (la vida de Cassandro, que aparece como consultor en los créditos, tiene momentos mucho más escabrosos de los que aparecen en el filme), no quiere decir que no sea eficaz. ‘Cassandro’ funciona muy bien como entretenimiento plataformero.
Gael García Bernal se luce dando vida al luchador, interpretando él mismo casi todas las escenas de peleas y dotando de carisma y veracidad a su personaje. La narración es ágil y efectiva, con un buen equilibrio entre las partes dramáticas y las deportivas, entre el drama familiar y la historia de superación. Y la recreación del ambiente, esa mezcla tan “exótica” de folclore, representación circense y espectáculo deportivo, está muy lograda. Aunque al filme le hagan falta unas cuantas patadas voladoras y chorretones de maquillaje, se disfruta como una buena peli de tarde.
Empress Of, autora de temazos como ‘How Do You Do It’ y recientemente del EP ‘Save Me’, ha publicado una nueva canción esta semana, acompañada de Rina Sawayama, quien además ha sido noticia estos días por hablar de los abusos que sufrió por parte de un profesor. Estos hechos inspiraron su álbum ‘Hold the Girl’ aunque en su momento, no se sabía.
La colaboración de Empress Of y Rina Sawayama es menos truculenta, pues se trata de una producción bastante celestial llamada ‘Kiss Me’. Es nuestra Canción del Día hoy. Estamos ante un tema con cierto ritmo R&B pero con un piano y unas ambientaciones tan densos que la referencia podría estar más en Reino Unido (Kate Bush, Bat for Lashes) que en América (Tori Amos podría venir también a la mente).
La letra no puede ser más explícita en su anhelo de un beso, lento, «en el agua, en el cine, junto al fuego o bajo la luz de la luna», con una referencia a unas «alas» («And when I breathe / I’m breathing life / Into our wings») que han terminado inspirando el videoclip del tema. Una de esas eficientes producciones sencillas de Empress Of, que han producido Billboard y el dúo Valley Girl.
Jessie J, muy conocida en el mundo del pop por haber cantado y/o compuesto un puñado de hits multimillonarios durante la primera mitad de los 2010, como ‘Price Tag’, ‘Domino’, ‘Bang Bang‘ (con Ariana Grande y Nicki Minaj) o ‘Flashlight’, ha anunciado que ha dejado la discográfica multinacional en la que llevaba fichada durante 17 años, Republic Records.
En un vídeo subido en Instagram, Jessica Cornish ha dicho que tomó la decisión de abandonar su discográfica meses atrás, cuando todavía estaba embarazada, pero ha aclarado que en su partida no ha habido ninguna desavenencia. «No ha ocurrido nada malo y no ha sido dramático. Simplemente no me sentía cómoda estando en una discográfica y llevo sintiendo esto años. Así que he decidido dejar de confiar en mis instintos y directamente actuar».
En el comunicado, Jessie J comenta que «me siento agradecida por haber estado fichada en la mejor discográfica del mundo, pero debo ser honesta con quién soy en este momento y con lo que quiero para mi carrera». La británica bromea con que está «en el paro», pero aclara que no dejará la música, sino que se dedicará a una carrera independiente, y que sacará la música que quiera cuando quiera.
La de Jessie J no es la única partida discográfica ocurrida solo en 2023: en abril se conocieron las marcha de Halsey de Capitol Records (ahora está en Columbia Records) y de Anitta de Warner (ahora está en Republic Records). No hace falta recordar el caso de RAYE, que dejaba Polydor en 2022 y este año ha logrado un enorme éxito como artista independiente.
Jessie J ha publicado tres álbumes de estudio, ‘Who You Are‘ (2010), ‘Alive‘ (2013) y ‘Sweet Talker‘ (2014), además de la serie de epés ‘R.O.S.E.‘ (2018). Realmente hace 10 años de la última vez que Cornish logró un hit propio en las listas de éxitos. En 2018, de manera completamente insólita, ganó un concurso de talentos chino. Su último single, ‘I Want Love‘, data de 2021.
Un hombre vinculado con el asesinato de Tupac Shakur ha sido detenido y acusado de asesinato con uso de un arma mortal. Es la primera vez que una persona es detenida en vinculación directa con este caso, que nunca ha sido resuelto desde el asesinato de Tupac en 1996.
El hombre detenido, Duane Keith “Keefe D” Davis, es conocido por haber admitido públicamente en entrevistas y en su propio libro de memorias de 2019, ‘Compton Street Legend’, que se encontraba en el coche junto a Tupac en el momento de los disparos.
Davis no es la persona acusada como autora de los balazos, pero se le considera el capo, la persona que organizó la emboscada a Tupac, y en el estado de Nevada la persona que ayuda a que se cometa un asesinato puede ser acusado de ese mismo delito.
«Duane Davis era el que daba las órdenes a este grupo de individuos que cometió este delito y orquestó el plan que se llevó a cabo», ha declarado el teniente Jason Johansson, de la policía de Las Vegas, en declaraciones recogidas por The Associated Press.
Tupac Shakur falleció en septiembre de 1996 a la edad de 25 años, después de ser atacado a tiros desde un vehículo detenido en un semáforo en rojo en un cruce de Las Vegas. El rapero sufrió heridas de bala en el pecho, el brazo y la pierna, y tras seis días ingresado en el hospital, sucumbió a sus lesiones.
Además de asesinato, Davis ha sido acusado con la intención de promover, impulsar y ayudar a las actividades de una organización criminal.
