Baby Keem ha lanzado hoy su segundo disco, cinco años después de su celebrado debut, ‘The Melodic Blue’. ‘Ca$ino’ fue anunciado hace menos de un mes y hoy ha llegado a todas las plataformas con dos colaboraciones, una no oficial, de su primo Kendrick Lamar. ‘Good Flirts’ es un throwback al R&B/hip hop de principios de los 2000, con todo el foco puesto en una memorable melodía.
Sobre un minimalista beat a golpe de guitarra y piano, Keem canta sobre una relación terminada recientemente. La melodía es pegadiza al instante: «Solías llamarme los viernes por la noche / Ha terminado dos veces». Momo Boyd aparece en el post estribillo con todavía más melodías en las que la cantante lanza la pregunta clave del tema: «¿No te encanta un buen tonteo con un extraño?».
Cuando Kendrick Lamar no está en modo combate, es un maestro de las frases citables. Algo que en su momento ya perfeccionó Drake, pero que viniendo de Lamar, que normalmente muestra su faceta más seria, tiene más impacto. Por eso mientras rapea sobre la relación con su pareja cuela menciones a las conversaciones filtradas de Young Thug y Mariah The Scientist desde la cárcel («Cotilleo con mi zorra como si fuese Young Thug»), la película ‘Sinners’ o Pinterest.
La última parte de su verso está dedicada a su lado más divertido y coqueto, con el rapero admitiendo que es compatible tener «calle» con ser «goofy». Esto mismo, Kendrick lo demuestra en las siguientes líneas: «Debes tener un disco de platino en el chichi», sentencia. El tema, que no va mucho más allá, al menos es tan pegadizo como divertido.
Nebulossa han lanzado su segundo disco casi por sorpresa, tras ser anunciado solamente dos días antes de su lanzamiento. ‘VIRTUZORRISMO’, según explica el dúo en sus redes, trata sobre «hacer del zorrismo una virtud». Cumplen su promesa en el primer single del proyecto: ‘Vogue’ es un bombazo inspirado en el house de los 90.
Para Nebulossa, el zorrismo es «no tener miedo al fracaso», al «edadismo» o «al que dirán». Justamente de esto trata ‘Vogue’. Sobre una de sus melodías más pegadizas, Mery Bas asegura que lo único que quiere es «un poco de vogue» en la «frontera de la noche». Mientras tanto, dedica los versos a todas esas personas que «dicen que pierdo aceite, porque me siento diferente». A todos ellos, Mery les pide que «revienten».
En una entrevista con El Español, Mark Dasousa asegura que «tenía mis dudas» sobre dejar la frase del aceite en la canción, optando finalmente por dejarla tal cual porque ‘VIRTUZORRISMO’ está hecho para «zorrear sin pedir permiso». El resto de la canción, con break instrumental incluido, es simplemente un rompepistas que funciona a todos los niveles.
Hoy 20 de febrero salen esperados discos de Maria Arnal, Hilary Duff, Leire Martínez o Peaches. La sorpresa del día la han dado Nebulossa lanzando su disco sin previo aviso, dos años después de presentar ‘Zorra’ en Eurovisión.
También tenemos entre manos nuevos discos de Meu (veinte años después del último), Moby, Capros, paco te quiero, Leigh-Anne (ex integrante de Little Mix), Cora Yako y Sandra Delaporte en solitario.
Al interesante single que ha publicado Lana Del Rey esta semana se suman suculentos lanzamientos de Jessie Ware, Jorja Smith o Foo Fighters. Entre los singles destacados de los últimos siete días, el que presenta en solitario Julia Cumming de Sunflower Bean. Y entre los comebacks del día, el de Mumford & Sons de la mano de Gracie Abrams.
El pop hispanoparlante deja interesantes novedades también por parte de Laaza, Tainy, Claudia Allmang, Ouineta, Carlangas o Maria Jaume. Hay que hablar asimismo de Antía Muiño, Ana Farelo, Cristalino, Ginebras o Bestia Bebé.
Entre los artistas que lanzan música esta semana se encuentran también Snail Mail, Thundercat, floweroflove, Labi Siffre, Guille Toledano (OT2025) y Yaya Bey. Atención, por otro lado, a las sugerentes propuestas de My New Band Believe, Absolutely, Tiwayo o Essosa.
Eric Dane, el actor que dio vida a Mark Sloan, el médico convertido en sex symbol de ‘Anatomía de Grey’, ha muerto a los 53 años a causa de esclerosis lateral amiotrófica (ELA), enfermedad degenerativa que le fue diagnosticada en abril de 2025. En los últimos meses, Dane había perdido la movilidad del brazo derecho y utilizaba silla de ruedas.
Dane, que en el instituto era jugador de waterpolo, dio sus primeros pasos en el mundo de la interpretación participando en una representación teatral juvenil de ‘All My Sons’, de Arthur Miller. Tras aparecer en series como ‘Salvados por la campana’, ‘Aquellos maravillosos años’ o ‘Roseanne’, Dane asumió el papel de Mark Sloan en ‘Anatomía de Grey’, el personaje que lo llevó a la fama. Interpretó a Sloan en la serie hasta 2012, cuando el personaje fue asesinado.
En 2010 encarnó al antagonista de ‘Burlesque’, donde intentaba seducir a Ali, el personaje interpretado por Christina Aguilera, y en los últimos tiempos había vuelto al imaginario colectivo gracias a su interpretación de Cal Jacobs, el padre de Nate (Jacob Elordi) en ‘Euphoria‘, un hombre que lleva una doble vida.
Que los 4,5 millones de copias que lleva vendidos ‘BRAT‘ no te lleven a error: Charli XCX fue «darks» desde el principio. Incluso su disco verde fluorescente escondía un lado tenebroso. Así que a nadie extraña que, a la petición de hacer una canción para la nueva adaptación de ‘Cumbres borrascosas’ haya respondido que no, que ella prefería hacer un álbum completo. Es una manera de 1) seguir demostrando que puede hacer cosas diferentes y 2) quitarse de encima la presión de vender al menos la mitad que ‘BRAT’.
Como siempre, se ha divertido troleándonos por el camino. En algún momento dijo que el sucesor de su obra maestra de 2024 estaría influido por la Velvet Underground, y con lo que ha vuelto es con lo más parecido que puede haber a una colaboración con la mítica banda. John Cale recita el primer adelanto de ‘Wuthering Heights’, un sueño para Charlotte Emma Aitchison, que llegó a obsesionarse con una cita de Cale sobre lo que tenía que ser la música: «algo elegante y brutal». Y «brutal» es también sinónimo de «despiadado», «inhumano» o «salvaje».
Ese tema llamado ‘House’, que abre el álbum y aparece en la desagradable primera escena de la película, habla sobre belleza, realidad y soledad, desembocando en una sección «noise» en la que Charli XCX repite «creo que voy a morir en esta casa».
