Dua Lipa recupera nuestro número 1 semanal con ‘Training Season’ en una de las semanas más reñidas que recordamos en la encuesta de X. Con el 33% de los votos supera el 30% de lo nuevo de Ariana Grande y el 27% de lo nuevo de Charli.
Otras novedades de la semana son Nena Daconte con Alberto Jiménez, María Escarmiento con Vau Boy, Mk.Gee y, por los pelos, Liam Gallagher con John Squire, 4batz, Faye Webster.
En inglés el término “sophomore slump” se utiliza en el contexto de la crítica musical para hablar de esos grandes debutantes que en su segundo disco se han “dormido en los laureles”. A la mente viene el ejemplo del segundo trabajo de los Stone Roses. Después de un debut monumental, nadie entendió qué pasó en el segundo.
Ese segundo disco puede decepcionar en términos comerciales. Le pasó a Christine and the Queens, que pasó de publicar con su debut el disco más vendido de 2014 en Francia, a caer en picado con ‘Chris’ (2018). A Duffy le pasó lo mismo: de venderlo todo con ‘Rockferry’ en 2008, cayó en el olvido con ‘Endlessly’, un disco que para colmo ni siquiera está disponible en streaming. Parece que su sello, o ella, o los dos, prefieren hacer como que no existe.
Pero también existe el “síndrome del tercer disco”. En el segundo, se espera que un artista confirme la promesa del debut. Pero lo difícil es consagrarse con el tercero. En la historia existen casos de grupos que llegaron al tercer disco escasos de composiciones después de haber publicado las mejores en sus dos trabajos anteriores. Y no les salieron igual de buenas. Le pasó a los Doors con el decepcionante ‘Waiting for the Sun’. También se da que el artista llega al tercer álbum estancado en el aspecto creativo, sin saber a dónde tirar.
Es el caso de probablemente el tercer disco más decepcionante de los últimos tiempos, ‘Solar Power’ de Lorde. Un disco influido por el pop optimista de los 2000, el de ‘A New Day Has Come’ de Céline Dion (2002) y las All Saints, más luminoso que un día de verano en Nueva Zelanda, que ni se acercó a ser la obra maestra que fue ‘Melodrama’ (2017). Curiosamente, el concepto de ‘Radical Optimism’, el tercer disco de Dua Lipa, que se publica en mayo, es similar al de ‘Solar Power’. Compartiendo estética playera e incluso influencias, de ‘Radical Optimism’ temeríamos lo peor si los primeros dos singles no fueran tan buenos.
Es llamativo que una de las influencias de ‘Radical Optimism’ confirmadas por la propia Dua Lipa es Primal Scream. Su ‘Screamadelica’ -que tanto inspiró el single ‘Solar Power’ de Lorde- es uno de los mejores terceros discos de la historia. El brit-pop también ha sido mencionado por la artista británica. Y aquí hay que recordar que el brit-pop ha sido capaz tanto de lo mejor como de lo peor: ‘Parklife’, una de las obras maestras de Blur, y ‘Be Here Now’, uno de los peores discos de Oasis, también fueron terceros discos.
(Como dato, ‘Screamadelica’ es solo uno de dos terceros discos que han ganado un Mercury Prize en más de 30 años de historia; el segundo y hasta ahora último es ‘KIWANUKA’ de Michael Kiwanuka).
El “síndrome del tercer disco” existe en tanto depende de las circunstancias del artista o grupo en cuestión. No es un hecho indiscutible que afecte a todos los artistas de la misma manera. Es más, funciona en diferentes direcciones, tanto para bien como para mal. Porque, de la misma manera que ha habido terceros discos de calidad discutible, también los ha habido que han consagrado al artista para siempre. Aquí hay que mencionar -de una vez por todas- ‘OK Computer’ de Radiohead, probablemente el “tercer disco” más famoso de la historia. De hecho, muchos de los mejores discos de 1997 fueron terceros discos: ‘Homogenic’, ‘Either/Or’, ‘Ladies and Gentleman, We Are Floating Into Space’ o ‘Soimedersol’ son algunos ejemplos.
En el aspecto comercial en algunos casos el tercer disco ha supuesto el gran salto a primera línea de un artista. Le pasó a U2 con ‘War’, a Rihanna con ‘Good Girl Gone Bad’, a Bruce Springsteen con ‘Born to Run’, a Madonna con ‘True Blue’ o a Metallica con ‘Master of Puppets’. En un caso extremo, ese tercer disco ha supuesto tal “breakthrough”, que ha parecido el debut del artista, como saben perfectamente Alanis Morissette con ‘Jagged Little Pill’, Janet Jackson con ‘Control’, No Doubt con ‘Tragic Kingdom’ o Green Day con ‘Dookie’, todos terceros discos aunque muchos no lo recuerden.
En casos, digamos, raros o extraños, o quizá no tanto, el tercer disco de un artista ha sido simple y llanamente el mejor. Ese trabajo en el que los astros se han alineado para que el artista diera lo mejor de sí, marcando su nombre en la historia. ‘Golden Hour’ de Kacey Musgraves es ese tercer disco que además ha ganado el Grammy a Álbum del año. Es más, la Academia ha gustado de premiar terceras entregas en más de una ocasión, como saben bien Arcade Fire con ‘The Suburbs’, Adele con ‘25’, Bruno Mars con ‘24k Magic’ o Harry Styles con ‘Harry’s House’.
Pero que el patrón no es el mismo para todos los artistas es evidente porque el tercer disco de un artista ha podido ser el histórico, como “Mellon Collie” de los Smashing Pumpkins, o simplemente un disco de transición. El disco homónimo de Britney Spears, el tercero, era irregular, pero aportaba cosas, en este caso, una visión futurista del teen-pop que había practicado en los dos álbumes anteriores. Y también una ruptura con aquello, en las dos producciones de The Neptunes que incluía. De hecho, algunos artistas han aprovechado la llegada de ese tercer disco para experimentar y romper con patrones del pasado. ‘Motomami’ es el disco rupturista de Rosalía, marcando el momento en que Vila Tobella está lista para divertirse, después de dos trabajos conceptualmente oscuros.
El parecido de ‘Radical Optimism’ con ‘Solar Power’ o bien hace parecer una pionera a Lorde, pues antes de ese disco no tantos artistas jugaron con esas influencias, o hace que esperemos el tercer disco de Dua Lipa con cierto recelo. Afortunadamente, no tardará tantos años en salir como algunos terceros discos que han pasado a la historia, como ‘Mezzanine’ de Massive Attack o, claro, ‘Third’ de Portishead. Teniendo en cuenta que el trip-hop es otra de las influencias principales de ‘Radical Optimsim’, no hay razones para dudar de Dua Lipa en absoluto.
Finalmente, ¿qué terceros discos NO han salido todavía pero el mundo espera como agua de mayo? Aquí hay que subrayar con rotulador fluorescente el nombre de Frank Ocean. Este año, además, llega el tercer disco de la dos veces oscarizada Billie Eilish. Y, suponemos que dentro de un siglo, el sucesor de ‘SOS‘ de SZA. A menos que se considere ‘Lana’ tercer disco o simplemente una extensión del segundo, a lo ‘The Fame Monster’. Pero ese ya es otro tema…
El próximo disco de Sr Chinarro será el 20º. Casi duplica en número de álbumes a Los Planetas, deja muy atrás lo que llegó a publicar Leonard Cohen y algún día rebasará todo lo que llegó a sacar David Bowie. Fiel a ese plazo antes habitual en la industria musical de sacar álbum cada año y medio aprox, Antonio Luque habla en su nueva entrega sobre todo de tres cosas: su visión del amor, historia de España y fin del mundo.