A los 33 años que ha cumplido este viernes, Roosevelt se siente diferente a sus amigos. El «trabajo serio» que tienen sus colegas le hace sentir a menudo un bala perdida. Titulando ‘Embrace’ su cuarto álbum, el proyecto de Marius Lauber ha querido «abrazar», «aceptar» cuál es su labor en este mundo. En principio un nombre provisional, ‘Embrace’ se consolidó después como la palabra idónea para esta era, porque Roosevelt siente que son muchas las ocasiones en que tratamos de ocultar nuestros propios sentimientos o huir de ellos.
Autor y productor en solitario de toda su música, Lauber continúa en este disco la senda del synth-pop más espacial, el disco-funk más deudor de los años 70 y la densidad de aquello que se conoció como chillwave. «Nunca me ha interesado reinventarme a mí mismo disco tras disco», confesaba recientemente sin tapujos. «Creo que la evolución viene por sí misma y cuando escuchas mi primer álbum, hay arreglos de producción que ahora haría de otra manera, pero sé que para la gente es una diferencia pequeña». ‘Embrace’ es ese cuarto álbum en el que un artista mejora su fórmula en los detalles, no la transforma en absoluto.
El modo de abrazarse a sí mismo es por tanto aceptar también su estilo propio, como siempre dividido entre el desenfreno extático y el dolor. El single principal ‘Ordinary Love’ lo escribió en una cabaña aislada en California, inspirado por la euforia de un nuevo amor y también por su incertidumbre, resultando uno de sus clásicos medios tiempos contemplativos. Por el contrario, otro de los sencillos, ‘Rising’, se acerca a la energía de la EDM, por supuesto sin rozar tal cosa. Él es más sutil que todo eso: digamos que su filosofía es más próxima a la de un Caribou o un Flume.
El álbum incluye el funk de guitarras 70’s de ‘Luna’, los vientos sintetizados de otros singles como ‘Paralyzed’ -que escribió en Barcelona inspirado por Melba Moore y Gwen Guthrie- y temas que podrían explotar en el futuro, a destacar ‘Forevermore’. De nuevo en él lo mejor es la melodía realizada con los teclados, el gran gancho del tema, por encima del mismísimo estribillo.
Y es que en contra de lo que digan los números o los fans de esa voz que siempre deja las historias y las letras en segundo plano -en un lugar a menudo ininteligible-, en Roosevelt es esencial la labor de los instrumentales, que llena de capas y capas construyendo un pequeño «muro de sonido». Mucho mejor que esa anécdota llamada ‘Lake Shore’, el instrumental ‘Yucca Mesa’ no es una mera introducción para ‘Paralyzed’. Es la mejor descripción de ese espacio entre el cielo y el suelo en el que te sitúan las producciones de Roosevelt. A veces uno desea que esas secuencias de sintetizadores del artista durasen para siempre.
Roosevelt actúa el 13 de diciembre en Sala Apolo y el 14 de diciembre en Lula Club. Entradas, aquí.
Sencillamente divertido, sencillamente bonito, ‘Manual de Romería‘ es el disco definitivo de Rodrigo Cuevas. El artista asturiano nos atiende por teléfono desde una bicicleta estática en el gimnasio, añadiendo un adjetivo a nuestra definición del álbum: político. El performer que se ha hecho un nombre aunando la canción tradicional con los ritmos actuales se ha unido ahora a nombres como Eduardo Cabra y Guille Galván para parir una obra que, celebrando una romería, va a auparle aún más dentro de la escena española. Es nuestro Disco de la Semana.
Las melodías del disco son preciosas. Cuando se habla de tu música se suele hablar de su mezcla de tradición y vanguardia. Para mí la melodía, la canción, es siempre más importante. ¿Cómo lo ves tú?
Lo veo como tú. Creo que los discos hay que juzgarlos por su estética al completo, no solo por su valor etnográfico (que también). Pero esa mezcla ya no es nueva y está bien que el disco se juzgue por algo más. Como cuando valoras un disco de Beyoncé más allá de que mezcle electrónica con soul y ella venga del R&B.
‘Allá arribita’ y ‘Dime ramo verde’ son dos de esas melodías maravillosas del álbum. ¿Van seguidas por alguna razón? ¿De dónde viene cada una?
‘Allá arribita’ no está basada en la tradición, es una canción escrita por mí. Y ‘Dime ramo verde’ está basada en una canción tradicional de Sanabria que se llama igual. Es una de las canciones con el poderío lírico más impresionante que tenemos en España.
‘Allá arribita’ me ha recordado a la canción de autor de Vainica Doble, Serrat… Es muy 70s. ¿Es por un tema de acordes?
Me inspiré mucho en todo eso, en Serrat, a Vainica Doble las escuché mogollón. Creo que el secreto está en utilizar la métrica de las canciones populares para escribir canciones modernas. Modernas en el sentido de que tienen una estructura más amplia. Lorca hacía lo mismo, utilizaba las métricas tradicionales para escribir su propia poesía. Por eso ‘Allá arribita’ suena a los 70.
Estás hablando mucho en la promoción de la influencia de las polifonías vocales corsas. ¿Qué son exactamente? ¿En qué canciones aparecen?
La polifonía vocal corsa solo aparece en ‘BYPA’, la primera canción. Una polifonía vocal es un conjunto de voces que hacen distintas notas a la vez. Por el contrario, en una monofonía todo el mundo canta al unísono, que es lo que se ha solido dar en la tradición española. En Córcega tienen una tradición de polifonía vocal muy potente y A Filetta es uno de sus grupos más emblemáticos. Por eso les invité a colaborar en ‘BYPA’.
¿Esas otras veces “operísticas” a qué se corresponden?