La idea es perfecta para una obra de corte gótico, sensación fomentada por el modo en el que se han trabajado las cuerdas en este tema y en muchos otros de ‘Wuthering Heights’. Cuentan Finn Keane y Charli XCX que querían evitar que la orquesta sonara «pulida», que buscaban «texturas crudas» que crearan una sensación «romántica pero torturada», acorde a la trama. Para ello, pidieron a los músicos que grabaran con el arco cerca del puente de los instrumentos de cuerda, lo que produce un sonido casi estridente, rozando lo desafinado. Pega a la película, pega a la trayectoria de John Cale y pega a la Charli que conocimos con cosas como ‘Black Roses’.
Así, las omnipresentes cuerdas sirven para generar tensión y nervio, por ejemplo en ‘Seeing Things’ o en la final ‘Funny Mouth’ (muy ‘Twin Peaks’), que por texto no representa tanto el desenlace de la cinta o el libro, como por sonido.
El efecto embellecedor que puede tener una orquesta sí aparece en parte del tracklist del álbum, que incluye temas abiertamente pop o que podríamos catalogar como «bonitos». Es el caso del pegadizo ‘Dying for You’, de ‘Altars’ o incluso de la «power ballad» ‘Chains of Love’. En esos casos es el lenguaje lo que empuja las canciones al lado oscuro, con unas letras que nos hablan de «prisioneros», de «morir» por otra persona y de tanta «tormenta» como la que cae en la película. Las letras son el vivo retrato de un amor tóxico como el de Cathy y Heathcliff.
Entre alguna canción más prescindible, como ‘My Reminder’, hay que destacar el acierto de haber contado con Sky Ferreira para simular estar ya en el más allá («sabía que me querías como si estuviera muerta»). Si es una píldora de humor, es más ocurrente que el poco que vemos en la desatinada cinta de Emerald Fennell. Charli XCX sale mucho más airosa que la directora de su retrato de un amor malavenido en una Inglaterra en la que no para de llover.
Emerald Fennell ha tenido el detalle de poner comillas en su versión de «Cumbres borrascosas», porque su adaptación de la novela decimonónica de Emily Brontë es libre. La atracción fatal entre los personajes de Cathy (Margot Robbie) y Heathcliff (Jacob Elordi) está ahí, como muchas otras cosas, pero ha cambiado su entorno, su desenlace, algún que otro personaje y sobre todo el trasfondo, la profundidad.
La directora conocida por su trabajo en la serie ‘Killing Eve’ y en el notable film ‘Una joven prometedora‘ -eso sí que era un final inolvidable- sigue aquí más bien la senda iniciada en la cuestionable ‘Saltburn’. Da igual de qué siglo hablemos, lo que interesa a Fennell es el amor perverso, el incontenible deseo, la relación entre el sexo y la muerte. En la primera escena de «Cumbres» ya contrapone un ahorcamiento con una suerte de orgía. ¿Provocación a lo Lars Von Trier o fraude? ¿Revelación o timo?
Estamos en la Inglaterra de 1847 y llueve mucho, muchísimo, porque -SPOILER-… estamos en «Cumbres borrascosas». Un niño es rescatado de la mendicidad por una familia, pero lo que parece un sueño hecho realidad deriva en pesadilla cuando el padre resulta un alcohólico maltratador, con lo que ahora llamaríamos graves problemas mentales. Mitad sirviente, mitad hermanastro, el niño se refugia en la hija, quien devanea entre lo malcriado y lo tierno, incluso con el paso los años.
En algún lugar de esa contradicción había grandes personajes que desarrollar, luchando por dejar atrás traumas y miserias. Pena que la película decida destruirlos cuando convierte a la protagonista femenina en una inocua princesa color chicle con cierta pinta de influencer. Las Converse de María Antonieta por la vía de Sofía Coppola amenazan con salir en plano en cualquier momento.
Si Margot Robbie deja dudas, qué decir de ese Jacob «fucker» Elordi, que directamente arranca alguna carcajada en la sala con su transformación a lo ‘Betty la Fea’. La evolución de su personaje, que no llega a explicarse, no puede ser más impostada, y así muy difícil empatizar con cualquiera de los dos protagonistas. Tras varias escenas que inspiran un buen «que les zurzan», el final lo que produce es indiferencia. Y es que donde «Cumbres borrascosas» tenía que establecer una relación de amor/odio con el espectador similar a la de un Polanski en ‘Lunas de hiel’; o simplemente conformar un buen sexy-thriller como ‘Fuego en el cuerpo’, se reduce a una postal que ni es bonita ni es molesta. En tiempos de, por un lado poliamor, y por otro de neo-castidad, «Cumbres borrascosas» no logra ni seducir ni escandalizar, a menos que sigas acordándote de ’50 sombras de Grey’ cada día de tu vida.
No suman secundarios tan maniqueos o directamente ridículos -creados para la ocasión o firmemente adulterados- como el de Nelly, el de Edgar, el del padre o el de Isabella, que pasa del humor voluntario al involuntario en tan solo una escena. Con este pastel, es un poco boutade decir que lo mejor de la película es la música de Charli XCX, pero lo cierto es que lo es. Porque ya sucedía en ‘Saltburn’. Muy adecuada y bien integrada, nada abrasiva salvo en alguna escena y en los créditos finales, con un protagonismo moderado pero relevante, y dejando el espacio necesario para el verdadero «score» de Anthony Willis, la banda sonora de ‘Wuthering Heights’ es el único tanto artístico que puede anotarse la productora.
‘Guerra A Todo Eso’ es otra maravilla más salida del mundo del flamenco experimental. En Frente Abierto, el colectivo formado por Marco Serrato, Borja Díaz, Carlos Pérez, Raúl Cantizano y David Cordero colabora mano a mano músicos de doom metal y cantaores de flamenco de la talla de Israel Fernández, Inés Bacán, Lela Soto, Ángeles Toledano o Sebastián Cruz. Juntos, han creado algo nuevo, y no una simple mezcla de estilos. Así lo ve Serrato, también miembro de Orthodox: «Me gustaría pensar que es un sonido en sí mismo, pero para venderlo hay que acotar».
Nos reunimos con él y con Sebastián Cruz, cantaor, en una abarrotada cafetería del centro de Madrid una hora antes de su firma de discos en Marilians Records. «A ver si viene alguien», bromea Serrato. Aunque ‘Guerra A Todo Eso’ no esté pensado para las grandes masas, quien sabe, sabe. «Sabemos que hay gente igual de mal que nosotros, así que alguien tiene que corresponder». La acogida del público y la crítica, sin embargo, ha sido totalmente positiva. Frente Abierto es uno de los nombres nominados al Premio Ruido, otorgado por la prensa musical y destinados a elegir el mejor álbum del año desde hace más de una década, pero Serrato no necesita ningún tipo de validación: «Aunque me dijera todo el mundo que es una mierda, yo estoy muy contento».