‘Me acaricio’, que cierra el disco, se entrega a las sonoridades country, pero se trata de una excepción, pues ‘Cal viva’ destaca por sus arreglos despampanantes. La gran seña de identidad del álbum son los arreglos de cuerda y viento, a destacar la trompeta de Adri Cruces y el trombón de Fernando Blanca, pues es más habitual en el mundo del pop asistir a algún featuring de violines y violoncellos. Estos arreglos empezaron sonando a Lambchop en la cabeza de Sr Chinarro, se acercaron al soul más clásico cuando las composiciones llegaron a manos de los músicos y al final terminan recordando alguna vez a La Buena Vida (Amateur sacan disco justo a la vez) y a la canción de española de los años 70.
En ‘V de Victoria’, uno de los singles, al final el tema se anima a emular una especie de disco-funk, si bien en general el efecto es costumbrista, más que embellecedor o dramático. ‘El muelle 1’ es la aceptación -llegada una edad, según él- de que quedarse en casa es lo mejor, lo que incluye citas al centro comercial, también a Anni B Sweet y una hilarante: «bastante tuve en Monkey Week«.
Otras veces lo que se nos está cantando no es tan inofensivo. ‘Carlos Haya’ se inspira en un aviador caído en la Guerra Civil, para más señas del bando nacional, siendo una de las que presenta mejor desarrollo y producción, pero también mejor humor. «Me apunto a un bombardeo» es su osado estribillo. Del mismo bando habla ‘El alto mando’, una narración sobre maquis y patriotas, sobre aquellos que hoy deciden ignorar la memoria histórica o incluso el Holocausto: “Se cambia la de Cristo, por la cruz gamada / Vieron los documentales y ahí están, como si nada”.
Por su parte, ‘Flipper’ es el tema que reflexiona sobre el fin del mundo, idea en la que reincide la final ‘Me acaricio’, en la que afirma que «nadie escapará al final» y contempla «el pasado con estupor». Tampoco es muy optimista el discurso de Antonio Luque sobre el amor. La primera frase del disco es «No, Cupido, no me dispares, por favor», un tema que parece un poco una excusa para rimar «mi corazón de exvoto» con «se afeita el escroto».
Como no podía ser de otra manera, la nostalgia en torno a la pareja que pudo ser y no fue deja una de las mejores composiciones: ‘Una escena’ contiene frases como «ni buenos ni malos en nuestra película» y «ojalá haberte conocido unos años atrás». Y la mirada al pasado, uno de los singles fundamentales. ‘Comunión’, presentado con una impagable portada en la que hay que localizar quién es el artista, es la que más remite a las grandes canciones melódicas de los 70. Cecilia, Vainica Doble. «Mi mejor amigo ya murió», canta pesadamente.
Buenas y malas noticias para Ariana Grande en las listas de éxitos de Reino Unido. La artista ha logrado el número 1 con ‘eternal sunshine’, algo que estaba prácticamente garantizado por la poca competencia. Sin embargo, en singles no ha corrido la misma suerte, conformándose con el top 3 para ‘we can’t be friends (wait for your love)’.
El esperado regreso de más de 3 años de Ariana Grande ha alcanzado la máxima posición en la lista de álbumes en UK. Supone el quinto top 1 de la cantante desde que consiguiera el primero en 2016 con ‘Dangerous Woman’. Despachando 38.208 ventas, se posiciona como el tercer mejor debut de Ariana Grande en Reino Unido, por detrás de ‘thank u, next’ (65.216) y ‘Sweetener’ (44.755).
Sin embargo, todo apunta a que la artista acabe la era sin ninguna canción número 1 en el país británico. No pudo con ‘yes, and?’, y tampoco ha podido ahora con ‘we can’t be friends (wait for your love)’. Se queda con la tercera posición mientras que ‘TEXAS HOLD ‘EM’ se mantiene en lo más alto, pasando a ser el single de Beyoncé con más semanas en el top 1.
La cosa será diferente para Ariana Grande en Estados Unidos. La artista reemplazará a Kanye West en el número 1 de la lista de singles gracias al crecimiento diario en streaming de ‘we can’t be friends’. Además, se predice que el disco se marque en torno a 230.000 ventas en su primera semana, superando las 174.000 de ‘positions’ pero quedando todavía lejos de las 360.000 que hiciera ‘thank u, next’ en su momento.
Las listas de éxitos globales tienen a un nuevo integrante dentro de su top 10. Su nombre es Djo y probablemente lo conozcas… aunque creas lo contrario. Su hit ‘End Of Beginning’ es una de las tantas canciones que lleva publicando desde 2019, cuando se abrió camino en su proyecto musical.
Pero entonces, ¿quién es Djo? Detrás de ese nombre artístico se esconde el actor Joe Keery, a quien quizás conozca por su papel de matón convertido en héroe de la serie ‘Stranger Things’. Y, aunque su tema ‘End Of Beginning’ formó parte de su disco poco sonado ‘DECIDE’ de 2022, el resurgimiento de la canción es tal que ya se encuentra dentro del top 3 mundial.
La realidad es que TikTok, mientras trata de entenderse con las discográficas o llegar a algún acuerdo, sigue siendo una plataforma capaz de lanzar al estrellato a cualquiera. Gracias a ella, Djo tiene ahora casi 30 millones de oyentes mensuales en Spotify. ¿La causa? El estribillo del single: «And when I’m back in Chicago, I feel it / Another version of me, I was in it /I wave goodbye to the end of beginning».
El verso en el que Joe Keery hace referencia a Chicago no solo está llenando TikTok de vídeos de la ciudad, sino que mucha gente está aprovechando la letra para hacer alusión a sus pueblos o ciudades. «Ese es realmente el objetivo de hacer música: que la gente tome tu canción, la aplique a su propia vida y la haga suya», ha comentado Djo sobre el viral de TikTok.
Antes de convertirse en una de las personas más famosas de Netflix, Djo probó suerte en el mundo de la música con la banda Post Animal. Ahora, con toda la fama que arrastra como actor, está intentando labrarse una carrera musical en solitario. ¿Estamos ante su ‘drivers license’?
“He hablado mucho sobre la cantidad de personas que no quisieron hacer esta película, y ya no soy una persona vengativa, he trabajado muy duro para dejar de serlo, así que esto es más bien una petición. Una petición para reconocer que ahí fuera hay muchísima gente que querría tener la oportunidad que se me ha dado a mí: el próximo Scorsese, la próxima Greta, el próximo Nolan, están ahí fuera, solo quieren una oportunidad. Entiendo que ésta es una industria con aversión a los riesgos, pero, en lugar de hacer una película de 200 millones, intentad hacer veinte de diez millones, ¡o cincuenta de cuatro millones!”. Si el discurso de Cord Jefferson recogiendo el Oscar a mejor guión adaptado por ‘American Fiction’ no acabó siendo el mejor de la gala fue porque estuvo el de Jonathan Glazer (denunciando la hipocresía de quienes alaban su película mientras ignoran el genocidio en Gaza), pero desde luego tuvo sentido esa reivindicación por parte de alguien a quien, efectivamente, le dijeron “no vamos a hacer esta película” muchas veces.