En ‘Dime ramo verde’ llamé a un coro de niños en San Juan de Puerto Rico y grabamos la canción, que va destinada a mi yo de niño. Y me pareció guay que un coro de niños hiciera las voces. En ‘Yo nun soy marineru’ canta Beatriz Díaz, que es soprano y cantante de zarzuelas, entre otras cosas, pero sale solo por un motivo estético.
¿En ‘Valse’ no hay otra voz así?
Sí, pero es un sample creado a partir de mi propia voz.
¿Cómo has dado unidad a influencias tan dispares? ¿Cuál sería el elemento unitario, si es que has buscado tal cosa?
Lo que da unidad al disco es el concepto de romería. En el disco he buscado referencias a momentos de celebración, de exaltación, del paisaje… de esos momentos en que la belleza te embriaga, o eres consciente de lo maravilloso que es algo que tienes alrededor. Las pequeñas romerías. Las “petite romeries” que tenemos a lo largo del día.
Esa sensación de celebración se ha culminado con la actuación de ‘Cómo Ye?’ de TVE con la gente tirándote besos.
Sí (ríe) Ha quedado muy divertido, muy de romería.
¿Cómo has decidido la estructura del disco? En la secuencia hay varios interludios en los que no apareces etiquetado. Parece que el disco se divide con ellos en varias partes, y cada una de ellas incluye al menos una canción muy potente.
En los interludios no me he etiquetado porque yo ahí no he hecho nada (ríe). No son mías, ni las produje, ni las canté. Son personas que conozco, o que conozco a través de amigos que se dedican a la recogida de campo. Es gente del folclore.
En cuanto a la estructura, el disco no se divide en cuatro temáticas, la secuencia es la que me parecía que quedaba bien, pero en realidad está todo muy mezclado.
Has escrito con Guille Galván, de Vetusta Morla. Me gusta el grupo pero no precisamente por las letras, me gusta sobre todo por la evolución que han tenido produciendo y haciendo música. Pero con Guille has escrito letras.
Yo no soy letrista, realmente, o no lo he sido hasta ahora, y me sentía un poco inseguro. De Vetusta, el último disco me gustó mucho, sobre todo la parte de las letras, por cómo crean imágenes con palabras. Me parece un disco con mucha imaginería. Guille se ofreció y le dije que se viniera a trabajar conmigo. Juntos hicimos composición pero sobre todo trabajamos en la revisión de las letras.
«Hay gente que siente que se traiciona a sí misma cuando cambia de gustos o de estética, pero a mí me gusta mucho hacerlo»
Es llamativo la elección del productor, Eduardo Cabra. Has hablado del grupo Trending Tropics. Yo llegué a verlo en directo con el robot que sacaban al escenario. Pensé que era la única persona que recordaba a ese grupo. ¿Cómo has caído en sus brazos? Es muy diferente a Refree…
Soy de dar volantazos y me apetecía irme a una parte más bailonga y disfrutona. Evidentemente el disco es más de Calle 13. Trending Tropics fueron una referencia también durante le creación de ‘Manual de cortejo’ aunque no lo parezca, los escuchaba mucho en la época y se me quedaron grabados. Después, el disco de Rita Indiana me vuelve loco, así que decidí trabajar con Eduardo Cabra.
¿A qué te refieres cuando dices que eres de dar volantazos?
Me gusta una cosa y mañana la contraria, y creo que casi todo el mundo es así. Hay gente que siente que se traiciona a sí misma cuando cambia de gustos o de estética, pero a mí me gusta mucho hacerlo.
Tu trayectoria realmente es muy coherente, no es que hayas pasado del rap al kraut-pop. Dame un ejemplo de volantazo.
Dentro de mis discos, de ‘Tengo que subir al puerto’ a ‘Cómo Ye?’ hay bastante diferencia. Luego me gustan muchos tipos de músicas diferentes. Se ve en mis sesiones cuando pincho: mi nombre de DJ es DJ Volantazo (ríe).
¿A tus colaboradores les vuelves locos dando volantazos o eres una persona tranquila?
Les vuelvo un poco locos. Las estructuras de mis canciones nunca son regulares. En ‘Allá arribita’, el estribillo es muy ordinario, pero ni siquiera el primer “aaaay” mide lo mismo que el segundo. Al segundo le falta un tiempo. Así en todo. Nunca pongo la misma cantidad de versos en la primera estrofa y en la segunda. Esto me pasa porque me confundo en la grabación, y luego la confusión me gusta y la dejo. Y para estudiar las canciones, claro, los músicos se vuelven un poco locos.
‘Matinada’ es de mis favoritas, tiene una electrónica muy intrigante. Cuéntame sobre ella.
Es un resacón. Tenía que estar en el disco de la romería porque no hay romería que no se pague el siguiente día. Es un resacón la música, la letra, la forma de cantarla…
¿Para ti es importante hacer algo de vanguardia o rompedor?
Es importante para mí divertirme, y para divertirme tengo que hacer cosas que no haya hecho antes o que no me aburran. Repetir me aburre. Pero no hay una intención de ser vanguardista. Yo no creo que haga música experimental o intencionadamente vanguardista. Mi intención es divertirme, sorprenderme, y divertir y sorprender al público.
«Yo no creo que haga música experimental o intencionadamente vanguardista. Mi intención es divertirme, sorprenderme»
Fue muy divertido por ejemplo el videoclip de ‘Más animal’. ¿Crees aún en el formato videoclip?
Me gusta mucho ver videoclips, a través de ellos das al público más referencias estéticas de lo que va a ser el disco. Hacer vídeos por hacerlos es tontería porque te gastas un dinero enorme, en comparación con hacer discos son carísimos. Pero si tienes ideas hacer videoclips es una maravilla. Ahí está el de ’CASARES’.