Frente Abierto exploran en su debut diversos palos del flamenco, de la soléa a las seguiriyas, entre ritmos, riffs y texturas que recuerdan directamente a aquellos de Black Sabbath, Candlemass o Saint Vitus. Eso sí, los elementos de doom metal están siempre a servicio del cante, que han dejado intacto porque querían «disfrutar de lo clásico». Como era de suponer, hacer ‘Guerra A Todo Eso’ no ha sido una tarea sencilla: «No ha sido fácil hacer este disco, pero tampoco ha sido difícil en el sentido de atascarnos, pelearnos o tener tensiones», explica Serrato. Todo empezó con la excusa de preparar un concierto de Israel Fernández para el Canela Party, pero para cuando esto ocurrió el disco ya se había grabado. Todo el mundo se volcó con el proyecto: «No hay nadie a quien le hayamos preguntado y se haya negado, sorprendentemente».
A Sebastián, experimentado en salirse del molde clásico del cante, el proyecto le llamó la atención rápidamente: «Me dijeron el cante que querían, lo que querían que yo hiciese, y me puse a trabajar». En ‘Zarabanda’ (2023), Cruz es totalmente rupturista con el cante flamenco, pero uno nunca se acostumbra a tener al lado una banda de doom: «Yo le voy dando los matices personales que me van saliendo, porque cantar con una banda como Frente Abierto te da otras connotaciones musicales y otras melodías que hacen que tu cante -aunque sea el clásico de siempre- tome otra dimensión por el acompañamiento».
«Palabras como duende, esencia… Han provocado mucho misticismo alrededor del género. A la larga, creo que ha perjudicado más que otra cosa»
El flamenco es un género conocido por todos de forma general, pero por muy pocos de forma profunda. «Lo que mucha gente no sabe es que los palos del flamenco son melodías prefijadas», cuenta Serrato. Es por ello que ‘Guerra A Todo Eso’ tiene muy poco de improvisación, con la excepción del interludio ‘…Que La Niebla Esconde’, aunque suene totalmente libre. Es aquí donde Serrato aclara cómo ha afectado el vocabulario a la percepción del flamenco: «Palabras como duende, esencia… Han provocado mucho misticismo alrededor del género. A la larga, creo que ha perjudicado más que otra cosa».
Si alguien se pregunta por qué dos géneros tan aparentemente diferentes como el doom metal y el flamenco pueden caber en el mismo disco… Es por la oscuridad que envuelve a ambos. Música oscura para tiempos oscuros: «Somos la primera generación que vive peor que sus padres. ¿Lo de la vivienda? En otra época, la gente ya habría salido a la calle a por la cabeza de alguien». Todo se reduce a la progresiva desaparición del concepto de conciencia de clase, ignorado completamente por las generaciones más jóvenes: «¿Sabes para quién sigue existiendo la conciencia de clase? Para los ricos. Ellos son muy conscientes de lo que son. Es una cuestión de identidad», declara Serrato. El mensaje de Frente Abierto está más que claro. Guerra a todo eso.
Viña Rock ha sido adquirido por una empresa independiente y ya no forma parte de Superstruct Entertainment, el grupo de entretenimiento en vivo que, a su vez, es propiedad del fondo de inversión proisraelí KKR. La relación societaria entre numerosos festivales y KKR ha sido muy criticada, llegando a provocar la baja de numerosos artistas de los carteles.
En el caso de Viña Rock, artistas como Reincidentes, Boikot, Los Chikos del Maíz o Söber han comunicado su marcha del cartel por los previos vínculos de Viña Rock con KKR.
Según ElDiario.es, Viña Rock pasa ahora a ser propiedad de «una empresa independiente perteneciente a un promotor histórico del certamen», de tal forma que se desvincula por completo del fondo de inversión con intereses en Israel, KKR.
Viña Rock se celebrará los días 30 de abril, 1 y 2 de mayo en su habitual sede de Villarobledo, Albacete, y próximamente anunciará el cartel completo de su próxima edición, que cuenta ya con nombres como los Sex Pistols ft. Frank Carter, Turbonegro, Mägo de Oz, La Cabra Mecánica o Sexy Zebras.
Foo Fighters vuelven a divertirse. Se lo han ganado, ya que su último álbum, ‘But Here We Are’, era el primero que publicaban desde el fallecimiento de su batería y miembro fundador, Taylor Hawkins, a los 50 años. El nuevo, ‘Your Favorite Toy’, es el primero desde la entrada del nuevo batería, Ilan Rubin, intercambiado con los Nine Inch Nails, que se quedaban Josh Freese.
El 24 de abril podrá escucharse ‘Your Favorite Toy’, aunque los fans de Foo Fighters ya han podido escuchar los adelantos de varios cortes del álbum a través de su página web. Uno de ellos es el tema titular, disponible hoy.
El álbum traerá ‘Asking for a Friend’ también, pero ojo porque ‘Your Favorite Toy’ va a destacar de inmediato en el repertorio reciente de Foo Fighters: hace tiempo que el grupo de Dave Grohl no sonaba tan animado, garajero y distorsionado.
La voz de Grohl es prácticamente inaudible detrás del ruido, en esta furiosa y desquiciada ‘Your Favorite Toy’, mientras las cristalinas melodías de guitarra y el tarareo de «na na nas» alivian esa furia, en contraste. No extraña que la letra mencione una unión de «caramelo y dopamina, tan dulce», si bien refiriéndose probablemente a otro tipo de gominola.
De dopamina va sobrada ‘Your Favorite Toy’, aunque conviene recalcar que la canción tiene su trasfondo serio, ya que, en frases como “Hold fast and hold my hand / And hold me over the fire” o “Is the pressure hard enough / If the treasure’s not enough?”, la banda parece referirse buscar apoyo emocional durante un episodio oscuro o de estrés extremo.
Modelo de Respuesta Polar ha anunciado su regreso a los escenarios con una gira que conmemorará el décimo aniversario de ‘Dos amigos’, su disco de 2016 querido por canciones de sonido indie rock tan bonitas como ‘La juventud y el tiempo’, ‘Momentos similares’, ‘Cómo crees’ o la pista titular. En la época, cuando parecía que podían convertirse en el grupo referencia de otro tipo de indie español, Modelo de Respuesta Polar decidieron darse un respiro.
Ahora, el grupo valenciano liderado por Borja Mompó e integrado también por los hermanos Fran y Jorge Mollá y Pau Paredes ha detallado cinco fechas por salas que acogerán la recuperación de ‘Dos amigos’ por su primera década de vida. Además, ha anunciado el lanzamiento de un single nuevo.
Modelo de Respuesta Polar visitará la sala BUT de Madrid el 17 de octubre, la Moon de Valencia el 31 de octubre, la Wolf de Barcelona el 20 de noviembre, la Tribeca Live de Oviedo el 5 de diciembre y la Trinchera de Málaga el 11 de diciembre.