‘American Fiction’ supone el debut de Cord Jefferson en la dirección, ya que hasta ahora había sido guionista de series como ‘Watchmen’ (por cuyo guión se llevó el Emmy), ‘Master of None’ o ‘The Good Place’ y, antes de eso, periodista (escribía en medios como USA Today, y llegó a ser editor en Gawker). Jefferson quería adaptar la novela ‘Erasure’ de Percival Everett, y el proyecto no parecía interesar demasiado… un poco lo que le ocurre al protagonista del libro y de la película, Thelonius “Monk” Ellison. Monk es un escritor y profesor universitario al que acaban de invitar cordialmente a tomarse un tiempo libre, después de numerosas quejas de alumnos ofendidos; la última, una alumna (blanca) que abandonó la clase llorando después de que Monk escribiese en la pizarra “nigger”. “The N word!!!”, denuncia ella entre lágrimas en un momentazo nada más empezar la peli, y que recuerda a cierto “es esencial escuchar a las voces negras” que veremos más adelante.
El nuevo horizonte laboral de Monk hace que se plantee con su editor sacar otro libro, pero uno que la gente realmente compre, y ahí es cuando nuestro protagonista se indigna al ver que el best seller del momento es un “relato crudo” sobre la dura vida de los afroamericanos en el ghetto escrito por una chica afroamericana, sí, pero de clase alta y cuya vida bohemia dista bastante de las personas a las que quiere “representar y dar voz”. A Monk esto le saca de sus casillas porque las editoriales le dicen que sus libros no son “lo suficientemente negros” y, a la vez, en las librerías encuentra cómo un thriller escrito por él está en la sección de Estudios Afroamericanos, así que decide escribir una especie de Quijote al respecto. Envía una colección de clichés llamada ‘My Pafology’ (en lugar de ‘My Pathology’) a las editoriales bajo un pseudónimo, con la intención de reírse de la industria… pero la industria se toma en serio el libro, y éste se acaba convirtiendo en un exitazo, le piden los derechos en Hollywood, etc.
El problema de ‘American Fiction’ es que esto que os hemos contado, la sátira, es una de las dos películas que contiene; quiere ser eso y a la vez un drama familiar, y quizás podría serlo, con la crisis de mediana edad de su protagonista como pegamento, pero tendría que estar mejor resuelto. Y desde luego lo que se está vendiendo (desde el mismo trailer) es solo la sátira. Se ven las costuras por ejemplo con la banda sonora de Laura Karpman, un tanto plana y fuera de lugar para la primera peli, pero bastante más en tono para la segunda.
Como decimos, en esa “segunda peli” cuesta más entrar, pero tiene un buen seguro en su reparto: Jeffrey Wright y Sterling K. Brown (aunque hay un melón con su personaje) fueron justamente nominados a los Oscar, pero es estupendo también el trabajo de Tracee Ellis Ross, Erika Alexander o Leslie Uggams, además de personajes más relacionados con la parte de sátira como los de Issa Rae o Adam Brody (necesitamos ver ‘Aniquilación en la Plantación’). Y sí, esta parte de sátira funciona como un tiro: las relaciones entre la identidad y la clase social, el concepto de culpa blanca, el statu quo cultural o la burbuja en la que viven muchas personas consideradas de izquierdas son algunos de los temas que aborda ‘American Fiction’, que, sorprendentemente, cuenta entre sus defensores con gente que habla de cómo el “lobby woke” va a por sus hijos, y con gente que dice que no existe lo woke. A la vez.
Y lo gracioso es que paradojas como ésta se apuntan en la propia peli. Como bien dijo Paloma Rando, si ‘American Fiction’ hubiese ganado el Oscar a mejor película al que también estaba nominada, esto habría ido contra la propia peli… o quizás habría reforzado aún más su discurso. ‘American Fiction’ es, en definitiva, un buen retrato de la actualidad, aunque no funcione tan bien cuando quiere cubrir la forma en que esa actualidad (y esa hipocresía) afecta a sus personajes, más allá de a su protagonista. Está disponible en Prime Video, ya que en nuestro país no se ha estrenado en cines.
Meghan Trainor ha anunciado que su sexto álbum de estudio ‘Timeless’ sale el 14 de junio. Trainor, la artista que ha devuelto el doo-wop al mainstream, sigue apelando a la nostalgia de manera explícita después de titular su disco anterior ‘Takin’ it Back‘.
No vuelve al pasado, sino que sigue ahí, Meghan Trainor en el primer adelanto oficial de ‘Timeless’. ‘Been Like This’ es una actualización comercialota y divertida del sonido swing y big band de los años 20 y 30. Tan fiel es ‘Been Like This’ a ese sonido que la canción prescinde de todo sample aunque parezca lo contrario, tal y como confirma a JENESAISPOP su productor principal, Gian Stone. El rapero T-Pain ejerce el papel de artista invitado en ‘Been Like This’, como siempre, al autotune pegado.
«Soy pop star, y también soy esposa» canta Meghan en ‘Been Like This’. En la canción, además, Meghan presume de «culazo» y dinero.
‘Takin’ it Back’ fue el disco que dio a Meghan uno de los mayores éxitos de su carrera hace dos años. La megaviral ‘Made You Look’ es a día de hoy su canción más escuchada, superando ampliamente los streamings de algunos de sus éxitos previos de mayor repercusión, como ‘Dear Future Husband’ o ‘Me Too’. El sorpasso a ‘All About that Bass’ es improbable, pero no imposible. Eso sí, su canción más escuchada sigue siendo su balada con John Legend, ‘Like I’m Gonna Lose You’, que supera los mil millones de reproducciones.
En los últimos tiempos, Meghan Trainor ha reeditado ‘Takin’ it Back’ sumando el single ‘Mother’, se ha aliado a Jason Derulo en ‘Hands on Me’ y ha colaborado con Mae Stephens en la graciosa ‘Mr. Right‘.
Nick Cave & the Bad Seeds ha anunciado la gira de presentación de ‘Wild God‘, su nuevo disco. Y la gira pasará por España.
El tour de ‘Wild God’, que comenzará el 24 de septiembre en Oberhausen (Alemania) y finalizará el 17 de noviembre en París (Francia), incluye tres conciertos en la península que tendrán lugar a finales de año: el 24 de octubre en el Palau Sant Jordi de Barcelona, el 25 de octubre en el WiZink Center de Madrid y el 27 de octubre en el MEO Arena de Lisboa.
En su primera gira por Reino Unido y Europa desde 2017, Nick Cave & the Bad Seeds tocará canciones de su próximo álbum de estudio junto con clásicos de su extenso catálogo. Como teloneros contarán con tres invitados especiales dependiendo de cada ciudad, estos son, Dry Cleaning, The Murder Capital y Black Country, New Road. En el caso de la península, el grupo telonero será The Murder Capital.