Todo el mundo tiene clara tu función como performer. Es evidente que te encanta un escenario. ¿Cuán importante es la performance en tu música? ¿Se puede disociar música y performance? ¿Te imaginas un disco tuyo sin performance?
¡Qué va! ¿Pa qué? Para mí el disco es la presentación de lo que después voy a hacer en un escenario. Si por mí fuera casi no haría discos, haría espectáculos. Haciendo discos sufro muchísimo.
¿Por qué?
Porque en el estudio te enfrentas a todos tus demonios. El estudio es muy sufrido.
¿A qué te refieres?
El estudio se parece a verse desnudo delante de un espejo todo el rato, y delante de gente con la que lo estás grabando. Sale a flote todo: los defectos… todo lo que sale mal se ve muchísimo. Luego queda maravilloso, pero en el momento no lo disfruto.
¿Te refieres a carencias técnicas en el estudio, o a que escribiendo salen tus fantasmas?
Me refiero a inseguridades tipo “vaya canción de mierda”, “qué mal cantas”, “es el fin de tu carrera”, “te vas a meter en una deuda que no vas a poder devolver porque esto no es una mierda”.
No pareces ese tipo de persona.
Porque en el escenario me lo paso bien. En el escenario estás cobrando, en el estudio estás pagando (ríe) En los conciertos te ve gente que ha pagado por verte, pero cuando haces un disco, no puedes saber si alguien lo va a comprar.
«Las personas que tenemos voz y plataforma debemos dar opinión y denunciar. Si nos ponemos todos de lado, acabamos como la Alemania nazi»
En JENESAISPOP nos hemos mojado mucho políticamente por las elecciones. ¿Como artista crees que debes implicarte o crees no es necesario? El disco, en sí, no es político.
Yo creo que el disco sí es político. En las canciones hablo de muchas cosas que son políticas. ‘Valse’ es política, hablo del bullying. ‘Dime ramo verde’… Todo es política, incluso la diversión. El silencio también es político. Intentar ser una lechuza y que nadie te pueda ver ni recriminar una sola palabra es política. Las personas que tenemos voz y plataforma debemos dar opinión y denunciar. Si nos ponemos todos de lado, acabamos como la Alemania nazi.
¿Te han dicho algo en Sony de esta portada? Sales desnudo y en tacones.
No me han dicho nada, a Sony les encantó. Una tía mía sí me dijo que no le gustaba. Es la única persona.
¿A tu familia le has tenido que explicar algo?
A mí es que me da igual explicar estas cosas. Tienes que querer a la persona que tienes delante. Si quieres a una persona maquillada, para eso no me quieras.
Pasándose el día de lanzamientos por el sopapo, Eartheater ha publicado nuevo disco un miércoles cualquiera. ‘Powders’ está disponible desde el pasado 20 de septiembre y es el sucesor de ‘Phoenix: Flames Are Dew Upon My Skin‘, uno de los discos más sorprendentes que dejó 2020.
Y ojo porque ‘Powders’ no es el único disco que ha anunciado Eartheater recientemente: el siguiente, ‘Aftermath’, sale en 2024.
De momento, ‘Powders’ contiene nuevos alicientes para seguir hipnotizado con la voz de Eartheater y sos conjuros electrónicos. ‘Pure Smile Snake Venom’ ha sido uno de sus singles más inmediatos, ‘Chop Suey’ ha ahondado en su faceta folk… pero hoy nos detenemos en el último.
‘Crushing’, la Canción Del Día de hoy, es una canción 100% trip-hop, tanto por su base rítmica como por su elegantísimo arreglo de cuerdas. En ‘Crushing’, los violines se mecen como las olas del mar a las que alude la letra. ‘Crushing’ habla de las olas que rompen en la orilla… pero seguro que el segundo sentido de la palabra «crush» (cuando te pillas de alguien) también está muy presente en la historia.
Al fin y al cabo, ‘Crushing’ es una metáfora sobre el amor y el magnetismo del contacto físico. Alexandra utiliza la letra como si fuera una matrioshka poética, descubriendo en cada frase una nueva que se esconde debajo: «eres la llama que convierte la arena en cristal, eres el cristal que recoge el vino, eres el vino que me emborracha» o «eres la apertura de la concha, eres la concha que contiene la perla, eres la perla que brilla iridiscente» son algunas de sus anáforas.
Cuando el amor se transforma en deseo, Alexandra habla de un chico que le «pone», que es «sexy» y que «come bien el coño». Conclusión: «Me das bien de razones para seguir cayendo en tus brazos». Eartheater, enamorada hasta las trancas.
Kylie mantiene el número 1 de JNSP en la semana de salida de ‘Tension’ con el corte titular. En X ha obtenido el 46% de los votos. La entrada más fuerte llega hasta la 2ª plaza, ‘Got Me Started’ de Troye Sivan, que de momento no ha repetido el top 1 de ‘Rush’. También llega al top 10 lo último de Olivia Rodrigo.
Las entradas de la zona media son los nuevos singles de The National, el viral de Kenya Grace y Ralphie Choo junto a rusowsky. En las dos últimas plazas encontramos temas de Recycled J con Villano Antillano y Belako.
El pasado 22 septiembre salió ‘Tension’, el decimosexto álbum de Kylie Minogue y el primero desde 2020, cuando lanzara ‘Disco’. En esta ocasión, la artista vuelve a publicar un trabajo pop compuesto por once canciones.
El disco, en la línea de álbumes anteriores de Kylie Minogue, ha ido directo al número 1 de Reino Unido. La artista ha logrado vender más de 53.000 unidades en su primera semana, superando así al resto del top 5 combinado, donde se encuentran álbumes como ‘GUTS’ de Olivia Rodrigo.