En cuanto al single, su estreno está cera, ya que ‘Una ilusión’ podrá escucharse a partir del 5 de marzo. ‘Una ilusión’ «es el single que llega para celebrar su vuelta y que condensa el estilo de Modelo de Respuesta Polar y las sensaciones que les genera la vuelta». La canción se integrará en la reedición del disco ‘Dos amigos’, que se presentará en un formato limitado y muy exclusivo.
GIRA 1Oº ANIVERSARIO DOS AMIGOS
17 de octubre – MADRID – Sala But
31 de octubre – VALENCIA – Sala Moon
20 de noviembre – BARCELONA – Sala Wolf
5 de diciembre – OVIEDO – Sala Tribeca Live
11 de diciembre – MÁLAGA – Sala Trinchera
La banda irlandesa Madra Salach, el toque latino del dúo ecuatoriano MIEL, la electrónica de videojuego del colectivo surcoreano Azikazin Magic World, el pop experimental de la catalana Kris Tena y el indie rock melódico de la francesa naya mö se encuentran entre las propuestas más interesantes de la programación musical de Primavera Pro, que se celebrará del 3 al 5 de junio, de manera simultánea al festival, en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB). El acceso será libre y gratuito.
Primavera Pro es el encuentro profesional de la industria musical de Primavera Sound. Con su agenda de conciertos gratuitos, busca dar a conocer nombres emergentes de todo el mundo, incluyendo artistas de Estados Unidos, Argentina, Islandia, Portugal, México o Bélgica, además de Cataluña.
Entre las apuestas locales de la 17ª edición de Primavera Pro destacan el productor de electrónica experimental Jolly Damper y el dúo ibicenco-catalán L’Arannà, que fusiona folclore y vanguardia.
Además, la programación incluye propuestas internacionales como la electrónica punk de 3L3D3P (Los Ángeles), el jazz-rock de GAL GO (Buenos Aires), el punk new wave de La Sécurité (Montreal), el indie rock y shoegaze de Pájaro Vampiro (Ciudad de México), el noisepop de Hank (Londres) y el pop progresivo del franco-canadiense Christian Sean (en la foto), entre otros. La música de todos ellos se encuentra reunida en la playlist oficial que compartimos más abajo.
Próximamente se dará a conocer el programa de conferencias y actividades de Primavera Pro 2026. Una edición más, este encuentro profesional de Primavera Sound Barcelona será un espacio de conversación global, abordando los debates que marcan el presente y el futuro de la industria musical. Todo, del 3 al 5 de junio en el CCCB.
Soraya ha publicado estos días nuevo disco, ‘ILÚMINA’, completamente entregado a la música dance. La apuesta recuerda a la de ‘Dreamer‘ (2010) de hace quince años, pero la propuesta de ‘ILÚMINA’ tira por un estilo gélido y nórdico, reinventando de nuevo artísticamente a la que fuera concursante de Operación Triunfo y después representante de España en Eurovisión.
Alternando letras en español e inglés, Soraya tira de trance (‘Soy real’), hardcore (‘Fénix’), eurodance alemán (‘Heaven Knows’) o subidote a lo Swedish House Mafia (‘Earthquake’) para elevarse sobre atmósferas ultra-europeas, discotequeras y oscuras. Y para muestra el videoclip de ‘Soy real’, donde Arnelas aparece caracterizada cual guardiana espectral del bosque: casi parece Fever Ray.
‘ILÚMINA’ incluye también el single ‘Placebo’, de corte latin chill y melancólico -no por nada cierra el disco-, el trance de ‘Dance or Die’ o ‘Sundance’, que figura en la banda sonora de ‘Maspalomas‘ (2025). El álbum se abre con tremendo hit autoafirmativo, en el que Soraya pasea su propio ‘Iconismo’, dando «puro hedonismo», «hipnotismo», «estilismo», «protagonismo» y «narcicismo» y, como véis, rimas por doquier. La mejor, aquella en que declara que «es subir de nivel ser vanguardista / catwalk en la pista». Puro «magnetismo», también.
Mientras Madonna se decide a mover ficha con la promoción de su disco «Confessions Pt. 2», Mimi Webb te recuerda que ella ya sacó su propio ‘Confessions’ en septiembre de 2025, no hace ni un año. Este viernes 20 de febrero lanza una reedición titulada ‘Confessions: An Unexpected Turn of Events’, que podría hacer honor a su título lanzando a Webb al mainstream.
Webb, que no es ninguna recién llegada, pues su debut largo, ‘Seven Shades of Heartbreak’, se editó en 2021, ha tocado todos los palos esperados para una estrella del pop actual, pasando del pop-folk a lo Taylor Swift de ‘Good Without’ al pop ochentero de ‘Ghost of You’, canción producida por Stuart Price, por cierto y ya que hablábamos de Madonna.
En todos los casos los streamings son muy altos, pero no podemos decir que Mimi Webb sea una estrella mundialmente conocida. De hecho, en el caso de ‘Confessions’, los números son sorprendentemente bajos para una artista de su perfil.
A Webb le falta subir el siguiente escalón y ahí podría llegar gracias a ‘Eyed Closed’, su apuesta para relanzar ‘Confessions’. ‘Eyes Closed’ es un caramelo disco-pop que no se complica la vida, resultando algo genérica por un lado, pero adictiva por otro. Si primero parece demasiado similar a ‘Kiss Me More’ de Doja Cat y SZA, después logra enganchar gracias a su melodía vocal final, donde Webb canta eso de «I love him, love him with my eyes closed» armonizándose a sí misma.
El efecto de «enganche sutil» de ‘Eyes Closed’ recuerda a ‘Espresso’ de Sabrina Carpenter, y no extraña porque su compositora Amy Allen es colaboradora de Webb y figura en los créditos de ‘Eyes Closed’ y de otra de sus mejores canciones, ‘Love Language’, también contenida en ‘Confessions’.
Manel Navarro ha vuelto a comentar su polémico paso por Eurovisión en 2017, donde un gallo al final de su interpretación de ‘Do It for Your Lover’ le costó el último puesto de la final y truncó su carrera musical, que no ha despegado desde entonces, aunque sí ha visto la publicación de un disco largo posterior a Eurovisión, ‘Cicatriz’ (2021), que contenía colaboraciones con Belén Aguilera o los recientes participantes de Benidorm Fest, Funambulista.
En su charla con Dani Sousa para el pódcast Vergüenza, disponible en Podimo, Navarro recuerda el acoso e insultos que recibió por parte del público español presente en Ucrania inmediatamente después de terminar su actuación, mostrando tablets con frases como «Manuel, muérete» o gritando «Manel, jódete». El artista explica que, una vez llegó a España, los ataques se intensificaron y vivió situaciones como que le escupieran por la calle o le amenazaran de muerte, así como experiencias humillantes, como que le «tiraran hielos», lo que le generó desarrollar miedo escénico.