Las entradas para los conciertos de Nick Cave & the Bad Seeds en España se ponen a la venta el viernes 22 de marzo a las 10 de la mañana (hora local) en la web oficial de Nick Cave. Puedes rellenar el formulario para apuntarte a la lista de espera en este enlace.
‘Wild God’ se pone a la venta el 30 de agosto. El primer adelanto, el corte titular, está disponible desde hace unos días.
Mother Mother es una de las bandas de rock más populares del momento. Sus escuchas en Spotify doblan las de Arcade Fire, por comparar dos famosas bandas canadienses. Los 500 millones de streamings de ‘Hayloft’, los 300 millones de ‘Verbatim’ y ‘Burning Pile’, los 200 millones de ‘Arms Tonite’ o los 170 millones de ‘Oh Ana’, sitúan a Mother Mother en una posición privilegiada. Una banda que debuta en el año 2005, haciendo en 2024 números a lo Drake o Taylor Swift. No, el rock no está muerto, solo hay que saber dónde mirar.
Claro que lo de Mother Mother también tiene mucho de pop: las melodías de ‘Hayloft’ o ‘Verbatim’ son pegadizas hasta lo enfermizo. La voz chillada de Ryan Guldemond y la voz aniñada de su hermana, Molly, crean un contraste tremendamente efectivo. Digamos que el sonido de Mother Mother -banda nacida en Quadra Island- está más cerca del de Foster the People que del de Muse. Aunque las guitarras hard rock asoman de vez en cuando en su discografía, como en su canción más escuchada, ‘Hayloft’. No extraña que TikTok haya acogido estas -y otras- canciones de Mother Mother con entusiasmo a pesar de haber sido publicadas hace años o décadas.
En este contexto de éxito post-TikTok, Mother Mother continúa su carrera y acaba de publicar su noveno álbum de estudio. ‘Grief Chapter’ es un disco preocupado por la muerte aunque, como ha contado Ryan en una entrevista reciente con JENESAISPOP, no afronta la muerte desde la tristeza o el pesimismo. De hecho, las perspectivas de ‘Grief Chapter’ en torno a este tema son variadas y originales.
Aunque la pista final ‘Grief Chapter’ retrata un sentimiento familiar en el duelo, el de la realización de que “ya nada va a ser lo mismo”, en el álbum, Ryan no se atasca en el miedo, sino que encuentra humor en la naturaleza finita de la vida. “Mujeres y bebés, sois los primeros en la cola” se atreve a cantar en ‘Nobody Escapes’, el himno de apertura. Después, el suicidio es evocado solo para darle la espalda (‘Days’) o como metáfora de la vida laboral. “Suicidio de 9 a 5” es el gancho de la enérgica ‘The Matrix’. Mejor aún, en ‘End of Me’, Ryan “fantasea” con su propio funeral y se lo imagina como si fuera una gala de premios.
En esta última canción, Ryan se pregunta si está “loco” por pensar tal cosa. Pero las canciones de Mother Mother llegan con tanto nervio que las supuestas majaderías de Ryan suenan cómodas en contexto. En la funky ‘Explode!’, Ryan no puede consigo mismo y canta que que necesita una “camisa de fuerza después del sexo”, que ni el Xanax le relaja y que solo descansará cuando haya muerto. La muerte, otra vez atravesando el disco aunque no en una visión que esperas.
El nervio de Ryan es evidente en lo visceral de sus actuaciones vocales -en contraste con la dulzura de Molly en la bonita ‘Forever’-, en los ataques de guitarra acústica de las canciones de ‘Grief Chapter’, en sus arranques pseudo-metaleros (‘Normalize’) y también en las letras del disco que se pueden considerar autobiográficas. Su bulimia le hace cantar en ‘Head Shrink’ literalmente que “come para vomitar” y que su cuerpo “desnudo” es “grotesco”. Y en ‘God’s Plan’ ofrece un retrato patético-cómico de sí mismo cantando que Dios solo le ha podido crear puesto de cocaína. Es “una ITS” con patas, señala.
Todo este brío está presente en las canciones de ‘Grief Chapter’ incluso cuando estas tiran a lo bucólico, como ‘To My Heart’, que no puede sonar más contenta aunque Ryan vuelva en ella a las andadas cantando que “a algunas personas las he torturado con mi voz”. También en una producción vívida y cruda que es un asalto a los sentidos. Y por supuesto se nota en unas melodías que -como de costumbre- parecen diseñadas para el furor popular. Con estribillazos como el de «¿Qué es normal? Nadie es normal?» de ‘Normalize’, que Mother Mother dedica a su público queer, con el cual dice sentirse especialmente afín, ¿cómo no va a estar el grupo tan arriba?
Hoy se ponen a la venta nuevos discos de Justin Timberlake, Kacey Musgraves, Four Tet, Tierra Whack, Estopa, Caity Baser, The Dandy Warhols o Maria Jaume, y el epé de Alba Morena.
Cardi B lanza uno de los sencillos destacados del viernes mirando a ‘MIAMI’. Aunque sigue sin haber noticias de nuevo disco. Y aparece en un segundo single hoy, ‘Never Lose Me’ de Flo Milli, por si fuera poco, acompañada de SZA.
Quienes sí comparten los primeros adelantos de sus próximos trabajos son Zayn Malik por un lado, y Meghan Trainor por otro. Vampire Weeekend estrenan el tercer single de su álbum.
Las novedades se amontonan por otro lado dejando nuevos singles de The Lemon Twigs, MARLENA, Kenya Grace, El Último Vecino, Holly Humberstone, Rorro, TOLEDO, Samuraï, Waxahatchee, La Zowi, Elbow, Las Dianas, WILLOW, Derby Motoreta’s…
Por último, comentamos la curiosidad del día: dani dacostas se atreve a versionar un clásico del pop, ‘Una sola palabra’ de Paulina Rubio.
Rosalía y Alejandro Sanz están haciendo una canción juntos. Ninguno de ellos lo ha anunciado, pero sí su compositor: Manuel Alejandro. El artista, que ha compuesto antes canciones para Raphael y Rocío Jurado, se encuentra trabajando en la colaboración entre ambos cantantes.
En una entrevista para Hora 25 de Cadena SER, el músico jerezano ha confesado que está haciendo una canción que cantarán a dúo Rosalía y Alejandro Sanz. Y, aunque aún no ha sido registrada, sí que se atreve a decir que hay un verso que le gusta mucho.
Manuel Alejandro se reunió en su casa con los dos estas Navidades. Mientras que Alejandro Sanz es su ahijado, Rosalía es una artista que le emocionó durante su actuación en los pasados Grammy Latinos. «Ella me dijo que puso como condición que tenía que cantar esa canción en Sevilla», recuerda Manuel Alejandro sobre ‘Se nos rompió el amor’, canción que él compuso y que Rosalía interpretó en la ceremonia.
«La última lagrima que eché con una canción mía fue con Rosalía. Cuando la vi en los Grammy en Sevilla. Se me salieron las lágrimas, escuchando a esa niña cantando esa canción de una manera que acertó absolutamente. La cantó con el sentido que tiene la canción, con la pena que da que se rompa algo que estaba funcionando, que estaba floreciendo. Ahí está la cosa», ha explicado el compositor sobre la actuación de ‘Se nos rompió el amor’.