Por otro lado, en cuanto al éxito individual de las canciones, Kylie Minogue ha conseguido posicionar su single ‘Padam Padam’ dentro del top 10, uno de los mejores temas de ‘Tension’. De hecho, gracias al lanzamiento ha regresado a las 200 canciones más reproducidas a diario en Spotify UK.
La cantante ha tenido un buen recibimiento en los distintos formatos de música, liderando también en la lista de vinilos. En cuanto al streaming, recibió más de 3 millones de reproducciones en Spotify durante sus primeras 24 horas, convirtiéndose en uno de sus mejores días en la plataforma.
Los 35 años de carrera musical de la artista la han consagrado como una de las más exitosas de nuestro tiempo. Al igual que hiciera con su debut ‘Kylie’ en 1988, Minogue todavía es capaz de reinar en la lista de álbumes con sus nuevos lanzamientos. ‘Tension’ la ha llevado a empatar con Bob Dylan y Coldplay en cantidad de números 1, con 9 cada uno, tan solo por detrás de Taylor Swift (10) y Madonna (12).
Rodrigo Cuevas está viviendo una de sus semanas más importantes del año. El pasado viernes publicó su tercer trabajo discográfico, ‘Manual de Romería’, que se ha convertido en nuestro Disco de la Semana. Ahora está sumergido en la promoción del disco y, para ello, ha visitado el plató de ‘Cafè d’idees’, donde ha hablado públicamente sobre si se ha presentado al Benidorm Fest.
Desde su primera edición en 2022, Rodrigo Cuevas ha sido uno de los nombres más reclamados por los eurofans para participar en la preselección española de Eurovisión. Sin embargo, el artista no había aclarado sus intenciones sobre una posible candidatura. Hoy, cuando se le ha preguntado al respecto, ha confesado que no se ha presentado y que tampoco planea hacerlo.
Los motivos los tiene claros: «Los eurofans son muy crueles y hunden a la gente, y yo no estoy para eso». El artista ha comentado que no quiere que nadie lo juzgue, tan solo su público, y que no desea ir a un programa «así de masivo»: «Quiero llegar al público a través del boca a boca, a través de una entrevista, a través de que me escuchen en la radio, en Spotify o donde sea». Rodrigo Cuevas ha confesado que no quiere ser tan famoso de un día para otro.
Además, ha expresado que le parece horrible que la «competitividad insana» que genera el fútbol haya saltado a la música, explicando que «los eurofans quieren mucho, pero quieren mal». No obstante, abre una pequeña puerta a la esperanza: «Cuando la gente aprenda a ver las competiciones con un poco más de deportividad iré, pero hasta entonces no».
El único de los participantes del Benidorm Fest que se ha manifestado por estas declaraciones ha sido Rayden, que ha aprovechado para felicitarle por su nuevo álbum. «Espero convencerte de que el Benidorm Fest no es un concurso donde competir, es un festival y espacio donde compartir relatos tan necesarios como el tuyo. Gracias por tu arte», ha escrito en Twitter.
La respuesta de Rodrigo Cuevas no se hizo esperar, y ha continuado en la línea de su discurso inicial: «Muchas gracias!! Me temo que no es lugar para mí, demasiada exposición, pero gracias por todo».
Discazo de @RodrigoCuevasG. Espero convencerte de que el BF no es un concurso donde competir, es un festival y espacio donde competir relatos tan necesario para el tuyo. Gracias por tu arte.https://t.co/OHOBrRhLv2
Imaginar a un dictador que ha provocado el sufrimiento de millones de personas como una suerte de vampiro decrépito puede tener su gracia. Desgraciadamente, Larraín nunca consigue dársela en las casi 2 horas que dura ‘El Conde’, su nueva sátira política que ha ido a parar directamente al catálogo de Netflix sin pasar por las salas españolas.
El chileno sigue desmarcándose de su propio estilo en cada película, aunque su cine siempre parece estar ligado, de una forma u otra, a una causa política. Tras dos películas biográficas centradas en la reivindicación de dos célebres mujeres en cargos públicos de alta responsabilidad (‘Jackie’, sobre Jacqueline Kennedy; y ‘Spencer’, sobre Lady Di), el cineasta regresa a su país para reinterpretar en clave de comedia negra la vida de Augusto Pinochet. No es la primera vez que el dictador aparece en su filmografía, ya lo hizo en ‘No’, pero frente a la tensión dramática y realismo de aquella, ‘El Conde’ pretende ser una sátira gamberra y mordaz.
El principal problema aparece ya en los primeros minutos. La película comienza evidenciando su interés por lograr una estética intrigante y, sin duda, consigue crear imágenes potentes y sorprendentes, pero es su extrañísimo tono -primero marcado por una desconcertante voz en off en inglés, después por todo lo demás- lo que impide que visualmente generen el impacto que deberían. Larraín está convencido de lo brillante de su idea -que, sobre el papel, puede serlo- y se olvida de desarrollarla o simplemente de generar algún discurso interesante.
Resulta frustrante ver cómo los actores se esfuerzan en dar vida a estos personajes tan planos, en aportar una intención cómica en sus intervenciones, y cómo dichos esfuerzos no pueden traducirse en la más mínima de las sonrisas por culpa de un guion ensimismado y superficial.