Uno de los momentos más reveladores de la entrevista se da cuando Navarro cuenta cómo Sony, la discográfica que impulsó su candidatura a Eurovisión, le dio la espalda tras su paso por el festival. Recuerda que Sony le sugirió ir a vivir a Madrid, a un piso pagado por la discográfica, pero que después le retiró su apoyo y le invitó a abandonar el piso de inmediato: «Volví de Eurovisión y a los dos días me pasaron una carta por debajo de la puerta diciéndome que tenía dos días para dejar el piso», explica. «Me hicieron renunciar a todo: dejé la carrera, dejé todo, me vine a Madrid y, en cuanto volví, la discográfica dejó de pagarme el piso».
Navarro lamenta que también sus mánagers cortaron la relación profesional con él y que se vio «solo», teniéndose que mudar a Alcorcón con una amiga. «La misma gente que me metió en ese follón es la misma gente que, cuando salió mal, se piró», afirma.
El cantante sospecha que la candidatura de ‘Do It for Your Lover’ fue precipitada, ya que apenas tenía carrera musical y su equipo desde el principio le pedía «resultados instantáneos». Un solo gallo bastó para que la industria le diera la espalda, incluidos otros artistas: «Nadie se la ha querido jugar nunca, al final fue volver de ahí y todo el mundo me dio la espalda», cuenta. «Hasta me ha costado quedar con ciertos artistas para escribir. A la cara no me lo dice nadie, pero luego hablan y me llega por otra gente».
Navarro dice estar reconciliado con su paso por Eurovisión, ya que considera que el gallo se debió a la mala suerte, pues nunca le había pasado antes, y asegura que lo ha superado: «Yo no pienso en aquello nunca, un fallo no nos define. Tuve mi error, pero acabará pasando. Al final, quieras o no, para bueno o para mal, tengo un nombre».
U2 ha lanzado por sorpresa un EP de 6 pistas que se presenta como una «colección independiente»» previa al lanzamiento de su nuevo álbum, previsto para finales de 2026. ‘Days of Ash’ es la respuesta de U2 «a los acontecimientos actuales» y se abre con ‘American Obituary’, un tema sobre el asesinato de Renee Good a manos del ICE en enero de 2026.
El EP reúne cinco canciones y un poema recitado, ‘Wildpeace’, con Adeola y Jacknife Lee. ‘Yours Eternally’ reúne a Ed Sheeran y al cantante ucraniano Tarás Topolia.
El material de ‘Days of Ash’ se inspira «en las muchas personas extraordinarias y valientes que luchan en primera línea por la libertad». Según la nota oficial, «cuatro de las cinco canciones tratan sobre personas -una madre, un padre, una adolescente- cuyas vidas fueron brutalmente truncadas; un soldado que preferiría estar cantando, pero que está dispuesto a morir por la libertad de su país».
El próximo álbum de U2 será el primero basado en material original desde el lanzamiento de ‘Songs of Experience‘ en 2017, ya que su último trabajo publicado, ‘Songs of Surrender‘, se componía de canciones regrabadas.
Bad Bunny protagonizará por primera vez en su carrera una película, ‘Porto Rico’, dirigida por el rapero Residente, quien debuta como director de largometraje. ‘Porto Rico’ contará la historia del país de origen tanto de Benito como de René, quien ha co-escrito el guion junto al guionista Alexander Dinelaris, conocido por su trabajo en ‘Birdman’.
La película reunirá en un mismo elenco a Benito Ocasio (Bad Bunny), Javier Bardem, Viggo Mortensen y Edward Norton, todos confirmados para participar en el proyecto de Residente.
‘Porto Rico’ se presenta como un «western caribeño épico y drama histórico» que, con Benito como protagonista, combinará «una narrativa histórica de gran escala con un enfoque visceral y lírico, en una historia impactante inspirada en hechos reales».
Con ‘Porto Rico’, Residente cumplirá uno de los sueños de su vida. “He soñado con hacer una película sobre mi país desde que era niño» -explica en la nota de prensa oficial-. «La verdadera historia de Puerto Rico siempre ha estado rodeada de controversia. Esta película es una reafirmación de quiénes somos, contada con la intensidad y la honestidad que nuestra historia merece”.
Bad Bunny y Residente tienen un sencillo conjunto, ‘Bellacoso’, que los unió para celebrar la renuncia del ex-gobernante de Puerto Rico, Ricardo Rosselló. Juntos, acompañados también de Ricky Martin, entre otros, encabezaron en 2019 la protesta masiva en la que exigían la dimisión del dirigente.
La noticia llega justo después de que Benito haya ofrecido una histórica actuación durante el intermedio de la Super Bowl, donde ha reivindicado la unidad de toda América. Precisamente, Benito y Residente eran vistos fundiéndose en un abrazo en las bambalinas, tras acabar el show.
Lola Indigo ha denunciado en redes sociales el suicidio de Ángela, una menor de 14 años residente en Benalmádena (Málaga), presuntamente víctima de acoso escolar durante un año. Según La Vanguardia, la joven habría sido acosada por su “delgadez y timidez” y se encontraba en tratamiento psicológico.
El IES Benalmádena ha descartado que existiera acoso escolar, afirmando que no tenía constancia de ninguna denuncia, aunque no ha excluido la posibilidad de ciberacoso. Por su lado, la familia de la menor ha comunicado que tomará medidas contra el centro por no actuar.
Algunos artistas, como CURRO, han difundido la noticia en redes sociales, mientras que Lola Indigo ha publicado en sus stories un mensaje en el que reclama que se exija la identificación para crear cuentas en redes sociales. Los acosadores «al parecer se hacían cuentas falsas para insultar y denigrar a la chica”, ha compartido la artista en Instagram.
Mimi Doblas, visiblemente indignada, ha pedido que se regulen las redes sociales para evitar que se repitan estos casos: “A ver cuándo, de una vez, se exige la identificación para crearse una cuenta en una red social y dejamos de tener este infierno digital donde todo vale», ha expresado. «¿Cuántas chicas y chicos más van a tener que morir para que esto cambie? Basta ya”, ha denunciado la artista.
La identificación en las redes está a la orden del día, ya que Pedro Sánchez ha anunciado recientemente la intención del Gobierno de prohibir el acceso a las redes sociales a menores de 16 años para combatir la “ley de la selva” de desinformación, bulos y odio que circulan en plataformas como Telegram o X, sin que quienes controlan estos servicios lo impidan.
Recientemente hemos comentado en un artículo especial las 5 mejores canciones de Labi Siffre, a raíz de la viralidad de algunas de ellas en redes sociales durante los últimos años, en especial de ‘Bless the Telephone’. Se trata de uno de los grandes cantautores británicos “perdidos” de los años 70 que, aunque marcó algunos hits en las listas británicas durante los 70 y 80, parecía completamente olvidado. En los últimos años, su música ha resurgido gracias a TikTok, aunque previamente ya había sido sampleada por artistas como Jay-Z o Eminem.