Según Manuel Alejandro, Rosalía quiso demostrar en Sevilla que «ella cantaba en serio también, que no solamente hace ‘MOTOMAMI’, sino que también puede hacer canciones serias y bien construidas». Ahora, tanto Alejandro Sanz como Rosalía están trabajando con el compositor. El tema se unirá a una lista de más de seiscientas canciones escritas por Manuel Alejandro y que han cantado, entre otros, Raphael, Rocío Jurado, Julio Iglesias, Nino Bravo, Jeanette o Luis Miguel.
Neil Young ha regresado a Spotify. El artista, que anunció en 2022 que retiraba su música de la plataforma después de que el polémico podcast de Joe Rogan difundiera información falsa sobre las vacunas de COVID-19, ha anunciado su vuelta aunque a regañadientes.
Aparte del polémico podcast de Joe Rogan, Young fue bastante crítico con Spotify por publicar sus canciones «en mala calidad»: «¿Por qué iba a dejar mi música ahí cuando suena como una película pixelada?». Esto le hizo tomar la decisión de eliminar todo su catálogo definitivamente.
Sin embargo, dos años después, parece que Neil Young ha cambiado de opinión. ¿El motivo? Mientras que el podcast de Joe Rogan era exclusivo de Spotify en aquel entonces, ahora ha dejado de serlo y se ha extendido a Apple y Amazon.
«Spotify, la número 1 del mundo en streaming de baja calidad; Spotify, donde obtienes menos calidad de la que hemos hecho, volverá a ser mi hogar», ha escrito el artista en un comunicado. «Esta decisión llega después de que Apple Music y Amazon Music hayan empezado a servir los mismos podcast de desinformación a los que me opuse en Spotify. No puedo abandonar Apple y Amazon, como hice con Spotify, porque mi catálogo tendría muy poca salida en streaming para los amantes de la música».
Pese a ello, Neil Young espera «que Spotify se decante por la alta calidad y ponga la música al alcance de todos». «Spotify, ¡puedes hacerlo! Sé realmente la número 1 en todos los sentidos. Tienes la música y los oyentes. Empieza con un nivel de alta resolución limitado y trabaja a partir de ahí», ha escrito el cantante. La música de Neil Young todavía no está disponible en la plataforma, pero se espera que todas sus canciones vuelvan a aparecer en su perfil en los próximos días.
FKA Twigs está trabajando en su trabajo discográfico. Así lo ha hecho saber en Vogue UK, donde ha sido entrevistada por protagonizar la portada del mes. La artista ya tiene varias canciones preparadas para su próximo proyecto, además de un concepto en mente para el disco.
Según la artista, la «luz guía» del álbum que hay en camino es Lewis Roberts, más conocido como Koreless, que está presente casi en su totalidad. «Diría que con todo esto nos hemos hecho muy buenos amigos», confiesa el productor. Sin embargo, no es el único que ha trabajado en la nueva música de FKA Twigs, pues también destaca Stargate, el dúo noruego detrás de hits como ‘Diamonds’ de Rihanna y ‘Irreplaceable’ de Beyoncé.
El género principal del proyecto es la música dance. La artista explica cómo se ha acercado a ella para las canciones que ya ha acabado: «Entras en un gran almacén y todo el mundo está bailando. Todo el mundo se ve genial, pero no están ahí para llamar la atención, sólo están ahí para bailar. Son como ángeles, cada persona es un ángel. Y pensé: esta sensación es la mejor del mundo».
No obstante, FKA Twigs se muestra reacia a considerarlo un disco de música dance. «Es una carta de amor a cómo me hace sentir la música de baile», especifica la artista. Aunque algunas de las canciones ya se escucharon el pasado octubre en el concierto de Valentino en Paris, aún no se han publicado oficialmente. Parece que la espera está a punto de terminar.
Zayn Malik ha anunciado su cuarto álbum de estudio en solitario. El artista, que hace unos días compartió el fragmento del single principal, ha desvelado el título y la portada de su siguiente disco. Se llama ‘Room Under The Stairs’ y, aunque todavía no conocemos la lista de canciones, sabemos que saldrá el 17 de mayo.
Después del fracaso de su anterior álbum, Zayn publica este nuevo proyecto bajo la discográfica Mercury, que cuenta con otros artistas como Post Malone o Noah Kahan. «Creo que la intención de hacer este disco es que el oyente me conozca mejor como ser humano. De mis ambiciones, mis miedos… Para que tengan una conexión con todo eso, y por eso es tan crudo», comentó hace unos días Zayn Malik.
Se rumorea que ‘Room Under The Stairs’ sea un álbum country o de música alternativa, como así lo sugiere su colaboración con el productor Dave Cobb. «Estoy haciendo un disco que no creo que la gente se espere. Es un sonido diferente para mí», confesó el cantante en Call Her Daddy. «Y tiene algo más de narrativa, como experiencias de la vida real y cosas así. Se menciona a mi hija un par de veces».
El single principal saldrá mañana en todas las plataformas digitales. Se titula ‘What I Am’ y servirá como carta de presentación de la era que el exmiembro de One Direction tiene preparada. ¿Habrá dado esta vez en el clavo?
Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes sociales.
Kali Uchis da a luz
Kali Uchis y Don Toliver han dado la bienvenida al mundo a su primer hijo, un varón que ha nacido «hermoso y sano». En el aspecto profesional, Kali puede celebrar también el éxito de su canción con Peso Pluma, ‘Igual que un ángel’, extraída de su disco de este año ‘Orquídeas‘, que se mantiene fuerte en reproducciones.
Lil Nas X se corta el pelo
Nueva era, nuevo look. Lil Nas X ha sorprendido a sus seguidores cortándose el largo pelo afro que llevaba desde hace tiempo. Ahora, el rapero apuesta por el «buzz cut» de cara al lanzamiento de su próximo trabajo, un mixtape llamado ‘Nasarati 2’ que verá la luz próximamente. De su segundo álbum de estudio, tras el estrepitoso fracaso de ‘J Christ’, nada se sabe.
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Así de barroca se ha dejado ver Madonna en la fiesta posterior a los premios Oscar que organiza cada año. Parece que se va a poner a cantar ‘Vogue‘ en cualquier momento. Madonna cuenta que, aunque se lo ha pasado bien en la fiesta, va necesitando unas buenas vacaciones. Eso sí, se muestra contenta de haber conocido a Cillian Murphy, su «actor favorito».
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El paso de Aitana por París ha dado de sí, pues la autora de ‘Alpha‘ no solo ha conocido a su ídolo, Anne Hathaway, sino que también ha visitado Disneyland París. Además, ha posado con la superestrella catalana Julieta, en una de las imágenes del carrete que adjuntamos.
El retorno de *NSYNC
El disco de Justin Timberlake sale ya y el cantante acaba de actuar en Los Ángeles para promocionarlo. Tremenda sorpresa se ha llevado el público cuando, en un punto del show, las cortinas se han abierto revelando a los cuatro integrantes de *N SYNC haciendo coros detrás de Justin. *N SYNC se han reunido para cantar su inminente colaboración con Timberlake ‘Paradise’. De ‘Better Place’ parece que prefieren no saber nada.