Intermitentemente, ‘El Conde’ ofrece tímidos momentos de interés -ciertas conversaciones entre la monja y Pinochet o alguna idea visual estimulante- pero se diluyen rápido en una narrativa que nunca encuentra el tono y a la que le falta garra por todas partes. Toda esa mala leche con la que claramente está escrita no traspasa la pantalla, se queda en tierra de nadie. Tiene mérito, eso sí, que Larraín se embarque en propuestas tan extrañas y personales como estas, pero la valentía en este caso no consigue levantar un proyecto que siempre se siente inerte, falto de vida. Su supuesta irreverencia -tan obvia- tampoco la hace particularmente transgresora. Todo se queda en una anécdota extraña y decepcionante dentro una filmografía en la que ya suman muchos más los fallos que los aciertos.
Cuando esta noche Ana Mena ha sacado su nueva canción, había quienes ya se sabían el ritmo y la letra de memoria. Y es que ‘Madrid City’, sin haber sido publicada, era la canción estrella de los últimos conciertos de la artista. Hoy, por fin, los fans pueden escucharla oficialmente en todas las plataformas musicales.
Se conoce la existencia del tema desde que, en su paso por el Arenal Sound este verano, Ana Mena sorprendiera con un pequeño adelanto del mismo. Los vídeos empezaron a correr como la pólvora en redes sociales y, desde entonces, los seguidores de la cantante llevan reclamándole su fecha de lanzamiento. Después de tanta espera, Ana Mena ha publicado este viernes la canción acompañada de su propio videoclip.
En la línea de ‘Children’ de Robert Miles y la reciente ‘Miracle’ de Calvin Harris y Ellie Goulding, en ‘Madrid City’ vuelve a apostar por ese pop-electrónico que ya caracterizó a ‘Las 12’. De hecho, el nacimiento de la canción ha sido muy similar, desde su proceso de composición junto a Mauricio Rengifo y Andrés Torres, hasta su campaña de promoción viralizándose previamente en Internet.
En cuanto al videoclip, Ana Mena hace gala de coreografía para enseñar una noche de fiesta con amigas. Hay referencias a su canción ‘Las 12’ y un cameo de la influencer Marta Díaz. «Esta canción está hecha para todas esas personas que busquen una canción que les emocione, que les alegre el día y con la que disfrutar; es la canción perfecta para la fiesta de Madrid”, ha comentado la artista.
Pese a que todavía no sabemos mucho sobre el proyecto en el que está trabajando actualmente, Ana Mena ha revelado a Revista GQ que guarda relación con una segunda parte de su segundo álbum ‘Bellodrama’. Dado que el disco fue publicado hace tan solo unos meses, induce a pensar que podría lanzar una edición deluxe. De momento, la cantante seguirá recorriendo España con su Bellodrama Tour.
El título del primer disco en solitario de J de Los Planetas viene de una de las citas más célebres de ‘Arrebato’, la gran película de culto del cine español del siglo XX. La «plena pausa» es una manera de expresar ese momento en el que una obra de arte (y/o las drogas) te absorben por completo, y es el resumen más gráfico de todo el contenido de la película: «Dime, ¿cuánto tiempo te podías llegar a pasar mirando este cromo…? ¿Te acuerdas?… ¿Y este?… ¿Y esta orla?… ¿Y esta página?… ¡Años, siglos…! ¡Toda una mañana! Imposible saberlo, estabas en plena fuga… éxtasis… colgado en plena pausa… ¡Arrebatado! ¡Mira!».
Recientemente la Filmoteca Española adquirió una serie de pequeñas películas perdidas del director Iván Zulueta, y le pidió a J que las musicara para una presentación en directo. El proyecto se redondea con la edición de un vinilo + DVD en el que puedes encontrar 10 canciones y 15 cortos (algunas pistas no cabían en la edición vinilo y J no quería que fuera doble), que aúnan las imágenes inéditas de Zulueta con las composiciones de J ideadas para ellas.
El líder de Los Planetas se ha inspirado en la música y el cine que «arrebataba» a Zulueta, poniendo también una parte de sí mismo y de folclore andaluz por el camino. Pero la referencia principal es la Velvet Underground y la Factory de Andy Warhol, de manera colateral el trabajo en solitario de Lou Reed, y finalmente el glam de los 70, lo que explica por ejemplo esos efectos de guitarra tan Bowie que aparecen en ‘Y la nave va’.
En España, la principal referencia sería Family. Los bajos de ‘Un soplo en el corazón‘ se asoman por canciones como ‘Mi ego está en Babia’, al tiempo que atendemos a algunas de las letras más naíf de J: «este avión me va a llevar al país donde vive Peter Pan». Redondeando todo el proyecto, dada la amistad entre Zulueta y Javier Aramburu, y su origen donostiarra, es este quien se ha encargado del diseño del LP.
‘Plena pausa’ es, por todo esto, una obra que se regocija en lo «meta», al mismo tiempo que un disco en solitario de J que puede degustarse sin mayor trasfondo intelectual. Hay que subrayar que el álbum no se inspira principalmente en ‘Arrebato’ -aunque hay muchísimos guiños- sino en las películas inéditas de Zulueta. En general, son cortos de 3 o 4 minutos más asequibles, lo que ha condicionado que el autor de ‘Ya no me asomo a la reja’, ‘La Copa de Europa’ y ‘El manantial‘ no haya podido entretenerse en grandes desarrollos, sino que haya tenido que terminar las canciones casi de manera abrupta.
En su consecuencia, la mencionada ‘Mi ego está en Babia’, ‘Natalia dice’ o ‘Arrebato (Un buen día para Iván)’ están entre las canciones más inmediatas que ha grabado J recientemente. Además, sin la carga sociopolítica de su último disco hasta ahora ‘Las canciones del agua‘. En la saltarina ‘Natalia dice’ realiza un paralelismo entre una miembro de su nueva banda -Natalia de 107 Faunos-, que es argentina, y Cecilia Roth, y también entre las películas que han visto durante el confinamiento tanto J y Natalia como los personajes de Cecilia Roth y Eusebio Poncela en las cintas.