Justo en pleno revival de su carrera, Siffre ha anunciado su primer disco en 28 años, un trabajo titulado ‘Unfinished Business’, que se pondrá a la venta a finales de año.
Siffre, que se ganó enemigos en la industria durante los 70 por negarse a ocultar públicamente su homosexualidad y ha explicado que en su carrera lo ha pasado peor «por ser gay que por ser negro», había contado que en los últimos años había logrado formar la «familia de sus sueños» gracias a su relación poliamorosa con dos hombres, Peter y Rudolf. La triareja vivió junta durante 16 años en una montaña al sur de Gales, y Siffre vivía la «vida perfecta» hasta que, tanto Peter como Rudolf, fallecieron en el transcurso de dos años y medio.
Labi, Siffre y Peter habían vivido juntos como pareja en un ménage à trois desde mediados de los 90. Labi y Peter formalizaron su relación como pareja civil en 2005 y estuvieron juntos hasta la muerte de Peter en 2013. En diciembre de 2014 Labi y Rufold se unieron en matrimonio legal, y convivieron hasta el fallecimiento de Rudolf en 2016.
Quizá por eso ‘Far Away’, primer adelanto de ‘Unfinished Business’, es una desoladora canción de despedida, basada en una melancólica melodía de piano, en la que Siffre reconoce no ver un mañana tras la muerte de sus compañeros de vida. “Dijeron que estaríamos juntos hasta el final, pero entonces te fuiste y me dejaste sin mi amor, sin un amigo”, canta en la letra. Aunque el texto parece dedicado a una sola persona, puede interpretarse como destinada a cada uno de ellos por separado.
Los coros celestiales que acompañan la melodía vocal de Siffre en ‘Far Away’ y sus acordes de piano refuerzan el mensaje de desamparo de la canción. Después, la entrada de una melancólica trompeta redobla la emoción. Siffre, a sus 80 años, recuerda en la letra un amor inocente, escribiendo sobre dos “niños en el bosque cogidos de la mano”, cuyo amor les hace inmunes a los “monstruos” que quieran “atraparlos”, pero finalmente se muestra perdido y desolado: “Todos me dicen que estaré bien, pero no saben que morí cuando te fuiste ese día. Me ves de pie aquí, pero estoy lejos”. Gracias a Jerome por la sugerencia en los foros.
Habría sido imposible en 2012 acertar cómo iban a evolucionar las carreras de algunos miembros de Odd Future. Tyler, the Creator se ha convertido en una superestrella, Frank Ocean ha desaparecido tras entregar dos obras maestras y Earl Sweatshirt… ¿Sigue haciendo lo mismo? A nivel musical, puede que sí, pero está lejos de ser la misma persona. En su quinto álbum, el rapero estadounidense describe los cambios por los que han pasado tanto su carrera como su vida personal -ahora es padre de dos- y entrega su proyecto más inspirador.
Desde el monólogo del cómico The Mandal Man al final de ‘gsw vs sac’ («Haz algo, actívate»), queda claro que ‘Live Laugh Love’ es el proyecto de madurez de Earl Sweatshirt. Su disco feliz, por así decirlo. Una cara del artista que no habíamos conocido, desde luego no con discos como ‘I Don’t Like Shit, I Don’t Go Outside’ o ‘Doris’. En este sentido, Earl siempre ha sido tanto un ‘outsider’ como una anomalía, moviéndose en el rap experimental y profundamente personal, a menudo describiendo sus problemas con la depresión, pero consiguiendo un nivel de atención mediática poco común para lo demandante que resulta su música.
Esto no cambia con ‘Live Laugh Love’, siendo un LP brutalmente detallado, no solo con la proporción de samples por metro cuadrado (el de ‘Hey Ya!’ en ‘FORGE’ es fácil de ignorar), sino por las múltiples capas que el artista es capaz de condensar en una sola frase. La escucha activa es obligatoria para sacarle todo el jugo a la música, porque la voz de Earl no es precisamente la más expresiva. Se hace enorme con las barras, pudiendo describir el sonido que hace un estómago vacío de la forma más poética posible: «El zumbido grave del hambre tenía a mi estómago cantando una canción de tristeza», rapea en ‘INFATUATION’, una obra maestra en sí misma en lo que a metáforas se refiere.
La hipnótica producción de Black Noise, Child Actor, Navy Blue y el propio Earl es el perfecto acompañamiento para sus filigranas líricas, ya sea el desfile medieval de ‘Static’ o el fragmentado soul de ‘TOURMALINE’. Esta es a la vez una de las canciones más especiales del proyecto, tanto por ser una de las más positivas de su discografía como por ser la única en la que se atreve a esbozar una melodía vocal. Por algo es la más escuchada del LP.
El título de ‘Live Laugh Love’ resulta un elemento clave para entender la temática principal del álbum. Es una frase que prácticamente se ha convertido en un meme gracias a muebles de IKEA o a cuestionables captions de Instagram. Algo de lo que el joven Earl se habría reído hasta la saciedad, pero que le ha tocado una nueva fibra al convertirse en padre: «La broma se volvió contra mí […] Si alguien dice ‘live, laugh, love’ y tienes hijos, tu respuesta es ‘exacto, hermano'», contó en Popcast.
Es por ello que gran parte de las letras muestran a Earl actualizando los pensamientos que tenía con 16 años y explicando cómo el paso del tiempo y el desarrollo de su propia vida le han abierto los ojos. Si antes sentía resentimiento por su padre, ahora ha encontrado paz: «Le di a mi bebé el apellido y el parecido de mi padre / Abrazando las señales, enfrentándose al fuego», reflexiona en ‘exhaust’. Si antes pensaba que sus problemas solo le afectaban a él, ahora lo ve con perspectiva: «Estoy pidiendo perdón por el dolor que causé», rapea en ‘CRISCO’. En las últimas palabras del disco, algo para reflexionar: «Al final, solo estáis tú y lo que sea que pienses».
Earl Sweatshirt actuará mañana, jueves 19 de febrero, en la Sala Apolo de Barcelona. Entradas todavía disponibles, desde 30€.
La caída de Luna Ki en Benidorm Fest ha sido la mayor decepción de esta 5ª edición. Era una de las pocas artistas que tenía un background detrás. Su abandono hace unos años por haberse presentado con una canción que requería Auto-Tune estuvo en boca de todo el mundo. Menos se habla de que Luna Ki era una de las pocas aspirantes a la Sirenita de Oro con un relato: hits como ‘Septiembre’, un discurso como artista no binarie y cierta solvencia en vivo. Tuve la ocasión de verla en concierto durante una edición de Brava y a mí al menos me atrapó.
Poco se habla también de que ‘CL34N‘, el primer disco de Luna Ki, estaba bastante bien por mucho que ya no la represente. Seguidora de Lady Gaga, ahora parece estar en una etapa más ‘Joanne’, más desnuda, de «quitarse capas», materializada en la balada a piano ‘No soy diosa’. Pero eso no hace viejas canciones como ‘Voy a morir’ o ‘Febrero‘ menos válidas.