La visita de Rosalía a Inditex
Ha sido uno de los vídeos más comentados de los últimos días, el de la visita de Rosalía a las oficinas de Inditex en Arteixo, A Coruña. Rosalía ha conocido a Amancio Ortega y a su mujer, Flora Pérez, y ha aprovechado para darse una vuelta por las oficinas en patinete, falda al viento. Parece que la visita era laboral, pues parece que Rosalía prepara una colaboración con el gigante textil.
El breve encuentro de Lana Del Rey y Billie Eilish
Volvemos a los Oscar para comentar la instantánea de Lana Del Rey y Billie Eilish posando juntas. La foto la ha subido Lana a su Instagram expresando cuánto quiere a la autora de ‘Happier than Ever‘. Lana y Billie ya se conocen desde hace tiempo y, en una imagen de 2018, posaban igualmente abrazadas.
El look de Rigoberta Bandini
«Nueva personalidad desbloqueada» escribe Rigoberta Bandini compartiendo esta nueva imagen de ella con gafas redondas que, si nos dice que es su nueva foto de DNI, nos lo creemos. Aunque lo que llama la atención de la foto es por supuesto esa camiseta «World Champ» llena de colores chillones que lleva puesta la autora de ‘Ay mamá’. Ella sigue enfrascada componiendo nuevas canciones.
La Barbie de Kylie
De Barbieheimmer a… ¿Barbie Minogue? Kylie Minogue, que, entre los Grammy, los BRITs, la gala Billboard Women in Music y los Oscar, no ha parado, ha tenido tiempo de anunciar su propia Barbie. La muñeca de Kylie está diseñada -por supuesto- en el look de ‘Padam Padam‘, y Kylie -por lo que parece- no puede estar más contenta con el resultado.
Diplo
Así de refrescado se ha dejado ver Diplo practicando el «self care» en un avión. Y los decimos por las dos fotos que ha subido. En la primera, posa con una máscara facial de Hello Kitty (y el pelo teñido en color rosa chicle). En la segunda, se fotografía descamisado en el baño del avión.
Hoy se han puesto a la venta las entradas para el concierto de Lola Índigo en el Bernabéu… y hoy se han agotado. La artista, que pisará el estadio blanco el 22 de marzo de 2025, ha logrado colgar el cartel de sold out en tan solo unas horas.
En total, serán más de 53.000 personas las que acudirán al nuevo Santiago Bernabéu para disfrutar del concierto de la cantante. La artista ha descrito el espectáculo como un recorrido por las diferentes etapas de su carrera, repasando así todos sus éxitos con una «espectacular y trepidante» puesta en escena y coreografía. De ahí el título ‘La Bruja, La Niña y El Dragón’.
Tal y como prometió a sus seguidores, la cantante de ‘Yo Tengo Un Novio’ ha apostado por precios populares y asequibles para las entradas. De hecho, sin contar las VIP, las entradas más caras apenas alcanzaban los 60€, mientras que las más baratas eran de 30€.
Pese a tardar meses en llenar su pasado WiZink, Lola Índigo se ha sumado fácilmente a la todavía reducida lista de artistas que agotan el Bernabéu. Entre ellos, Aitana, que fue su compañera en Operación Triunfo 2017, y Taylor Swift, quien inaugurará el estadio el 29 y 30 de mayo.
Aparte de su esperado concierto el 22 de marzo, que Lola Índigo ha confesado a JENESAISPOP que será el día más importante de su vida, la artista granadina también ha lanzado su nuevo single. Su colaboración con Manuel Turizo, ‘1000COSAS’, es oficialmente un hit. Acumula ya más de 4 millones de reproducciones en Spotify y se mantiene dentro del top 3 de nuestro país en la plataforma.
«El lavado de cerebro ha funcionado y ahora la gente piensa que la música es gratis» es la gran cita que ha dejado James Blake recientemente en X. Lamentando el penoso -paupérrimo- beneficio que la mayoría de artistas recibe del streaming, Blake ha hablado en contra de una industria musical que, en su opinión, favorece el déficit de atención y penaliza el arte.
Pero, en las últimas horas, Blake ha anunciado que tiene un plan para reparar la industria que revelará en cuestión de días. El autor de ‘Loading‘ cree haber dado con una buena «solución» para empujar a la industria musical a compensar de manera justa a sus artistas.
Las palabras de Blake se han producido a cuento de la versión «sped up» de James Blake de ‘Godspeed’ de Frank Ocean que se ha viralizado en tiempos recientes. Blake asegura que ni él ni Frank han visto «un duro» por la repercusión de esta versión adulterada de la canción porque el audio está catalogado como «sonido original» en «todas las plataformas». James Blake ha hablado entonces a favor de que se pague por la música. «Si queremos música de calidad alguien debe pagar por ella», ha escrito el artista británico. «Los servicios de streaming no pagan adecuadamente, los sellos quieren un margen de beneficio mayor y esperan sentados a que te hagas viral, TikTok no paga como debe ser, y costear una gira cada vez es más prohibitivo para los artistas».
El autor de ‘Overgrown‘ ha mostrado además su preocupación por la creciente popularidad de la música creada con inteligencia artificial. Cree que el sistema actual favorece la producción de música «rápida y barata» y sospecha por tanto que es cuestión de tiempo que la música creada con inteligencia artificial se imponga en la industria, pasando ya a suponer económicamente a los artistas «nada en absoluto». James Blake ante todo critica la «tiktokificación» de la música y defiende que los músicos «deberían poder vivir solo de su música» en lugar de pensar vías de remuneración alternativas en base a un viral. Y reta al público: «¿Quieres buena música o quieres lo que has pagado»?
Numerosos artistas han apoyado a James Blake en redes, entre ellos el mismísimo Kanye West. Lauren Jauregui -ex integrante de Fifth Harmony- ha expresado su desánimo por que «todo el mundo crea que los artistas no tenemos derecho a ser compensados por nuestro trabajo». A colación de las declaraciones de James Blake, Sevdaliza ha señalado que aunque lleva años de trabajo a sus espaldas y cuenta con una base de fans sólida que la apoya, sigue sin poder librar un solo fin de semana.
Es alarmante que James Blake, un artista que ha colaborado con los artistas mejor posicionados de la industria musical, de Beyoncé a Travis Scott, denuncie que no puede vivir exclusivamente de la música grabada. ¿Cuál puede ser su idea? ¿Retirar su música de Spotify a lo Joanna Newsom? ¿Ofrecer su discografía incompleta, o en peor calidad? ¿Imponer un límite de escuchas? ¿Articular algún tipo de colaboración con TikTok? ¿O acaso James Blake ha sindicado a sus compañeros de gremio contra TikTok y la inteligencia artificial? ¿Se acerca una nueva revolución a lo ‘In Rainbows‘? ¿Va a reinventar el CD? Recientemente Universal ha retirado todo su catálogo de TikTok por su desigual retribución a sus artistas, pero no se sabe si los tiros irán por ahí.
Por supuesto, la queja de Blake no es nueva. Plataformas de streaming como TIDAL o Bandcamp existen precisamente para compensar apropiadamente a los artistas al contrario de lo que lo hace Spotify o por supuesto Youtube, el coladero de versiones «sped up» por excelencia. Claro que su cifra de usuarios es drásticamente -o dramáticamente, mejor dicho- inferior a la de Spotify o Apple Music. Ni cabe decir que las ventas de iTunes son completamente irrelevantes hace rato.