Y ni que decir tiene que la transformación de ‘Un buen día’, el gran clásico de Los Planetas, en esta adaptación para Iván Zulueta, es el gran triunfo de este disco. Las imágenes de la película, pura cultura queer en sintonía con Warhol y el cine posterior de Almodóvar, con quien Zulueta trabajó en varias ocasiones, son pura poesía. Uno desearía que esa pieza durara mucho más.
Más psicodélica pero casi igual de pop es ‘Tormenta eléctrica’, con una inspiración más Jesus & Mary Chain, y un estribillo precioso:
«lo estuvimos intentando de verdad
en el mundo no había nadie que molara más
vivíamos en medio de una tempestad
por eso soy feliz cuando empieza a diluviar».
Uno más de los muchos paralelismos que podemos encontrar entre todos los artistas mencionados. «A mí me llaman el loco porque vivo arrebatado, estoy loco de cuidado» (‘Soleares del loco’) sería otra de esas frases que podrían aplicar a Zulueta, J, Aramburu y Reed. Hablando de lo cual, otra de las piezas imprescindibles aunque no disponible en vinilo, tan sólo en la versión DVD, es la película «Hotel», que se corresponde con dos temas llamados ‘Fandangos del rascacielos’ y ‘Los Desalmados’.
Forma parte de la mitología de la ciudad la relación de Zulueta con la Torre de Madrid y las palabras de J mientras Iván observa la ciudad en 1975, embelesan. Una persona parece que va a caer desde una enorme altura, desde arriba «todos nos parecen pequeños», atormenta «la angustia de saber que no hay ninguna esperanza y ha empezado a llover». Una estrofa rinde homenaje a Family (“Desde aquí domino el gran país, este rascacielos es gigante”). Otra fusila ‘Perfect Day’ de Lou Reed. Quizá por eso esta maravilla no podrá encontrarse en las plataformas de streaming.
Las películas familiares de los Zulueta incluso antes del nacimiento de Iván (‘Y la nave va’), ese momento de las ‘Romerías de Betty Boop’ en que vemos a Cecilia Roth maquillarse para una escena de ‘Arrebato’ y J canta «cuidadito con ella, que es peligrosa y está soltera», ese plano de ‘Película de Plata’ en que no sabes si un guapísimo Will More llora o bosteza mientras J dice que «no fuiste especial» o la importancia de ver a Ugarte (Santi) pasear por ‘Jaleo en la calle’, cuando fue él quien acuñó el término «Donosti Sound», son solo algunos de los infinitos detalles de esta obra que aglutina el mejor underground del siglo XX. Y solo se fabricarán 2.992 copias.
Delaporte, uno de los mejores grupos de pop español de la actualidad, por sus discos ‘Como anoche‘ (2019) y ‘Las montañas‘ (2020), vuelve con nuevo single y nueva gira. ‘Me la pegué’ es el primer adelanto de su próximo disco, que verá la luz en 2024. También es la producción más tecno que jamás hayan firmado Sandra Delaporte y Sergio Salvi. Y tiene su razón de ser: el directo será más importante que nunca en esta nueva era.
«En esta canción y en las que se publicarán próximamente», explica la nota de prensa, «la gente es el foco de atención a lo largo de todo el proceso creativo, haciendo protagonistas a las personas que acuden a los conciertos; también en las portadas y en los videoclips».
‘Me la pegué’ surge de una ruptura que lleva a Sandra a querer sudar sus preocupaciones en la pista de baile. “No quiero seguir hablando de amor romántico, es mentira, y la mejor forma de salir de ello es viviendo una fiesta con tu gente; es un proceso sanador», relata. «El invierno pasado me fui de Madrid, donde parece que tiene que pasar todo. Fue en Asia central y después en Cantabria donde empecé a componer el nuevo álbum y me di cuenta de que bailar me cura, de que el techno me cura y me llena el corazón y que es tan verdad como que respiro. En mis pedradas interiores que me impiden pasármelo bien, utilizo mis letras como mantras”.
Así, ‘Me la pegué’ habla de escapar lo que duele, de sacar un clavo con otro y de «borrar ese Disney de mi cabeza», y las duras percusiones de la base cumplen ese cometido de borrar de un plumazo cualquier sentimiento de angustia o desconsuelo. A su vez, la música se mira en el espejo de aquel electroclash que tanto bailamos allá por 2007, en la era «bloghouse», a la que recuerda.
Además, Delaporte han anunciado la gira ‘Aquí y ahora’ y un concierto el 9 de febrero en la sala La Riviera de Madrid, que incluye la posibilidad de adquirir una entrada doble para los compradores que quieran disfrutar, además, de una sesión especial en directo en la sala El Sol el 7 noviembre (hasta completar aforo). Los tickets estarán a la venta.
También están anunciados los conciertos del 13 de octubre en la fiesta de la Hispanidad de Madrid, el 14 en Love To Rock de Valencia, el 28 en la sala Camelot de Salamanca (Directos Vibra Mahou), el 3 de noviembre en la sala Universonoro de Palencia (Directos Vibra Mahou) y el 25 en el Valladolid Intro Music Festival (sold out). Próximamente se comunicarán más fechas.
PinkPantheress, la cantante británica curtida en TikTok que ha vuelto a poner de moda los ritmos garage y las canciones de 2 minutos o menos, ganadora del BBC Sound of 2022, vuelve con nuevo single. ‘Mosquito’ es presumiblemente el primer adelanto de su debut largo oficial.