Aquel «Me voy a correr, me voy a mear, abre la boca y dime AH» es historia del género gamberro, llámese electroclash, trap o hyper pop. Era el momento más gráfico de un álbum que incluía un tema llamado ‘Putón’ y un dúo con Lola Indigo, ‘Piketaison’.
Estos días escuchando música de Luna Ki, he recordado que aquel álbum contenía una preciosa canción junto a Babi, lo cual es muy significativo. Tras su retirada de Benidorm Fest durante la primera semifinal por una crisis de ansiedad, Luna Ki ha declarado, tirando del título de su tema ‘Bomba de amor’, que «la bomba le ha caído a ella».
Como era de esperar en tiempos de malismo, en tiempos en que parece que hay que aplicar una teoría de la conspiración a todo, su decisión ha topado con bastante incomprensión por parte de la audiencia. «Si no vales para torear, para qué te metes» y argumentos así.
De unos años de cierta conciencia sobre la salud mental, parecemos estar pasando a la opinión generalizada de que la salud mental no puede ser una excusa para todo. Como no tengo el expediente médico de Luna Ki, ni personalmente tampoco lo necesito, prefiero hablar de que estemos sobreentendiendo que un artista tenga que estar preparado para el foco y la presión mediáticos per se.
Es posible que Luna Ki no se haya dado cuenta de sus límites hasta encontrarse en una retransmisión en directo frente a audiencia millonaria, y miles de personas gritando; también es posible que sólo haya tenido un mal día. Pero estos problemas no son nuevos para quienes se hayan informado sobre los casos de Zayn, que tuvo problemas de pánico escénico después de estar en una de las bandas más famosas del globo; de Pastora Soler, que pasó por el mismo trago después de haber estado en un evento del tamaño de Eurovisión; o de Miley Cyrus, que asegura que le parece «desolador» actuar en estadios de 100.000 personas.
Y está el caso de Babi, que hace ya 5 años cantaba junto a Luna Ki un estupendo tema llamado ‘Disney’. Babi es una artista que lleva casi una década en esto, no actúa en directo, no rueda grandes videoclips, apenas tiene redes sociales y jamás concede entrevistas. No le gusta estar en el foco, ella ha tomado esa decisión y sus streams monstruosos le permiten vivir de la música, de los derechos de autor que genera con cientos de millones de reproducciones. Suele escribir sola, no comparte créditos con 15 personas como está de moda hoy, y eso ayuda.
Ahora hace un año que no sabemos nada de Babi, pero quizá sus últimas canciones hablen por sí solas. O estén realizando algún tipo de juego con el oyente. ‘Clean’, junto a Oktoba, iba sobre estar superando la agorafobia: «Volví a ser mía / Volando en el ala de psiquiatría». ‘Sutura‘, la penúltima que nos dio, brillante en su estribillo «me alejo de ti porque no sé querer / igual que no bebo porque no sé beber», rimaba «depresión de caballo, ansiedad galopante» con «un par de ovarios acojonantes». Contradicciones que podrían alumbrar el camino de Luna Ki tanto como esta estrofa:
«Mirando al vacío, los coches pasan
No me asomo que sé que me ingresan
Me llaman cobarde y en qué se basan
Cuando mueran en vida ya me lo cuentan»
Estaba buscando una foto de Luna Ki con Babi de la era ‘Disney’ (2021) para ilustrar este artículo, que evidentemente no existe. Y quizá sea mejor así. Puede que no la necesitemos tanto como el recuerdo de que algún día se nos fue la olla de lo lindo con lo que significa esta cultura de la imagen -en la última década en torno al vídeo porque una imagen no bastaba-, y de la exposición mediática.
A raíz de un artículo sobre la infelicidad de los jóvenes actuales tras un estudio con millones de entrevistas que se ha realizado durante décadas, el sociólogo Jonathan Haidt situaba las redes como causa directa de ese malestar tan asociado a las nuevas generaciones: «Las redes sociales son una causa sustancial —no solo una pequeña correlación— de la depresión y la ansiedad, y por tanto de conductas asociadas a estas enfermedades, incluida la autolesión y el suicidio».
En épocas en que se ha asimilado que para desarrollar una carrera tienes que exponerte en redes, hay que recordar que también pueden existir otros caminos para los autores al margen de actuar en vivo, salir en televisión o ser juzgado constantemente en Instagram y X. Desde luego no todo el mundo puede hacer los números de Babi, pero recordemos cómo Julio de la Rosa y Remate se reciclaron a través de bandas sonoras y sincronizaciones en series, y que hay artistas que simplemente han pasado de realizar giras, como Enya o Kate Bush. Algunos incluso han convivido toda su vida con su miedo escénico, como Brian Wilson, Axl Rose o Cat Power. Los seguidores de esta artista siempre supimos que al ir a verla podía ocurrir cualquier cosa -un día se echaba a llorar, otro repartía pegatinas- y simplemente aceptamos que no pasaba nada.
Bad Bunny continúa en el número 1 de la lista de discos española, además con el mayor aumento en número de copias de la semana. Las razones son dos: la Super Bowl y la tardía edición en vinilo. Más de un año después de su edición, ‘Debí tirar más fotos’ entra directo al número 1 en la tabla de vinilos.
La entrada más fuerte es la de 091 con su disco ‘Espejismo nº9’. Llegan directos al puesto 4, gracias a la buena aceptación de singles como ‘No tiene sentido escapar’, ‘Antes de que salga el sol’ o ‘Algo parecido a un sueño’. Su álbum de 2019, ‘La otra vida’, había quedado en el puesto 5, por lo que esta es su mejor marca histórica.
También hay que hablar de la subida de MVRK, que pasa del puesto 28 al puesto 3 con ‘Pórtate bien!’. El madrileño -en concreto de Vallecas- se postula como una de las revelaciones de la temporada, teniendo solo por delante a Bad Bunny y a Rosalía. Recientemente actuaba en el Movistar Arena.
En cuanto a entradas internacionales, tenemos ‘Piss in the Wind’ de Joji en el puesto 15; a Robbie Williams en el número 41 con ‘BRITPOP‘ (reciente número 1 en UK); y a J Cole con ‘The Fall-Off’ en el puesto 89 (reciente número 1 en USA).
Otras entradas son ‘La Calma’ de El Kanka en el puesto 14, ‘Todo lo alto que quiera’ de Paula Mattheus en el puesto 19, ’10 locos años descalzos’ de Pedro Pastor en el puesto 68, ‘Forever’ de María Escarmiento en el puesto 84, ‘IO Canto 2’ de Laura Pausini en el puesto 90 y ‘Cerezos en flor’ de Luis Fercan en el 94.