El acceso que las plataformas proporcionan hacia toda -o casi toda- la música existente, unido al hecho que la oferta ha aumentado y se ha diversificado hasta extremos inasumibles, son dos motivos que pueden explicar que se pague menos por la música hoy en día. Si nadie se compromete o encariña con un artista porque escucha cien al día, es difícil que termine pasando por caja después. Esta no es la situación ideal que probablemente imaginábamos una vez superada la piratería. Pero artistas como James Blake, que, en la jerarquía de la industria, ocupan un espacio medio, que se ganan la vida tocando en festivales y no en estadios, deben poder recibir una compensación a la música de calidad que publican en el mercado.
Por otro lado, la realidad de la industria es más complicada, pues el formato físico, aunque lejos de la época de gloria de los 80, 90 y primeros 2000, no acaba de morir, la venta de vinilos o incluso CDs sube aunque sea a escala minúscula, las entradas a conciertos se agotan a meses o años vista a precios desorbitados porque la gente no tiene dinero para nada pero sí se gasta 300 euros en una entrada de Madonna o Beyoncé, los macrofestivales siguen haciendo caja año tras año, verano tras verano, y, bueno… existe Taylor Swift, cuyas 87 versiones alternativas de todos sus discos prácticamente sustentan el equilibrio de las tiendas de discos independientes. Al menos las de Estados Unidos. Claro que Taylor Swift solo hay una. Ojalá hubiera más.
La idea de que James Blake puede combatir el problema de la injusta retribución a los artistas es idealista, pero habrá que esperar a que ponga su idea sobre la mesa. De momento, cuenta con el apoyo de otro grande, Kanye West, y el productor Dominic Maker ha afirmado que «después de 15 años en la industria» la idea que James Blake le ha propuesto le ha «volado la cabeza», y ha apuntado que está «muy emocionado» por el futuro de los «creadores» en la industria. Contamos los días…
Residente ha anunciado la gira mundial de ‘Las letras ya no importan‘, su nuevo disco. Y las primeras dos fechas le ubican en España. El 14 de septiembre, René estará actuando en el Palau Sant Jordi de Barcelona, y el 15 de septiembre será el turno del WiZink Center de Madrid.
Las entradas para los dos conciertos de Residente en España se ponen a la venta hoy 14 de marzo a partir de las 15 horas.
Es una posibilidad que Residente prepare algún encuentro en España con los artistas españoles que participan en su disco, entre ellos Sílvia Pérez Cruz y la actriz Penélope Cruz. Ambas aparecen juntas en el single ‘313’.
La gira de ‘Las letras ya no importan’ pasará además por Nueva York, Buenos Aires, Santiago o Ciudad de México, entre otras ciudades, abarcando los meses de septiembre a noviembre, y concluyendo con una última fecha en diciembre en San Juan, Puerto Rico, país natal del que fuera integrante de Calle 13. A continuación detallamos toda las fechas.
SEPTIEMBRE
14 – BARCELONA
15 – MARDRID
18 – NEW YORK, USA
20 – LOS ÁNGELES, USA
27 – BUENOS AIRES, ARGENTINA
Johnny Marr, Black Lips o Sen Senra figuran en la tanda definitiva de nombres que confirma WARM UP para su cartel de 2024. WARM UP se celebra durante los días 3 y 4 de mayo.
Crystal Murray, Kiddy Smile, la revelación María Blaya, INNMIR, CHICA Gang, DRUMMIE y Drizzclare ponen punto y final a las confirmaciones del cartel.
En la programación de WARM UP ya figuraban en la letra grande The Blaze, Bomba Estéreo, Editors, Viva Suecia y Los Planetas. Estos, como es sabido, están de gira rememorando su disco de debut de 1994, ‘Super 8‘, por su 30 aniversario.
Entre los artistas que pasarán por el recinto de La Fica se encuentran también Sleaford Mods, Tommy Cash, French 79, rusowsky, Sidonie, La La Love You, Judeline, Mujeres, Cupido, Ginebras, Ladilla Rusa y más.
Con los abonos VIP agotados y a punto de colgar el cartel de sold out con los abonos generales, la organización de WARM UP anuncia también que las últimas entradas de día están disponibles en la web del festival.
‘The Past Is Still Alive‘ de Hurray for the Riff Raff es nuestro Disco de la Semana. Su entrega a la Americana aunque no le agrade tal etiqueta suena como un acierto tras otros experimentos con sintetizadores y estilos. El single principal del álbum fue ‘Alibi’ y mi debilidad es ‘Buffalo’. Pero quizá es ‘Hawkmoon’ la mejor manera de entrar en el álbum, por el componente visual de su videoclip, y por eso es nuestra Canción del Día hoy.
Hurray for the Riff Raff se fue de casa de adolescente, ha vagabundeado en trenes de mercancía de mala muerte y autobuses y eso es lo que cuenta en esta letra que habla de alcohol, carnés falsos y sobre todo aventuras. Como por ejemplo el día que conoció a “Miss Jonathan”, la primera mujer trans con que topó hace ya muchos años, a la que “pegaron en la calle” y tenía “una antena de coche con forma de dildo”.
Este sinfín de recuerdos random funciona sobre una de las melodías más pegajosas, más pop-rock, del conjunto. Contribuye y mucho a este dinamismo un sencillo pero entretenido videoclip en el que Hurray for the Riff Raff y su acompañante se adueñan de un botín por las carreteras de Nuevo México. Destrozan coches, se alojan en moteles, se bañan en dólares… aunque estemos hablando de un pasado lejano. En el momento actual, Alynda afirma que teme haberse convertido exactamente en aquella persona que le advirtieron que se convertiría.
Hurray for the Riff Raff actúa en Tomavistas junto a artistas como Los Planetas, Phoenix, Belle & Sebastian o The Jesus & Mary Chain.
Dua Lipa, Coldplay, SZA y Shania Twain (hablando de revival country) encabezarán el cartel de Glastonbury 2024. El anuncio se produce apenas un par de días después de que se empezase a descartar que actuara Madonna, y un día después de que Dua Lipa anunciara su nuevo disco, ‘Radical Optimism’. Saldrá un mes, casi dos antes, de que se celebre el macrofestival entre los días 26 y 30 de junio. Glastonbury anuncia que quedan muchos nombres por confirmar.
En la segunda línea del festival están LCD Soundsystem (de nuevo en activo), Little Simz, Burna Boy y PJ Harvey, junto a gente como Cyndi Lauper (quizá la gran sorpresa, aunque ya estuvo en 2016), Michael Kiwanuka o Janelle Monáe.
En la categoría “otros” que propone el propio festival están IDLES, Disclosure, The National, The Streets, Camila Cabello, Anne-Marie, Avril Lavigne, Bloc Party o la revelación The Last Dinner Party. En otras categorías destacamos a Sugababes, Romy, Fontaines DC, Orbital, London Grammar, Peggy Gou o The Breeders.
‘Texas Hold’Em’ es una de las escasas canciones de toda la carrera de Beyoncé que ha conseguido ser número 1 en Reino Unido y Estados Unidos a la vez. Exactamente la segunda, 20 años después de ‘Crazy In Love’. En medio por supuesto ha tenido todo tipo de aciertos artísticos y comerciales, pero parece que la respuesta nunca fue tan rápida y unánime como con este ‘Texas Hold’Em’. No desde ‘Crazy In Love’.