Aún co-producida por Greg Kurstin, aliado de un sinfín de estrellas internacionales, de Harry Styles a Kelly Clarkson, ‘Mosquito’ conserva la gracia de las mejores canciones de PinkPantheress. De hecho, ella dice que es su favorita de todas las que ha escrito. Es la Canción Del Día de hoy.
Con una duración de 2 minutos y 26 segundos, ‘Mosquito’ es una de las canciones más largas firmadas por PinkPantheress (la de mayor duración es ‘Take Me Home’, que dura 3 minutos y 20 segundos). En ‘Mosquito’, a PinkPantheress ese tiempo le basta y sobra para entregar una simpática producción que alterna el sonido de una guitarra acústica con fantasías de producción varias, incluidos unos silbidos.
Ese es el envoltorio de ‘Mosquito’. En el interior de la composición encontramos una de esas melodías melancólicas que tanto gustan a la autora de ‘Boy’s a liar’ o ‘Just for Me’. Aunque la canción a la que más se parece, por sonido, es ‘Passion’.
Curiosamente, ‘Mosquito’ no habla de ningún desamor, sino de la relación de PinkPantheress con el dinero. Canta que despilfarra de tal manera que no entiende «qué ha pasado conmigo». Es lo que tiene hacerte de oro gracias a tu trabajo. Pero ella lleva su relación con la moneda a un punto de obsesión: «He soñado que estaba muerta y solo me importaba porque me separaba de ti». Same!
Jung Kook, integrante de BTS, sigue sumando éxitos en solitario antes de su retirada de la industria musical para iniciar su servicio militar en Corea del Sur. Después de colaborar con Charlie Puth en ‘Left and Right‘, un tema que está a punto de alcanzar los 800 millones de reproducciones en Spotify, el cantante surcoreano se ha apuntado un éxito mayor con ‘Seven’.
Top 2 en el global de Spotify, pues solo ‘Paint the Town Red‘ de Doja le impide volver al número 1, ‘Seven’ ha dado el mayor éxito en las carreras de Jung Kook (a solas) y Latto. Se trata de una agradable producción de inspiración UK garage que, en la letra, se vale del típico recurso de enumerar los días de la semana (de ahí el título de la canción) para ilustrar la intensidad de un amor. Y de algo más: la versión explícita directamente dice «te follaría todos los días de la semana».
Publicado a mediados del pasado mes de julio, ‘Seven’ -una producción de Andrew Watt y Cirkut- ha conseguido en apenas unos meses los mismos streamings que ‘Left and Right’ en todo un año. Antes de que acabe 2023 es más que probable que ‘Seven’ rebase la cifra diamante: los mil millones de streamings.
Mientras, Jung Kook no se queda de brazos cruzados y publica nueva música. ‘3D’, su nuevo single, está disponible desde hoy. Es una colaboración con otro de los raperos más populares de Estados Unidos, Jack Harlow, y una producción de Bloodpop y Davis Stewart que prueba un sonido diferente al de los singles anteriores. El funk de ‘3D’ recupera el sonido que concibieron Justin Timberlake y Pharrell Williams a principios de siglo, con resultados muy dignos.
‘3D’ habla de una relación virtual, vivida «a través del teléfono». Jung Kook canta: «si estás lista, te quiero ver en movimiento, en 3D». El pegajoso groove es irresistible, y el single de Spotify tiene a bien de incluir la versión instrumental como pista 2, por si te apetece seguir regodeándote en el seductor sonido que la producción ofrece.
Britney Spears ha convertido en una costumbre personal subir a su cuenta de Instagram vídeos de ella bailando en el salón de su casa. El último ha dado mucho de qué hablar en redes, pues Spears ha decidido grabarse realizando una intensa coreografía con dos cuchillos de cocina agarrados en cada mano. Detrás de ella, sus perritos no saben si acercarse o huir de la escena.
El vídeo ha provocado comentarios de asombro pero también de preocupación por el riesgo para la salud que supone bailar con un objeto afilado aparentemente sin un entrenamiento previo. Britney ha asegurado que los cuchillos son «de mentira».
El vídeo viral ha dado lugar a parodias inenarrables como la del actor y cómico Max Clayton, que ha reproducido la coreografía paso por paso disfrazado de Michael Myers de ‘Halloween’, aprovechando que de hecho Halloween está a la vuelta de la esquina. De hecho, Spears mencionaba esta festividad en la leyenda de su vídeo original.
A su bola, Britney ha levantado a sus seguidores esta mañana con un segundo vídeo de ella bailando con cuchillos. La cantante de ‘Oops! I Did It Again’ ha vuelto a asegurar que las navajas no son reales: «Sé que he asustado a la gente con el último post, pero los cuchillos son falsos, mi equipo los alquiló en una tienda Hand Prop de Los Ángeles. No son cuchillos reales. Nadie tiene por qué preocuparse o llamar a la policía». En las últimas horas, Spears ha recibido una nueva visita de la policía, informa TMZ, a raíz del vídeo.
Además, Spears ha dicho que el vídeo es un homenaje a Shakira. «Estoy intentando imitar a una de mis artistas favoritas, Shakira, en concreto una actuación que me inspiró mucho. Brindo por nosotras chicas malas porque no nos da miedo romper barreras ni correr riesgos». Spears se refiere a la reciente actuación de Shakira en la gala de los MTV Video Music Awards, donde la colombiana bailó con dos dagas. Como recordaréis, Spears y Shakira coincidieron en 2001 en una portada de Rolling Stone.
| El auditorio “The Sphere” en Las Vegas, Nevada; tuvo su primer concierto con la banda de rock U2. 
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"Els eurofans són molt cruels. Enfonsen a la gent"