Nuestro podcast para Fundación SGAE, ALGO CAMBIÓ…, arranca tercera temporada por todo lo alto. Este viernes 20 de febrero se publica ‘AMA’ de Maria Arnal, que ella misma considera «un debut» porque cuando empezó, «no tenía ni idea de nada». Se dice pronto para alguien que hace 9 años se merendaba una canción tan apasionada como ‘Tú que vienes a rondarme’ o incluso ganaba el Premio Ruido a Mejor Disco del Año por ‘Clamor’ junto a Marcel Bagès. Maria Arnal visita ALGO CAMBIÓ… para hablar de este formidable nuevo álbum y de inteligencia artificial.
Arnal nos explica su amplia experiencia con la tecnología, nos habla de su amistad con Holly Herndon -pionera y defensora de la IA– y nos recuerda que hay que distinguir entre diferentes formas de inteligencia artificial. «IA no hay una, hay millones. Yo odio la IA generativa de música. Eso me parece súper cutre y nada que haya escuchado de esto me parece interesante. Yo la uso para reproducir mi voz, no la de otra persona: mi voz, que es mi instrumento, y de manera artesanal, con mis propios datasets. Para que funcione un modelo tienes que tener tus materiales. Igual que para cocinar necesitas tener la nevera llena. Si tú le das pescado, no te va a salir carne. Lo que hacemos es experimentar con los datasets».
Arnal defiende el uso experimental de la tecnología aunque sea para equivocarnos, y demanda una regulación al respecto: «La tecnología está definiendo nuestra era y como artistas necesitamos poder experimentar, entender si algo es interesante o no, si nos inspira o no, si es ético o no. Construir una ética sobre este uso. Luchar por regularla de una manera o de otra. La IA no es autónoma, hay una persona detrás decidiendo». La artista sí manifiesta su preocupación por «la falta de atención» que estamos desarrollando las personas de nuestros días.
En una larga conversación de casi una hora de duración, Arnal nos recuerda que ha cantado «en camiones y en bodas», y ha trabajado también de acomodadora. «He picado piedra y eso se nota después», indica subrayando que se ha rodeado de gente del cine y del teatro y eso le ha servido para el concepto tan teatral de sus directos.
Pese a los experimentos, entiende el inminente ‘AMA’ como su «disco más pop» y además quería que fuera corto (dura algo menos de media hora): «Que tengas ganas de volver a empezar. La última y la primera son un volver a empezar». Se trata de un álbum en el que la voz está en el centro y hay un gran interés por desarrollar lo polifónico. Muchas canciones están hechas a partir de improvisaciones de voz.
Ese carácter más pop no impide que estemos ante un álbum profundo, que se conforma en parte por cartas sin enviar. En uno de los momentos más emocionantes de la entrevista, Maria Arnal nos cuenta que este álbum está dedicado a su prima, con la que jugaba de pequeña, y falleció con VIH. Se contagió mamando el pecho de su madre, lo cual está relacionado con la M y la A del título del álbum. Además, «AMA» eran las iniciales de esta familiar.
En la segunda parte del podcast, Cristina Perpiñá-Robert, directora general de SGAE, nos habla de un interesante estudio sobre IA que esta corporación publicó hace unos meses. Se entrevistó a más de 1.200 creadores, y se concluyó que la IA podría reducir hasta un 28 % los ingresos por derechos de autor musicales para el año 2028. Un 34% de las personas encuestadas reconocían haber utilizado herramientas de IA en algún momento, y un 17% adicional expresaban ya en el momento de la entrevista su intención de hacerlo próximamente.
Cristina Perpiñá-Robert se muestra favorable al uso de IA para la creación pero denuncia la pérdida de trabajo que puede representar: «Los autores ven que se les va a desplazar del negocio. Hay un efecto de canibalización. No solo se está usando inteligencia artificial por medio de estas herramientas mediante las que se ha alimentado a la máquina con obras sin autorización, y eso es un debate que hay que tener. Sino que sobre todo hay una enorme preocupación porque van a perder sus puestos de trabajo. Hay varios sectores en los que se dice «no necesito al músico: puedo usar un modelo de inteligencia artificial para generar música». Y esto es ya una realidad, no es un miedo de cara al futuro. En la música de publicidad, electrónica, de fondo, en jingles… ya se está usando inteligencia artificial y si se usa inteligencia artificial, no se está contratando al músico».
Lana del Rey estrena finalmente un nuevo tema extraído de su próximo disco, que ha cambiado varias veces de nombre y forma, y aún no tiene fecha de edición ni tracklist confirmado. Solo rumoreado.
Como vaticinaba su teaser dejado en redes, ‘White Feather Hawk Tail Deer Hunter’, nuestra Canción del Día este miércoles, es oscura e inquietante, con toques de banda sonora e inspiración en décadas remotas del siglo XX. Durante un par de segundos, contiene un arreglo muy español, tipo Manuel de Falla, zarzuela o pasodoble.
El carácter fantasmagórico de los primeros segundos -sacados de ‘Laura’ de Ella Fitzgerald- se corresponde con una letra también fantasmal, no exenta de humor en sus menciones a la cocaína y a la cocina. De hecho, bromea sobre lo «mal que se le da el horno» en un tema que contiene créditos de su hermana, de su cuñado y de su propio esposo, Jeremy Dufrene.
El título de la canción ya era uno de sus juegos de palabras imposibles, con referencias a un halcón blanco y a un cazador. 100% Lana del Rey, «White Feather Hawk» contiene una estrofa que confiesa: «todo el mundo sabe que he tenido problemas, pero han pasado tres veranos, y sé que es extraño verme cocinar para mi marido».
Entre expresiones como «positively voodoo» y rimas como «Whoopsie-daisy, do you think it’s okay? / Whoopsie-daisy, deposition cocaine», estamos ante una de las grabaciones más divertidas y distintivas de una Lana del Rey que iba agradeciendo algún tipo de movimiento hacia adelante. Parece que este ya no va a ser aquel disco de country en absoluto.
Shia LaBeouf, en su momento uno de los más queridos de la cultura pop por sus vídeos con Sia o Sigur Rós, su relación con FKA twigs y sus papeles en películas como ‘Nymphomaniac‘, no levanta cabeza. Las últimas noticias le sitúan detenido en el Mardi Gras, el carnaval de Nueva Orleans.
El actor ha sido detenido por dos cargos de agresión por los que tendrá que comparecer ante el juez la próxima semana. Shia LaBeouf ya había sido visto en actitud errática durante los días previos del Carnaval. Según El País, había aparecido en bares, clubs de fumadores y clubs de jazz, en ocasiones sin camiseta y sin dinero, tratando de aprovecharse de su fama.
Según algunos testimonios, incluso ha «aterrorizado» a asistentes del Carnaval al acercarse a transeúntes desconocidos, e incluso tocándolos. En un vídeo de TMZ se le ve recibiendo atención médica, y en otro, siendo reducido.
Shia LaBeouf ha asociado su mal comportamiento en público en el pasado con el abuso de sustancias, traumas no tratados y un trastorno de estrés postraumático de su infancia.
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