Encaminadísimo a ser uno de los éxitos más grandes de la carrera de la artista, sobre todo porque el disco al que pertenece, ‘Cowboy Carter‘, ni siquiera ha salido todavía y seguro que en su secuencia cobra incluso más sentido, es hora de preguntarse… ¿Realmente esta es una de las canciones más importantes de la carrera de Beyoncé? Os ofrecemos una opinión a favor de la redacción, y otra en contra.
«Después del monumental ‘Renaissance’, lo último que me esperaba es que a Beyoncé le diera por el country. La intención parece ser repetir la jugada: apropiarse de una música reconocible, pasarla por el filtro Knowles, hacerla suya y redefinirla. Esta vez con el género más “americano” posible. Pero la apuesta no le ha salido tan bien. ‘Texas Hold ‘Em’ es repetitivo, casi ramplón, más una parodia de lo country que un tema que podamos encuadrar en el imaginario del género, rematado por una línea de bajo tan sumamente tópica que me pone un poco nerviosita. El final-final del tema es el que nos hace entrever lo grande que podría haber sido, al romper en un piano claramente house y la Beyoncé más soul. ‘16 Carriages’, aunque sea algo mejor, también adolece de lo mismo. La impresión que dan ambas es que estamos ante unas muestras, unos bosquejos, más que ante las canciones en sí, que nunca sobrepasan la sensación de ser una introducción a… ¿qué?». Mireia Pería.
«Es muy decepcionante que este estándar country sea lo mejor que puede ofrecernos en 2024 un perfil tan ambicioso y perfeccionista como el de Beyoncé. Por supuesto ella tiene un plan para que reivindicar su origen texano y la labor de artistas afroamericanos en el country, como fue el caso de Lesley Riddle, tenga un sentido profundo. No va a renunciar a intelectualizar todo lo que toque la gran artista conceptual del siglo XXI. Pero también ‘Texas Hold’Em’ termina funcionando por una mera cuestión de acumulación de aciertos.
Beyoncé utiliza la metáfora del famoso juego de cartas para hablar de la resistencia texana. Aunque está hablando de irse a un bar a beber para superar las adversidades y por eso la canción está teniendo este éxito de manera transversal, entre personas de diferentes edades y orígenes, hay cierto trasfondo social en ella, cuando habla de una «ola de calor» que nos acecha «y que no nos deja pensar bien». No es descabellado sentir a Trump en esa frase. Y de manera paralela, la canción es otro festín de cosas que funcionan, desde los «oooh» tipo cowboy hasta los agudos en «dance with you» o «honey too», pasando por frases más habituales en el mundo del rap como «Don’t be a bitch, come take it to the floor now!!!». ‘Texas Hold’Em’ es otra victoria de Beyoncé; una de las más valiosas y estimulantes: una que no vimos venir en absoluto. Otra más». Sebas E. Alonso.
Alex Da Corte es uno de los más destacados herederos del pop art y el surrealismo. En sus obras, mezcla muy colorista de pintura, escultura, vídeo y performance, el artista estadounidense reinterpreta objetos y personajes de la cultura popular en clave surrealista, satírica y con un punto de nostalgia.
No es la primera vez que Da Corte trabaja con St. Vincent. En el estupendo videoclip ‘New York’ (2017), se podía ver muy bien la imaginería que caracteriza las obras del artista, así como su tratamiento discursivo, la descontextualización irónica. De hecho, aparecía un elemento que será fundamental en este nuevo vídeo: el fuego.
La idea de ‘Broken Man’ es muy sencilla, pero potente visualmente. Annie Clark aparece sobre un fondo oscuro, cuya inspiración hay que buscarla, según cuenta en esta entrevista, en la visita que hizo la cantante y el artista al museo del Prado donde vieron las pinturas negras de Goya. A partir de ese escenario, vemos a Clark interpretando la canción mientras lucha contra las llamas que amenazan con extenderse por todo el cuerpo.
Desde un punto de vista iconográfico, la imagen recuerda a las de las brujas en la hoguera. Una referencia que conecta con una de las pinturas negras que más impresionaron a la pareja: ‘El aquelarre’ o ‘El gran cabrón’. Sin embargo, la imagen también se puede relacionar con la letra y el estilo de la propia canción, una manera de reflejar la crudeza y la furia “flamígera” que desprende la “ardiente” interpretación de St. Vincent.
Dua Lipa acaba de anunciar ‘Radical Optimism’, su tercer trabajo discográfico. Se publicará el próximo 3 de mayo y estará compuesto por 11 temas, incluyendo los ya conocidos ‘Houdini’ y ‘Training Season’. Supondrá la continuación de su aclamado ‘Future Nostalgia’.
La artista dio el pistoletazo de salida a su nueva era el pasado 10 de noviembre, fecha de lanzamiento de ‘Houdini’. Desde entonces, Dua Lipa ha ido dando detalles de cómo será su próximo proyecto, pero faltaba lo más importante: el anuncio del disco. Esa espera ha terminado hoy.
Inspirado en el propio autodescubrimiento de la cantante, «‘Radical Optimism’ es un álbum que se nutre de la alegría y la felicidad de tener las cosas claras en situaciones que antes parecían imposibles de afrontar». Según Dua Lipa, «las duras despedidas y los comienzos vulnerables que antes amenazaban con aplastar tu alma, se convierten en hitos a medida que eliges el optimismo y empiezas a moverte con gracia a través del caos».
«Hace un par de años, un amigo me presentó el término de optimismo radical. Es un concepto que resonó en mí, y sentí más curiosidad cuando empecé a jugar con él e incorporarlo a mi vida. Me impactó la idea de superar el caos con elegancia y sentir que puedes resistir a cualquier tormenta», comenta Dua Lipa sobre el disco. «Al mismo tiempo, me encontré repasando la historia musical de la psicodelia, el trip hop y el britpop. Siempre me han parecido géneros optimistas y seguros de sí mismos, y esa honestidad y actitud es un sentimiento que llevé a mis sesiones de grabación».
Lo cierto es que ‘Radical Optimism’ pone la guinda del pastel a una primera mitad de 2024 repleta de grandes lanzamientos. Mientras que Ariana Grande puso fin a su larga sequía musical con ‘eternal sunshine’, Shakira está preparada para hacer lo propio con ‘Las Mujeres Ya No Lloran’. Les seguirán Beyoncé de la mano de su ‘Cowboy Carter’ y Taylor Swift presidiendo su ‘The Tortured Poets Department’.
El disco de Dua Lipa se publicará tan solo dos semanas después del de Swift, tomando el riesgo de que todavía sea fuerte en las listas de éxitos. Sin embargo, no parece que eso vaya a importarle mucho a Dua Lipa, que ha basado toda la era en cocinar a fuego lento sus dos primeros singles. Falta por ver si guarda algún as bajo la manga hasta el día de salida.
Este es el tracklist de ‘Radical Optimism’:
1. end of an era
2. houdini
3. training season
4. these walls
5. whatcha doing
6. french exit
7. illusion
8. falling forever
9. anything for love
10. maria
11. happy for you
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